Wszystkie gatunki muzyczne. Teoria muzyki: historia rozwoju gatunków muzycznych, styl muzyczny

Istnieje ogromna różnorodność gatunków i trendów muzycznych. Jeśli zaczniesz wymieniać gatunki muzyczne, lista będzie po prostu nieskończona, ponieważ z roku na rok pojawiają się dziesiątki nowych ruchów muzycznych na pograniczu różnych stylów. Wynika to z rozwoju technologii muzycznych, nowych osiągnięć w dziedzinie realizacji dźwięku, produkcji dźwięku, ale przede wszystkim – z potrzebą człowieka na niepowtarzalne brzmienie, z pragnieniem nowych emocji i wrażeń. Tak czy inaczej, istnieją cztery szerokie ruchy muzyczne, które w taki czy inny sposób dały początek wszystkim innym stylom. Nie ma też między nimi wyraźnych granic, a mimo to produkcja produktu muzycznego, treść utworów i struktura aranżacji zauważalnie się od siebie różnią. Jakie są więc różne gatunki muzyki wokalnej, przynajmniej te główne?

Muzyka pop

Muzyka pop to nie tylko ruch, ale cała kultura masowa. Piosenka jest jedyną formą akceptowalną w gatunku pop.

Kluczowymi punktami w tworzeniu popowej kompozycji są obecność najprostszej i zapadającej w pamięć melodii, konstrukcja na zasadzie zwrotka-refren, a rytm i ludzki głos są wysuwane na pierwszy plan w dźwięku. Celem, dla którego tworzona jest muzyka pop, jest wyłącznie rozrywka. Artysta popowy nie może obejść się bez baletu pokazowego, występów scenicznych i oczywiście drogich klipów wideo.

Muzyka pop jest produktem komercyjnym, dlatego stale zmienia brzmienie w zależności od stylu będącego u szczytu popularności. Na przykład, gdy w Stanach Zjednoczonych panował jazz, popularni stali się wykonawcy tacy jak Frank Sinatra. We Francji piosenka zawsze była honorowana, dlatego Mireille Mathieu i Patricia Kaas to wyjątkowe francuskie ikony popu. Kiedy nadeszła fala popularności muzyki rockowej, artyści popowi szeroko wykorzystywali w swoich kompozycjach gitarowe riffy (Michael Jackson), wtedy nastała era mieszania popu i disco (Madonna, Abba), popu i hip-hopu (Beastie Boys) itp.

Gwiazdy współczesnego świata (Madonna, Britney Spears, Beyonce, Lady Gaga) podchwyciły falę rytmu i bluesa i rozwijają ją w swojej twórczości.

Głaz

W muzyce rockowej prym wiedzie gitara elektryczna, a punktem kulminacyjnym utworu jest zwykle wyraziste solo gitarzysty. Sekcja rytmiczna jest ciężka, a schemat muzyczny często skomplikowany. Mile widziany nie tylko potężny wokal, ale także opanowanie techniki splitowania, krzyku, growlingu i wszelkiego rodzaju ryków.

Rock to sfera eksperymentów, wyrażania własnych myśli, a czasem rewolucyjnych ocen. Tematyka tekstów jest dość szeroka: struktura społeczna, polityczna i religijna społeczeństwa, problemy i doświadczenia osobiste. Trudno wyobrazić sobie artystę rockowego bez własnego zespołu, ponieważ występy odbywają się wyłącznie na żywo.

Najpopularniejsze gatunki muzyki rockowej - lista i przykłady:

• rock and roll (Elvis Presley, The Beatles);
• rock instrumentalny (Joe Satriani, Frank Zappa);
• hard rock (Led Zeppelin, Deep Purple);
• glam rock (Aerosmith, Queen);
• punk rock (Sex Pistols, Green Day);
• metal (Iron Maiden, Korn, Deftones);
• (Nirvana, Red Hot Chili Peppers, 3 Doors Down) itp.

Jazz

Opisując współczesne gatunki muzyczne, listę warto zacząć od jazzu, gdyż wywarł on ogromny wpływ na rozwój innych gatunków, w tym popu i rocka. Jazz to muzyka oparta na motywach afrykańskich, sprowadzonych do Stanów Zjednoczonych z Afryki Zachodniej przez czarnych niewolników. Na przestrzeni stulecia swojego istnienia kierunek znacznie się zmienił, ale niezmienna pozostaje pasja do improwizacji, swobodnego rytmu i powszechne wykorzystanie Legendy jazzu to m.in.: Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Duke Ellington i in.

Elektroniczny

XXI wiek to era elektroniki, a kierunek elektroniczny w muzyce zajmuje dziś jedną z czołowych pozycji. Tutaj zakłady nie są obstawiane na instrumentach na żywo, ale na syntezatorach elektronicznych i emulatorach dźwięku komputerowego.

Oto najpopularniejsze i najbardziej poszukiwane gatunki muzyki elektronicznej, których lista daje ogólny pogląd:

• dom (David Guetta, Benny Benassi);
• techno (Adam Beyer, Juan Atkins);
• dubstep (Skrillex, Skream);
• trans (Paul van Dyk, Van Armina Buurena) itp.

Muzycy nie są zainteresowani trzymaniem się granic stylu, dlatego relacje między wykonawcami a stylami są zawsze dość arbitralne. Gatunki muzyczne, których lista nie ogranicza się do wyżej wymienionych obszarów, w ostatnim czasie tracą swoje charakterystyczne cechy: mieszanka wykonawców gatunki muzyczne, w muzyce zawsze jest miejsce na niesamowite odkrycia i niepowtarzalne znaleziska, a słuchacz za każdym razem jest zainteresowany zapoznaniem się z najnowszymi nowinkami muzycznymi.

Muzyka istnieje od zawsze, od pojawienia się człowieka. Wraz z pojawieniem się wszelkiego rodzaju narzędzi ludzkich.
Muzyka towarzyszy nam wszędzie, wszędzie w rzeczywistości, a nawet w naszych snach. Muzyka rodzi się we wszystkim, co nas otacza. Nawet twój własny oddech, gdy go usłyszysz, można uznać za melodię.

Nie sposób wyobrazić sobie żadnego wydarzenia bez muzyki. Muzyka relaksuje, podnosi na duchu i odwraca uwagę od smutku i nudy. Muzyka daje nowe życie, leczy choroby. Słuchanie muzyki często staje się sztuką. Muzyka jednoczy i łączy.

Muzyka to rozrywka, która jest zawsze pod ręką. Można jej słuchać wszędzie, w samochodzie, w autobusie, w pociągu, na ulicy, w domu, w telewizji, w radiu, a nawet w sklepie, kupując zabawki dla dzieci. Można po prostu usiąść w jednym miejscu i słuchać muzyki grającej w uszach. Nowoczesne technologie umożliwiają słuchanie muzyki podczas spaceru ulicą czy korzystania z komunikacji miejskiej na zajęcia, do pracy czy na spotkanie.

Muzyka dla niektórych jest to sposób na życie, życie w ogóle. Żyją i oddychają muzyką, kładą się przy niej i budzą się z nią. Ludzie muzyki, muzycy tak bardzo różnią się od zwykłych ludzi, że od razu można wskazać takich ludzi palcem i bezbłędnie powiedzieć: „to jest muzyk”. Muzyków wyróżnia oryginalność w wyglądzie, zachowaniu i poglądach na wszystko. Bardzo interesująca jest komunikacja z nimi, ale jednocześnie dość trudna, ponieważ nie są z tego świata. Jak każdy kreatywna osoba, muzyk jest bardzo wrażliwy, nie może wybaczyć, że ktoś nie myśli tak samo jak on.

Muzyk patrzy na świat i innych z innej perspektywy niż zwykły człowiek. Muzycy reprezentujący różne gatunki muzyczne mają bardzo różne poglądy na otaczający ich świat. Na przykład rockman widzi świat w ciemnych kolorach, a piosenkarz popowy widzi świat w różu. Hip-hop często widzi wszystko i wszystkich wokół w kiepskich kolorach. I tak dalej.

Muzyka jest tak różnorodna, że ​​czasami bardzo trudno nadać właściwy kierunek konkretnej kompozycji.
Wszyscy ludzie w każdym wieku słuchają i kochają muzykę, ale nie wszyscy. Niektórzy ludzie słuchają tylko muzyki pop i nie tolerują wszystkich innych gatunków. A ludzie, którzy słuchają rocka lub rapu, nie znoszą popu i chanson. Są też ludzie, którzy nie rozumieją współczesnych trendów muzycznych i dlatego słuchają piosenek retro, folkowych czy muzyki klasycznej.

Ilu ludzi, tyle preferencji muzycznych.

Tylko w przypadku, gdy różni ludzie słuchają różnych stylów muzycznych, nigdy nie będą w stanie się zrozumieć. Rockowiec nie jest w stanie wyjaśnić znaczenia popowych piosenek i wypowiedzi popkulturowych. I odwrotnie, bardzo trudno jest wytłumaczyć fanowi muzyki klubowej lub popu krzyki i wrzaski używane w muzyce rockowej, zwłaszcza jeśli jest to hard rock. Mówimy tu o różnych kulturach. Podobnie jak religia, różne kultury muzyczne mają swoje własne zasady, przepisy i normy, które nie są do siebie podobne. Przedstawiciele różnych ruchów muzycznych, a co za tym idzie kultur, nie są w stanie zrozumieć przedstawicieli innych ruchów, podobnie jak przedstawiciele innych religii.

Jakie zatem kierunki (style) muzyki istnieją? A jakie są ich cechy?

Rodzajów muzyki jest całkiem sporo. Łączą się w duże grupy.

1. Kierunek: muzyka klasyczna.

Muzyka z przeszłości to znane na całym świecie dzieła sztuki muzycznej autorstwa utalentowanych autorów od Boga. Dziedzictwo kulturowe świata, którego kojące dźwięki uznawane są za arcydzieła świata i żyją nawet po dziesiątkach i setkach lat. Najwybitniejsi przedstawiciele: Bach, Schubert, Czajkowski, Schmidt i wielu innych, których nazwiska, gdy zostaną wymienione, wszyscy uznają i szanują ich talent muzyczny. Tego kierunku nie trzeba rozszyfrowywać, każdy poprawnie zna i reprezentuje muzykę klasyczną. Dlatego nie będziemy długo rozwodzić się nad tym kierunkiem.

2.Kierunek: muzyka pop.

Muzyka popularna, muzyka dla każdego, szerokie grono odbiorców.
Muzyka pop ma podwójne znaczenie. Ogólnie rzecz biorąc, muzyka pop to ogólnie cała muzyka współczesna wykonywana i słuchana współcześni ludzie. Obejmuje wszystkie kierunki z wyjątkiem muzyki ludowej i klasycznej. Drugie znaczenie to muzyka pop jako odrębny kierunek muzyczny, który charakteryzuje się rytmiką, melodią i tanecznym brzmieniem. Nacisk położony jest na głos i teksty, a następnie na wykonanie instrumentalne. Zasada zwrotka+hi+wersja jest podstawą piosenek muzyki pop. Znaczenie piosenek tego kierunku: miłość, przeżycia miłosne, smutek, melancholia i wesoły nastrój. W tych piosenkach nie ma głębokiego znaczenia. Słowa i muzyka są tak dobrane, że można tańczyć do upadłego. Tańcz i nie myśl o niczym. To muzyka bardzo lekka, spokojna i naładowana pozytywną energią. Wykonawcy tego nurtu to bystrzy, nieco zdeprawowani ludzie, zawsze w centrum uwagi, najczęściej z powodu skandali, dzięki którym zasługują na szeroką uwagę. Muzyka pop ma wielu fanów, głównie dzięki temu, że słychać ją wszędzie: w radiu, telewizji i Internecie. Z łatwością usłyszysz go w autobusie, metrze i wszędzie tam, gdzie jest odtwarzacz. W dyskotekach grana jest muzyka pop. Choć ten rodzaj muzyki jest pełen pozytywnych emocji, to jednak nie niesie ze sobą głębokiego znaczenia. Jest pusta w treści, tylko garść słów, szczególnie we współczesnym świecie.
Ale można go używać do rozrywki.

3. Kierunek: muzyka hip-hopowa.

Kierunek ten obejmuje kilka stylów muzycznych, z których najbardziej znane to rap i R'n'B. Jako subkultura obejmuje także breakdance i graffiti.
Jeśli spojrzymy na historię powstania ruchu hip-hopowego, możemy zauważyć, że ruch ten narodził się z Afroamerykanów, którzy swoją kreatywnością walczyli z niesprawiedliwością wobec swojej rasy, a także opowiadali o swoim sposobie życia. Oznacza to, że w tym kierunku zmierza muzyka ze slumsów i upośledzonych, biednych afroamerykańskich obszarów Ameryki.

Z biegiem czasu hip-hop poprawił się i stopniowo zaczął zdobywać szerszą publiczność, jego tańce, zwane breakdance, z wszelkiego rodzaju niewyobrażalnymi ruchami ciała, wyraźnie ujawniając znaczenie „hip-hopu” - ruchów progresywnych, skoków mentalnych, ruchów rosnących. Poza tym sztuka zwana „graffiti”, czyli malowanie puszkami aerozolu na ścianach lub w innych miejscach, znaczenie takich obrazów jest podobne do znaczenia ruchu hip-hopowego - walki z niesprawiedliwością w własnym traktowaniu biednych.
Ogólnie hip-hop kojarzy się z rapem i przedstawicielami rapu. Są to młodzi ludzie (przeważnie ciemnoskórzy) w strojach sportowych lub szerokich spodniach/dżinsach, w dużych tenisówkach, z krótkimi dredami na głowie lub w czapkach baseballowych z prostym daszkiem, a także z masywną biżuterią na szyi i palcach, rapujący z głębokimi tekstami protestu, wyśmiewania bogatych, a także mówienia o niesprawiedliwościach w ich życiu.
Ewoluując, ten kierunek zyskał jeszcze więcej ulepszeń, dodając młody i bardziej rozrywkowy kierunek, taki jak R'n'B. Styl tańca hip-hopowego, który także opowiada o życiu biednych obszarów, ale nie w smutny sposób.

Ogólnie rzecz biorąc, kierunek muzyczny, taki jak hip-hop, będąc tylko kierunkiem muzycznym, stał się już całą kulturą, bardzo dochodową branżą odnoszącą sukcesy komercyjne, a nawet sposobem na życie.

4. Kierunek: muzyka rockowa.

Być może najbardziej rozbudowany i różnorodny kierunek muzyki. Od lekkich po bardzo ciężkie. Czasem od niemożliwego brzmienia po melodyjność.

Ten kierunek muzyczny wywodzi się z takiego kierunku muzycznego jak blues. Jeśli sięgniemy do historii rocka, możemy wyraźnie prześledzić jego rozwój od najlżejszych kierunków melodycznych, które wcale nie są charakterystyczne dla współczesnego rozumienia muzyki rockowej. Pierwsi wykonawcy muzyki rockowej bardzo różnią się od współczesnych rockmanów. Trudno byłoby ich w ogóle nazwać rockmanami, gdyby teraz byli artystami rockowymi. Muzyka rockowa pojawiła się jako ruch w latach 60. XX wieku, nie było wtedy ciężkiej perkusji, ciężkich riffów i krzyków, nie było drgań na scenie i długich włosów wśród muzyków. Podczas występów nie doszło do zniszczenia instrumentów. To zaczęło się pojawiać później. Piosenki zawierały znaczenie miłości między dwojgiem ludzi, a później miłości do wszystkiego. Również znaczenie piosenek tego rocka może mieć abstrakcyjne motywy. W ogóle muzyka rockowa jako kierunek muzyczny nie wyróżniała się jakoś specjalnie, jak ma to miejsce obecnie. Przecież teraz muzyka rockowa i jej uczestnicy są przedstawicielami odrębnej subkultury. Kultury konfrontacji ze wszystkim, co znane, narzucające standardowe myślenie i postawy wobec świata i jego poszczególnych części. Podgrupy takie jak hippisi, goci, emo i inne są przedstawicielami tego kierunku muzyki, jedynie jego poszczególnych podkierunków. W końcu muzyka rockowa ma nieskończoną liczbę kierunków. Zaczynając od najlżejszych, jak pop rock czy blues rock, a kończąc na przykład na hard rocku, metalu i rocku gotyckim.
Przedstawiciele muzyki rockowej mają swoją osobliwość, która odróżnia ją od wszystkich innych kierunków. Mianowicie. Obowiązkowa obecność zespołu (grupy muzyków) na którego czele stoi solista (wokalista, frontman), jeden, dwóch lub trzech (ale częściej dwóch) gitarzystów, perkusista oraz klawiszowiec, ale nie jest to wymagane. Wykonywanie utworów napisanych własnoręcznie i nic więcej. Obowiązkowe występy publiczne na żywo, najczęściej w formie hałaśliwej, emocjonalnej i tętniącej życiem. Gitarowe riffy, ryk tłumu, ochrypły głos wokalisty – tak można opisać klasyczny zespół rockowy. Główny nacisk w muzyce rockowej położony jest na grę instrumentów, czyli gitar i perkusji, a następnie na brzmienie głosu.

Wymowa utworów muzyki rockowej bardzo często waha się od żałobnych, czasem tragicznych, po filozoficzne, o głębokim znaczeniu, od chuligańskich, pozbawionych sensu po trudne moralnie, z refleksjami na temat życia i śmierci (zwykle tej drugiej).
Muzyk rockowy zawsze nosi luźne ubrania, od chuligańskich ubrań: tenisówki, dżinsy, T-shirt, czapka z daszkiem, po całkowicie czarne, z metalowymi ozdobami, dekoracjami w postaci czaszek, krzyżyków i tym podobnych. Zdarza się również, że muzycy ubrani są w całości lub w części w skórę. Wszystko zależy od kierunku rocka, w którym muzyk pracuje. Muzycy tego gatunku prawie zawsze są wytatuowani lub przekłuci.
Nie bez powodu muzyka rockowa to cała kultura, bo to właśnie muzyka rockowa ma największą publiczność, zarówno młodzież, jak i część osób starszych. To tutaj człowiek może odłączyć się od wszystkich zwykłych stereotypów, od nudnych zasad życia. Po prostu przeciwstawia się temu wszystkiemu i żyje w całkowitej wolności. I nikt nie powie nic przeciwko niemu, będą go tylko chwalić.

Trend ten ma jednak także swoich najgorszych wrogów, którzy nienawidzą wszystkiego, co jest związane z rockowym wizerunkiem. Jest to tak zwany „pop”. Od wielu lat muzyka pop i muzyka rockowa są ze sobą w sprzeczności i nie mogą się znieść.
Z roku na rok pojawia się coraz więcej gatunków muzyki rockowej. Każdy nowy kierunek trudno przypisać jednej osobie, dlatego na scenie rockowej jest kolosalnie ogromna liczba muzyków, która nie będzie się zmniejszać.

Każdy, kto ma słuch muzyczny, umie grać na gitarze i myśli inaczej, a także potrafi pisać wiersze i podkładać do nich muzykę, może zostać muzykiem rockowym. To właśnie przyciąga coraz więcej młodych ludzi do muzyki rockowej i życia w rockowym stylu.
Jest jeszcze jedna cecha tego kierunku. Muzykę rockową można idealnie połączyć z dowolnym innym kierunkiem, a wtedy w połączeniu nadal będzie należeć do rockowego kierunku muzyki.
Stąd wielka różnorodność tego wyjątkowego i bardzo popularnego kierunku muzycznego.

5. Kierunek: muzyka elektroniczna.

Muzyka ta jest syntezą dźwięków i melodii powstałych na syntezatorze, komputerze i innych instrumentach elektronicznych, w tym na gitarze elektronicznej. Kompozycje tworzone w tym kierunku wyrastają ze świata elektronicznego, często prezentują jedynie odrębną melodię, a jeśli występuje brzmienie słowne, to również jest ono tworzone sztucznie. Ten rodzaj muzyki skierowany jest do tanecznej części swoich słuchaczy; częściej niż inne rodzaje muzyki jest wykorzystywany na dyskotekach i różnych imprezach. Powszechnym wyrazem kompozycji w tym kierunku są wszelkiego rodzaju remiksy znanych piosenek. Muzyka elektroniczna tworzona jest w całości przy pomocy sprzętu muzycznego i nie niesie ze sobą żywego brzmienia znanych wszystkim instrumentów muzycznych ani głosów wykonawców.

Ta muzyka jest stworzona do tańca i imprez. Z reguły w muzyce elektronicznej nie odbywają się koncerty, ale występy muzyczne są obowiązkowym atrybutem i są bardzo zatłoczone i tętniące życiem. W tej formie, jak wszyscy jesteśmy przyzwyczajeni, ten kierunek muzyki istnieje stosunkowo krótko. Ale początki sięgają początku XIX do końca XX wieku. To właśnie w ciągu tych stuleci wynaleziono fonautograf, fonograf dyskowy, audion i tak dalej. Wynalazki te stały się pierwszymi urządzeniami muzyki elektronicznej. Oczywiście nie można ich porównywać ze wszystkimi dzisiejszymi ulepszeniami muzyczny świat, ale to właśnie te wynalazki położyły podwaliny pod cały kierunek muzyczny, bez którego współczesny świat nie może się obejść.

6. Kierunki: Jazz i Blues.

Początki tych dwóch kierunków mają to samo źródło – emocjonalne zabarwienie Afroamerykanów, ich zwyczaje i sposób życia. Obydwa rodzaje muzyki są efektem pieśni robotniczych i pieśni afroamerykańskich niewolników pracujących na plantacjach i wykonujących ciężką pracę. Różnica polega na wykonaniu, używanych instrumentach oraz obecności lub braku improwizacji.
Jazz - jego klasyczne brzmienie i istnienie oznacza obecność zespołu jazzowego (zespołu muzycznego grającego na różnych instrumentach muzycznych), skupiającego się wyłącznie na brzmieniu instrumentów dętych, takich jak saksofon, trąbka itp., a także fortepianu, perkusji i gitary. Główną cechą wyróżniającą ten kierunek jest improwizacja. Jeśli usłyszysz lekką, wręcz komiczną grę z dźwiękiem saksofonu, od razu możesz mówić o jazzie.

Blues to kierunek muzyczny bardzo podobny do bluesa, jednak wciąż posiadający swoje własne cechy charakterystyczne. Ten kierunek muzyczny może się poszczycić tym, że z niego wywodziły się niemal wszystkie rodzaje muzyki. Przede wszystkim dotyczy to jazzu. To blues stał się rodzicem jazzu i dlatego te dwa kierunki mają podobne cechy i czasami dość trudne do rozróżnienia kompozycje. Muzykę tego kierunku można określić jako dialog pomiędzy instrumentami w strukturze „pytanie-odpowiedź”. Podstawą jest jeden instrument główny, a wszystkie pozostałe już na nim grają, zamieniając się w jedno żywe brzmienie, mające charakter improwizacyjny. Ogólnie rzecz biorąc, jeśli spojrzymy na historię powstania tego ruchu, możemy śmiało powiedzieć, że kierunek tej muzyki stanowi ucieleśnienie bolesnej kwestii afroamerykańskich niewolników i robotników.

Więc,

Krótko omówiono 6 kierunków muzyka współczesna. Każdy z nich ma swoją własną charakterystykę i wyróżnia się nią charakterystyczne cechy. Każde z nich jest pod pewnymi względami podobne, ale to właśnie dzięki swoim odrębnościom mieszczą się w ich definicji.

Ogólnie rzecz biorąc, muzyka w ogóle jest czymś, bez czego nie można się obejść nigdzie. Niezależnie od tego, czy jest to impreza, ślub, urodziny, rocznica, pogrzeb czy inne wydarzenie, muzyka jest narzędziem, które nie tylko łączy ludzi, ale także dodaje im siły, energii i życia. Dlatego muzyka, czymkolwiek by nie była, jest jednym z wyjątkowych wynalazków ludzkości.

Muzyka jest stale obecna w życiu człowieka. Żadne specjalne wydarzenie nie jest kompletne bez niego; z jego pomocą ludzie odpoczywają dzień pracy. Jednak nie każdy wie, jaki to rodzaj muzyki – my po prostu ją lubimy.

Nie każdy wie, jakie rodzaje muzyki istnieją. Motywy muzyczne mogą być różnorodne – od melodyjnych po mocne, o wysokim tonie. Muzyka, którą wybieramy, przynosi spokój i podnosi na duchu. Słuchanie muzyki jest jak sztuka. Jednoczy i łączy ze sobą.

Jeśli chodzi o rodzaje muzyki, trudno sobie nawet wyobrazić, jak bardzo jest ona różnorodna. Dlatego każdy człowiek na Ziemi może wybrać melodię, która najlepiej go charakteryzuje dusza ludzka i charakter. Dlatego dzisiaj rozważymy tak szczegółowo, jak to możliwe, jakie rodzaje muzyki istnieją.

Klasyfikacja stylu

Obszarów, które pozwalają na indywidualny dobór repertuaru odsłuchowego i wykonawczego, jest wiele. Style muzyczne są następujące.

Klasyczny

Motywy z ubiegłego wieku, wywodzące się od utalentowanych kompozytorów: Bacha, Schuberta, Czajkowskiego, Schmidta. Klasyka to kompozycje oparte na głębokim znaczeniu i treści, połączone z perfekcją formy. Klasyka współczesności może nawiązywać do dzieła powstałego w odległej przeszłości, ale może być obecna w kompozycjach współczesnych.

Styl popowy

Muzyka cieszy się popularnością wśród młodych ludzi, ma wesoły motyw i prostą fabułę. Zaprojektowane na specjalne okazje, gdzie wymagany jest taniec.

Muzykę pop charakteryzuje poruszający rytm, głos i tekst są podkreślone w całej kompozycji. Muzyka popowa często tworzona jest w oparciu o przeżycia o charakterze miłosnym. Piosenkarze popowi mają wielu fanów, dzięki którym przez długi czas pozostają poszukiwani na scenie.

Hip-hop

Styl składa się z różnych stylów muzycznych, opiera się na rapie i R'n'B. Najbardziej odpowiedni do wykonywania układów tanecznych, takich jak breakdance i graffiti. Ten rodzaj muzyki jest popularny wśród nastolatków, którzy chcą wyróżnić się w tłumie swoich rówieśników.

Rap stworzyli ciemnoskórzy faceci, którzy preferowali szerokie dżinsy z niskim stanem i grube tenisówki. Takie ubrania pozwalają na swobodę ruchu i tworzenie nowych improwizacji tanecznych. Rap charakteryzuje się tekstami, które odzwierciedlają sytuację życiową w walce z niesprawiedliwością.

Muzyka rockowa

Ten rodzaj stylu charakteryzuje się wysokimi nutami i złożonymi tekstami. Główną różnicą w stosunku do innych rodzajów muzyki jest ubiór wykonawców: tenisówki, dżinsy, T-shirt, czapka z daszkiem (często czarna) z masywnymi dekoracjami w postaci czaszki i krzyżyków.

Muzycy rockowi prawie zawsze mają tatuaże lub kolczyki. Aby móc wykonywać muzykę rockową, grupa musi mieć wokalistę wokalnego i osoby potrafiące grać na instrumentach elektronicznych. Kierunek rockowy kładzie nacisk na reprodukcję dźwięku i głos wykonawcy. Znaczenie pieśni może być najbardziej prymitywne lub filozoficznie głębokie.

Elektroniczny

Kompozycje grane są na specjalnym instrumencie wzmacniającym – syntezatorze. Jako dodatek do zestawu dołączono gitary elektroniczne. Muzyka tego typu jest syntezą dźwięków o różnych tonach.

Styl przeznaczony do użytku na dyskotekach i imprezach. Muzyka elektroniczna odtwarzana jest na sprzęcie, nie ma w niej występu na żywo. Dziś ten kierunek służy tworzeniu remiksów znanych kompozycji z poprzednich lat.

Jazz

Wykonywany na saksofonie, trąbce i rzadko na fortepianie, perkusji, gitarze. Jazz przeznaczony jest dla wąskiej grupy fanów.

Blues

Odtwarzanie opiera się na jednym instrumencie, do którego dopasowywane są inne, aby w ogólności wydobyć jedno brzmienie o charakterze improwizacyjnym.

Kraj

Kierunek muzyczny przejęty od mieszkańców Ameryki Północnej. Ten kierunek obejmuje amerykański folklor i epopeję kowbojską z Dzikiego Zachodu. Możliwość grania muzyki country na gitarze, banjo, skrzypcach.

Alternatywny

Ten rodzaj muzycznego wykonania opiera się na subkulturach różnych krajów. Styl obejmuje hip-hop, hardcor.

Wokal

Występ jednego solisty lub całego chóru bez akompaniamentu muzycznego. Możliwe jest również śpiewanie na różnych instrumentach, od skrzypiec po gitarę. Wokale oznaczają występy kameralne, operowe i chóralne.

Metal

Muzyka grana na instrumentach perkusyjnych wytwarzających wysokie dźwięki. Często trudno jest tego słuchać.

Wykonawcy tego stylu noszą charakterystyczne stroje i mają szczególny wygląd, który podkreśla indywidualność wybranego gatunku. Przeznaczone dla określonej grupy odbiorców.

Nowy wiek

Styl łączy w sobie muzykę elektroniczną i etniczną. Takie melodie działają relaksująco, podnoszą na duchu i naładowują optymizmem. W New Age performerzy zwracają się do tematu dzikiej przyrody, kultury narodowej i samowiedzy. Jednak tej muzyki nie można nazwać religijną – nie ma ona nic wspólnego z religią.

Punk

Kierunek muzyczny powstał na początku lat 70. i miał nazwę - protest społeczno-muzyczny. Kierunek punk jest podstawą do powstania takich stylów jak hardcor, thrash i grunge.

Romans

Melodycznie brzmiące kompozycje o zawiłej fabule. Wykonywany przy akompaniamencie fortepianu lub skrzypiec. Romanse są klasyfikowane według takich gatunków, jak ballady, elegie i barkarole.

Rosyjska piosenka bardów

Styl składa się z połączenia dzieł kameralnych, w tym romansu i pieśni. Kierownictwo barda często ma jeden motyw o znaczeniu przestępczym.

Reggae

Styl afro-karaibski, śpiewany głębokim barytonem. Kompozycje opierają się na naukach religijnych i filozoficznych.

Ludowy

Łączy folklor poetycki ludowy z rytmami tanecznymi. Występował w zespole chóralnym. Znaczenie tego kierunku polega na przeniesieniu tradycji przodków na współczesnych ludzi.

Chanson

We współczesnym świecie łączy pieśni bardów i złodziei.

Awangarda

Styl o indywidualnym znaczeniu, który często wiąże się z eksperymentowaniem ze stylami muzycznymi.

Piosenka autorska

Styl muzyczny, w którym wykonawca gra sam na gitarze. Wykonywane są także kompozycje autorskie i amatorskie. Piosenka nie wymaga wcześniejszego szkolenia wokalnego.

Instrumentalny

Kompozycje powstają przy użyciu instrumentów muzycznych bez występu solowego.

Trans

Muzyka wytwarzająca szereg wibracji dźwiękowych, od dźwięków cichych po bardziej wzmocnione tony. Celem gatunku muzyki trance jest przekazywanie dźwięku o częstotliwości 150 bpm.

Po rozważeniu, jakie istnieją rodzaje muzyki, możemy zauważyć, że wszystkie są nieco podobne, ale w swoich charakterystycznych cechach mają różne definicje.

Muzyka ta wykonywana jest przez pokolenie muzyków wychowanych na jazzie, funku i hip-hopie, wykorzystując elementy wszystkich trzech części. Takie cechy Acid Jazzu, jak ciężka perkusja, a także występy głównie na żywo, stawiają ten styl bliżej jazzu i muzyki afro-kubańskiej niż innym. style taneczne. Z drugiej strony podkreślony rytm przybliża Acid Jazz do funku i hip-hopu. Sam termin pojawił się po raz pierwszy w 1988 roku, zarówno jako nazwa amerykańskiej wytwórni płytowej, jak i angielskiej serii kolekcji, na których ponownie wydano muzykę jazzową i funkową lat 70., a którą Brytyjczycy nazywali wcześniej „rzadkim rytmem”. Na przełomie lat 80. i 90. pojawiło się wielu wykonawców Acid Jazz, którzy obaj byli zespołami „na żywo” - Stereo MC's, James Taylor Quartet, The Brand New Heavies, Groove Collective, Galliano, Jamiroquai oraz projekty studyjne - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, Outside i United Future Organisation.

W przeważającej części gatunek Alternative charakteryzuje się tymi samymi cechami, które zawsze były charakterystyczne dla Heavy Metalu (potężne, głośne gitary i młotkowe riffy), ale jednocześnie alternatywny kierunek wzbogacił gatunek o punkową koncepcję. Zamiast trzymać się tradycyjnie frywolnych tematów, które dominowały w głównym nurcie Heavy Metalu, zespoły Alternative Metal próbowały zająć się głębszymi kwestiami w swojej twórczości, podobnie jak Metallica, ale bez ich lekkomyślnie szybkich solówek gitarowych i ochrypłego, ryczącego wokalu.
Właściwie w muzyce alternatywni metalowcy początkowo trzymali się bardziej atonalnych (nieharmonijnych) melodii niż tradycyjne zespoły metalowe. Jednak po Wielkim Przełomie Nirvany na początku lat 90., kiedy grunge zdominował hard rock, cechy charakterystyczne Metal alternatywny stał się bardziej rozmyty: gatunek zaczął się rozciągać od walącego, dysonansowego Helmet po ważne, majestatyczne riffy Stone Temple Pilots... Wkrótce większość nowych zespołów metalowych była postrzegana wyłącznie jako alternatywna, choć poza występami koncertowymi i charakterystyczny, rozmyty dźwięk przesterowany, niewiele różniło ich od tradycyjnych metalowców.

Ambient powstał na bazie eksperymentów z syntezą muzyki elektronicznej takich muzyków jak Brian Eno i Kraftwerk oraz dance trance techno lat 80-tych XX wieku. Ambient wykorzystuje technologię elektronicznego pogłosu i dźwięku przestrzennego, gdzie ważną rolę odgrywa sama faktura dźwięku, a nie pisanie tekstów i muzyki. Muzyka zmienia się powoli i ma powtarzalny charakter, dlatego niedoświadczonemu słuchaczowi może wydawać się taka sama. Choć treść i barwa kompozycji wykonawców ambientowych znacznie się od siebie różnią. Styl ambientowy stał się popularną, kultową muzyką na początku lat 90-tych za sprawą muzyków ambient-techno Orb i Aphex Twin. Ambient dosłownie oznacza otaczający, otaczający, zanurzający. O pochodzeniu tego stylu krąży legenda, według której Ambient został wymyślony przez jednego z największych producentów dźwięku końca XX wieku, Briana Eno. Będąc już w szpitalu i leżąc przez długi czas przykuty do łóżka, Eno zaczął wsłuchiwać się w dźwięki dochodzące z okna swojego pokoju, szukając w nich ich wewnętrznej melodii. Następnie zaczął nagrywać odgłosy otoczenia i komponować z nich całe utwory. Następnie wydał to wszystko na kilku płytach pod ogólną nazwą Ambient. Oczywiście teraz musimy rozróżnić Ambient oryginalny i elektroniczny. Elektroniczny ambient to muzyka łagodna, przeciągła, pozbawiona wyraźnego rytmu. To spokojna muzyka, w której tło stanowią pętle szumów, a główna melodia gra dyskretnie i z reguły jest bardzo długa. Ambient często wykorzystuje fragmenty fraz, fragmenty dźwięków ze starych filmów, dźwięki high-tech i, co najważniejsze, dużo pogłosu i echa. Obecnie można znaleźć bardzo niewiele muzyki ambient w czystej postaci. Elementy ambientu są teraz obecne niemal we wszystkich stylach, od house po hip-hop, więc ten styl wpłynął na wszystkie inne i nie ma zamiaru wrócić w zapomnienie, skąd wyciągnął go Eno. Najbardziej znani muzycy Ambientu to Pete Namlook, Aphex Twin, Seefeel, The Future Sound of London, The Orb, Delerium.

Wywodzący się z płodnej sceny tanecznej w Miami (Freestyle) i Detroit (Electro) w połowie lat 80-tych, Bass Music przeniósł Funky-Breaks z estetyki lat 70-tych w erę cyfrową dzięki automatom perkusyjnym o wysokiej częstotliwości, zdolnym do napędzania takich szalone, ciężkie basy, których większość ówczesnej akustyki samochodowej lub klubowej nie mogła znieść. Pierwsi pionierzy z Miami to 2 Live Crew i DJ Magic Mike – to oni wepchnęli ten styl w charakterystyczny i obsesyjny tłum, podczas gdy pionierami z Detroit byli DJ Assault, DJ Godfather i DJ Bone, którzy zmiksowali to wszystko z techno, aby stworzyć niezwykle szybki , tempo, muzyka. Na początku lat 90. muzyka basowa znalazła się nawet na wielu listach przebojów tańca. Zespoły takie jak utwory 95 South i 69 Boyz „Whoot (There It Is)” i „Tootsee Roll” nie tylko trafiły na listy przebojów, ale zdobyły wielokrotną platynę.

Blues (angielski blues od niebieskich diabłów - melancholia, przygnębienie) to pojedyncza kompozycja bluesowa lub gatunek muzyki, który rozpowszechnił się w latach 20. XX wieku. Jest to jedno z osiągnięć kultury afroamerykańskiej. Powstał z takich etnicznych ruchów muzycznych czarnego społeczeństwa afroamerykańskiego, jak „pieśń robocza”, „duchowość” i cholera. Pod wieloma względami wywarł wpływ na współczesną muzykę popularną, zwłaszcza na takie gatunki jak „Pop” (angielska muzyka popularna), „Jazz” (angielski jazz), „Rock’n’roll” (angielski rock’n’roll). Dominującą formą bluesa jest ¾, gdzie pierwsze 4 takty są często grane na harmonii tonicznej, po 2 na subdominancie i tonice oraz po 2 na dominacji i tonice. Cecha charakterystyczna blues to „niebieskie nuty”. Często muzyka budowana jest w oparciu o strukturę „pytanie – odpowiedź”, wyrażającą się zarówno w treści lirycznej utworu, jak i w treści muzycznej, często zbudowanej na dialogu między instrumentami. Blues to improwizacyjna forma gatunku muzycznego, w której kompozycje często korzystają jedynie z głównego „szkieletu” wspierającego, jakim są instrumenty solowe. Oryginalny motyw bluesowy opiera się na zmysłowym społecznym elemencie życia populacji afroamerykańskiej, jego trudnościach i przeszkodach, które pojawiają się na drodze każdego czarnego człowieka.

Breaks Pomimo swoich „czarnych” korzeni, na początku lat dziewięćdziesiątych muzyka House uległa znacznemu uproszczeniu rytmicznemu i utraciła pierwotną energię czarnego getta. Wtedy właśnie pojawił się Breaks, który wykorzystywał brzmienia hip-hopu, reggae i rzadziej ragi.

Breakbeat to styl („połamany” beat), a ściślej cały kierunek, powstały na początku lat 90., ostatecznie ukształtowany stylistycznie w 1994 roku. Za miejsce jego urodzenia uważa się Wielką Brytanię, a głównymi miastami, w których początkowo ten styl stał się najbardziej rozpowszechniony, są Londyn i Bristol. Nazwa stylu w pełni oddaje jego istotę: żadnej bezpośredniości i czułości. Często termin „breakbeat” odnosi się do bardzo specyficznej, agresywnej muzyki w tempie około 130-140 bpm, z gęstym brzmieniem gitary, z wyraźnymi akcentami perkusyjnymi na 2. i 4. takcie oraz zamieszaniem wokół 3. taktu. Głównym kryterium definiowania „breakbeatu” jest czysta, praktycznie nieprzetworzona perkusja i perkusja (no może poza kompresją) oraz standardowy rytm 4/4. Celowość brzmienia podkreślają namacalne linie basu, wykorzystujące urządzenia analogowe typu „Roland TB-303”. Czasami dla ostatecznego patosu wykorzystuje się instrumenty dęte blaszane lub orkiestrę symfoniczną.

Chillout (od angielskiego Chillout, Chill out music) to styl muzyki elektronicznej, którego nazwa pochodzi od angielskiego słowa slangowego oznaczającego „relaks”.

Ruch chilloutowy, który powstał na początku lat 90., był wówczas stosunkowo stonowany i powolny. W tym czasie ukazało się kilka przełomowych albumów z tytułem „Chill Out”. Albumy te były także ściśle powiązane ze stylami downtempo, trip-hopem, powolnymi wersjami muzyki house, nu-jazzem, psybientem i lounge. Na ten styl muzyczny mają również wpływ style trance, ambient i kreatywna muzyka taneczna (IDM). Terminu „chill-out” używa się przede wszystkim do opisania muzyki tonalnej, „relaksującej” lub przynajmniej nie tak intensywnej jak jej poprzedniczki. Klasyfikowanie różnego rodzaju rytmów hipnotycznych jako relaksacyjnych jest błędne. Czasami zamiast chill-outu używa się nazwy „soft techno”.
Ostatnio chill-out stał się popularny wśród muzyków progresywnych trance i progresywny house, czyniąc ich twórczość bardziej zróżnicowaną. Dlatego czasami gatunek ten nazywany jest Ibiza Trance/Balearic House – od nazwy wyspy Ibiza, podobnie jak Goa-trance od nazwy Goa w Indiach. Muzyka ta oddaje klimat wyspy Ibiza i jak mówią fani gatunku, słuchając tej euforycznej i podnoszącej na duchu muzyki można żywo wyobrazić sobie śródziemnomorski zachód słońca. Efekt ten uzyskano poprzez wykorzystanie syntezowanych dźwięków instrumentów smyczkowych, dźwięków fal, mandolin i gitar, a także „szeptanego” wokalu.
Chill-out nazywany jest także wydzielonym parkietem na dość dużych koncertach (imprezach) w stylu Goa-trance i jego pochodnych, lub ogólnie strefą rekreacyjną w kluby taneczne. Chill-out zazwyczaj gra relaksującą muzykę w wyżej wymienionych stylach, a tańczący na głównym parkiecie przychodzą tam, aby się zrelaksować. Największe psy-eventy wyposażone są także w specjalny „ciemny” parkiet taneczny, na którym grany jest mroczny psytrance – swego rodzaju przeciwieństwo chilloutu.

Muzyka (od starogreckiego μουσική – sztuka muz) – sztuka intonacji; dzieło muzyczne. Działalność artystyczna w muzyce ma na celu materiał dźwiękowy (dźwięk muzyczny) - pojedyncze dźwięki lub zespoły dźwiękowe (ciągi harmoniczne, figury rytmiczne, interwały melodyczne, tryby, tonacje, efekty dźwięczne itp.), zorganizowane pod względem wysokości, czasu, barwy, głośności i inne relacje mające na celu ucieleśnienie specjalnej myśli figuratywnej, kojarzenie stanów i procesów świata zewnętrznego, wewnętrznych doświadczeń osoby z wrażeniami słuchowymi (obraz artystyczny).

Muzyka rockowa to ogólna nazwa wielu rodzajów muzyki, które istnieją od połowy lat pięćdziesiątych XX wieku. Słowo „skałać” - huśtać się - w tym przypadku wskazuje na wrażenia rytmiczne charakterystyczne dla tych kierunków, związane z określoną formą ruchu, przez analogię do „przewracania się”, „skręcania”, „huśtania”, „trząśnięcia” itp. Takie oznaki muzyki rockowej, takie jak użycie elektrycznych instrumentów muzycznych, samowystarczalność twórcza (muzycy rockowi zazwyczaj wykonują własne kompozycje) są drugorzędne i często mylące. Z tego powodu kwestionowana jest tożsamość niektórych stylów muzycznych jako rocka. Rock jest także szczególnym zjawiskiem subkulturowym; Subkultury, takie jak modowie, hipisi, punki, metalowcy i goci, są nierozerwalnie powiązane z pewnymi gatunkami muzyki rockowej.

Muzyka rockowa ma duża liczba kierunki: od lekkich gatunków takich jak dance rock and roll, pop rock, britpop po gatunki brutalne i agresywne - death metal i grind. Treść piosenek waha się od jasnej i swobodnej po mroczną, głęboką i filozoficzną. Muzykę rockową często przeciwstawia się muzyce pop i tzw. „pop”, choć pomiędzy pojęciami „rock” i „pop” nie ma wyraźnej granicy, a wiele zjawisk muzycznych balansuje na granicy między nimi.

Początki muzyki rockowej sięgają bluesa, z którego wywodzą się pierwsze gatunki rockowe – rock and roll i rockabilly. Pierwsze podgatunki muzyki rockowej powstały w ścisłym związku z folkiem i muzyką rockową muzyka popowa tamtych czasów - przede wszystkim folk, country, skiffle, musichall. W czasie jej istnienia podejmowano próby łączenia muzyki rockowej z niemal wszystkimi możliwymi rodzajami muzyki - z muzyką akademicką (art rock, pojawia się pod koniec lat 60.), jazzem (jazz rock, pojawia się w przełomie lat 60. i 70.), muzyką latynoską muzyka (rock latynoski, pojawia się pod koniec lat 60.), muzyka indyjska (raga rock, pojawia się w połowie lat 60.). W latach 60. i 70. pojawiły się prawie wszystkie największe podgatunki muzyki rockowej, z których największymi, oprócz wymienionych, są hard rock, punk rock i rock awangardowy. Na przełomie lat 70. i 80. pojawiły się takie gatunki muzyki rockowej, jak post-punk, nowa fala, rock alternatywny, wheat rock (choć pierwsi przedstawiciele tego kierunku pojawili się pod koniec lat 60.), hardcor (duży podgatunek punk rock), a także a także brutalne podgatunki metalu - death metal, black metal. W latach 90. szeroko rozwinęły się gatunki grunge (pojawił się w połowie lat 80.), Britpop (pojawił się w połowie lat 60.) i metal alternatywny (pojawił się pod koniec lat 80.).
Głównymi ośrodkami rozwoju muzyki rockowej są Stany Zjednoczone i Europa Zachodnia (zwłaszcza Wielka Brytania). Większość tekstów jest w języku angielskim. Jednak choć z reguły z pewnym opóźnieniem, narodowa muzyka rockowa pojawiła się w prawie wszystkich krajach. Rosyjskojęzyczna muzyka rockowa (tzw. rock rosyjski) pojawiła się w ZSRR już w latach 60. i 70. XX wieku. i osiągnął swój szczyt w latach 80. XX wieku, a następnie rozwijał się w latach 90. XX wieku.

Muzyka klubowa/dance obejmuje wiele innych stylów, od disco po hip-hop. W historii istnieje wiele różnych tańców wykonywanych do różnej muzyki tanecznej, w tym Club/Dance. Muzyka klubowa/dance stała się niezależnym stylem w połowie lat 70., kiedy Soul zmienił się w Disco, a całe kluby poświęciły się tańcu. W latach 75-77 kluby taneczne grały wyłącznie Disco, ale pod koniec dekady zmieniło się to i przeszło w inne formy stylistyczne. Wszystkie te formy zebrano pod jednym terminem „Club/Dance”; Dance-Pop, Hip-Hop, House i Techno, a wiele innych stylów mieściło się w tym grzebieniu. W sumie style te łączyło i łączy tylko jedno – rytm – w każdym stylu tańca rytm pozostaje najważniejszym warunkiem.

Club House, to odgałęzienie, powstało na początku lat 90-tych, kiedy Europę przetoczyła się fala muzyki komercyjnej. Tak jak w latach 80. dyskotekę nazywano typową muzyką klubową, tak w latach 90. powstał ruch, którego jedynym celem było pobudzenie ludzi do tańca. Krótko mówiąc, podstawa pozostała house, ale usunięto wszelkie dysonansowe kombinacje melodyczne, wokal stał się bardziej „słodki”, odrzucono także synkopy, które były „trudne” do uchwycenia dla przeciętnego słuchacza. Efektem jest muzyka prosta i przystępna, o prostym rytmie i prostym układzie. Niektóre odmiany takiej muzyki nazywane są także torebkami (nazwa pochodzi od rodzaju tańca, który małe dziewczynki wykonują na parkiecie). Za najciekawszą formę domu klubowego można uznać Mellow House, który wykorzystuje czyste relaksujące bity i odpowiadające im dźwięki.

Hip-hop/trip-hop

W terminologii muzyki rapowej hip-hop określany jest zazwyczaj jako kultura - czerpiąca ze ścian domów, breakdance i kręcąca winyl oprócz rapowych rymów - otaczająca muzykę. Jednak jako styl muzyczny hip-hop odnosi się do rodzaju muzyki tworzonej z uwzględnieniem wszystkich tych cech. Ponieważ kierunek ten kręcił się na scenie muzycznej już od dłuższego czasu, aby mieć historię swojego rozwoju, zespoły hip-hopowe zaczęły spoglądać wstecz na twórczość takich mistrzów starej szkoły, jak MC Kurtis Blow i Whodini, a także DJ-ów Arcymistrz Flash i Afrika Bambaataa. Tak naprawdę ostatni gwałtowny wzrost popularności (Zulu Nation) nastąpił pod koniec lat 80. wokół dwóch najsłynniejszych artystów hip-hopowych – De La Soul i A Tribe Called Quest. W latach 90., kiedy nastąpił prawdziwy przełom w muzyce rapowej, kilkudziesięciu muzyków hip-hopowych zaczęło wracać do korzeni starej szkoły („old school”), w tym tacy undergroundowi raperzy jak Mos Def i Pharoahe Monch.

W swej istocie hip-hop jest rytmicznym akompaniamentem do tekstów rapowych, wykonywanym w raczej spokojny sposób. Wykorzystuje minimalistyczne podejście do wykorzystania sampli, pętli i typowego grania na gramofonie. Główny ciężar spada na bas i gęste brzmienie perkusji. Grupy takie jak Public Enemy i inne wykorzystywały rytmy hip-hopowe, dodając do nich rapowe teksty o charakterze społecznym.

Kolejny przedstawiciel w długim szeregu trendów, które utknęły w brytyjskiej kulturze tanecznej na scenie post-acid house i szybko zmieniły nieustannie eksperymentujący underground. Trip-Hop został stworzony przez brytyjskie wydawnictwa muzyczne w celu scharakteryzowania nowy styl, składający się z muzyki downtempo, jazzu, funku i eksperymentalnego breakbeatu, który zaczął pojawiać się w 1993 roku. z udziałem takich wytwórni płytowych jak Mo'Wax, Ninja Tune, Cup of Tea i Wall of Sound. Podobny (choć głównie bez wokalu) do amerykańskiego hip-hopu pod względem wykorzystania samplowanych przerw na perkusji, styl był bardziej eksperymentalny, inspirowany większą liczbą elementów ambientu i psychotropową atmosferą. W ten sposób termin „trip” szybko się zakorzenił i był używany do opisania wszystkiego, od Portishead i Tricky po DJ Shadow i U.N.K.L.E., Coldcut, Wagon Christ i Depth Charge, ku wielkiemu rozczarowaniu wielu z tych muzyków, którzy postrzegali ich muzykę jako inspirującą granice konwencjonalnego hip-hopu, a nie jego nową odmianę wykorzystywaną do tworzenia szumu. Pełnowymiarowe albumy triphopowe, będące jedną z pierwszych hybryd muzyki tanecznej o znaczeniu komercyjnym, regularnie zajmowały pierwsze miejsca na alternatywnych listach przebojów w Wielkiej Brytanii i przypisuje się im styl takich artystów jak Shadow, Tricky, Morcheeba, Sneaker Pimps i Massive Attack zapewnił penetrację dużej części muzyki pierwszej fali „elektroniki” do Ameryki.

Inteligencja D`n`B

DRUM’N’BASS to jedno z ucieleśnień koncepcji „breakbeat”. Powstał na początku lat 90. jako styl łączący linię basu w tempie 80 bpm i mnóstwo różnych bębnów w tempie 160 bpm. Nic więcej. Ze względu na temperament perkusji styl ten można postrzegać jako muzykę taneczną, ze względu na wolniejszą (często o charakterze reggae) linię basu można go postrzegać jako muzykę relaksacyjną. Stopniowo do tego stylu zaczęto dodawać piękne, czasem melancholijne melodie. Krótko mówiąc, w połowie lat 90. „Drum’n’bass” powoli, ale skutecznie przekształcił się w inteligentną dżunglę.
INTELIGENTNA – muzyka o tej charakterystyce przeznaczona jest bardziej do słuchania i relaksu niż do wykorzystania na imprezach, zwłaszcza jako dekoracja parkietu. Istnieją inteligentne wersje „dżungli” i „techno”. W porównaniu do czystych stylów, ich rozsądne wersje są bardziej melodyjne, klimatyczne i można prześledzić temat, często bardzo ładny.

Disco (angielski: Disco, dosł. „disco”) to gatunek muzyki tanecznej, który pojawił się na początku lat 70. XX wieku. Disco rozwijało się niemal jednocześnie w Stanach Zjednoczonych i Europie. Amerykańskie disco charakteryzuje się brzmieniem bliskim funkowi i soulowi. Europejska dyskoteka była ściśle powiązana z tradycyjną muzyką pop i ogólnymi trendami w muzyce pop. Jednym z pierwszych przebojów dyskotekowych w Europie była piosenka „J’attendrai” w wykonaniu Dalidy (1975). W USA za pierwsze hity tego stylu uznawane są „Rock The Boat” firmy Hughes Corporation (amerykański hit nr 1 roku), „Rock You Baby” George’a McCraya i „Love's Theme” Love Unlimited Orkiestra (motyw z filmu „Upał”), wydana w 1974 roku. Ogólna formuła kompozycji dyskotekowej jest następująca: rytm taneczny w tempie około 120 uderzeń na minutę i melodie „na żywo”, często mocno zaaranżowane.

Downtempo (angielski downtempo - niskie tempo) lub downbeat (downbeat) - styl we współczesnej muzyce elektronicznej. Muzykę charakteryzuje powolny rytm, najczęściej przerywany. Blisko trip-hopu, ale mniej opresyjnie i depresyjnie. Jest zbliżony do ambientu, ale ma strukturę rytmiczną, często składającą się z pętli działających „hipnotycznie”. Charakteryzuje się ciągłym dążeniem do innowacji.

Easy Listening (Easy Listening) nie jest szczególnym kierunkiem w muzyce, ale stosunkiem słuchaczy do niej. Ale w tym artykule nadal będziemy nazywać łatwe słuchanie pewnym stylem. Easy Listening – muzyka łatwa do zrozumienia i niewymagająca specjalnego rozumienia rytmu i melodii. Historia tego stylu rozpoczyna się w latach 50. XX wieku, kiedy to znany muzyk Henry Manchini napisał ścieżkę dźwiękową do pierwszych odcinków kreskówki „Różowa Pantera” oraz wielu filmów z lat 50. i 60. XX wieku. Od tego czasu prasa zaczęła wykazywać histeryczne zainteresowanie tym kierunkiem. Największe wytwórnie płytowe dosłownie zasypują muzyków Easy Listening ofertami wydania ich płyt. Ponadto różne firmy wydają również ponownie klasyki w stylu Easy Listening. Teraz możemy usłyszeć tę muzykę w ścieżkach dźwiękowych do różnych filmów, takich jak „From Dusk Till Dawn”, „Pulp Fiction”, „Four Rooms”, „Generation”. X”, „Romeo + (i) Julia” itp.

Electroclash to gatunek muzyki popularnej, który zawiera elementy nowa fala, punk i taneczna elektronika. Muzycy Electroclash wykorzystują: tradycje dźwiękowe lat 80-tych (syntezatory, często wczesne analogi, automaty perkusyjne), brzmienia retro, muzyczny minimalizm, łącząc to z wizualnymi obrazami lat 70-80-tych, vintage disco i estetykę punkową. Prototypy estetyki electroclash można zobaczyć w kultowym filmie Liquid Sky. Samobójstwo uważane jest za jednego z założycieli electroclash. Electroclash zyskał popularność pod koniec lat 90-tych w Nowym Jorku i Detroit. Za oficjalne miejsce narodzin uważa się klub Lux w Williamsburgu, w którym Larry T., twórca słowa „electrolash” i będący właścicielem praw do niego, organizował przyjęcia. Początki nazwy leżą na skrzyżowaniu wpływów, których doświadcza wiele europejskich i amerykańskich grup działających w tym duchu. Teksty w dużej mierze czerpią z motywów punkowych, często są agresywne i skupiają się bardziej na emocjach niż na technice.

elektroniczny szkoła muzyczna skupiał się przede wszystkim na badaniu i zastosowaniu możliwości syntezy dźwięku, tworzeniu zupełnie nowych, niespotykanych wcześniej, sztucznych barw. Historycznie grunt dla powstania muzyki elektronicznej przygotował rozwój dźwięcznej interpretacji dźwięku w twórczości kompozytorów pierwszej połowy XX wieku. Muzyka elektroniczna narodziła się w Niemczech, a po raz pierwszy ujawniła się w 1951 roku, kiedy na Letnich Kursach Muzyki Współczesnej w Darmstadcie W. Mayer-Eppler zademonstrował próbkę montażu „dźwięków elektrycznych”. Najwięksi przedstawiciele szkoła elektroniczna - Niemcy Herbert Eimert, Karlheinz Stockhausen, Hans Werner Henze, Francuz Henri Pousseur, Pierre Boulez, Włosi Bruno Maderna, Luciano Berio, Japończyk Toshiro Mayuzumi i inni.

Przedstawiciele szkoły elektronicznej operują dźwiękiem na poziomie jego pierwotnej podstawy, czyli serii alikwotów. Osiągnięcia szkoły elektronicznej wywarły ogromny wpływ na muzykę pop, rock i taniec nowoczesny.

Folktronica lub Electrofolk to gatunek muzyki, który zawiera w sobie różne elementy muzyki ludowej i elektroniki. Termin folktronica, który obecnie „naznacza” muzykę elektroniczną elementami ambientu, folku, jazzu, klasyki i hip-hopu, do tworzenia której wykorzystuje się głównie syntezatory analogowe.

Funk (angielski funk) to jeden z podstawowych nurtów muzyki afroamerykańskiej. Termin ten oznacza kierunek muzyczny, który wraz z duszą tworzy rytm i blues, a także styl tańca do tej muzyki. Powstanie funku rozpoczęło się w latach 60. w opozycji do rosnącej komercjalizacji rytmu i bluesa. Założycielami stylu byli James Brown i George Clinton. Nazwa stylu pochodzi od słowa „funky”, które w slangu jazzowym oznacza „dziwaczny, zawiły sposób wykonania”.

Funk to przede wszystkim muzyka taneczna, która określa jej cechy muzyczne: ekstremalną synkopę partii wszystkich instrumentów (synkopowany bas nazywany jest „funkingiem”), pulsujący rytm, wrzeszczący wokal, wielokrotne powtarzanie krótkich fraz melodycznych. Larry'emu Grahamowi często przypisuje się wynalezienie techniki gry na basie typu slap, która stała się znakiem rozpoznawczym funku. Gitarzyści zespołów funkowych grają w stylu rytmicznym, często wykorzystując efekt dźwiękowy wah-wah. Martwe lub wyciszone nuty są używane w riffach w celu wzmocnienia elementów perkusyjnych. Jimi Hendrix był pionierem funk rocka. Następcą funku w nowym stuleciu był styl synth-funk.

W rzeczywistości Fusion (z angielskiego „fusion”, „fusion”) to połączenie dwóch lub więcej stylów muzycznych (na przykład angielskiego Art Rock, w którym elementy muzyki klasycznej i rockowych aranżacji partii instrumentalnych są „połączone”). Jednak większość zespołów zaliczanych do artystów Fusion gra fuzję jazzu i rocka, której pionierem był trębacz jazzowy Miles Davis, który w połowie lat 60. był pionierem wykorzystania instrumentów elektrycznych i rytmów rockowych w długich improwizacjach jazzowych. Liczni naśladowcy Davisa – John McLaughlin, Tony Williams, Billy Cobham, Chick Corea, Joseph Zawinul i Wayne Shorter – nieco zmodyfikowali „fuzję” jazzu i rocka, przenosząc akcent na rock, co zapewniło temu stylowi sukces wśród młodszej publiczności. Złożony fortepian i akordy gitarowe, wirtuozowskie solówki instrumentalne. Pod koniec lat 70. saksofonista jazzowy Ornette Coleman, znany jako wirtuoz free jazzu, uczynił Jazz-Rock Fusion mocniejszym, dynamicznym i nazwał swoją wersję „harmoniczną Fusion”.

Pop (angielski Pop-muzyka z muzyki popularnej) - kierunek muzyki współczesnej, rodzaj muzyki nowoczesnej kultura popularna. To nie tylko muzyka popularna, ale także oparta na popowych rytmach tradycyjnych dla świata zachodniego. W różnych regionach świata opiera się na rytmach zachodniego popu, jednak z wyizolowanymi elementami regionalnych odmian lokalnej muzyki tradycyjnej. Muzyka pop może naśladować różne style muzyczne, które są najpopularniejsze w tej chwili, ale podstawa rytmiczna niewiele się zmienia. Dlatego muzyka pop ma niewielki wpływ na muzykę różnych gatunków i stylów.

Styl ten pojawił się w połowie lat 80-tych w Chicago. W dobie niepodzielnego panowania disco styl ten był bardzo pretensjonalny i oczywiście modny w bardzo wąskich, postępowych kręgach. Styl house został stworzony wyłącznie do tańca i został stworzony wyłącznie przy pomocy elektronicznych instrumentów muzycznych, automatów perkusyjnych i syntezatorów. Istnieje kilka wersji pochodzenia nazwy tego stylu. Jedna z nich głosi, że nazwa House wzięła się od nazwy klubu Warehouse, w którym lokalni DJ-e jako pierwsi zaczęli mieszać muzykę Kraftwerk z bezpośrednimi bitami wykonywanymi na automacie perkusyjnym. Muzyka house bardzo się zmieniła od tego czasu, w latach 90. stała się najbardziej aktualna i modna, narodziły się dziesiątki nowych stylów opartych na house, a kompozycje house zajęły czołowe miejsca na listach przebojów. Dom to bez wątpienia główny styl lat 90-tych. Nie musisz wyjaśniać, jak brzmi dom. Muzyka house nie jest zbyt szybka, około 130-140 BPM, towarzyszy jej absolutnie prosty beat (klaskanie lub werbel jest stosowane przy co drugim uderzeniu stopy), a co szesnasty takt słychać kapelusz. To cały dom. Nowoczesny house powrócił do swoich korzeni i zaczął wykorzystywać wiele elementów disco, dzięki czemu pod koniec lat dziewięćdziesiątych nastąpiło prawdziwe odrodzenie tego stylu. Stało się jednak mniej uroczyste ze względu na fakt, że hip-hop wreszcie zakorzenił się w popkulturze, a house należy już do stylu ubiegłego stulecia.

Złożone określenie mające na celu opisanie muzyki elektronicznej z lat 90., którą można równie dobrze wykorzystać na parkiecie, jak i w domu. Z biegiem czasu styl IDM (Intelligent Dance Music) zyskał w dużej mierze negatywną sławę wśród muzyków tanecznych i fanów, których motywowało jedynie pytanie, czy grają bezmyślną muzykę taneczną, czy nie. Pochodzące z późnych lat 80-tych brzmienie wyrosło z połączenia ciężkiego tańca pochodzącego głównie z imprez raverowych i dużych imprez klubowych, a także DJ-ów downtempo, takich jak Mixmaster Morris i Dr. Alex Paterson połączył chicagowski house, miękki synth pop/nową falę z ambientem, zachęcając do pojawienia się nowej fali muzyków inspirowanych szeroką gamą źródeł muzycznych. (W tych latach wielu DJ-ów i muzyków protestowało także przeciwko rosnącemu zorientowaniu brytyjskiej muzyki tanecznej na listy przebojów, czego przykładem są nowe hity „Pump Up the Jam” firmy Technotronic i „Sesame's Treat” firmy Smart E's). Sheffield's Warp Records współpracował z najlepszymi przedstawicielami tego gatunku, właściwie produktywna kolekcja studia Warp o nazwie Artificial Intelligence przedstawiła słuchaczom na całym świecie pół tuzina czołowych wykonawców tego stylu: Aphex Twin, the Orb, Plastikman, Autechre, Black Dog Productions i B12. Inne duże wytwórnie płytowe, Rising High, GPR, R&S, Rephlex, Fat Cat, Astralwerks również wydały wysokiej jakości wydawnictwa IDM, chociaż w połowie lat 90. większość muzyki elektronicznej nagrywanej dla słuchaczy popchnęła studia w stronę dalszych eksperymentów i orientacji na beat. Wobec braku centralnej, komercyjnej sceny, Ameryka Północna stała się najbardziej żyznym i gościnnym gruntem dla IDM, a pod koniec lat 90. dziesiątki uznanych studiów otworzyły swoje podwoje, aby współpracować z muzykami tego stylu, w tym Beat, Isophlux, Suction, Schemat i Cytrax. Pomimo częstych prób zmiany nazwy stylu (Warp zasugerował określenie „elektroniczne słuchanie muzyki”, a Aphex Twin zdecydował się na „braindance”), styl IDM pozostał dla fanów realnym sposobem wyrażania swoich zwykle mylonych preferencji.

Rock „niezależny”. Zazwyczaj definicja „grup indie” (i odpowiednio „indie rocka”) obejmuje grupy i wykonawców, którzy działają poza sferą interesów dużych wytwórni płytowych i nagrywają w tak zwanych firmach „indie” lub „niezależnych”. Często „niezależność” tych firm oznacza niski budżet, a jeszcze częściej – chęć grania i promowania muzyki, która interesuje bardzo wąskie grono słuchaczy, czyli mało obiecującą komercyjnie. Angielska i amerykańska prasa muzyczna postrzegają indie rock jako sztukę snobów, chociaż w niektórych przypadkach zespoły „indie” tworzą naprawdę utalentowane dzieła, na które publiczność nie jest źle przygotowana. Z reguły styl zespołów indie nie ma nic wspólnego z ich „niezależnością” - mogą to być zespoły hardrockowe lub psychodeliczne, najważniejsze, co je łączy, to chęć pewnej artystycznej integralności i deklaracja „ niesprzedalności dzieł sztuki.” Od początku lat 90. pojęcia „indie” i „rock alternatywny” stały się synonimami. Typowi przedstawiciele: Nirvana, Jesus Lizard, Porn For Pyros, Sonic Youth itp.

Kultura pomyślana i stworzona jako antymuzyka nie przetrwała długo. Muzykę hałasu naprawdę zaczęto postrzegać jako muzykę; dość łatwo ją sprzedać i kupić, „pieszcząc” uszy setek ludzi na całym świecie. Ma to na pewno coś wspólnego ze światem muzyki elektronicznej, choćby dlatego, że u początków tego wszystkiego leżał sam Kraftwerk.
Style industrialne dzielą się na: Percussion Industrial, Improve Industrial, Industrial Noise, Musique Concrete, Electro Body Music, Aggro-industrial i Darkwave.

Ten dysonansowy, ostry brzmiąca muzyka zrodziły się z eksperymentów z elektroniką i nagraniami dźwiękowymi takich zespołów połowy lat 70. jak Cabaret Voltaire i Throbbing Gristle (nazwa wytwórni drugiego z nich, Industrial Records, nadała nazwę nowemu stylowi). Ta muzyka była pełna elektroniki, zniekształceń i zbyt awangardowa jak na rock tamtego okresu. Idąc za tymi początkowymi przykładami, w połowie lat 80. pojawiły się grupy tańca industrialnego, takie jak Ministry, Front 242, Nitzer Ebb, Skinny Puppy. W ciągu następnej dekady industrial stał się heavy metalem, a artyści tacy jak Nine Inch Nails, White Zombie i Marilyn Manson zyskali szeroką popularność.

Jazz (angielski jazz) to forma sztuki muzycznej, która powstała na początku XX wieku w USA w wyniku syntezy muzyki afrykańskiej i Kultury europejskie a później stało się powszechne. Cechami charakterystycznymi języka muzycznego jazzu były początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej – swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych wzorców rytmicznych i harmonicznych.

Łacina (hiszp. música latinoamericana) to uogólniona nazwa stylów i gatunków muzycznych krajów Ameryki Łacińskiej, a także muzyki ludzi z tych krajów, którzy żyją zwartie na terytorium innych stanów i tworzą duże społeczności Ameryki Łacińskiej (na przykład w USA). W mowa potoczna często używana jest skrócona nazwa „muzyka latynoska” (hiszp. música latina).
Muzyka latynoamerykańska, której rola w życiu codziennym Ameryki Łacińskiej jest bardzo duża, jest fuzją wielu kultur muzycznych, jednak opiera się na trzech komponentach: kulturze muzycznej Hiszpanii (lub Portugalii), Afryki i Indii. Z reguły piosenki latynoamerykańskie wykonywane są w języku hiszpańskim lub portugalskim, rzadziej po francusku. Artyści z Ameryki Łacińskiej mieszkający w Stanach Zjednoczonych są zazwyczaj dwujęzyczni i często używają tekstów w języku angielskim.

Muzyka hiszpańska i portugalska nie należą do muzyki latynoamerykańskiej, są jednak z nią ściśle powiązane dużą liczbą powiązań; Co więcej, wpływ muzyki hiszpańskiej i portugalskiej na muzykę latynoamerykańską jest wzajemny.

Lo-Fi (ang. Lo-fi) to kierunek w muzyce, który charakteryzuje się niską jakością rejestracji dźwięku. Wiele zespołów lo-fi nagrywa swoją muzykę na tanich magnetofonach. To wyjątkowa forma protestu, wpisana w rock alternatywny. Ruch lo-fi rozpoczął się dość dawno temu. Wszystkie wczesne płyty rock'n'rollowe (Buddy Holly, The Beach Boys, Beatles), rock garażowy z lat 60., albumy The Velvet Underground, punk rock z końca lat 70. można zaliczyć do lo-fi. Jednak jako odrębny gatunek lo-fi pojawiło się w alternatywnym rocku lat 80. Niezależni rockowcy tamtych czasów woleli nagrywać na nieprofesjonalnych czterościeżkowych magnetofonach. Lo-fi stało się szerzej znane dopiero w latach 90. dzięki takim zespołom jak Beck, Sebadoh i Pavement. Obecnie wiele grup wydających mp3 tej sceny używa terminu Lo-Fi, umieszczając go w znacznikach ID3 gatunku muzycznego, aby wskazać, że dane wydanie mp3 należy do stylu cichej, spokojnej i pięknej muzyki o powolnym rytmie: chill out, lounge, downtempo, trip hop, acid jazz itp.

Lounge (także lounge music) – określenie w muzyce popularnej na określenie światła, muzyki w tle, które początkowo często rozbrzmiewało w holach (stąd nazwa – salon – salon, pokój dzienny, salon) hoteli, sklepów, kawiarni, w windach. W przeciwieństwie do bardziej ogólnego terminu „muzyka rozrywkowa”, muzykę lounge charakteryzuje więcej wpływów jazzowych, intymność i improwizacja. Chociaż istnieje specjalnie nagrywana muzyka do takich celów, termin „salon” obejmuje szerokie spektrum wykonawców różnych gatunków - od jazzu, bossa novy po elektronikę. Ogólną cechą charakterystyczną są lekkie, kojące kompozycje. Dosłownie każdego muzyka grającego dla publiczności w restauracjach i sklepach można uznać za artystę salonowego. Muzyka klubowa kojarzy się z imprezami przy obowiązkowym martini. W przemysł muzyczny Z salonem w Stanach Zjednoczonych krzyżuje się tzw. muzyka salonów kawalerskich – kolejny format wyróżniający się obecnością wykonawców eksperymentalno-kiczowatych.

Często pojawia się opinia, że ​​hałas to prawie to samo co Dark Ambient i chyba jest to słuszne. Podobnie jak ambient, czysty noise charakteryzuje się brakiem wyraźnie określonej melodii i rytmu, za to charakteryzuje się większą ciężkością i ciemnością dźwięku oraz z reguły bardzo brudnym dźwiękiem. Hałas charakteryzuje się industrialnymi odgłosami i grą na przypadkowych zbieżnościach dźwięków. Wyróżnia się także takie kierunki jak rytm i szum (czasami używany jest także termin Power Electronics), tj. rytmiczny hałas (Master/Slave Relationship, Hunting Lodge, Esplendor Geometrico, P.A.L., Blackhouse, Allerseelen) i japoński (Aube, Merzbow, Masonna), tj. Hałas japoński, najbardziej radykalna forma hałasu, kompozycje, w których z reguły są monochromatyczne, agresywne dźwięki.

Historia stylu Goa jest dość skomplikowana. Kilkadziesiąt lat temu terminem tym określano styl muzyki wykonywanej w mieście Goa w Indiach. Europejscy muzycy, inspirowani indyjską filozofią, kulturą i estetyką, próbowali wyrazić swoje uczucia w muzyce i nazwali styl Goa. Stopniowo koncepcja Goa-Trance uległa pewnemu zatarciu; wielu muzyków, biorąc za standard utwory Goa-trance tworzone przez wyznawców kultury indyjskiej, zaczęło rzeźbić własne kreacje, nie próbując nawet na cal zagłębić się w korzenie prawdziwego Goa. muzyka. Goa trance zaczęto nazywać muzyką produkowaną przez byle kogo. Stopniowo jednak style te zostały oddzielone od całej tej pseudo-goańskiej muzyki i zidentyfikowano odrębną warstwę zwaną Psychedelic Trance. Psychedelic Trance ma korzenie na Wyspach Brytyjskich, później styl ten rozprzestrzenił się na Niemcy, Holandię, Danię i resztę Europy Zachodniej. Co to jest Goa-Trans? To jest miękki styl. Nie ma tu żadnego mocnego uderzenia. Podstawą Goa jest melodia i harmonia. Psychedelic zawiera także zawiłe linie syntezatorów, przekształcające, czasem ostre i jasne, dźwięki kojarzone ze stylem hi-tech/kosmicznym. Obydwa style nie mają ciężkiego basu, chociaż pojawiają się dodatki pulsującego, ultraniskiego basu. Można medytować przy tej muzyce, można tańczyć, można myśleć. Goa/Psychedelic Trance nie jest czystym stylem tanecznym, jest złożoną kompilacją różnych stylów i koncepcji, począwszy od ezoteryki. Do tworzenia muzyki często używano tradycyjnych indyjskich instrumentów, takich jak sitar i sador (lub ich elektroniczne odpowiedniki), w połączeniu z mocnymi, hipnotycznymi syntezatorami, z których trance zawsze słynął. Ten styl jest znacznie mniej odpowiedni dla DJ-ów i płyty winylowe niż inne elektroniczne style tańca (często używano DAT zamiast winylu). Dlatego styl Goa do końca lat 90-tych miał stosunkowo niewielką liczbę DJ-ów promujących go na całym świecie. Wytwórnie płytowe takie jak Dragonfly, Blue Room Released, Flying Rhino, Platipus i Perfecto Fluoro Paula Oakenfolda stały się ważnymi źródłami nowej muzyki. Najpopularniejszy angielski DJ Oakenfold w końcu zapewnił Goa trance rzeszę fanów, której brakowało mu od kilku lat. Promował tę muzykę w radiu i klubach na terenie całego kraju. W Wielkiej Brytanii (Return to the Source) Goa trance również zostało dobrze przyjęte, studio wydało trzy kolekcje najlepszej muzyki trance. Etykiety: Perfecto Fluoro, Tip Records, Symbiosis Records, Flying Rhino, Blue Room, Transient.

Rap (angielski rap, rap) to rytmiczny recytatyw, zwykle czytany do muzyki z ciężkim rytmem. Artystę rapowego nazywa się raperem lub bardziej ogólnie MC.

Rap jest jednym z głównych elementów stylu muzycznego hip-hop; często używany jako synonim hip-hopu. Jednak rap jest używany nie tylko w muzyce hip-hopowej, ale także w innych gatunkach. Wielu wykonawców perkusji i basu używa rapu. W muzyce rockowej występuje w gatunkach takich jak rapcore, nu metal, rock alternatywny i rap alternatywny. Muzycy popowi i współcześni wykonawcy RnB również często wykorzystują rap w swoich kompozycjach.
Słowo „rap” pochodzi od angielskiego rapu – puk, cios (podpowiedź rytmu rapu). Rap oznacza także rozmowę, rozmowę.
Później powstały błędne teorie backronimów, według których słowo rap jest rzekomo skrótem. Transkrypcje nosiły tytuły „Rytm i poezja”, „Rytmiczna poezja afrykańska” lub „Radykalna poezja amerykańska” itp. Rap ​​po raz pierwszy pojawił się w latach 70. wśród Afroamerykanów w Bronksie, dokąd został „eksportowany” odwiedzając Jamajkę DJ-e. Rap początkowo robiony był nie w celach komercyjnych, lecz dla przyjemności, początkowo zajmowali się nim głównie DJ-e. Były to proste, rymowane kuplety, adresowane do publiczności. Wykonywanie rymowanych pieśni na ulicach do dziś pozostaje tradycją w czarnych dzielnicach. Poza tym tzw „bitwy” to słowne pojedynki, w których dwóch raperów kłóci się, zachowując rym i rytm. Bitwy mogą polegać nie tylko na przekleństwach, ale może to być prezentacja rymowanego tekstu na określony temat.

Gatunek i kultura hip-hopu, którego główną częścią jest rap, osiągnęła swój szczyt popularności w latach 90-tych. Rap miał także poważny wpływ na muzykę R'n'B.

R&B – (Rhythm and blues), bluesowy wokalny i instrumentalny styl czarnej muzyki lat 30. XX wieku, który powstał pod wpływem swingu. Następnie skomercjalizowany. Uważany za jedną z najwcześniejszych form muzyki black rockowej. Jego komercyjne modyfikacje, stworzone przez białych muzyków, obejmują „rock and roll” i „twist”.

Muzyka reggae narodziła się na Jamajce na początku lat 60., ma liczne źródła i dopływy: Ska, Rock-Steady, calypso (muzyka Trynidadu i Tobago), Zouk (muzyka Antyli), Soul i oczywiście Jazz. W połowie tego stulecia karaibskie style muzyczne, takie jak Ska i calypso, stały się modne wśród brytyjskich kolonistów na Jamajce, rozprzestrzeniły się po całym Nowym Świecie i stały się popularne wśród Europejczyków. Jamajka przeżywała w tym czasie burzliwe wydarzenia społeczno-polityczne i nadszedł czas, aby muzyka odzwierciedliła kontekst społeczny. Czarni Jamajczycy potrzebowali brzmienia, które oddałoby wyłącznie ich nastrój i nastawienie do tego, co działo się w ich życiu. Nowa muzyka przyszła z „bezrobotnej ulicy”. Było to spowolnione połączenie Ska i Rock-Steady ze wzmocnioną linią basu. Ośrodkami komunikacji młodych ludzi obu płci była „dyskoteka” - sala taneczna lub tańce, a na „tańcach” nieustannie odbywały się wszelkiego rodzaju „napięcia” w zatłoczonym miejskim tłumie. Następnie w jednej z pierwszych piosenek Boba Marleya poproszono „niegrzecznych chłopców”, aby „ochłonęli” - piosenki nabrały społecznego znaczenia. Przybycie Jego Cesarskiej Mości Haile Selassie I na Jamajkę w 1966 roku spowodowało niezwykłe duchowe podniesienie się wśród większości Jamajczyków. Dla Rastafarian było to wydarzenie o wyjątkowej wadze. Jego imię i wiara w Pana stoją za wszystkim, co najlepsze w reggae. Kiedy uduchowione słowa zostały zestawione z dobrą muzyką taneczną, narodziły się hymny. Bob Marley, Peter Tosh i Bunny Wailer to rewolucjoniści z gitarami, ich wezwanie to powstanie ducha poprzez świadomość Jego rzeczywistości i determinację w zrzuceniu kajdan niewolniczego nawyku podążania drogami Babilonu. Ich globalne przesłanie skierowane do wszystkich uciśnionych znalazło ogólnoświatową odpowiedź: „Wstańcie! Powstań! Powstańcie w obronie swoich praw!” Oczywiste jest, że Afrykanie, mając możliwość nagrywania i publikowania własnej muzyki, zwrócili się ku swojej tradycji i odkryli tam brzmienie zwane „roots” i tworzyli produkty muzyczne pod ogólną nazwą „reggae”. Trzeba powiedzieć, że ruch Rastafari rozwija się niezależnie od reggae, ale wielu muzyków w swoich piosenkach wychwala Wszechmogącego.

Tango (tango hiszpańskie) - 1. Starohiszpański taniec ludowy. Debel taniec towarzyski swobodna kompozycja, charakteryzująca się energicznym i wyraźnym rytmem. 2. Muzyka do tego tańca. Początkowo rozwinęła się i rozprzestrzeniła w Argentynie i Urugwaju, następnie stała się popularna na całym świecie. Tango było wcześniej znane jako tango criollo lub po prostu tango. Obecnie istnieje wiele stylów tańca tango, w tym tango argentyńskie, tango urugwajskie, tango towarzyskie (w stylu amerykańskim i międzynarodowym), tango fińskie i tango starożytne. Tango argentyńskie jest często uważane za tango „autentyczne”, ponieważ jest bliższe temu, co pierwotnie tańczono w Argentynie i Urugwaju.
Elementy muzyczno-taneczne tanga są popularne w zajęciach związanych z tańcem, gimnastyką, łyżwiarstwem figurowym, pływaniem synchronicznym itp.

Techno wywodzi się z elektronicznej muzyki house powstałej w Detroit w połowie lat 80-tych. O ile house nadal ma wyraźne powiązania z disco, nawet jeśli ten styl był całkowicie mechaniczny, techno zawsze było muzyką ściśle elektroniczną, skierowaną specjalnie do określonej, małej publiczności. Wcześni muzycy techno i DJ-e Kevin Saunderson, Juan Atkins i Derrick May kładli nacisk na elektroniczne, syntezowane rytmy artystów electro-funkowych, takich jak Afrika Bambaataa i artystów synth-rockowych, takich jak Kraftwerk. W USA techno było zjawiskiem jedynie undergroundowym, ale w Wielkiej Brytanii pod koniec lat 80. wdarło się na główną scenę muzyczną kraju. Na początku lat 90-tych techno zaczęło dzielić się na wiele podgatunków, włączając w to hardcor, ambient i dżunglę. W hardkorowym techno liczba uderzeń na minutę każdej piosenki została zwiększona do absurdalnego i nietanecznego poziomu, aby wyluzować i zrazić rzesze fanów. W przypadku stylu Ambient wszystko stało się na odwrót – nastąpiło zmniejszenie rytmu i pojawienie się przestrzennych, elektronicznych faktur; wykorzystywano go jako muzykę relaksacyjną, gdy rabusie i młodzież klubowa potrzebowali przerwy od acid house i hardcorowego techno. Jungle był niemal tak agresywny jak hardcor, łącząc energetyczne beaty techno z breakbeatami i tanecznym reggae. Wszystkie podgatunki techno były pierwotnie przeznaczone do użytku w klubach, gdzie były miksowane przez DJ-ów. W rezultacie większość muzyki była dostępna na 12-calowych singlach lub kompilacjach różnych artystów, gdzie utwory były dość długie, co dawało DJ-om dużo materiału do miksowania. W połowie lat 90-tych pojawił się nowy typ muzyków techno, głównie artyści ambientowi, jak Orb i Aphex Twin, ale także cięższe style, jak Prodigy i Goldie, którzy zaczęli tworzyć albumy z kompozycjami nie zawierającymi surowca dla DJ miksuje. Nic dziwnego, że ci muzycy, a zwłaszcza Prodigy, stali się gwiazdami światowego techno.

Styl ten uwolnił się na początku lat 90., pozostawiając w tyle niemieckie techno i hardcor. Trance opiera się na nieskończonych powtórzeniach krótkich sampli syntezatora w całym utworze, pozwalając jednocześnie na minimalne zmiany w charakterystyce rytmu i częstotliwości syntezatora, aby móc rozróżniać kompozycje. Efektem takiej muzyki jest zanurzenie słuchacza w stan transu, na wzór religijnego. Pomimo spadku zainteresowania muzyką w połowie lat 90-tych, trance powrócił ponownie, jednak już pod koniec stulecia, wypierając styl house z areny world music jako najpopularniejszy styl alternatywnej muzyki tanecznej. Dzięki wpływom acid house i Detroit techno rozwój trance zbiegł się z otwarciem studiów nagraniowych R&S Records (Gandawa, Belgia) i Harthouse/Eye Q Records (Frankfurt, Niemcy). R&S zdefiniowało ten format singlami takimi jak „Energy Flash” (Joey Beltram), „The Ravesignal” (CJ Bolland) i innymi utworami Roberta Leinera, Sun Electric i Aphex Twin. Studio Harthouse zostało otwarte w 1992 roku przez Svena Vatha wraz z Heinzem Rothem i Matthiasem Hoffmanem. Zapewniła znaczący wpływ do samego brzmienia trance, dzięki kompozycjom Hardfloor („Hardtrance Acperience”) i własny skład Vath („L’Esperanza”) oraz wydawnictwa zespołów Arpeggiators, Spicelab i Barbarella. Muzycy tacy jak Sven Vath, Bolland, Leiner i wielu innych zaczęli grać muzykę całkowicie(pełny), choć nie dokonał żadnych szczególnych zmian na polu muzyki światowej. Pomimo długiego okresu powstawania i rozwoju, styl trance całkowicie zniknął ze światowej sceny, kończąc swój wpływ na brytyjską kulturę muzyczną pod koniec lat 90., zastąpiono go tańcem breakbeatowym (trip-hop i dżungla). Klasyczne niemieckie brzmienie rzeczywiście uległo zmianom, dlatego pojawił się termin „progressive” trance, używany do opisania wpływów miękkich form house i tańca euro. Do 1998 roku większość znanych DJ-ów, takich jak Paul Oakenfold, Pete Tong, Tony De Vit, Danny Rampling, Sasha, Judge Jules, grała trance w najbardziej prestiżowych brytyjskich klubach. Nawet Stany Zjednoczone (w końcu) zwróciły uwagę na ten styl, na czele którego stoją znakomici DJ-e, w tym Christopher Lawrence i Kimball Collins.

Muzyka jest integralną częścią życia większości ludzi. Dzieł muzycznych słucha się we wszystkich zakątkach naszej planety, nawet w tych najbardziej odległych. Pomimo ogromnej popularności i znaczenia tego kierunku artystycznego, wiele osób nie zastanawia się, jakie rodzaje sztuki istnieją. style i gatunki muzyczne. W artykule przyjrzymy się TOP 10 trendom muzycznym, które do dziś nie straciły na popularności.

Ze względu na różnorodność gatunków wielu z Was zastanawia się: jakie są rodzaje muzyki? Próbowaliśmy odpowiedzieć na Twoje pytanie i uporządkować główne style muzyczne w oddzielną listę, która zdaniem ekspertów, mimo wielu lat, zawsze będzie popularna.

1 Muzyka popowa

Ten styl jest nowoczesny kierunek muzyki. Gatunek ten charakteryzuje się prostotą, ciekawymi partiami instrumentalnymi i wyczuciem rytmu, przy czym wokal nie jest głównym tematem. Główną i prawie jedyną formą kompozycji muzycznej jest piosenka. „Pop” obejmuje charakterystyczne cechy europopu, muzyki latynoskiej, synthpopu, muzyki tanecznej itp.

Eksperci muzyczni podkreślają następujące cechy muzyki pop:

• konserwatywny schemat budowy piosenek „zwrotki + refreny”;
• prostota i łatwość percepcji melodii;
• głównym instrumentem jest głos ludzki, akompaniament odgrywa rolę drugorzędną;
• Ważną rolę odgrywa struktura rytmiczna: większość utworów jest przeznaczona do tańca, dlatego wyróżnia się wyraźnym, niezmiennym rytmem;
• długość utworów wynosi średnio od 3 do 5 minut, co w pełni odpowiada formatowi współczesnych stacji radiowych;
• teksty piosenek są zazwyczaj poświęcone osobistym emocjom i doświadczeniom (miłości, smutkowi, radości itp.);
• Ogromne znaczenie ma wizualna prezentacja prac.

2 Głaz

Jak sama nazwa wskazuje (rock – „pompować”), to gatunek muzyki charakteryzuje się rytmicznymi wrażeniami związanymi z określonym ruchem. Niektóre cechy kompozycji rockowych (elektryczne instrumenty muzyczne, samowystarczalność twórcza itp.) mają charakter drugorzędny, dlatego wiele style muzyczne błędnie przypisywany rockowi. Z tym kierunkiem muzycznym związane są różne subkultury: punki, hipisi, metalowcy, emo, goci itp.

Rock dzieli się na kilka kierunków czy stylów, począwszy od „lekkich” dzieł dance rock and rolla, pop rocka i britpopu, po brutalny i agresywny death metal i grindcore. Gatunek ten charakteryzuje się „ekspresją muzyczną”, w szczególności zwiększoną dynamiką (głośnością) wykonania (niektóre kompozycje wykonywane są przy 120-155 dB).

Zespoły rockowe zazwyczaj składają się z wokalisty, gitarzysty (grającego na gitarze elektrycznej), basisty i perkusisty (czasami klawiszowca). Sekcja rytmiczna składa się z gitary basowej, perkusji i gitary rytmicznej (nie zawsze).

3 Hip-hop

Ten kierunek muzyczny składa się z kilku gatunków: od „lekkich” (pop-rap) po agresywne (hardcore, horrorcore). Teksty piosenek mogą mieć także różną treść – od lekkich i swobodnych (wspomnienia z dzieciństwa, młodości itp.) po złożone problemy społeczne.

Hip-hop opiera się na takich stylach jak funk, jazz, reggae, soul oraz rytm i blues. Dość często hip-hop jest mylony z rapem, co jest zasadniczo błędne. RAP to recytatywne wykonanie kompozycji muzycznych, podczas gdy hip-hop może w ogóle nie mieć recytatywu. W ZSRR to styl muzyczny pojawił się w latach 80-tych.

Istnieją następujące podgatunki hip-hopu:

• stara szkoła: stosunkowo uproszczony recytatyw, linie o jednakowej długości, stały kierunek rytmu i uderzeń;
• nowa szkoła: stosunkowo krótkie utwory, motywy bardziej uduchowione (w kierunku muzyki pop);
• gangsta rap: piosenki o ciężkie życie, chuligaństwo, przestępczość itp.;
• hip-hop polityczny: teksty nawołują do działań antyspołecznych, jednoczących społeczeństwo w celu rozwiązania różnych zagrożeń wewnętrznych i zewnętrznych;
• alternatywny hip-hop: kierunek ten opiera się na stylach funk, jazz, pop rock, soul, a kompozycje stanowią połączenie muzyki z recytatywem;
• g-funk: ten styl łączy melodie g-funkowe i głębokie funkowe basy (syntezatorowe wypełnienie, subtelne brzmienie fletu i recytatyw), rozcieńczone męskim lub żeńskim chórkiem;
• horrorcore: ten kierunek wyróżnia się największą „sztywnością” i brutalnością utworów;
• południowy hip-hop: ten styl ma południowe motywy z krajów Afryki i Ameryki Łacińskiej;
• Grime: charakteryzuje się mroczną atmosferą utworu, dudniącym basem i szybkim, agresywnym rapem.

4 KUKS

RAP to rytmiczny recytatyw, który zwykle czyta się do rytmu. Wykonawcami takich kompozycji są raperzy lub MC. RAP jest jednym z głównych elementów hip-hopu. Ale ten styl jest również używany w innych gatunkach (drum and bass, muzyka pop, rock, rapcore, nu metal itp.).

Pochodzenie słowa „REP” opiera się na angielskim „rap” (uderzenia, uderzenia) i „rap” (mówić).

Muzyka RAP jest dość różnorodna. Kompozycje mogą być proste, ale jednocześnie ciekawe i melodyjne. Opierają się na rytmie - rytmie piosenek. Często w każdym takcie jest pewien nacisk na klaskanie (klaśnięcie), werbel (wyraźne i krótkie uderzenie perkusji), perkusję (gwizdki, łańcuchy itp.) lub bęben basowy.

Klawiatury, instrumenty dęte i dźwięki komputerowe są zwykle używane jako instrumenty muzyczne.

5 R&B

R&B (rhythm and blues) odnosi się do pieśni i tańca gatunek muzyki. Styl ten opiera się na trendach bluesowych i jazzowych pierwszej połowy XX wieku. Cechą charakterystyczną gatunku są motywy taneczne, które zachęcają słuchaczy do niekontrolowanego tańca.

W stylu R&B dominują wesołe melodie, które nie niosą ze sobą żadnych szczególnych wątków filozoficznych czy myślowych.

Wielu znawców muzyki rytm i blues kojarzy się z czarnymi ludźmi, gdyż opiera się on na wszystkich „czarnych” gatunkach, z wyjątkiem motywów klasycznych i religijnych.

6

Ten kierunek muzyczny powstał w końcu XIX wiek w USA. Ten styl muzyczny łączy w sobie kultury afrykańskie i europejskie.

Cechami charakterystycznymi tego kierunku są improwizacja, wyrafinowany rytm (synkopowane figury) oraz unikalne techniki faktur rytmicznych.

Jazz to także muzyka taneczna. Kompozycje są radosne, dodają żywotności i dobrego nastroju. Ale w przeciwieństwie do R&B, melodie jazzowe są spokojniejsze.

7 Muzyka instrumentalna

Kompozycje tego style muzyczne wykonywane są przy pomocy instrumentów muzycznych, a głos ludzki nie bierze w tym żadnego udziału. IM może występować solo, w zespole i z orkiestrą.

Muzyka instrumentalna to jeden z najlepszych stylów tła. Melodie oparte na żywych instrumentach i współczesnych przebojach idealnie sprawdzają się w cichych stacjach radiowych, a ich słuchanie wnosi harmonię podczas pracy i relaksu.

8 Muzyka ludowa

Dość popularnym stylem jest także muzyka ludowa, która należy do folkloru muzycznego. Kompozycje reprezentują muzyczne i poetyckie twórcze pomysły ludzi, przekazywane z pokolenia na pokolenie. Tradycyjne melodie są zwykle tworzone przez ludność wiejską. Ten kierunek muzyczny znaczący kontrast w stosunku do śpiewu popularnego i akademickiego.

Teksty opierają się na różnych motywach, począwszy od ciepłych związek miłosny, kończąc na strasznych i strasznych wydarzeniach militarnych.

9 Elektro

Muzyka elektroniczna to dość szeroki gatunek, którego melodie tworzone są przy użyciu elektronicznych instrumentów muzycznych i technologii komputerowej. Ten styl ma różne kierunki, od eksperymentalnych piosenek akademickich po popularne elektroniczne utwory taneczne.

Muzyka elektroniczna łączy w sobie dźwięki generowane przez technologie elektroniczne i elektromechaniczne instrumenty muzyczne(telharmonium, organy Hammonda, gitara elektryczna, Theremin i syntezator).

10 Muzyka transowa

Trance to rodzaj muzyki elektronicznej, której charakterystyczną cechą jest sztuczne brzmienie, w którym kładzie się nacisk szczególną uwagę części harmoniczne i barwy, a także stosunkowo szybkie tempo (od 120 do 150 uderzeń na minutę). Trance jest zwykle używany podczas różnych wydarzeń tanecznych.

Jeśli zaczniesz kontynuować tę listę, będzie ona nieskończona, ponieważ z roku na rok pojawiają się setki różne style i podstyle. Chcieliśmy również zaznaczyć, że na naszej liście nie znalazły się takie style muzyczne jak:

• dyskoteka
• techno
• kraj
• salonik
• trans

Będzie nam miło, jeśli zostawisz komentarz i dodasz do prezentowanej listy!