Malarstwo holenderskie

jego powstanie i początkowy okres zbiegają się do tego stopnia z pierwszymi etapami rozwoju malarstwa flamandzkiego, że nowi historycy sztuki rozpatrują oba przez cały okres aż do końca XVI wieku. nierozerwalnie pod jedną ogólną nazwą „szkoła holenderska”. Obaj, będący potomkami gałęzi Renu, są głupi. malarstwo, którego głównymi przedstawicielami są Wilhelm z Kolonii i Stefan Lochner, za swoich twórców uważa braci van Eyck; obydwaj od dawna podążają w tym samym kierunku, kierują się tymi samymi ideałami, realizują te same zadania, rozwijają tę samą technikę, dzięki czemu holenderscy artyści niczym nie różnią się od swoich flamandzkich i brabanckich braci. Trwa to przez całe panowanie kraju, najpierw przez ród Burgundów, a następnie przez ród austriacki, aż do wybuchu brutalnej rewolucji, zakończonej całkowitym triumfem Gollów. ludzi nad Hiszpanami, którzy ich uciskali. Od tej epoki każda z dwóch gałęzi sztuki holenderskiej zaczyna poruszać się oddzielnie, choć zdarza się, że wchodzą ze sobą w bardzo bliski kontakt. Malarstwo G. natychmiast nabiera oryginalnego, całkowicie narodowego charakteru i szybko osiąga jasny i obfity rozkwit. Przyczyny tego zjawiska, jakiego nie można znaleźć w całej historii sztuki, leżą w uwarunkowaniach topograficznych, religijnych, politycznych i społecznych. W tej „nizinie” (holland), składającej się z bagien, wysp i półwyspów, stale zmywanej przez morze i zagrożonej jej najazdami, ludność, gdy tylko zrzuciła obce jarzmo, musiała stworzyć wszystko od nowa, począwszy od warunków fizycznych gleby, a skończywszy na warunkach moralnych i intelektualnych, bo wszystko zostało zniszczone przez poprzednią walkę o niepodległość. Dzięki swojej przedsiębiorczości, praktycznemu zmysłowi i wytrwałej pracy Holendrom udało się przekształcić bagna w urodzajne pola i luksusowe pastwiska, podbić ogromne połacie ziemi od morza, zdobyć dobrobyt materialny i zewnętrzne znaczenie polityczne. utalentowani artyści, który pojawił się niemal jednocześnie, kierunek jest bardzo wszechstronny, a jednocześnie zupełnie odmienny od kierunku sztuki w innych krajach. Główna cecha Tym, co charakteryzuje tych artystów, jest miłość do natury, chęć odtworzenia jej w całej jej prostocie i prawdzie, bez najmniejszych upiększeń, bez podporządkowania jej w jakiekolwiek warunki z góry przyjętego ideału. Druga charakterystyczna właściwość Golla. malarzy cechuje subtelne wyczucie koloru i zrozumienie, jak silne, urzekające wrażenie może wywrzeć, oprócz treści obrazu, jedynie wierne i mocne przekazanie relacji barwnych zdeterminowanych w naturze przez działanie światła promienie, bliskość lub zakres odległości. U najlepszych przedstawicieli malarstwa geometrycznego to wyczucie koloru i światłocienia jest rozwinięte do tego stopnia, że ​​światło ze swoimi niezliczonymi i różnorodnymi niuansami odgrywa w obrazie, można rzec, rolę głównego bohatera i wzbudza duże zainteresowanie najbardziej nieistotna fabuła, najbardziej nieeleganckie formy i obrazy. Następnie należy zauważyć, że większość Goll. artyści nie szukają długo materiału do swojej twórczości, zadowalają się tym, co odnajdują wokół siebie, w rodzimej naturze i życiu swoich ludzi. Typowe cechy wybitnych rodaków, fizjonomie zwykłych Holendrów i Holenderek, hałaśliwe zabawy pospolitych świąt, biesiad chłopskich, sceny z życia wiejskiego lub intymnego mieszczan, rodzime wydmy, poldery i rozległe równiny poprzecinane kanałami, stada pasące się w bogatych łąki, chaty położone na skraju gajów bukowych lub dębowych, wioski nad brzegami rzek, jezior i gajów, miasta z czystymi domami, mostami zwodzonymi i wysokimi iglicami kościołów i ratuszów, porty zapełnione statkami, niebo pełne srebrzyste lub złote opary - to wszystko pod muśnięciem . mistrzów przepojonych miłością do ojczyzny i dumą narodową, zamienia się w obrazy pełne powietrza, światła i atrakcyjności. Nawet w tych przypadkach, gdy niektórzy z tych mistrzów w poszukiwaniu tematów sięgają do Biblii, historii starożytnej i mitologii, nawet wtedy, nie martwiąc się o zachowanie wierności archeologicznej, przenoszą akcję w środowisko Holendrów, otaczając je holenderską oprawą. To prawda, że ​​obok zatłoczonego tłumu takich patriotycznych artystów znajduje się falanga innych malarzy, szukających inspiracji poza granicami ojczyzny, w klasycznym kraju sztuki, we Włoszech; jednak w ich twórczości pojawiają się także elementy eksponujące ich narodowość. Wreszcie jako cecha celu. malarzy, można wskazać na ich wyrzeczenie się tradycji artystycznych. Daremnie byłoby szukać wśród nich ścisłej ciągłości dobrze znanych zasad estetycznych i reguł technicznych, nie tylko w sensie stylu akademickiego, ale także w sensie asymilacji przez uczniów charakteru swoich nauczycieli: może z wyjątkiem samych uczniów Rembrandta, którzy mniej więcej poszli w ślady swojego genialnego mentora, prawie wszyscy malarze w Holandii, gdy tylko minęli lata studenckie, a czasem nawet w tych latach, zaczęli pracować w własną drogą, zgodnie z tym, dokąd zaprowadziły ich indywidualne skłonności i czego nauczyła ich bezpośrednia obserwacja natury. Dlatego cel. artystów nie można dzielić na szkoły, tak jak to robimy z artystami z Włoch czy Hiszpanii; trudno nawet stworzyć z nich ściśle określone grupy, a samo wyrażenie „ G. szkoła malarstwa„, które weszło do powszechnego użytku, należy rozumieć jedynie w sensie warunkowym, jako oznaczające zbiór mistrzów plemiennych, a nie rzeczywistą szkołę. Tymczasem we wszystkich głównych miastach Holandii istniały zorganizowane stowarzyszenia artystów, które, jak się okazało, wydawałoby się, powinno mieć wpływ na komunikację o ich działalności jednego ogólny kierunek. Jednakże takie towarzystwa, tzw cechy św. Łuki, jeśli się do tego przyczyniły, to w bardzo umiarkowanym stopniu. Nie były to akademie, kustosze znanych tradycji artystycznych, ale wolne korporacje, podobne do innych cechów rzemieślniczych i przemysłowych, niewiele różniące się od nich strukturą i nastawione na wzajemne wsparcie swoich członków, ochronę ich praw, opiekę na starość, troszczcie się o los swoich wdów i sierot. Do cechu przyjmowano każdego malarza miejscowego, który spełniał wymagania moralne, po uprzednim potwierdzeniu jego zdolności i wiedzy lub na podstawie zdobytej już sławy; przyjezdni artyści byli przyjmowani do cechu jako członkowie tymczasowi na czas pobytu w danym mieście. Członkowie cechu spotykali się, aby pod przewodnictwem dziekanów omówić swoje wspólne sprawy lub w celu wzajemnej wymiany myśli; ale na tych spotkaniach nie było nic, co przypominałoby głoszenie określonego kierunku artystycznego i co mogłoby ograniczać oryginalność któregokolwiek z członków.

Wskazane cechy malarstwa G. są zauważalne już w jego początkach – w czasie, gdy rozwijało się ono nierozerwalnie od szkoły flamandzkiej. Jej powołaniem, podobnie jak tej ostatniej, było wówczas głównie dekorowanie kościołów malowidłami religijnymi, pałaców, ratuszy i domów szlacheckich portretami urzędników państwowych i arystokratów. Niestety dzieła prymitywnych malarzy greckich dotarły do ​​nas jedynie w bardzo ograniczonych ilościach, ponieważ większość z nich zginęła w tym niespokojnym czasie, kiedy reformacja dewastowała kościoły katolickie, znosiła klasztory i opactwa oraz nawoływała „łamaczy ikon” (beeldstormerów) do niszczenia malowniczych i rzeźbione święte obrazy, a powstanie ludowe zniszczyło wszędzie portrety znienawidzonych tyranów. Wielu artystów, którzy poprzedzili rewolucję, znamy tylko z nazwy; Innych możemy oceniać tylko na podstawie jednej lub dwóch próbek ich pracy. A więc, jeśli chodzi o najstarszego z Gollów. malarze Albert van Ouwater, nie ma pozytywnych danych poza informacją, że był on rówieśnikiem van Eycksa i pracował w Harlemie; Nie ma wiarygodnych jego obrazów. Jego uczeń Gertjen van Sint-Jan znany jest jedynie z dwóch paneli tryptyku przechowywanego w Galerii Wiedeńskiej („Grób Święty” i „Legenda o kościach św. Jana”), który napisał dla katedry w Harlemie. Mgła, która spowija nas w początkowej epoce szkoły G., zaczyna się rozwiewać wraz z pojawieniem się na scenie Dirka Boutsa, zwanego Stuerboat († 1475), pochodzącego z Haarlemu, ale pracującego w Leuven i dlatego przez wielu uważanego za należeć do szkoły flamandzkiej (jego najlepszymi dziełami są dwa obrazy „Bezprawny proces cesarza Ottona” znajdujące się w Muzeum Brukselskim), a także Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), którego główną zasługą jest to, że był nauczycielem słynny Łukasz z Lejdy (1494-1533). Ten ostatni, wszechstronny, pracowity i niezwykle utalentowany artysta, potrafił jak nikt przed nim wiernie odtworzyć wszystko, co mu wpadło w oko, dlatego można go uważać za prawdziwego ojca holenderskiego gatunku, choć zajmował się malarstwem głównie religijnym obrazy i portrety. W twórczości współczesnego mu Jana Mostaerta (ok. 1470-1556) dążenie do naturalizmu łączy się z nutą tradycji gotyckiej, ciepłem uczuć religijnych z troską o zewnętrzną elegancję. Oprócz tych wybitnych mistrzów w początkach sztuki gruzińskiej na uwagę zasługują: Hieronymus van Aken, nazywany J. de Bosch (ok. 1462-1516), który swoim kompleksem położył podwaliny pod satyryczne malarstwo codzienne, skomplikowane, a czasem niezwykle dziwne kompozycje; Jan Mundain († 1520), znany w Harlemie z przedstawień diabelstwa i bufonady; Peter Aertsen († 1516), nazywany „Długim Piotrem” (Lange Pier) ze względu na swój wysoki wzrost, David Ioris (1501-56), utalentowany malarz na szkle, uniesiony anabaptystycznymi bzdurami i wyobrażający sobie siebie jako proroka Dawida i syna Bóg, Jacob Swarts (1469? - 1535?), Jacob Cornelissen (1480? - później 1533) i jego syn Dirk Jacobs (dwa obrazy tego ostatniego, przedstawiające towarzystwa strzeleckie, znajdują się w Cesarskim Ermitażu).

Poślubić. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 tomy, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, „Geschichte der Malerei” (tom 2 i 3, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, „Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, „La peinture hollandaise” (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d”autrefois. Belgique, Hollande” (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, „Studia z historii malarstwa holenderskiego na podstawie jego próbek znajdujących się w Petersburgu” (specjalny dodatek do czasopismo „Vestn. Sztuk Pięknych”, 1885-90).

A. Somow.

Słownik encyklopedyczny F. Brockhausa i I.A. Efrona. - S.-Pb.: Brockhaus-Efron. 1890-1907 .

Malarstwo holenderskie, w sztukach pięknych

Około połowa 16-tego stołu. wśród malarzy holenderskich istnieje chęć pozbycia się wad sztuki rodzimej - jej gotyckiej kanciastości i suchości - poprzez studiowanie włoskich artystów renesansu i łączenie ich maniery z najlepszymi tradycjami własnej szkoły. Pragnienie to widoczne jest już w twórczości wspomnianego Mosterta; za głównego propagatora nowego ruchu należy jednak uznać Jana Schorela (1495-1562), który przez długi czas mieszkał we Włoszech, a później założył w Utrechcie szkołę, z której wywodziło się wielu artystów zarażonych chęcią zostania holenderskim Rafaelem i Michał Anioł. W jego ślady poszli Maarten van Van, nazywany Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, nazywany. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) i inni należący do kolejnego okresu szkoły włoskiej, jak na przykład Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), wyszli poza Alpy, aby nasycić się doskonałościami luminarzy malarstwa włoskiego, ale w większości pod wpływem przedstawicieli rozpoczynającego się wówczas upadku tego malarstwa, jako manieryści powrócili do ojczyzny, wyobrażając sobie, że cała istota sztuki tkwi w przesada mięśni, pretensjonalność kątów i rozmach konwencjonalnych kolorów. Jednak zamiłowanie Włochów do malarstwa, które w okresie przejściowym Gruzji sięgało często skrajności, przyniosło pewien pożytek, gdyż wniosło do tego malarstwa lepszy, bardziej wyuczony rysunek oraz możliwość swobodniejszego i odważniejszego kierowania kompozycją. Wraz z tradycją staroniderlandzką i bezgraniczną miłością do natury, Italianizm stał się jednym z elementów, z których ukształtowała się oryginalna, wysoko rozwinięta sztuka epoki rozkwitu. Początek tej epoki, jak już powiedzieliśmy, należy datować na początek XVII wieku, kiedy Holandia, uzyskawszy niepodległość, zaczęła żyć nowym życiem. Dramatycznemu przekształceniu się wczoraj uciskanego i biednego kraju w politycznie ważny, wygodny i zamożny związek państw towarzyszyła równie dramatyczna rewolucja w jego sztuce. Ze wszystkich stron, niemal na raz, pojawiają się w niezliczonej liczbie. wspaniali artyści , powołani do działania przez wzrost ducha narodowego i potrzebę swojej pracy, która rozwinęła się w społeczeństwie. Do pierwotnych ośrodków artystycznych, Haarlemu i Lejdy, dochodzą nowe – Delft, Utrecht, Dortrecht, Haga, Amsterdam itd. Wszędzie stare zadania malarstwa rozwijają się w nowy sposób pod wpływem zmieniających się wymagań i poglądów i jego nowe gałęzie, których początki były w poprzednim okresie ledwo zauważalne. Reformacja wypędziła obrazy religijne z kościołów; nie było potrzeby ozdabiania pałaców i komnat szlacheckich wizerunkami starożytnych bogów i bohaterów, dlatego malarstwo historyczne, zaspokajając gusta bogatej mieszczaństwa, odrzuciło idealizm i zwróciło się ku dokładnemu odwzorowaniu rzeczywistości: zaczęło interpretować wydarzenia z dawnych czasów jako wydarzenia dnia, który rozegrał się w Holandii, a w szczególności zajął się portretem, utrwalając w nim rysy ówczesnych ludzi, czy to w pojedynczych postaciach, czy w rozbudowanych, wielofigurowych kompozycjach przedstawiających towarzystwa strzeleckie (schutterstuke), które odegrali tak znaczącą rolę w walce o wyzwolenie kraju – kierownicy jego instytucji charytatywnych (regentenstuke), majstrowie sklepów i członkowie różnych korporacji. Gdybyśmy zdecydowali się porozmawiać o wszystkich utalentowanych malarzach portretowych kwitnącej epoki Galii. sztuki, wówczas samo wymienienie ich nazwisk ze wskazaniem najlepszych dzieł wymagałoby wielu zdań; Dlatego ograniczamy się do wymienienia tylko tych artystów, którzy szczególnie wyróżniają się z szeregów generalnych. Są to: Michiel Mierevelt (1567-1641), jego uczeń Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), poprzednicy trzech największych portrecistów Holandii – czarnoksiężnik światłocienia Rembrandt van Rijn (1606-69), niezrównany rysownik, który miał niesamowitą sztukę modelowania postaci w świetle, ale nieco zimny w charakterze i kolorze, Bartholomew van der Gelst (1611 lub 1612-70) i ​​uderzający fugą jego pędzla Fransa Golsa Starszego (1581-1666). Spośród nich szczególnie jasno w historii świeci imię Rembrandta, początkowo darzonego dużym szacunkiem przez współczesnych, potem przez nich zapomnianego, mało docenianego przez potomność i dopiero w obecnym stuleciu wyniesionego, słusznie, do poziomu światowego geniusz. W jego charakterystycznej osobowości artystycznej skupiają się, jakby w centrum uwagi, wszystkie najlepsze cechy malarstwa G., a jego wpływ znalazł odzwierciedlenie we wszystkich jego typach - w portretach, obrazach historycznych, scenach życia codziennego i pejzażach. Do najsłynniejszych uczniów i naśladowców Rembrandta należeli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645-1645-1645). 1727), Jacob Backer (1608 lub 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabritius (ok. 1620-54), Salomon i Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († później 1645), Gerard Dou (1613-75) i Samuel van Googstraten (1626-78). Oprócz tych artystów, aby uzupełnić listę najlepszych portrecistów i malarzy historycznych omawianego okresu, należy wymienić Jana Lievensa (1607-30), przyjaciela Rembrandta w jego studiach u P. Lastmana, Abrahama van Tempela (1622) -72) i Pietera Nazona (1612-91), pracującego najwyraźniej pod wpływem V. d. Gelsta, naśladowca Halsa Johannesa Versproncka (1597-1662), Jana i Jacoba de Braev († 1664, † 1697), Cornelisa van Zeulena (1594-1664) i Nicholasa de Gelta-Stokade (1614-69). Malarstwo domowe, którego pierwsze eksperymenty pojawiły się w starej szkole holenderskiej, znalazło się w XVII wieku. szczególnie żyzna gleba w protestanckiej, wolnej, burżuazyjnej, samozadowoleniej Holandii. Małe obrazy, bezpretensjonalnie przedstawiające zwyczaje i życie różnych klas lokalnej społeczności, wydawały się wystarczającej liczbie ludzi bardziej zabawne niż duże dzieła poważnego malarstwa i wraz z pejzażami wygodniejsze do dekoracji przytulnych domów prywatnych. Zapotrzebowanie na takie obrazy zaspokaja cała rzesza artystów, nie zastanawiając się długo nad wyborem tematów dla nich, ale sumiennie odtwarzając wszystko, co spotyka się w rzeczywistości, okazując jednocześnie miłość do rodziny, a potem dobroduszny humor, dokładnie charakteryzujących przedstawione pozycje i twarze oraz dopracowanych w opanowaniu technologii. Podczas gdy jedni zajmują się życiem zwykłych ludzi, scenami chłopskiego szczęścia i smutku, pijatkami w tawernach i karczmach, zgromadzeniami przed przydrożnymi karczmami, wakacjami na wsi, grami i jazdą na łyżwach po lodzie zamarzniętych rzek i kanałów itp., inni zajmują się treść swoich dzieł z kręgu bardziej eleganckiego - malują pełne wdzięku damy w swoim intymnym otoczeniu, zaloty dandysów, gospodynie wydające polecenia swoim pokojówkom, salonowe ćwiczenia przy muzyce i śpiewie, hulanki złotej młodości w domach rozkoszy itp. W długim szeregu artystów pierwszej kategorii wyróżniają się Adrian i Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 lub 1606-38), Jan Stan (ok. 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, nazywany Bambocchio we Włoszech (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, nazywany Sorg (1621-82), Claes Molenaar (dawniej 1630-76), Jan Minse-Molenar (około 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) i niektórzy. itd. Z równie znacznej liczby malarzy, którzy reprodukowali życie średniej i wyższej klasy, w zasadzie wystarczającej, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francja ok. Miris Starsza (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer z Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony i Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) itd. Do kategorii malarzy gatunkowych zaliczają się artyści, którzy malowali sceny z życia wojskowego, bezczynność żołnierzy w wartowniach , obozowiska, potyczki kawalerii i całe bitwy, konie ujeżdżeniowe, a także sceny sokolnictwa i polowań na psy przypominające sceny bitewne. Głównym przedstawicielem tej gałęzi malarstwa jest słynny i niezwykle płodny Philips Wouwerman (1619-68). Oprócz niego jej brat tego mistrza, Piotr (1623-82), Jan Asselein (1610-52), którego wkrótce spotkamy wśród pejzażystów, wspomniany Palamedes, Jacob Leduc (1600 - później 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) itd. Dla wielu z tych artystów krajobraz odgrywa równie ważną rolę jak postacie ludzkie; ale równolegle z nimi pracuje masa malarzy, traktując to jako swoje główne lub wyłączne zadanie. W ogóle Holendrzy mają niezbywalne prawo do dumy, że ich ojczyzna jest kolebką nie tylko najnowszego gatunku, ale także krajobrazu w dzisiejszym rozumieniu. Faktycznie, w innych krajach, np. we Włoszech i Francji sztuka w niewielkim stopniu interesowała się przyrodą nieożywioną, nie doszukiwała się w niej ani wyjątkowego życia, ani szczególnego piękna: malarz wprowadzał do swoich obrazów pejzaż jedynie jako element poboczny, jako dekorację, wśród których znalazły się epizody ludzkich dramatów lub rozgrywa się komedię, podporządkowując jej zatem warunki sceny, wymyślając malownicze linie i korzystne dla niej miejsca, ale bez kopiowania natury, bez nasycania się wrażeniami, jakie ona wywołuje. W ten sam sposób „komponował” naturę w tych rzadkich przypadkach, gdy próbował namalować malarstwo czysto pejzażowe. Holendrzy jako pierwsi zrozumieli, że nawet w przyrodzie nieożywionej wszystko tchnie życiem, wszystko jest atrakcyjne, wszystko jest w stanie wywołać myśl i wzbudzić poruszenie serca. I było to całkiem naturalne, ponieważ Holendrzy, że tak powiem, stworzyli otaczającą ich przyrodę własnymi rękami, cenili ją i podziwiali, jak ojciec pielęgnuje i podziwia własne dziecko. Ponadto przyroda ta, pomimo skromności form i barw, zapewniła takim kolorystom jak Holendrzy obfity materiał do opracowania motywów świetlnych i perspektywy powietrznej, ze względu na warunki klimatyczne kraju – jego przesycone parą powietrze, łagodzące kontury obiektów, wytwarzających gradację tonów na różnych planach i pokrywających odległość mgiełką srebrzystej lub złotej mgły, a także zmienności wyglądu obszarów zdeterminowanej porą roku, porą dnia i warunkami atmosferycznymi. Wśród malarzy pejzażystów okresu rozkwitu Holendrzy. Szczególnie szanowane są szkoły będące interpretatorami swego domowego charakteru: Jan V. Goyena (1595-1656), który wraz z Esaiasem van de Velde (ok. 1590-1630) i Pieterem Moleynem Starszym. (1595-1661), uważany za założyciela Goll. krajobraz; następnie uczeń tego mistrza, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (ok. 1600 - później 1679), miłośnik efektów lepszego oświetlenia Art. zm. Nair (1603-77), poetycki Jacob v. Ruisdael (1628 lub 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) i Cornelis Dekker († 1678). Wśród Holendrów było także wielu pejzażystek, którzy odbywali podróże i reprodukowali motywy obcej natury, co jednak nie przeszkodziło im w zachowaniu narodowego charakteru w swoim malarstwie. Alberta V. Everdingen (1621-75) przedstawił widoki Norwegii; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († później 1690) i Jan Lingelbach (1623-74) – Włochy; Ian W. d. Burmistrz Młodszy (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) i Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) – Niemcy i Szwajcaria; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) wraz z grupą jego zwolenników malował pejzaże inspirowane włoską przyrodą, z ruinami starożytnych budynków, kąpiącymi się nimfami i scenami z wyimaginowanej Arkadii. W specjalnej kategorii wyróżnić można mistrzów, którzy w swoich obrazach łączyli pejzaże z wizerunkami zwierząt, preferując albo pierwszą, albo drugą, albo traktując obie części z równą uwagą. Najbardziej znanym z takich malarzy wiejskiej idylli jest Paulus Potter (1625-54); Oprócz niego należy tu uwzględnić Adriana. d. Velde (1635 lub 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) oraz liczni artyści, którzy zwrócili się po tematykę głównie lub wyłącznie do Włoch, jak: Willem Romain († później 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 lub 1634 -86) itd. Malarstwo jest ściśle związane z pejzażem widoki architektoniczne, którym holenderscy artyści zaczęli się zajmować jako samodzielna dziedzina sztuki dopiero w połowie XVII wieku. Niektórzy z tych, którzy od tego czasu pracowali w tej dziedzinie, z wyrafinowaniem przedstawiali ulice i place miast wraz z ich budynkami; są to między innymi mniej znaczące: Johannes Bärestraten (1622-66), Job i Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) i Jacob v. wieś Yulft (1627-88). Inni, wśród których najwybitniejsi to Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 lub 1617-92), malowali widoki wnętrz kościołów i pałaców. Morze było tak ważne w życiu Holandii, że jej sztuka nie mogła traktować go inaczej niż z największą uwagą. Wielu jej artystów zajmujących się pejzażem, gatunkami, a nawet portretami, odrywając się na chwilę od zwykłej tematyki, zostało malarzami morskimi, a jeśli zdecydowaliśmy się wymienić wszystkich malarzy holenderskich. szkoły przedstawiające spokojne lub wściekłe morze, kołyszące się na nim statki, zapełnione statkami porty, bitwy morskie itp., wtedy otrzymalibyśmy bardzo długą listę, która zawierałaby nazwiska Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. i J. Ruisdael, A. Cuyp i inni wspomniani już w poprzednich wierszach. Ograniczając się do wskazania tych, dla których specjalizacją było malowanie gatunków morskich, musimy wymienić Willem v. de Velde Starszego (1611 lub 1612-93), jego słynny syn V. v. de Velde Młodszego (1633-1707), Ludolfa Backhuisena (1631-1708), Jana V. de Cappelle († 1679) i Julius Parcellis († później 1634). Wreszcie realistyczny kierunek szkoły holenderskiej spowodował, że ukształtował się i rozwinął w niej rodzaj malarstwa, który w innych szkołach nie był dotychczas uprawiany jako odrębna, samodzielna gałąź, a mianowicie malowanie kwiatów, owoców, warzyw, istoty żywe, przybory kuchenne, zastawa stołowa itp. – jednym słowem to, co obecnie powszechnie nazywa się „martwą naturą” (nature morte, Stilleben). Na tym terenie pomiędzy Najbardziej znanymi artystami epoki rozkwitu byli Jan-Davids de Gem (1606-83), jego syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630) -93), Willem V. Aalsta (1626-83), Willema Gedy (1594 - później 1678), Willema Kalfa (1621 lub 1622-93) i Jana Waenixa (1640-1719).

Genialny okres malarstwa holenderskiego nie trwał długo – tylko jedno stulecie. Od początku XVIII w. jego upadek nadchodzi nie dlatego, że wybrzeża Zuiderzee przestają produkować wrodzone talenty, ale dlatego W społeczeństwie coraz bardziej słabnie samoświadomość narodowa, duch narodowy wyparowuje, a francuskie gusta i poglądy pompatycznej epoki Ludwika XIV zakorzeniają się. W sztuce ten zwrot kulturowy wyraża się w zapomnieniu przez artystów podstawowych zasad, na których opierała się oryginalność malarzy poprzednich pokoleń, i odwoływaniu się do zasady estetyczne, przywieziony z sąsiedniego kraju. Zamiast bezpośredniego związku z naturą, umiłowania tego, co rodzime i szczerości, dominacja z góry przyjętych teorii, konwencji i naśladownictwa Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain i inni luminarze szkoły francuskiej. Głównym propagatorem tego godnego pożałowania nurtu był osiadły w Amsterdamie Flamandzki Gerard de Leresse (1641-1711), artysta bardzo zdolny i wykształcony jak na swoje czasy, wywierający ogromny wpływ na swoich współczesnych i bezpośrednie potomstwo zarówno poprzez swoje wychowane pseudo -obrazy historyczne i dzieła własnego pióra, wśród których jedna – „Wielka Księga Malarza” („t groot schilderboec”) – przez pięćdziesiąt lat służyła jako kod dla młodych artystów słynnego Adriana V. de Werff (1659-1722), którego eleganckie malarstwo z zimnymi, jakby wyciętymi postaciami z kości słoniowej, o matowej, bezsilnej kolorystyce, wydawało się niegdyś szczytem doskonałości wśród naśladowców tego artysty, Henrika V Jako malarze historyczni zasłynęli Limborg (1680-1758) i Philip V.-Dyck (1669-1729), nazywany „Małym V.”. Z pozostałych malarzy omawianej epoki obdarzony był niewątpliwym talentem , ale zarażony duchem czasu, warto zauważyć Willem i France v. Miris Młodsza (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Izaak de Moucheron (1670-1744) i Carel de Maur (1656-1738). Nieco blasku umierającej szkole nadał Cornelis Trost (1697-1750), przede wszystkim rysownik, nazywany Holendrem. Gogartha, portrecistę Jana Quincgarda (1688-1772), malarza dekoracyjnego i historycznego Jacoba de Wita (1695-1754) oraz malarzy martwej natury Jana V. Geysum (1682-1749) i Rachel Reisch (1664-1750).

Wpływy zagraniczne wywierały duży wpływ na malarstwo holenderskie aż do lat dwudziestych XIX wiek, udało się w nim mniej więcej odzwierciedlić modyfikacje, jakie dokonała się sztuka we Francji, poczynając od perukarstwa z czasów Króla Słońce, a kończąc na pseudoklasycyzmie Dawida. Kiedy styl tego ostatniego stał się przestarzały i wszędzie w Europie Zachodniej zamiast fascynacji starożytnymi Grekami i Rzymianami rozbudziło się romantyczne pragnienie, opanowując zarówno poezję, jak i sztukę figuratywną, Holendrzy, podobnie jak inne narody, zwrócili swój wzrok ku ich starożytności, a tym samym do ich chwalebnego malarstwa z przeszłości. Chęć przywrócenia mu blasku, jakim błyszczała w XVII wieku, zaczęła inspirować najmłodszych artystów i przywracać ich do zasad starożytnych mistrzów narodowych - do ścisłej obserwacji natury i naiwnego, szczerego podejścia do zadań ręka. Jednocześnie nie próbowali całkowicie eliminować się spod obcych wpływów, ale wyjeżdżając na studia do Paryża, Dusseldorfu i innych ośrodków artystycznych w Niemczech, zabrali do domu jedynie znajomość z sukcesami nowoczesnej technologii. Dzięki temu odrodzona szkoła holenderska ponownie otrzymała oryginalną, atrakcyjną fizjonomię i dziś podąża drogą prowadzącą do dalszego postępu. Wiele swoich najnowszych postaci z łatwością potrafi porównać z najlepszymi malarzami XIX wieku w innych krajach. Malarstwo historyczne w ścisłym tego słowa znaczeniu jest w nim uprawiany, jak za dawnych czasów, bardzo umiarkowanie i nie ma wybitnych przedstawicieli; Ale jeśli chodzi o gatunek historyczny, Holandia może poszczycić się kilkoma znaczącymi współczesnymi mistrzami, takimi jak: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (ur. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (ur. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) i niezwykle utalentowany Lawrence Alma-Tadema (ur. 1836), który zdezerterował do Anglii. Z gatunku codziennego, który również znalazł się w kręgu twórczości tych artystów (z wyjątkiem Almy-Tadema), można wskazać szereg znakomitych malarzy, na czele z Josephem Izraelsem (ur. 1824) i Christoffelem Bisschop (ur. 1828); poza nimi na miano zasługują Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (ur. 1826), Teresa Schwarze (ur. 1852) i Valli Mus (ur. 1857). Najnowszy cel jest szczególnie bogaty. malarstwo pejzażystów, którzy pracowali i tworzą na różne sposoby, czasem ze starannym wykończeniem, czasem z szeroką techniką impresjonistów, ale wiernymi i poetyckimi interpretatorami ich rodzimej natury. Należą do nich Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (ur. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (ur. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (ur. 1837), Lodewijk Apol (ur. 1850) i wielu innych. itp. Bezpośrednimi spadkobiercami Ya. Pojawili się malarze obiecujących poglądów D. Heyden i E. de Witte, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomew v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) itd. Do najmłodszych malarzy marynistycznych Holandii zaliczają się m.in. dłoń należy do Joga. Schhotel (1787-1838), Ari Plaisir (ur. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) i Henrik Mesdag (ur. 1831). Wreszcie Wouters Verschoor (1812-74) i Johann Gas (ur. 1832) wykazali się dużymi umiejętnościami w malowaniu zwierząt.

Poślubić. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 tomy, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, „Geschichte der Malerei” (tom 2 i 3, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, „Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, „La peinture hollandaise” (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d”autrefois. Belgique, Hollande” (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, „Studia z historii malarstwa holenderskiego na podstawie jego próbek znajdujących się w Petersburgu” (specjalny dodatek do czasopismo „Vestn. Sztuk Pięknych”, 1885-90).

Prawie dwieście lat później, w 1820 roku, w tym budynku mieściła się Królewska Galeria Sztuki – jedna z najlepszych na świecie kolekcji malarstwa holenderskiego XV-XVII w.

XVII wiek nazywany jest „złotym wiekiem” malarstwa holenderskiego (nie mylić z flamandzkim „złotym wiekiem”, który nawiązuje do twórczości artystów Flandrii w XV wieku – tzw. „flamandzkich prymitywistów”).

W galerii są w pełni i różnorodnie reprezentowane wszystkie gatunki tej epoki holenderskiej sztuki pięknej: wspaniałe przykłady portretów, pejzaży, martwych natur, obrazy historyczne Wreszcie głównym odkryciem holenderskich mistrzów są sceny rodzajowe, czyli sceny z życia codziennego.

Wydaje się, że nie ma ani jednego znaczącego artysty z Holandii, którego twórczość nie byłaby reprezentowana w Muzeum w Hadze. Oto portreciści Anton van Dyck i Jacob van Kampen oraz mistrzowie martwej natury Willem van Elst i Balthasar van der Ast, znani malarze pejzażu: Hendrik Averkamp ze swoim słynnym „Krajobrazem zimowym”, Jan van Goyen i Salomon van Ruisdel i oczywiście , genialni mistrzowie sceny gatunkowej Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gerard Dou i inni.

Wśród wielu znanych nazwisk wyróżniają się cztery najważniejsze dla sztuki holenderskiej. Są to Jan Steen, Frans Hals i dwaj najwięksi holenderscy geniusze, Rembrandt van Rijn i Johannes Vermeer.
W tamtej epoce holenderski artysta często poświęcał swoją twórczość jednemu ulubionemu gatunkowi. Takimi są Sten i Hals. Każdy z tych artystów przez całe życie pracował w swojej dziedzinie: Sten rozwinął scenę rodzajową, Hals osiągnął najwyższe mistrzostwo w portretowaniu.

Dziś twórczość tych mistrzów uważana jest za klasykę swojego gatunku. W muzeum można zobaczyć „Śmiejący się chłopiec” Fransa Halsa i „Staruszek śpiewa – młodzi ludzie śpiewają” Jana Steena.
Ani Rembrandt, ani Vermeer nie kojarzyli swojej twórczości z jednym gatunkiem. Obaj, choć z różnym natężeniem, pracowali w różnorodnych dziedzinach, od portretu po pejzaż, i wszędzie osiągali nieosiągalne wyżyny, zdecydowanie wyrywając malarstwo holenderskie z wąskich ram gatunkowych.

Rembrandt jest hojnie reprezentowany w muzeach swojej ojczyzny. Różnorodność jego dziedzictwa znajduje odzwierciedlenie także na wystawie w Hadze. W muzeum prezentowane są trzy obrazy artysty: „Szymon chwalący Chrystusa”, „Lekcja anatomii doktora Tulpy” oraz jeden z ostatnich autoportretów wielkiego mistrza.
Przeciwnie, Vermeer pozostawił po sobie niezwykle niewiele obrazów. Na palcach jednej ręki można policzyć muzea posiadające jeden lub dwa obrazy tego enigmatycznego malarza.

W ojczyźnie artysty zachowało się zaledwie sześć jego arcydzieł. Cztery z nich – największa kolekcja Vermeera na świecie – przechowywane są w Riksmuseum w Amsterdamie. Haga jest słusznie dumna z pozostałych dwóch. To słynny „Widok Delft” - rodzinne miasto Vermeera i być może jego najsłynniejszy obraz, który stał się „wizytówką” muzeum - „Dziewczyna z perłową siarką”.
Głównym bogactwem muzeum jest kolekcja malarstwa z Holandii z XVII wieku. Jednak wystawa nie ogranicza się do tego: galeria w Hadze może pochwalić się twórczością artystów z innego „złotego wieku” – flamandzkiego. Znajdują się w nim dzieła mistrzów XV wieku: „Opłakiwanie Chrystusa” Rogiera van der Weydena i „Portret mężczyzny” Hansa Memlinga.
Kolekcję Moritzhaus uzupełnia Galeria Sztuki Księcia Willema V. Jest to chronologicznie pierwsze muzeum sztuki w Holandii. Jego ekspozycja, niegdyś zebrana przez samego księcia i odzwierciedlająca jego gust, poświęcona jest malarstwu XVIII wieku.

Moritzhaus jest otwarty od wtorku do soboty w godzinach 10:00–17:00. W niedziele i weekendy - od 11 do 17 godzin. W poniedziałek zamknięte. Cena biletu 12,50 NLG. Dzieci od 7 do 18 lat – 6,50 NLG.

Galeria Willem V czynna jest codziennie od 11:00 do 16:00. W poniedziałek zamknięte. Cena biletu to 2,50 NLG. Dzieci od 7 do 18 lat – 1,50 NLG. Wstęp do Galerii Willem V jest bezpłatny po okazaniu biletu Moritzhaus.

Wszyscy wiemy, że na przestrzeni wieków w Holandii powstawały wyjątkowe dzieła sztuki. Ale co dzieje się dziś na scenie sztuki współczesnej? Który młody artysta może zająć jego miejsce w historii? Amsterdam, podobnie jak wiele innych dużych holenderskich miast, ma wiele interesujących galerii, w których odbywają się duże wystawy utalentowanych kreatywnych artystów z całego kraju. Ponieważ istnieje ogromna liczba współczesnych artystów holenderskich, znanych zarówno w kraju, jak i za granicą, ich prace można znaleźć zarówno w dużych muzeach, takich jak Stedelijk, jak i w małych galeriach KochxBos Gallery czy Nederlands Fotomuseum.

Poniżej znajduje się pięciu wschodzących artystów holenderskich, którzy przyciągnęli uwagę międzynarodową i niewątpliwie wniosą wkład w historię sztuki holenderskiej.

Daana Roosegaarda

„Celem mojej pracy jest skłonienie ludzi do myślenia o przyszłości” – mówi Roosegaard. Ten artysta i innowator jest zdobywcą kilku nagród. W świecie sztuki współczesnej zyskał rozgłos dzięki instalacji Dune z 2006 roku. Interaktywne podświetlane znaki zainstalowane wzdłuż rzeki Mozy w Rotterdamie otworzyły drzwi artyście z obsesją na punkcie technologii, designu i architektury. Roosegaard w swoich pracach kreuje futurystyczny świat, w którym ludzie i technologia harmonijnie ze sobą współdziałają. Od lutego do 5 maja „Lotosowa Kopuła” będzie prezentowana w sali Beuning w Rijksmuseum. Ta dwumetrowa kopuła reaguje na podejście człowieka: rozkwitają setki aluminiowych kwiatów, czując ciepło odwiedzających.

Levia van Veluwa

Tradycyjne sposoby tworzenia dzieł sztuki dla Van Veluwu, artysty z Heuwelaken, to zdecydowanie za mało. W jego portfolio znajdują się fotografie, rzeźby, rysunki i instalacje, a cechą charakterystyczną jego twórczości jest wykorzystanie samego siebie jako materiału. To nie przypadek, że na jego pierwszą wystawę w galerii Ron Mandos w Amsterdamie składała się seria sześciu fotografii przedstawiających niezwykle szczegółowe rysunki wykonane długopisem. Zamiast płótna artysta malował na własnej twarzy. Związek ciała z powierzchnią odkryli powojenni artyści, którzy rozwinęli sztukę performance na niespotykany dotąd poziom. Ale wykorzystanie przedmiotów codziennego użytku, takich jak długopis, do stworzenia dzieła sztuki odegrało ważną rolę w sukcesie van Veluwe. Rozwijając tę ​​ideę w swoim własnym stylu, Levi van Veluw był w stanie wystawiać swoje prace w najlepszych muzeach świata i wprowadzać współczesną sztukę holenderską na scenę międzynarodową.

Tony’ego Van Tila

Tony Van Til ukończył studia sztuk pięknych w St. Just, instytucji edukacyjnej zlokalizowanej w małym miasteczku Breda na południu, w 2007 roku. Po ukończeniu studiów młody artysta angażuje się w ciekawe projekty. Jedną z nich są „Rzeźby Twittera”. Od 2012 roku prowadzi konto na Twitterze, na którym w 140 znakach opisuje pomysły na rzeźby. Na przykład jeden z pomysłów to „portret piękności po botoksie, powiększony do rozmiaru 4-piętrowej ściany”, inne są bardziej abstrakcyjne: tworzenie „cieni z narastającym bólem”. seria rysunków zawierająca kolejne pomysły na rzeźby. Pisze na Twitterze proces twórczy? Dla Van Tila odpowiedź brzmi: tak.

Anouk Kruythof

Ten artysta z Dordrechtu wykorzystuje fotografie jako materiał źródłowy do tworzenia rzeźb, instalacji, książek i broszur przeznaczonych do dystrybucji. Czasami tworzy anonimowe przedmioty (takie jak kartki i plakaty), które odwiedzający mogą zabrać do domu. W Stedelijk Museum odbywa się obecnie wystawa jej i jej koleżanki z Holandii, Pauline Olseten. Instalacja na parterze prezentuje ich interpretację fotografii ulicznej. Cechą charakterystyczną prac jest podkreślony zachwyt nad ludźmi i obcymi. Kolejnym aspektem życia, który przyciąga jej uwagę, jest kolor. Według artystki „tworzy porządek w chaosie” za pomocą metody gradacji kolorów.

Harma Heikens

Mówiąc o współczesnej sztuce holenderskiej, trudno nie wspomnieć o Harmie Heikens. Jej pierwsze wystawy datuje się na początek lat 90-tych. Rzeźby naturalnej wielkości łączą styl mangi i współczesną sztukę uliczną. Twórczość Harmy Heikens nie jest łatwa w odbiorze, szczególnie na pierwszy rzut oka. Wielu nazywało je nawet „dziwacznym kiczem”. Wynika to z faktu, że artysta wybrał bardzo bolesny temat: wykorzystywanie dzieci w społeczeństwie konsumpcyjnym, w którym wartości są zniekształcane. Jej rzeźby przedstawiają zaburzony świat biednych i wykorzystywanych dzieci, pobudzając widza do zajęcia się głęboko zakorzenionymi problemami społecznymi.

Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa niespotykany dotąd dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.

Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. A katolicka Flandria (dzisiejsza Belgia) pod skrzydłami Hiszpanii jest już sama.

W niepodległej Holandii malarstwo religijne prawie nikomu nie było potrzebne. Kościół protestancki nie aprobował luksusowych dekoracji. Ale ta okoliczność „wpłynęła na korzyść” malarstwa świeckiego.

Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju pokochał ten rodzaj sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć na obrazach własne życie. A artyści chętnie wychodzili im naprzeciw.

Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie została tak szczegółowo przedstawiona. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu ze swoimi nimfami i Boginie greckie.

Tych artystów nazywa się „małymi” Holendrami. Dlaczego? Obrazy były małych rozmiarów, bo tworzono je z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.

Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. W Holandii w XVII wieku żył i pracował wielki mistrz, „wielki” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.

Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 Galeria Narodowa w Londynie

Rembrandt doświadczył w swoim życiu wielu emocji. Dlatego w jego wczesne prace tyle zabawy i brawury. A jest tak wiele złożonych uczuć - w tych późniejszych.

Tutaj jest młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w karczmie”. Na kolanach leży jego ukochana żona Saskia. Jest popularnym artystą. Zamówienia napływają.

Rembrandta. Syn marnotrawny w gospodzie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Ale to wszystko zniknie za około 10 lat. Saskia umrze na suchoty. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkową kolekcją zostanie zabrany za długi.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najgłębsze myśli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

Frans Hals to jeden z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też określiłbym go jako „dużego” Holendra.

W Holandii panował wówczas zwyczaj zamawiania portretów grupowych. Tak powstało wiele podobnych prac, przedstawiających współpracujących ze sobą ludzi: strzelców jednego cechu, lekarzy jednego miasta, kierowników domu opieki.

W tym gatunku Hals wyróżnia się najbardziej. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Z Halsem było inaczej.

Spójrz na jego portret grupowy „Strzały cechu św. Jerzego.”

Fransa Halsa. Strzały cechu św. George. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia

Nie znajdziesz tu ani jednego powtórzenia pozy czy wyrazu twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Postaci jest wiele, ale żadna nie wydaje się zbędna. Dzięki niezwykle poprawnemu ułożeniu figur.

I nawet w jednym portrecie Hals przewyższał wielu artystów. Jego wzory są naturalne. Osoby z wyższych sfer na jego obrazach pozbawione są wymyślonej wielkości, a modelki z niższych klas nie wyglądają na upokorzone.

Jego bohaterowie też są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o przebiegłym spojrzeniu.

Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630

Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył swoje życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm był sprzeczny z gustami klientów. Kto chciał, żeby jego wygląd był upiększony. Hals nie zgodził się na jawne pochlebstwa i tym samym podpisał swój własny wyrok – „Zapomnienie”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Galeria Królewska Mauritshuis, Haga, Holandia

Terborch był mistrzem gatunku codziennego. Bogaci i mniej zamożni mieszczanie rozmawiają spokojnie, damy czytają listy, a procederka obserwuje zaloty. Dwie lub trzy blisko siebie rozmieszczone postacie.

To właśnie ten mistrz opracował kanony gatunku codziennego. Które później zapożyczyli Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.

Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. lata 60. XVII w. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

„Kieliszek lemoniady” to jedna z nich słynne dzieła Terborha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz materiału sukni.

Terborch ma również niezwykłe dzieła. Co mówi wiele o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.

Jego „Młynek” ukazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Przyzwyczailiśmy się do widoku przytulnych podwórek i czystych pomieszczeń na obrazach „małych” Holendrów. Ale Terborch odważył się pokazać brzydką Holandię.

Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea Państwowe w Berlinie

Jak rozumiesz, na taką pracę nie było popytu. A są one rzadkim zjawiskiem nawet wśród Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Warsztat artysty” przedstawił siebie. Prawda od tyłu.

Zaskakującym jest zatem fakt, że niedawno ujawniono nowy fakt z życia mistrza. Wiąże się to z jego arcydziełem „Delft Street”.

Jana Vermeera. Ulica Delftowa. 1657 Rijksmuseum w Amsterdamie

Okazało się, że Vermeer spędził swoje dzieciństwo na tej ulicy. Dom na zdjęciu należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro swoich dzieci. Być może siedzi na progu i szyje, podczas gdy jej dwójka dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.

Ale częściej przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów jest bardzo prosta. Oto ładna pani, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca działanie swojej wagi.

Jana Vermeera. Kobieta z wagą. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?

Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło miękko otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.

A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie sprawdzane. Nie znajdziesz ani jednego niepotrzebnego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „rozpadnie się”, a magia zniknie.

Wszystko to nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wyżywienia rodziny. Vermeer pracował także jako handlarz dziełami sztuki, sprzedając dzieła innych artystów.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pietera de Hoocha. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum w Amsterdamie

Hocha często porównuje się do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - na co dzień. W Hoch widzimy także jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.

Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest warstwowa i zabawna. A postacie bardzo harmonijnie wpasowują się w tę przestrzeń. Jak na przykład w jego obrazie „Pokojówka z dziewczyną na podwórzu”.

Pietera de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórzu. 1658 Londyńska Galeria Narodowa

Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło małe dzieła jego konkurenta Vermeera.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Niewiele osób potrafiło tak umiejętnie połączyć środowisko i ludzi.

Pietera de Hoocha. Gracze w karty w słonecznym pokoju. 1658 Królewski kolekcja dzieł sztuki, Londyn

Przypominamy, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” wisi obraz w drogiej ramie.

To po raz kolejny pokazuje, jak popularne było malarstwo wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom bogatego mieszczanina, skromnego mieszkańca miasta, a nawet chłopa.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jana Steena. Autoportret z lutnią. lata 70. XVII w Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie

Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające nauczanie moralne. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których panował występek.

Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawiać widza, ale w ukryciu ostrzegał go przed niegodziwym życiem.

Jana Steena. To bałagan. 1663 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Sten ma także spokojniejsze dzieła. Jak na przykład „Poranna toaleta”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt odkrywczymi szczegółami. Są ślady gumki do pończoch, a nie pusty nocnik. I jakoś nie jest w porządku, żeby pies leżał bezpośrednio na poduszce.

Jana Steena. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum w Amsterdamie

Ale pomimo całej frywolności, rozwiązania kolorystyczne Wall jest bardzo profesjonalny. W tym przewyższał wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwona pończocha idealnie komponuje się z niebieską marynarką i jasnym beżowym dywanikiem.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portret Ruisdaela. Litografia z książki z XIX wieku.

W ramach Roku Królestwa Niderlandów w Federacji Rosyjskiej
w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin (Galeria sztuki krajów europejskich i amerykańskich XIX-XX wieku)
do 26 stycznia 2014 roku trwała wystawa prac z kolekcji korporacyjnej Grupy ING
Magia Realizm holenderski.

Grupa ING jest jedną z największych międzynarodowych firm finansowych pochodzenia holenderskiego. Kolekcja sztuki ING obejmuje dziś ponad 15 tysięcy dzieł różnych szkół i ruchów narodowych. Na wystawie Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina Grupa ING prezentuje najważniejszą część swojej kolekcji – obrazy związane z nurtem artystycznym realizmu magicznego.
W latach dwudziestych XX wieku w Europie pod hasłem „powrotu do porządku” rozpoczęło się odrodzenie klasycznego nurtu w sztuce. W sztuce europejskiej słabnie pasja abstrakcjonizmu poprzedniej dekady, odradzają się tendencje realistyczne. Częściowo wynikało to z bolesnych doświadczeń I wojny światowej: język sztuki abstrakcyjnej był dość ograniczony, a artyści zmuszeni byli szukać nowego stylu, który oddałby brutalność minionej rzezi. Doprowadziło to do narodzin nowej formy realizmu, która porzuciła przedstawianie życia codziennego, jak to miało miejsce w sztuce XIX wieku, i skupiła się na innych technikach. Podobne ruchy artystyczne zaczęły pojawiać się w całej Europie: „nowa materialność” w Niemczech, „sztuka metafizyczna” we Włoszech, „surrealizm” we Francji, a w latach trzydziestych XX wieku „realizm magiczny” w Holandii.

Termin „realizm magiczny” został po raz pierwszy wprowadzony w Niemczech, a później był używany przez niektórych pisarzy w Holandii. Jego cechą charakterystyczną jest to, że przedmioty ze świata rzeczywistego są ukazane z fotograficzną precyzją (realizm), jednak umieszczenie ich w odrealnionym kontekście – wytworem wyobraźni artysty – efekt oderwania (magii), zniszczenia standardowego postrzegania rodzi się otaczający świat. Aby osiągnąć taki efekt, realiści magiczni sięgnęli po wyrafinowane techniki malarstwa XVII-wiecznego. Jednocześnie za fasadą zdecydowanie realistycznego stylu malarstwa kryje się spojrzenie przenikliwe i głęboko osobiste, a skrupulatna precyzja wykonania obrazów budzi poczucie wyobcowania.

Artyści zaczynają interesować się samą tradycją malarską. Jednym z pierwszych naśladowców tego trendu jest Holender Karol Willink, jedynego artysty, który ma zaszczyt znaleźć się nie tylko w kolekcji ING, ale także w szerszej historii sztuki XX wieku. Willink, uznając styl nowoczesny za przemijający, postanawia zakończyć swoje eksperymenty i przejść do tradycji realistyczne malarstwo.

Karol Willink. Dziewczyna w renesansowej sukni. 1946

Wzrok każdego wchodzącego na wystawę od razu przyciąga „Dziewczyna w renesansowym kostiumie” Karela Willinka. Dziewczyna Rubensa w ciężkiej brokatowej sukience z zabawkową owcą na smyczy, ukazana na tle zwykłego parku, ciągnącego się w perspektywie Patinirowa aż po horyzont, wydaje się bohaterką jakiegoś koszmaru. Albo lodowate światło elektryczne, jak z „Melancholii” Larsa von Triera daje taki efekt, albo kontrast pomiędzy wcale nie dziecinną i wcale nie niewinną twarzą modelki a idylliczną scenerią w duchu dawnych mistrzów, gdzie to twarz jest wstawiona jak na obrazie, uruchamia się podróbka z prowincjonalnego studia fotograficznego. „Dziewczyna” powstała w 1945 roku – w czasie okupacji Karel Willink, choć uznawany był za artystę całkowicie aryjskiego, odmawiał sprzedaży swoich obrazów Niemcom i utrzymywał się z portretów. Jednak obraz ten, przy całym swoim niestandardowym charakterze, jest postrzegany jako refleksja nad Starą Europą, która umarła i którą teraz muszą zasiedlać młode, nieznane plemiona.

Pozostali artyści pokazani na wystawie są znacznie mniej znani i zdają się chcieć wdać się w dyskusję z Willinkiem, udowadniając mu swoim maniakalnym realizmem, że wartości starego świata mają prawo do życia. Ale jednocześnie kolekcja ING wcale nie wygląda na przejaw konserwatyzmu.

Termin „realizm magiczny” ukryty w tytule wystawy został wymyślony przez niemieckiego historyka i krytyka sztuki Franza Rocha w 1925 r. dla artystów „nowej materialności”, szybko jednak przeniósł się na obszar literatury i praktycznie utracił w tym zakresie jakiekolwiek wyraźne znaczenie sztuki wizualne. Na wystawie widzimy całą gamę „izmów”. Od hiperrealizmu – jak w „The Box” Frans Klemens, z którego lada moment wypadną narzędzia budowlane, aż do banalnego akademizmu – jak w martwych naturach Piotr Sebens I Bernarda Ferkaykę. Są tu także fani Andrew Wyetha... Johana Abelinga z „Domem”, który z łatwością mógłby stać się „Domem Christiny”. A konceptualiści jak autor 7 tysięcy autoportretów Filipa Ackermana, uczeń wielkiego Jana Dibbetsa. A fani postmodernistycznych gier lubią Barendę Blankert, cytując starych Włochów zmieszanych z Georgesem Seuratem. I właśnie ta „nowa materialność”, do której zaliczają się rówieśnicy Karela Willinka – Wima Schumachera ze srebrnymi portretami i pejzażami oraz Dick Ket z kolażowymi martwymi naturami, przywracając iluzjonistyczną perswazję kubistycznemu światu przedmiotów. Jednakże, Dicka Keta, w „Martwej naturze na Mikołaja”, szyfrując jego imię, ponieważ lalka marionetka, która trafiła na świąteczny stół, po zachodniofryzyjsku nazywa się „ket”, bawi się w surrealistyczne gry. Podobnie jak Karel Willink, jego północna maniera jest bliska Maxowi Ernstowi i Salvadorowi Dali, a jego kartezjanizm jest bliski Rene Magritte'owi.

Prawdopodobnie kolekcja ING ma program patriotyczny: w końcu realizm uważany jest za wielkie osiągnięcie złotego wieku Holandii. Wielu artystów odwołuje się tu do Złotego Wieku, a w „Martwej naturze z owocami na tle pejzażu” genialnego stylisty Raoula Hinkesa Chciałbym poprawić datę wpisując „1635” zamiast „1935”. Nie można jednak powiedzieć, że motywy, które przyświecały zebraniu tej korporacyjnej kolekcji, ograniczały się do chęci wspierania narodowej marki artystycznej. Wystawa zajmuje tylko trzy sale, a obrazy są po prostu rozdzielone między nimi, zgodnie z zasadą gatunkową: portret, pejzaż, martwa natura. Jednak przy całym fotograficznym realizmie prac nie czuje się różnicy między gatunkami: zaprojektowane głównie w matowej srebrzysto-szarej tonacji, rozświetlone głównie równomiernym matowym światłem, wyróżniające się nienaturalną wyrazistością linii, wszystkie początkowo przywołują na myśl typowy holenderski krajobraz, a potem zaczynają przypominać martwą naturę. Mistrzowski i beznamiętny zarys rzeczywistości, z której zniknęło życie. Nie jako holistyczny obraz realnego świata, ale jako zbiór znaków indeksowych, które niczym pęknięcie na jednym podłokietniku i kokardka na drugim odnoszą się do realnego świata jako miejsca zbrodni. Barendę Blankert. Co częściowo opisał poeta Józef Brodski w wierszu inspirowanym malarstwem Carla Willinka: „To się nazywa «mistrzostwo»:

Umiejętność nie bania się zabiegu

Nieistnienie - jako formy własne

Nieobecność, skopiowana z życia.

W ślad za Willinkiem coraz większą popularnością cieszą się tacy przedstawiciele realizmu magicznego, jak Peike Koch, Raoul Hinkuis, Dick Kaeth czy Wim Schumacher.

Peike Kocha. Zbiór. 1953

„Realizm magiczny przedstawia zjawiska możliwe, a jednocześnie nieprawdopodobne; surrealizm ze swej strony ukazuje sytuacje, które są niemożliwe, nie istnieją lub nie mogą istnieć” – stwierdził Peike Kocha, wyjaśniający różnicę między realizmem magicznym a surrealizmem, dwoma często mylonymi ruchami w sztuce. Surrealizm to przede wszystkim świat fantazji i snów, natomiast realizm magiczny to codzienność w nowym kontekście.

Cechą wspólną wszystkich realistów magicznych jest atmosfera, jaką tworzą ich obrazy. Poczucie niepokoju, jakie wywołują te obrazy, wynika po części z ich skrajnego realizmu, który zmniejsza dystans między widzem a dziełem. Jednocześnie nie ma tu narracji ścisłej ani pełnej. Artysta proponuje jedynie zestaw możliwych odczytań, ale nigdy nie daje pełnej odpowiedzi. Widz ma prawo wyciągnąć własne wnioski.

Estetyka realizmu magicznego, to połączenie rzeczywistości i magii wymagało oczywiście pewnych technik stylistycznych. Prace realistów magicznych wyróżnia pewien chłód i pozornie obojętne spojrzenie artysty na temat obrazu, przesuwające się po powierzchni, co było szczególnie widoczne w portrecie i martwych naturach (Dick Kath, Wim Schumacher).

Wima Schumachera. Portret Adina Meesa. 1933;

Wim Schumacher „Melita w bieli”, 1928 r

Wim Schumacher „Prats de Mollo” 1929

Dicka Keta. Święty Mikołaj, martwa natura. 1931

Dick Ket (1902-1940). Martwa natura ze skrzypcami i wycinki z gazet z autoportretami W.Schumachera i R.Hynckesa.Ca.1936

Raoul Hynckes (1893-1973). Martwa natura z owocami i pejzażem/Martwa natura z owocami na tle krajobrazu. 1935.

Ger Langeweg (1891-1970).Gruszki w krajobrazie.Ca.1937/Ger Langeweg.Gruszki w krajobrazie.

Dla współczesnych przedstawicieli realizmu magicznego w Holandii charakterystyczne i nieprzypadkowe jest ich powiązanie z takimi zjawiskami w sztuce XX wieku, jak pop-art, neoekspresjonizm i fotorealizm. Techniki demonstracyjnego konstruowania świata wyobraźni, chęć odtworzenia utylitaryzmu i stereotypizacji otaczającej przestrzeni, ucieczka w świat wyobraźni, posługiwanie się ukrytymi aluzjami, swobodna zabawa obrazami i znaczeniami sprawiają, że twórczość współczesnych „magicznych” ” artyści podobni do surrealizmu. Jednocześnie niezwykły stopień sztuki figuratywnej i dbałość o szczegóły jest niewątpliwie nawiązaniem do realistycznej tradycji dawnych mistrzów holenderskich.

Celem wystawy „Magia realizmu holenderskiego” jest ukazanie jednego z najjaśniejszych zjawisk w sztuce Niderlandów XX wieku – jako dialogu pomiędzy malarzami kilku pokoleń, pomiędzy realistami magicznymi pierwszej połowy XX wieku stulecia, w tym Wima Schumachera, Karela Willinka, Peike Kocha i ich współczesnych naśladowców: Philippa Akkermana, Fransa Stuurmana, Koosa van Koulena i innych, dialog, który pozwala przypomnieć sobie tradycyjną kulturę Holandii. Na wystawie zaprezentowanych zostanie około czterdziestu prac holenderskich artystów XX i XXI wieku, ukazujących kunszt techniczny, połączenie tradycji i innowacyjności.

Jan van Tongeren (1897-1991).Martwa natura z białym dzbankiem.1967/ Jan van Tongeren.Martwa natura z białym dzbankiem

Franc Clement (ur. 1941). Box.1985/ Franc Clement. Box.

Frans Stuurman „Delfshaven” 1979

Frans Stuurman (g.1952) Zatoka.1994 / Frans Stuurman.Mewa

Jan Najgorszy „Poszukiwacz przygód” 1993

Kick Sailer „Przed lustrem” 1993

Kick Seiler „Noc” 1992

Pete Sebens „Stół Hildy” 1995

Henk Helmantel (ur. 1945). Martwa natura z owocami granatu. 1998. Drewno, olej

Barend Blankert (g.1941). Ćwiczenie.1991 / Barend Blankert. Ćwiczenia

Barend Blankert „Dwóch chłopców w naturze” 1988-1990

Filipa Ackermana. Autoportret. 2001

Philip Akkerman (ur. 1957) 4 Autoportrety nr 132, nr 51, nr 80, nr 20 / Philip Akerman.4 autoportrety

Światło na obrazach realizmu magicznego często wygląda sztucznie, jest zbyt ostre i przerywane. Artyści wykorzystali tę technikę, aby w pełni zrealizować metody wykorzystania perspektywy wypracowane przez kubistów.

Również na obrazach realistów magicznych prawie nie można znaleźć żadnych niuansów ani delikatnych schematów kolorystycznych: pierwszy plan i tło są często przedstawiane z tym samym stopniem szczegółowości. Wśród współczesnych wyznawców realizmu magicznego technikę tę stosują m.in Koosa van Koulena.

Koosa van Koulena. Olga. 2007

Koos van Keulen „Itier i Pisanello” 2003

Matthijs Roling(ur.1943).Ogród.2005 / Matthijs Roling.Ogród

Bernard Verkaaik (ur. 1946). Garnek, cebula i czarna tkanina.2004/Bernard Ferkaaik. Garnek, żarówki i czarna tkanina

oni>
Kenne Gregoire (ur. 1951). Przerwa na kawę. 2003. Płótno na drewnie, akryl

Harry van der Woude „Autoportret z pomarańczową misą” 2007

W latach 60. we Francji pojawił się nowy realizm, a w USA i Wielkiej Brytanii pop-art - zapotrzebowanie na realizm magiczny jako ruch gwałtownie spadło. W tym czasie w Europie zaczął pojawiać się neoekspresjonizm. Aktywny udział w tym procesie biorą między innymi belgijscy i holenderscy artyści Alfonsa Freimutha I Rogera Roveela. Zaczynają tworzyć obrazy w „stylu naturalnym”, od czasu do czasu powracając do tradycji swoich poprzedników, którzy odkryli kierunek „realizmu magicznego”. Teraz mistrzowie bardziej typowe są dla takich tematów jak miłość, harmonia, śmierć, uczucia, podczas gdy nowy realizm neurotyczny często zamienia się w kwestie tabu w społeczeństwie. Artyści wszystkich tych ruchów mocno wierzą w potrzebę wyrażania zarówno osobistych stanowisk, myśli, jak i uniwersalnych wartości ludzkich, które spajają te okresy w sztuce.

Wystawa jako całość wyraźnie ukazuje nie tylko ciągłość twórczości współczesnych holenderskich artystów od ich bezpośrednich poprzedników, ale także ciągły dialog z tradycyjną kulturą i związek ze złotym wiekiem malarstwa holenderskiego. Odnajdywanie tych skrzyżowań i wzajemnych odniesień staje się dla widza fascynującym poszukiwaniem. Jednak magia działa również w przypadku biernej kontemplacji. Jednak realizm magiczny to oksymoron, a paradoksy i sprzeczności zawsze się przyciągają.

P.S. Niestety nie mogłem być na wystawie, materiały na jej temat zebrałem w Internecie:
Spinki do mankietów:
http://pda.mn.ru/culture/20131114/362619469.html

Złoty wiek malarstwa holenderskiego to jedna z najwybitniejszych epok w historii całego malarstwa światowego. Rozważany jest złoty wiek malarstwa holenderskiego XVII wiek. To właśnie w tym czasie najzdolniejsi artyści i malarze tworzyli swoje nieśmiertelne dzieła. Ich obrazy nadal uważane są za niezrównane arcydzieła, które przechowywane są w słynnych muzeach na całym świecie i uważane są za bezcenne dziedzictwo ludzkości.

Na początku XVII wiek W Holandii nadal kwitła dość prymitywna sztuka, co było uzasadnione przyziemnymi gustami i preferencjami bogatych i wpływowych ludzi. W wyniku zmian politycznych, geopolitycznych i religijnych sztuka holenderska zmieniła się dramatycznie. Jeśli wcześniej artyści próbowali przypodobać się holenderskim mieszczanom, przedstawiając ich życie i sposób życia, pozbawiony wszelkich wzniosłych i język poetycki, a także pracował dla kościoła, który zlecał artystom prace w dość prymitywnym gatunku o dawno zatartych tematach, początek XVII wieku był prawdziwym przełomem. W Holandii panowała dominacja protestantów, którzy praktycznie przestali zamawiać u artystów obrazy o tematyce religijnej. Holandia uniezależniła się od Hiszpanii i zapewniła sobie miejsce na historycznym podium. Artyści przeszli od znanych wcześniej tematów do przedstawiania scen codziennych, portretów, pejzaży, martwych natur i tak dalej. Tutaj, na nowym polu, artyści złotego wieku zdawali się złapać nowy oddech, a na świecie zaczęli pojawiać się prawdziwi geniusze sztuki.

Holenderscy artyści XVII wieku wprowadzili do mody realizm w malarstwie. Oszałamiające kompozycją, realizmem, głębią i niezwykłością obrazy zaczęły odnosić ogromny sukces. Popyt na obrazy gwałtownie wzrósł. W rezultacie zaczęło pojawiać się coraz więcej nowych artystów, którzy w zadziwiająco szybkim tempie rozwijali podstawy malarstwa, opracowywali nowe techniki, style i gatunki. Do najsłynniejszych artystów Złotego Wieku należeli: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel Starszy, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck i wielu innych.

Obrazy malarzy holenderskich

Cornelis de Man – Manufaktura oleju wielorybiego

Cornelis Trost - Zabawa w parku

Ludolf Backhuizen – Dok kampanii w Indiach Wschodnich w Amsterdamie

Pieter Bruegel Starszy – Katastrofa Alchemika

Rembrandt – Andries de Graef

Za narodziny szkoły holenderskiej uważa się pierwsze lata XVII wieku. Szkoła ta należy do wielkich szkół malarskich i jest szkołą niezależną i niezależną o wyjątkowych i niepowtarzalnych cechach i tożsamości.

Ma to podłoże w dużej mierze historyczne – jednocześnie narodził się nowy ruch w sztuce i nowe państwo na mapie Europy.

Aż do XVII wieku Holandia nie wyróżniała się bogactwem artystów narodowych. Być może dlatego w przyszłości w tym kraju będzie ich tak wielu duża liczba artystów, zwłaszcza artystów holenderskich. Choć kraj ten stanowił jedno państwo z Flandrią, to głównie we Flandrii intensywnie tworzyły się i rozwijały oryginalne ruchy artystyczne. We Flandrii pracowali wybitni malarze Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, których takich w Holandii nie było. Na początku XVI wieku można odnotować jedynie pojedyncze wybuchy geniuszu w malarstwie; jest to artysta i rytownik Łukasz z Lejdy, będący uczniem szkoły brukgijskiej. Ale Łukasz z Lejdy nie założył żadnej szkoły. To samo można powiedzieć o malarzu Dirku Boutsie z Haarlemu, którego twórczość ledwo odstaje na tle stylu i maniery początków szkoły flamandzkiej, o artystach Mostarta, Skorela i Heemskerke, którzy mimo całego swojego znaczenia, nie są indywidualnymi talentami, które charakteryzują ich z ich oryginalnością kraju.

Następnie wpływy włoskie rozprzestrzeniły się na wszystkich, którzy tworzyli pędzlem – od Antwerpii po Haarlem. Między innymi z tego powodu zacierały się granice, mieszały się szkoły, a artyści tracili tożsamość narodową. Nie przeżył ani jeden uczeń Jana Skorela. Ostatni, najsłynniejszy, największy portrecista, który wraz z Rembrandtem jest dumą Holandii, artysta obdarzony potężnym talentem, doskonale wykształcony, zróżnicowany stylowo, z natury odważny i elastyczny, kosmopolita, który utracił wszystko ślady jego pochodzenia, a nawet imienia – Antonis Moreau (był oficjalnym malarzem króla hiszpańskiego) zmarł po 1588 roku.

Pozostali przy życiu malarze niemal przestali być Holendrami w duchu swojej twórczości; brakowało im organizacji i umiejętności odnowienia szkoły narodowej. Byli to przedstawiciele manieryzmu holenderskiego: rytownik Hendrik Goltzius, Cornelis z Haarlemu, który naśladował Michała Anioła, Abraham Bloemaert, naśladowca Correggio, Michiel Mierevelt, dobry portrecista, zręczny, precyzyjny, lakoniczny, trochę zimny, nowoczesny jak na swoje czasy , ale nie narodowy. Co ciekawe, on sam nie uległ wpływom włoskim, które ujarzmiły większość przejawów ówczesnego malarstwa holenderskiego.

Pod koniec XVI wieku, kiedy portreciści utworzyli już szkołę, zaczęli pojawiać się i formować inni artyści. W drugiej połowie XVI wieku narodziło się wielu malarzy, którzy stali się fenomenem w malarstwie; było to niemal przebudzenie holenderskiej szkoły narodowej. Różnorodność talentów prowadzi do wielu różnych kierunków i ścieżek rozwoju malarstwa. Artyści sprawdzają się we wszystkich gatunkach, w różnych zestawieniach kolorystycznych: jedni pracują w jasnych barwach, inni w ciemnych (wyczuwał się tu wpływ włoskiego artysty Caravaggia). Malarze preferują jasne kolory, a koloryści ciemne kolory. Rozpoczyna się poszukiwanie maniery obrazkowej, opracowywane są zasady przedstawiania światłocienia. Paleta staje się bardziej zrelaksowana i swobodna, podobnie jak linie i plastyczność obrazu. Pojawiają się bezpośredni poprzednicy Rembrandta – jego nauczyciele Jan Pace i Peter Lastman. Coraz swobodniejsze stają się także metody gatunkowe – historyczność nie jest już tak obowiązkowa jak dawniej. Tworzy się szczególny, głęboko narodowy i niemal historyczny gatunek – portrety zbiorowe przeznaczone do miejsc publicznych – ratuszów, korporacji, warsztatów i społeczności. Wraz z tym najdoskonalszym w swej formie wydarzeniem kończy się wiek XVI, a zaczyna wiek XVII.

To dopiero początek, zalążek szkoły, sama szkoła jeszcze nie istnieje. Jest wielu utalentowanych artystów. Wśród nich są wykwalifikowani rzemieślnicy, kilku znakomitych malarzy. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder i wreszcie Esayas van de Velde i van Goyen – wszyscy urodzili się pod koniec XVI w. wiek. Na tej liście znajdują się także artyści, których nazwiska utrwaliły się w historii, ci, którzy reprezentowali jedynie indywidualne próby osiągnięcia mistrzostwa, oraz ci, którzy stali się nauczycielami i poprzednikami przyszłych mistrzów.

Był to moment krytyczny w rozwoju malarstwa holenderskiego. Przy niestabilnej równowadze politycznej wszystko zależało tylko od przypadku. Przeciwnie, we Flandrii, gdzie zaobserwowano podobne przebudzenie, panowało już poczucie pewności i stabilności, jakiego nie było jeszcze w Holandii. We Flandrii istnieli już artyści, którzy uformowali się w ten sposób lub byli mu bliscy. Warunki polityczne i społeczno-historyczne w tym kraju były korzystniejsze. Istniał bardziej elastyczny i tolerancyjny rząd, tradycje i społeczeństwo. Z potrzeby luksusu zrodziła się trwała potrzeba sztuki. W sumie istniały poważne powody, dla których Flandria miała po raz drugi stać się wielkim ośrodkiem sztuki. Do tego brakowało tylko dwóch rzeczy: kilku lat spokoju i mistrza, który byłby twórcą szkoły.

W 1609 roku, gdy decydowały się losy Holandii – Filip III zgodził się na rozejm między Hiszpanią a Holandią – pojawił się Rubens.

Wszystko zależało od szansy politycznej lub militarnej. Pokonana i podbita Holandia musiałaby całkowicie utracić niepodległość. Wtedy oczywiście nie byłoby dwóch niezależnych szkół – w Holandii i we Flandrii. W kraju zależnym od wpływów włosko-flamandzkich taka szkoła i utalentowani, oryginalni artyści nie mogli się rozwijać.

Aby narodził się naród holenderski, a sztuka holenderska ujrzała wraz z nim światło, potrzebna była głęboka i zwycięska rewolucja. Szczególnie ważne było, aby rewolucja opierała się na sprawiedliwości, rozsądku, konieczności, aby ludzie zasłużyli na to, co chcieli osiągnąć, aby byli zdecydowani, przekonani o swojej słuszności, pracowici, cierpliwi, powściągliwi, bohaterscy i mądrzy. Wszystkie te cechy historyczne znalazły później odzwierciedlenie w powstaniu holenderskiej szkoły malarstwa.

Sytuacja okazała się taka, że ​​wojna nie zrujnowała Holendrów, ale ich wzbogaciła; walka o niepodległość nie uszczupliła ich sił, ale wzmocniła i zainspirowała. W zwycięstwie nad najeźdźcami ludzie wykazali się tą samą odwagą, co w walce z żywiołami, o morze, o zalanie ziem, o klimat. To, co miało zniszczyć ludzi, dobrze im służyło. Traktaty podpisane z Hiszpanią dały Holandii wolność i wzmocniły jej pozycję. Wszystko to doprowadziło do powstania własnej sztuki, która gloryfikowała, uduchowiała i wyrażała wewnętrzną istotę narodu holenderskiego.

Po traktacie z 1609 r. i oficjalnym uznaniu Zjednoczonych Prowincji nastąpił natychmiastowy zastój. To było tak, jakby dobroczynny, ciepły wietrzyk dotknął ludzkich dusz, ożywił glebę, odnalazł i obudził kiełki gotowe do rozkwitu. To niesamowite, jak niespodziewanie i po co krótkoterminowy- nie więcej niż trzydzieści lat - na małej przestrzeni, na niewdzięcznej pustynnej ziemi, w trudnych warunkach życia, pojawiła się cudowna plejada malarzy, i to wielkich malarzy.

Pojawiły się natychmiast i wszędzie: w Amsterdamie, Dordrechcie, Lejdzie, Delft, Utrechcie, Rotterdamie, Haarlemie, a nawet za granicą - jakby z nasion, które spadły z pola. Najstarsi to urodzeni na przełomie wieków Jan van Goyen i Wijnants. I dalej, w przedziale od początku stulecia do końca jego pierwszej tercji – Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bol, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jakub Ruisdael.

Ale na tym kreatywne pomysły się nie skończyły. Następny na świat przyszedł Pieter de Hooch w Hobbema. Ostatni z wielkich, van der Heyden i Adrian van de Velde, urodzili się w latach 1636 i 1637. W tym czasie Rembrandt miał trzydzieści lat. Mniej więcej te lata można uznać za czas pierwszego rozkwitu szkoły holenderskiej.

Biorąc pod uwagę wydarzenia historyczne tamtych czasów, można sobie wyobrazić, jakie powinny być aspiracje, charakter i losy nowej szkoły malarstwa. Co ci artyści mogliby napisać w kraju takim jak Holandia?

Rewolucja, która dała Holendrom wolność i bogactwo, jednocześnie pozbawiła ich tego, co stanowi żywotną podstawę wielkich szkół na całym świecie. Zmieniła wierzenia, zmieniła nawyki, zniosła wizerunki scen starożytnych i ewangelicznych, zaprzestała tworzenia dużych dzieł - malarstwa kościelnego i dekoracyjnego. Tak naprawdę każdy artysta miał wybór – być oryginalnym albo nie być wcale.

Należało stworzyć sztukę dla narodu mieszczańskiego, która będzie do niego przemawiała, przedstawiała go i była dla niego istotna. Byli to praktyczni, nieskłonni do marzeń, ludzie biznesu, ze złamanymi tradycjami i antywłoskimi nastrojami. Można powiedzieć, że Holendrzy mieli proste i odważne zadanie – stworzyć własny portret.

Malarstwo holenderskie było i mogło być jedynie wyrazem wyglądu zewnętrznego, prawdziwym, wiernym, podobnym portretem Holandii. Był to portret ludzi i terenu, zwyczajów mieszczańskich, placów, ulic, pól, morza i nieba. Głównymi elementami szkoły holenderskiej były portrety, pejzaże i sceny codzienne. Taki był obraz ten od początków swego istnienia aż do upadku.

Wydawać by się mogło, że nie ma nic prostszego niż odkrycie tej powszechnej sztuki. W rzeczywistości nie można sobie wyobrazić niczego równego mu pod względem szerokości i nowości.

Od razu zmieniło się wszystko w sposobie rozumienia, widzenia i przekazywania: punkt widzenia, ideał artystyczny, wybór natury, styl i metoda. Malarstwo włoskie i flamandzkie w swoich najlepszych przejawach jest dla nas wciąż zrozumiałe, bo wciąż się nimi zachwyca, ale to już martwe języki i nikt już nimi nie będzie się posługiwał.

Kiedyś panował zwyczaj myślenia wzniosłego i ogólnego; istniała sztuka polegająca na umiejętnym doborze przedmiotów. W ich dekoracji korekta. Uwielbiał pokazywać naturę taką, jaka nie istnieje w rzeczywistości. Wszystko ukazane było mniej więcej zgodne z osobowością danej osoby, zależało od niej i było jej podobieństwem. W rezultacie powstała sztuka, w której człowiek jest w centrum, a wszystkie inne obrazy wszechświata albo ucieleśniały się w ludzkich formach, albo były niewyraźnie ukazywane jako wtórne środowisko człowieka. Twórczość rozwijana według określonych wzorców. Każdy przedmiot musiał zapożyczać swoją plastyczną formę od tego samego ideału. Mężczyzna musiał być częściej przedstawiany nago niż ubranego, dobrze zbudowanego i przystojnego, aby mógł z odpowiednią wielkością odegrać przypisaną mu rolę.

Teraz zadanie malowania stało się prostsze. Każdej rzeczy lub zjawisku należało nadać prawdziwe znaczenie, umieścić człowieka na właściwym miejscu, a jeśli to konieczne, obejść się bez niego.

Czas mniej myśleć, patrzeć uważnie na to, co najbliżej, lepiej obserwować i pisać inaczej. To jest obraz tłumu, obywatela, człowieka pracy. Trzeba było stać się skromnym dla wszystkiego, co skromne, małym dla małych, niepozornym dla niepozornego, wszystko akceptować, nie odrzucając i nie pogardząc niczym, wnikając w ukryte życie rzeczy, z miłością łącząc się z ich istnieniem, trzeba było być uważnym , dociekliwy i cierpliwy. Geniusz polega teraz na braku uprzedzeń. Nie ma potrzeby niczego upiększać, uszlachetniać, demaskować: to wszystko jest kłamstwem i bezużyteczną pracą.

Malarze holenderscy, tworząc w jakimś zakątku północnego kraju z wodą, lasami, morskimi horyzontami, potrafili odzwierciedlić w miniaturze cały wszechświat. Mały kraj, dokładnie zbadany według gustów i instynktów obserwatora, zamienia się w niewyczerpany skarbiec, tak bogaty jak samo życie, tak bogaty w doznania, jak bogate jest w nie ludzkie serce. Szkoła holenderska rozwija się i działa w ten sposób przez całe stulecie.

Malarze holenderscy znajdowali tematy i kolory, które zaspokajały wszelkie ludzkie skłonności i uczucia, dla natur szorstkich i delikatnych, żarliwych i melancholijnych, marzycielskich i wesołych. Pochmurne dni ustępują wesołym, słonecznym dniom, morze jest czasem spokojne i mieniące się srebrem, czasem burzliwe i ponure. Wzdłuż wybrzeża znajduje się wiele pastwisk z gospodarstwami rolnymi i wiele statków zatłoczonych. I prawie zawsze można poczuć ruch powietrza nad przestrzeniami i silne wiatry znad Morza Północnego, które gromadzą chmury, uginają drzewa, obracają skrzydła młynów i kierują światła i cienie. Do tego należy dodać miasta, życie domowe i uliczne, uroczystości na jarmarkach, przedstawienia różnych obyczajów, potrzeby biednych, okropności zimy, bezczynność w tawernach z dymem tytoniowym i kuflami piwa. Z drugiej strony zamożny tryb życia, sumienna praca, kawalkady, popołudniowy odpoczynek, polowania. Ponadto - życie publiczne, uroczystości cywilne, bankiety. W rezultacie powstała nowa sztuka, ale poruszająca tematy stare jak świat.

W ten sposób powstała harmonijna jedność ducha szkoły i najbardziej zdumiewająca różnorodność, jaka kiedykolwiek powstała w ramach jednego ruchu artystycznego.

Ogólnie rzecz biorąc, szkoła holenderska nazywana jest szkołą gatunkową. Jeśli rozłożymy go na elementy składowe, wówczas możemy wyróżnić wśród niego malarzy pejzaży, mistrzów portretu grupowego, malarzy morskich, malarzy zwierząt, artystów malujących portrety zbiorowe czy martwe natury. Jeśli przyjrzeć się bliżej, można wyróżnić wiele odmian gatunkowych - od miłośników malowniczości po ideologów, od kopistów natury po jej interpretatorów, od konserwatywnych domowników po podróżników, od kochających i odczuwających humor po artystów unikających komedii. Przypomnijmy sobie obrazy przedstawiające humor Ostade'a i powagę Ruisdaela, spokój Pottera i kpinę Jana Steena, dowcip Van de Velde i ponurą senność wielkiego Rembrandta.

Z wyjątkiem Rembrandta, którego należy uznać za zjawisko wyjątkowe zarówno w skali swojego kraju, jak i w historii, wówczas wszystkich pozostałych artystów holenderskich cechuje określony styl i metoda. Prawa tego stylu to szczerość, przystępność, naturalność i wyrazistość. Jeśli odbierzecie sztuce holenderskiej to, co można nazwać uczciwością, to przestaniecie rozumieć jej żywotne podstawy i nie będziecie w stanie określić ani jej charakteru moralnego, ani stylu. U tych artystów, którzy w większości zasłużyli sobie na miano krótkowzrocznych kopistów, czuć wzniosłą i życzliwą duszę, wierność prawdzie i umiłowanie realizmu. Wszystko to nadaje ich dziełom wartość, jakiej zdaje się nie mieć to, co na nich przedstawione.

Początkiem tego szczerego stylu i pierwszym efektem tego szczerego podejścia jest doskonały rysunek. Wśród malarzy holenderskich Potter jest przejawem geniuszu w precyzyjnych, zweryfikowanych pomiarach i umiejętności prześledzenia ruchu każdej linii.

W Holandii niebo często zajmuje połowę, a czasem cały obraz. Dlatego konieczne jest, aby niebo na zdjęciu poruszało się, przyciągało i niosło nas ze sobą. Aby można było odczuć różnicę między dniem, wieczorem i nocą, aby można było odczuć ciepło i zimno, aby widz był jednocześnie zmarznięty i cieszył się tym oraz odczuwał potrzebę skupienia. Choć chyba trudno taki rysunek nazwać najszlachetniejszym ze wszystkich, spróbujcie znaleźć na świecie artystów, którzy namalowaliby niebo, jak Ruisdael i van der Neer, a tak wiele i tak błyskotliwie przekazaliby swoją twórczością. Wszędzie Holendrzy mają ten sam design - powściągliwy, lakoniczny, precyzyjny, naturalny i naiwny, zręczny i nie sztuczny.

Holenderska paleta jest całkiem godna ich rysunku, stąd idealna jedność ich metody malowania. Każdy obraz holenderski można łatwo rozpoznać po wyglądzie. Jest niewielki i wyróżnia się mocnymi, surowymi kolorami. Wymaga to od artysty dużej dokładności, pewnej ręki i głębokiej koncentracji, aby uzyskać skoncentrowany efekt na widzu. Artysta musi wejść w głąb siebie, aby pielęgnować swój pomysł, widz musi wejść w głąb siebie, aby zrozumieć plan artysty. To holenderskie obrazy dają najjaśniejsze wyobrażenie o tym ukrytym i wiecznym procesie: czuć, myśleć i wyrażać. Nie ma bardziej bogatego obrazu na świecie, skoro to Holendrzy mieszczą tak wiele treści na tak małej przestrzeni. Dlatego wszystko tutaj nabiera precyzyjnej, skompresowanej i skondensowanej formy.

Każdy obraz holenderski jest wklęsły, składa się z krzywych opisanych wokół jednego punktu, będącego ucieleśnieniem koncepcji obrazu oraz cieni rozmieszczonych wokół głównego punktu światła. Solidna podstawa, biegnący blat i zaokrąglone rogi zwrócone do środka – wszystko to jest obrysowane, pokolorowane i podświetlone w kole. Dzięki temu obraz nabiera głębi, a przedstawione na nim obiekty oddalają się od oka widza. Widz jest niejako prowadzony od pierwszego planu do ostatniego, od kadru po horyzont. Wydaje się, że zamieszkujemy obraz, poruszamy się, patrzymy w głąb, podnosimy głowę, by zmierzyć głębokość nieba. Rygor perspektywy powietrznej, doskonała zgodność koloru i odcieni z miejscem w przestrzeni, jakie zajmuje obiekt.

Aby pełniej zrozumieć malarstwo holenderskie, należy szczegółowo rozważyć elementy tego ruchu, cechy metod, naturę palety i zrozumieć, dlaczego jest ono tak ubogie, niemal monochromatyczne i tak bogate w rezultaty. Ale wszystkie te pytania, podobnie jak wiele innych, zawsze były przedmiotem spekulacji wielu historyków sztuki, nigdy jednak nie zostały wystarczająco zbadane i wyjaśnione. Opis głównych cech sztuki holenderskiej pozwala odróżnić tę szkołę od innych i prześledzić jej genezę. Wyrazistym obrazem ilustrującym tę szkołę jest obraz Adriaana van Ostade z Muzeum Amsterdamskiego „Atelier Artysty”. Temat ten był jednym z ulubionych malarzy holenderskich. Widzimy uważnego, lekko zgarbionego mężczyznę, z przygotowaną paletą, cienkimi, czystymi pędzlami i przezroczystym olejem. Pisze w półmroku. Jego twarz jest skupiona, jego ręka jest ostrożna. Tylko może ci malarze byli odważniejsi i umieli śmiać się bardziej beztrosko i cieszyć się życiem, niż można wywnioskować z zachowanych obrazów. W przeciwnym razie, jak ich geniusz objawiłby się w atmosferze tradycji zawodowych?

Podwaliny pod szkołę holenderską położyli van Goyen i Wijnants na początku XVII wieku, ustanawiając pewne prawa malarstwa. Prawa te zostały przekazane z nauczycieli na uczniów i przez całe stulecie holenderscy malarze kierowali się nimi, nie schodząc na bok.

Holenderskie malarstwo manierystyczne

Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa niespotykany dotąd dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.

Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. A katolicka Flandria (dzisiejsza Belgia) pod skrzydłami Hiszpanii jest już sama.

W niepodległej Holandii malarstwo religijne prawie nikomu nie było potrzebne. Kościół protestancki nie aprobował luksusowych dekoracji. Ale ta okoliczność „wpłynęła na korzyść” malarstwa świeckiego.

Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju pokochał ten rodzaj sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć na obrazach własne życie. A artyści chętnie wychodzili im naprzeciw.

Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie została tak szczegółowo przedstawiona. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu ze swoimi nimfami i greckimi boginiami.

Tych artystów nazywa się „małymi” Holendrami. Dlaczego? Obrazy były małych rozmiarów, bo tworzono je z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.

Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. W Holandii w XVII wieku żył i pracował wielki mistrz, „wielki” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.

Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 Galeria Narodowa w Londynie

Rembrandt doświadczył w swoim życiu wielu emocji. Dlatego w jego wczesnych pracach jest tyle zabawy i brawury. A jest tak wiele złożonych uczuć - w tych późniejszych.

Tutaj jest młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w karczmie”. Na kolanach leży jego ukochana żona Saskia. Jest popularnym artystą. Zamówienia napływają.

Rembrandta. Syn marnotrawny w gospodzie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Ale to wszystko zniknie za około 10 lat. Saskia umrze na suchoty. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkową kolekcją zostanie zabrany za długi.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najgłębsze myśli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

Frans Hals to jeden z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też określiłbym go jako „dużego” Holendra.

W Holandii panował wówczas zwyczaj zamawiania portretów grupowych. Tak powstało wiele podobnych prac, przedstawiających współpracujących ze sobą ludzi: strzelców jednego cechu, lekarzy jednego miasta, kierowników domu opieki.

W tym gatunku Hals wyróżnia się najbardziej. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Z Halsem było inaczej.

Spójrz na jego portret grupowy „Strzały cechu św. Jerzego.”

Fransa Halsa. Strzały cechu św. George. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia

Nie znajdziesz tu ani jednego powtórzenia pozy czy wyrazu twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Postaci jest wiele, ale żadna nie wydaje się zbędna. Dzięki niezwykle poprawnemu ułożeniu figur.

I nawet w jednym portrecie Hals przewyższał wielu artystów. Jego wzory są naturalne. Osoby z wyższych sfer na jego obrazach pozbawione są wymyślonej wielkości, a modelki z niższych klas nie wyglądają na upokorzone.

Jego bohaterowie też są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o przebiegłym spojrzeniu.

Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630

Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył swoje życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm był sprzeczny z gustami klientów. Kto chciał, żeby jego wygląd był upiększony. Hals nie zgodził się na jawne pochlebstwa i tym samym podpisał swój własny wyrok – „Zapomnienie”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Galeria Królewska Mauritshuis, Haga, Holandia

Terborch był mistrzem gatunku codziennego. Bogaci i mniej zamożni mieszczanie rozmawiają spokojnie, damy czytają listy, a procederka obserwuje zaloty. Dwie lub trzy blisko siebie rozmieszczone postacie.

To właśnie ten mistrz opracował kanony gatunku codziennego. Które później zapożyczyli Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.

Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. lata 60. XVII w. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

„Kieliszek lemoniady” to jedno ze słynnych dzieł Terborcha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz materiału sukni.

Terborch ma również niezwykłe dzieła. Co mówi wiele o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.

Jego „Młynek” ukazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Przyzwyczailiśmy się do widoku przytulnych podwórek i czystych pomieszczeń na obrazach „małych” Holendrów. Ale Terborch odważył się pokazać brzydką Holandię.

Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea Państwowe w Berlinie

Jak rozumiesz, na taką pracę nie było popytu. A są one rzadkim zjawiskiem nawet wśród Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Warsztat artysty” przedstawił siebie. Prawda od tyłu.

Zaskakującym jest zatem fakt, że niedawno ujawniono nowy fakt z życia mistrza. Wiąże się to z jego arcydziełem „Delft Street”.

Jana Vermeera. Ulica Delftowa. 1657 Rijksmuseum w Amsterdamie

Okazało się, że Vermeer spędził swoje dzieciństwo na tej ulicy. Dom na zdjęciu należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro swoich dzieci. Być może siedzi na progu i szyje, podczas gdy jej dwójka dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.

Ale częściej przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów jest bardzo prosta. Oto ładna pani, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca działanie swojej wagi.

Jana Vermeera. Kobieta z wagą. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?

Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło miękko otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.

A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie sprawdzane. Nie znajdziesz ani jednego niepotrzebnego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „rozpadnie się”, a magia zniknie.

Wszystko to nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wyżywienia rodziny. Vermeer pracował także jako handlarz dziełami sztuki, sprzedając dzieła innych artystów.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pietera de Hoocha. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum w Amsterdamie

Hocha często porównuje się do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - na co dzień. W Hoch widzimy także jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.

Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest warstwowa i zabawna. A postacie bardzo harmonijnie wpasowują się w tę przestrzeń. Jak na przykład w jego obrazie „Pokojówka z dziewczyną na podwórzu”.

Pietera de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórzu. 1658 Londyńska Galeria Narodowa

Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło małe dzieła jego konkurenta Vermeera.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Niewiele osób potrafiło tak umiejętnie połączyć środowisko i ludzi.

Pietera de Hoocha. Gracze w karty w słonecznym pokoju. Królewska kolekcja sztuki z 1658 r., Londyn

Przypominamy, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” wisi obraz w drogiej ramie.

To po raz kolejny pokazuje, jak popularne było malarstwo wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom bogatego mieszczanina, skromnego mieszkańca miasta, a nawet chłopa.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jana Steena. Autoportret z lutnią. lata 70. XVII w Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie

Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające nauczanie moralne. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których panował występek.

Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawiać widza, ale w ukryciu ostrzegał go przed niegodziwym życiem.

Jana Steena. To bałagan. 1663 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Sten ma także spokojniejsze dzieła. Jak na przykład „Poranna toaleta”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt odkrywczymi szczegółami. Są ślady gumki do pończoch, a nie pusty nocnik. I jakoś nie jest w porządku, żeby pies leżał bezpośrednio na poduszce.

Jana Steena. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum w Amsterdamie

Ale pomimo całej frywolności, schematy kolorów Stena są bardzo profesjonalne. W tym przewyższał wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwona pończocha idealnie komponuje się z niebieską marynarką i jasnym beżowym dywanikiem.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portret Ruisdaela. Litografia z książki z XIX wieku.

Malarstwo holenderskie, w sztukach pięknych

Malarstwo holenderskie, jego powstanie i początkowy okres zbiegają się do tego stopnia z pierwszymi etapami rozwoju malarstwa flamandzkiego, że nowi historycy sztuki rozpatrują oba przez cały czas aż do końca XVI wieku. nierozerwalnie pod jedną ogólną nazwą „szkoły holenderskiej”.

Obaj, będący potomkami gałęzi Renu, są głupi. malarstwo, którego głównymi przedstawicielami są Wilhelm z Kolonii i Stefan Lochner, za swoich twórców uważa braci van Eyck; obydwaj od dawna podążają w tym samym kierunku, kierują się tymi samymi ideałami, realizują te same zadania, rozwijają tę samą technikę, dzięki czemu holenderscy artyści niczym nie różnią się od swoich flamandzkich i brabanckich braci.

Trwa to przez całe panowanie kraju, najpierw przez Burgundów, a następnie przez ród austriacki, aż do wybuchu brutalnej rewolucji, która zakończy się całkowitym triumfem narodu holenderskiego nad uciskającymi go Hiszpanami. Od tej epoki każda z dwóch gałęzi sztuki holenderskiej zaczyna poruszać się oddzielnie, choć zdarza się, że wchodzą ze sobą w bardzo bliski kontakt.

Malarstwo holenderskie natychmiast nabiera oryginalnego, całkowicie narodowego charakteru i szybko osiąga jasny i obfity rozkwit. Przyczyny tego zjawiska, jakiego nie można znaleźć w całej historii sztuki, leżą w uwarunkowaniach topograficznych, religijnych, politycznych i społecznych.

W tej „nizinie” (holland), składającej się z bagien, wysp i półwyspów, stale zmywanej przez morze i zagrożonej jej najazdami, ludność, gdy tylko zrzuciła obce jarzmo, musiała stworzyć wszystko od nowa, począwszy od warunków fizycznych gleby, a skończywszy na warunkach moralnych i intelektualnych, bo wszystko zostało zniszczone przez poprzednią walkę o niepodległość. Dzięki swojej przedsiębiorczości, praktycznemu zmysłowi i wytrwałej pracy Holendrom udało się przekształcić bagna w urodzajne pola i luksusowe pastwiska, podbić ogromne połacie ziemi od morza, zdobyć dobrobyt materialny i zewnętrzne znaczenie polityczne. Osiągnięciu tych wyników znacznie ułatwiła ustanowiona w kraju federalno-republikańska forma rządów oraz mądrze realizowana zasada wolności myśli i przekonań religijnych.

Jak gdyby cudem wszędzie, we wszystkich obszarach ludzkiej pracy, żarliwa działalność zaczęła nagle wrzeć w nowym, oryginalnym, czysto popularnym duchu, między innymi w dziedzinie sztuki. Z gałęzi tego ostatniego na ziemi holenderskiej szczęście było głównie w jednym - malarstwie, które tutaj, w twórczości wielu mniej lub bardziej utalentowanych artystów, pojawiających się niemal jednocześnie, przybrało bardzo wszechstronny kierunek i jednocześnie czas zupełnie odmienny od kierunku sztuki w innych krajach. Główną cechą charakteryzującą tych artystów jest miłość do natury, chęć odtworzenia jej w całej jej prostocie i prawdzie, bez najmniejszych upiększeń, bez podporządkowania jej w jakiekolwiek warunki z góry przyjętego ideału. Druga charakterystyczna właściwość Golla. malarzy cechuje subtelne wyczucie koloru i zrozumienie, jak silne, urzekające wrażenie może wywrzeć, oprócz treści obrazu, jedynie wierne i mocne przekazanie relacji barwnych zdeterminowanych w naturze przez działanie światła promienie, bliskość lub zakres odległości.

U najlepszych przedstawicieli malarstwa holenderskiego to wyczucie koloru, światła i cienia jest rozwinięte do tego stopnia, że ​​światło ze swoimi niezliczonymi i różnorodnymi niuansami odgrywa w obrazie, można powiedzieć, rolę głównego bohatera i nadaje wysoki poziom. zainteresowanie najmniej znaczącą fabułą, najbardziej nieeleganckimi formami i obrazami. Następnie należy zauważyć, że większość Goll. artyści nie szukają długo materiału do swojej twórczości, zadowalają się tym, co odnajdują wokół siebie, w rodzimej naturze i życiu swoich ludzi. Typowe cechy wybitnych rodaków, fizjonomie zwykłych Holendrów i Holenderek, hałaśliwe zabawy pospolitych świąt, biesiad chłopskich, sceny z życia wiejskiego lub intymnego mieszczan, rodzime wydmy, poldery i rozległe równiny poprzecinane kanałami, stada pasące się w bogatych łąki, chaty położone na skraju gajów bukowych lub dębowych, wioski nad brzegami rzek, jezior i gajów, miasta z czystymi domami, mostami zwodzonymi i wysokimi iglicami kościołów i ratuszów, porty zapełnione statkami, niebo pełne srebrzyste lub złote opary - wszystko to pod pędzlem holenderskich mistrzów przepojonych miłością do ojczyzny i dumą narodową zamienia się w obrazy pełne powietrza, światła i atrakcyjności.

Nawet w tych przypadkach, gdy niektórzy z tych mistrzów w poszukiwaniu tematów sięgają do Biblii, historii starożytnej i mitologii, nawet wtedy, nie martwiąc się o zachowanie wierności archeologicznej, przenoszą akcję w środowisko Holendrów, otaczając je holenderską oprawą. To prawda, że ​​obok zatłoczonego tłumu takich patriotycznych artystów znajduje się falanga innych malarzy, szukających inspiracji poza granicami ojczyzny, w klasycznym kraju sztuki, we Włoszech; jednak w ich twórczości pojawiają się także elementy eksponujące ich narodowość.

Wreszcie jako cechę malarzy holenderskich można wskazać wyrzeczenie się tradycji artystycznych. Daremnie byłoby szukać wśród nich ścisłej ciągłości dobrze znanych zasad estetycznych i reguł technicznych, nie tylko w sensie stylu akademickiego, ale także w sensie asymilacji przez uczniów charakteru swoich nauczycieli: może z wyjątkiem samych uczniów Rembrandta, którzy mniej więcej poszli w ślady swojego genialnego mentora, prawie wszyscy malarze w Holandii, gdy tylko minęli lata studenckie, a czasem nawet w tych latach, zaczęli pracować w własną drogą, zgodnie z tym, dokąd zaprowadziły ich indywidualne skłonności i czego nauczyła ich bezpośrednia obserwacja natury.

Dlatego artystów holenderskich nie można dzielić na szkoły, tak jak to robimy z artystami z Włoch czy Hiszpanii; trudno nawet stworzyć z nich ściśle określone grupy, a samo określenie „holenderska szkoła malarska”, które weszło do powszechnego użytku, należy rozumieć jedynie w sensie warunkowym, jako oznaczające zbiór mistrzów plemiennych, a nie rzeczywista szkoła. Tymczasem we wszystkich głównych miastach Holandii istniały zorganizowane stowarzyszenia artystów, co, jak się wydaje, powinno było wpłynąć na komunikację ich działań w jednym ogólnym kierunku. Jednakże towarzystwa takie, noszące nazwę cechów św. Łukasz, jeśli się do tego przyczynił, to w bardzo umiarkowanym stopniu. Nie były to akademie, kustosze znanych tradycji artystycznych, ale wolne korporacje, podobne do innych cechów rzemieślniczych i przemysłowych, niewiele różniące się od nich strukturą i nastawione na wzajemne wsparcie swoich członków, ochronę ich praw, opiekę na starość, troszczcie się o los swoich wdów i sierot.

Do cechu przyjmowano każdego malarza miejscowego, który spełniał wymagania moralne, po uprzednim potwierdzeniu jego zdolności i wiedzy lub na podstawie zdobytej już sławy; przyjezdni artyści byli przyjmowani do cechu jako członkowie tymczasowi na czas pobytu w danym mieście. Członkowie cechu spotykali się, aby pod przewodnictwem dziekanów omówić swoje wspólne sprawy lub w celu wzajemnej wymiany myśli; ale na tych spotkaniach nie było nic, co przypominałoby głoszenie określonego kierunku artystycznego i co mogłoby ograniczać oryginalność któregokolwiek z członków.

Wskazane cechy malarstwa niderlandzkiego są zauważalne już w jego początkach – w czasie, gdy rozwijało się ono nierozerwalnie od szkoły flamandzkiej. Jej powołaniem, podobnie jak tej ostatniej, było wówczas głównie dekorowanie kościołów malowidłami religijnymi, pałaców, ratuszy i domów szlacheckich portretami urzędników państwowych i arystokratów. Niestety dzieła prymitywnych malarzy holenderskich dotarły do ​​nas jedynie w bardzo ograniczonych ilościach, ponieważ większość z nich zginęła w tym niespokojnym czasie, kiedy reformacja dewastowała kościoły katolickie, znosiła klasztory i opactwa oraz podżegała „łamaczy ikon” (beeldstormers) do zniszczenia malował i rzeźbił święte obrazy, a powstanie ludowe wszędzie niszczyło portrety znienawidzonych tyranów. Wielu artystów, którzy poprzedzili rewolucję, znamy tylko z nazwy; Innych możemy oceniać tylko na podstawie jednej lub dwóch próbek ich pracy. Tak więc o najstarszym z malarzy holenderskich, Albercie van Ouwaterze, nie ma pozytywnych danych, poza informacją, że był on rówieśnikiem van Eycksów i pracował w Harlemie; Nie ma wiarygodnych jego obrazów. Jego uczennica Gertjen van Sint-Jan znana jest jedynie z dwóch paneli tryptyku („Grób św.” i „Legenda o kościach św. Jana”), który napisał dla katedry w Harlemie, przechowywanej w Galerii Wiedeńskiej. Mgła, która spowija nas w początkowej epoce szkoły G., zaczyna się rozwiewać wraz z pojawieniem się na scenie Dirka Boutsa, zwanego Stuerboat († 1475), pochodzącego z Haarlemu, ale pracującego w Leuven i dlatego przez wielu uważanego za należy do szkoły flamandzkiej (jego najlepszymi dziełami są dwa obrazy „Bezprawny proces cesarza Ottona” znajdujące się w Muzeum Brukselskim), a także Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), którego główną zasługą jest to, że był nauczycielem słynny Łukasz z Lejdy (1494-1533). Ten ostatni, wszechstronny, pracowity i niezwykle utalentowany artysta, potrafił jak nikt przed nim wiernie odtworzyć wszystko, co mu wpadło w oko, dlatego można go uważać za prawdziwego ojca holenderskiego gatunku, choć zajmował się malarstwem głównie religijnym obrazy i portrety. W twórczości współczesnego mu Jana Mostaerta (ok. 1470-1556) dążenie do naturalizmu łączy się z nutą tradycji gotyckiej, ciepłem uczuć religijnych z troską o zewnętrzną elegancję.

Oprócz tych wybitnych mistrzów, dla początków sztuki holenderskiej na uwagę zasługują: Hieronymus van Aken, nazywany Hieronymus de Bosch (ok. 1462-1516), który swoimi złożonymi, zawiłymi dziełami położył podwaliny pod satyryczne malarstwo codzienne a czasem niezwykle dziwne kompozycje; Jan Mundain († 1520), znany w Harlemie z przedstawień diabelstwa i bufonady; Pieter Aertsen († 1516), nazywany „Długim Piotrem” (Lange Pier) ze względu na swój wysoki wzrost, David Ioris (1501-56), utalentowany malarz na szkle, który dał się ponieść bełkotowi anabaptystów i wyobrażał sobie siebie jako proroka Dawida i jego syna Boga, Jacoba Swartsa (1469? - 1535?), Jacoba Cornelissena (1480? - później 1533) i jego syna Dirka Jacobsa (w Ermitażu znajdują się dwa obrazy tego ostatniego, przedstawiające towarzystwa strzeleckie).

Około połowa 16-tego stołu. wśród malarzy holenderskich istnieje chęć pozbycia się wad sztuki rodzimej - jej gotyckiej kanciastości i suchości - poprzez studiowanie włoskich artystów renesansu i łączenie ich maniery z najlepszymi tradycjami własnej szkoły. Pragnienie to widoczne jest już w twórczości wspomnianego Mosterta; za głównego propagatora nowego ruchu należy jednak uznać Jana Schorela (1495-1562), który przez długi czas mieszkał we Włoszech, a później założył w Utrechcie szkołę, z której wywodziło się wielu artystów zarażonych chęcią zostania holenderskim Rafaelem i Michał Anioł. W jego ślady poszli Maarten van Van, nazywany Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, nazywany. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) i inni należący do kolejnego okresu szkoły włoskiej, jak na przykład Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), wyszli poza Alpy, aby nasycić się doskonałościami luminarzy malarstwa włoskiego, ale w większości pod wpływem przedstawicieli rozpoczynającego się wówczas upadku tego malarstwa, jako manieryści powrócili do ojczyzny, wyobrażając sobie, że cała istota sztuki tkwi w przesada mięśni, pretensjonalność kątów i rozmach konwencjonalnych kolorów.

Jednak fascynacja Włochami, która w epoce przejściowej malarstwa holenderskiego sięgała często do skrajności, przyniosła pewien pożytek, gdyż wniosła do tego malarstwa lepszy, bardziej wyuczony rysunek oraz możliwość swobodniejszego i odważniejszego kierowania kompozycją. Wraz z tradycją staroniderlandzką i bezgraniczną miłością do natury, Italianizm stał się jednym z elementów, z których ukształtowała się oryginalna, wysoko rozwinięta sztuka epoki rozkwitu. Początek tej epoki, jak już powiedzieliśmy, należy datować na początek XVII wieku, kiedy Holandia, uzyskawszy niepodległość, zaczęła żyć nowym życiem. Dramatycznemu przekształceniu się wczoraj uciskanego i biednego kraju w politycznie ważny, wygodny i zamożny związek państw towarzyszyła równie dramatyczna rewolucja w jego sztuce.

Ze wszystkich stron niemal jednocześnie wyłaniają się niezliczone rzesze wspaniałych artystów, powołanych do działania przez wzrost ducha narodowego i potrzebę ich twórczości, która rozwinęła się w społeczeństwie. Do pierwotnych ośrodków artystycznych, Haarlemu i Lejdy, dochodzą nowe – Delft, Utrecht, Dortrecht, Haga, Amsterdam itd. Wszędzie stare zadania malarstwa rozwijają się w nowy sposób pod wpływem zmieniających się wymagań i poglądów i jego nowe gałęzie, których początki były w poprzednim okresie ledwo zauważalne.

Reformacja wypędziła obrazy religijne z kościołów; nie było potrzeby ozdabiania pałaców i komnat szlacheckich wizerunkami starożytnych bogów i bohaterów, dlatego malarstwo historyczne, zaspokajając gusta bogatej mieszczaństwa, odrzuciło idealizm i zwróciło się ku dokładnemu odwzorowaniu rzeczywistości: zaczęło interpretować wydarzenia z dawnych czasów jako wydarzenia dnia, który rozegrał się w Holandii, a w szczególności zajął się portretem, utrwalając w nim rysy ówczesnych ludzi, czy to w pojedynczych postaciach, czy w rozbudowanych, wielofigurowych kompozycjach przedstawiających towarzystwa strzeleckie (schutterstuke), które odegrali tak znaczącą rolę w walce o wyzwolenie kraju – kierownicy jego instytucji charytatywnych (regentenstuke), majstrowie sklepów i członkowie różnych korporacji.

Gdybyśmy zdecydowali się porozmawiać o wszystkich utalentowanych portrecistach okresu rozkwitu sztuki holenderskiej, samo wymienienie ich nazwisk ze wskazaniem najlepszych dzieł wymagałoby wielu zdań; Dlatego ograniczamy się do wymienienia tylko tych artystów, którzy szczególnie wyróżniają się z szeregów generalnych. Są to: Michiel Mierevelt (1567-1641), jego uczeń Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), poprzednicy trzech największych portrecistów Holandii – czarnoksiężnik światłocienia Rembrandt van Rijn (1606-69), niezrównany rysownik, który miał niesamowitą sztukę modelowania postaci w świetle, ale nieco zimny w charakterze i kolorze, Bartholomew van der Gelst (1611 lub 1612-70) i ​​uderzający fugą jego pędzla Fransa Golsa Starszego (1581-1666). Spośród nich szczególnie jasno w historii świeci imię Rembrandta, początkowo darzonego dużym szacunkiem przez współczesnych, potem przez nich zapomnianego, mało docenianego przez potomność i dopiero w obecnym stuleciu wyniesionego, słusznie, do poziomu światowego geniusz.

W jego charakterystycznej osobowości artystycznej skupiają się, jakby w skupieniu, wszystkie najlepsze cechy malarstwa holenderskiego, a jego wpływ znalazł odzwierciedlenie we wszystkich jego typach - w portretach, obrazach historycznych, scenach życia codziennego i pejzażach. Do najsłynniejszych uczniów i naśladowców Rembrandta należeli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645-1645-1645). 1727), Jacob Backer (1608 lub 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (ok. 1620-54), Salomon i Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Portera († później 1645), Gerarda Dou (1613-75) i Samuela van Googstratena (1626-78). Oprócz tych artystów, aby uzupełnić listę najlepszych portrecistów i malarzy historycznych omawianego okresu, należy wymienić Jana Lievensa (1607-30), przyjaciela Rembrandta w jego studiach u P. Lastmana, Abrahama van Tempela (1622) -72) i Pietera Nazona (1612-91), pracującego najwyraźniej pod wpływem V. d. Gelsta, naśladowca Halsa Johannesa Versproncka (1597-1662), Jana i Jacoba de Braev († 1664, † 1697), Cornelisa van Zeulena (1594-1664) i Nicholasa de Gelta-Stokade (1614-69). Malarstwo domowe, którego pierwsze eksperymenty pojawiły się w starej szkole holenderskiej, znalazło się w XVII wieku. szczególnie żyzna gleba w protestanckiej, wolnej, burżuazyjnej, samozadowoleniej Holandii.

Małe obrazy, bezpretensjonalnie przedstawiające zwyczaje i życie różnych klas lokalnej społeczności, wydawały się wystarczającej liczbie ludzi bardziej zabawne niż duże dzieła poważnego malarstwa i wraz z pejzażami wygodniejsze do dekoracji przytulnych domów prywatnych. Zapotrzebowanie na takie obrazy zaspokaja cała rzesza artystów, nie zastanawiając się długo nad wyborem tematów dla nich, ale sumiennie odtwarzając wszystko, co spotyka się w rzeczywistości, okazując jednocześnie miłość do rodziny, a potem dobroduszny humor, dokładnie charakteryzujących przedstawione pozycje i twarze oraz dopracowanych w opanowaniu technologii. Podczas gdy jedni zajmują się życiem zwykłych ludzi, scenami chłopskiego szczęścia i smutku, pijatkami w tawernach i karczmach, zgromadzeniami przed przydrożnymi karczmami, wakacjami na wsi, grami i jazdą na łyżwach po lodzie zamarzniętych rzek i kanałów itp., inni zajmują się treść swoich dzieł z kręgu bardziej eleganckiego - malują pełne wdzięku damy w swoim intymnym otoczeniu, zaloty dandysów, gospodynie wydające polecenia swoim pokojówkom, salonowe ćwiczenia przy muzyce i śpiewie, hulanki złotej młodości w domach rozkoszy itp. W długim szeregu artystów pierwszej kategorii wyróżniają się Adrian i Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 lub 1606-38), Jan Stan (ok. 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, nazywany Bambocchio we Włoszech (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, nazywany Sorg (1621-82), Claes Molenaar (dawniej 1630-76), Jan Minse-Molenar (około 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) i niektórzy. itd. Z równie znacznej liczby malarzy, którzy reprodukowali życie średniej i wyższej klasy, w zasadzie wystarczającej, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francja ok. Miris Starsza (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer z Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony i Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) itd. Do kategorii malarzy gatunkowych zaliczają się artyści, którzy malowali sceny z życia wojskowego, bezczynność żołnierzy w wartowniach , obozowiska, potyczki kawalerii i całe bitwy, konie ujeżdżeniowe, a także sceny sokolnictwa i polowań na psy przypominające sceny bitewne. Głównym przedstawicielem tej gałęzi malarstwa jest słynny i niezwykle płodny Philips Wouwerman (1619-68). Oprócz niego jej brat tego mistrza, Piotr (1623-82), Jan Asselein (1610-52), którego wkrótce spotkamy wśród pejzażystów, wspomniany Palamedes, Jacob Leduc (1600 - później 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) itd. Dla wielu z tych artystów krajobraz odgrywa równie ważną rolę jak postacie ludzkie; ale równolegle z nimi pracuje masa malarzy, traktując to jako swoje główne lub wyłączne zadanie.

W ogóle Holendrzy mają niezbywalne prawo do dumy, że ich ojczyzna jest kolebką nie tylko najnowszego gatunku, ale także krajobrazu w dzisiejszym rozumieniu. Faktycznie, w innych krajach, np. we Włoszech i Francji sztuka w niewielkim stopniu interesowała się przyrodą nieożywioną, nie doszukiwała się w niej ani wyjątkowego życia, ani szczególnego piękna: malarz wprowadzał do swoich obrazów pejzaż jedynie jako element poboczny, jako dekorację, wśród których znalazły się epizody ludzkich dramatów lub komedię rozgrywa się, dlatego też poddaje ją warunkom sceny, wymyślając malownicze linie i korzystne dla niej zakątki, ale bez kopiowania natury, bez nasycania się wrażeniami, jakie ona wywołuje.

W ten sam sposób „komponował” naturę w tych rzadkich przypadkach, gdy próbował namalować malarstwo czysto pejzażowe. Holendrzy jako pierwsi zrozumieli, że nawet w przyrodzie nieożywionej wszystko tchnie życiem, wszystko jest atrakcyjne, wszystko jest w stanie wywołać myśl i wzbudzić poruszenie serca. I było to całkiem naturalne, ponieważ Holendrzy, że tak powiem, stworzyli otaczającą ich przyrodę własnymi rękami, cenili ją i podziwiali, jak ojciec pielęgnuje i podziwia własne dziecko. Ponadto przyroda ta, pomimo skromności form i barw, zapewniła takim kolorystom jak Holendrzy obfity materiał do opracowania motywów świetlnych i perspektywy powietrznej, ze względu na warunki klimatyczne kraju – jego przesycone parą powietrze, łagodzące kontury obiektów, wytwarzających gradację tonów na różnych planach i pokrywających odległość mgiełką srebrzystej lub złotej mgły, a także zmienności wyglądu obszarów zdeterminowanej porą roku, porą dnia i warunkami atmosferycznymi.

Wśród malarzy pejzażystów okresu rozkwitu Holendrzy. Szczególnie szanowane są szkoły będące interpretatorami swego domowego charakteru: Jan V. Goyena (1595-1656), który wraz z Esaiasem van de Velde (ok. 1590-1630) i Pieterem Moleynem Starszym. (1595-1661), uważany za założyciela Goll. krajobraz; następnie uczeń tego mistrza, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (ok. 1600 - później 1679), miłośnik efektów lepszego oświetlenia Art. zm. Nair (1603-77), poetycki Jacob v. Ruisdael (1628 lub 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) i Cornelis Dekker († 1678).

Wśród Holendrów było także wielu pejzażystek, którzy odbywali podróże i reprodukowali motywy obcej natury, co jednak nie przeszkodziło im w zachowaniu narodowego charakteru w swoim malarstwie. Alberta V. Everdingen (1621-75) przedstawił widoki Norwegii; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († później 1690) i Jan Lingelbach (1623-74) – Włochy; Ian W. d. Burmistrz Młodszy (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) i Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) – Niemcy i Szwajcaria; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) wraz z grupą jego zwolenników malował pejzaże inspirowane włoską przyrodą, z ruinami starożytnych budynków, kąpiącymi się nimfami i scenami z wyimaginowanej Arkadii. W specjalnej kategorii wyróżnić można mistrzów, którzy w swoich obrazach łączyli pejzaże z wizerunkami zwierząt, preferując albo pierwszą, albo drugą, albo traktując obie części z równą uwagą. Najbardziej znanym z takich malarzy wiejskiej idylli jest Paulus Potter (1625-54); Oprócz niego należy tu uwzględnić Adriana. d. Velde (1635 lub 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) oraz liczni artyści, którzy zwrócili się po tematykę głównie lub wyłącznie do Włoch, jak: Willem Romain († później 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 lub 1634 -86) itd. Z malarstwem pejzażowym ściśle związane jest malowanie widoków architektonicznych, którym artyści holenderscy jako samodzielną dziedzinę sztuki zaczęli się zajmować dopiero w połowie XVII wieku.

Niektórzy z tych, którzy od tego czasu pracowali w tej dziedzinie, z wyrafinowaniem przedstawiali ulice i place miast wraz z ich budynkami; są to między innymi mniej znaczące: Johannes Bärestraten (1622-66), Job i Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) i Jacob v. wieś Yulft (1627-88). Inni, wśród których najwybitniejsi to Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 lub 1617-92), malowali widoki wnętrz kościołów i pałaców. Morze było tak ważne w życiu Holandii, że jej sztuka nie mogła traktować go inaczej niż z największą uwagą. Wielu jej artystów zajmujących się pejzażem, gatunkiem, a nawet portretem, odrywając się na chwilę od zwykłych tematów, zostało malarzami morskimi, a gdybyśmy zdecydowali się wymienić wszystkich malarzy szkoły holenderskiej, którzy przedstawiali spokojne lub wzburzone morze, statki kołysanie się na nim, zagracone statki portowe, bitwy morskie itp., wtedy otrzymalibyśmy bardzo długą listę, która zawierałaby nazwiska Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. i J. Ruisdael, A. Cuyp i inni wspomniani już w poprzednich wierszach. Ograniczając się do wskazania tych, dla których specjalizacją było malowanie gatunków morskich, musimy wymienić Willem v. de Velde Starszego (1611 lub 1612-93), jego słynny syn V. v. de Velde Młodszego (1633-1707), Ludolfa Backhuisena (1631-1708), Jana V. de Cappelle († 1679) i Julius Parcellis († później 1634).

Wreszcie realistyczny kierunek szkoły holenderskiej spowodował, że ukształtował się i rozwinął w niej rodzaj malarstwa, który w innych szkołach nie był dotychczas uprawiany jako odrębna, samodzielna gałąź, a mianowicie malowanie kwiatów, owoców, warzyw, istoty żywe, przybory kuchenne, zastawa stołowa itp. – jednym słowem to, co obecnie powszechnie nazywa się „martwą naturą” (nature morte, Stilleben). Na tym terenie pomiędzy Najbardziej znanymi artystami epoki rozkwitu byli Jan-Davids de Gem (1606-83), jego syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630) -93), Willem V. Aalsta (1626-83), Willema Gedy (1594 - później 1678), Willema Kalfa (1621 lub 1622-93) i Jana Waenixa (1640-1719).

Genialny okres malarstwa holenderskiego nie trwał długo – tylko jedno stulecie. Od początku XVIII w. jego upadek nadchodzi nie dlatego, że wybrzeża Zuiderzee przestają produkować wrodzone talenty, ale dlatego W społeczeństwie coraz bardziej słabnie samoświadomość narodowa, duch narodowy wyparowuje, a francuskie gusta i poglądy pompatycznej epoki Ludwika XIV zakorzeniają się. W sztuce ten zwrot kulturowy wyraża się w zapomnieniu przez artystów podstawowych zasad, na których opierała się oryginalność malarzy poprzednich pokoleń, i odwołaniu się do zasad estetycznych przywiezionych z sąsiedniego kraju.

Zamiast bezpośredniego związku z naturą, umiłowania tego, co rodzime i szczerości, dominacja z góry przyjętych teorii, konwencji i naśladownictwa Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain i inni luminarze szkoły francuskiej. Głównym propagatorem tego godnego pożałowania nurtu był osiadły w Amsterdamie Flamandzki Gerard de Leresse (1641-1711), artysta bardzo zdolny i wykształcony jak na swoje czasy, wywierający ogromny wpływ na swoich współczesnych i bezpośrednie potomstwo zarówno poprzez swoje wychowane pseudo -obrazy historyczne i dzieła jego własnego pióra, wśród których jedna, Wielka Księga Malarza ('t groot schilderboec), przez pięćdziesiąt lat służyła młodym artystom za kod. Do upadku szkoły przyczynił się także słynny Hadrian. de Werff (1659-1722), którego eleganckie malarstwo z zimnymi postaciami, jakby wyrzeźbionymi z kości słoniowej, o matowej, bezsilnej kolorystyce, wydawało się kiedyś szczytem doskonałości. Wśród naśladowców tego artysty Henryk v. cieszył się sławą jako malarz historyczny. Limborg (1680-1758) i Philip V.-Dyck (1669-1729), nazywany „Małym V.-Dyckiem”.

Z pozostałych malarzy omawianej epoki, obdarzonych niewątpliwym talentem, ale zarażonych duchem czasu, warto zwrócić uwagę na Willema i France v. Miris Młodsza (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Izaak de Moucheron (1670-1744) i Carel de Maur (1656-1738). Nieco blasku umierającej szkole nadał Cornelis Trost (1697-1750), przede wszystkim rysownik, nazywany Holendrem. Gogartha, portrecistę Jana Quincgarda (1688-1772), malarza dekoracyjnego i historycznego Jacoba de Wita (1695-1754) oraz malarzy martwej natury Jana V. Geysum (1682-1749) i Rachel Reisch (1664-1750).

Obce wpływy ciążyły na malarstwie holenderskim aż do lat dwudziestych XIX wieku, udało się w nim mniej więcej odzwierciedlić przemiany, jakie zaszły w sztuce francuskiej, począwszy od perukarstwa czasów Króla Słońce, a skończywszy na pseudoklasycyzmie Dawid. Kiedy styl tego ostatniego stał się przestarzały i wszędzie w Europie Zachodniej zamiast fascynacji starożytnymi Grekami i Rzymianami rozbudziło się romantyczne pragnienie, opanowując zarówno poezję, jak i sztukę figuratywną, Holendrzy, podobnie jak inni

ludy skierowały wzrok na ich starożytność, a tym samym na chwalebną przeszłość ich malarstwa.

Chęć przywrócenia mu blasku, jakim błyszczała w XVII wieku, zaczęła inspirować najmłodszych artystów i przywracać ich do zasad starożytnych mistrzów narodowych - do ścisłej obserwacji natury i naiwnego, szczerego podejścia do zadań ręka. Jednocześnie nie próbowali całkowicie eliminować się spod obcych wpływów, ale wyjeżdżając na studia do Paryża, Dusseldorfu i innych ośrodków artystycznych w Niemczech, zabrali do domu jedynie znajomość z sukcesami nowoczesnej technologii.

Dzięki temu odrodzona szkoła holenderska ponownie otrzymała oryginalną, atrakcyjną fizjonomię i dziś podąża drogą prowadzącą do dalszego postępu. Wiele swoich najnowszych postaci z łatwością potrafi porównać z najlepszymi malarzami XIX wieku w innych krajach. Malarstwo historyczne sensu stricto jest w nim kultywowane, jak za dawnych czasów, bardzo umiarkowanie i nie ma wybitnych przedstawicieli; Ale jeśli chodzi o gatunek historyczny, Holandia może poszczycić się kilkoma znaczącymi współczesnymi mistrzami, takimi jak: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (ur. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (ur. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) i niezwykle utalentowany Lawrence Alma-Tadema (ur. 1836), który zdezerterował do Anglii. Do gatunku codziennego, który także znalazł się w kręgu twórczości tych artystów (z wyjątkiem Almy-Tademy), można wskazać szereg znakomitych malarzy, na czele z Josephem Izraelsem (ur. 1824) i Christoffelem Bisschopem (ur. 1828); poza nimi na miano zasługują Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (ur. 1826), Teresa Schwarze (ur. 1852) i Valli Mus (ur. 1857).

Najnowsze malarstwo holenderskie jest szczególnie bogate w pejzażystów, którzy pracowali i pracują na różne sposoby, czasem ze starannym wykończeniem, czasem z szeroką techniką impresjonistów, ale wiernymi i poetyckimi interpretatorami ich rodzimej natury. Należą do nich Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (ur. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (ur. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (ur. 1837), Lodewijk Apol (ur. 1850) i wielu innych. itp. Bezpośrednimi spadkobiercami Ya. Pojawili się malarze obiecujących poglądów D. Heyden i E. de Witte, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomew v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) itd. Do najmłodszych malarzy marynistycznych Holandii zaliczają się m.in. dłoń należy do Joga. Schhotel (1787-1838), Ari Plaisir (ur. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) i Henrik Mesdag (ur. 1831). Wreszcie Wouters Verschoor (1812-74) i Johann Gas (ur. 1832) wykazali się dużymi umiejętnościami w malowaniu zwierząt.

Poślubić. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 tomy, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, „Geschichte der Malerei” (tom 2 i 3, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, „Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, „La peinture hollandaise” (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d’autrefois. Belgique, Hollande” (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, „Szkice z historii malarstwa holenderskiego na podstawie jego próbek znajdujących się w Petersburgu”. (specjalny dodatek do czasopisma „Vestn. Fine Arts”, 1885-90).

Tymczasem jest to szczególny obszar kultury europejskiej warty bardziej szczegółowych badań, który odzwierciedla pierwotne życie mieszkańców Holandii w tamtym czasie.

Historia wyglądu

Wybitni przedstawiciele sztuki artystycznej zaczęli pojawiać się w kraju w XVII wieku. Francuscy znawcy kultury nadali im potoczną nazwę – „mały Holender”, która nie jest związana ze skalą talentu, a oznacza przywiązanie do pewnych tematów z życia codziennego, w przeciwieństwie do „dużego” stylu z dużymi płótnami o tematyce historycznej lub mitologicznej. Historia powstania malarstwa holenderskiego została szczegółowo opisana w XIX wieku i autorzy prac na jej temat również posługiwali się tym terminem. „Małych Holendrów” wyróżniał świecki realizm, zwrócenie się do otaczającego świata i ludzi oraz posługiwanie się bogatym w tonację malarstwem.

Główne etapy rozwoju

Historię malarstwa holenderskiego można podzielić na kilka okresów. Pierwszy trwał mniej więcej od 1620 do 1630 roku, kiedy to w sztuce narodowej ugruntował się realizm. Drugi okres malarstwa niderlandzkiego przypadł na lata 1640-1660. Jest to czas prawdziwego rozkwitu miejscowej szkoły artystycznej. Wreszcie trzeci okres, czas, w którym malarstwo holenderskie zaczęło podupadać – od 1670 roku do początków XVIII wieku.

Warto zauważyć, że w tym czasie zmieniły się ośrodki kultury. W pierwszym okresie w Haarlemie pracowali czołowi artyści, a głównym przedstawicielem była Khalsa. Następnie ośrodek przeniósł się do Amsterdamu, gdzie najważniejsze dzieła wykonali Rembrandt i Vermeer.

Sceny z życia codziennego

Wymieniając najważniejsze gatunki malarstwa holenderskiego, należy koniecznie zacząć od codzienności – najbardziej żywej i oryginalnej w historii. To Flamandowie odsłonili światu sceny z życia codziennego zwykłych ludzi, chłopów i mieszczan czy mieszczan. Pionierami byli Ostade i jego zwolennicy Audenrogge, Bega i Dusart. Na wczesnych obrazach Ostade'a ludzie grają w karty, kłócą się, a nawet walczą w tawernie. Każdy obraz wyróżnia się dynamicznym, nieco brutalnym charakterem. Malarstwo holenderskie tamtych czasów także opowiada o scenach spokojnych: na niektórych pracach chłopi rozmawiają przy fajce i szklance piwa, spędzają czas na jarmarku lub w gronie rodziny. Wpływ Rembrandta doprowadził do powszechnego stosowania miękkiego światłocienia w kolorze złotym. Sceny miejskie inspirowały artystów takich jak Hals, Leicester, Molenaar i Codde. W połowie XVII wieku mistrzowie przedstawiali lekarzy, naukowców w trakcie pracy, własnych warsztatów, prac domowych, czy też Każda fabuła miała mieć charakter rozrywkowy, czasem groteskowo dydaktyczny. Niektórzy mistrzowie byli skłonni do poetyzacji życia codziennego, np. Terborch przedstawiał sceny grania muzyki lub flirtu. Metsu zastosował jasne kolory, zamieniając codzienność w święto, natomiast de Hooch inspirował się prostotą życia rodzinnego, skąpanego w rozproszonym świetle dnia. Późniejsi przedstawiciele gatunku, do których zaliczają się tacy holenderscy mistrzowie malarstwa, jak Van der Werff i Van der Neer, w pogoni za eleganckim przedstawieniem, często tworzyli tematy nieco pretensjonalne.

Przyroda i krajobrazy

Ponadto malarstwo holenderskie jest szeroko reprezentowane w gatunku pejzażowym. Po raz pierwszy pojawił się w dziełach takich mistrzów z Haarlemu, jak van Goyen, de Moleyn i van Ruisdael. To oni zaczęli przedstawiać obszary wiejskie w pewnym srebrzystym świetle. W jego twórczości na pierwszy plan wysunęła się materialna jedność natury. Osobno warto wspomnieć o pejzażach morskich. Do XVII-wiecznych marinistów należeli Porsellis, de Vlieger i van de Capelle. Starali się nie tyle oddać określone sceny morskie, ile samą wodę, grę świateł na niej i na niebie.

W drugiej połowie XVII wieku w gatunku pojawiły się bardziej emocjonalne dzieła o ideach filozoficznych. Jan van Ruisdael maksymalnie odsłonił piękno holenderskiego krajobrazu, ukazując go w całej jego dramatyczności, dynamice i monumentalności. Hobbem, który preferował słoneczne krajobrazy, kontynuował swoje tradycje. Koninck malował panoramy, a van der Neer tworzył nocne pejzaże i renderował światło księżyca, wschody i zachody słońca. Wielu artystów charakteryzuje się także przedstawianiem zwierząt w pejzażach, na przykład pasących się krów i koni, a także polowań i scen z kawalerzystów. Później artyści zaczęli interesować się obcą przyrodą – zarówno van Laar, Wenix, Berchem, jak i Hackert przedstawiali Włochy skąpane w promieniach południowego słońca. Założycielem gatunku był Sanredam, którego najlepszych naśladowców można nazwać braćmi Berkheide i Janem van der Heijdenem.

Obraz wnętrz

Odrębnym gatunkiem, który wyróżniał malarstwo holenderskie w czasach jego świetności, można nazwać sceny z kościołami, pałacami i pokojami domowymi. Wnętrza pojawiały się na obrazach drugiej połowy XVII w. autorstwa mistrzów Delft – Haukgeesta, van der Vlieta i de Witte’a, którzy stali się głównymi przedstawicielami tego ruchu. Wykorzystując techniki Vermeera artyści przedstawiali sceny skąpane w słońcu, pełne emocji i wolumenu.

Malownicze potrawy i potrawy

Wreszcie kolejnym charakterystycznym gatunkiem malarstwa holenderskiego jest martwa natura, zwłaszcza przedstawianie śniadań. Jako pierwsi zajęli się nim mieszkańcy Haarlemu, Claes i Heda, którzy malowali nakryte stoły luksusowymi naczyniami. Malowniczy chaos i szczególny przekaz przytulnego wnętrza wypełnia srebrzystoszare światło, charakterystyczne dla srebra i cyny. Artyści z Utrechtu malowali martwe natury z bujnymi kwiatami, a w Hadze artyści szczególnie dobrze radzili sobie z przedstawianiem ryb i gadów morskich. W Lejdzie narodził się filozoficzny kierunek gatunku, w którym czaszki i klepsydry współistnieją z symbolami zmysłowych przyjemności lub ziemskiej chwały, mającymi przypominać o przemijaniu czasu. Martwa natura z kuchni demokratycznej stała się znakiem rozpoznawczym szkoły artystycznej w Rotterdamie.

Złoty wiek malarstwa holenderskiego to jedna z najwybitniejszych epok w historii całego malarstwa światowego. Rozważany jest złoty wiek malarstwa holenderskiego XVII wiek. To właśnie w tym czasie najzdolniejsi artyści i malarze tworzyli swoje nieśmiertelne dzieła. Ich obrazy nadal uważane są za niezrównane arcydzieła, które przechowywane są w słynnych muzeach na całym świecie i uważane są za bezcenne dziedzictwo ludzkości.

Na początku XVII wiek W Holandii nadal kwitła dość prymitywna sztuka, co było uzasadnione przyziemnymi gustami i preferencjami bogatych i wpływowych ludzi. W wyniku zmian politycznych, geopolitycznych i religijnych sztuka holenderska zmieniła się dramatycznie. Jeśli wcześniej artyści próbowali przypodobać się mieszczanom holenderskim, przedstawiając ich życie i sposób życia, pozbawionych wzniosłego i poetyckiego języka, a także pracowali dla kościoła, który zlecał artystom pracę w dość prymitywnym gatunku z dawno wytartymi tematami , to początek XVII wieku był prawdziwym przełomem. W Holandii panowała dominacja protestantów, którzy praktycznie przestali zamawiać u artystów obrazy o tematyce religijnej. Holandia uniezależniła się od Hiszpanii i zapewniła sobie miejsce na historycznym podium. Artyści przeszli od znanych wcześniej tematów do przedstawiania scen codziennych, portretów, pejzaży, martwych natur i tak dalej. Tutaj, na nowym polu, artyści złotego wieku zdawali się złapać nowy oddech, a na świecie zaczęli pojawiać się prawdziwi geniusze sztuki.

Holenderscy artyści XVII wieku wprowadzili do mody realizm w malarstwie. Oszałamiające kompozycją, realizmem, głębią i niezwykłością obrazy zaczęły odnosić ogromny sukces. Popyt na obrazy gwałtownie wzrósł. W rezultacie zaczęło pojawiać się coraz więcej nowych artystów, którzy w zadziwiająco szybkim tempie rozwijali podstawy malarstwa, opracowywali nowe techniki, style i gatunki. Do najsłynniejszych artystów Złotego Wieku należeli: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel Starszy, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck i wielu innych.

Obrazy malarzy holenderskich

Cornelis de Man – Manufaktura oleju wielorybiego

Cornelis Trost - Zabawa w parku

Ludolf Backhuizen – Dok kampanii w Indiach Wschodnich w Amsterdamie

Pieter Bruegel Starszy – Katastrofa Alchemika

Rembrandt – Andries de Graef

Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa niespotykany dotąd dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.

Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. A katolicka Flandria (dzisiejsza Belgia) pod skrzydłami Hiszpanii jest już sama.

W niepodległej Holandii malarstwo religijne prawie nikomu nie było potrzebne. Kościół protestancki nie aprobował luksusowych dekoracji. Ale ta okoliczność „wpłynęła na korzyść” malarstwa świeckiego.

Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju pokochał ten rodzaj sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć na obrazach własne życie. A artyści chętnie wychodzili im naprzeciw.

Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie została tak szczegółowo przedstawiona. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu ze swoimi nimfami i greckimi boginiami.

Tych artystów nazywa się „małymi” Holendrami. Dlaczego? Obrazy były małych rozmiarów, bo tworzono je z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.

Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. W Holandii w XVII wieku żył i pracował wielki mistrz, „wielki” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.

Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 Galeria Narodowa w Londynie

Rembrandt doświadczył w swoim życiu wielu emocji. Dlatego w jego wczesnych pracach jest tyle zabawy i brawury. A jest tak wiele złożonych uczuć - w tych późniejszych.

Tutaj jest młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w karczmie”. Na kolanach leży jego ukochana żona Saskia. Jest popularnym artystą. Zamówienia napływają.

Rembrandta. Syn marnotrawny w gospodzie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Ale to wszystko zniknie za około 10 lat. Saskia umrze na suchoty. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkową kolekcją zostanie zabrany za długi.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najgłębsze myśli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

Frans Hals to jeden z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też określiłbym go jako „dużego” Holendra.

W Holandii panował wówczas zwyczaj zamawiania portretów grupowych. Tak powstało wiele podobnych prac, przedstawiających współpracujących ze sobą ludzi: strzelców jednego cechu, lekarzy jednego miasta, kierowników domu opieki.

W tym gatunku Hals wyróżnia się najbardziej. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Z Halsem było inaczej.

Spójrz na jego portret grupowy „Strzały cechu św. Jerzego.”

Fransa Halsa. Strzały cechu św. George. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia

Nie znajdziesz tu ani jednego powtórzenia pozy czy wyrazu twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Postaci jest wiele, ale żadna nie wydaje się zbędna. Dzięki niezwykle poprawnemu ułożeniu figur.

I nawet w jednym portrecie Hals przewyższał wielu artystów. Jego wzory są naturalne. Osoby z wyższych sfer na jego obrazach pozbawione są wymyślonej wielkości, a modelki z niższych klas nie wyglądają na upokorzone.

Jego bohaterowie też są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o przebiegłym spojrzeniu.

Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630

Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył swoje życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm był sprzeczny z gustami klientów. Kto chciał, żeby jego wygląd był upiększony. Hals nie zgodził się na jawne pochlebstwa i tym samym podpisał swój własny wyrok – „Zapomnienie”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Galeria Królewska Mauritshuis, Haga, Holandia

Terborch był mistrzem gatunku codziennego. Bogaci i mniej zamożni mieszczanie rozmawiają spokojnie, damy czytają listy, a procederka obserwuje zaloty. Dwie lub trzy blisko siebie rozmieszczone postacie.

To właśnie ten mistrz opracował kanony gatunku codziennego. Które później zapożyczyli Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.

Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. lata 60. XVII w. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

„Kieliszek lemoniady” to jedno ze słynnych dzieł Terborcha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz materiału sukni.

Terborch ma również niezwykłe dzieła. Co mówi wiele o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.

Jego „Młynek” ukazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Przyzwyczailiśmy się do widoku przytulnych podwórek i czystych pomieszczeń na obrazach „małych” Holendrów. Ale Terborch odważył się pokazać brzydką Holandię.

Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea Państwowe w Berlinie

Jak rozumiesz, na taką pracę nie było popytu. A są one rzadkim zjawiskiem nawet wśród Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Warsztat artysty” przedstawił siebie. Prawda od tyłu.

Zaskakującym jest zatem fakt, że niedawno ujawniono nowy fakt z życia mistrza. Wiąże się to z jego arcydziełem „Delft Street”.

Jana Vermeera. Ulica Delftowa. 1657 Rijksmuseum w Amsterdamie

Okazało się, że Vermeer spędził swoje dzieciństwo na tej ulicy. Dom na zdjęciu należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro swoich dzieci. Być może siedzi na progu i szyje, podczas gdy jej dwójka dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.

Ale częściej przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów jest bardzo prosta. Oto ładna pani, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca działanie swojej wagi.

Jana Vermeera. Kobieta z wagą. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?

Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło miękko otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.

A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie sprawdzane. Nie znajdziesz ani jednego niepotrzebnego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „rozpadnie się”, a magia zniknie.

Wszystko to nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wyżywienia rodziny. Vermeer pracował także jako handlarz dziełami sztuki, sprzedając dzieła innych artystów.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pietera de Hoocha. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum w Amsterdamie

Hocha często porównuje się do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - na co dzień. W Hoch widzimy także jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.

Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest warstwowa i zabawna. A postacie bardzo harmonijnie wpasowują się w tę przestrzeń. Jak na przykład w jego obrazie „Pokojówka z dziewczyną na podwórzu”.

Pietera de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórzu. 1658 Londyńska Galeria Narodowa

Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło małe dzieła jego konkurenta Vermeera.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Niewiele osób potrafiło tak umiejętnie połączyć środowisko i ludzi.

Pietera de Hoocha. Gracze w karty w słonecznym pokoju. Królewska kolekcja sztuki z 1658 r., Londyn

Przypominamy, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” wisi obraz w drogiej ramie.

To po raz kolejny pokazuje, jak popularne było malarstwo wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom bogatego mieszczanina, skromnego mieszkańca miasta, a nawet chłopa.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jana Steena. Autoportret z lutnią. lata 70. XVII w Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie

Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające nauczanie moralne. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których panował występek.

Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawiać widza, ale w ukryciu ostrzegał go przed niegodziwym życiem.

Jana Steena. To bałagan. 1663 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Sten ma także spokojniejsze dzieła. Jak na przykład „Poranna toaleta”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt odkrywczymi szczegółami. Są ślady gumki do pończoch, a nie pusty nocnik. I jakoś nie jest w porządku, żeby pies leżał bezpośrednio na poduszce.

Jana Steena. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum w Amsterdamie

Ale pomimo całej frywolności, schematy kolorów Stena są bardzo profesjonalne. W tym przewyższał wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwona pończocha idealnie komponuje się z niebieską marynarką i jasnym beżowym dywanikiem.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portret Ruisdaela. Litografia z książki z XIX wieku.

Barok „mieszczański” w malarstwie niderlandzkimXVII V. – przedstawienie życia codziennego (P. de Hooch, Vermeer). „Luksusowe” martwe natury autorstwa Kalfa. Portret grupowy i jego cechy Halsa i Rembrandta. Interpretacja scen mitologicznych i biblijnych według Rembrandta.

Sztuka holenderska XVII wieku

W XVII wieku Holandia stała się modelowym krajem kapitalistycznym. Prowadziła rozległy handel kolonialny, posiadała potężną flotę, a przemysł stoczniowy był jedną z wiodących gałęzi przemysłu. Protestantyzm (kalwinizm jako jego najsurowsza forma), który całkowicie wyparł wpływy Kościoła katolickiego, doprowadził do tego, że duchowieństwo w Holandii nie miało takiego wpływu na sztukę jak we Flandrii, a zwłaszcza w Hiszpanii czy Włoszech. W Holandii kościół nie pełnił roli odbiorcy dzieł sztuki: kościołów nie dekorowano wizerunkami ołtarzowymi, gdyż kalwinizm odrzucał wszelkie oznaki luksusu; Kościoły protestanckie były proste w architekturze i nie były w żaden sposób dekorowane w środku.

Główne osiągnięcie sztuki holenderskiej XVIII wieku. - w malarstwie sztalugowym. Obiektem obserwacji i przedstawiania artystów holenderskich był człowiek i przyroda. Malarstwo domowe staje się jednym z wiodących gatunków, którego twórcy w historii otrzymali miano „Małych Holendrów”. Malowanie na Ewangeliach i historie biblijne jest również reprezentowany, ale nie w takim stopniu jak w innych krajach. W Holandii nigdy nie było powiązań z Włochami, a sztuka klasyczna nie odgrywała takiej roli jak we Flandrii.

Opanowanie nurtów realistycznych, rozwinięcie pewnego zakresu tematów, różnicowanie gatunków jako jeden proces zakończyły się w latach 20. XVII wieku. Historia malarstwa holenderskiego XVII wieku. doskonale ukazuje ewolucję twórczości jednego z największych portrecistów w Holandii, Fransa Halsa (ok. 1580-1666). W latach 10-30 Hals dużo pracował w gatunku portretów grupowych. Z płócien tych lat wychodzą ludzie pogodni, energiczni, przedsiębiorczy, pewni swoich umiejętności i przyszłości („Cech strzelecki św. Adriana”, 1627 i 1633;

„Cech Strzelców św. Jerzego”, 1627).

Portrety indywidualne Halsa badacze nazywają czasami portretami gatunkowymi ze względu na szczególną specyfikę obrazu. Szkicowy styl Hulse'a, jego odważne pismo, gdy pociągnięcie pędzla rzeźbi zarówno kształt, jak i objętość oraz oddaje kolor.

W portretach Halsa z późnego okresu (lata 50.-60.) zanika beztroska waleczność, energia i intensywność charakterów przedstawionych osób. Ale to właśnie w późnym okresie twórczości Hals osiągnął szczyt mistrzostwa i stworzył najgłębsze dzieła. Kolorystyka jego obrazów staje się niemal monochromatyczna. Na dwa lata przed śmiercią, w 1664 r., Hals ponownie powrócił do portretu zbiorowego. Maluje dwa portrety regentów i regentów domu opieki, w jednym z nich sam znalazł schronienie pod koniec życia. W portrecie regentów nie ma ducha koleżeństwa z poprzednich kompozycji, modele są rozdzieleni, bezsilni, mają tępe spojrzenia, na twarzach wypisany jest dewastację.

Sztuka Halsa miała w swoim czasie ogromne znaczenie, wpłynęła na rozwój nie tylko portretu, ale także gatunków codziennych, pejzaży i martwych natur.

Szczególnie interesujący jest gatunek krajobrazu Holandii w XVII wieku. Holandię przedstawiają Jan van Goyen (1596-1656) i Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

Rozkwit malarstwa pejzażowego w szkole holenderskiej datuje się na połowę XVII wieku. Największym mistrzem realistycznego krajobrazu był Jacob van Ruisdael (1628/29-1682). Jego prace są zwykle pełne głębokiego dramatu, niezależnie od tego, czy przedstawia leśne zarośla („Leśne bagna”), czy też

pejzaże z wodospadami („Wodospad”) lub romantyczny pejzaż z cmentarzem („Cmentarz Żydowski”).

Natura Ruisdaela objawia się w dynamice, w wiecznej odnowie.

Gatunek zwierzęcy jest ściśle powiązany z krajobrazem holenderskim. Ulubionym motywem Alberta Cuypa są krowy przy wodopoju („Zachód słońca nad rzeką”, „Krowy na brzegu potoku”).

Martwa natura osiąga genialny rozwój. Martwa natura holenderska, w odróżnieniu od martwej natury flamandzkiej, jest obrazem o charakterze intymnym, skromnym pod względem wielkości i motywów. Pieter Claes (ok. 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) najczęściej przedstawiali tzw. śniadania: dania z szynką lub pasztetem na stosunkowo skromnie podanym stole. „Śniadania” Khedy zastępują luksusowe „desery” Kalfa. Proste naczynia zastępują marmurowe stoły, dywanowe obrusy, srebrne kielichy, naczynia z muszli z masy perłowej i kryształowe kieliszki. Kalf osiąga niesamowitą wirtuozerię w przekazywaniu tekstury brzoskwiń, winogron i powierzchni kryształów.

W latach 20-30 XVII w. Holendrzy stworzyli szczególny rodzaj malarstwa małych postaci. Lata 40. i 60. to okres rozkwitu malarstwa, wychwalającego spokojne, mieszczańskie życie Holandii, mierzone codziennością.

Adrian van Ostade (1610-1685) początkowo ukazuje mroczne strony życia chłopstwa („Walka”).

Od lat 40. w jego twórczości coraz częściej zastępowane są nuty humorystyczne („W wiejskiej karczmie”, 1660).

Czasami te małe obrazy są zabarwione wielkim lirycznym wyczuciem. „Malarz w pracowni” Ostade’a (1663), w którym artysta gloryfikuje pracę twórczą, słusznie uważany jest za arcydzieło malarstwa Ostade’a.

Ale głównym tematem „małego Holendra” nadal nie jest życie chłopskie, ale życie mieszczańskie. Zwykle są to obrazy bez fascynującej fabuły. Najzabawniejszym narratorem w tego typu filmach był Jan Stan (1626-1679) („Biesiadnicy”, „Gra w backgammona”). Jeszcze większe mistrzostwo osiągnął w tym Gerard Terborch (1617-1681).

Szczególnie poetyckie staje się wnętrze „małego Holendra”. Prawdziwym śpiewakiem tego tematu był Pieter de Hooch (1629-1689). Jego pokoje z uchylonym oknem, z przypadkowo rzuconymi butami lub pozostawioną miotłą, często są przedstawiane bez postaci ludzkiej.

Nowy etap malarstwa gatunkowego rozpoczyna się w latach 50. XX wieku i wiąże się z tzw. szkołą delftowską, z nazwiskami takich artystów jak Carel Fabricius, Emmanuel de Witte i Jan Wermeer, znany w historii sztuki jako Wermeer z Delft (1632-1675). ). Obrazy Vermeera nie wydają się być w żaden sposób oryginalne. To te same obrazy zamarzniętego życia mieszczańskiego: czytanie listu, rozmowa mężczyzny z damą, pokojówki wykonujące proste prace domowe, widoki na Amsterdam czy Delft. Obrazy te są proste w działaniu: „Dziewczyna czytająca list”,

„Pan i pani przy szpinecie”

„Oficer i roześmiana dziewczyna” itp. - są pełne duchowej jasności, ciszy i spokoju.

Główne zalety Vermeera jako artysty polegają na transmisji światła i powietrza. Rozpuszczanie przedmiotów w środowisku światła i powietrza, umiejętność tworzenia tej iluzji, przede wszystkim przesądziły o uznaniu i sławie Vermeera właśnie w XIX wieku.

Vermeer zrobił coś, czego nie zrobił nikt w XVII wieku: malował pejzaże z życia („Ulica”, „Widok Delft”).

Można je nazwać pierwszymi przykładami malarstwa plenerowego.

Szczytem holenderskiego realizmu, będącym efektem malarskich osiągnięć kultury holenderskiej XVII wieku, jest dzieło Rembrandta. Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) urodził się w Lejdzie. W 1632 roku Rembrandt wyjechał do Amsterdamu, centrum kultury artystycznej w Holandii, co w naturalny sposób przyciągnęło młodego artystę. Lata 30. to czas jego największej świetności, do którego drogę malarzowi otworzyło duże zamówienie z 1632 roku – portret zbiorowy, zwany także „Anatomią doktora Tulpa” lub „Lekcją anatomii”.

W 1634 roku Rembrandt poślubił dziewczynę z zamożnej rodziny, Saskię van Uylenborch. Rozpoczyna się najszczęśliwszy okres w jego życiu. Staje się znanym i modnym artystą.

Cały ten okres owiany jest romansem. Światopogląd Rembrandta na te lata najwyraźniej oddaje słynny „Autoportret z Saskią na kolanach” (około 1636 r.). Całe płótno przesiąknięte jest szczerą radością życia i radością.

Język baroku jest najbliższy wyrazowi wesołego nastroju. A Rembrandt w tym okresie pozostawał pod dużym wpływem włoskiego baroku.

Postacie z obrazu „Ofiara Abrahama” z 1635 roku ukazują się nam ze skomplikowanych perspektyw. Kompozycja jest bardzo dynamiczna, zbudowana według wszelkich zasad baroku.

W tych samych latach 30. Rembrandt po raz pierwszy zaczął poważnie zajmować się grafiką, przede wszystkim akwafortą. Ryciny Rembrandta podejmują głównie tematykę biblijną i ewangeliczną, jednak w swoich rysunkach, jako prawdziwy artysta holenderski, często sięga po ten gatunek. Na przełomie wczesnego okresu twórczości artysty i jego dojrzałości twórczej pojawia się przed nami jeden z jego najsłynniejszych obrazów, znany jako „Straż nocna” (1642) – portret zbiorowy kompanii strzeleckiej kapitana Banninga Cocka.

Rozszerzył zakres gatunku, przedstawiając raczej obraz historyczny: na sygnał alarmowy oddział Banning Cock wyrusza na kampanię. Niektórzy są spokojni i pewni siebie, inni podekscytowani oczekiwaniem na to, co ma nadejść, ale wszyscy noszą wyraz ogólnej energii, patriotycznego entuzjazmu i triumfu ducha obywatelskiego.

Portret zbiorowy wykonany pędzlem Rembrandta wyrósł na bohaterski obraz epoki i społeczeństwa.

Obraz był już na tyle ciemny, że uznano go za przedstawienie sceny nocnej, stąd jego błędna nazwa. Cień rzucany przez postać kapitana na jasne ubranie porucznika świadczy o tym, że to nie noc, ale dzień.

Wraz ze śmiercią Saskii w tym samym roku 1642 nastąpiło naturalne zerwanie Rembrandta z obcymi mu środowiskami patrycjuszowskimi.

Lata 40. i 50. to czas dojrzałości twórczej. W tym okresie często sięga do wcześniejszych dzieł, aby przerobić je w nowy sposób. Tak było na przykład w przypadku „Danae”, namalowanego już w 1636 roku. Zwracając się do obrazu w latach 40. artysta spotęgował swój stan emocjonalny.

Część centralną z bohaterką i służącą przepisał na nowo. Dając Danae nowy gest podniesionej ręki, przekazał jej wielkie wzruszenie, wyraz radości, nadziei, apelu.

W latach 40. i 50. mistrzostwo Rembrandta stale rosło. Do interpretacji wybiera najbardziej liryczne, poetyckie aspekty ludzkiej egzystencji, owego człowieczeństwa odwiecznego, ogólnoludzkiego: matczyną miłość, współczucie. Najwięcej materiału dostarcza mu Pismo Święte, a z niego sceny z życia Świętej Rodziny Rembrandt przedstawia proste życie zwykłych ludzi, jak na obrazie „Święta Rodzina”.

Ostatnie 16 lat to najtragiczniejsze lata w życiu Rembrandta; jest zrujnowany i nie ma rozkazów. Ale te lata były pełne niesamowitej aktywności twórczej, w wyniku której powstały malownicze obrazy, wyjątkowe w swoim monumentalnym charakterze i duchowości, dzieła głęboko filozoficzne. Nawet niewielkie dzieła Rembrandta z tych lat sprawiają wrażenie niezwykłej wielkości i prawdziwej monumentalności. Kolor nabiera dźwięczności i intensywności. Jego kolory wydają się promieniować światłem. Portrety zmarłego Rembrandta bardzo różnią się od portretów z lat 30., a nawet 40. XX wieku. Są to niezwykle proste (półmetrowe lub pokoleniowe) wizerunki osób bliskich artyście w swojej strukturze wewnętrznej. Największą subtelność charakteryzacji Rembrandt osiągnął w swoich autoportretach, z których dotarło do nas około stu. Ostatnim dziełem w historii portretów grupowych było przedstawienie przez Rembrandta starszyzny warsztatu sukienniczego – tzw. „Sindyków” (1662), gdzie przy skromnych środkach Rembrandt stworzył żywe, a zarazem odmienne typy ludzkie, ale co najważniejsze, potrafił przekazać poczucie duchowej jedności, wzajemnego zrozumienia i wzajemnych powiązań między ludźmi.

W okresie dojrzałości (głównie lata 50.) Rembrandt stworzył swoje najlepsze ryciny. Jako rytownik nie ma sobie równych w sztuce światowej. We wszystkich obrazy mają głębokie znaczenie filozoficzne; opowiadają o tajemnicach istnienia, o tragedii ludzkiego życia.

Dużo rysuje. Rembrandt pozostawił po sobie 2000 rysunków. Należą do nich szkice z życia, szkice do obrazów i przygotowania do rycin.

W ostatniej ćwierci XVII w. rozpoczyna się upadek holenderskiej szkoły malarstwa, utrata jej tożsamości narodowej i to od początku XVIII wiek Nadchodzi koniec wielkiej ery holenderskiego realizmu.

Wstęp

1. Mali Holendrzy

Holenderska szkoła malarstwa

Malarstwo gatunkowe

4. Symbolika. Martwa natura

Rembrandta van Rijna

Vermeer z Delft Jan

Wniosek

Wstęp

Celem pracy kontrolnej jest:

· W rozwoju potencjału twórczego;

· Kształtowanie zainteresowań sztuką;

· Utrwalanie i uzupełnianie wiedzy.

Sztuka holenderska narodziła się w XVII wieku. Sztuka ta jest uważana za niezależną i niezależną; ma pewne formy i cechy.

Aż do XVII wieku Holandia nie miała własnych znaczących artystów w sztuce, ponieważ należał do stanu Flandria. Jednak niewielu artystów jest celebrowanych w tym okresie. To artysta i rytownik Luca Leydensky (1494-1533), malarz Dirk Bouts (1415-1475), artysta Skorele (1495-1562).

Stopniowo różne szkoły mieszały się, a mistrzowie tracili charakterystyczne cechy swoje szkoły, a pozostali artyści Holandii przestają mieć ducha twórczość narodowa. Pojawia się wiele różnych i nowych stylów. Artyści starają się malować we wszystkich gatunkach, poszukując indywidualnego stylu. Wymazano metody gatunkowe: historyczność nie jest już tak konieczna jak wcześniej. Tworzy się nowy gatunek – porterzy grupowi.

Na początku XVII w., gdy decydowały się losy Holandii, Filip III zgodził się na rozejm między Hiszpanią a Holandią. Potrzebna była rewolucja, sytuacja polityczna lub militarna. Walka o niepodległość zjednoczyła naród. Wojna wzmocniła ducha narodowego. Podpisane traktaty z Hiszpanią dały Holandii wolność. To skłoniło do stworzenia własnej i wyjątkowej sztuki, wyrażającej esencję Holendrów.

Osobliwością holenderskich artystów było stworzenie prawdziwego obrazu w najdrobniejszych szczegółach - przejawu uczuć i myśli. To jest podstawa szkoły holenderskiej. Staje się sztuką realistyczną i do połowy XVII wieku osiąga szczyty we wszystkich obszarach.

Dla Holandii charakterystyczny jest podział nie tylko na gatunki, ale także na liczne podtypy. Niektórzy mistrzowie malują sceny z życia mieszczan i oficerów – Pieter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), inni – z życia chłopskiego – Adrian van Ostade (1610-1685). ), trzeci – sceny z życia naukowców i lekarzy – Gerrit Dou (1613-1675); malarze pejzażyści – Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), malarze zakątków leśnych – Meindert Hobbema (1638-1609), mistrzowie wnętrz – Pieter Janssens (1623-1682). Od czasu do czasu pewien gatunek staje się tradycyjny w szkołach artystycznych. Na przykład malarze martwych natur z Harlemu z tak zwanych „śniadań” - Pieter Claes (1598–1661), Willem Heda (1594–1680).

Artyści ukazują obyczaje i zwyczaje, standardy etyczne i moralne ludzkiego postępowania. Często przedstawiane są wydarzenia rodzinne. Malarze pejzaży i martwych natur przekazują światło w plenerze i po mistrzowsku oddają fakturę obiektów w zamkniętych przestrzeniach. Malarstwo domowe przoduje dzięki Janowi Steenowi (1626-1679), Gerhardowi Terborchowi (1617-1681), Pieterowi de Hoochowi (1629-1624).

1. Mali Holendrzy

Mali Holendrzy to grupa artystów XVII wieku, która „jednoczy” malarzy małych formatów pejzażu i codziennego malarstwa rodzajowego (stąd nazwa). Obrazy tego typu przeznaczone były do ​​skromnych wnętrz budynków mieszkalnych. Kupowali je mieszczanie i chłopi. Obrazy takie cechuje poczucie komfortu w obrazie, subtelność detali, bliskość człowieka z wnętrzem.

P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. i S. van Ruisdael (1628-1682) oraz (1602 - 1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, W. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691) itd. Każdy z reguły specjalizował się , w jednym konkretnym gatunku. „Mali Holendrzy” kontynuowali tradycje holenderskich mistrzów renesansu, którzy twierdzili, że sztuka powinna nie tylko sprawiać przyjemność, ale także przypominać o wartościach.

Twórczość artystów można podzielić na 3 grupy:

lata 30. XVII w - ugruntowanie się realizmu w malarstwie narodowym (wiodącym ośrodkiem artystycznym był Haarlem, istotny wpływ miał wpływ F. Halsa);

1640-1660 - rozkwit szkoły artystycznej (centrum sztuki przenosi się do Amsterdamu, przyciągając artystów z innych miast, istotny staje się wpływ Rembrandta 2. Holenderska szkoła malarstwa

Przez trzy ćwierć wieku rozwój sztuki trwał nadal na północy Holandii, w republice Zjednoczonych Prowincji, zwanej Holandią. W 1609 r. republika ta otrzymała status państwa. Powstało tu państwo burżuazyjne.

Włoski artysta Caravaggio (1571-1610) odegrał znaczącą rolę w malarstwie renesansowym. Malował swoje obrazy bardzo realistycznie, a przedmioty i postacie charakteryzowały się wysoką techniką światłocienia.

Artystów było wielu i mieszkali w małych miastach: Haarlem, Delft, Lejda. Każde z tych miast rozwinęło własną szkołę o własnej tematyce gatunkowej, ale Amsterdam odegrał najważniejszą rolę w rozwoju sztuki holenderskiej.

3. Malarstwo rodzajowe

W Holandii wraz z popularnością gatunku pejzażowego pojawiają się nowe: marina - pejzaż morski, pejzaż miejski - weduta, wizerunki zwierząt - malarstwo zwierzęce. Znaczący wpływ na krajobraz wywarła twórczość Pietera Bruegla (1525-1529). Holendrzy malowali własne, niepowtarzalne piękno natury ojczyzna. W XVII wieku holenderska szkoła malarstwa stała się jedną z wiodących w Europie. Otoczenie ludzi stało się źródłem inspiracji dla artystów. W sztuce tego czasu zakończono tworzenie systemu gatunków, który rozpoczął się w renesansie. W portretach, malarstwie codziennym, pejzażach i martwych naturach artyści przekazali swoje wrażenia z natury i życia codziennego. Gatunek malarstwa codziennego zaczął mieć nową koncepcję - malarstwo gatunkowe. Gatunek codzienny rozwinął się w dwóch odmianach – chłopskiej i mieszczańskiej (miejskiej). Obrazy rodzajowe przedstawiały życie osoby prywatnej: hulanki biesiadników, działalność gospodarcza, odtwarzanie muzyki. Artyści zwracali uwagę na wygląd, pozy i kostiumy. Częścią komfortu stały się przedmioty: mahoniowy stół, szafa, fotel obity skórą, karafka z ciemnego szkła i szkło, owoce. Gatunek ten odzwierciedlał zachowanie i komunikację ludzi należących do różnych klas.

Twórczość Gararda Dowa cieszyła się wówczas dużą popularnością. Maluje skromne sceny z życia drobnomieszczaństwa. Często przedstawia starsze kobiety siedzące przy kołowrotku lub czytające. Wyraźną tendencją Dowa jest przedstawianie na swoich małych obrazkach powierzchni przedmiotów – wzorów tkanin, zmarszczek na starych twarzach, rybich łusek itp. (dodatek; ryc.

Ale malarstwo gatunkowe przeszło ewolucję. W okresie jego ponownego powstania rozpowszechniano historie na tematy związane z rekreacją, rozrywką i scenami z życia oficerów. Takie obrazy nazywano „śniadaniami”, „bankietami”, „towarzystwami”, „koncertami”. Obraz ten wyróżniał się różnorodnością barw i radosnymi tonami. Oryginalnym gatunkiem były „śniadania”. Jest to rodzaj martwej natury, w której charakter ich właścicieli został przekazany poprzez przedstawienie naczyń i różnych potraw.

Gatunek codzienny jest najbardziej wyrazistym i oryginalnym fenomenem szkoły holenderskiej, która otworzyła życie codzienne człowieka prywatnego na sztukę światową.

Jan Steen pisał także na temat gatunkowy sztuki. Z poczuciem humoru notował szczegóły życia codziennego i relacji międzyludzkich. Na obrazie „Biesiadnicy” sam artysta wesoło i przebiegle patrzy na widza, siedząc obok żony, która zasnęła po wesołej uczcie. Z kolei w filmie poprzez mimikę i gesty bohaterów Jan Steen umiejętnie odsłania fabułę wyimaginowanej choroby.

Na początku lat 30. zakończyła się formacja holenderskiego malarstwa gatunkowego. Malarstwo rodzajowe podzielono według kryteriów społecznych: tematyka związana z życiem mieszczańskim oraz sceny z życia chłopów i biedoty miejskiej.

Jednym ze znanych artystów malujących w „gatunku chłopskim” był Adrian van Ostad. We wczesnym okresie twórczości przedstawianie chłopów było komiczne. Tak więc na zdjęciu wojownicy oświetleni ostrym światłem wydają się nie być żywymi ludźmi, ale marionetkami. Zestawienie zimnych i ciepłych barw, ostre kontrasty światła tworzą maski z gniewnymi emocjami na twarzach.

Później artysta maluje obrazy o spokojniejszej tematyce, przedstawiające osobę w trakcie jej codziennych zajęć, najczęściej w chwilach odpoczynku. Na przykład obraz wnętrza „Muzycy wiejscy”. Ostade oddaje skupienie „muzyków”, przedstawiając dzieci obserwujące ich przez okno z subtelnym humorem. Brat Adriana, Isaac van Ostade, który zmarł wcześnie, również działał w „gatunku chłopskim”. Przedstawiał życie na wsi w Holandii. Obraz „Zimowy widok” przedstawia typowy pejzaż z szarym niebem wiszącym nad ziemią, zamarzniętą rzeką, nad brzegiem której znajduje się wioska.

W latach 50. i 60. XVII w. zawęziła się tematyka malarstwa rodzajowego i zmieniła się ich struktura. Stają się spokojniejsze, bardziej liryczne, bardziej zamyślone. Scenę tę reprezentują prace takich artystów jak: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Ich twórczość cechuje wyidealizowany obraz życia holenderskiej burżuazji. I tak na obrazie wnętrza „Pokój w holenderskim domu” Pietera Janssensa przedstawiono przytulny pokój wypełniony światłem słonecznym, w którym gracze bawią się na podłodze i na ścianach. słoneczne króliczki. Dobór kompozycji podkreśla jedność człowieka i jego otoczenia.

Holenderscy malarze gatunkowi starali się oddać w swoich pracach wewnętrzny świat człowieka. W regularnie występujących sytuacjach potrafili pokazać świat przeżyć. Tym samym Gerard Terborch w filmie „Kieliszek lemoniady” przedstawił subtelny język gestów, dotknięć dłoni, kontaktu wzrokowego, który ujawnia całą gamę uczuć i relacji między bohaterami.

Subtelność i prawdziwość w odtwarzaniu rzeczywistości holenderscy mistrzowie łączą z niepozornym i codziennym pięknem. Cecha ta ujawniła się wyraźniej w martwej naturze. Holendrzy nazywali to „stilleven”. W tym rozumieniu mistrzowie widzieli w przedmiotach nieożywionych ukryte życie związane z życiem człowieka, jego sposobem życia, nawykami i gustami. Malarze holenderscy stworzyli wrażenie naturalnego „bałaganu” w układzie rzeczy: pokazali pokrojony placek, obraną cytrynę ze skórką zwisającą spiralnie, niedokończony kieliszek wina, płonącą świecę, otwartą książkę – zawsze się wydaje że ktoś dotknął tych przedmiotów, tylko że ich użyto, odczuwa się niewidzialną obecność człowieka.

Czołowymi mistrzami holenderskiej martwej natury pierwszej połowy XVII wieku byli Pieter Claes 1i Willema Heda. Ulubionym motywem ich martwych natur są tzw. „śniadania”. W „Śniadaniu z homarem” V. Khedy (dodatek; ryc. 16) przedmioty o najróżniejszych kształtach i materiałach - dzbanek do kawy, szklanka, cytryna, srebrny talerz. Obiekty są rozmieszczone w taki sposób, aby ukazać atrakcyjność i specyfikę każdego z nich. Używając różnorodnych technik, Heda doskonale oddaje materiał i specyfikę ich faktury; Tym samym odblaski światła grają inaczej na powierzchni szkła i metalu. Wszystkie elementy kompozycji łączy światło i kolor. W „Martwej naturze ze świecą” P. Klassa niezwykła jest nie tylko trafność odwzorowania walorów materialnych przedmiotów – kompozycja i oświetlenie nadają im dużej wyrazistości emocjonalnej. Martwe natury Klassa i Khedy są do siebie podobne - stanowią nastrój intymności i komfortu, spokoju w życiu mieszczańskiego domu, w którym panuje dobrobyt. Martwą naturę można uznać za jedną z nich ważne tematy Sztuka holenderska - tematyka z życia osoby prywatnej. Główną decyzję podjęła w filmie gatunkowym.

Symbolizm. Martwa natura

Wszystkie przedmioty w holenderskiej martwej naturze są symboliczne. Zbiory opublikowane w XVIII wieku pokruszone płatki w pobliżu wazonu są oznaką słabości;

o zwiędły kwiat jest oznaką zniknięcia uczuć;

o irysy są znakiem Najświętszej Maryi Panny;

o czerwone kwiaty są symbolem odkupieńczej ofiary Chrystusa;

o biała lilia to nie tylko piękny kwiat, ale także symbol czystości Dziewicy Maryi;

o goździk - symbol przelanej krwi Chrystusa;

o biały tulipan - fałszywa miłość.

o granat - symbol zmartwychwstania, symbol czystości;

o jabłka, brzoskwinie, pomarańcze przypominały jesień;

o wino w kieliszku lub dzbanku przedstawiało ofiarną krew Chrystusa;

o oliwka - symbol pokoju;

o zgniłe owoce są symbolem starzenia się;

o kłosy pszenicy, bluszcz - symbol odrodzenia i cyklu życia.

o szkło jest symbolem kruchości;

o porcelana - czystość;

o butelka jest symbolem grzechu i pijaństwa;

o potłuczone naczynia są symbolem śmierci;

o odwrócona lub pusta szklanka oznacza pustkę;

o nóż - symbol zdrady;

o srebrne naczynia są uosobieniem bogactwa.

o klepsydra - przypomnienie o przemijaniu życia;

o czaszka - przypomnienie o nieuchronności śmierci;

o kłosy pszenicy – ​​symbole odrodzenia i cyklu życia;

o chleb jest symbolem Ciała Pańskiego;

o broń i zbroja są symbolem mocy i potęgi, oznaczeniem tego, czego nie można zabrać ze sobą do grobu;

o klucze - symbolizują władzę;

o fajka jest symbolem ulotnych i nieuchwytnych ziemskich przyjemności;

o maska ​​karnawałowa - jest oznaką nieobecności danej osoby; nieodpowiedzialna przyjemność;

o lustra, szklane kule to symbole próżności, znak refleksji, nierzeczywistości.

Podstawy holenderskiego krajobrazu realistycznego powstały na początku XVII wieku. Artyści przedstawiali swoją ulubioną przyrodę za pomocą wydm i kanałów, domów i wiosek. Starali się oddać narodowość krajobrazu, atmosferę powietrza i charakterystykę pory roku. Mistrzowie coraz częściej podporządkowywali wszystkie elementy obrazu jednemu tonowi. Mieli doskonałe wyczucie koloru i umiejętnie przekazywali przejścia od światła do cienia, od tonu do tonu.

Największym przedstawicielem holenderskiego krajobrazu realistycznego był Jan van Goyen (1596-1656). Pracował w Lejdzie i Hadze. Artysta uwielbiał przedstawiać doliny i taflę rzek na płótnach o niewielkich rozmiarach. Goyen pozostawił dużo miejsca na niebo z chmurami. Jest to obraz „Widok na rzekę Waal w pobliżu Nijmegen”, zaprojektowany w subtelnej brązowo-szarej gamie kolorystycznej.

Później zmienia się charakterystyczna istota krajobrazów. Staje się trochę szersza, bardziej emocjonalna. Specyfika pozostaje ta sama - powściągliwa, ale tony nabierają głębi.

Wszystkie nowe cechy stylu pejzażowego zostały zawarte w jego obrazach Jacoba van Ruisdaela (1629-1682). Przedstawiając drzewa i krzewy jako obszerne, stworzono wrażenie, że wysuwają się na pierwszy plan i stają się potężniejsze. Dzięki doskonałemu wyczuciu perspektywy Ruisdael umiejętnie oddał rozległe równiny i okolice Holandii. Wybór tonu i oświetlenia wywołuje skupienie. Ruisdael uwielbiał także ruiny jako dekoracyjne detale, które mówią o zagładzie i kruchości ziemskiej egzystencji. „Cmentarz Żydowski” to teren zaniedbany. Ruisdael nie odniósł sukcesu w swoich czasach. Realizm jego obrazów nie odpowiadał gustom społeczeństwa. Artysta, cieszący się obecnie zasłużoną światową sławą, zmarł w biedzie w przytułku w Harlemie.

Portret. Fransa Halsa

Jednym z wielkich artystów holenderskich był Frans Hals (ok. 1580-1666). Urodził się w XVII wieku w Antwerpii. Jako bardzo młody artysta przybył do Haarlemu, gdzie dorastał i kształtował się w stylu szkoły Karela Van Mandera. Haarlem był dumny ze swojego artysty, dlatego do jego pracowni sprowadzili znamienitych gości – Rubensa i Van Dycka.

Hals był niemal wyłącznie portrecistą, ale jego twórczość miała ogromne znaczenie nie tylko dla holenderskiego portretu, ale także dla powstawania innych gatunków. W twórczości Halsa można wyróżnić trzy rodzaje kompozycji portretowych: portret zbiorowy, portret indywidualny zamawiany oraz szczególny rodzaj obrazów portretowych, zbliżony w swej naturze do malarstwa gatunkowego.

W 1616 roku Hals namalował „Bankiet oficerów kompanii pułku strzelców św. Jerzego”, w którym całkowicie zerwał z tradycyjnym schematem grupowego tragarza. Tworząc dzieło bardzo żywe, łączące postacie w grupy i nadające im różne pozy, zdawał się łączyć portret z malarstwem gatunkowym. Praca zakończyła się sukcesem, a artysta został zasypany zamówieniami.

Jego bohaterowie stoją na portrecie naturalnie i swobodnie, ich postawa i gesty wydają się niestabilne, a wyraz ich twarzy ulegnie zmianie. Najbardziej niezwykłą cechą twórczego stylu Halsa jest umiejętność przekazywania charakteru poprzez indywidualną mimikę i gesty, jakby złapane w locie - „Wesoły towarzysz picia”, „Mulat”, „Uśmiechnięty oficer”. Artysta uwielbiał stany emocjonalne pełne dynamiki. Ale w tym najważniejszym momencie, w którym Hals uchwycił istotę obrazu „Cygana”, zawsze zostaje uchwycony „Malle Babe”.

Jednak w obrazach Halsa z końca lat 30. i 40. pojawia się zamyślenie i smutek, obce jego bohaterom z portretu Willema Heythuisena, a czasem w stosunku artysty do nich przebija się lekka ironia. Radosna akceptacja życia i człowieka stopniowo znika ze sztuki Khalsa.

Punkty zwrotne nadeszły w malarstwie Khalsy. W portretach Halsa, namalowanych w latach 50. i 60., dogłębne mistrzostwo charakterystyki łączy się z nowym wewnętrznym znaczeniem. Jednym z najpotężniejszych dzieł zmarłego Halsa jest portret mężczyzny z Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (1650-1652). Kompozycja portretu jest pokoleniowym obrazem postaci, jej osadzeniem w wyraźnym froncie, spojrzeniem skierowanym bezpośrednio na widza, odczuwa się znaczenie osobowości. Postawa mężczyzny zdradza zimny autorytet i arogancką pogardę dla wszystkich. Poczucie własnej wartości łączy się w nim z ogromną ambicją. Jednocześnie w spojrzeniu nieoczekiwanie pojawia się cień rozczarowania, jakby w tej osobie czaił się żal z powodu przeszłości - swojej młodości i młodości jego pokolenia, którego ideały zostały zapomniane, a zachęty życiowe osłabły.

Portrety Halsa z lat 50. i 60. ujawniają wiele na temat holenderskiej rzeczywistości tamtych lat. Artysta żył długie życie i przypadkiem był świadkiem degeneracji holenderskiego społeczeństwa, zaniku jego ducha demokratycznego. To nie przypadek, że sztuka Khalsa wychodzi obecnie z mody. Później działa Khalsa z wyczuciem odzwierciedla ducha czasu, tak obcego mistrzowi, ale słychać w nich także jego własne rozczarowanie otaczającą rzeczywistością. W niektórych pracach z tych lat można doszukać się echa osobistych uczuć starego artysty, który tracił dawną świetność i widział już koniec swojego życia. ścieżka życia.

Dwa lata przed śmiercią, w 1664 r., Hals namalował portrety regentów i regentów (powierników) domu opieki w Haarlemie.

W „Portrecie regentów” wszystkich łączy poczucie rozczarowania i zagłady. W regentach nie ma żywotności, jak na wczesnych portretach grupowych Halsa. Każdy jest samotny, każdy istnieje sam. Czarne odcienie z czerwono-różowymi plamami tworzą tragiczną atmosferę.

„Portret regentów” toczy się w innej tonacji emocjonalnej. W niemal nieruchomych pozach bezdusznych starszych kobiet, nieznających współczucia, można odczuć autorytet mistrza, a jednocześnie w każdym z nich żyje głęboka depresja, poczucie bezsilności i rozpaczy w obliczu zbliżającej się śmierci.

Hals do końca swoich dni zachował nieomylność swego kunsztu, a sztuka osiemdziesięcioletniego malarza nabrała wnikliwości i siły.

6. Rembrandt van Rijn

Rembrandta (1606-1669) - największy przedstawiciel złoty wiek malarstwa holenderskiego. Urodzony w Lejdzie w 1606 r. Aby zdobyć wykształcenie artystyczne, artysta przeniósł się do Amsterdamu i wstąpił do warsztatu Pietera Lastmana, po czym wrócił do Lejdy, gdzie w 1625 roku rozpoczął samodzielne życie twórcze. W 1631 roku Rembrandt ostatecznie przeniósł się do Amsterdamu, a reszta życia mistrza związała się z tym miastem.

Twórczość Rembrandta przepojona jest filozoficznym rozumieniem życia i wewnętrznego świata człowieka. Jest to szczyt rozwoju sztuki holenderskiej XVII wieku. Dziedzictwo artystyczne Rembrandta wyróżnia się różnorodnością gatunków. Malował portrety, martwe natury, pejzaże, sceny rodzajowe, obrazy o tematyce historycznej, biblijnej i mitologicznej. Jednak największa głębia twórczości artysty nastąpiła w ostatnich latach jego życia. W Uffizi znajdują się trzy dzieła wielkiego mistrza. To autoportret w młodości, autoportret na starość, portret starca (rabina) W wielu późniejszych pracach artysta zanurza całą powierzchnię płótna w ciemności, skupiając uwagę widza na twarzy.

Tak Rembrandt przedstawił siebie w wieku 23 lat.

Okres przeprowadzki do Amsterdamu zaznaczył się w twórczej biografii Rembrandta powstaniem wielu szkiców męskich i żeńskich. Eksploruje w nich wyjątkowość każdej modelki, jej mimikę. Te małe dzieła stały się później prawdziwą szkołą Rembrandta jako portrecisty. To właśnie malarstwo portretowe pozwoliło artyście pozyskać zamówienia od zamożnych mieszczan amsterdamskich i tym samym osiągnąć sukces komercyjny.

W 1653 roku przeżywający trudności finansowe artysta przekazał niemal cały swój majątek swojemu synowi Tytusowi, po czym w 1656 roku ogłosił upadłość. Po sprzedaży domu i majątku artysta przeniósł się na obrzeża Amsterdamu, do dzielnicy żydowskiej, gdzie spędził resztę życia. Najbliższą mu osobą w tamtych latach był najwyraźniej Tytus, ponieważ jego obrazy są najliczniejsze. Śmierć Tytusa w 1668 roku była dla artysty jednym z ostatnich ciosów losu; on sam zmarł rok później. „Mateusz i anioł” (1661). Być może Tytus był wzorem anioła.

Ostatnie dwie dekady życia Rembrandta stały się szczytem jego umiejętności jako portrecisty. Modelami są towarzysze artysty (Nicholas Breuning, 1652; Gerard de Leresse, 1665; Jeremias de Dekker, 1666), żołnierze, starcy i starcy – wszyscy, którzy podobnie jak autor przeszli lata bolesnych prób. Ich twarze i dłonie są oświetlone wewnętrznym duchowym światłem. Wewnętrzną ewolucję artysty oddają serie autoportretów, odsłaniając widzowi świat jego najskrytszych przeżyć. Cyklowi autoportretów towarzyszą wizerunki mądrych apostołów. W twarzy apostoła można dostrzec rysy samego artysty.

7. Vermeer z Delft styczeń

Holenderskie malarstwo artystyczne martwa natura

Vermeer z Delft Jan (1632-1675) – malarz holenderski, największy mistrz holenderskiego malarstwa gatunkowego i pejzażowego. Vermeer pracował w Delft. Jako artysta rozwijał się pod wpływem Karela Fabritiusa, który zginął tragicznie w eksplozji magazynu prochu.

Wczesne obrazy Vermeera charakteryzują się wysublimowanymi obrazami ( Chrystus z Martą i Marią ). Na twórczość Vermeera duży wpływ miała twórczość mistrza malarstwa gatunkowego Pietera de Hoocha. Styl tego malarza był dalej rozwijany w obrazach Vermeera.

Od drugiej połowy lat 50. Vermeer malował niewielkie obrazy z jedną lub kilkoma postaciami w srebrzystym świetle wnętrza domu ( Dziewczyna z listem Pokojówka z dzbankiem mleka ). Pod koniec lat 50. Vermeer stworzył dwa arcydzieła malarstwa pejzażowego: obraz uduchowiony ulica z błyszczącymi, świeżymi, czystymi kolorami i obrazami Widok na miasto Delft . W latach 60. twórczość Vermeera stała się bardziej wyrafinowana, a jego malarstwo zimniejsze. ( Dziewczyna z perłą).

Pod koniec lat 60. artysta często przedstawiał bogato umeblowane pomieszczenia, w których panie i panowie grali muzykę i prowadzili szarmanckie rozmowy.

W ostatnich latach życia Vermeera jego sytuacja finansowa znacznie się pogorszyła. Popyt na obrazy gwałtownie spadł, malarz był zmuszony zaciągnąć pożyczki, aby nakarmić jedenaścioro dzieci i innych członków rodziny. Prawdopodobnie przyspieszyło to zbliżanie się śmierci. Nie wiadomo, co się stało – ostra choroba, czy depresja spowodowana finansami, ale Vermeer został pochowany w 1675 roku w rodzinnej krypcie w Delft.

Indywidualna twórczość Vermeera po jego śmierci nie została doceniona przez współczesnych. Zainteresowanie nim odżyło dopiero w XIX wieku, dzięki twórczości krytyka i historyka sztuki Etienne’a Théophile’a Thoré, który „odkrył” dla szerokiej publiczności Vermeera.

Wniosek

Odwołanie się do rzeczywistości pomogło poszerzyć możliwości artystyczne sztuki holenderskiej i wzbogaciło jej wątek gatunkowy. Jeśli przed XVII wiekiem w europejskich sztukach pięknych wielka wartość miała wątki biblijne i mitologiczne, a inne gatunki były słabo rozwinięte, wówczas w sztuce holenderskiej relacje między gatunkami zmieniają się dramatycznie. Rośnie liczba takich gatunków jak: życie codzienne, portret, pejzaż, martwa natura. Same tematy biblijne i mitologiczne w sztuce holenderskiej w dużej mierze tracą swoje dotychczasowe formy ucieleśnienia i są obecnie interpretowane jako obrazy codziennego użytku.

Sztuka holenderska, mimo wszystkich swoich osiągnięć, miała także pewne specyficzne cechy ograniczenia – wąski zakres tematów i motywów. Kolejna wada: tylko niektórzy mistrzowie szukali głębokiej podstawy w zjawiskach.

Ale w wielu obrazach kompozycyjnych i portretach obrazy mają najgłębszy charakter, a krajobrazy pokazują prawdziwą i prawdziwą naturę. Stało się to charakterystyczną cechą sztuki holenderskiej. W ten sposób malarze dokonali wielkiego przełomu w sztuce, opanowując trudną i złożoną umiejętność malowania obrazów wewnętrznego świata i doświadczeń człowieka.

Test dał mi możliwość sprawdzenia swoich zdolności twórczych, uzupełnienia wiedzy teoretycznej i głębszego poznania holenderskich artystów i ich dzieł.

Korepetycje

Potrzebujesz pomocy w studiowaniu jakiegoś tematu?

Nasi specjaliści doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Prześlij swoją aplikację wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.

Malarstwo holenderskie, w sztukach pięknych

Malarstwo holenderskie, jego powstanie i początkowy okres zbiegają się do tego stopnia z pierwszymi etapami rozwoju malarstwa flamandzkiego, że nowi historycy sztuki rozpatrują oba przez cały czas aż do końca XVI wieku. nierozerwalnie pod jedną ogólną nazwą „szkoły holenderskiej”.

Obaj, będący potomkami gałęzi Renu, są głupi. malarstwo, którego głównymi przedstawicielami są Wilhelm z Kolonii i Stefan Lochner, za swoich twórców uważa braci van Eyck; obydwaj od dawna podążają w tym samym kierunku, kierują się tymi samymi ideałami, realizują te same zadania, rozwijają tę samą technikę, dzięki czemu holenderscy artyści niczym nie różnią się od swoich flamandzkich i brabanckich braci.

Trwa to przez całe panowanie kraju, najpierw przez Burgundów, a następnie przez ród austriacki, aż do wybuchu brutalnej rewolucji, która zakończy się całkowitym triumfem narodu holenderskiego nad uciskającymi go Hiszpanami. Od tej epoki każda z dwóch gałęzi sztuki holenderskiej zaczyna poruszać się oddzielnie, choć zdarza się, że wchodzą ze sobą w bardzo bliski kontakt.

Malarstwo holenderskie natychmiast nabiera oryginalnego, całkowicie narodowego charakteru i szybko osiąga jasny i obfity rozkwit. Przyczyny tego zjawiska, jakiego nie można znaleźć w całej historii sztuki, leżą w uwarunkowaniach topograficznych, religijnych, politycznych i społecznych.

W tej „nizinie” (holland), składającej się z bagien, wysp i półwyspów, stale zmywanej przez morze i zagrożonej jej najazdami, ludność, gdy tylko zrzuciła obce jarzmo, musiała stworzyć wszystko od nowa, począwszy od warunków fizycznych gleby, a skończywszy na warunkach moralnych i intelektualnych, bo wszystko zostało zniszczone przez poprzednią walkę o niepodległość. Dzięki swojej przedsiębiorczości, praktycznemu zmysłowi i wytrwałej pracy Holendrom udało się przekształcić bagna w urodzajne pola i luksusowe pastwiska, podbić ogromne połacie ziemi od morza, zdobyć dobrobyt materialny i zewnętrzne znaczenie polityczne. Osiągnięciu tych wyników znacznie ułatwiła ustanowiona w kraju federalno-republikańska forma rządów oraz mądrze realizowana zasada wolności myśli i przekonań religijnych.

Jak gdyby cudem wszędzie, we wszystkich obszarach ludzkiej pracy, żarliwa działalność zaczęła nagle wrzeć w nowym, oryginalnym, czysto popularnym duchu, między innymi w dziedzinie sztuki. Z gałęzi tego ostatniego na ziemi holenderskiej szczęście było głównie w jednym - malarstwie, które tutaj, w twórczości wielu mniej lub bardziej utalentowanych artystów, pojawiających się niemal jednocześnie, przybrało bardzo wszechstronny kierunek i jednocześnie czas zupełnie odmienny od kierunku sztuki w innych krajach. Główną cechą charakteryzującą tych artystów jest miłość do natury, chęć odtworzenia jej w całej jej prostocie i prawdzie, bez najmniejszych upiększeń, bez podporządkowania jej w jakiekolwiek warunki z góry przyjętego ideału. Druga charakterystyczna właściwość Golla. malarzy cechuje subtelne wyczucie koloru i zrozumienie, jak silne, urzekające wrażenie może wywrzeć, oprócz treści obrazu, jedynie wierne i mocne przekazanie relacji barwnych zdeterminowanych w naturze przez działanie światła promienie, bliskość lub zakres odległości.

U najlepszych przedstawicieli malarstwa holenderskiego to wyczucie koloru, światła i cienia jest rozwinięte do tego stopnia, że ​​światło ze swoimi niezliczonymi i różnorodnymi niuansami odgrywa w obrazie, można powiedzieć, rolę głównego bohatera i nadaje wysoki poziom. zainteresowanie najmniej znaczącą fabułą, najbardziej nieeleganckimi formami i obrazami. Następnie należy zauważyć, że większość Goll. artyści nie szukają długo materiału do swojej twórczości, zadowalają się tym, co odnajdują wokół siebie, w rodzimej naturze i życiu swoich ludzi. Typowe cechy wybitnych rodaków, fizjonomie zwykłych Holendrów i Holenderek, hałaśliwe zabawy pospolitych świąt, biesiad chłopskich, sceny z życia wiejskiego lub intymnego mieszczan, rodzime wydmy, poldery i rozległe równiny poprzecinane kanałami, stada pasące się w bogatych łąki, chaty położone na skraju gajów bukowych lub dębowych, wioski nad brzegami rzek, jezior i gajów, miasta z czystymi domami, mostami zwodzonymi i wysokimi iglicami kościołów i ratuszów, porty zapełnione statkami, niebo pełne srebrzyste lub złote opary - wszystko to pod pędzlem holenderskich mistrzów przepojonych miłością do ojczyzny i dumą narodową zamienia się w obrazy pełne powietrza, światła i atrakcyjności.

Nawet w tych przypadkach, gdy niektórzy z tych mistrzów w poszukiwaniu tematów sięgają do Biblii, historii starożytnej i mitologii, nawet wtedy, nie martwiąc się o zachowanie wierności archeologicznej, przenoszą akcję w środowisko Holendrów, otaczając je holenderską oprawą. To prawda, że ​​obok zatłoczonego tłumu takich patriotycznych artystów znajduje się falanga innych malarzy, szukających inspiracji poza granicami ojczyzny, w klasycznym kraju sztuki, we Włoszech; jednak w ich twórczości pojawiają się także elementy eksponujące ich narodowość.

Wreszcie jako cechę malarzy holenderskich można wskazać wyrzeczenie się tradycji artystycznych. Daremnie byłoby szukać wśród nich ścisłej ciągłości dobrze znanych zasad estetycznych i reguł technicznych, nie tylko w sensie stylu akademickiego, ale także w sensie asymilacji przez uczniów charakteru swoich nauczycieli: może z wyjątkiem samych uczniów Rembrandta, którzy mniej więcej poszli w ślady swojego genialnego mentora, prawie wszyscy malarze w Holandii, gdy tylko minęli lata studenckie, a czasem nawet w tych latach, zaczęli pracować w własną drogą, zgodnie z tym, dokąd zaprowadziły ich indywidualne skłonności i czego nauczyła ich bezpośrednia obserwacja natury.

Dlatego artystów holenderskich nie można dzielić na szkoły, tak jak to robimy z artystami z Włoch czy Hiszpanii; trudno nawet stworzyć z nich ściśle określone grupy, a samo określenie „holenderska szkoła malarska”, które weszło do powszechnego użytku, należy rozumieć jedynie w sensie warunkowym, jako oznaczające zbiór mistrzów plemiennych, a nie rzeczywista szkoła. Tymczasem we wszystkich głównych miastach Holandii istniały zorganizowane stowarzyszenia artystów, co, jak się wydaje, powinno było wpłynąć na komunikację ich działań w jednym ogólnym kierunku. Jednakże towarzystwa takie, noszące nazwę cechów św. Łukasz, jeśli się do tego przyczynił, to w bardzo umiarkowanym stopniu. Nie były to akademie, kustosze znanych tradycji artystycznych, ale wolne korporacje, podobne do innych cechów rzemieślniczych i przemysłowych, niewiele różniące się od nich strukturą i nastawione na wzajemne wsparcie swoich członków, ochronę ich praw, opiekę na starość, troszczcie się o los swoich wdów i sierot.

Do cechu przyjmowano każdego malarza miejscowego, który spełniał wymagania moralne, po uprzednim potwierdzeniu jego zdolności i wiedzy lub na podstawie zdobytej już sławy; przyjezdni artyści byli przyjmowani do cechu jako członkowie tymczasowi na czas pobytu w danym mieście. Członkowie cechu spotykali się, aby pod przewodnictwem dziekanów omówić swoje wspólne sprawy lub w celu wzajemnej wymiany myśli; ale na tych spotkaniach nie było nic, co przypominałoby głoszenie określonego kierunku artystycznego i co mogłoby ograniczać oryginalność któregokolwiek z członków.

Wskazane cechy malarstwa niderlandzkiego są zauważalne już w jego początkach – w czasie, gdy rozwijało się ono nierozerwalnie od szkoły flamandzkiej. Jej powołaniem, podobnie jak tej ostatniej, było wówczas głównie dekorowanie kościołów malowidłami religijnymi, pałaców, ratuszy i domów szlacheckich portretami urzędników państwowych i arystokratów. Niestety dzieła prymitywnych malarzy holenderskich dotarły do ​​nas jedynie w bardzo ograniczonych ilościach, ponieważ większość z nich zginęła w tym niespokojnym czasie, kiedy reformacja dewastowała kościoły katolickie, znosiła klasztory i opactwa oraz podżegała „łamaczy ikon” (beeldstormers) do zniszczenia malował i rzeźbił święte obrazy, a powstanie ludowe wszędzie niszczyło portrety znienawidzonych tyranów. Wielu artystów, którzy poprzedzili rewolucję, znamy tylko z nazwy; Innych możemy oceniać tylko na podstawie jednej lub dwóch próbek ich pracy. Tak więc o najstarszym z malarzy holenderskich, Albercie van Ouwaterze, nie ma pozytywnych danych, poza informacją, że był on rówieśnikiem van Eycksów i pracował w Harlemie; Nie ma wiarygodnych jego obrazów. Jego uczennica Gertjen van Sint-Jan znana jest jedynie z dwóch paneli tryptyku („Grób św.” i „Legenda o kościach św. Jana”), który napisał dla katedry w Harlemie, przechowywanej w Galerii Wiedeńskiej. Mgła, która spowija nas w początkowej epoce szkoły G., zaczyna się rozwiewać wraz z pojawieniem się na scenie Dirka Boutsa, zwanego Stuerboat († 1475), pochodzącego z Haarlemu, ale pracującego w Leuven i dlatego przez wielu uważanego za należy do szkoły flamandzkiej (jego najlepszymi dziełami są dwa obrazy „Bezprawny proces cesarza Ottona” znajdujące się w Muzeum Brukselskim), a także Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), którego główną zasługą jest to, że był nauczycielem słynny Łukasz z Lejdy (1494-1533). Ten ostatni, wszechstronny, pracowity i niezwykle utalentowany artysta, potrafił jak nikt przed nim wiernie odtworzyć wszystko, co mu wpadło w oko, dlatego można go uważać za prawdziwego ojca holenderskiego gatunku, choć zajmował się malarstwem głównie religijnym obrazy i portrety. W twórczości współczesnego mu Jana Mostaerta (ok. 1470-1556) dążenie do naturalizmu łączy się z nutą tradycji gotyckiej, ciepłem uczuć religijnych z troską o zewnętrzną elegancję.

Oprócz tych wybitnych mistrzów, dla początków sztuki holenderskiej na uwagę zasługują: Hieronymus van Aken, nazywany Hieronymus de Bosch (ok. 1462-1516), który swoimi złożonymi, zawiłymi dziełami położył podwaliny pod satyryczne malarstwo codzienne a czasem niezwykle dziwne kompozycje; Jan Mundain († 1520), znany w Harlemie z przedstawień diabelstwa i bufonady; Pieter Aertsen († 1516), nazywany „Długim Piotrem” (Lange Pier) ze względu na swój wysoki wzrost, David Ioris (1501-56), utalentowany malarz na szkle, który dał się ponieść bełkotowi anabaptystów i wyobrażał sobie siebie jako proroka Dawida i jego syna Boga, Jacoba Swartsa (1469? - 1535?), Jacoba Cornelissena (1480? - później 1533) i jego syna Dirka Jacobsa (w Ermitażu znajdują się dwa obrazy tego ostatniego, przedstawiające towarzystwa strzeleckie).

Około połowa 16-tego stołu. wśród malarzy holenderskich istnieje chęć pozbycia się wad sztuki rodzimej - jej gotyckiej kanciastości i suchości - poprzez studiowanie włoskich artystów renesansu i łączenie ich maniery z najlepszymi tradycjami własnej szkoły. Pragnienie to widoczne jest już w twórczości wspomnianego Mosterta; za głównego propagatora nowego ruchu należy jednak uznać Jana Schorela (1495-1562), który przez długi czas mieszkał we Włoszech, a później założył w Utrechcie szkołę, z której wywodziło się wielu artystów zarażonych chęcią zostania holenderskim Rafaelem i Michał Anioł. W jego ślady poszli Maarten van Van, nazywany Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, nazywany. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) i inni należący do kolejnego okresu szkoły włoskiej, jak na przykład Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), wyszli poza Alpy, aby nasycić się doskonałościami luminarzy malarstwa włoskiego, ale w większości pod wpływem przedstawicieli rozpoczynającego się wówczas upadku tego malarstwa, jako manieryści powrócili do ojczyzny, wyobrażając sobie, że cała istota sztuki tkwi w przesada mięśni, pretensjonalność kątów i rozmach konwencjonalnych kolorów.

Jednak fascynacja Włochami, która w epoce przejściowej malarstwa holenderskiego sięgała często do skrajności, przyniosła pewien pożytek, gdyż wniosła do tego malarstwa lepszy, bardziej wyuczony rysunek oraz możliwość swobodniejszego i odważniejszego kierowania kompozycją. Wraz z tradycją staroniderlandzką i bezgraniczną miłością do natury, Italianizm stał się jednym z elementów, z których ukształtowała się oryginalna, wysoko rozwinięta sztuka epoki rozkwitu. Początek tej epoki, jak już powiedzieliśmy, należy datować na początek XVII wieku, kiedy Holandia, uzyskawszy niepodległość, zaczęła żyć nowym życiem. Dramatycznemu przekształceniu się wczoraj uciskanego i biednego kraju w politycznie ważny, wygodny i zamożny związek państw towarzyszyła równie dramatyczna rewolucja w jego sztuce.

Ze wszystkich stron niemal jednocześnie wyłaniają się niezliczone rzesze wspaniałych artystów, powołanych do działania przez wzrost ducha narodowego i potrzebę ich twórczości, która rozwinęła się w społeczeństwie. Do pierwotnych ośrodków artystycznych, Haarlemu i Lejdy, dochodzą nowe – Delft, Utrecht, Dortrecht, Haga, Amsterdam itd. Wszędzie stare zadania malarstwa rozwijają się w nowy sposób pod wpływem zmieniających się wymagań i poglądów i jego nowe gałęzie, których początki były w poprzednim okresie ledwo zauważalne.

Reformacja wypędziła obrazy religijne z kościołów; nie było potrzeby ozdabiania pałaców i komnat szlacheckich wizerunkami starożytnych bogów i bohaterów, dlatego malarstwo historyczne, zaspokajając gusta bogatej mieszczaństwa, odrzuciło idealizm i zwróciło się ku dokładnemu odwzorowaniu rzeczywistości: zaczęło interpretować wydarzenia z dawnych czasów jako wydarzenia dnia, który rozegrał się w Holandii, a w szczególności zajął się portretem, utrwalając w nim rysy ówczesnych ludzi, czy to w pojedynczych postaciach, czy w rozbudowanych, wielofigurowych kompozycjach przedstawiających towarzystwa strzeleckie (schutterstuke), które odegrali tak znaczącą rolę w walce o wyzwolenie kraju – kierownicy jego instytucji charytatywnych (regentenstuke), majstrowie sklepów i członkowie różnych korporacji.

Gdybyśmy zdecydowali się porozmawiać o wszystkich utalentowanych portrecistach okresu rozkwitu sztuki holenderskiej, samo wymienienie ich nazwisk ze wskazaniem najlepszych dzieł wymagałoby wielu zdań; Dlatego ograniczamy się do wymienienia tylko tych artystów, którzy szczególnie wyróżniają się z szeregów generalnych. Są to: Michiel Mierevelt (1567-1641), jego uczeń Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), poprzednicy trzech największych portrecistów Holandii – czarnoksiężnik światłocienia Rembrandt van Rijn (1606-69), niezrównany rysownik, który miał niesamowitą sztukę modelowania postaci w świetle, ale nieco zimny w charakterze i kolorze, Bartholomew van der Gelst (1611 lub 1612-70) i ​​uderzający fugą jego pędzla Fransa Golsa Starszego (1581-1666). Spośród nich szczególnie jasno w historii świeci imię Rembrandta, początkowo darzonego dużym szacunkiem przez współczesnych, potem przez nich zapomnianego, mało docenianego przez potomność i dopiero w obecnym stuleciu wyniesionego, słusznie, do poziomu światowego geniusz.

W jego charakterystycznej osobowości artystycznej skupiają się, jakby w skupieniu, wszystkie najlepsze cechy malarstwa holenderskiego, a jego wpływ znalazł odzwierciedlenie we wszystkich jego typach - w portretach, obrazach historycznych, scenach życia codziennego i pejzażach. Do najsłynniejszych uczniów i naśladowców Rembrandta należeli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645-1645-1645). 1727), Jacob Backer (1608 lub 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (ok. 1620-54), Salomon i Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Portera († później 1645), Gerarda Dou (1613-75) i Samuela van Googstratena (1626-78). Oprócz tych artystów, aby uzupełnić listę najlepszych portrecistów i malarzy historycznych omawianego okresu, należy wymienić Jana Lievensa (1607-30), przyjaciela Rembrandta w jego studiach u P. Lastmana, Abrahama van Tempela (1622) -72) i Pietera Nazona (1612-91), pracującego najwyraźniej pod wpływem V. d. Gelsta, naśladowca Halsa Johannesa Versproncka (1597-1662), Jana i Jacoba de Braev († 1664, † 1697), Cornelisa van Zeulena (1594-1664) i Nicholasa de Gelta-Stokade (1614-69). Malarstwo domowe, którego pierwsze eksperymenty pojawiły się w starej szkole holenderskiej, znalazło się w XVII wieku. szczególnie żyzna gleba w protestanckiej, wolnej, burżuazyjnej, samozadowoleniej Holandii.

Małe obrazy, bezpretensjonalnie przedstawiające zwyczaje i życie różnych klas lokalnej społeczności, wydawały się wystarczającej liczbie ludzi bardziej zabawne niż duże dzieła poważnego malarstwa i wraz z pejzażami wygodniejsze do dekoracji przytulnych domów prywatnych. Zapotrzebowanie na takie obrazy zaspokaja cała rzesza artystów, nie zastanawiając się długo nad wyborem tematów dla nich, ale sumiennie odtwarzając wszystko, co spotyka się w rzeczywistości, okazując jednocześnie miłość do rodziny, a potem dobroduszny humor, dokładnie charakteryzujących przedstawione pozycje i twarze oraz dopracowanych w opanowaniu technologii. Podczas gdy jedni zajmują się życiem zwykłych ludzi, scenami chłopskiego szczęścia i smutku, pijatkami w tawernach i karczmach, zgromadzeniami przed przydrożnymi karczmami, wakacjami na wsi, grami i jazdą na łyżwach po lodzie zamarzniętych rzek i kanałów itp., inni zajmują się treść swoich dzieł z kręgu bardziej eleganckiego - malują pełne wdzięku damy w swoim intymnym otoczeniu, zaloty dandysów, gospodynie wydające polecenia swoim pokojówkom, salonowe ćwiczenia przy muzyce i śpiewie, hulanki złotej młodości w domach rozkoszy itp. W długim szeregu artystów pierwszej kategorii wyróżniają się Adrian i Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 lub 1606-38), Jan Stan (ok. 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, nazywany Bambocchio we Włoszech (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, nazywany Sorg (1621-82), Claes Molenaar (dawniej 1630-76), Jan Minse-Molenar (około 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) i niektórzy. itd. Z równie znacznej liczby malarzy, którzy reprodukowali życie średniej i wyższej klasy, w zasadzie wystarczającej, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francja ok. Miris Starsza (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer z Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony i Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) itd. Do kategorii malarzy gatunkowych zaliczają się artyści, którzy malowali sceny z życia wojskowego, bezczynność żołnierzy w wartowniach , obozowiska, potyczki kawalerii i całe bitwy, konie ujeżdżeniowe, a także sceny sokolnictwa i polowań na psy przypominające sceny bitewne. Głównym przedstawicielem tej gałęzi malarstwa jest słynny i niezwykle płodny Philips Wouwerman (1619-68). Oprócz niego jej brat tego mistrza, Piotr (1623-82), Jan Asselein (1610-52), którego wkrótce spotkamy wśród pejzażystów, wspomniany Palamedes, Jacob Leduc (1600 - później 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) itd. Dla wielu z tych artystów krajobraz odgrywa równie ważną rolę jak postacie ludzkie; ale równolegle z nimi pracuje masa malarzy, traktując to jako swoje główne lub wyłączne zadanie.

W ogóle Holendrzy mają niezbywalne prawo do dumy, że ich ojczyzna jest kolebką nie tylko najnowszego gatunku, ale także krajobrazu w dzisiejszym rozumieniu. Faktycznie, w innych krajach, np. we Włoszech i Francji sztuka w niewielkim stopniu interesowała się przyrodą nieożywioną, nie doszukiwała się w niej ani wyjątkowego życia, ani szczególnego piękna: malarz wprowadzał do swoich obrazów pejzaż jedynie jako element poboczny, jako dekorację, wśród których znalazły się epizody ludzkich dramatów lub komedię rozgrywa się, dlatego też poddaje ją warunkom sceny, wymyślając malownicze linie i korzystne dla niej zakątki, ale bez kopiowania natury, bez nasycania się wrażeniami, jakie ona wywołuje.

W ten sam sposób „komponował” naturę w tych rzadkich przypadkach, gdy próbował namalować malarstwo czysto pejzażowe. Holendrzy jako pierwsi zrozumieli, że nawet w przyrodzie nieożywionej wszystko tchnie życiem, wszystko jest atrakcyjne, wszystko jest w stanie wywołać myśl i wzbudzić poruszenie serca. I było to całkiem naturalne, ponieważ Holendrzy, że tak powiem, stworzyli otaczającą ich przyrodę własnymi rękami, cenili ją i podziwiali, jak ojciec pielęgnuje i podziwia własne dziecko. Ponadto przyroda ta, pomimo skromności form i barw, zapewniła takim kolorystom jak Holendrzy obfity materiał do opracowania motywów świetlnych i perspektywy powietrznej, ze względu na warunki klimatyczne kraju – jego przesycone parą powietrze, łagodzące kontury obiektów, wytwarzających gradację tonów na różnych planach i pokrywających odległość mgiełką srebrzystej lub złotej mgły, a także zmienności wyglądu obszarów zdeterminowanej porą roku, porą dnia i warunkami atmosferycznymi.

Wśród malarzy pejzażystów okresu rozkwitu Holendrzy. Szczególnie szanowane są szkoły będące interpretatorami swego domowego charakteru: Jan V. Goyena (1595-1656), który wraz z Esaiasem van de Velde (ok. 1590-1630) i Pieterem Moleynem Starszym. (1595-1661), uważany za założyciela Goll. krajobraz; następnie uczeń tego mistrza, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (ok. 1600 - później 1679), miłośnik efektów lepszego oświetlenia Art. zm. Nair (1603-77), poetycki Jacob v. Ruisdael (1628 lub 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) i Cornelis Dekker († 1678).

Wśród Holendrów było także wielu pejzażystek, którzy odbywali podróże i reprodukowali motywy obcej natury, co jednak nie przeszkodziło im w zachowaniu narodowego charakteru w swoim malarstwie. Alberta V. Everdingen (1621-75) przedstawił widoki Norwegii; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († później 1690) i Jan Lingelbach (1623-74) – Włochy; Ian W. d. Burmistrz Młodszy (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) i Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) – Niemcy i Szwajcaria; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) wraz z grupą jego zwolenników malował pejzaże inspirowane włoską przyrodą, z ruinami starożytnych budynków, kąpiącymi się nimfami i scenami z wyimaginowanej Arkadii. W specjalnej kategorii wyróżnić można mistrzów, którzy w swoich obrazach łączyli pejzaże z wizerunkami zwierząt, preferując albo pierwszą, albo drugą, albo traktując obie części z równą uwagą. Najbardziej znanym z takich malarzy wiejskiej idylli jest Paulus Potter (1625-54); Oprócz niego należy tu uwzględnić Adriana. d. Velde (1635 lub 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) oraz liczni artyści, którzy zwrócili się po tematykę głównie lub wyłącznie do Włoch, jak: Willem Romain († później 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 lub 1634 -86) itd. Z malarstwem pejzażowym ściśle związane jest malowanie widoków architektonicznych, którym artyści holenderscy jako samodzielną dziedzinę sztuki zaczęli się zajmować dopiero w połowie XVII wieku.

Niektórzy z tych, którzy od tego czasu pracowali w tej dziedzinie, z wyrafinowaniem przedstawiali ulice i place miast wraz z ich budynkami; są to między innymi mniej znaczące: Johannes Bärestraten (1622-66), Job i Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) i Jacob v. wieś Yulft (1627-88). Inni, wśród których najwybitniejsi to Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 lub 1617-92), malowali widoki wnętrz kościołów i pałaców. Morze było tak ważne w życiu Holandii, że jej sztuka nie mogła traktować go inaczej niż z największą uwagą. Wielu jej artystów zajmujących się pejzażem, gatunkiem, a nawet portretem, odrywając się na chwilę od zwykłych tematów, zostało malarzami morskimi, a gdybyśmy zdecydowali się wymienić wszystkich malarzy szkoły holenderskiej, którzy przedstawiali spokojne lub wzburzone morze, statki kołysanie się na nim, zagracone statki portowe, bitwy morskie itp., wtedy otrzymalibyśmy bardzo długą listę, która zawierałaby nazwiska Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. i J. Ruisdael, A. Cuyp i inni wspomniani już w poprzednich wierszach. Ograniczając się do wskazania tych, dla których specjalizacją było malowanie gatunków morskich, musimy wymienić Willem v. de Velde Starszego (1611 lub 1612-93), jego słynny syn V. v. de Velde Młodszego (1633-1707), Ludolfa Backhuisena (1631-1708), Jana V. de Cappelle († 1679) i Julius Parcellis († później 1634).

Wreszcie realistyczny kierunek szkoły holenderskiej spowodował, że ukształtował się i rozwinął w niej rodzaj malarstwa, który w innych szkołach nie był dotychczas uprawiany jako odrębna, samodzielna gałąź, a mianowicie malowanie kwiatów, owoców, warzyw, istoty żywe, przybory kuchenne, zastawa stołowa itp. – jednym słowem to, co obecnie powszechnie nazywa się „martwą naturą” (nature morte, Stilleben). Na tym terenie pomiędzy Najbardziej znanymi artystami epoki rozkwitu byli Jan-Davids de Gem (1606-83), jego syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630) -93), Willem V. Aalsta (1626-83), Willema Gedy (1594 - później 1678), Willema Kalfa (1621 lub 1622-93) i Jana Waenixa (1640-1719).

Genialny okres malarstwa holenderskiego nie trwał długo – tylko jedno stulecie. Od początku XVIII w. jego upadek nadchodzi nie dlatego, że wybrzeża Zuiderzee przestają produkować wrodzone talenty, ale dlatego W społeczeństwie coraz bardziej słabnie samoświadomość narodowa, duch narodowy wyparowuje, a francuskie gusta i poglądy pompatycznej epoki Ludwika XIV zakorzeniają się. W sztuce ten zwrot kulturowy wyraża się w zapomnieniu przez artystów podstawowych zasad, na których opierała się oryginalność malarzy poprzednich pokoleń, i odwołaniu się do zasad estetycznych przywiezionych z sąsiedniego kraju.

Zamiast bezpośredniego związku z naturą, umiłowania tego, co rodzime i szczerości, dominacja z góry przyjętych teorii, konwencji i naśladownictwa Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain i inni luminarze szkoły francuskiej. Głównym propagatorem tego godnego pożałowania nurtu był osiadły w Amsterdamie Flamandzki Gerard de Leresse (1641-1711), artysta bardzo zdolny i wykształcony jak na swoje czasy, wywierający ogromny wpływ na swoich współczesnych i bezpośrednie potomstwo zarówno poprzez swoje wychowane pseudo -obrazy historyczne i dzieła jego własnego pióra, wśród których jedna, Wielka Księga Malarza ('t groot schilderboec), przez pięćdziesiąt lat służyła młodym artystom za kod. Do upadku szkoły przyczynił się także słynny Hadrian. de Werff (1659-1722), którego eleganckie malarstwo z zimnymi postaciami, jakby wyrzeźbionymi z kości słoniowej, o matowej, bezsilnej kolorystyce, wydawało się kiedyś szczytem doskonałości. Wśród naśladowców tego artysty Henryk v. cieszył się sławą jako malarz historyczny. Limborg (1680-1758) i Philip V.-Dyck (1669-1729), nazywany „Małym V.-Dyckiem”.

Z pozostałych malarzy omawianej epoki, obdarzonych niewątpliwym talentem, ale zarażonych duchem czasu, warto zwrócić uwagę na Willema i France v. Miris Młodsza (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Izaak de Moucheron (1670-1744) i Carel de Maur (1656-1738). Nieco blasku umierającej szkole nadał Cornelis Trost (1697-1750), przede wszystkim rysownik, nazywany Holendrem. Gogartha, portrecistę Jana Quincgarda (1688-1772), malarza dekoracyjnego i historycznego Jacoba de Wita (1695-1754) oraz malarzy martwej natury Jana V. Geysum (1682-1749) i Rachel Reisch (1664-1750).

Obce wpływy ciążyły na malarstwie holenderskim aż do lat dwudziestych XIX wieku, udało się w nim mniej więcej odzwierciedlić przemiany, jakie zaszły w sztuce francuskiej, począwszy od perukarstwa czasów Króla Słońce, a skończywszy na pseudoklasycyzmie Dawid. Kiedy styl tego ostatniego stał się przestarzały i wszędzie w Europie Zachodniej zamiast fascynacji starożytnymi Grekami i Rzymianami rozbudziło się romantyczne pragnienie, opanowując zarówno poezję, jak i sztukę figuratywną, Holendrzy, podobnie jak inni

ludy skierowały wzrok na ich starożytność, a tym samym na chwalebną przeszłość ich malarstwa.

Chęć przywrócenia mu blasku, jakim błyszczała w XVII wieku, zaczęła inspirować najmłodszych artystów i przywracać ich do zasad starożytnych mistrzów narodowych - do ścisłej obserwacji natury i naiwnego, szczerego podejścia do zadań ręka. Jednocześnie nie próbowali całkowicie eliminować się spod obcych wpływów, ale wyjeżdżając na studia do Paryża, Dusseldorfu i innych ośrodków artystycznych w Niemczech, zabrali do domu jedynie znajomość z sukcesami nowoczesnej technologii.

Dzięki temu odrodzona szkoła holenderska ponownie otrzymała oryginalną, atrakcyjną fizjonomię i dziś podąża drogą prowadzącą do dalszego postępu. Wiele swoich najnowszych postaci z łatwością potrafi porównać z najlepszymi malarzami XIX wieku w innych krajach. Malarstwo historyczne sensu stricto jest w nim kultywowane, jak za dawnych czasów, bardzo umiarkowanie i nie ma wybitnych przedstawicieli; Ale jeśli chodzi o gatunek historyczny, Holandia może poszczycić się kilkoma znaczącymi współczesnymi mistrzami, takimi jak: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (ur. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (ur. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) i niezwykle utalentowany Lawrence Alma-Tadema (ur. 1836), który zdezerterował do Anglii. Do gatunku codziennego, który także znalazł się w kręgu twórczości tych artystów (z wyjątkiem Almy-Tademy), można wskazać szereg znakomitych malarzy, na czele z Josephem Izraelsem (ur. 1824) i Christoffelem Bisschopem (ur. 1828); poza nimi na miano zasługują Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (ur. 1826), Teresa Schwarze (ur. 1852) i Valli Mus (ur. 1857).

Najnowsze malarstwo holenderskie jest szczególnie bogate w pejzażystów, którzy pracowali i pracują na różne sposoby, czasem ze starannym wykończeniem, czasem z szeroką techniką impresjonistów, ale wiernymi i poetyckimi interpretatorami ich rodzimej natury. Należą do nich Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (ur. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (ur. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (ur. 1837), Lodewijk Apol (ur. 1850) i wielu innych. itp. Bezpośrednimi spadkobiercami Ya. Pojawili się malarze obiecujących poglądów D. Heyden i E. de Witte, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomew v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) itd. Do najmłodszych malarzy marynistycznych Holandii zaliczają się m.in. dłoń należy do Joga. Schhotel (1787-1838), Ari Plaisir (ur. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) i Henrik Mesdag (ur. 1831). Wreszcie Wouters Verschoor (1812-74) i Johann Gas (ur. 1832) wykazali się dużymi umiejętnościami w malowaniu zwierząt.

Poślubić. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 tomy, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, „Geschichte der Malerei” (tom 2 i 3, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, „Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, „La peinture hollandaise” (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d’autrefois. Belgique, Hollande” (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, „Szkice z historii malarstwa holenderskiego na podstawie jego próbek znajdujących się w Petersburgu”. (specjalny dodatek do czasopisma „Vestn. Fine Arts”, 1885-90).

Sztuka Holandii, Holandii i Flandrii

Fransa Halsa. Portret mężczyzny. Około 1635 r

Jan Van Eyck (1390–1441) Matka Boska z Dzieciątkiem na tronie w świątyni. Tryptyk 1437. Deska dębowa, olej. Część środkowa - 27,5x21,5, boczna - 27,5x8

To niewielkie dzieło jest prawdziwym arcydziełem sztuki holenderskiej XV wieku. W centralnej części tryptyku znajduje się Matka Boska z Dzieciątkiem w luksusowym wnętrzu gotyckiej katedry, zasiadająca na wspaniałym rzeźbionym tronie pomiędzy dwoma rzędami wielobarwnych kolumn wykonanych z jaspisu i marmuru.

Lewe drzwi przedstawiają Archanioła Michała („przywódcę armii niebieskiej”) ubranego w kolczugę i uzbrojonego w tarczę, włócznię i miecz. Przedstawia ofiarodawcę, klienta tryptyku, Dziewicy z Dzieciątkiem. Imię mężczyzny nie jest znane; przypuszcza się, że pochodził z genueńskiej rodziny Giustiniani. Na prawym skrzydle znajduje się św. Katarzyna Aleksandryjska z tradycyjnymi atrybutami, „narzędziami” swego męczeństwa: mieczem w dłoni i kołem męki u stóp.

Ogromne znaczenie ma tekst podany na tryptyku. Są to cytaty z Biblii i innych łacińskich maksym. Dziecko trzyma wiadomość z tekstem, tzw. paczką: „Uczcie się ode Mnie, bo jestem cichy i pokornego serca”. Na oryginalnych ramach wszystkich części obrazu znajdują się napisy; na dolnym pasku centralnego panelu napisano po łacinie: „Johannes de Eyck ukończony i ukończony w roku Pańskim 1437. Tak jak ja”. Słowa te stały się dostępne do odczytania dopiero w 1958 roku, czyli niemal 520 lat po powstaniu tryptyku! Do tego czasu uważano, że dzieło należy do czegoś więcej wczesny okres twórczość mistrza.

Niewielkie rozmiary dzieła umożliwiły właścicielowi jego transport. Technika artysty uderza filigranem: zamalowane są najdrobniejsze detale, które można zobaczyć jedynie przez szkło powiększające. Jednocześnie powiększenie nie ujawnia ani jednej niepewnej kreski, ani najmniejszego błędu w rysunku.

Peter Paul Rubens (1577–1640) Powrót Diany z polowania około 1615 r. Olej na płótnie. 136x184

W 1608 roku Rubens, wracając z Włoch do Antwerpii, przywiózł ze sobą zainteresowanie dziedzictwem sztuki i literatury starożytnej, które nie zanikło w nim przez całe życie i stało się kamieniem węgielnym jego twórczości i myślenia o sztuce. W wielu swoich obrazach, zwłaszcza tych zamówionych, wykorzystywał tematy z mitologii greckiej i rzymskiej.

Bogini Diana była dla Rubensa niezwykle atrakcyjna, gdyż mit o niej połączył się ze starożytnością z innym z jego ulubionych tematów – polowaniem. Zainteresowania malarza podsycali jego mecenasi królewscy i arystokratyczni: łowiectwo było wyłącznym przywilejem tych środowisk. Artysta stworzył szereg wielkoformatowych obrazów myśliwskich, z których wiele opiera się na starożytnej fabule.

W przeciwieństwie do innych obrazów, w których mistrz przekazuje patos walki, na tym obrazie jego uwaga skupia się na pięknie starożytnej łowcy bogini. Diana, obrończyni kobiecej czystości, wraz ze swoimi towarzyszkami staje przed grupą satyrów, którzy zresztą reprezentują dla Rubensa inny biegun zainteresowań – wszystko, co wiąże się z bachanaliami. Włócznia Diany ostro oddziela te dwie grupy, dwa światy. Jak odmienny jest wygląd ich uczestników: wśród satyrów są stworzenia o kozich nogach, dzikie w swojej namiętności, otoczone Dianą, która sama emanuje urokiem kobiecej natury, swoimi bosko pięknymi towarzyszkami. Satyry prezentują obfitość owoców, co sugeruje, jakie wspaniałe wino zrobią w przyszłości. Z kolei Diana ma ptaki i zająca (symbole zmysłowych przyjemności), które zabiła podczas polowania. W sensie symbolicznym wyrażają jej odmowę oferowanych przyjemności.

Holenderscy artyści XVII wieku, czasem o wąskiej specjalizacji, często przyciągali swoich kolegów, gdy trzeba było przedstawić na obrazie coś, w czym nie byli wystarczająco silni. I tak owoce i zwierzęta na prezentowanym płótnie namalował Frans Snyders, który słynął z podobnych martwych natur i wizerunków zwierząt.

Piotr Paweł Rubens Batszeba przy fontannie 1635. Olej na desce dębowej. 175x126

Rubens stworzył dużą liczbę obrazów opartych na tematyce biblijnej. Aby zrozumieć prezentowane tu dzieło, konieczna jest znajomość historii biblijnej, a pomysłowość artysty w przekazaniu jej szczegółów jest zadziwiająca. Król Dawid pewnego razu „wszedł na dach domu królewskiego i ujrzał kobietę kąpiącą się na dachu; a ta kobieta była bardzo piękna.” Była to Batszeba, żona Uriasza Chetyty. W lewym górnym rogu płótna postać króla Dawida jest ledwo widoczna na dachu pałacu, a Rubens pokazał Batszebę za toaletą na podeście prowadzącym do basenu. Dawid ją uwiódł, a Uriasz skazał ją na pewną śmierć.

Uwagę zwraca przepiękna młoda kobieta; Rubens był wielkim mistrzem ukazywania kobiecego ciała i stworzył własny kanon piękna. Tymczasem nie sposób nie podziwiać pomysłowości, z jaką artystka przekazała subtelne, emocjonalne momenty tej sceny: zdziwione spojrzenie Batszeby, która nie spodziewała się otrzymać wysłanego do niej listu z rąk czarnego chłopca (jest oczywiste że list może być tylko listem miłosnym), reakcja psa, który szczerzył zęby na posłańca i podejrzewał, że coś jest nie tak (pies siedzący u stóp kobiety w systemie symboliki renesansowego i barokowego portretu uosabiał wierność małżeńską ). I jak cudownie ukazane są postacie kobiece, płynąca woda, ubrania i krajobraz architektoniczny!

Polowanie na dzika Petera Paula Rubensa 1615–1620. Drewno, olej. 137x168

W pracach Rubensa poświęconych tematyce łowieckiej można wyróżnić dwie fazy twórczości. Malowidła z pierwszego okresu, trwającego do 1620 roku, do którego należy prezentowane „Polowanie na dzika”, charakteryzują się dośrodkowym i diagonalnym schematem kompozycyjnym, w którym z obu stron działają niepohamowane siły. Późniejsze prace rozwijają kompozycję charakterystyczną dla fryzu, czyli akcja w nich ukazana jest w perspektywie poziomej, równoległej do płaszczyzny obrazu. W pierwszym przypadku podkreślana jest kulminacja polowania, kiedy zwierzę zostaje dogonione i pokonane, w drugim – proces łapania. I jeśli prace z pierwszego okresu ukazują zwycięstwo myśliwych nad dzikim drapieżnikiem, to obrazy z drugiego okresu ukazują pogoń za bezbronnym zwierzęciem.

Malarstwo drezdeńskie pod względem treści jest czymś więcej niż sceną polowania gatunkowego. Wyraźnie „prześwituje” starożytny mit o polowaniu kaledońskim, w którym Meleager zabija włócznią dzika kaledońskiego (mit ten przedstawia Filostratus Młodszy w rozdziale 15 „Obrazów”). Przedstawieni są tutaj wszyscy uczestnicy tej historii: dzik stoi pod drzewem w gęstym kręgu myśliwych i wściekle szczekających psów. Atalanta właśnie wystrzeliła strzałę; Włócznia Meleagera przebija bestię. W pobliżu dzika leży martwy mężczyzna. Ten motyw jest używany przez wielu artyści flamandzcy za obrazy przedstawiające polowanie na tle leśnego krajobrazu. U Rubensa wściekłość walki, napięcie fizyczne i duchowe osiągają najwyższą intensywność.

Jan Brueghel Starszy (1568–1625) Krajobraz rzeczny z drwalami 1608. Olej na desce. 47x46

W dawnych czasach zwyczajem było dziedziczenie pracy rodziców, zwłaszcza zawodów twórczych. Istnieją słynne dynastie artystów, rzeźbiarzy i kompozytorów. Dynastia Bruegel jest jedną z największych w historii malarstwa. Zwykle w takich rodzinach główna postać wznosi się ponad wszystkich: na przykład w rodzinie Bacha – Johann Sebastian, a w rodzinie Bruegel – Pieter Bruegel Starszy.

Jan Brueghel Starszy (Starszy, bo później w rodzinie pojawił się inny Jan - odpowiednio Młodszy) otrzymał przydomek „Aksamit” ze względu na szczególną kolorystykę swojego obrazu. Co ciekawe, w Galerii Drezdeńskiej znajduje się pięć obrazów mistrza, ale nie ma dzieł ani głowy dynastii, ani jej pozostałych przedstawicieli. Wyjaśnia to w pewnym stopniu fakt, że choć Jan miał gorszy talent od ojca, jego oficjalny status był wyższy - był nadwornym artystą arcyksięcia Alberta. W związku z tym dzieła mistrza przechowywano w apartamentach królewskich, skąd łatwiej było im przedostać się do innych dostojnych zbiorów.

Wpisał się Jan Brueghel Starszy różne gatunki- pejzaże, martwe natury (głównie kwiaty i zwierzęta), malarstwo drobnofiguralne o tematyce biblijnej, mitologicznej i alegorycznej. Prezentowany obraz jest jednym z przykładów jego malarstwa pejzażowego. Praca wyraźnie ukazuje genetyczny związek malarstwa Jana Brueghela ze sztuką jego ojca. Nieuchronnie nasuwa się porównanie z obrazem Pietera Bruegla „Pejzaż z upadkiem Ikara” (ok. 1558 r., Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych w Brukseli), namalowanym 50 lat wcześniej. Są zbudowane podobnie: wężyk Granice morza i lądu dzielą kompozycję na dwie części. W obu przypadkach wybiera się wysoki punkt, z którego malowany jest pejzaż wypełniony scenami rodzajowymi, co pozwala na szeroką perspektywę. Być może na tym kończą się podobieństwa: obraz ojca jest pełen dramatycznej intensywności, podczas gdy obraz syna to tylko pejzaż. I różnica nie leży w fabule, ale w psychologii: sztuka ojca odzwierciedla jego niespokojnego ducha, podczas gdy charakter syna jest wolny od konfliktów.

Jan van Goyen (1596–1656) Zima nad rzeką. B/g. Drewno, olej. 68x90,5

Badacze zwracają uwagę na charakterystyczną cechę stylu artysty, która przyciąga uwagę przeciętnego widza - horyzont na obrazach artysty jest umieszczony dość nisko, dlatego niebo zajmuje około dwóch trzecich powierzchni płótna. Tłumaczy się to zapewne tym, że stan nieba – czy jest czyste, czy o różnym stopniu zachmurzenia – ma niezwykły wpływ na widzialną barwę dużej przestrzeni wodnej, którą malarz z reguły przedstawiał i zyskał dzięki temu sławę. Choć prezentowana praca nie przedstawia morza, a zimową, skutą lodem rzekę, niebo i tak odgrywa bardzo ważną rolę. W pracach Goyena nigdy nie jest on bezchmurny ani jasnoniebieski, ale zawsze jest pokryty chmurami. Płótna artysty wykonane są w monochromatycznej manierze malarskiej. Zwykle przedstawiane są pochmurne i mgliste dni.

Meindert Gobbema (1638–1709) Młyn wodny. B/g. Dąb, olej. 59,5 x 84,5

W XVII wieku Jacob van Ruisdael wraz z Rembrandtem zdominował holenderskie malarstwo pejzażowe. Spośród amsterdamskich uczniów Ruisdaela Meindert Gobbema (Hobbema) zyskał niemal większą sławę niż nauczyciel.

Meindert Gobbema jest ostatnim z wielkich holenderskich malarzy pejzażystów XVII wieku. Obrazy Gobbemy wyróżniają się prostotą, naturalnością i starannością wykonania. Artystę przyciągają drzewa, gęsty las, widoki na wioski, chłopskie domy z czerwonymi dachami, kościelna dzwonnica zagubiona we mgle na horyzoncie i rozświetlony słońcem śródmieście. Często głównym motywem takich pejzaży jest stary młyn. Wiele wariacji mistrza na ten temat znajduje się w różnych muzeach na całym świecie, jednym z nich jest obraz drezdeński.

W umyśle człowieka, przynajmniej w kulturze europejskiej, z młynem wiąże się wiele idei i idei, które zawsze emocjonalnie zabarwiają nasze postrzeganie go zarówno w rzeczywistości, jak i w sztuce. Tradycyjnie kojarzona jest z nią idea samotności, zabarwiona romantycznymi przeżyciami. Płynąca bez końca woda kojarzy się z ideą niezmienności istnienia, wirujące koło – główny mechanizm młyna – poprzez nawiązanie do „koła fortuny” wprowadza ideę zmienności losu w krąg wygenerowane obrazy.

Anthony van Dyck (1599–1641) Portret rycerza z czerwoną przepaską 1625–1627. Olej na płótnie. 90x70

Jeśli bardzo krótko zdefiniujemy różnicę między sztuką holenderską i flamandzką XVII wieku, możemy powiedzieć, że w pierwszej dominują martwe natury, zwane „blendą”, ze względu na cechy realistyczne i niesamowitą szczegółowość obrazu, sprowadzonego do punktu iluzji, w drugim portrety ceremonialne. Anthony van Dyck to najwybitniejszy przedstawiciel gatunku, mistrz portretów ceremonialnych i tematów religijnych w stylu barokowym.

„Portret rycerza z czerwoną przepaską” to jeden z najlepszych przykładów twórczości Van Dycka. Kompozycyjnie jest pięknie skonstruowana: twarz modelki znajduje się w poziomym centrum obrazu, w jej obrocie wyczuwalna jest energia, siła i odwaga, przyciąga wzrok widza. Tekstura i połysk zbroi rycerza są wspaniale oddane.

Portret powstał w tym okresie życia, kiedy Van Dyck tworzył niezwykle łatwo, szybko i jednocześnie osiągał idealne opracowanie swoich dzieł. Pod koniec życia borykający się z trudnościami finansowymi mistrz był zmuszony pisać zbyt wiele, aby mieć czas na zrobienie tego z pełną artystyczną perfekcją. W latach 1621-1627 mieszkał we Włoszech, spędzając większość czasu w najwyższych kręgach społeczeństwa genueńskiego. Wielu przedstawicieli arystokracji stało się dla niego wzorami. Jednak nadal nie udało się zidentyfikować postaci na tym obrazie. Możliwe nawet, że nie jest to portret prawdziwej osoby, ale jakaś alegoria.

Rembrandt (1606–1669) Portret Saskii van Uylenburch 1633. Dąb, olej. 52,5 x 44,5

Około 1631-1632 Rembrandt przeniósł się na stałe do Amsterdamu. Osiedlił się w jednym z pokoi handlarza dziełami sztuki Hendrika van Uylenburcha, z którym mieszkała już córka jego krewnej, Saskia van Uylenburch. Młodzi ludzie zakochali się w sobie i pobrali dwa lata później. Dziewczyna pochodziła z zamożnej rodziny i tak Rembrandt dostał się do wyższych sfer. Rozpoczął się najszczęśliwszy okres w jego życiu, stał się sławnym i modnym artystą.

Szereg portretów jego żony pochodzi z lat trzydziestych XX wieku. Była ulubioną modelką artysty. Tak więc oprócz prezentowanego obrazu można wymienić „Florę”, na której Rembrandt przedstawił Saskię na krótko przed narodzinami ich syna Tytusa. Saskia była także wzorem dla słynnego „Danae” mistrza.

Rembrandt (1606–1669) Autoportret artysty z żoną Saskią 1635. Olej na płótnie. 161x131

W ciągu swojego życia Rembrandt namalował wiele autoportretów. Obraz drezdeński oddaje radość życia, radość posiadania bliskiej osoby – składniki stanu emocjonalnego malarza tego okresu. Otwarte spojrzenie bohaterów, skierowane na widza (wydaje się, że zapraszają do dzielenia się radością bycia), promienna twarz Rembrandta, jakby osiągnął wszystkie błogosławieństwa życia – taki jest nastrój tego płótno.

Portret zawiera jednak także pewną wyraźną dla ówczesnych widzów prowokację: artysta przedstawia siebie w postaci... syna marnotrawnego ucztującego z kurtyzaną. Warto zauważyć, że w Ewangelii Łukasz wyraźnie mówi: „...roztrwonił swój majątek, żyjąc rozpustnie”. Wręcz przeciwnie, Rembrandt, ożeniwszy się z miłości, wyolbrzymił stan swojej żony i zyskał wyższy status społeczny. Jakże uderzająco różni się ten „syn marnotrawny” od tego, który powrócił do ojca po długich wędrówkach na obrazie w Ermitażu o tym samym tytule!

Jeśli porównanie z bohaterem biblijnym jest dość oczywiste, to inne znaczenie semantyczne obrazu wymaga wyjaśnienia. Nawiązuje się tu do symbolu cnoty umiaru, której przekroczenie sprowadziło smutny koniec syna marnotrawnego. Symbolem tym jest kieliszek wzniesiony w dłoni pana (czyli Rembrandta) – „flet”, jak go wówczas nazywano w języku niderlandzkim – naczynie odmierzone, znak mądrego panowania nad sobą, godło co podkreśla jego nieproporcjonalnie duży rozmiar.

Willem Claes Heda (1593/1594-1680/1682) Śniadanie z ciastem jagodowym 1631. Drewno, olej. 54x82

W XVII wieku w Holandii wielu artystów tworzyło martwe natury, a wśród nich była specjalizacja: jedna przedstawiała kwiaty, druga - naczynia, trzecia - instrumenty muzyczne. Willem Klass Heda malował podobne martwe natury przez kilkadziesiąt lat, przynajmniej pochodzą one zarówno z roku 1631 (reprezentowanego przez „Śniadanie z ciastem jagodowym”), jak i roku 1651. Przez tak długi czas pracy w jednym gatunku artyści osiągnęli imponującą doskonałość w technice renderowanie owoców i warzyw, tekstury tkanin, przedmioty wykonane z metalu i szkła, woda w szklankach. Martwe natury z jedzeniem nazywano „ontbijtjes” (z niderlandzkiego – „śniadanie”).

Zapotrzebowanie na takie martwe natury było bardzo duże. Na początku lat trzydziestych XVII wieku Heda zaczął je pisać, posługując się dość konserwatywnymi kanonami współczesnych mu – Florisa Klee van Dycka i Nicolaesa Gilliesa. Umieszcza również stół ściśle równolegle do płaszczyzny obrazu, czyli tylnej ściany pokoju. Niemniej jednak artysta wniósł pewne ożywienie do kompozycji swoich martwych natur. Zatem jego biały obrus nie zakrywa całego stołu, a jedynie jego część. Unika w ten sposób monotonii tła.

Godne uwagi jest długoterminowe upodobanie Heada do tych samych tematów. Filiżanka, kieliszek, kieliszek, ostrze damasceńskie, zegarek kieszonkowy z otwartą pokrywą i niezwykle wiernie odwzorowanym mechanizmem (artysta w swojej pracy posługiwał się najlepszymi pędzlami) – wszystko to zostało odtworzone z niewątpliwą miłością.

Jan Davids de Heem (1606–1684) Kwiaty w szklanym wazonie i owoce. B/g. Olej na płótnie. 100x75,5

Jan Davids de Heem to holenderski artysta, który przez pewien czas pracował w Lejdzie, jednak w 1635 roku wstąpił do antwerpskiej gildii św. Łukasza, a rok później został obywatelem Antwerpii. Około 1667 powrócił do rodzinnego Utrechtu, lecz w 1672 uciekł z powrotem do Antwerpii przed zdobytymi miastem Francuzami.

De Heem zasłynął dzięki wspaniałym martwym naturom przedstawiającym kwiaty. Są tak starannie wykonane, że dziś mogą z powodzeniem służyć jako swego rodzaju podręcznik o florze europejskiej. Ale przede wszystkim płótna przyciągają walorami artystycznymi, pięknem połączeń roślinnych kolorów i farb, bogactwem palety, złożonością kompozycji, która pozwala wyobrazić sobie jasną (kolorową) gamę kwiatów (rośliny).

W dużej mierze za sprawą Jana Davidsa de Heema martwa natura stała się niezależnym gatunkiem malarstwa w twórczości mistrzów holenderskich i flamandzkich XVII wieku. Martwe natury z tego okresu są w dużej mierze alegoryczne. Tak więc oprócz samych kwiatów przedstawiony obraz przedstawia motyla i ślimaka; na innych płótnach są gąsienice i larwy. Mają na myśli nie tylko cykl ziemskiego życia człowieka, ale także śmierć i zmartwychwstanie.

Adrian Brouwer (1606–1638) Chłopska bójka podczas gry w karty. B/g. Dąb, olej. 26,5 x 34,5

Adrian Brouwer, uczeń Fransa Halsa, był jednym z najoryginalniejszych twórców sztuki flamandzkiej. Żył krótko – miał zaledwie 32 lata, umierając na dżumę. Artysta malował sceny rodzajowe z życia chłopskiego, tańce ludowe, grę w karty, palaczy, ćmy jastrzębie i walki. Szczególnie interesowały go uczucia, mimika i mimika bohaterów. Obrazy Brouwera wyróżniają się żywotnością i pomysłowością projektu. Niektóre jego obrazy mogą przywoływać na myśl karykaturę. Jednak po dokładnym zbadaniu staje się jasne, że jest to jedynie odwzorowanie codziennych sytuacji z dużą dokładnością. W obrazach mistrza nie ma celowego potępienia bohaterów poprzez ośmieszenie. Po prostu pisał o otaczającym go życiu. Malarz nie był doceniany przez współczesnych, zawsze był w wielkiej potrzebie. Kolejne pokolenia przez długi czas postrzegały Brouwera przede wszystkim jako humorystę, choć był on raczej postacią tragiczną.

Kłótnia przy grze w karty to jeden z ulubionych wątków Brouwera. Akcja rozgrywa się w typowej tawernie z obskurnymi bywalcami i biednym otoczeniem. Aby jednak w ten sposób przedstawić biedę, mistrz musiał oczywiście posiadać bogatą wyobraźnię artystyczną.

Adrian van Ostade (1610–1685) Artysta w pracowni 1663. Olej na drewnie. 38x35,5

Adrian van Ostade to holenderski artysta epoki baroku, przedstawiciel gatunku codziennego. Studiował u Fransa Halsa, później u niego twórczy sposób pozostawał pod silnym wpływem Rembrandta, ale szczególny wpływ miał utalentowany flamandzki malarz gatunkowy Adrian Brouwer. I tak Ostade stał się dla Holendrów pisarzem życia codziennego. Bohaterami jego obrazów są z reguły zwykli ludzie, stąd odpowiadające im wątki: sceny w karczmie (czasem z bójkami), pijani bracia, pijani muzycy (cała galeria: skrzypek, flecista, dudziarz, rozpruwacz ; to nawet zaskakujące, jak wielu zwykłych ludzi mogło grać instrumenty muzyczne, a zwłaszcza na skrzypcach).

Na prezentowanym płótnie fabuła jest przyzwoita. Niektórzy uważają, że jest to autoportret malarza. Tak czy inaczej, widok pracowni i bezinteresownie w niej pracującego artysty budzi dobre emocje: przestronne pomieszczenie, zalane światłem z pięknie zakratowanego okna, nieporządek, który można uznać za twórczy... Wszystko odbywa się w ciepłe, harmonijne kolory. Jednym słowem obraz tworzy romantyczny nastrój, przywołuje smutek za dawnymi czasami i stan całkowitego zanurzenia się w twórczości.

Gerard Terborch (1617–1681) Kobieta myjąca ręce. Około 1655 r. Olej na drewnie. 53x45

Gerarda Terborcha – wybitny mistrz malarstwo rodzajowe szkoły holenderskiej XVII wieku. Na początku swojej kariery malował głównie sceny z życia chłopskiego i żołnierzy, a od końca lat czterdziestych XVII wieku zaczął specjalizować się w scenach wnętrzarskich z niewielką liczbą postaci – z reguły były to pary, kobiety czytające, piszące i grające muzykę . Możliwe, że przedstawiona na zdjęciu dama jest siostrą artysty.

Artysta żył w biedzie, co tłumaczy fakt, że wzorował się na wąskim kręgu bliskich osób, zwłaszcza swojej siostrze Gezinie. Najprawdopodobniej to ona jest przedstawiona na obrazie „Kobieta myjąca ręce”.

Zwykle tego rodzaju fabuła jest interpretowana przez badaczy jako alegoria rozwiązłego życia, jednak w tym przypadku treść dzieła prawdopodobnie reprezentuje alegorię cnoty. Jej symbolami są zaciągnięte zasłony łoża (w wielu innych obrazach są one rozsuwane), dama myjąca ręce (od czasu procesu Chrystusa przez Poncjusza Piłata gest ten symbolizuje niechęć do uczestniczenia w czymś nagannym), brak biżuterii na stole (w innych podobnych scenach w tym samym Terborchu takie dekoracje „odczytuje się” jako zapłatę za miłosne przyjemności) i wreszcie psa, chroniącego spokój ducha właściciela. Najwyraźniej ilustrację znaczenia symbolu zwierzęcia można zobaczyć na obrazie Jana van Eycka „Portret pary Arnolfini”, przechowywanym w National Gallery w Londynie (patrz tom 11 kolekcji „Wielkie Muzea Świata”).

Z malowniczego punktu widzenia Terborch w tym dziele dał się poznać jako niedościgniony mistrz oddania materii, zwłaszcza białej satyny (strój dziewczynki) i wielobarwnego obrusu.

David Teniers Młodszy (1610–1690) Uroczystość wiejska w tawernie Crescent. Fragment 1641. Olej na płótnie. 93x132

David Teniers Młodszy (Młodszy, bo nosił to samo imię co jego ojciec, David Teniers Starszy) przerósł swojego rodzica i, jak się uważa, nauczyciela. Najlepsze obrazy artysty powstały w latach czterdziestych XVII wieku, kiedy został nadwornym malarzem arcyksięcia Leopolda Wilhelma austriackiego. Teniers zebrał dla władcy kolekcję dzieł sztuki i został jej kustoszem. W tym statusie Teniers pokazał się bardzo wyraźnie: nie tylko sporządził katalog kolekcji, ale także wykonał małe kopie wielu obrazów, w tym cennych obrazów mistrzów szkoła wenecka Renesans. Przypisuje się mu ponad 2000 własnych dzieł, choć oczywiście nie był tak płodny. W Galerii Drezdeńskiej prezentowanych jest dziewięć prac artysty.

Znaczącą część spuścizny Teniersa stanowią liczne dzieła przedstawiające sceny z życia zwykłych ludzi. Prezentowany obraz jest typowym przykładem popularnego w sztuce holenderskiej gatunku kermes - wiejskiego festiwalu z niezbędnym małym zespołem muzycznym, wesołymi tańcami mieszkańców wioski i zabawnymi scenami życia codziennego. Victor Hugo w „Notre Dame de Paris” tak pisze o Teniersie: „Orgia nabierała coraz bardziej flamandzkiego charakteru. Pędzel samego Teniersa mógł dać o tym jedynie mgliste pojęcie.

Wermeer z Delft (1632–1675) U alfonsa 1656. Olej na płótnie. 143x130

Jan Wermeer z Delft to największy mistrz holenderskiego malarstwa gatunkowego i pejzażowego.

Obraz „U alfonsa” to jedno z wielu dzieł artysty z gatunku scen codziennych. Jak prawie zawsze w sztuce małych Holendrów, scena ta ma znaczenie alegoryczne. W tym przypadku, podobnie jak w autoportrecie Rembrandta z Saskią, fabuła nawiązuje do ewangelicznej przypowieści o synu marnotrawnym. W twórczości Vermeera szczery epizod jest przedstawiony w burdelu ze wszystkimi atrybutami zdeprawowanego życia: monetą, którą dżentelmen oferuje kobiecie (zapłata za sprzedaż miłości), kieliszkami wina w rękach kobiety i dżentelmena na po lewej szyja, prawdopodobnie lutnia, co wprowadza aluzję do muzyki w wydźwięk treści semantycznej obrazu, silnie kojarzonej z miłością. Artysta za pomocą malarstwa przekazuje treść mise-en-scène, która przedstawia widzowi, można by rzec, scenę teatralną z żywymi i wyraźnymi dialogami. Pan po lewej stronie, zwracając wzrok na widza, zdaje się zapraszać go do wzięcia udziału w uczcie.

Wermeer z Delft (1632–1675) Dziewczyna czytająca list przy otwartym oknie 1657. Olej na płótnie. 83x64,5

Motyw litery często pojawia się na obrazach Vermeera i zawsze ucieleśnia się w obrazie bohaterki czytającej wiadomość od oddalonego od niej kochanka.

Warto zauważyć, że na prezentowanym płótnie artysta planował przedstawić kupidyna z literą. Świadczą o tym badania pracy w promieniach rentgenowskich, które ujawniły wzór kupidyna. Tym samym nie ulega wątpliwości symboliczne znaczenie całej sceny. Badacz Norbert Schneider dostrzegł nawet w martwej naturze i pogniecionym obrusie na stole symbole złamanych ślubów wierności małżeńskiej i romansów pozamałżeńskich. Jabłka i brzoskwinie są aluzją do biblijnej historii upadku.

Jacob van Ruisdael (1628–1682) Cmentarz żydowski 1655–1660. Drewno, olej.84x95

Niemal w tym samym czasie co Rembrandt działał inny niezwykły Holender – Jacob van Ruisdael – największy mistrz krajobrazu, którego dzieła wyróżniają się nie tylko wysokim kunsztem, ale także głęboką treścią filozoficzną.

Pejzaże mistrza są pełne dramatyzmu i refleksji filozoficznych. To właśnie te cechy twórcze ujawniły się z wyjątkową siłą w najbardziej złożonym i tragicznym dziele „Cmentarz żydowski”. Opiera się na obrazie jednego z narożników prawdziwego starożytnego cmentarza żydowskiego znajdującego się w pobliżu Amsterdamu. W tle ruiny starej synagogi, która działała do 1675 roku i została zniszczona przez uderzenie pioruna. Z przodu znajduje się kilka marmurowych nagrobków, jeden z nich należy do byłego osobistego lekarza króla Francji Henryka IV, drugi do głównego rabina Amsterdamu, a trzeci do jakiegoś zamożnego obywatela.

Obraz utrzymany jest w ciemnoniebiesko-zielonych odcieniach; tło tworzy burzliwe niebo ze złowieszczymi, nisko wiszącymi chmurami. Ciężka cisza cmentarna jest trafnie oddana, wielowiekowy smutek przenika każdy zakątek. Istnieje poczucie nieuchronności śmierci, krótkotrwałości i daremności ziemskiej egzystencji. Wolfgang Goethe nazwał Ruisdaela poetą i myślicielem. Efemeryczność życia ludzkiego podkreśla bujność roślinności, potężne drzewa i wieczność natury...

Za życia artysty obraz nosił tytuł „Alegoria życia ludzkiego”. Na uwagę zasługuje wybór tematu: dlaczego autor, aby wyrazić swój światopogląd, przedstawił cmentarz żydowski, a nie bliższy cmentarz protestancki? Dlaczego artysta poświęcił tak wyjątkową uwagę właśnie temu dziełu? Oprócz licznych szkiców przygotowawczych Ruisdael wykonał dwie ukończone wersje dzieła: Drezdeńską (1650–1653) i Detroit (1660). Artysta nie pozostawił na ten temat żadnych wyjaśnień.

Wydaje się, że filozoficzna treść obrazu „Cmentarz żydowski” została zainspirowana lekturą Mistrza Kaznodziei. Książka ta wywarła na nim bardzo silne wrażenie. Z lekturą Starego Testamentu kojarzy się obraz strumienia płynącego niczym wrzący strumień pomiędzy kamieniami. W Księdze proroka Izajasza czytamy: „Woda, zwłaszcza „żywa” płynąca wiosną, symbolizuje życie i szczęście”.

Gabriel Metsu (1629–1667) Game Trader 1662. Dąb, olej. 61x45

Gabriel Metsu, holenderski artysta i rysownik, malował tematy religijne i mitologiczne, martwe natury i portrety. W latach sześćdziesiątych XVII wieku talent Metsu najpełniej objawił się w dziedzinie gatunku codziennego, który w pewnym stopniu odzwierciedlał wpływ Steena, Terborcha, de Hoocha i Vermeera.

Metsyu jawi się jako dojrzały mistrz, skłonny do narracji fabularnej oraz intymnego i lirycznego ujawnienia tematu, pewnie władający techniką malowania w ciepłej tonalności z mocnymi dźwięcznymi kontrastami plam barwnych i pozornie namacalną materialnością w przedstawieniu tkanin, futer, naczyń, i drogie przedmioty. Jego przytulne wnętrza zazwyczaj wypełniają dwie lub trzy postacie.

W jednej ze swoich nielicznych prac przedstawiających życie zwykłych ludzi Metsu odtworzył róg ulicy. Stary człowiek, handlarz dziczyzną, siedzi pod ścianą z popękanym tynkiem, ma podarte ubranie, jego wygląd jest żałosny. Chcąc podkreślić wrażenie biedy, obok przechodzi bogato ubrana kobieta, której starzec ofiarowuje swoje dobra. Zbudowany na kontrastach społecznych obraz, mający na celu głęboki wgląd w życie, zawiera jednak jedynie proste zestawienie faktów. Widz nie jest poruszony trwającym wydarzeniem, sam artysta jest wobec niego zimny, patrząc na biednego starca oczami bogacza. Metsya jest niezwykła w odczuwaniu niesprawiedliwości społecznej i tragedii życia.

ROZDZIAŁ 6 Sztuka wojskowa. Sztuka operacyjna DOMINACJA POWIETRZNA to zdecydowana przewaga lotnictwa jednej ze stron w przestrzeni powietrznej teatru działań, ważnego obszaru operacyjnego lub określonego obszaru. Umożliwia Siłom Powietrznym i Siłom Lądowym

Z książki Wszystkie kraje świata autor Varlamova Tatiana Konstantinowna

Holandia Królestwo Niderlandów Data powstania niepodległego państwa: 1609 Powierzchnia: 41,5 tys. m2. kmPodział administracyjny: 12 prowincjiStolica: AmsterdamJęzyk urzędowy: holenderskiWaluta: euroPopulacja: 16,3 mln (2004)Gęstość

Z książki Notatka dla obywateli ZSRR podróżujących za granicę autor Autor nieznany

Królestwo Niderlandów Wydział Konsularny Ambasady: Haga, Andries Bikerwech, 2, tel. 070-45-13-00, 070-45-13-01, teleks

Z książki Za granicą autor Chuprinin Siergiej Iwanowicz

PISARZY HOLANDII ALLA AVILOVAAvilova Alla urodziła się w 1948 roku w Moskwie. Absolwent Wydziału Filologicznego Uniwersytetu Moskiewskiego. Pracowała w wydawnictwie „Znanie” i w APN. W 1979 przeniosła się do Holandii na pobyt stały, mieszka w Amsterdamie, współpracuje z tygodnikiem „Coorddanser”, który informuje o wykładach

Z książki Encyklopedia prawnika autorstwa autora

Holandia (Królestwo Niderlandów) HOLANDIA (Królestwo Niderlandów) to państwo w Europa Zachodnia; N. jest właścicielem kilku wysp Antyli. Ze względu na formę rządu N. jest państwem unitarnym. Kraj podzielony jest na 12 prowincji. Na prowincji są

Z książki Geografia filatelistyczna. Zagraniczne kraje Europy. autor Władyniec Nikołaj Iwanowicz

HOLANDIA (Królestwo Niderlandów) Nederland. Stan Koninkrijktier Nederlanden na północy. Zachodnie wybrzeże Europa. Terr. 36,6 tys. mkw. km.Us. Głównie 13,9 miliona (1978). Holenderski. Stolicą jest Amsterdam. Siedziba rządu i parlamentu znajduje się w Hadze. Państwo język - holenderski. - konstytucyjny.

Z książki Literatura zagraniczna XX wieku. Książka 2 autor Nowikow Władimir Iwanowicz

Powieść Drogi Flandrii (Les Routes des Flandres) (1960) Autor po raz pierwszy przedstawia nam bohaterów powieści w przededniu ich udziału we francuskich oddziałach walczących z faszystowskimi zdobywcami w

Z książki Drezdeńska Galeria Sztuki autor Maykapar A.

Malarstwo Holandii Joachima Patinira. Wieża Charona. 1520–1524 Rogier van der Weyden (ok. 1400–1464) Zejście z krzyża. Około 1435 r. Olej na drewnie. 220x262 Starając się zrozumieć możliwość artystycznego odzwierciedlenia wewnętrznego świata człowieka, Vaden stał się uznanym mistrzem

Z książki autora

Malarstwo Flandrii Petera Paula Rubensa. Trzy Gracje. 1630–1635 Jan Brueghel Starszy (Aksamit) (1568–1625) Alegoria wzroku 1617. Olej na płótnie. 65x109 flamandzki malarz i rytownik Jan Brueghel należy do dynastii artystów, której założycielem był jego ojciec Pieter Bruegel

Z książki autora

Sztuka Holandii, Holandii i Flandrii Frans Hals. Portret mężczyzny. Około 1635 r. Jan Van Eyck (1390–1441) W świątyni intronizowana jest Matka Boska z Dzieciątkiem. Tryptyk 1437. Deska dębowa, olej. Część środkowa ma wymiary 27,5 x 21,5, boki 27,5 x 8. Ten mały kawałek jest autentyczny