Vivaldi to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli epoki baroku. Antonio Vivaldi: biografia, ciekawostki, kreatywność. Z biografii Antonio Vivaldiego

03.11.2019

Unikalny styl Vivaldiego zrewolucjonizował Europejczyka muzyczny świat początek XVIII wieku. Twórczość Vivaldiego jest kwintesencją wszystkiego, co najlepsze, co sztuka włoska osiągnęła na początku XVIII wieku. Ten genialny Włoch sprawił, że w całej Europie zaczęto mówić o „wspaniałej włoskiej muzyce”.

Już za życia zyskał uznanie w Europie jako kompozytor i wirtuoz skrzypiec, który ustanowił nowy, udramatyzowany, tzw. „lombardzki” styl wykonawczy. Znany jako kompozytor potrafiący w pięć dni stworzyć operę składającą się z trzech aktów i skomponować wiele wariacji na jeden temat. Jest autorem 40 oper, oratoriów i ponad 500 koncertów. Twórczość Vivaldiego wywarła ogromny wpływ nie tylko na współczesnych kompozytorów włoskich, ale także na muzyków innych narodowości, przede wszystkim niemieckiej. Szczególnie interesujące jest tutaj prześledzenie wpływu muzyki Vivaldiego na twórczość I.S. Kawaler.

Vivaldi pisał muzykę w stylu barokowym. Słowo „barok” przetłumaczone z języka włoskiego brzmi dziwnie, dziwacznie. Era baroku ma swoje własne granice czasowe - XVII wiek i pierwszą połowę XVIII wieku (1600-1750). Styl barokowy wpłynął nie tylko na ówczesną modę, zdominował całą sztukę: architekturę, malarstwo i oczywiście muzykę. Sztuka baroku ma charakter namiętny: przepych, jasność i emocjonalność.
Vivaldi wszedł do historii muzyki jako twórca gatunku koncertów instrumentalnych. Tradycyjną, trzyczęściową formę nadał mu Vivaldi. Z trzech koncertów stworzył także dzieło o większej formie, nawiązującej do współczesnej symfonii. Jednym z pierwszych dzieł tego typu było dzieło „Pory roku”, napisane około 1725 roku. Prawdziwie nowatorski w koncepcji cykl „Pory roku” znacznie wyprzedził swoją epokę, wyprzedzając poszukiwania w dziedzinie muzyki programowej kompozytorów romantycznych XIX wieku.

***
Antonio Vivaldi urodził się 4 marca 1678 roku w Wenecji. Jego ojciec Giovanni Battista (nazywany „Rudym” ze względu na ognisty kolor włosów), syn piekarza z Brescii, przeniósł się do Wenecji około 1670 roku. Tam przez jakiś czas pracował jako piekarz, a następnie opanował zawód fryzjera. W wolnym czasie od pracy na chleb Giovanni Battista grał na skrzypcach. I okazał się tak utalentowanym muzykiem, że w 1685 roku słynny Giovanni Legrenzi, dyrygent katedry św. Marka, przyjął go do swojej orkiestry.

Dom Vivaldiego w Wenecji

Pierwszy i najsłynniejszy z sześciorga dzieci Giovanniego Battisty Vivaldiego i Camilli Calicchio, Antonio Lucio, urodził się przedwcześnie w wyniku nagłego trzęsienia ziemi. Rodzice chłopca uznali narodziny nowego życia w tak dziwnych okolicznościach za znak z góry i zdecydowali, że Antonio powinien zostać księdzem.

Od urodzenia Antonio cierpiał na poważną chorobę - ucisk w klatce piersiowej, przez całe życie dręczyła go astma, cierpiał na ataki astmy, nie mógł wchodzić po schodach ani chodzić. Ale niepełnosprawność fizyczna nie mogła wpłynąć na wewnętrzny świat chłopca: jego wyobraźnia naprawdę nie znała barier, jego życie było nie mniej jasne i kolorowe niż życie innych, po prostu żył muzyką.

Kiedy przyszły wielki kompozytor miał 15 lat, ogolono mu tonsurę (symbol korony cierniowej), a 23 marca 1703 roku dwudziestopięcioletni Antonio Vivaldi przyjął święcenia kapłańskie. Nie odczuwał jednak szczerej chęci bycia księdzem. Któregoś razu podczas uroczystej mszy „rudowłosy ksiądz” nie mógł doczekać się końca nabożeństwa i odszedł od ołtarza, aby w zakrystii przelać na papier to, co przyszło mu do głowy. ciekawy pomysł o nowej fudze. Potem, jakby nic się nie stało, Vivaldi wrócił do „ miejsce pracy" Skończyło się zakazem odprawiania Mszy św., z czego młody Vivaldi prawdopodobnie był bardzo zadowolony.

Po ojcu Antonio odziedziczył nie tylko kolor włosów (dość rzadki wśród Włochów), ale także poważną miłość do muzyki, zwłaszcza gry na skrzypcach. Sam Giovanni Battista udzielił synowi pierwszych lekcji i sprowadził go na swoje miejsce w orkiestrze katedry św. Marka. Antonio studiował kompozycję i nauczył się grać na klawesynie i flecie.

Wśród wielu pałaców i kościołów zdobiących Wenecję znajdował się skromny klasztor – przytułek dla dziewcząt „Ospedale della Pietà” (dosłownie „szpital współczucia”), w którym we wrześniu 1703 roku Vivaldi rozpoczął naukę muzyki. Wszyscy melomani w Europie uważali za zaszczyt odwiedzić to miejsce i usłyszeć słynną orkiestrę, złożoną wyłącznie z sierot. Na czele tego „muzycznego cudu” stał opat Antonio Vivaldi, zwany Pretro Rosso – Czerwonym Mnichem, Czerwonym Kapłanem. Przydomek zdradzał pogodne usposobienie i ognisty temperament. A wszystko to pomimo tego, że Maestro Vivaldi przez całe życie był ciężko chory i podczas chodzenia brakowało mu tchu.

W 1705 roku wenecki wydawca Giuseppe Sala opublikował pierwszy zbiór sonat na trzy instrumenty (dwoje skrzypiec i bas) Antonio Vivaldiego. Kolejna „porcja” sonat skrzypcowych Vivaldiego została opublikowana cztery lata później przez Antonio Bortoli. Wkrótce dzieła „rudowłosego księdza” zyskały niezwykłą popularność. W ciągu zaledwie kilku lat Antonio Vivaldi stał się najsłynniejszym kompozytorem skrzypcowym w Europie. Następnie dzieła Vivaldiego ukazywały się w Londynie i Paryżu – ówczesnych ośrodkach wydawniczych Europy.

Antonio Lucio Vivaldiego

Na początku 1718 roku otrzymał zaproszenie do służby w charakterze dyrygenta na dworze w Mantui. Kompozytor przebywał tu do 1720 roku. I tu, w Mantui, Vivaldi poznał śpiewaczkę Annę Giraud, właścicielkę pięknego kontraltu. Początkowo była jego uczennicą, potem główną wykonawczynią jego oper, aż w końcu, ku oburzeniu wszystkich, została jego kochanką.

Mantua

Po powrocie do Wenecji Vivaldi całkowicie poświęcił się działalności teatralnej. Próbował swoich sił zarówno jako autor, jak i impresario. W latach 1720-1730 Vivaldi jest znany w całych Włoszech. Jego sława osiągnęła takie rozmiary, że został nawet zaproszony na koncert przed samym papieżem.

W 1740 roku Vivaldi ostatecznie porzucił pracę w Ospedale della Pietà i udał się do Wiednia, na dwór cesarza Karola VI, swego wieloletniego i potężnego wielbiciela. Ale różowe plany wielkiego kompozytora nie miały się spełnić. Po przybyciu do Wiednia nie zastał już monarchy żywego. Ponadto w tym czasie popularność Vivaldiego zaczęła spadać. Zmieniły się preferencje publiczności, a muzyka barokowa szybko znalazła się na peryferiach mody.

Sześćdziesięciotrzyletni muzyk, który nigdy nie cieszył się dobrym zdrowiem, nie mógł się otrząsnąć po ciosach losu i zapadł na nieznaną chorobę.

Vivaldi zmarł 28 lipca 1741 roku w Wiedniu na skutek „wewnętrznego zapalenia” (jak zapisano w protokole pogrzebowym), w ramionach swojej uczennicy i przyjaciółki Anny Giraud. Pogrzeb był skromny: zabrzmiało tylko kilka dzwonów, a procesja składała się wyłącznie z osób wynajętych do niesienia trumny.

Po jego śmierci muzyczne dziedzictwo Antonio Vivaldiego poszło w zapomnienie na prawie 200 lat. Dopiero w latach dwudziestych XX wieku włoski muzykolog przypadkowo odkrył zbiór rękopisów Vivaldiego. Zawierało 19 oper i ponad 300 utworów instrumentalnych, a także duża liczba dzieła muzyki wokalnej i sakralnej. Od tego momentu rozpoczęło się odrodzenie dawnej świetności tego niegdyś powszechnie znanego kompozytora.

Antonio Vivaldi urodził się 4 marca 1678 roku w Wenecji. Pierwsze lekcje gry na skrzypcach udzielił mu ojciec. Antonio był tak zdolnym uczniem, że w wieku 11 lat mógł zastąpić swojego mentora w kaplicy katedry św. Marka.

Antoni od wczesnej młodości, decydując się poświęcić swoje życie muzyce, chciał jednocześnie zostać duchownym. Święcenia kapłańskie przyjął w 1704 r.

Niestety stan zdrowia Vivaldiego był tak zły, że nie był w stanie odprawić całej Mszy św. Dlatego też zaznano mu pewnej ulgi. Wkrótce Vivaldi porzucił obowiązki kapłańskie, ale nie zrzekł się kapłaństwa.

Początek twórczej podróży

W 1709 roku Vivaldi został przedstawiony monarchie Danii Fryderykowi IV. Kompozytor zadedykował mu 12 sonat napisanych na skrzypce.

W 1712 roku Vivaldi spotkał się z Niemiecki kompozytor, G. Stötzl.

Działalność kompozytorska

Vivaldi zaczynał jako kompozytor operowy. W 1713 roku stworzył 3-aktowe dzieło „Ottone w willi”. Rok później powstała nowa opera „Wyimaginowany szaleniec”. Powstał na podstawie wiersza L. Ariosto „Roland Wściekły”.

Mniej więcej w tym czasie talent kompozytora docenili jego koledzy, krytycy muzyczni i miłośnicy opery. Vivaldi zaczął mieć coraz więcej uczniów. Czas wolny od nauczania poświęcał komponowaniu nowych dzieł muzycznych. Kompozytor aktywnie współpracował także z teatrem, skąd regularnie otrzymywał dużą liczbę zamówień.

Z biegiem czasu nazwisko muzyka stało się znane poza Wenecją. W 1718 roku we Florencji wystawiono jego operę „Skanderberg”.

W tym samym roku kompozytor przyjął zaproszenie księcia F. Hesse-Darmstadt i przenosząc się do Mantui został kapelmistrzem na jego dworze.

Tam muzyk poznał A. Girauda. Została uczennicą wielkiego kompozytora, który odegrał znaczącą rolę w jej rozwoju jako śpiewaczki operowej.

Studiując biografię A. Vivaldiego, powinieneś wiedzieć najważniejszą rzecz. W 1725 roku ukazał się cykl jego dzieł zatytułowany „Sztuka harmonii i inwencji”. Wśród nich znalazły się koncerty „Pory roku”. Twórczość tego okresu jest pełna dramatyzmu. Wiele dzieł zawiera nuty uroczyste i ponure.

Największy wkład w rozwój koncertu zespołu orkiestrowego wniósł Vivaldi.

Choroba i śmierć

Podobnie jak wielu kompozytorów, Vivaldi często pilnie potrzebował pieniędzy. W 1740 przybył do Wiednia, aby wystawiać swoje opery. Jednak w obliczu pogłębiającego się kryzysu politycznego muzyk zmuszony był wyjechać do Saksonii.

Kompozytor od dzieciństwa cierpiał na astmę oskrzelową, a ten wymuszony ruch odbił się niekorzystnie na jego zdrowiu.

Rok później wrócił do Austrii, ale publiczność szybko zapomniała o swoim niedawnym ulubieńcu. W lipcu 1741 roku zmarł wielki kompozytor. Został pochowany na cmentarzu dla ubogich.

Inne opcje biografii

Vivaldi urodził się w wieku siedmiu miesięcy. Według niektórych doniesień noworodek był tak wątły i chorowity, że natychmiast został ochrzczony.
Vivaldi nigdy się nie ożenił. Jednak ze względu na ciepłe, wciąż platoniczne relacje z A. Giraudem, kompozytor był niejednokrotnie krytykowany przez wysoce duchowieństwo.

Wynik biografii

Nowa funkcja!

Średnia ocena, jaką otrzymała ta biografia. Pokaż ocenę

Wstęp

1.1.

1.2.Rozdział I. Rola A. Vivaldiego w rozwoju koncertu skrzypcowego w XVIII wieku

Twórczy wkład A. Vivaldiego w rozwój koncertu instrumentalnego

Rozdział II. Twórcze dziedzictwo A. Vivaldiego. Analiza najsłynniejszych dzieł kompozytora

1 „Pory roku”

2 Koncert skrzypcowy „a-moll”

Wniosek

Bibliografia

Wstęp

Te cechy osobowości w pełni odzwierciedlają się w sztuce Vivaldiego, która przepełniona bogactwem artystycznej wyobraźni i siłą temperamentu nie traci na przestrzeni wieków swojej żywotności. Jeśli niektórzy z jego współczesnych widzieli frywolność w wyglądzie i działaniu Vivaldiego, to w jego muzyce zawsze budzi się myśl twórcza, dynamika nie słabnie, a plastyczność formy nie zostaje zakłócona. Sztuka Vivaldiego to przede wszystkim sztuka hojna, zrodzona z samego życia, chłonąca jego zdrowe soki. Nie było i nie mogło być w nim niczego naciąganego, odbiegającego od rzeczywistości i niesprawdzonego w praktyce. Kompozytor doskonale znał naturę swojego instrumentu.

Cel zajęć: poznanie interpretacji gatunku koncertu instrumentalnego w twórczości Antonia Vivaldiego.

Cele pracy na tym kursie:

.Studiuj literaturę na zadany temat;

2.Rozważmy A. Vivaldiego jako przedstawiciela włoskiej szkoły skrzypcowej;

3.Przeanalizuj najsłynniejsze dzieła kompozytora.

Ta praca kursowa jest aktualna dzisiaj, ponieważ twórczość kompozytora A. Vivaldiego jest interesująca dla jego współczesnych, jego dzieła wykonywane są w salach koncertowych całego świata.

Rozdział I. Rola A. Vivaldiego w rozwoju koncertu skrzypcowego w XVIII wieku

1.1.Włoska szkoła gry na skrzypcach a rozwój gatunków muzyki instrumentalnej i skrzypcowej

Wczesny rozkwit włoskiej sztuki skrzypcowej miał swoje przyczyny społeczne i kulturowe, zakorzenione w rozwoju społeczno-gospodarczym kraju. Ze względu na specjalne uwarunkowania historyczne we Włoszech wcześniej niż w innych krajach Europy, stosunki feudalne zostały wyparte przez burżuazję, która w tamtych czasach była bardziej postępowa. W kraju, który F. Engels nazwał „pierwszym narodem kapitalistycznym”, najwcześniej zaczęły kształtować się narodowe cechy kultury i sztuki.

Renesans rozkwitł aktywnie na ziemi włoskiej. Doprowadziło to do powstania genialne kreacje Włoscy pisarze, artyści, architekci. Włochy dały światu pierwszą operę, rozwinęła się sztuka skrzypcowa, pojawienie się nowych postępowych gatunków muzycznych, wyjątkowe osiągnięcia lutników, którzy stworzyli niezrównane klasyczne projekty instrumenty smyczkowe (Amati, Stradivarius, Guarneri).

Założycielami włoskiej szkoły lutników byli Andrea Amati i Gasparo da Salo i większość wybitni mistrzowie w okresie świetności szkoły (od połowy XVII do połowy XVIII w.) – Niccolò Amati i jego dwaj uczniowie, Antonio Stradivari i Giuseppe Guarneri del Gesù.

Uważa się, że Antonio Stradivari urodził się w roku 1644, chociaż nie jest znana jego dokładna data urodzenia. Urodził się we Włoszech. Przypuszcza się, że w latach 1667-1679 był wolnym uczniem Amati, tj. chrząknięcie zadziałało.

Młody człowiek pilnie udoskonalał twórczość Amati, osiągając melodyjność i elastyczność głosów w swoich instrumentach, zmieniając ich kształt na bardziej zakrzywiony oraz ozdabiając instrumenty.

Ewolucja Stradivariusa pokazuje stopniowe uwalnianie się spod wpływu nauczyciela i chęć stworzenia nowego typu skrzypiec, wyróżniającego się bogactwem barw i potężnym dźwiękiem. Jednak okres twórczych poszukiwań Stradivariego w poszukiwaniu własnego modelu trwał ponad 30 lat: jego instrumenty osiągnęły doskonałość formy i brzmienia dopiero na początku XVIII wieku.

Powszechnie przyjmuje się, że jego najlepsze instrumenty powstały w latach 1698–1725, przewyższając jakością instrumenty wykonane później w latach 1725–1730. Do słynnych skrzypiec Stradivariusa należą Betts, Viotti, Alard i Messiah.

Oprócz skrzypiec Stradivarius produkował także gitary, altówki, wiolonczele i co najmniej jedną harfę – według aktualnych szacunków łącznie ponad 1100 instrumentów.

Wielki mistrz zmarł w wieku 93 lat 18 grudnia 1837 roku. Jego narzędzia pracy, rysunki, rysunki, modele i część skrzypiec trafiły do kolekcji słynnego XVIII-wiecznego kolekcjonera hrabiego Cosio di Salabue. Obecnie kolekcja ta znajduje się w Muzeum Stradivariusa w Cremonie.

Zmiany sytuacji historycznej, potrzeb społecznych i kulturalnych, spontaniczne procesy rozwojowe sztuka muzyczna, estetyka – wszystko to przyczyniło się do zmiany stylów, gatunków i form twórczość muzyczna i sztuki performatywne, czasami prowadziły do pstrokatego obrazu współistnienia różnych stylów wspólna ścieżka rozwój sztuki od renesansu do baroku, a następnie do stylów przedklasycyzmu i wczesnoklasycyzmu XVIII wieku.

Sztuka skrzypcowa odegrała znaczącą rolę w rozwoju włoskiej kultury muzycznej. Wiodąca rola włoskich muzyków w wczesne kwitnienie twórczość skrzypcowa jako jedno z czołowych zjawisk muzyki europejskiej. Przekonującym dowodem są osiągnięcia włoskich skrzypków i kompozytorów XVII-XVIII wieku, którzy przewodzili włoskiej szkole skrzypcowej - Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldiego i Giuseppe Tartiniego, których twórczość zachowała duże znaczenie artystyczne.

Arcangelo Corelli urodził się 17 lutego 1653 roku w Fusignano koło Bolonii w rodzinie inteligentnej. Jego talent muzyczny ujawnił się wcześnie i rozwinął się pod bezpośrednim wpływem szkoły bolońskiej: młody Corelli grę na skrzypcach doskonalił w Bolonii pod okiem Giovanniego Benvenutiego. Jego sukcesy zadziwiły otoczenie i spotkały się z dużym uznaniem specjalistów: w wieku 17 lat Corelli został wybrany na członka Akademii Filharmonii w Bolonii. Nie pozostał jednak długo w Bolonii i na początku lat 70. XVII w. przeniósł się do Rzymu, gdzie spędził wówczas całe życie. W Rzymie młody muzyk uzupełniał swoją edukację studiując kontrapunkt pod okiem doświadczonego organisty, śpiewaka i kompozytora Matteo Simonelliego z Kaplicy Papieskiej. Działalność muzyczna Corelliego rozpoczęła się najpierw w kościele (skrzypek w kaplicy), następnie w Operze Capranica (kapellmeister). Tutaj wyróżnił się nie tylko jako wspaniały skrzypek, ale także lider zespołów instrumentalnych. Od 1681 r. Corelli zaczął publikować swoje dzieła: przed 1694 r. ukazały się cztery zbiory jego sonat triowych, co przyniosło mu szeroką sławę. Od 1687 do 1690 był kierownikiem kaplicy kardynała B. Panfili, a następnie został kierownikiem kaplicy kardynała P. Ottoboniego i organizatorem koncertów w jego pałacu.

Oznacza to, że Corelli komunikował się z dużym kręgiem koneserów sztuki, oświeconych miłośników sztuki i wybitnych muzyków swoich czasów. Bogaty i błyskotliwy filantrop, pasjonat sztuki, Ottoboni był gospodarzem wykonania oratoriów i koncertów „akademickich”, w których uczestniczyła liczna publiczność. Młody Handel, Alessandro Scarlatti i jego syn Domenico oraz wielu innych włoskich i zagranicznych muzyków, artystów, poetów i naukowców odwiedziło jego dom. Pierwszy zbiór sonat tria Corelli poświęcony jest Krystynie Szwedzkiej, królowej bez tronu, która mieszkała w Rzymie. Sugeruje to, że Corelli brała taki czy inny udział w festiwalach muzycznych organizowanych w pałacu, który zajmowała lub pod jej patronatem.

W przeciwieństwie do większości włoskich muzyków swoich czasów, Corelli nie pisał oper (choć był kojarzony z opera) oraz kompozycje wokalne dla kościoła. Jako kompozytor-wykonawca całkowicie zanurzył się jedynie w muzyce instrumentalnej i kilku jej gatunkach kojarzonych z wiodącym udziałem skrzypiec. W 1700 roku ukazał się zbiór jego sonat na skrzypce z towarzyszeniem. Od 1710 roku Corelli przestał występować na koncertach; dwa lata później przeniósł się z pałacu Ottoboni do własnego mieszkania.

Przez wiele lat Corelli uczył studentów. Do jego uczniów zaliczają się kompozytorzy i wykonawcy Pietro Locatelli, Francesco Geminiani i J.B. Somis. Pozostawił po sobie dużą kolekcję obrazów, wśród których znalazły się obrazy mistrzów włoskich, pejzaże Poussina i jeden obraz Bruegla, niezwykle ceniony przez kompozytora i wspomniany w jego testamencie. Corelli zmarł w Rzymie 8 stycznia 1713 roku. 12 jego koncertów ukazało się pośmiertnie, w 1714 r.

Sztuka Corelliego swoimi korzeniami sięga do tradycji XVII wieku, nie zrywając z polifonią, opanowując dziedzictwo suity tanecznej, rozwijając się dalej środki wyrazu a tym samym technikę jego instrumentu. Twórczość kompozytorów bolońskich, zwłaszcza oparta na wzorach trio sonatowych, zyskała już znaczący wpływ nie tylko we Włoszech: jak wiadomo, urzekła Purcella w jego czasach. Corelli, twórca rzymskiej szkoły sztuki skrzypcowej, zdobył prawdziwie światową sławę. W pierwszych dekadach XVIII w. jego nazwisko uosabiało w oczach współczesnych mu Francuzów czy Niemców największe sukcesy i w ogóle specyfikę włoskiej muzyki instrumentalnej. Sztuka skrzypcowa XVIII wieku rozwinęła się od Corelliego, reprezentowanego przez takich luminarzy jak Vivaldi i Tartini, a także całą plejadę innych wybitnych mistrzów.

Twórczość Corelliego w tamtym czasie nie była tak wielka: 48 sonat trio, 12 sonat na skrzypce z akompaniamentem i 12 „wielkich koncertów”. Współczesny Corelli kompozytorzy włoscy z reguły były znacznie bardziej płodne, tworząc dziesiątki oper, setki kantat, nie mówiąc już o ogromnej liczbie dzieł instrumentalnych. Sądząc po samej muzyce Corelliego, jest to mało prawdopodobne praca twórcza było dla niego trudne. Będąc najwyraźniej na tym głęboko skupiony, nie rozbiegając się na boki, dokładnie przemyślał wszystkie swoje plany i wcale nie spieszył się z publikacją gotowych dzieł. W jego wczesnych pracach nie ma śladów oczywistej niedojrzałości, podobnie jak w twórczości późniejszej nie widać oznak stabilizacji twórczej. Całkiem możliwe, że to, co ukazało się w 1681 r., powstało na przestrzeni kilku lat poprzednich, a koncerty wydane w 1714 r. rozpoczęły się na długo przed śmiercią kompozytora.

2 A. Twórczy wkład A. Vivaldiego w rozwój koncertu instrumentalnego

Wybitny skrzypek i kompozytor Antonio Vivaldi (1678-1741) to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli włoskiej sztuki skrzypcowej XVIII wieku. Jego znaczenie, zwłaszcza w powstaniu solowego koncertu skrzypcowego, wykracza daleko poza granice Włoch.

A. Vivaldi urodził się w Wenecji, w rodzinie znakomitego skrzypka i pedagoga, członka kaplicy katedry San Marco Giovanni Battista Vivaldi. Od najmłodszych lat ojciec uczył go gry na skrzypcach i zabierał na próby. Od 10 roku życia chłopiec zaczął zastępować ojca, który również pracował w jednej z miejskich oranżerii.

Młodym skrzypkiem zainteresował się kierownik chóru G. Legrenzi, który uczył się u niego gry na organach i kompozycji. Vivaldi uczestniczył w domowych koncertach Legrenziego, na których można było usłyszeć nowe dzieła samego właściciela, jego uczniów – Antonio Lottiego, wiolonczelisty Antonio Caldary, organisty Carlo Polarolli i innych. Niestety Legrenzi zmarł w 1790 roku i studia zakończono.

W tym czasie Vivaldi zaczął już komponować muzykę. Jego pierwszą pracą, która do nas dotarła, jest praca duchowa, pochodzący z 1791 r. Ojciec uznał, że najlepiej będzie zapewnić synowi edukację duchową, gdyż jego stopień i ślub celibatu dały Vivaldiemu prawo do nauczania w konserwatorium żeńskim. W ten sposób rozpoczęła się formacja duchowa w seminarium. W 1693 otrzymał święcenia kapłańskie. To zapewniło mu dostęp do najbardziej szanowanej oranżerii, Ospedale della Piet. à " Jednak święcenia kapłańskie okazały się później przeszkodą w rozwoju ogromnego talentu Vivaldiego. Po obocie Vivaldi awansował po szczeblach duchowieństwa i ostatecznie w 1703 roku otrzymał święcenia kapłańskie na ostatni niższy stopień – księdza, co dało mu prawo do samodzielnej posługi – mszy.

Ojciec w pełni przygotował Vivaldiego do nauczania, sam zrobił to w Konserwatorium „Żebraków”. Głównym przedmiotem zajęć w konserwatorium była muzyka. Dziewczęta uczyły się śpiewać, grać na różnych instrumentach i dyrygować. Konserwatorium posiadało jedną z najlepszych wówczas orkiestr we Włoszech, w której uczestniczyło 140 uczniów. B. Martini, C. Burney i K. Dittersdorf wypowiadali się entuzjastycznie o tej orkiestrze. Wraz z Vivaldim wykładał tu uczeń Corelliego i Lotti, Francesco Gasparini, doświadczony skrzypek i kompozytor, którego opery wystawiano w Wenecji.

W konserwatorium Vivaldi uczył gry na skrzypcach i „altówce angielskiej”. Orkiestra konserwatorium stała się dla niego rodzajem laboratorium, w którym można było realizować swoje plany. Już w 1705 roku ukazało się jego pierwsze dzieło zawierające sonaty trio (sonaty kameralne), w których do dziś odczuwalny jest wpływ Corelliego. Charakterystyczne jest jednak to, że nie widać w nich żadnych oznak terminowania. To są dojrzałe dzieła literackie, urzekający świeżością i pomysłowością muzyki.

Jakby dla podkreślenia hołdu dla geniuszu Corellego, tymi samymi wariacjami na temat Folii kończy XII Sonatę. Już w przyszłym roku ukaże się drugie opus – Concerti Grossi „Harmonic Inspiration”, które ukazało się trzy lata wcześniej niż koncerty Torelliego. To właśnie wśród tych koncertów odbędzie się słynny a-moll nie.

Usługa w oranżerii przebiegła pomyślnie. Vivaldiemu powierzono prowadzenie orkiestry, a następnie chóru. W 1713 roku, w związku z odejściem Gaspariniego, głównym kompozytorem został Vivaldi z obowiązkiem komponowania dwóch koncertów miesięcznie. W konserwatorium pracował niemal do końca życia. Doprowadził orkiestrę konserwatorium do najwyższej doskonałości.

Sława kompozytora Vivaldiego szybko rozprzestrzenia się nie tylko we Włoszech. Jego prace publikowane są w Amsterdamie. W Wenecji poznaje Handla, A. Scarlattiego, jego syna Domenico, który studiuje u Gaspariniego. Vivaldi zasłynął także jako wirtuoz skrzypiec, dla którego nie było trudności niemożliwych. Jego umiejętności były widoczne w improwizowanych rytmach.

Przy jednej z takich okazji osoba obecna na przedstawieniu opery Vivaldiego w teatrze San Angelo wspominała jego występ: „Niemal pod koniec, akompaniując znakomitemu śpiewakowi solowemu, Vivaldi w końcu wykonał fantazję, która naprawdę mnie przeraziła, bo była to coś niesamowite, jakiego nikt nie grał i nie umie grać, bo palcami wspiął się tak wysoko, że nie było już miejsca na smyczek, i to na wszystkich czterech strunach wykonał fugę z niewiarygodną szybkością. W rękopisach zachowały się zapisy dotyczące kilku takich kadencji.

Vivaldi komponował szybko. Publikowane są jego solowe sonaty i koncerty. Dla konserwatorium stworzył swoje pierwsze oratorium „Mojżesz, Bóg faraona” i przygotował swoją pierwszą operę „Ottone in the Villa”, która z sukcesem została wystawiona w 1713 roku w Vicenzy. W ciągu najbliższych trzech lat tworzy trzy kolejne opery. Potem przychodzi przerwa. Vivaldi pisał tak łatwo, że nawet on sam czasami to zauważał, jak w rękopisie opery „Tito Manlio” (1719) - „pracował przez pięć dni”.

W 1716 roku Vivaldi stworzył dla konserwatorium jedno ze swoich najlepszych oratoriów: „Judyta triumfująca, pokonująca Holofernesa wśród barbarzyńców”. Muzyka przyciąga energią i rozmachem, a jednocześnie niesamowitą barwą i poezją. W tym samym roku podczas muzycznych uroczystości z okazji przybycia księcia Saksonii do Wenecji do występu zaproszono dwóch młodych skrzypków – Giuseppe Tartini i Francesco Veracini. Spotkanie z Vivaldim wywarło ogromny wpływ na ich twórczość, zwłaszcza na koncerty i sonaty Tartiniego. Tartini mówił, że Vivaldi był kompozytorem koncertów, ale sądził, że z powołania jest kompozytorem operowym. Tartini miał rację. Opery Vivaldiego są dziś zapomniane.

Działalność pedagogiczna Vivaldiego w konserwatorium stopniowo przynosiła sukcesy. U niego studiowali także inni skrzypkowie: J.B. Somis, Luigi Madonis i Giovanni Verocai, który służył w Petersburgu, Carlo Tessarini, Daniel Gottlob Troy – dyrygent w Pradze. Student konserwatorium Santa Tasca został skrzypkiem koncertowym, a następnie muzykiem dworskim w Wiedniu; Wystąpiła także Hiaretta, u której studiował wybitny włoski skrzypek G. Fedeli.

Ponadto Vivaldi okazał się dobrym nauczycielem śpiewu. Jego uczennica Faustyna Bordoni ze względu na piękno głosu (kontralt) otrzymała przydomek „Nowa Syrena”. Najbardziej znanym uczniem Vivaldiego był Johann Georg Pisendel, koncertmistrz kaplicy drezdeńskiej.

W 1718 roku Vivaldi nieoczekiwanie przyjął zaproszenie do pracy jako kierownik kaplicy landgrafa w Mantui. Tutaj wystawiał swoje opery, organizował liczne koncerty dla kaplicy i dedykował hrabiemu kantatę. W Mantui poznał swoją byłą uczennicę, piosenkarkę Annę Giraud. Podjął się jego opracowania zdolności wokalne, udało mu się to, ale poważnie się tym zainteresował. Giraud stał się sławnym śpiewakiem i śpiewał we wszystkich operach Vivaldiego.

W 1722 roku Vivaldi powrócił do Wenecji. W konserwatorium musi teraz komponować dwa koncerty instrumentalne miesięcznie i prowadzić 3-4 próby z uczniami, aby się ich nauczyć. W razie wyjazdu koncerty musiał wysyłać kurierem.

W tym samym roku stworzył Dwanaście koncertów, na które złożył się op. 8 - „Doświadczenie harmonii i fantazji”, w ramach którego odbędą się słynne „Pory roku” i kilka innych koncertów programowych. Została opublikowana w Amsterdamie w 1725 r. Koncerty szybko rozprzestrzeniły się po całej Europie, a Cztery Pory Roku zyskały ogromną popularność.

W tych latach intensywność twórczości Vivaldiego była wyjątkowa. Tylko na sezon 1726/27 stworzył osiem nowych oper, dziesiątki koncertów i sonat. Od 1735 roku rozpoczęła się owocna współpraca Vivaldiego z Carlo Goldonim, na którego libretto stworzył opery „Griselda”, „Aristide” i wiele innych. Odbiło się to także na muzyce kompozytora, w którego twórczości wyraźniej ujawniają się cechy opery buffa i elementy ludowe.

Niewiele wiadomo o wykonawcy Vivaldim. Jako skrzypek występował bardzo rzadko – jedynie w Konserwatorium, gdzie czasami wykonywał swoje koncerty, a czasami w operze, gdzie były solówki lub kadencje skrzypiec. Sądząc po zachowanych nagraniach niektórych jego kadencji, jego kompozycjach, a także po fragmentarycznych świadectwach współczesnych na temat jego gry, jakie do nas dotarły, był to wybitny skrzypek, mistrzowsko panujący na swoim instrumencie.

Jako kompozytor myślał jak skrzypek. W jego utworach wyraźnie widać styl instrumentalny twórczość operowa, oratorium działa. O tym, że był wybitnym skrzypkiem, świadczy także fakt, że wielu skrzypków w Europie starało się uczyć u niego. Cechy jego stylu wykonawczego z pewnością znajdują odzwierciedlenie w jego kompozycjach.

Twórcze dziedzictwo Vivaldiego jest ogromne. Opublikowano już ponad 530 jego prac. Napisał około 450 różnych koncertów, 80 sonat, około 100 symfonii, ponad 50 oper i ponad 60 dzieł duchowych. Wiele z nich zachowało się do dziś w rękopisach. Wydawnictwo Ricordi opublikowało 221 koncertów na skrzypce solo, 26 koncertów na 2-4 skrzypiec, 6 koncertów na altówkę Cupid, 11 koncertów wiolonczelowych, 30 sonat skrzypcowych, 19 sonat triowych, 9 sonat wiolonczelowych i inne utwory, w tym na instrumenty dęte.

W każdym gatunku, którego dotknął geniusz Vivaldiego, otworzyły się nowe, niezbadane możliwości. Było to widoczne już w jego pierwszym dziele.

Dwanaście sonat triowych Vivaldiego zostało po raz pierwszy opublikowanych jako op. 1, w Wenecji w 1705 r., ale zostały skomponowane znacznie wcześniej; Prawdopodobnie w tym opusie znalazły się wybrane dzieła tego gatunku. Stylem zbliżone są do Corelliego, chociaż ujawniają też pewne cechy indywidualne. Co ciekawe, podobnie jak ma to miejsce w op. 5 Corelli, kolekcję Vivaldiego zamyka dziewiętnaście wariacji na temat popularnego wówczas motywu hiszpańskich folia. Na uwagę zasługuje odmienna (melodyczna i rytmiczna) prezentacja tematu u Corelliego i Vivaldiego (ten ostatni jest bardziej rygorystyczny). W odróżnieniu od Corelliego, który zazwyczaj rozróżniał styl kameralny i kościelny, Vivaldi już w swoim pierwszym dziele dostarcza przykładów ich splotu i przenikania się.

Gatunkowo są to nadal raczej sonaty kameralne. W każdym z nich podkreślona zostaje partia pierwszych skrzypiec, nadając jej wirtuozowski, swobodniejszy charakter. Sonaty otwierają bujne preludia o powolnym, uroczystym charakterze, z wyjątkiem X Sonaty, która rozpoczyna się szybkim tańcem. Pozostałe części są prawie w całości gatunkowe. Oto osiem allemand, pięć jigów, sześć dzwonków, które zostały zinterpretowane instrumentalnie. Uroczystego gawota dworskiego używa na przykład pięciokrotnie jako szybki finał w Allegro i Presto tempie.

Forma sonat jest dość dowolna. Pierwsza część nadaje całości klimat psychologiczny, podobnie jak zrobił to Corelli. Jednak Vivaldi dalej rezygnuje z partii fugowej, polifonii i opracowania, na rzecz dynamiki ruch taneczny. Czasem wszystkie pozostałe części utworu przebiegają w niemal tym samym tempie, naruszając w ten sposób starożytną zasadę kontrastowania tempa.

Już w tych sonatach można wyczuć najbogatszą wyobraźnię Vivaldiego: brak powtórzeń tradycyjnych formuł, niewyczerpaną melodię, dążenie do wyeksponowania, charakterystyczne intonacje, które następnie zostaną rozwinięte przez samego Vivaldiego i innych autorów. Tym samym w „Porach roku” pojawi się początek Grobu drugiej sonaty. Melodia preludium jedenastej sonaty znajdzie odzwierciedlenie w temacie głównym Koncertu na dwoje skrzypiec Bacha. Charakterystyka Do tego dochodzi szerokie ruchy figuracji, powtarzalność intonacji, jakby utrwalająca w umyśle słuchacza główny materiał, oraz konsekwentna realizacja zasady sekwencyjnego rozwoju.

Siła i inwencja twórczego ducha Vivaldiego szczególnie wyraźnie ujawniła się w gatunku koncertowym. W tym gatunku powstała większość jego dzieł. Jednocześnie w dziedzictwie koncertowym Włoski mistrz utwory zapisane w formie Concerto Grosso oraz w formie koncert solowy. Ale nawet w tych jego koncertach, które oscylują w kierunku gatunku Concerto Grosso, wyraźnie daje się odczuć indywidualizację partii koncertowych: często nabierają one charakteru koncertowego i wtedy nie jest łatwo wytyczyć granicę pomiędzy Concerto Grosso a koncertem solowym. .

kompozytor skrzypiec Vivaldi

Rozdział II. Twórcze dziedzictwo A. Vivaldiego. Analiza najsłynniejszych dzieł kompozytora

1 „Pory roku”

Cykl czterech koncertów na skrzypce solo z orkiestra smyczkowa a talerz „Pory roku” powstał prawdopodobnie w latach 1720-1725. Koncerty te zostały później włączone do opusu 8 „Spór o harmonię z wynalazkiem”. Jak pisze N. Harnoncourt, kompozytor zebrał i opublikował te ze swoich koncertów, które można było połączyć z tak dźwięcznym tytułem.

Koncert „Wiosna”, podobnie jak trzy pozostałe koncerty „Czterech pór roku”, zapisany jest w formie trzyczęściowej, której powstanie w historii muzyki wiąże się właśnie z nazwiskiem A. Vivaldiego. Ekstremalne części są szybkie i zapisane w starej formie koncertowej. Część druga jest powolna, z melodyjną melodią, zapisaną w starożytnej formie dwuczęściowej.

Dla kompozycji pierwszej części koncertu ogromne znaczenie ma aktywność i energia ruchu zawarta w jego tytułowym temacie. Powtarzając się nieraz w Allegro, jakby powracając po okręgu, zdaje się pobudzać ogólny ruch w formie, a jednocześnie spaja ją, zachowując główne wrażenie.

Dynamiczna aktywność pierwszych części cyklu skontrastowana jest z koncentracją partii wolnych, z wewnętrzną jednością ich tematyzmu i większą prostotą kompozycji. W tym kontekście liczne Largo, Adagio i Andantes w koncertach Vivaldiego dalekie są od tego samego typu. Można w nich spokojnie zaznać idylli różne opcje, zwłaszcza duszpasterskie, wyróżniają się szerokością liryzmu, potrafią nawet oddać ograniczone napięcie uczuć w gatunku sycylijskim lub ucieleśnić dotkliwość żalu w formie passacaglii. Ruch muzyki w ośrodkach lirycznych jest bardziej jednowymiarowy (wewnętrzne kontrasty nie są charakterystyczne ani dla tematyki, ani dla całej struktury), spokojniejszy, ale niewątpliwie obecny jest tu u Vivaldiego – w szerokim rozwinięciu melodyki lirycznej, w wyrazistym kontrapunktowaniu głosów wyższych, niczym w duecie (tzw. Siciliana), w wariacyjnym rozwinięciu passacaglii.

Tematyka finałów jest z reguły prostsza, wewnętrznie jednorodna i bliższa korzeniom gatunku ludowego niż temat przewodni pierwszego Allegro. Szybki ruch w 3/8 lub 2/4, krótkie frazy, ostre rytmy (taniec, synkopowane), ogniste intonacje „w guście lombardzkim” – wszystko jest tu wyzywająco witalne, czasem wesołe, czasem scherzoiczne, czasem bufoniczne, czasem burzliwe, czasem dynamicznie malownicze.

Jednak nie wszystkie finały koncertów Vivaldiego są w tym sensie dynamiczne. Finał in Concerto Grosso op. 3 nr 11, gdzie poprzedza ją wspomniana Siciliana, jest przesiąknięta niepokojem i niezwykła w ostrości brzmień. Skrzypce solowe zaczynają prowadzić w naśladowczym przedstawieniu niepokojącego, równomiernie pulsującego tematu, a następnie od czwartego taktu zaznacza się w basie chromatyczne zejście w tym samym pulsującym rytmie.

To natychmiast nadaje dynamice koncertowego finału ponury, a nawet nieco nerwowy charakter.

We wszystkich częściach cyklu muzyka Vivaldiego porusza się inaczej, ale jej ruch zachodzi naturalnie zarówno w obrębie każdej części, jak i w relacjach między częściami. Wynika to zarówno z samej natury tematyzmu, jak i z postępującej dojrzałości myślenia modowo-harmonicznego w nowej strukturze homofonicznej, kiedy aktywuje się przejrzystość funkcji modowych i klarowność grawitacji rozwój muzyczny. Wiąże się to także całkowicie z charakterystycznym dla kompozytora klasycznym wyczuciem formy, który nie unikając nawet ostrego wtargnięcia intonacji ludowych, zawsze dąży do zachowania jak najwyższej harmonii całości w naprzemienności kontrastujących wzorów, na skalę części cyklu (bez długości), w plastyczności ich intonacji rozwijającej się w ogólnej dramaturgii cyklu.

Jeśli chodzi o napisy programowe, to one jedynie nakreślały charakter obrazu lub obrazów, ale nie wpływały na formę całości, nie wyznaczały z góry rozwoju w jej granicach. W stosunkowo bogatym programie znalazły się partytury czterech koncertów z cyklu „Pory roku”, z których każdemu przyporządkowano sonet ujawniający treść poszczególnych części cyklu. Niewykluczone, że sonety skomponował sam kompozytor. W każdym razie zadeklarowany w nich program wcale nie wymaga przemyślenia formy koncertu, a raczej „nagina się” pod tę formę. Obrazowanie części powolnej i finału, ze specyfiką ich struktury i rozwoju, było na ogół łatwiejsze do wyrażenia w poezji: wystarczyło nazwać same obrazy. Jednak pierwsza część cyklu, koncertowe rondo, otrzymała taką programową interpretację, która nie przeszkodziła jej zachować zwykłej formy i naturalnie urzeczywistnić w niej wybraną „fabułę”. Działo się to na każdym z czterech koncertów.

W koncercie „Wiosna” program pierwszej części sonetu objawia się w ten sposób: „Wiosna nadeszła, wesołe ptaki witają ją śpiewem, a strumyki płyną i bulgoczą. Niebo jest pokryte ciemnymi chmurami, błyskawice i grzmoty również zwiastują wiosnę. A ptaki znów wracają do swoich słodkich pieśni.” Lekki, mocny, akordowo-taneczny temat (tutti) wyznacza emocjonalny ton całego Allegro: „Nadeszła wiosna”. Skrzypce koncertowe (odcinek) imitują śpiew ptaków. Znów brzmi „temat wiosny”. Nowy odcinek przejścia - krótka wiosenna burza. I znowu powraca główny temat ronda „Nadeszła wiosna”. Przez cały czas dominuje więc w pierwszej części koncertu, ucieleśniając radosne poczucie wiosny, a wizualne epizody pojawiają się jako rodzaj detalu duży obraz wiosenna odnowa przyrody. Jak widać, forma ronda zachowała tu pełną moc, a program można łatwo „podzielić” na sekcje. Wydaje się, że sonet „Wiosna” został faktycznie skomponowany przez kompozytora, który z góry przewidział strukturalne możliwości jego muzycznego ucieleśnienia.

We wszystkich drugich częściach „Pory roku” panuje jedność faktury w całej części (choć wielkość części nie pozwala na szczególne kontrasty). Utwór napisany jest w starej, dwuczęściowej formie.

W sumie faktura ma trzy warstwy: górną – melodyjną – melodyjną, kantylenową. Środek – wypełnienie harmoniczne – „szelest trawy i listowia”, bardzo cichy, zapisany małymi kropkami, przewodzący echa w równoległych tercjach. Ruch głosów środkowych ma głównie charakter trylowy, okrężny. Co więcej, pierwsze dwa uderzenia taktu to ruch statyczny – trzeci „tryl”, który choć monotonny, porusza się dzięki kunsztownej przerywanej linii. W trzecim takcie aktywowany jest ruch melodyczny – w ten sposób zdaje się przygotowywać wysokość dźwięku następnego taktu, powodując lekkie „przesunięcie” lub „kołysanie” tekstury. A bas – podkreślający podstawę harmoniczną – jest charakterystyczny rytmicznie, obrazujący „szczekanie psa”.

Interesujące jest prześledzenie, jak Vivaldi myślał o figuratywnej strukturze wolnych części cyklu koncertowego. Muzyka Largo (cis-moll) z koncertu „Wiosna” koresponduje z następującymi wersami sonetu: „Na kwitnącym trawniku, pod szumem dębowych lasów, śpi pasterz kóz, a obok niego wierny pies”. Jest to oczywiście duszpasterstwo, w którym rozwija się jeden idylliczny obraz. Skrzypce oktawowe śpiewają spokojną, prostą, marzycielską melodię na poetyckim tle kołyszących się tercji – a wszystko to przyćmione jest po Allegro durowym delikatnym równoległym mollem, co jest naturalne dla wolnej części cyklu.

Jeśli chodzi o finał, program również nie przewiduje urozmaiceń i nie precyzuje nawet w najmniejszym stopniu jego treści: „Nimfy tańczą przy dźwiękach dud pasterskich”.

Lekki ruch, rytmy taneczne, stylizacja instrumentu ludowego – wszystko tutaj może nie zależeć od programu, bo zwykle jest to finał.

W każdym koncercie z Czterech pór roku powolna część jest monotonna i wyróżnia się spokojną malowniczością po dynamicznym Allegro: obraz senności natury i wszystkiego, co żyje w letnim upale; spokojny sen mieszkańców wioski po jesiennych dożynkach; „Dobrze jest posiedzieć przy kominku i posłuchać deszczu uderzającego w okno za ścianą” – gdy dokucza lodowaty zimowy wiatr.

Finał „Lata” to obraz burzy, finał „Jesieni” to „Polowanie”. W zasadzie trzy części programowego cyklu koncertów pozostają w zwykłych relacjach pod względem struktury figuratywnej, charakteru wewnętrznego rozwoju i kontrastowych porównań Allegro, Largo (Adagio) i finału. A jednak programy poetyckie ujawnione w czterech sonetach są o tyle interesujące, że zdają się potwierdzać słowami autora ogólne wrażenia dotyczące obrazowości twórczości Vivaldiego i jej możliwego wyrazu w głównym gatunku jego koncertu.

Oczywiście cykl „Pory roku”, nieco idylliczny w charakterze swoich obrazów, ujawnia tylko część twórczości kompozytora. Jednak jego idyllizm był bardzo w duchu współczesnych i z czasem dał początek wielokrotnym naśladowcom „Pory roku”, aż do poziomu indywidualnej ciekawostki. Minęło wiele lat, a Haydn, już na innym etapie rozwoju sztuki muzycznej, ucieleśniał temat „pór roku” w monumentalnym oratorium. Jak można było się spodziewać, jego koncepcja okazała się głębsza, poważniejsza, bardziej epicka niż koncepcja Vivaldiego; poruszyła kwestie etyczne w związku z pracą i życiem zwykli ludzie, blisko natury. Jednak poetyckie i obrazowe aspekty fabuły, które niegdyś zainspirowały Vivaldiego, również przyciągnęły twórczą uwagę Haydna: ma on także obraz burzy i burzy w „Lacie”, „Dożynkach” i „Polowaniu” w „Jesieni”, kontrasty trudne zimowa droga i komfort domu w „Zimie”.

2. Koncert skrzypcowy „A-moll”

Temat słynnego koncertu a-moll (op. 3 nr 6) mógłby otwierać fugę w pierwszej intonacji, jednak przepływ dalszych powtórzeń i sekwencji nadaje jej taneczną dynamikę, pomimo tonacji molowej i jej ostro zapadającego w pamięć wyglądu.

Taka naturalność ruchu już w obrębie pierwszego tematu, taka łatwość łączenia różnych źródeł intonacji to niesamowita cecha Vivaldiego, która nie pozostawia go na szerszą skalę. Wśród jego tematów „nagłówkowych” znajdują się oczywiście bardziej jednorodne pod względem intonacyjnym kompozycje.

W koncercie a-moll początkowe tutti zbudowane jest na jasnych intonacjach fanfarowych, powtórzeniach dźwięków i fraz. Już wyjściowa formuła, charakteryzująca się „przegłębieniem” jednego dźwięku, staje się typowa dla kompozytora. Panuje zasada: „żadnych długości”. Ekstremalna dynamika i presja silnej woli pomagają ucieleśnić odważny, aspirujący wizerunek.

Wzmocnienie konkurencyjnego charakteru, który nadaje szczególnego blasku muzyce koncertów Vivaldiego, ich gatunkowi i programowemu charakterowi, kontrastowi nie tylko pomiędzy poszczególnymi częściami cyklu, ale także w jego głównej, pierwszej części (u Vivaldiego przybiera ona zwykle rondę forma) z wyraźnym kontrastem tutti i soli, subtelne użycie barwy, dynamiki i rytmiki środków wyrazu – wszystkie te cechy w harmonijnym połączeniu przyczyniły się do wzmocnienia cech wykonania koncertowego i zwiększenia siły emocjonalnego oddziaływania na słuchacza. Już współcześni podkreślali w koncertach Vivaldiego szczególną ekspresję, pasję i powszechne stosowanie tzw. „stylu lombardzkiego”.

Jeśli w swoich sonatach Vivaldi przesuwa środek ciężkości w stronę części środkowych, to w koncercie można dostrzec wyraźną tendencję do podkreślania części pierwszej jako głównej i najbardziej znaczącej. Pod tym względem kompozytor nieco komplikuje jego tradycyjną strukturę: dynamizuje epizody od pierwszego do trzeciego, zwiększając znaczenie, skalę i rozwojowy - improwizacyjny charakter ostatni odcinek, interpretowany jako rozbudowana i zdynamizowana repryza; zbliża się do dwuciemności, która ma charakter kontrastowy.

W środkowych partiach zwiększa psychologiczną głębię odsłaniania wewnętrznego świata człowieka; wprowadza elementy liryczne do finału gatunkowego, jakby rysując jedną linię liryczną. Wszystkie te funkcje tutaj opisane zostaną w pełni ujawnione na kolejnych koncertach.

W sumie zachowało się około 450 koncertów Vivaldiego; około połowa z nich to koncerty napisane na skrzypce solo i orkiestrę. Współcześni Vivaldiemu (I. Quantz i inni) nie mogli nie zwrócić uwagi na nowe funkcje, które wprowadził do styl koncertowy XVIII wiek, który wzbudził ich twórcze zainteresowanie. Dość przypomnieć, że J. S. Bach wysoko cenił muzykę Vivaldiego i dokonał kilku transkrypcji jego koncertów na instrumenty klawiszowe i organowe.

Wniosek

W całości gatunki instrumentalne XVII – początków XVIII wieku, z ich różnymi zasadami kompozycji i specjalne techniki prezentacja i rozwój, ucieleśniał szeroką gamę obrazów muzycznych, które wcześniej były niedostępne dla muzyki instrumentalnej, i tym samym podniosły ją na pierwszy wysoki poziom, na równi z innymi gatunkami pochodzenia syntetycznego.

Najistotniejsze było niewątpliwie to, że osiągnięcia muzyki instrumentalnej początków XVIII wieku (a częściowo i jej pierwszych dziesięcioleci) otworzyły ogromne perspektywy dla jej dalszego ruchu w jedną stronę ku klasycznej polifonii Bacha, w drugiej – bardziej rozbudowany, do klasycznej symfonii końca wieku.

Ogólnie rzecz biorąc, zarówno treść figuratywna muzyki Vivaldiego, jak i jej główne gatunki bez wątpienia odzwierciedlały z wielką kompletnością wiodące aspiracje artystyczne swoich czasów – i to nie tylko dla Włoch. Rozprzestrzeniające się w całej Europie koncerty Vivaldiego wywarły owocny wpływ na wielu kompozytorów i posłużyły ich współczesnym za przykład gatunku koncertowego.

Po ukończeniu zajęć osiągnięto zamierzony cel, a mianowicie zbadano interpretację gatunku koncertu instrumentalnego w twórczości Antonio Vivaldiego.

Postawione zadania również zostały zrealizowane: studiowano literaturę na zadany temat, uznawano A. Vivaldiego za przedstawiciela włoskiej szkoły skrzypcowej, analizowano najsłynniejsze dzieła kompozytora.

Styl Vivaldiego to ten sam rodzaj intonacji, powtarzany z koncertu na koncert z pewnymi zmianami, „zwrotami”, ale zawsze rozpoznawalny jako typowo „Vivaldi”.

O nowości w gatunku koncertowym Vivaldiego zadecydowało pogłębienie treści muzyczne, jego wyrazistość i obrazowość, wprowadzenie elementów programowych, ustanowienie z reguły cyklu trójdzielnego (z sekwencją szybko-wolno-szybko), wzmocnienie faktycznego wykonania koncertowego, koncertowa interpretacja partii solowej, rozwój języka melodycznego, szeroka motywacja -opracowanie tematyczne, wzbogacenie rytmiczne i harmoniczne. Wszystko to przeniknęło i zjednoczyło twórczej wyobraźni i pomysłowości Vivaldiego jako kompozytora i wykonawcy.

Wniosek

1.Barbier P. Wenecja Vivaldi: Muzyka i święta epoki St. Petersburg, 2009. 280 s.

2.Boccardi V. Vivaldi. Moskwa, 2007. 272 s.

.Grigoriew V. Historia sztuki skrzypcowej. Moskwa, 1991. 285 s.

4.Livanova T. Historia muzyki zachodnioeuropejskiej do 1789 roku. Tom 1. Moskwa, 1983. 696 s.

.Panfiłow A. Vivaldi. Życie i twórczość//Wielcy kompozytorzy. Nr 21. Moskwa, 2006. 168 s.

6.Panfiłow A. Vivaldi. Życie i twórczość//Wielcy kompozytorzy. Nr 4. Moskwa, 2006. 32 s.

.Tretiachenko V.F. „Szkoły” skrzypcowe: historia powstania // Muzyka i czas. Nr 3. Moskwa, 2006. 71 s.

Podobne utwory do - Interpretacja gatunku koncertu instrumentalnego w twórczości Antonio Vivaldiego

Antonio Vivaldi (1678-1741) to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli epoki baroku. Urodził się w Wenecji, gdzie naukę rozpoczął u swojego ojca, skrzypka w kaplicy św. Mark, a następnie poprawił się pod okiem Giovanniego Legrenziego. Dał wiele koncertów w różnych krajach Europy i z wielkim entuzjazmem nauczał i wystawiał swoje opery. Przez długi czas był nauczycielem gry na skrzypcach w jednym z weneckich sierocińców dla sierot.

Vivaldi był nazywany „czerwonym księdzem” (Prete rosso) ze względu na swój kolor włosów. Co prawda łączył zawód muzyka z obowiązkami duchownego, ale został potem zwolniony za „nielegalne” zachowanie podczas nabożeństwa. Ostatnie lata Kompozytor przebywał w Wiedniu, gdzie zmarł w biedzie.

Twórcze dziedzictwo Vivaldiego obejmuje ponad 700 tytułów: 465 koncertów instrumentalnych (z czego pięćdziesiąt to Grossi), 76 sonat (w tym sonaty triowe), około 40 oper (jednym z jego librecistów był słynny C. Goldoni), dzieła kantatowo-oratoryjne, m.in. teksty duchowe. Główne historyczne znaczenie jego twórczości polega na stworzeniu solowego koncertu instrumentalnego.

Vivaldi, jeden z najbardziej wrażliwych artystów swoich czasów, był jednym z pierwszych kompozytorów, którzy na pierwszy plan w sztuce wynieśli otwartą emocjonalność, pasję (afekt) i indywidualne odczucia liryczne. Pod jego niewątpliwym wpływem niezwykle typowy dla kilku solistów rodzaj koncertu muzyki barokowej (concerto Grosso) w epoce klasycznej zeszedł na dalszy plan, ustępując miejsca koncertowi solowemu. Wyrazem tendencji homofonicznych było zastąpienie grupy solistów jedną partią.

To Vivaldi opracował strukturę i temat przewodni późnobarokowego recitalu. Pod wpływem uwertury opery włoskiej ustalił trzyczęściowy cykl koncertów (szybki – wolny – szybki) i uporządkował następstwo tutti i solo w oparciu o barokową formę koncertową.

Forma koncertowa epoki baroku opierała się na przemianie ritornello (temat główny), wielokrotnie powracanym i transponowanym, z epizodami opartymi na nowych tematach melodycznych, materiale figuratywnym lub motywicznym rozwinięciu tematu głównego. Zasada ta nadawała mu podobieństwo do ronda. Teksturę charakteryzują kontrasty pomiędzy orkiestrowym tutti i solo, odpowiadające wyglądowi ritornello i epizodów.

Pierwsze części koncertów Vivaldiego są energetyczne, stanowcze, zróżnicowane fakturowo i kontrastowo. Druga część przenosi słuchacza w krainę tekstów. Dominuje tu śpiewność, obdarzona cechami improwizacji. Tekstura jest przeważnie homofoniczna. Finały są błyskotliwe, pełne energii i zamykają cykl szybką, żywiołową częścią.

Dynamiczna, 3-częściowa, cykliczna forma koncertów Vivaldiego wyrażała artystyczne ideały sztuki „dobrze zorganizowanego kontrastu”. W logice ich figuratywnego rozwoju widać wpływ ogólnej koncepcji estetycznej epoki baroku, która dzieliła ludzki świat na trzy hipostazy: Działanie – Kontemplacja – Zabawa.

Solowy koncert instrumentalny Vivaldiego skupia się na niewielkim zespole instrumentów smyczkowych prowadzonym przez solistę. Może to być wiolonczela, damour altówki, flet podłużny lub poprzeczny, obój, fagot, trąbka, a nawet mandolina lub szal. A jednak najczęściej skrzypce pełnią rolę solisty (ok. 230 koncertów). Technika skrzypcowa koncertów Vivaldiego jest różnorodna: szybkie pasaże, arpeggio, tremolo, pizzicato, podwójne nuty (aż do najtrudniejszych odcinków dziesiątych), skordatura, użycie najwyższego rejestru (do 12. pozycji).

Vivaldi zasłynął jako wybitny znawca orkiestry, twórca wielu efektów kolorystycznych. Posiadanie bystry zmysł barwę dźwięku, swobodnie sięgał po wiele instrumentów i ich kombinacji. Używał obojów, rogów, fagotów, trąbek i rogów angielskich nie jako głosów rezerwowych, ale jako niezależnych instrumentów melodycznych.
Muzyka Vivaldiego chłonęła elementy barwnego weneckiego folkloru muzycznego, bogatego w melodyjne pieśni, barkarole i ogniste rytmy taneczne. Kompozytor szczególnie chętnie opierał się na Sicilianie i szeroko wykorzystywał charakterystyczne dla włoskich tańców ludowych metrum 6/8. Często posługując się strukturą akordowo-harmoniczną, po mistrzowsku posługiwał się technikami opracowania polifonicznego.

Wydając swoje koncerty w cyklach 12 lub 6 utworów, Vivaldi nadał także ogólne oznaczenia dla poszczególnych serii: „Harmoniczna Inspiracja” (op. 3), „Ekstrawagancja” (op. 4), „Cytra” (op. 9).

Vivaldiego można nazwać twórcą oprogramowania muzyka orkiestrowa. Większość jego koncertów ma określony program. Na przykład: „Polowanie”, „Burza na morzu”, „Pasterka”, „Odpoczynek”, „Noc”, „Ulubiony”, „Szczygieł”.
Koncerty skrzypcowe Vivaldiego szybko stały się szeroko znane Europa Zachodnia a zwłaszcza w Niemczech. Wielki J. S. Bach „dla przyjemności i nauki” osobiście zaaranżował dziewięć koncertów skrzypcowych Vivaldiego na clavier i organy. Dzięki tym muzykom Vivaldi, który nigdy nie był na ziemiach północnych Niemiec, okazał się w pełnym tego słowa znaczeniu „ojcem” niemieckiego instrumentalizmu XVIII wieku. Rozprzestrzeniające się w całej Europie koncerty Vivaldiego były dla jego współczesnych przykładem gatunku koncertowego. W ten sposób koncert clavier rozwinął się pod niewątpliwym artystycznym wpływem koncertu skrzypcowego (przekonujący przykład może służyć).

Unikalny styl Vivaldiego zrewolucjonizował europejski świat muzyczny początku XVIII wieku. Ten genialny Włoch sprawił, że w całej Europie zaczęto mówić o „wspaniałej włoskiej muzyce”.

Antonio Vivaldi urodził się 4 marca 1678 roku w Wenecji. Jego ojciec Giovanni Battista (nazywany „Rudym” ze względu na ognisty kolor włosów), syn piekarza z Brescii, przeniósł się do Wenecji około 1670 roku. Tam przez jakiś czas pracował jako piekarz, a następnie opanował zawód fryzjera. W wolnym czasie od pracy na chleb Giovanni Battista grał na skrzypcach. I okazał się tak utalentowanym muzykiem, że tak

W 1685 roku słynny Giovanni Legrenzi, dyrygent katedry św. Marka, przyjął go do swojej orkiestry.

Pierwszy i najsłynniejszy z sześciorga dzieci Giovanniego Battisty Vivaldiego i Camilli Calicchio, Antonio Lucio, urodził się przedwcześnie w wyniku nagłego trzęsienia ziemi. Rodzice chłopca uznali narodziny nowego życia w tak dziwnych okolicznościach za znak z góry i zdecydowali, że Antonio powinien zostać księdzem.

Kiedy przyszły wielki kompozytor miał 15 lat, ogolono mu tonsurę (symbol korony cierniowej), a 23 marca 1703 roku dwudziestopięcioletni Antonio Vivaldi przyjął święcenia kapłańskie. Nie odczuwał jednak szczerej chęci bycia księdzem i wkrótce przestał odprawiać msze św. Chociaż, jak zeznaje Carlo Goldoni, Vivaldi czytał jego modlitewnik codziennie przez całe życie.

Schronisko „Ospedale della Pietà” (dosłownie „szpital współczucia”) istniało od 1348 roku i zawsze słynęło z wszechstronnego (w tym muzycznego) wykształcenia, jakie otrzymywali jego podopieczni.

F. Guardi. Widok na most Rialto z Canal Grande. XVIII wiek.

Vivaldi był związany z tą instytucją niemal przez całe swoje życie. Trzeba też powiedzieć, że działalność pedagogiczna kompozytora nie ograniczała się do pracy w roli „maestro di skrzypce”, czyli nauczyciela gry na skrzypcach. Vivaldi udzielał prywatnych lekcji śpiewakom i uczył ich gry na altówce. Ponadto dyrygował orkiestrą na próbach i koncertach pod nieobecność głównego dyrygenta. I niestrudzenie pisał muzykę.

Pierwsze publikacje

Wkrótce dzieła „czerwonego księdza” (jak nazwali Vivaldiego Młodszego ci sami weneccy żartownisie, którzy nadali mu przydomek

„Czerwony” do ojca) zyskał niezwykłą popularność.

W ciągu zaledwie kilku lat Antonio Vivaldi stał się najsłynniejszym kompozytorem skrzypcowym w Europie. O jego sławie i niesamowitym sukcesie świadczy następujący fakt: w latach 1711-1729. W Amsterdamie ukazało się dwanaście zbiorów muzyki instrumentalnej Vivaldiego, w tym Ligo archoso („Harmonic Inspiration”), La piçaranga („Kaprysy”) i II skhyanno oeP”archosha e oeP”tueshupe („Doświadczenie harmonii i fantazji”) – dzieło , w tym słynny Le quattro 81a§yush („Cztery pory roku” lub po prostu „Pory roku”). Następnie dzieła Vivaldiego ukazały się w

Londyn i Paryż – ówczesne centra wydawnicze Europy.

Świecki kompozytor

W 1713 roku w Vicenzy Vivaldi zaprezentował publiczności swoją pierwszą operę.

U góry: Antonio Vivaldi. Karykatura autorstwa P. L. Ghezziego. 1723

U dołu: G. Bella. Święto Wniebowstąpienia na Placu Świętego Marka w Wenecji.

Chronologia życia

1693 Otrzymuje tonsurę.

1703 Przyjmuje święcenia kapłańskie. Wstępuje do Ospedale della Pietà jako nauczyciel gry na skrzypcach i kompozytor.

1711 Amsterdamski wydawca E. Roger publikuje pierwszy koncert Vivaldiego z cyklu C^go armonico. Nazwisko kompozytora staje się powszechnie znane.

1713 Vivaldi debiutuje w Vicenzy jako kompozytor operowy (operą „Dyscyplina w willi”).

1718 Przenosi się do Mantui i rozpoczyna służbę u księcia Filipa.

1720 Powrót do Wenecji.

1727 Publikacja II Ytpepkz sSeN”ag-gtyusha e sSeSht/enEyupe, zawierająca słynne „Cztery pory roku”.

1730-38 Vivaldi dużo podróżuje po Europie, dyrygując swoimi dziełami.

1740 Ostatecznie opuszcza Ospedale della Pietà i wyjeżdża do Wiednia.

1741 Nagła choroba i śmierć kompozytora.

Po jego śmierci o Vivaldim niemal zapomniano. Jego twórcze dziedzictwo zostało tak naprawdę odkryte w XX wieku. Spośród 450 znanych nam dzisiaj koncertów zaledwie około 80 ujrzało światło dzienne za życia kompozytora.

Ogromna liczba dzieł Vivaldiego, które przetrwały do nas w rękopisach, obejmuje nie tylko koncerty instrumentalne(na skrzypce, wiolonczelę, flet, róg, obój, mandolinę, róg itp.), ale także sonaty, kantaty i 48 oper.

„Ucieczka do willi”. W ciągu następnych pięciu lat opublikował pięć kolejnych oper, które podbiły największe teatry weneckie. Vivaldi szybko przekształcił się z zupełnie skromnego „rudowłosego księdza” w genialnego świeckiego kompozytora.

Na początku 1718 roku otrzymał zaproszenie do służby w charakterze dyrygenta na dworze w Mantui. Kompozytor przebywał tu do roku 1720, czyli do śmierci żony swojego pracodawcy, księcia Filipa. I tu, w Mantui, Vivaldi poznał śpiewaczkę Annę Giraud, właścicielkę pięknego kontraltu. Najpierw była jego uczennicą, potem główną wykonawczynią jego oper, aż w końcu, ku oburzeniu wszystkich, została jego kochanką.

Można odnieść wrażenie, że Vivaldi był w ciągłym ruchu i swoje niezmiennie utalentowane dzieła pisał gdzieś w drodze z Werony do Mantui. Nie był jednak obciążony koczowniczym życiem i zawsze był wyluzowany. I tak w 1738 roku kompozytor przybył do Amsterdamu jedynie, aby dyrygować orkiestrą podczas obchodów stulecia teatru, a rok później udał się z Anną Giraud do Grazu, gdzie śpiewak otrzymał zaręczyny na cały sezon.

Wiedeń, zachód słońca

W 1740 roku Vivaldi ostatecznie porzucił pracę w Ospedale della Pietà i udał się do Wiednia, na dwór cesarza Karola VI, swego wieloletniego i, co ważne, potężnego wielbiciela.

Wybitne prace

Cykle koncertowe:

L "estro armonico op. 3 La stravaganza op. 4 II cimento dell"armonia e dell"inven-

zion op. 8 La cetra op. 9

Sześć koncertów na flet

i sznurek op. 10 Sześć koncertów skrzypcowych

i sznurek op. 11 Sześć koncertów skrzypcowych

i sznurek op. 12

Utwory na orkiestrę:

Al Santo Sepolcro RV 169 Koncert madrigalesco RV 129

Solowe koncerty instrumentalne:

La pastorella na flet RV 95 II sospetto na skrzypce RV 199 L"inquietudine na skrzypce RV 234 II ritiro na skrzypce RV 256 L"amoroso na skrzypce RV 271 II rosignuolo na skrzypce RV 335 L"ottavina na skrzypce RV 763 II Carbonelli na skrzypce RV 366 Koncert na mandolinę RV425 Koncert na obój RV 447 La notte na fagot RV 501

Koncerty podwójne:

Koncert na dwie mandoliny RV 532 Koncert na dwie trąbki RV 537 Koncert na dwa oboje

i dwa klarnety RV 559 Koncert pogrzebowy RV 579

Muzyka sakralna:

Gloria (dla solistów)

instrumenty, chór i orkiestra)

RV589 Judyta triumfująca

(na instrumenty solowe,

chór i orkiestra) RV 644

Otto w Willi RV 729 Prawda w teście RV 739

Ale niestety różowe plany wielkiego kompozytora nie miały się spełnić. Po przybyciu do Wiednia nie zastał już monarchy żywego. Ponadto w tym czasie popularność Vivaldiego zaczęła spadać. Zmieniły się preferencje publiczności, a muzyka barokowa szybko znalazła się na peryferiach mody.

Sześćdziesięciotrzyletni muzyk, który nigdy nie cieszył się dobrym zdrowiem, nie mógł się otrząsnąć po ciosach losu i zapadł na nieznaną chorobę.

Vivaldi zmarł 28 lipca 1741 roku w Wiedniu na skutek „wewnętrznego zapalenia” (jak zapisano w protokole pogrzebowym), w ramionach swojej uczennicy i przyjaciółki Anny Giraud. Pogrzeb P. Longhiego. Koncert. były skromne: zabrzmiało tylko kilka dzwonów, a procesja składała się wyłącznie z osób wynajętych do niesienia trumny.

Dotarły do nas świadectwa współczesnych na temat śmierci Vivaldiego. Jednym z nich jest: „Padre Don Antonio

Vivaldi, niezrównany skrzypek, nazywany „czerwonym księdzem”, niezwykle ceniony za swoje koncerty i inne kompozycje, zarobił za życia 50 tysięcy dukatów, ale z powodu niezmierzonej ekstrawagancji zmarł w biedzie w Wiedniu”.

Cztery pory roku

Vivaldi napisał swoje cztery słynne koncerty na skrzypce, smyczki i bas continuo, zawarte w cyklu II seto with!eІІ"agggupia e Seii"ipupengiope (wydanym w 1722 roku w Amsterdamie), inspirowane czterema sonetami nieznanego poety, nazwanymi od pór roku .

Energiczne Allegro, którym rozpoczyna się „Wiosna”, ilustruje następujące wersety odpowiedniego sonetu: „Wiosna nadeszła, ptaki witają ją radosnym śpiewem, a rzeki niosą swoje wody, cicho szemrząc. Chmury zakrywają niebo czarnym płaszczem, grzmoty i błyskawice zwiastują burzę, ale wkrótce ptaki, jakby ją zatrzymując, znów rozpoczynają swoją czarującą pieśń.

Część druga – Largo – urzeka obrazem sielskim („A potem na kwitnącej łące, w słodkim szelescie liści i traw śpi pasterz, a u jego stóp wierny pies”), a finałowe Allegro przypomina szybki taniec wiejski („Nimfy tańczą przy radosnych dźwiękach dud, tańczy pasterz, a nad nimi czyste niebo wiosny nabiera siły”).

N. Poussin. Pory roku: Wiosna lub Ziemski Raj.

N. Poussin. Pory roku: Jesień, czyli Ziemia Obiecana.

Allegro non molto, pierwsza część „Lata”, maluje obraz upalnego dnia i nadciągającej burzy: „Pod okrutnymi promieniami palącego słońca człowiek słabnie, stado się rozprasza. Kukułka pieje, turkawka śpiewa, wieje lekki wietrzyk... i pasterz płacze, bo boi się okrutnego Boreasa i swego losu.” Adagio również przepełnione jest atmosferą oczekiwania: „Strach przed błyskawicą i silnym grzmotem, a także wściekłe brzęczenie much i komarów nie dają spokoju zmęczonym”. W Presto w końcu rozpętała się burza: „Ach, niestety, nie na próżno się bał: groźne niebo dudni, błyszczy, deszcz uderza, a trawa na polach ugina się”.

Adagio molto przedstawia „pijany sen” mieszkańców wioski: „Powietrze jest tak uspokajające, że wszyscy przestają śpiewać i tańczyć… Jesień przynosi słodkie sny”. A w finałowym Allegro słychać już echa polowań: „O świcie wychodzi myśliwy z rogiem i psami. Dzikie zwierzę boi się huku wystrzałów i szczekania psów, jest zmęczone, wyczerpane bieganiem i upolowane umiera”.

Najbardziej wyrazisty jest ostatni koncert cyklu „Zima”. Allegro non molto ukazuje słuchaczowi samotnego podróżnika – „W lodowatym dreszczu, wśród zimnego śniegu, wiejącego silny wiatr– błąka się, szczękając zębami z zimna. W Largo pojawia się ciepło rozgrzewającego się paleniska; Ta część przywołuje na myśl, jak miło jest „spędzać spokojne, słodkie dni przy kominku, gdy deszcz za oknem zalewa cały świat”. Ale spokój i wygoda w domu nie trwają wiecznie. Głównymi bohaterami Allegro są lód i wiatr. Szybkie pasaże skrzypiec solowych w dramatyczny sposób zamykają koncert i cały cykl: „Ludzie chodzą powoli po lodzie, bojąc się upadku, stąpając ostrożnie. Poślizgują się, upadają, wstają i znowu idą... Zza żelaznych drzwi wieje gwałtowny sirocco. To jest zima.”

Koncerty na instrumenty dęte

Przed Vivaldim instrumenty dęte uchodziły za prymitywne, „niewdzięczne” dla kompozytora. Genialny „rudowłosy ksiądz” udowodnił, że tak nie jest.

Vivaldi jako jeden z pierwszych zwrócił się ku komponowaniu poważnej muzyki na instrumenty dęte. Obój, róg, trąbka i flet zabrzmiały na jego koncertach w zupełnie nowy sposób – tak pełnie i harmonijnie, jak nikt się nie mógł spodziewać. Swój Koncert na dwie trąbki Vivaldi (wydany w 1729 r. w Amsterdamie) napisał najprawdopodobniej na prośbę dwóch trębaczy, którzy chcieli udowodnić publiczności, że na trąbce można znakomicie wykonać świetną muzykę. Ten koncert naprawdę wymaga od wykonawcy niezwykłych umiejętności. Swoją drogą to wciąż swego rodzaju miara wirtuozerii trębacza.

Vivaldi napisał także wiele na fagot – zachowało się ponad trzydzieści koncertów na sam fagot i orkiestrę. Ponadto kompozytor wykorzystywał go w niemal wszystkich koncertach kameralnych.

Ale wśród instrumentów dętych Vivaldi najbardziej preferował flet - delikatny, „kobiecy” flet, jak go nazywali. Posiadając niewyczerpaną wyobraźnię twórczą, kompozytor wyznaczał flecie w swoich kompozycjach właśnie te partie, w których mógł on zabrzmieć pełnym głosem i wykazać wszystkie swoje walory.

Szczególnie wyraźnie widać to w dwóch koncertach na flet i orkiestrę, wydanych w Amsterdamie w 1728 roku. W pierwszej części koncertu II dags!eshpo („Szczygieł”) flet, rozbrzmiewając echem orkiestry, zaskakująco trafnie naśladuje tryle szczygła, a w koncercie 1_apope („Noc”) wprowadza słuchacza w niepewny , mglisty świat snów.

F. Guardi. Tańczące panie w Casino dei Filarmonici.

Mocną stroną Vivaldiego są koncerty na skrzypce i orkiestrę. Zadziwiali i urzekali swoich współczesnych. Niektórzy widzieli w nich przejaw Boskości, inni – diabelski urok.

Nie będzie wielką przesadą stwierdzenie, że to Vivaldi stworzył gatunek koncertów. Oczywiście istniała już przed nim, ale to w jego twórczości została uformowana w gotową formę, z której później czerpało wzorce niejedne pokolenie kompozytorów europejskich. „Znak marki”

Na początku koncertu Vivaldi miał trzy akordy orkiestrowe. Wnikliwa wenecka publiczność nazwała je „uderzeniami młota Vivaldiego”.

Cykl 1_"evp-o aggtyupyuo (Inspiracja harmoniczna), wydawany w latach 1711-1717 w Amsterdamie, jest jednym z najsłynniejszych cykli koncertowych w spuściźnie Vivaldiego. Dwanaście koncertów z tego cyklu stało się powszechnie znane jeszcze przed drukiem. wydanie I_"evp-o agtopiso nazwisko kompozytora stało się sławne w całej Europie. Sam J. S. Bach dokonał transkrypcji na klawesyn dla kilku koncertów.

Cykl zawiera cztery koncerty na czworo skrzypiec solo, cztery na dwoje i cztery na jedno. Nawiasem mówiąc, później Vivaldi nie pisał już (z jednym wyjątkiem) koncertów na czworo skrzypiec solo.

Pierwsi słuchacze „Harmonic Inspiration” przeżyli zachwyt i zdumienie. Zachwytu i zdumienia wciąż doświadczają ci, którzy po raz pierwszy słyszą І_ „еigo агtopіso. Już za naszych czasów badacz pisał o tym cyklu: „Wydaje się, że w luksusowej sali epoki baroku otwierały się okna i drzwi, a wolna natura wkroczyła z pozdrowieniem; muzyka brzmi dumnym, majestatycznym patosem, nieznanym jeszcze XVII wieku: okrzykiem obywatela świata”.

A. Visentiniego. Koncert w małym pałacyku (fragment).