We Flandrii styl barokowy miał wyraźną tożsamość narodową i był potężny witalność. Głowa szkoła flamandzka był P.P. Rubensa, który łączył barokową dekoracyjność z tendencjami realistycznymi. Do najwybitniejszych współczesnych Rubensowi należeli: A. van Dyck (portret), J. Jordaens (gatunek krajowy), F. Snyders (martwa natura) i A. Brouwer (gatunek chłopski).

W XVII wieku sztuka holenderska podzieliła się na dwie szkoły – flamandzką i holenderską – w związku z podziałem samej Holandii w wyniku rewolucji na dwie części: Holandię, jak zaczęto nazywać siedem północnych prowincji wyzwolonych spod panowania hiszpańskiego i część południowa, która pozostała pod panowaniem Hiszpanii, – Flandria (współczesna Belgia). Różnymi drogami przebiegał ich rozwój historyczny, podobnie jak rozwój kulturowy. We Flandrii szlachta feudalna i wyżsi mieszczanie , a także Grał Kościół katolicki główną rolę w życiu kraju i byli głównymi odbiorcami sztuki . Dlatego obrazy do zamków , dla domów miejskich patrycjatu Antwerpii i majestatycznych obrazów ołtarzowych dla bogatych kościołów katolickich - tutaj główne typy dzieł malarzy flamandzkich

tym razem. Sceny z Pisma Świętego, starożytne sceny mitologiczne, portrety wybitnych klientów, sceny myśliwskie, ogromne martwe natury to główne gatunki sztuki Flandrii XVII wieku.

Podobnie jak we Włoszech, we Flandrii dominował barok, jednak we Flandrii w większym stopniu niż we Włoszech w ramach baroku rozwinęły się cechy realistyczne. Sztuka odzwierciedla materialne piękno natury i wizerunek silnej, energicznej, zdrowej osoby. Rozwija się gatunek codzienny i martwa natura. Centralną postacią sztuki flamandzkiej XVII wieku był Petera Paula Rubensa

(1577-1640). Wszechstronność talentu Rubensa i jego niesamowita produktywność twórcza upodabniają go do mistrzów renesansu. Urodzony w Niemczech w rodzinie prawnika z Antwerpii Jana Rubensa, który wyemigrował w latach z Holandii do Niemiec. Po śmierci ojca w 1589 roku matka i dzieci Rubensa wróciły do ​​Antwerpii, gdzie Rubens pobierał naukę: w szkole jezuickiej uczył się łaciny i nowożytnych języków europejskich, a także zapoznał się z historia starożytna, później studiował malarstwo – najpierw u artysty o tradycji staroniderlandzkiej, następnie u mistrza ruchu włoskiego. W 1598 roku Rubens został wpisany na listę wolnych mistrzów cechu św. Łukasza i tę datę można uznać za początek samodzielności twórczej artysty.

Jednak w 1600 roku udaje się w celu dalszego doskonalenia do Włoch, przede wszystkim do Wenecji, „aby spotkać” Tycjana, Veronese i Tintoretto, następnie do Rzymu, gdzie studiuje Michała Anioła. We Włoszech przebywał do 1608 r., od 1601 r. pełnił funkcję malarza nadwornego księcia Gonzagi w Mantui. Lata te były okresem kształtowania się jego twórczości.

Lata spędzone we Włoszech wypełniły nie tylko prace nad malowidłami ołtarzowymi dla kościołów rzymskich, mantuańskich i genueńskich, nad portretami („Autoportret z przyjaciółmi z Mantui”, ok. 1606, „Markiza Brigida Spinola-Doria”, 1606-07) , ale i studiowanie dzieł starożytności, w których zakochał się przez całe życie, a także mistrzów renesansu i współczesnych malarzy bolońskich. Z współcześni artyści W tym okresie największy wpływ na Rubensa wywarł Caravaggio.

W 1608 roku Rubens powrócił do ojczyzny, poślubił dziewczynę z zamożnej rodziny mieszczańskiej, Isabellę Brandt i na stałe osiadł w Antwerpii. Odtąd niezmiennie odnosił sukcesy jako artysta. Otrzymuje rozkazy od Kościoła, dworu, mieszczan, a sądy zagraniczne zarządzają jego dziełami.

Już w pierwszych latach pobytu Rubensa w Antwerpii powstała jego pracownia, rodzaj akademii artystycznej, wyróżniającej się nie tylko kolosalną liczbą powstających tu płócien, przeznaczonych do dekoracji pałaców i świątyń Flandrii i innych stolic Europy, ale także za chęć młodych talentów do współpracy z Rubensem. W tym samym czasie powstała w Antwerpii szkoła reprodukcji grawerowania, odtwarzająca oryginalne obrazy Rubensa i jego kręgu.

Dom Rubensa staje się centrum życia artystycznego Flandrii, gromadzi się tam śmietanka artystycznej i naukowej inteligencji Europy, uwagę artysty zwracają najbardziej uprzywilejowani ludzie. Atmosfera życie rodzinne Rubens doskonale przekazany „Autoportret z Isabellą Brandt”(1609-1610), przedstawiający siebie i swoją żonę pod baldachimem kwitnącego wiciokrzewu, w eleganckich, wręcz formalnych strojach, pozbawionych jakiejkolwiek pozy i pretensjonalności, promieniujących młodzieńczym szczęściem.

Pierwszą poważną pracą w domu były obrazy ołtarzowe dla słynnej katedry w Antwerpii: „Podniesienie Krzyża”(1610-1611) i „Zejście z krzyża”(1611-1614), w którym Rubens stworzył klasyczny typ obrazu ołtarzowego z XVII wieku. W tym połączyć monumentalność(bo to jest malarstwo, które powinno wyrażać nastrój dużej liczby ludzi, pewne bardzo ważne idee, które są dla nich zrozumiałe) i dekoracyjność(ponieważ taki obraz jest kolorowym punktem w zespole wnętrza).

Rubens sięgnął po tematykę Starego i Nowego Testamentu, przedstawienia świętych, mitologię starożytną i tematykę historyczną, alegorię, gatunek codzienny, portret i pejzaż. Wielki malarz, był także wielkim mistrzem rysunku (studia z życia, samodzielne kompozycje, portrety, szkice; zachowało się około 300 rysunków). Sztuka Rubensa, wyróżniająca się żywym i potężnym wyczuciem natury oraz niewyczerpaną wyobraźnią,

pełen różnorodnych wątków, akcji, mnóstwa postaci i akcesoriów oraz żałosnych gestów. Sztuka Rubensa jest typowym wyrazem stylu barokowego, który w jego dziełach nabiera cech narodowych. Ogromna zasada afirmująca życie, przewaga uczuć nad racjonalnością są charakterystyczne nawet dla najbardziej dramatycznych dzieł Rubensa. Charakterystyczne dla baroku niemieckiego, a nawet włoskiego cechy konwencji i zewnętrznej egzaltacji i mistycyzmu, wycofuję się

t u Rubensa przed potężnym naciskiem żywej rzeczywistości, siłą fizyczną, namiętnością, a czasem wręcz nieokiełznaniem, upojeniem naturą. Rubens gloryfikuje narodowy typ piękna. Dziewica Maria, podobnie jak Magdalena, jawi się jako jasnowłosa, niebieskooka Flamandka o zaokrąglonych kształtach. Chrystus nawet na krzyżu wygląda jak sportowiec. Sebastian jest pełen sił pod gradem strzał. Obrazy Rubensa są pełne gwałtownego ruchu. Zwykle, aby zwiększyć dynamikę, ucieka się do pewnego kompozycje, w których dominuje kierunek ukośny. Na przykład na obu obrazach z Antwerpii przekątną tworzy linia krzyża. Ten dynamiczny kierunek tworzą także skomplikowane kąty i pozy postaci , które są ze sobą powiązane, tworząc złożone środowisko przestrzenne . Wszystkie kompozycje Rubensa

przeniknięty ruchem, to naprawdę świat, w którym nie ma pokoju. W ogromnych dekoracyjnych płótnach dominuje patos burzliwej dynamiki kosmicznej, walka przeciwstawnych sił: „ Sąd Ostateczny „, „Mały Sąd Ostateczny”, „Upadek grzeszników”,(1610 r., wszystko w Alte Pinakothek w Monachium). Element pierwotnego chaosu podporządkowany jest doskonale zorganizowanej kompozycji zbudowanej po przekątnej, elipsie, spirali, na kontrastach ciemnych i jasnych sylwetek, zestawieniach kolorystycznych i plamach, strumieniach światła i zacienionych masach obrazowych, złożonej grze rytmicznych harmonii. Zacięta walka ludzi z dzikimi zwierzętami ucieleśniona jest w scenach myśliwskich – nowym gatunku malarstwa flamandzkiego stworzonego przez Rubensa, który wyróżniał się bardziej konwencjonalnym charakterem („Polowanie na krokodyla i hipopotama”, „Polowanie na dzika”, 1615, „Polowanie na lwa” 1615-18), następnie przez podejście do rzeczywistości, przez połączenie gatunek zwierzęcy i krajobraz („Polowanie na dzika”, OK. 1618-20). Temat zmagań człowieka z siłami natury obecny jest już we wczesnych pejzażowych pracach artysty. („Nosiciele kamieni”, OK. 1620, Ermitaż).

Rubens zrozumiał i kochał starożytność często przekształcał mity w malownicze obrazy. Ale wybrał głównie te tematy, które można ująć w kompozycjach dynamicznych, wyrazić radość istnienia, zaśpiewać hymn życia. Pędzel Rubensa poetyzuje element zmysłowy. („Statua Ceres”, lata 1612–1614; „Wenus i Adonis” 1615; „Zjednoczenie Ziemi w Wodzie” OK. 1618, „Powrót Diany z polowania”, ok. 1618 r. 1615-16, „Wenus przed lustrem” 1615-16), sceny z „Bachanaliów”, sławiące życie przyrody i hojną płodność ziemi („Bachanalia”, 1615-20, „Procesja Silenusa” 1618,).

Obrazy klasycznej starożytności zyskują ziemską autentyczność, nie ugruntowując się i nie tracąc wzniosłości, jak na przykład w arcydziele Ermitażu „Perseusz i Andromeda”. Andromeda, która przemieniła się w blondynkę, pełną zdrowia Flamandkę, Perseusza, pełnego mocy, który wyzwolił piękność z niewoli smoka, jego skrzydlatego konia Pegaza, amorki, chwałę wieńczącą bohatera – wszystko pokryte jest poezją i pełen poczucia radości. Szczególnie ułatwia to kolor obrazu, uroczysty dźwięk niebieskiego, czerwonego i żółtego. Drżące, wibrujące pociągnięcie pędzla oddaje w najdrobniejszych odcieniach różu i perły całe piękno ciała Andromedy. Przejścia światła i cienia są niezauważalne, nie ma wyraźnych konturów, wszystkie obiekty zdają się powstawać ze światła i powietrza. Rubens maluje bardzo płynnie, czasami pod farbami prześwituje odcień podłoża. To prawda, że ​​lata dwudzieste XX wieku charakteryzowały się jaskrawymi kolorami i wielobarwnością; później Rubens zaczął skłaniać się ku malarstwu bardziej monochromatycznemu.

Rubens zwykle tworzył mały szkic przyszłego obrazu, nakładając główny rysunek brązowawymi pociągnięciami na jasnym podłożu i budynku kompozycja kolorystyczna używając kilku jasnych kolorów. Szkice Rubensa – wspaniałe dzieła jego malarstwa (część z nich znajduje się w Ermitażu) – powstawały szybko, oddając plan mistrza; Gdy obraz był już gotowy, przy pomocy uczniów namalował go pędzlem. Jednak jego najlepsze prace są tworzone od początku do końca przez niego samego. Rubens często trzymał się starego niderlandzkiego zwyczaju malowania na drewnianych deskach, pokrywanych cienką warstwą farby na jasnym podłożu i tworzących efekt lustrzanej, błyszczącej powierzchni.

Lata dwudzieste i trzydzieste XVII wieku to okres najintensywniejszego działalność twórcza Rubensa.

W antwerpskim warsztacie Rubensa praca szła pełną parą – wśród jego klientów znajdowała się nie tylko szlachta i bogaci kupcy, ale także królowa Francji Maria Medycejska i królowa hiszpańska Izabela. Rubensa nazywano „królem artystów i artystą królów”. W latach 1623-1625. Rubens otrzymuje zamówienie na cykl 21 obrazów królowej Francji Marii Medycejskiej, wdowa po Henryku IV, do dekoracji Pałacu Luksemburskiego. Tematy mało interesujące i nieistotne historycznie (małżeństwo i regencja królowej) są geniuszem Rubensa uczynił z niego genialne dzieło sztuki monumentalnej i dekoracyjnej. Nie sposób wymienić scen z życia Marii Medycejskiej obrazy historyczne, w nich postacie historyczne współistnieją ze starożytnymi bóstwami, prawdziwe wydarzenia współistnieją z alegoriami. Ale niezależnie od tego, co przedstawia, wszystko ma charakter przekonującej prawdy, realności i wierności przedstawionemu światu, przy całej nieskrępowanej wyobraźni artystycznej.

W latach dwudziestych XVII w. Rubens tworzy nowy gatunek europejski uroczysty portret barokowy, podkreślając znaczenie społeczne modele, w którym wielkość wyraża poza modela, kostium i wszelkiego rodzaju dodatki scenograficzne.(portret Marii Medycejskiej, 1622). Szczególne miejsce zajmuje najdoskonalsze malarstwo transparentne portret pokojówki infantki Izabeli(1625, Ermitaż).

W 1626 roku Rubens stracił ukochaną żonę. Kończy się pewien okres w jego życiu. Przytłoczona samotnością artystka przyjmuje rozkaz od władczyni Holandii, infantki Izabeli, i udaje się z misją dyplomatyczną do Hiszpanii i Anglii (w celu wynegocjowania pokoju między Hiszpanią a Anglią). Witany z honorami przez królów Anglii i Hiszpanii jako artysta światowej sławy, zyskuje nowe kontakty, mecenat królewski, zostaje wyniesiony do godności szlacheckiej i rycerskiej. W Hiszpanii Rubens studiował tam bogato prezentowane obrazy Tycjana i poznał młodego Velazqueza.

W 1630 r. Rubens powrócił do Antwerpii i wkrótce poślubił młodą szesnastoletnią daleką krewną swojej pierwszej żony, Eleny Fourmen (w innej transkrypcji – Faurmen). Małżeństwo Rubensa stało się nowym etapem w jego życiu, pełnym pogodnego szczęścia rodzinnego. Nabywa majątek, w skład którego wchodzi Zamek Sten (stąd nazwa tego okresu – „Sten”). Rozczarowany karierą dworską i działalnością dyplomatyczną poświęcił się całkowicie twórczości. Mistrzostwo zmarłego Rubensa znakomicie objawia się w stosunkowo niewielkich dziełach wykonywanych własnoręcznie. Wizerunek młodej żony staje się motywem przewodnim jego twórczości. Stała się muzą artysty ostatni okres jego twórczość. Ideał blond piękności o bujnym, zmysłowym ciele i pięknym kroju dużych, błyszczących oczu powstał w dziełach mistrza na długo przed wejściem Eleny w jego życie, stając się ostatecznie widzialnym ucieleśnieniem tego ideału. Rubens maluje Helenę pod postacią biblijnej Batszeby (1635), bogini Wenus („Sąd Paryża”, ok. 1638), jednej z trzech łask (ok. 1639), włącza jej wizerunek do obrazu „The Ogród Miłości” (ok. 1635), jakby wypełniony śmiechem i okrzykami młodych par zgromadzonych w parku, szelestem jedwabnych sukienek, drżeniem światła i powietrza. Liczne są portrety Eleny w sukni ślubnej, z dziećmi, z najstarszym synem Franzem i na spacerze z mężem po ogrodzie. Artystka tworzy wizerunek nagiej Eleny z narzuconym na ramiona aksamitnym futrem obszytym futrem, rzadkim w swej szczerości osobistych uczuć i urzekającym malarstwie. ("Płaszcz", 1638, Kunsthistorisches Museum w Wiedniu). Portret zbudowany jest na najdrobniejszych niuansach kolorystycznych, na kontraście gęstego brązowego futra z aksamitną skórą, lekko przesiąkniętych powietrzem włosów i wilgoci błyszczących oczu. Ciało kobiety jest pomalowane z niesamowitą realistyczną siłą, wydaje się, że czujesz, jak krew pulsuje w twoich żyłach. To obraz bardzo osobisty, intymny, ale jak każdy duża praca, zawiera ogólną myśl: Rubens gloryfikuje kobietę jako symbol życia.

W tej ostatniej dekadzie życia Rubens pisał więcej dla siebie, kierując się własnym wyborem tematów, ale wiele utworów wykonywał też na zamówienie. Maluje portrety i choć gatunek ten nie jest w jego twórczości najważniejszy, to jednak wyraźnie wpisuje się w ramy tego stylu. W swoim ostatnim autoportrecie (1638-1639) Rubensowi udało się jednak ukazać jako subtelnego psychologa: zapisany jest smutek, zmęczenie, ślady choroby i wiele refleksji mężczyzny już w średnim wieku, mądrego z życiowego doświadczenia na tej twarzy.

Rubens zwraca się także ku życiu natury. Krajobrazy zmarłego Rubensa odtwarzają epicki obraz natury Flandrii z jej otwartymi przestrzeniami, odległościami, drogami i zamieszkującymi ją ludźmi. Spokojna wolność lub odwrotnie, szaleńcze elementy są przekazywane przez pędzel Rubensa z tym samym poczuciem realizmu i ciągłą afirmacją życia. („Tęcza”, 1632-35, Ermitaż; „Powrót z pola”, 1636-38, Galeria Pitti, Florencja).

W sensie prawdziwie popularnego ducha Rubens jest spadkobiercą wielkich Holenderski artysta Pieter Bruegel Muzhitsky. Artysta przedstawia pełne wesołych elementów uroczystości ludowe („Taniec chłopski”, 1636-40, „Kermessa”, ok. 1635).

W ostatniej dekadzie umiejętności malarskie Rubensa wyróżniały się wirtuozerią i niezwykłą szerokością. Kolorystyka staje się bardziej monochromatyczna, bardziej uogólniona, poprzedni wielokolorowy zostaje utracony.

Rubens zmarł w 1640 roku u szczytu swych sił twórczych. Dał światu około 3 tysięcy obrazów i wiele rysunków. Miał wielu uczniów, ogromną pracownię, w której wykonywano wiele prac według szkiców artysty wykonanych przez jego uczniów. Byli wśród nich Van Dyck, Snyders, Jan Brueghel the Velvet. Ale tu nie chodzi o liczbę studentów. Historyczne znaczenie Rubensa polega na tym, że w istocie był on założycielem szkoły flamandzkiej i wyznaczył drogę jej rozwoju, co miało ogromny wpływ na dalszy rozwój Sztuka zachodnioeuropejska, zwłaszcza XIX w.

Rubens osiągnął niesamowitą doskonałość i łatwość w sztuce posługiwania się pędzlem – i to zadziwiło romantyków. Tak pisał o nim Eugene Delacroix: „...naśladował Michała Anioła, ale w sposób, w jaki tylko on umiał naśladować! Był pełen najwspanialszych przykładów, ale kierował się zasadą, którą w sobie nosił... I tak odwagę bycia sobą... Czasami się na niego dąsam! Kłócę się z nim z powodu jego ciężkich form, z powodu braku wyrafinowania i wdzięku... Ale nawet błędy Rubensa nie osłabiają wrażenia jego obrazów, są one. tak przepojony szczególną cechą prawdziwej odwagi... Rubens jest znacznie bardziej podobny do Homera niż wielu starożytnych mistrzów. Miał w swym duchu podobny geniusz…”

Najbardziej znanym ze wszystkich uczniów Rubensa, który krótko się u niego uczył, ale wkrótce został pierwszym asystentem w jego warsztacie, był Antoniego van Dycka (1599-1641).

Van Dyck rozwinął się wcześnie jako artysta. Syn zamożnego kupca z Antwerpii, przez całe życie zabiegał o wstąpienie do rodzinnej arystokracji i w jego portretach i autoportretach zawsze podkreślany jest arystokratyzm modelki, jej kruchość i wyrafinowanie.

To właśnie taki elegancki ulubieniec losu, na którym go widzimy autoportret: tej różowej twarzy Fleminga celowo nadano zmęczony wyraz, w naturze podkreślono cechy kobiecości. Piękne, zadbane dłonie są starannie ukazane, garnitur jest arystokratycznie swobodny, a loki romantycznie rozwinięte. Maluje się teraz jako Rinaldo, raz jako Paryż, raz jako św. Sebastian, a we wszystkich jego kompozycjach religijnych przebija nastrój smutno-elegijny. Portretując zamożnych mieszczan Antwerpii, którzy sami wywodzili się z tego środowiska, van Dyck na wszelkie możliwe sposoby stara się arystokratyzować modelki, nadając im nerwową ekspresję i wyrafinowanie form.

Duże miejsce w jego twórczości zajmuje tematyka mitologiczna i chrześcijańska, którą interpretuje z charakterystycznym dla siebie liryzmem („Zuzanna i starsi”, 1618-1620; „Św. Hieronim”, 1620; „Madonna z kuropatwami” początek lat trzydziestych XVII wieku).

Ale głównym gatunkiem van Dycka jest portret. W pierwszym Okres Antwerpii(koniec lat 10. - początek lat 20.), jak nazywa się ten okres jego twórczości, maluje bogatych mieszczan lub swoich kolegów-artystów, pisze w sposób ściśle realistyczny, z subtelnym psychologizmem.

Ale po przyjeździe do Włoch ten typ portretu ustępuje miejsca innemu. Zdobywszy miłość miejscowej genueńskiej szlachty, van Dyck otrzymał wiele zamówień i stworzył uroczysty, reprezentacyjny portret, w którym przede wszystkim wyrażona została przynależność klasowa modela. Postać ukazana jest nieco od dołu, przez co jest bardziej majestatyczna, monumentalna; wrażenie to potęgują dodatki bogatego stroju i wyposażenia. Portrety Van Dycka są dekoracyjne w całej swojej strukturze: rytm plastyczny i linearny, gra światłocienia, której nauczył się od Caravaggia i oczywiście kolor, w którym wpływ największego kolorysty Rubensa połączył się z wpływem na artystę weneckiej szkoły kolorystycznej ( portret Paolo Adorno).

W 1627 roku van Dyck powrócił do Antwerpii, a ponieważ Rubens w tym okresie wyjechał do Hiszpanii i Anglii, stał się na pewien czas główną postacią artystyczną w Antwerpii. rodzinne miasto. Jego sukces jako modnego malarza jest ogromny. Politycy, prałaci kościelni, arystokraci i zamożni mieszczanie, lokalne piękności, koledzy artyści pojawiają się w długiej galerii dzieł Van Dycka z tych lat ( sparowane portrety pary Stevensów; portret artysty F. Snydersa itp.).

Po powrocie Rubensa do ojczyzny, nie chcąc konkurować z wielkim mistrzem, ambitny artysta wyjechał do Anglii, aby służyć królowi Karolowi I (1632). Angielska narodowa szkoła malarstwa dopiero nabierała kształtu, a van Dycka witano z radością i od razu dosłownie bombardowano rozkazami. Karol I nadaje mu tytuł głównego malarza królewskiego i podnosi do rangi rycerskiej. Van Dyck „odwdzięcza się” wszystkim swoim dziełem galerie uroczystych portretów angielskiej arystokracji dworskiej. Swoje modele prezentuje w bogatych wnętrzach lub w plenerze, najczęściej w pełnym wzroście, w efektownej pozie, w kolorowych, wyraźnie zdobionych strojach. Ale indywidualne cechy modelu, subtelnie uchwycone w każdym indywidualnym przypadku, wrodzone poczucie proporcji Van Dycka i, oczywiście, genialne umiejętności artysty - wszystko to razem chroni go przed prymitywnymi pochlebstwami ().

portret Thomasa Whartona; portret Philipa Whartona; portret polującego Karola I Dla Anglii van Dyck był założycielem wspaniałej szkoły sztuka portretowa

, które osiągnęło wyjątkowy dobrobyt w XVIII wieku. Ale dla szkół kontynentu van Dyck, jako mistrz portretu ceremonialnego, miał ogromne znaczenie. (1593-1678), Prawdziwym naśladowcą i przywódcą szkoły flamandzkiej po śmierci Rubensa był Jacob Jordaens

Jeden z najlepszych asystentów Rubensa w jego warsztacie, wiele nauczył się od wielkiego malarza, nie tracąc jednak swoich indywidualnych cech. Podobnie jak van Dyck pochodził ze środowiska mieszczańskiego. Jakiekolwiek tematy podejmuje – mitologiczne, chrześcijańskie, alegoryczne – zawsze pozostał trzeźwym realistą, któremu udało się zachować zdrowego ducha ludu. Jego ulubionym gatunkiem jest codzienność. Przez pryzmat rozwiązań gatunkowych powstawały także wizerunki ołtarzowe i obrazy o tematyce mitologicznej.

Typowa praca to „Święto Króla Fasoli”- obraz rodzinnej uczty, wielokrotnie powtarzany przez Jordansa: stoły zastawione jedzeniem, twarze błyszczą zadowoleniem i uśmiechają się. Artysta swoich obrazów szukał w środowisku chłopskim, w masowym tłumie.

W innej popularnej historii - „Satyr odwiedzający chłopa”(na temat bajki Ezopa; wersje tego obrazu znajdują się w wielu muzeach europejskich) starożytna legenda nabiera narodowych cech flamandzkich.

Sztuka Jordaensa jest ściśle związana z tradycjami staroniderlandzkimi. W młodości, wśród europejskich mistrzów, pozostawał pod wielkim wpływem Caravaggia („Pokłon pasterzy”). Później przestał interesować się efektami kontrastów światła i cienia. Nasycenie koloru tworzy świąteczną kompozycję, zawsze tryskającą zabawą. Malarstwo Jordanesa jest bujne, swobodne, plastyczne i ukazuje ogromne możliwości dekoracyjne artysty. Kolor narodowy, typ narodowy wyrażają się w dziełach Jordaensa z największą kompletnością i prostotą.

Specjalny gatunek w sztuce flamandzkiej XVII wieku. była martwa natura, której słynnym mistrzem był Frans Snyders (1579-1657).

Na jego obrazach pięknie namalowane dary ziemi i wody leżą na stołach w stosach: ryby, mięso, owoce, zabita zwierzyna. Z reguły takie martwe natury służyły jako dekoracyjna dekoracja dużych, bogatych wnętrz, dlatego martwa natura flamandzka jest zwykle dużych rozmiarów, w przeciwieństwie do holenderskiej (na przykład słynna „Ławka” Snydersa, 1618-1621: „Sklep Rybny”, „Sklep Owocowy”, wykonany dla pałacu biskupiego).

Malarstwo rodzajowe Flandrii reprezentowane jest w sztuce wyjątkowo utalentowanego artysty Adriana Brouwer(Brouwer, Brower, 1606-1638).

Mieszkając przez wiele lat w Holandii, Brouwer malował niewielkie obrazy o tematyce codziennej. Jego bohaterami są chłopi i miejski plebs, grają w karty, piją, biją się, wykrzykują piosenki.

W pracach Brouwera nie ma szerokiej dekoracyjności szkoły flamandzkiej; są one wykonane w duchu Realizm holenderski i są przeznaczone do dokładnego zbadania („Lekarz wiejski”). Fabuła jest momentami dramatyczna, twarze, mimika, pozy, gesty niezwykle wyraziste, ironia przeplata się z goryczą i w tym sensie Brouwer kontynuuje tradycje Bruegla („Walka”).

Jego pisarstwo jest mistrzowskie, artystyczne, pełne subtelnych relacji kolorystycznych. Lakonizm języka, umiejętność wyrażenia tego, co najważniejsze przy minimalnych środkach, mądra powściągliwość, w pełni przejawiają się w rysunkach Brouwera, które w swoim lapidarnym stylu są bardzo bliskie sztuce współczesnej.

Obserwator przeglądarki - David Teniers Młodszy(1610-1690) w swoim dziele temat chłopski interpretowane jako wiejskie święta i wzmacniane są elementy dekoracyjne. W wielkoformatowych, ale małofiguralnych kompozycjach reprezentuje odświętną zabawę na świeżym powietrzu, przy tańcach, posiłkach i spokojnych rozmowach („Święto na wsi”, „Wesele chłopskie”).

W drugiej połowie XVII w. Nie ma większych mistrzów malarstwa flamandzkiego, ale wkład w sztuka europejska Flandria została już wykonana.

Inaczej zakończyły się walki wyzwoleńcze przeciwko Hiszpanii na północy i południu Holandii. W 1598 roku hiszpański król Filip II po długiej i krwawej wojnie został zmuszony do ustępstw. Północne Niderlandy uzyskały pełną niepodległość, a południowe prowincje uzyskały formalną suwerenność, zachowując jednocześnie władzę wicekróla królewskiego i Kościoła katolickiego. Na początku XVII w. przestała istnieć zjednoczona holenderska szkoła artystyczna, a na jej miejscu zaczęły powstawać dwie niezależne szkoły artystyczne – flamandzka i holenderska. W XVII wieku przeżywali swój największy rozkwit.

Południowe prowincje Holandii, na czele z Flandrią i Brabancją (głównie terytorium współczesnej Belgii), które pozostały pod panowaniem hiszpańskim, prowadziły niespokojne życie, nieustannie dręczone groźbą wojny. Krótkie wytchnienie, jakie zapewnił rozejm z lat 1609–1621, wywarło jednak korzystny wpływ na życie duchowe kraju. Tutaj na przełomie wieków powstała szkoła starożytności i humanistów. Sam gubernator słuchał wykładów jednego z nich, wybitnego flamandzkiego naukowca, historyka i filologa, wydawcy dzieł starożytnego rzymskiego filozofa Seneki, Justusa Lipsii, na Uniwersytecie w Louvain. Ale najbardziej uderzającą stroną kultury XVII wieku były południowe Niderlandy (nazywane Flandrią od największej prowincji) z ich malarstwem.

Na przełomie XVI i XVII w. wciąż żywe były tu tradycje poprzedniej epoki. Krajobraz zajmował ważne miejsce w malarstwie flamandzkim. Pracę kontynuował najmłodszy syn Pietera Bruegla Starszego, Jan Bruegel (1568-1625), nazywany Aksamitem ze względu na wyrafinowanie swojego malarstwa.

Obrazy religijne powstawały w katolickiej Flandrii przede wszystkim w celu dekoracji kościołów. Jednak wiele kompozycji opartych na tematyce ze Starego i Nowego Testamentu zaczęto postrzegać jako historyczne i zdobione budowle świeckie.

Malarstwo flamandzkie znalazło swoje prawdziwe oblicze po powrocie Petera Pauwela Rubensa (1577-1640) do ojczyzny w 1606 roku, po ośmioletnim pobycie we Włoszech. Praca tego mistrza pochłonęła wszystko, co było najbardziej zaawansowane i znaczące kultura europejska tamtego czasu. Inteligencja artysty, niezwykły talent i wykształcenie oraz niewyczerpana wyobraźnia artystyczna budziły podziw współczesnych. Malarz, historyk starożytności, archeolog i historyk architektury, prowadził skomplikowane misje dyplomatyczne, zabiegając o pokój dla swojej cierpiącej ojczyzny. Rubens namiętnie kochał Flandrię, czuł ducha jej mieszkańców, bliskie mu było pełnokrwiste podejście narodu flamandzkiego do życia, podzielał ich żarliwe marzenie o pokoju i dobrobycie.

Marzenie o szczęściu i obfitości przyświecało twórczości stałego pomocnika Rubensa, największego mistrza flamandzkiej martwej natury, Fransa Snydersa (1579-1657).

Związany silnymi związkami z Rubensem Anthony Van Dyck (1599-1641) był jednym z największych malarzy portretowych XVII wieku. Dokładność obserwacji łączył w swoich pracach z chęcią utwierdzenia wyrafinowanej duchowej szlachetności modelu.

Okres rozkwitu flamandzkiej szkoły malarstwa trwał niecałe trzy dekady. Spadek zaczął być odczuwalny wkrótce po śmierci Rubensa. W 1632 van Dyck wyjechał do Anglii, a w 1657 zmarł Snyders. I tylko Jacob Jordanes (1593-1678), który przeżył długie życie, kontynuował twórczość malarską w drugiej połowie stulecia. Jego mocne, spokojne, szorstkie malarstwo skłaniało się ku pospolitym typom i obrazom ludowym.

Chłop sceny rodzajowe pisał malarz David Teniers Młodszy (1610-1690). Za życia cieszył się powodzeniem, a w kolejnych stuleciach był chętnie kupowany przez kolekcjonerów. Kompozycje Teniersa obfitują w codzienne epizody. Najważniejsze dla artysty było codzienne życie okolice wsi i jej bywalcy.

Wiek XVII to czas powstania narodowej szkoły artystycznej Flandrii. Podobnie jak we Włoszech, tutaj dominował barok. Jednak barok flamandzki pod wieloma względami różni się od włoskiego; rozwinięte są w nim cechy realistyczne. Okres rozkwitu narodowej kultury i sztuki Flandrii przypada na pierwszą połowę XVII wieku, wyznacza go specyfika wczesnej rewolucji burżuazyjnej końca XVI wieku. Na początku XVII wieku. W sztuce flamandzkiej ostatecznie przezwyciężono średniowieczne formy sztuki. Rozprzestrzeniały się tematy i gatunki świeckie: historyczne i alegoryczne, mitologiczne, portretowe i codzienne, pejzaż. Podążając za manieryzmem, z Włoch przedostała się akademizm szkoły bolońskiej i karawagizm. Opierając się na skrzyżowaniu tradycji realistycznej malarstwa staroniderlandzkiego i karawagizmu, rozwinął się kierunek realistyczny i rozkwitł monumentalny styl barokowy. Największy ośrodek artystyczny we Flandrii z drugiej połowy XVI wieku. stała się Antwerpią.

Głową flamandzkiej szkoły malarstwa był Peter Paul Rubens (1577-1640). W jego twórczości wyraźnie wyraża się zarówno potężny realizm, jak i narodowa wersja baroku. Urodzony muralista i malarz sztalugowy, grafik, architekt-dekorator, projektant przedstawień teatralnych, utalentowany dyplomata władający kilkoma językami, naukowiec i humanista, cieszył się dużym szacunkiem na dworach książęcych i królewskich. Rubens jest twórcą barokowych kompozycji patetycznych, czasem oddających apoteozę bohatera, czasem przepełnionych tragizmem. Siła plastycznej wyobraźni, dynamika form i rytmów, triumf zasady dekoracyjnej stanowią podstawę jego twórczości.

Wczesne (okres antwerpski) dzieła Rubensa (sprzed lat 1611-1613) wskazują na wpływy Wenecjan i Caravaggia. Rubens był mistrzem malarstwa o tematyce mitologicznej i alegorycznej. W „Bachanaliach” (1615–1620, Moskwa, Muzeum Puszkina), przedstawiających święto ku czci boga wina Bachusa, mitologiczne obrazy są nośnikami naturalnej zasady żywiołu, płodności i niewyczerpanej miłości do życia. Z drugiej dekady XVII w. nasila się dramatyczna dynamika kompozycji Rubensa. W „Gwałcie córek Leucypa” (1619-1620, Monachium, Alte Pinakothek) dramat namiętności, które porywają bohaterów, osiąga swój punkt kulminacyjny. Talent malarski Rubensa osiągnął swój szczyt w latach dwudziestych XVII wieku. Kolor stał się głównym wyrazicielem emocji, organizującym początek kompozycji. Rubens porzucił lokalny kolor, przeszedł do tonalnego wielowarstwowego malarstwa na białym lub czerwonym podłożu i połączył staranne modelowanie z lekką szkicowością. Do tego czasu powstało dwadzieścia dużych kompozycji na temat „Życie Marii Medycejskiej” (1622–1625, Paryż, Luwr), które miały ozdobić Pałac Luksemburski. W „Autoportrecie” (ok. 1638, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum) wszystko przyczynia się do ukazania ideału osoby zdolnej, inteligentnej i pewnej siebie. Od lat trzydziestych XVII w Rozpoczął się późny okres twórczości Rubensa. Mając dość sławy i zaszczytów, wycofał się z działalności dyplomatycznej, odmówił wykonywania oficjalnych poleceń i większość życia spędził na wiejskim zamku Stan. Jego postrzeganie świata stało się głębsze i spokojniejsze. Kompozycje nabrały powściągliwego i zrównoważonego charakteru. Artysta skupił się na ich malarskiej doskonałości: kolorystyka straciła wielobarwność i uległa uogólnieniu. Ostatnie dziesięciolecia twórczości Rubensa stanowią szczyt jego artystycznego rozwoju. Rubens zwrócił się do przedstawiania życia ludzi, malowanych pejzaży, portretów swoich bliskich, żony, dzieci, samego siebie w otoczeniu, odniósł szczególne sukcesy w obrazach dzieci: „Portret Eleny Fourman z dziećmi”, „Futro” ( 1638-1639, Wiedeń, Muzeum Sztuki Historycznej). (1636, Luwr, Paryż). Ludowe podłoże twórczości Rubensa jest wyraźnie widoczne w „Tańcu chłopskim” (między 1636 a 1640, Madryt, Prado).

Ewolucja twórczości Anthony'ego Van Dycka (1599-1641) przewidywała i wyznaczała drogę rozwoju szkoły flamandzkiej w drugiej połowie XVII wieku. w kierunku arystokracji i sekularyzmu. Artysta skłaniał się ku dramatycznym rozwiązaniom tematów, skupiając uwagę na psychologicznych aspektach życia poszczególnych bohaterów. To zdeterminowało zwrot Van Dycka w kierunku portretu. Stworzył w nim rodzaj błyskotliwego portretu arystokratycznego, obrazu człowieka wyrafinowanego, inteligentnego, szlachetnego. („Portret rodzinny”, między 1618 a 1626, St. Petersburg, Ermitaż). Ostatnie dziesięć lat życia Van Dyck spędził w Anglii na dworze Karola I. Wpływ na rodzaj powstających przez niego portretów miał dalszy rozwój Portret angielski i europejski.

Wyrafinowaniu sztuki Van Dycka przeciwstawiła się pogodna sztuka Jacoba Jordanesa (1593-1678), który stworzył galerię charakterystycznych typy ludowe. Podobnie jak Rubens, jego twórczość przesiąknięta jest potężnym wyczuciem życia natury i jej zmysłowych elementów. Jordanes malował obrazy ołtarzowe i obrazy o tematyce mitologicznej, ale interpretował je w kategoriach gatunkowych. Do najbardziej charakterystycznych należy „Święto Króla Fasoli” (ok. 1638, St. Petersburg, Ermitaż).

W XVII wieku martwa natura stała się niezależnym gatunkiem. Odzwierciedlało zainteresowanie światem materialnym, które wywodzi się z holenderskiego „malarstwa rzeczy” z początku XV wieku. Flamandzkie „sklepy życia” to płótna o dużych rozmiarach i jasnych kolorach; służyły jako dekoracja ścian przestronnych pałaców szlachty flamandzkiej, wychwalając piękno i bogactwo ziemskiej egzystencji. Głównym mistrzem monumentalnej dekoracyjnej martwej natury i „scen myśliwskich” był Frans Snyders (1579-1657). Obiekty przesadzone w skali zdają się być obdarzone niezwykłą żywotnością, wyznaczające je niespokojne linie generują dynamiczny, burzliwy rytm (Seria „ław” dla wiejskiego pałacu myśliwskiego arcybiskupa Trista w Brugii (lata 20. XVII w., Sankt Petersburg). , Ermitaż). Kierunek malarstwa flamandzkiego XVII wieku reprezentował dzieło Adriana Brouwera (1605/06-1638), ucznia Fransa Halsa, który malował małe obrazy, kontynuując w nich tradycję groteskową i humorystyczną malarstwo rodzajowe Pietera Bruegla, w przeciwieństwie do Bruegla, twórcy szerokich panoram życia ludowego, Brouwer zwrócił się ku konkretnym sytuacjom codziennym i wyrazistym postaciom. Skłonny jest do utrwalania konfliktów psychologicznych, przedstawiania scen pijackich popisów, gier w karty i kości, które często przeradzały się w bójki („W karczmie”, lata 30. XVII w., Monachium, Alte Pinakothek).

W drugiej połowie XVII w. treść malarstwa flamandzkiego staje się płytsza. Pojawiają się tendencje do idealizacji i zabaw zewnętrznych. Cechy te charakteryzują twórczość jednego z najwybitniejszych malarzy połowy XVII wieku. Dawid Teniers Młodszy (1610-1690). W wielkoformatowych, ale drobnofigurowych kompozycjach, pięknych kolorach i dekoracyjnych wzorach, uwielbiał przedstawiać wesołe posiłki z tańcami na świeżym powietrzu, chłopskie wesela („Święto wsi”, 1646, Petersburg, Ermitaż), tworząc w nich idyllę zdjęcia radosnego, beztroskiego i zadowolonego życia.

Wiek XVII to czas powstania we Flandrii narodowej szkoły artystycznej malarstwa. Podobnie jak we Włoszech, tutaj dominował barok. Jednak barok flamandzki pod wieloma względami znacznie różni się od włoskiego. Barokowe formy przepełnione są poczuciem tętniącego życiem i barwnego bogactwa świata, poczuciem spontaniczności mocy potężnego człowieka i płodnej natury. W ramach baroku we Flandrii cechy realistyczne rozwinęły się w większym stopniu niż miało to miejsce we Włoszech.
Osobliwości kultura artystyczna Flandria – pragnienie wiedzy o świecie, narodowości, pogody ducha, uroczystego święta – najpełniej wyraziła się w malarstwie. Malarze flamandzcy uwieczniali na swoich płótnach poetyckie zmysłowe i materialne piękno natury oraz obraz całości silny mężczyzna pełni zdrowia i niewyczerpanej energii.

Rubensa

Szef flamandzkiej szkoły malarstwa, jeden z najwięksi mistrzowie Pędzlem przeszłości był Peter Paul Rubens (1577-1640). Jego twórczość wyraźnie wyraża zarówno potężny realizm, jak i wyjątkową narodową wersję stylu barokowego. Wszechstronnie utalentowany, znakomicie wykształcony Rubens wcześnie dojrzał i wyłonił się jako artysta o ogromnych możliwościach twórczych, szczerych impulsach, śmiałej śmiałości i burzliwym temperamencie. Urodzony muralista, grafik, architekt-dekorator, projektant przedstawień teatralnych, utalentowany dyplomata władający kilkoma językami, humanista, cieszył się dużym szacunkiem na dworach książęcych i królewskich Mantui, Madrytu, Paryża i Londynu.
Rubens jest twórcą ogromnych, barokowych kompozycji patetycznych, czasem oddających apoteozę bohatera, czasem przepełnionych tragizmem. Siła plastycznej wyobraźni, dynamika form i rytmów, triumf zasady dekoracyjnej stanowią podstawę jego twórczości.

Van Dycka

Ewolucja twórczości Anthony'ego Van Dycka (1599-1641) przewidywała i wyznaczała drogę rozwoju szkoły flamandzkiej w drugiej połowie XVII wieku. w kierunku arystokracji i sekularyzmu. Artysta o wyjątkowym talencie, Van Dyck pozostał wierny realizmowi flamandzkiemu. W swoich najlepszych pracach – w portretach osób z różnych klas, poziomów społecznych, odmiennych pod względem psychicznym i intelektualnym – trafnie odnajdywał podobieństwa indywidualne i wnikał w wewnętrzną duchową istotę modela. Typowe obrazy Van Dycka dają wyobrażenie o charakterze całej epoki w historii Europy.
Van Dyck trafił do warsztatu Rubensa jako dziewiętnastolatek, po ukończeniu praktyki u van Balena. Wczesne kompozycje Van Dycka o tematyce religijnej i mitologicznej powstawały pod wpływem Rubensa, po którym odziedziczył wielki warsztat malarski, umiejętność odtwarzania form natury z charakterystycznym dla Flamandów zmysłowym konkretem i autentycznością.

Jordania

Arystokratycznemu wyrafinowaniu sztuki Van Dycka przeciwstawiła się wesoła sztuka Jacoba Jordanesa (1593-1678), bliskiego demokratycznym kręgom społeczeństwa, pełnego plebejskiej spontaniczności i siły, który stworzył galerię charakterystycznych typów ludowych. Podobnie jak Rubens, którego asystentem był Jordan, jego twórczość przesiąknięta jest potężnym wyczuciem życia natury i jej zmysłowych elementów. Jordanes malował obrazy ołtarzowe i obrazy o tematyce mitologicznej, ale interpretował je w kategoriach gatunkowych. We wsiach, w rzemieślniczych dzielnicach miasta odnalazł swoich bohaterów. Zauważył w nich nadmiar zdrowia, energii i satysfakcji z życia. Są prymitywni, pełni spontanicznej spontaniczności w przejawach uczuć, niekontrolowani w swoich skłonnościach i namiętnościach. Artysta uchwycił ich wielkie, masywne postacie, twarze podekscytowane namiętnymi krzykami, osobliwą obyczajowość i zwyczaje. Jordan kojarzony był z realistyczną tradycją malarstwa staroholenderskiego; tematy swoich obrazów często czerpał z przysłów, powiedzeń i bajek; jednocześnie w jego malarstwie można wyczuć wpływ Caravaggia – jego wielkofigurowe kompozycje i kontrastujący światłocień. W obrazie „Satyr odwiedzający chłopa” (ok. 1620, Moskwa, Muzeum Puszkina) fabuła jest zapożyczona z bajki Ezopa, ale zinterpretowana na nowo w czasach nowożytnych ducha ludowego w tradycji sztuki flamandzkiej.

Flamandzkie martwe natury

W XVII wieku martwa natura stała się niezależnym gatunkiem. Odzwierciedlało zainteresowanie światem materialnym, które wywodzi się z holenderskiego „malarstwa rzeczy” z początku XV wieku. Flamandzkie „sklepy z bydłem” zachwycają hałaśliwą radością i świąteczną dekoracją. Płótna o dużych rozmiarach i jasnej kolorystyce służyły jako dekoracja ścian przestronnych pałaców szlachty flamandzkiej, wychwalając piękno ziemskiej egzystencji, bogactwo życia wiejskiego, owoce ziemi, morza i rzek.

Malarstwo gatunkowe

Wraz z monumentalne malarstwo Sztuka sztalugowa rozwinęła się we Flandrii, bazując na tradycjach malarstwa holenderskiego XVI wieku. Wiodące miejsce zajmował w nim gatunek codzienny, który ukazywał ostro krytyczny stosunek flamandzkich artystów do otaczającego życia i oficjalnej sztuki, a także odzwierciedlał intymne nastroje i aspekty życia Holendrów.

Przeglądarka. Najbardziej demokratyczna linia malarstwa flamandzkiego XVII wieku. reprezentowało dzieło Adriana Brouwera (1605/06-1638), ucznia Fransa Halsa. Brouwer malował małe obrazy, kontynuując w nich groteskową i humorystyczną tradycję malarstwa rodzajowego Pietera Bruegla. W odróżnieniu od Bruegla, twórcy szerokich panoram życia ludzi, Brouwer sięgnął po konkretne sytuacje dnia codziennego i wyraziste indywidualne postacie. Ma skłonność do utrwalania konfliktów psychologicznych, przedstawiania scen pijackich posiedzeń, gier w karty i kości, które często przeradzają się w bójki.

Prężna budowa kościołów z XVII wieku we Flandrii zaowocowała masowymi zamówieniami na ołtarze, tabernakulum, nagrobki, posągi świętych, ambony, konfesjonały i inną dekoracyjną rzeźbę świątyni, które są doskonałymi przykładami sztuki, rzeźby i rzemiosła jednocześnie . W pierwszej połowie XVII w. nadal zachowały się echa tradycji gotyku i renesansu XVI w. niderlandzkiego, a pod wpływem twórczości Rubensa zaczęły pojawiać się tu tendencje barokowe. Wiele rzeźb przedostało się do Włoch i tam zamieszkało na długo, przyswoiwszy sobie jednak zasady baroku jakby przez pryzmat narodowej tradycji rzeźbienia w kamieniu i drewnie.

Największym rzeźbiarzem flamandzkim XVII wieku był François Duquesnoy, który przez wiele lat Pod pseudonimem „Flamandzki” mieszkał we Włoszech, tworząc tu swoje najmocniejsze dzieła.

W Rzymie Duquesnoy występował jako jeden z rywali Berniniego, a także współpracował z nim w katedrze św. Petra. Jednak charakter jego twórczości różni się nieco od spektakularnych dzieł Włocha. Mają w sobie więcej szczerości i szczerości uczuć; nigdy nie popadł w skrajności stylu barokowego. Uchroniło go przed tym głębokie pragnienie prawdy i całkowicie przyswojone dziedzictwo starożytnych mistrzów. Francois Duquesnoy wrócił do ojczyzny w wieku dwudziestu dwóch lat, zabierając ze sobą najsilniejsze wrażenia ze znajomości Rubensa i jego sztuki.

Adonisa Duquesnoya

We Flandrii Duquesnoy stworzył wiele dzieł, ale jego rola dla rzeźby flamandzkiej była bardzo duża nie tylko z tego powodu. Odkrył starożytną sztukę plastyczną i rzeźbę Berniniego dla rzeźbiarzy flamandzkich. Z jego warsztatu wywodzili się najwięksi i najzdolniejsi rzeźbiarze Flandrii połowy stulecia – Art Quellin, Duquesnoy i inni.

Św. Zuzanna

Św. Andrzeja w katedrze św. Petra

Uczeń Duquesnoya, Art Quellin Młodszy, był niezwykle płodnym i wszechstronnym mistrzem. Po podróży do Włoch w 1650 r. Quellin, który w tym czasie stał się najsłynniejszym rzeźbiarzem we Flandrii, otrzymał wspaniałe zlecenie. Został poproszony o występ na fasadach i holu nowo wybudowanego ratusza w Amsterdamie ogromna ilość posągi i płaskorzeźby o tematyce alegorycznej. Szczególnie znane są jego kariatydy i płaskorzeźba „Sąd Salomona” w sali trybunału. Ponadto Quellin tworzył portrety, które szczególnie w jego późniejszej twórczości wyróżniają się głębią i psychologią charakterystyki, a także nagrobki i inną dekoracyjną rzeźbę sakralną.

Merkury Arthus Quellin Jr.

Samson i Dalila Quellin Jr.

Katarzyna Hooft

Malownicze tendencje ucieleśnia twórczość Lucasa Feidherbe, architekta i rzeźbiarza, ucznia Petera Rubensa. Według jego projektu w Louvain powstał kościół, dla którego stworzył także dekoracyjne płaskorzeźby. Dzięki złożonym dynamicznym kompozycjom wielopostaciowego pełnego ruchu z iluzją przestrzennej głębi, płaskorzeźby Faidherbe'a można nazwać prawdziwymi obrazami w kamieniu.

Rzemiosło rozwinęło się znacznie w XVII wieku. Wyroby flamandzkich mistrzów były wówczas znane w całej Europie. Meble inkrustowane kością słoniową i różnymi gatunkami drewna, koronkami, a zwłaszcza gobelinami, powstające we Flandrii, można było zobaczyć w XVII wieku w każdym zakątku Europy.