Przykłady malarstwa, gatunki, style, różne techniki i kierunki. Jakie znasz główne gatunki malarstwa?

Wielka postać, naukowiec i artysta renesansu Leonardo da Vinci powiedział: „Malarstwo to poezja, którą się widzi, i poezja to malarstwo, które się słyszy”. I nie sposób się z nim nie zgodzić. Naprawdę dostrzegasz prawdziwą sztukę ze wszystkich stron. Widzimy, kontemplujemy, słyszymy i przechowujemy w duszy dzieła sztuki, które nam się podobają. A światowe arcydzieła pozostają w naszej pamięci na długie lata.

Gatunki i rodzaje malarstwa

Rysując obraz, mistrz wykonuje go w określonym stanie, znaku specjalnym. Prace nie zostaną ukończone, godny miłości i uwagę, jeśli przedstawia jedynie kształt i kolor. Artysta ma obowiązek obdarzyć przedmioty duszą, ludzi charyzmą, iskrą, być może tajemnicą, przyrodą niepowtarzalnymi uczuciami, a zdarzeniom prawdziwymi przeżyciami. A gatunki i rodzaje malarstwa pomagają w tym twórcy. Pozwalają poprawnie oddać nastrój epoki, wydarzenia, faktu i lepiej uchwycić główna idea, obraz, krajobraz.

Do najważniejszych z nich należą:

• Historyczny- przedstawienie faktów, momentów w historii różnych krajów i epok.
• Bitwa- przekazuje sceny bitew.
• Domowy- sceny z życia codziennego.
• Sceneria- to są zdjęcia żywej przyrody. Są krajobrazy morskie, górskie, fantastyczne, liryczne, wiejskie, miejskie i kosmiczne.
• Martwa natura- ilustruje przedmioty nieożywione: przybory kuchenne, broń, warzywa, owoce, rośliny itp.
• Portret- To jest obraz osoby, grupy ludzi. Często artyści lubią malować autoportrety lub płótna przedstawiające swoich kochanków.
• Animalistyczny- obrazki o zwierzętach.

Osobno można wyróżnić gatunek fabularno-tematyczny i zaliczyć tu dzieła, których tematem są mity, legendy, eposy, a także obrazy o treściach codziennych.

Rodzaje malarstwa implikują także odrębne. Pomagają artyście osiągnąć doskonałość w tworzeniu płótna, mówią mu, w jakim kierunku się poruszać i pracować. Istnieją następujące opcje:

- Panorama- obraz terenu w powiększeniu, widok ogólny.

- Diorama- półkolisty obraz bitew i spektakularnych wydarzeń.

- Miniaturowy- rękopisy, portrety.

- Malarstwo monumentalne i dekoracyjne- malowanie ścian, paneli, abażurów itp.

- Ikonografia- obrazy o tematyce religijnej.

- Malarstwo dekoracyjne- tworzenie scenografii artystycznej w kinie i teatrze.

- Malarstwo sztalugowe- innymi słowy obrazy.

- Malowanie dekoracyjne przedmiotów codziennego użytku.

Z reguły każdy mistrz sztuk pięknych wybiera dla siebie jeden gatunek i rodzaj malarstwa, który jest mu najbliższy duchem i przede wszystkim tylko w nim pracuje. Na przykład Iwan Konstantinowicz Aiwazowski (Hovhannes Gayvazyan) pracował w stylu pejzażu morskiego. Tacy artyści nazywani są także malarzami morskimi (od „marina”, co po łacinie oznacza „morze”).

Technicy

Malarstwo to pewien sposób realizacji fabuły, jej postrzeganie poprzez świat kolorów i kresek. I oczywiście takiej reprodukcji nie da się osiągnąć bez zastosowania pewnych technik, szablonów i zasad. Samo pojęcie „techniki” w sztuce można zdefiniować jako zbiór technik, norm i wiedzy praktycznej, za pomocą których autor najdokładniej i najbliżej rzeczywistości przekazuje ideę i fabułę obrazu.

Wybór techniki malarskiej zależy również od rodzaju materiałów i rodzaju płótna, które zostaną użyte do stworzenia dzieła. Czasami artysta może podejść do swojej twórczości indywidualnie, stosując mieszankę różnych stylów i trendów. Takie autorskie podejście pozwala nam tworzyć dzieła naprawdę wyjątkowe – arcydzieła świata.

Z technicznego punktu widzenia istnieje kilka opcji malowania. Przyjrzyjmy się im bardziej szczegółowo.

Malarstwo czasów starożytnych

Historia malarstwa zaczyna się od malowideł jaskiniowych przedstawiających prymitywnego człowieka. W tym czasie obrazy nie wyróżniały się żywością fabuły ani zamieszaniem kolorów, ale niosły ze sobą osobliwą emocję. A historie z tamtych lat wyraźnie informują nas o istnieniu życia w odległej przeszłości. Linie są niezwykle proste, tematyka przewidywalna, kierunki jednoznaczne.

W starożytności treść rysunków była bardziej zróżnicowana, częściej przedstawiały zwierzęta, różne rzeczy, a na całej ścianie robiono całe biografie, zwłaszcza jeśli obrazy tworzono dla faraonów, w co wówczas bardzo wierzyno. Po około kolejnych dwóch tysiącach lat malowidła ścienne zaczynają nabierać kolorów.

Malarstwo starożytne, zwłaszcza staroruskie, jest dobrze oddane i zachowane w starych ikonach. Są sanktuarium i najlepszym przykładem przekazującym piękno sztuki pochodzącej od Boga. Ich kolor jest wyjątkowy, a ich przeznaczenie jest idealne. Takie malarstwo przekazuje nierzeczywistość istnienia, obrazy i wpaja człowiekowi ideę boskiej zasady, istnienia idealnej sztuki, którą należy naśladować.

Rozwój malarstwa nie przeszedł bez śladu. Przez długi czas ludzkości udało się zgromadzić prawdziwe relikty i dziedzictwo duchowe wielu stuleci.

Akwarela

Akwarelę wyróżnia jasność barw, czystość barwy i przejrzystość aplikacji na papierze. Tak, w tej technice plastycznej najlepiej pracować na powierzchni papieru. Wzór szybko wysycha, dzięki czemu zyskuje jaśniejszą i bardziej matową fakturę.

Akwarela nie pozwala na uzyskanie ciekawych błysków przy zastosowaniu ciemnych, monochromatycznych odcieni, ale doskonale modeluje kolor, jeśli warstwy nanoszone są jedna na drugą. W tym przypadku okazuje się, że można znaleźć zupełnie nowe, niezwykłe opcje, które trudno uzyskać innymi technikami artystycznymi.

Trudności w pracy z akwarelami

Trudność pracy w technice takiej jak akwarela polega na tym, że nie wybacza ona błędów i nie pozwala na improwizację z radykalnymi zmianami. Jeśli nie podobał Ci się zastosowany ton lub uzyskałeś zupełnie inny kolor niż chciałeś, jest mało prawdopodobne, że zostanie to poprawione. Wszelkie próby (zmycie wodą, zeskrobanie, zmieszanie z innymi kolorami) mogą skutkować albo ciekawszym odcieniem, albo całkowitym zabrudzeniem obrazu.

Zmiana lokalizacji figury, obiektu, czy jakiekolwiek ulepszenie kompozycji w tej technice jest w zasadzie niemożliwe. Ale dzięki szybkiemu schnięciu farb malowanie idealnie nadaje się do szkicowania. A pod względem przedstawiania roślin, portretów, pejzaży miejskich może konkurować z pracami wykonanymi w oleju.

Olej

Każda z technicznych odmian malarstwa ma swoją specyfikę. Dotyczy to zarówno sposobu wykonania, jak i artystycznego oddania obrazu. Malarstwo olejne to jedna z ulubionych technik wielu artystów. Praca w nim jest trudna, gdyż wymaga pewnego poziomu wiedzy i doświadczenia: od przygotowania niezbędnych przedmiotów i materiałów aż do etapu końcowego – pokrycia powstałego obrazu ochronną warstwą werniksu.

Cały proces malowania olejnego jest dość pracochłonny. Niezależnie od tego, jakie podłoże wybierzesz: płótno, karton czy płytę pilśniową, należy je najpierw zagruntować. Dzięki temu farba będzie dobrze przylegać i dobrze przylegać, bez wyciekania z niej oleju. Nada również tłu pożądaną teksturę i kolor. Istnieje wiele rodzajów i przepisów na różne gleby. A każdy artysta woli swój własny, taki, do którego jest przyzwyczajony i który uważa za najlepszą opcję.

Jak wspomniano powyżej, praca przebiega w kilku etapach, a końcowym etapem jest pokrycie obrazu substancjami lakierniczymi. Odbywa się to w celu ochrony płótna przed wilgocią, pęknięciami (siatką) i innymi uszkodzeniami mechanicznymi. Malarstwo olejne nie toleruje pracy na papierze, ale dzięki całej technologii nakładania farb pozwala zachować dzieła sztuki w bezpiecznym stanie przez wieki.

Chińskie sztuki piękne

Szczególna uwaga Chciałbym poświęcić uwagę epoce malarstwa chińskiego, ponieważ ma ona szczególną kartę w historii. Wschodni kierunek malarstwa rozwijał się przez ponad sześć tysięcy lat. Jego rozwój był ściśle powiązany z innymi rzemiosłami, m.in. zmiana społeczna i warunków występujących w życiu ludzi. Na przykład po wprowadzeniu buddyzmu w Chinach ogromne znaczenie zyskały murale o tematyce religijnej. W tym okresie (960-1127) popularne stały się obrazy o charakterze historycznym, opowiadające także o życiu codziennym. Malarstwo pejzażowe ugruntowało swoją pozycję samodzielnego kierunku już w IV wieku naszej ery. mi. Obrazy natury powstały w niebiesko-zielonych barwach i chińskim tuszu. A w IX wieku artyści coraz częściej zaczęli malować obrazy, na których przedstawiali kwiaty, ptaki, owoce, owady, ryby, ucieleśniając w nich swoje ideały i charakter epoki.

Cechy malarstwa chińskiego

Tradycyjne malarstwo chińskie wyróżnia się specyficznym stylem, a także materiałami używanymi do malowania, co z kolei wpływa na metody i formy sztuki orientalnej. Po pierwsze, chińscy malarze używają specjalnego pędzla do tworzenia obrazów. Wygląda jak akwarela i ma szczególnie ostrą końcówkę. Takie narzędzie pozwala na tworzenie wyrafinowanych dzieł, a jak wiadomo, styl kaligrafii jest nadal szeroko stosowany w Chinach. Po drugie, tusz jest wszędzie używany jako farba - tusz chiński (czasami w połączeniu z innymi kolorami, ale stosowany jest też jako farba samodzielna). Dzieje się tak od dwóch tysięcy lat. Warto również zauważyć, że przed pojawieniem się papieru w Chinach malowano na jedwabiu. Dziś współcześni mistrzowie sztuki wykonują swoje prace zarówno na papierze, jak i na jedwabnej powierzchni.

To nie wszystkie możliwości techniczne malowania. Oprócz wymienionych istnieje wiele innych (gwasz, pastel, tempera, fresk, akryl, wosk, malarstwo na szkle, porcelanie itp.), w tym oryginalne wersje dzieł sztuki.

Epoki malarstwa

Jak każda forma sztuki, malarstwo ma swoją historię powstawania. A przede wszystkim charakteryzuje się różnymi etapami rozwoju, wielostronnością stylów i ciekawymi kierunkami. Epoki malarstwa odgrywają tu ważną rolę. Każdy z nich wpływa nie tylko na wycinek życia narodu i nie tylko na czas niektórych wydarzeń historycznych, ale na całe życie! Do najbardziej znanych okresów w malarstwie należą: renesans i oświecenie, twórczość artystów impresjonistów, secesja, surrealizm i wiele, wiele innych. Inaczej mówiąc, malarstwo jest wizualną ilustracją pewnej epoki, obrazem życia, światopoglądem oczami artysty.

Pojęcie „malarstwa” dosłownie oznacza „malować życie”, przedstawiać rzeczywistość żywo, po mistrzowsku i przekonująco. Aby przekazać na płótnie nie tylko każdy szczegół, każdą drobnostkę, chwilę, ale także nastrój, emocje, smak konkretnego czasu, styl i gatunek całego dzieła sztuki.

Malarstwo to jedna ze sztuk starożytnych, która na przestrzeni wielu stuleci przeszła ewolucję od malowideł naskalnych paleolitu do najnowszych trendów XX, a nawet XXI wieku. Sztuka ta narodziła się niemal wraz z nadejściem ludzkości. Starożytni ludzie, nawet nie zdając sobie w pełni sprawy z tego, że są ludźmi, odczuwali potrzebę przedstawienia otaczającego ich świata na powierzchni. Malowali wszystko, co widzieli: zwierzęta, przyrodę, sceny myśliwskie. Do malowania używano czegoś podobnego do farb wykonanych z naturalnych materiałów. Były to farby ziemne, węgiel drzewny, czarna sadza. Pędzle robiono z sierści zwierzęcej lub po prostu malowano je palcami.

W wyniku przemian powstały nowe typy i gatunki malarstwa. Po okresie starożytnym nastąpił okres starożytności. Wśród malarzy i artystów istniało pragnienie odtworzenia prawdziwego życia wokół nas, tak jak wydaje się je ludziom. Pragnienie dokładności przekazu spowodowało pojawienie się podstaw perspektywy, podstaw konstrukcji światła i cienia różnych obrazów oraz badania nad tym przez artystów. Przede wszystkim studiowali, jak przedstawić przestrzeń wolumetryczną na płaszczyźnie ściany w malarstwie freskowym. Niektóre dzieła sztuki, takie jak przestrzeń wolumetryczna, światłocień, zaczęto wykorzystywać do ozdabiania pomieszczeń, ośrodków religijnych i pochówków.

Kolejnym ważnym okresem w historii malarstwa jest średniowiecze. W tym czasie malarstwo miało charakter bardziej religijny, a światopogląd zaczął znajdować odzwierciedlenie w sztuce. Twórczość artystów miała na celu malowanie ikon i innych melodii religijnych. Głównymi ważnymi punktami, które artysta musiał podkreślić, było nie tyle dokładne odzwierciedlenie rzeczywistości, ile raczej przekazywanie duchowości nawet w najróżniejszych obrazach. Płótna mistrzów tamtych czasów zadziwiały wyrazistością konturów, koloru i barwności. Malarstwo średniowieczne wydaje nam się płaskie. Wszystkie postacie artystów tamtych czasów są na tej samej linii. Dlatego wiele dzieł wydaje nam się nieco stylizowanych.

Okres szarego średniowiecza został zastąpiony jaśniejszym okresem renesansu. Renesans ponownie przyniósł punkt zwrotny w historycznym rozwoju tej sztuki. Nowe nastroje w społeczeństwie, nowy światopogląd zaczęły dyktować artyście, jakie aspekty malarstwa ujawnić pełniej i wyraźniej. Gatunki malarskie, takie jak portret i pejzaż, staną się niezależnymi stylami. Artyści wyrażają emocje człowieka i jego świat wewnętrzny poprzez nowe sposoby malowania. W XVII i XVIII wieku nastąpił jeszcze większy rozwój malarstwa. W tym okresie Kościół katolicki traci na znaczeniu, a artyści w swoich dziełach coraz częściej oddają prawdziwe poglądy na temat ludzi, przyrody, życia codziennego. W tym okresie ukształtowały się także takie gatunki jak barok, rokoko, klasycyzm i manieryzm. Pojawia się romantyzm, który później zostaje zastąpiony stylem bardziej spektakularnym – impresjonizmem.

Na początku XX wieku malarstwo zmieniło się radykalnie i pojawił się nowszy kierunek sztuki współczesnej - malarstwo abstrakcyjne. Ideą tego kierunku jest przekazywanie zgody między człowiekiem a sztuką, tworzenie harmonii w połączeniach linii i podkreśleń kolorystycznych. To sztuka bez obiektywizmu. Nie dąży do wiernego oddania prawdziwego obrazu, wręcz przeciwnie, przekazuje to, co kryje się w duszy artysty, jego emocje. Kształty i kolory odgrywają ważną rolę w tej formie sztuki. Jego istotą jest przekazanie znanych wcześniej obiektów w nowy sposób. Tutaj artyści mają pełną swobodę swojej wyobraźni. Dało to impuls do powstania i rozwoju nowoczesnych trendów, takich jak sztuka awangardowa, undergroundowa, abstrakcyjna. Od końca XX wieku po dzień dzisiejszy malarstwo podlega ciągłym zmianom. Jednak pomimo wszystkich nowych osiągnięć i nowoczesnych technologii artyści nadal pozostają wierni sztuce klasycznej - malarstwu olejnemu i akwareli, tworząc swoje arcydzieła za pomocą farb i płócien.

Natalia Martynenko

Historia sztuk pięknych

Historia malarstwa to niekończący się łańcuch, który rozpoczął się wraz z powstaniem pierwszych obrazów. Każdy styl wyrasta ze stylów, które były przed nim. Każdy wielki artysta wnosi coś do dorobku wcześniejszych artystów i wpływa na późniejszych artystów.

Możemy cieszyć się malarstwem ze względu na jego piękno. Jej linie, kształty, kolory i kompozycja (układ części) potrafią oddziaływać na nasze zmysły i zapadać w pamięć. Ale radość ze sztuki wzrasta, gdy dowiadujemy się, kiedy, dlaczego i jak została ona stworzona.

Na historię malarstwa miało wpływ wiele czynników. Geografia, religia, cechy narodowe, wydarzenia historyczne, rozwój nowych materiałów - wszystko to pomaga kształtować wizję artysty. Na przestrzeni dziejów malarstwo odzwierciedlało zmieniający się świat i nasze wyobrażenia na jego temat. Z kolei artyści udostępnili jedne z najlepszych zapisów rozwoju cywilizacji, ujawniając czasem więcej niż tylko słowo pisane.

Malarstwo prehistoryczne

Pierwsi artyści byli mieszkańcami jaskini. Na ścianach jaskiń w południowej Francji i Hiszpanii znaleziono kolorowe rysunki zwierząt datowane na okres od 30 000 do 10 000 lat p.n.e. Wiele z tych malowideł jest wyjątkowo dobrze zachowanych, ponieważ jaskinie były zapieczętowane przez wiele stuleci. Pierwsi ludzie rysowali obrazy dzikich zwierząt, które widzieli wokół nich. Wykonano bardzo szorstkie postacie ludzkie pozycje życiowe, znaleziono w Afryce i wschodniej Hiszpanii.

Artyści jaskiniowi wypełnili ściany jaskini rysunkami w bogatych, żywych kolorach. Niektóre z najpiękniejszych obrazów znajdują się w jaskini Altamira w Hiszpanii. Jeden szczegół przedstawia rannego bawoła, który nie może już stać – prawdopodobnie jest ofiarą myśliwego. Jest pomalowany na czerwono-brązowy kolor i obrysowany prostą, ale sprytną czernią. Pigmenty używane przez artystów jaskiniowych to ochra (tlenki żelaza o barwie od jasnożółtej do ciemnopomarańczowej) i mangan (ciemny metal). Mieli je na drobny proszek, mieszali ze smarem (prawdopodobnie tłustym olejem) i nakładali na powierzchnię jakimś pędzlem. Czasami pigmenty przybierały formę sztyftów, przypominających kredki. Tłuszcz zmieszany ze sproszkowanymi pigmentami utworzył płynną farbę, a cząsteczki pigmentu sklejały się ze sobą. Mieszkańcy jaskini wykonywali pędzle z sierści zwierzęcej lub roślinnej, a ostre narzędzia z krzemu (do rysowania i drapania).

Już 30 000 lat temu ludzie wynaleźli podstawowe narzędzia i materiały do ​​malowania. Metody i materiały były udoskonalane i ulepszane w ciągu następnych stuleci. Jednak odkrycia mieszkańca jaskini pozostają fundamentalne dla malarstwa.

Malarstwo egipskie i mezopotamskie (3400–332 p.n.e.)

Jedna z pierwszych cywilizacji pojawiła się w Egipcie. Wiele wiadomo o ich życiu z zapisów pisanych i dzieł sztuki pozostawionych przez Egipcjan. Wierzyli, że należy chronić ciało, aby dusza mogła żyć po śmierci. Wielkie Piramidy były wyszukanymi grobowcami bogatych i potężnych władców Egiptu. Wiele dzieł sztuki egipskiej powstało dla piramid i grobowców królów i innych ważnych osobistości. Aby mieć absolutną pewność, że dusza będzie nadal istnieć, artyści stworzyli w kamieniu wizerunki zmarłej osoby. Reprodukowali także sceny z życia ludzkiego na malowidłach ściennych w komorach grobowych.

Techniki sztuki egipskiej pozostają niezmienione od wieków. W jednej metodzie farbę akwarelową nakładano na powierzchnie gliniane lub wapienne. W innym procesie kontury zostały wyryte w kamiennych ścianach i pomalowane akwarelami. Do przyklejenia farby do powierzchni prawdopodobnie użyto materiału zwanego gumą arabską. Na szczęście suchy klimat i szczelne grobowce zapobiegły zniszczeniu niektórych akwareli przez wilgoć. Wiele scen myśliwskich ze ścian grobowców w Tebach, datowanych na około 1450 rok p.n.e., jest dobrze zachowanych. Pokazują, jak myśliwi polują na ptaki lub ryby. Tematy te można zidentyfikować do dziś, ponieważ zostały starannie i starannie namalowane.

Cywilizacja Mezopotamii, która trwała od 3200 do 332 roku p.n.e., znajdowała się w dolinie pomiędzy rzekami Tygrys i Eufrat na Bliskim Wschodzie. Domy w Mezopotamii budowano głównie z gliny. Gdy deszcz zmiękcza glinę, ich budynki rozsypały się w pył, niszcząc wszelkie malowidła ścienne, które mogły być bardzo interesujące. Zachowała się ceramika dekorowana (malowana i wypalana) oraz kolorowe mozaiki. Choć mozaik nie można uznać za malarstwo, często mają na nie wpływ.

Cywilizacja egejska (3000–1100 p.n.e.)

Trzeci wielki wczesna kultura istniała cywilizacja egejska. Egejczycy żyli na wyspach u wybrzeży Grecji i na półwyspie Azji Mniejszej mniej więcej w tym samym czasie, co starożytni Egipcjanie i Mezopotamczycy.

W 1900 roku archeolodzy rozpoczęli prace wykopaliskowe w pałacu króla Minosa w Knossos na Krecie. Wykopaliska odsłoniły dzieła sztuki namalowane około 1500 roku p.n.e. w niezwykle swobodnym i pełnym wdzięku stylu tamtych czasów. Podobno Kreteńczycy byli beztroskim, kochającym przyrodę narodem. Do ich ulubionych tematów w sztuce należało życie morskie, zwierzęta, kwiaty, sport i masowe procesje. W Knossos i innych pałacach na Morzu Egejskim malowano na mokrych gipsowych ścianach farbami na bazie substancji mineralnych, piasku i ziemnych ochr. Farba wsiąkła w mokry tynk i na stałe wpisała się w ścianę. Obrazy te nazwano później freskami (od włoskiego słowa oznaczającego „świeży” lub „nowy”). Kreteńczycy lubili jasne żółcie, czerwienie, błękity i zielenie.

Malarstwo klasyczne greckie i rzymskie (1100 p.n.e. – 400 n.e.)

Starożytni Grecy dekorowali ściany świątyń i pałaców freskami. Ze starożytnych źródeł literackich oraz z rzymskich kopii sztuki greckiej można stwierdzić, że Grecy malowali małe obrazki i wykonywali mozaiki. Znane są imiona greckich mistrzów oraz niewiele z ich życia i dzieł, chociaż bardzo niewiele greckiego malarstwa przetrwało stulecia i następstwa wojen. Grecy nie pisali zbyt wiele w grobowcach, więc ich dzieła nie były chronione.

Malowane wazony to wszystko, co pozostało z dzisiejszego malarstwa greckiego. Produkcja ceramiki była dużym przemysłem w Grecji, zwłaszcza w Atenach. Kontenery cieszyły się dużym zainteresowaniem, były eksportowane, podobnie jak olej i miód oraz do użytku krajowego. Najwcześniejsze malowanie wazowe przedstawiało figury geometryczne i ozdoby (1100-700 p.n.e.). Wazony zdobiono także postaciami ludzkimi w brązowej glazurze na jasnej glinie. W VI wieku artyści zajmujący się wazami często malowali czarne postacie ludzkie na naturalnej czerwonej glinie. Szczegóły zostały wyrzeźbione w glinie ostrym narzędziem. Dzięki temu w głębi reliefu pojawiła się czerwień.

Styl czerwonofigurowy ostatecznie zastąpił czarny. Oznacza to, że odwrotnie: liczby są czerwone, a tło czarne. Zaletą tego stylu było to, że artysta mógł używać pędzla do tworzenia konturów. Pędzel tworzy luźniejszą linię niż metalowe narzędzie stosowane w czarnych wazach.

Rzymskie malowidła ścienne odnajdywano głównie w willach (domach wiejskich) w Pompejach i Herkulanum. W 79 roku te dwa miasta zostały całkowicie zniszczone przez erupcję Wezuwiusza. Archeolodzy prowadzący wykopaliska na tym obszarze mogli dowiedzieć się wiele o życiu starożytnego Rzymu w tych miastach. Prawie każdy dom i willa w Pompejach miała malowidła na ścianach. Malarze rzymscy starannie przygotowali powierzchnię ściany, nakładając mieszaninę pyłu marmurowego i tynku. Wypolerowali powierzchnie do marmurowego wykończenia. Wiele obrazów to kopie malowideł greckich z IV wieku p.n.e. Pełne wdzięku pozy postaci namalowanych na ścianach Willi Tajemnic w Pompejach inspirowały artystów w XVIII wieku, kiedy odkopano miasto.

Portrety malowali także Grecy i Rzymianie. Niewielka ich liczba, głównie portrety mumii wykonane w stylu greckim przez egipskich artystów, przetrwała w okolicach Aleksandrii w północnym Egipcie. Założona w IV wieku p.n.e. przez Aleksandra Wielkiego w Grecji, Aleksandria stała się wiodącym ośrodkiem kultury greckiej i rzymskiej. Portrety zostały namalowane techniką enkaustyczną na drewnie i zamontowane w formie mumii po śmierci przedstawianej osoby. Enkaustyczne obrazy wykonane farbą zmieszaną z roztopionym woskiem pszczelim utrzymują się bardzo długo. Rzeczywiście, te portrety wciąż wyglądają świeżo, mimo że zostały zrobione już w II wieku p.n.e.

Malarstwo wczesnochrześcijańskie i bizantyjskie (300–1300)

Cesarstwo Rzymskie upadło w IV wieku naszej ery. W tym samym czasie chrześcijaństwo zyskiwało na sile. W 313 roku cesarz rzymski Konstantyn oficjalnie uznał tę religię i sam przeszedł na chrześcijaństwo.

Pojawienie się chrześcijaństwa wywarło ogromny wpływ na sztukę. Artystom zlecano dekorowanie ścian kościołów freskami i mozaikami. Wykonywali tablice w kaplicach kościelnych, ilustrowali i dekorowali księgi kościelne. Pod wpływem Kościoła od artystów oczekiwano możliwie najjaśniejszego przekazywania nauk chrześcijaństwa.

Pierwsi chrześcijanie i artyści bizantyjscy kontynuowali technikę mozaiki, której nauczyli się od Greków. Małe płaskie kawałki kolorowego szkła lub kamienia osadzano na mokrym cemencie lub gipsie. Czasami używano innych twardych materiałów, takich jak kawałki wypalonej gliny lub muszle. W mozaice włoskiej kolory są szczególnie głębokie i pełne. Włoscy artyści wykonali tło z kawałków złoconego szkła. Przedstawiały postacie ludzkie w bogatych kolorach na tle błyszczącego złota. Ogólny efekt był płaski, dekoracyjny i nierealistyczny.

Mozaiki artystów bizantyjskich były często jeszcze mniej realistyczne i jeszcze bardziej dekoracyjne niż motywy pierwszych chrześcijan. „Bizantyjski” to nazwa nadana stylowi sztuki, który rozwinął się wokół starożytne miasto Bizancjum (obecnie Stambuł, Turcja). Technika mozaiki idealnie pasowała do bizantyjskiego gustu w zakresie wspaniale dekorowanych kościołów. Słynne mozaiki Teodory i Justyniana, wykonane około 547 r., świadczą o zamiłowaniu do bogactwa. Biżuteria na figurkach błyszczy, a kolorowe suknie dworskie mienią się na tle połyskującego złota. Artyści bizantyjscy używali także złota na freskach i panelach. W średniowieczu złoto i inne cenne materiały służyły do ​​oddzielania przedmiotów duchowych od świata codziennego.

Malarstwo średniowieczne (500–1400)

Pierwsza część średniowiecza, od około VI do XI wieku naszej ery, nazywana jest zwykle średniowieczem ciemnym. W okresie niepokojów sztukę przechowywano głównie w klasztorach. W V wieku naszej ery Po kontynencie przemierzały plemiona Warran z północnej i środkowej Europy. Przez setki lat dominowali w Europie Zachodniej. Ludzie ci stworzyli sztukę, w której głównym elementem jest wzór. Byli szczególnie zafascynowani strukturami splecionych ze sobą smoków i ptaków.

To, co najlepsze w sztuce celtyckiej i saskiej, można znaleźć w rękopisach z VII i VIII wieku. Ilustracje książkowe, iluminacja i malarstwo miniaturowe, praktykowane od późnych czasów rzymskich, rozpowszechniły się w średniowieczu. Oświetlenie stanowi ozdobę tekstu, wielkich liter i marginesów. Zastosowano złoto, srebro i jasne kolory. Miniatura to niewielki obraz, często portret. Termin ten był pierwotnie używany do opisania ozdobnego bloku wokół pierwszych liter rękopisu.

Karol Wielki, koronowany na Świętego Cesarza Rzymskiego na początku IX wieku, podjął próbę wskrzeszenia sztuki klasycznej z okresu późnego rzymskiego i wczesnochrześcijańskiego. Za jego panowania malarze miniatury naśladowali sztukę klasyczną, ale także przekazywali osobiste uczucia poprzez swoich bohaterów.

Ze średniowiecza zachowało się bardzo niewiele malowideł ściennych. Kościoły zbudowane w okresie romańskim (XI-XIII wiek) miały kilka wspaniałych fresków, ale większość z nich zniknęła. W kościołach okresu gotyku (XII-XVI w.) nie było wystarczająco dużo miejsca na malowidła ścienne. Ilustracja książkowa była głównym dziełem malarza gotyckiego.

Do najlepiej ilustrowanych rękopisów zaliczały się księgi godzinowe – zbiory kalendarzy, modlitw i psalmów. Strona włoskiego rękopisu przedstawia wyszukane inicjały i bardzo szczegółową scenę marginalną przedstawiającą św. Jerzego zabijającego smoka. Kolory są olśniewające i przypominają klejnoty, jak witraż, a złoto mieni się na kartce. Tekst otaczają subtelne wzory liści i kwiatów. Artyści prawdopodobnie używali szkieł powiększających do tworzenia tak skomplikowanych, szczegółowych prac.

Włochy: Cimabue i Giotto

Włoscy artyści końca XIII wieku nadal pracowali w stylu bizantyjskim. Postacie ludzkie zostały wykonane płasko i dekoracyjnie. Twarze rzadko wyrażały wyraz. Ciała były nieważkie i sprawiały wrażenie, jakby unosiły się w powietrzu, zamiast stabilnie stać na ziemi. We Florencji artysta Cimabue (1240-1302) próbował unowocześnić niektóre stare techniki bizantyjskie. Anioły w Madonna Enthroned są bardziej aktywne niż zwykle na obrazach z tamtych czasów. Ich gesty i twarze ukazują nieco bardziej ludzkie uczucia. Cimabue dodał swoim obrazom nowe poczucie monumentalności i przepychu. Kontynuował jednak przestrzeganie wielu tradycji bizantyjskich, takich jak złote tło i wzorzyste rozmieszczenie przedmiotów i postaci.

To właśnie wielki florencki artysta Giotto (1267-1337) faktycznie zerwał z tradycją bizantyjską. Jego cykl fresków w kaplicy Arena w Padwie pozostawia sztukę bizantyjską daleko w tyle. W tych scenach z życia Maryi i Chrystusa widać prawdziwe emocje, napięcie i naturalizm. Obecne są wszystkie cechy ludzkiego ciepła i współczucia. Ludzie nie wydają się całkowicie nierealni ani niebiańscy. Giotto cieniował kontury postaci i umieszczał głębokie cienie w fałdach ubrań, aby nadać im poczucie okrągłości i solidności.

Do swoich małych paneli Giotto użył czystej tempery jajecznej, medium udoskonalonego przez Florentyńczyków w XIV wieku. Przejrzystość i jasność jego kolorów musiała mieć ogromny wpływ na ludzi przyzwyczajonych do ciemnych kolorów bizantyjskich paneli. Obrazy temperowe sprawiają wrażenie, jak na scenę wpada miękkie światło dzienne. Mają niemal płaski wygląd, w przeciwieństwie do połysku malarstwa olejnego. Główną farbą pozostała tempera jajeczna, aż w XVI wieku niemal całkowicie zastąpiła ją olej.

Późnośredniowieczne malarstwo na północ od Alp

Na początku XV wieku artyści w Europie Północnej pracowali w stylu zupełnie odmiennym od malarstwa włoskiego. Artyści z Północy osiągnęli realizm, dodając do swoich obrazów niezliczoną ilość szczegółów. Wszystkie włosy zostały z wdziękiem podkreślone, a każdy szczegół draperii lub podłogi został precyzyjnie umiejscowiony. Wynalezienie malarstwa olejnego ułatwiło wykonywanie detali.

Wielki wkład w rozwój malarstwa olejnego wniósł flamandzki artysta Jan van Eyck (1370-1414). W przypadku stosowania tempery kolory należy nakładać osobno. Nie mogą dobrze się cieniować, ponieważ farba szybko schnie. Dzięki olejowi, który wysycha powoli, artysta może uzyskać bardziej złożone efekty. Jego portrety z lat 1466-1530 zostały wykonane w flamandzkiej technice olejnej. Wszystkie szczegóły, a nawet odbicia lustrzane są wyraźne i dokładne. Kolor jest trwały i ma twardą, emaliowaną powierzchnię. Zagruntowany panel drewniany został przygotowany w taki sam sposób, w jaki Giotto przygotowywał swoje panele pod temperę. Van Eyck stworzył obraz z warstw delikatnego koloru zwanego szkliwem. Temperę wykorzystywano prawdopodobnie w pierwotnym runie i do rozjaśniania.

Włoski renesans

W czasie, gdy van Eyck pracował na północy, Włosi wkraczali w złoty wiek sztuki i literatury. Okres ten nazywany jest renesansem, co oznacza odrodzenie. Włoscy artyści inspirowali się rzeźbą starożytnych Greków i Rzymian. Włosi chcieli wskrzesić ducha sztuki klasycznej, która gloryfikuje niezależność człowieka i szlachetność. Artyści renesansu nadal malowali sceny religijne. Ale podkreślali także życie ziemskie i osiągnięcia człowieka.

Florencja

Osiągnięcia Giotta na początku XIV wieku zapoczątkowały renesans. włoski artyści XVII kontynuowały ją stulecia. Masaccio (1401-1428) był jednym z przywódców pierwszego pokolenia artystów renesansu. Mieszkał we Florencji, bogatym mieście handlowym, w którym rozpoczęła się sztuka renesansu. Do swojej śmierci pod koniec lat dwudziestych zrewolucjonizował malarstwo. Na swoim słynnym muralu „The Tribute Money” umieszcza imponujące rzeźbiarskie postacie w krajobrazie, który wydaje się rozciągać daleko. Masaccio mógł studiować perspektywę u florenckiego architekta i rzeźbiarza Brunelleschiego (1377-1414).

Technika freskowa była bardzo popularna w okresie renesansu. Szczególnie nadawał się do dużych fresków, ponieważ kolory na fresku są suche i idealnie płaskie. Obraz można oglądać pod dowolnym kątem, bez odblasków i odbić. Dostępne są także freski. Zwykle artyści mieli kilku asystentów. Prace prowadzono etapami, gdyż trzeba było je dokończyć, gdy tynk był jeszcze mokry.

Pełny „trójwymiarowy” styl Masaccio był typowy dla nowego ruchu postępowego XV wieku. Styl Fra Angelico (1400-1455) to bardziej tradycyjne podejście stosowane przez wielu artystów wczesny renesans. Mniej przejmował się perspektywą, a bardziej projektowaniem dekoracyjnym. Jego „Koronacja Najświętszej Marii Panny” jest przykładem najpiękniejszej tempery. Zabawne, bogate kolory zestawione ze złotem i akcentowane złotem. Zdjęcie wygląda jak powiększona miniatura. Długie, wąskie postacie mają niewiele wspólnego z Masaccio. Kompozycja zorganizowana jest w szerokie linie ruchu okrążające centralne postacie Chrystusa i Maryi.

Kolejnym florentyńczykiem tworzącym w stylu tradycyjnym był Sandro Botticelli (1444-1515). Płynne, rytmiczne linie łączą odcinki Źródła Botticellego. Z prawej strony przemyka postać Wiosny niesionej przez zachodni wiatr. Trzy Gracje tańczą w kręgu, a płynne fałdy ich sukien i pełne wdzięku ruchy rąk wyrażają rytm tańca.

Leonardo da Vinci (1452-1519) studiował malarstwo we Florencji. Znany jest ze swoich badań naukowych i wynalazków, a także ze swoich obrazów. Zachowało się bardzo niewiele jego obrazów, częściowo dlatego, że często z nimi eksperymentował na różne sposoby tworzenie i nakładanie farby zamiast stosowania sprawdzonych metod. Ostatnia Wieczerza (namalowana w latach 1495-1498) została namalowana w oleju, niestety Leonardo namalował ją na wilgotnej ścianie, co spowodowało pękanie farby. Jednak nawet w złym stanie (sprzed renowacji) obraz potrafił budzić emocje u każdego, kto go zobaczył.

Jedną z charakterystycznych cech stylu Leonarda był sposób przedstawiania świateł i ciemności. Włosi nazywali jego słabe oświetlenie „sfumato”, co oznacza zadymione lub mgliste. Postacie Madonny na Skałach spowija atmosfera sfumato. Ich kształty i cechy są delikatnie zacienione. Leonardo osiągnął te efekty, stosując bardzo subtelne gradacje jasnych i ciemnych tonów.

Rzym

Kulminacja malarstwa renesansowego nastąpiła w XVI wieku. W tym samym czasie centrum sztuki i kultury przeniosło się z Florencji do Rzymu. Za papieża Sykstusa IV i jego następcy Juliusza II miasto Rzym było chwalebnie i bogato zdobione przez artystów renesansu. Niektóre z najbardziej ambitnych projektów tego okresu rozpoczęły się za pontyfikatu Juliusza II. Juliusz zlecił wielkiemu rzeźbiarzowi i malarzowi Michałowi Aniołowi (1475-1564) pomalowanie sufitu Kaplicy Sykstyńskiej i wykonanie rzeźby na grobowiec Papieża. Juliusz zaprosił także malarza Rafaela (1483-1520) do pomocy w dekoracji Watykanu. Rafael wraz ze swoimi asystentami namalował cztery pokoje apartamentów papieża w Pałacu Watykańskim.

Michał Anioł, z urodzenia Florentczyk, rozwinął monumentalny styl malarski. Postacie na jego obrazie są tak mocne i obszerne, że wyglądają jak rzeźby. Sufit Sykstyński, którego ukończenie zajęło Michałowi Aniołowi 4 lata, składa się z setek postaci ludzkich ze Starego Testamentu. Aby ukończyć ten wspaniały fresk, Michał Anioł musiał położyć się na plecach na rusztowaniu. Zamyślona twarz Jeremiasza wśród proroków otaczająca sufit jest przez niektórych ekspertów uważana za autoportret Michała Anioła.

Rafael przybył do Florencji z Urbino jeszcze jako bardzo młody człowiek. We Florencji wchłonął idee Leonarda i Michała Anioła. Zanim Rafael udał się do Rzymu, aby pracować w Watykanie, jego styl stał się jednym z najwspanialszych pod względem piękna wykonania. Szczególnie upodobał sobie piękne portrety Madonny z Dzieciątkiem. Były reprodukowane w tysiącach i można je zobaczyć wszędzie. Jego Madonna del Granduca odniosła sukces dzięki swojej prostocie. Ponadczasowy w swoim spokoju i czystości, jest dla nas tak samo atrakcyjny, jak dla Włochów z epoki Rafaela.

Wenecja

Wenecja była głównym miastem renesansu w północnych Włoszech. Odwiedzali ją artyści z Flandrii i innych regionów, znający flamandzkie eksperymenty z farbą olejną. Stymulowało to wczesne wykorzystanie technologii naftowej we włoskim mieście. Wenecjanie nauczyli się malować na ciasno naciągniętym płótnie, a nie na powszechnie używanych we Florencji panelach drewnianych.

Giovanni Bellini (1430-1515) był największym weneckim artystą XV wieku. Był także jednym z pierwszych włoskich artystów, którzy używali oleju na płótnie. Giorgione (1478-1151) i Tycjan (1488-1515), najsłynniejszy ze wszystkich artystów weneckich, byli uczniami w pracowni Belliniego.

Mistrz malarstwa olejnego Tycjan malował ogromne płótna w ciepłych, bogatych kolorach. W swoich dojrzałych obrazach poświęcił szczegóły, aby stworzyć oszałamiające efekty, jak na przykład w Madonnie z Pesaro. Do wykonywania dużych pociągnięć używał dużych pędzli. Jego kolory są szczególnie bogate, ponieważ cierpliwie tworzył szkliwa w kontrastujących kolorach. Zazwyczaj na brązową hartowaną powierzchnię nakładano szkliwa, co nadawało obrazowi jednolity ton.

Kolejnym wielkim artystą weneckim XVI wieku był Tintoretto (1518-1594). W przeciwieństwie do Tycjana pracował zwykle bezpośrednio na płótnie, bez wstępnych szkiców i konturów. Często zniekształcał swoje formy (przekręcał je) na rzecz kompozycyjności i dramatyzmu fabuły. Jego technika, obejmująca szerokie pociągnięcia pędzlem i dramatyczne kontrasty światła i ciemności, wydaje się bardzo nowoczesna.

Artysta Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) był znany jako El Greco („Grek”). Urodzony na Krecie, okupowanej przez armię wenecką, El Greco był szkolony przez włoskich artystów. Jako młody człowiek wyjechał na studia do Wenecji. Połączony wpływ sztuki bizantyjskiej, którą widział wokół siebie na Krecie, i sztuki włoskiego renesansu, uczynił dzieło El Greco wyjątkowym.

W swoich obrazach zniekształcał naturalne formy i posługiwał się jeszcze dziwniejszymi, bardziej nieziemskimi kolorami niż podziwiany przez niego Tintoretto. Później El Greco przeniósł się do Hiszpanii, gdzie mroki sztuki hiszpańskiej wpłynęły na jego twórczość. W jego dramatycznej wizji Toledo nad śmiertelną ciszą miasta szaleje burza. Chłodne błękity, zielenie i niebiesko-białe odcienie wprowadzają chłód w krajobraz.

Renesans we Flandrii i Niemczech

Złoty wiek malarstwa we Flandrii (obecnie część Belgii i północnej Francji) to XV wiek, czasy van Eycka. W XVI wieku wielu artystów flamandzkich naśladowało artystów włoskiego renesansu. Jednak niektórzy Flamandowie kontynuowali flamandzką tradycję realizmu. Potem rozpowszechniło się malarstwo rodzajowe – sceny z życia codziennego, czasem urokliwe, czasem fantastyczne. Hieronim Bosch (1450-1515), poprzedzający malarzy gatunkowych, miał niezwykle bujną wyobraźnię. Wymyślił najróżniejsze dziwne, groteskowe stworzenia do Kuszenia św. Antoni.” Pieter Bruegel Starszy (1525-1569) również działał w tradycji flamandzkiej, ale dodał do swoich scen rodzajowych perspektywę i inne cechy renesansu.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein Młodszy (1497-1543) i Lucas Cranach Starszy (1472-1553) byli trzema najważniejszymi niemieckimi artystami XVI wieku. Zrobili wiele, aby złagodzić ponury realizm wczesnego malarstwa niemieckiego. Dürer przynajmniej raz odwiedził Włochy, gdzie był pod wrażeniem malarstwa Giovanniego Belliniego i innych Włochów z północy. Dzięki temu doświadczeniu zaszczepił w malarstwie niemieckim wiedzę o perspektywie, wyczucie koloru i światła oraz nowe rozumienie kompozycji. Holbein wchłonął jeszcze więcej włoskich osiągnięć. Jego wrażliwy rysunek i umiejętność wyselekcjonowania tylko najważniejszych szczegółów uczyniły go mistrzem portrecisty.

Malarstwo barokowe

Wiek XVII nazywany jest w sztuce okresem baroku. We Włoszech artyści Caravaggio (1571-1610) i Annibale Carracci (1560-1609) reprezentowali dwa kontrastujące punkty widzenia. Caravaggio (prawdziwe nazwisko Michelangelo Merisi) zawsze czerpał inspirację bezpośrednio z realiów życia. Jedną z jego głównych trosk było jak najwierniejsze kopiowanie natury, bez jej gloryfikowania. Carracci natomiast podążał za renesansowym ideałem piękna. Studiował starożytna rzeźba oraz dzieła Michała Anioła, Rafaela i Tycjana. Styl Caravaggia podziwiało wielu artystów, zwłaszcza Hiszpana Riberę i młodego Velazqueza. Carracci zainspirował Nicolasa Poussina (1594-1665), słynnego francuskiego malarza XVII wieku.

Hiszpania

Diego Velazquez (1599-1660), malarz nadworny króla Hiszpanii Filipa IV, był jednym z najwybitniejszych artystów hiszpańskich. Miłośnik twórczości Tycjana, był mistrzem w operowaniu bogatą, harmonijną kolorystyką. Żaden artysta nie mógłby lepiej stworzyć iluzji bogatej tkanki lub ludzkiej skóry. Portret mały książę Philippa Prospera demonstruje tę umiejętność.

Flandria

Obrazy flamandzkiego artysty Petera Paula Rubensa (1577-1640) stanowią ucieleśnienie pełnokolorowego stylu barokowego. Tryskają energią, kolorem i światłem. Rubens zerwał z flamandzką tradycją malowania małych obrazków. Jego płótna są ogromne, wypełnione postaciami ludzkimi. Tak, otrzymał więcej rozkazów duże obrazy niż mógłbym osiągnąć. Dlatego często rysował jedynie niewielki kolorowy szkic. Następnie jego asystenci przenieśli szkic na duże płótno i ukończyli obraz pod kierunkiem Rubensa.

Holandia

Dorobek holenderskiego malarza Rembrandta (1606-1669) zalicza się do najwybitniejszych w historii. Miał wspaniały dar trafnego uchwycenia i przekazania ludzkich emocji. Podobnie jak Tycjan długo pracował nad stworzeniem wielowarstwowych obrazów. Kolory ziemi – żółta ochra, brąz i brązowo-czerwony – były jego ulubionymi. Jego obrazy powstają głównie w ciemnej kolorystyce. Znaczenie ciemnych, wielowarstwowych części sprawia, że ​​jego technika jest niezwykła. Nacisk kładziony jest przez jasne oświetlenie w stosunkowo jasnych obszarach.

Jan Vermeer (1632-1675) należał do grupy holenderskich artystów malujących skromne sceny z życia codziennego. Był mistrzem w malowaniu dowolnej faktury – atłasu, perskich dywanów, skórek chleba, metalu. Ogólne wrażenie wnętrza Vermeera to słoneczny, wesoły pokój wypełniony kultowymi przedmiotami gospodarstwa domowego.

Malarstwo z XVIII wieku

W XVIII wieku Wenecja wydała na świat kilku znakomitych artystów. Najbardziej znanym był Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Ozdabiał wnętrza pałaców i innych budynków okazałymi, kolorowymi freskami przedstawiającymi sceny bogactwa. Francesco Guardi (1712-1793) bardzo dobrze posługiwał się pędzlem i zaledwie kilkoma plamami koloru potrafił wyczarować ideę małej figurki w łódce. Spektakularne widoki Antonio Canaletto (1697-1768) śpiewał dawną chwałę Wenecji.

Francja: styl rokoko

We Francji zamiłowanie do pastelowych kolorów i misternych dekoracji doprowadziło na początku XVIII wieku do rozwoju stylu rokoko. Z trendami rokokowymi kojarzeni byli Jean Antoine Watteau (1684-1721), nadworny malarz króla Ludwika XV, a później François Boucher (1703-1770) i ​​Jean Honoré Fragonard (1732-1806). Watteau napisał marzycielskie wizje, życie, w którym wszystko jest zabawą. Styl opiera się na piknikach w parkach i leśnych imprezach, podczas których weseli panowie i eleganckie panie bawią się na łonie natury.

Inni artyści XVIII wieku przedstawiali sceny ze zwykłego życia klasy średniej. Podobnie jak holenderski Vermeer, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) cenił proste tematy domowe i martwe natury. Jego kolory są trzeźwe i spokojne w porównaniu do Watteau.

Anglia

W XVIII wieku Brytyjczycy po raz pierwszy rozwinęli odrębną szkołę malarstwa. Trzon stanowili głównie portreciści, pozostający pod wpływem artystów weneckiego renesansu. Najbardziej znani są Sir Joshua Reynolds (1723-1792) i Thomas Gainsborough (1727-1788). Reynolds, który podróżował do Włoch, podążał za ideałami malarstwa renesansowego. Jego portrety, choć urocze i poruszające, nie są szczególnie interesujące pod względem koloru i faktury. Z drugiej strony Gainsborough miał talent do błyskotliwości. Powierzchnie jego obrazów błyszczą promiennym kolorem.

Malarstwo XIX w

Wiek XIX jest czasami postrzegany jako okres, w którym zaczęła kształtować się sztuka nowoczesna. Jedną z ważnych przyczyn tzw. rewolucji w sztuce tamtych czasów było wynalezienie aparatu fotograficznego, co zmusiło artystów do ponownego przemyślenia celu malarstwa.

Ważniejszym osiągnięciem było powszechne stosowanie gotowych farb. Do XIX wieku większość artystów lub ich asystentów wytwarzała własne farby poprzez mielenie pigmentu. Wczesne farby komercyjne były gorsze od farb ręcznych. Artyści końca XIX wieku odkryli, że ciemne błękity i brązy z wcześniejszych obrazów blakły w ciągu kilku lat do czerni lub szarości. Zaczęli ponownie używać czystych kolorów, aby zachować swoją pracę, a czasami dlatego, że próbowali dokładniej odbijać światło słoneczne w scenach ulicznych.

Hiszpania: Goya

Francisco Goya (1746-1828) był pierwszym wielkim hiszpańskim artystą, który pojawił się od XVII wieku. Jako ulubiony artysta dworu hiszpańskiego wykonał wiele portretów rodziny królewskiej. Bohaterowie królewscy noszą eleganckie ubrania i piękną biżuterię, ale na niektórych twarzach odbija się jedynie próżność i chciwość. Oprócz portretów Goya malował dramatyczne sceny, takie jak Trzeci Maj 1808. Obraz ten przedstawia egzekucję grupy hiszpańskich rebeliantów przez żołnierzy francuskich. Odważne kontrasty jasnych i ciemnych oraz ponurych kolorów, przeplatane plamami czerwieni, przywołują ponury horror spektaklu.

Chociaż Francja była wielkim ośrodkiem sztuki w XIX wieku, angielscy artyści zajmujący się pejzażem John Constable (1776-1837) i Joseph Mallord William Turner (1775-1851) wnieśli cenny wkład w malarstwo XIX wieku. Obydwaj interesowali się malowaniem światła i powietrza, dwóch aspektów natury, które XIX-wieczni artyści w pełni eksplorowali. Konstabl zastosował metodę zwaną dzieleniem, czyli łamaniem koloru. Zamiast głównego koloru tła użył kontrastujących kolorów. Często używał noża paletowego, aby mocno nałożyć kolor. Obraz „Hay Wain” przyniósł mu sławę po pokazie w Paryżu w 1824 roku. To prosta scena wiejskiego sianokosów. Chmury unoszą się nad łąkami pokrytymi plamami światła słonecznego. Obrazy Turnera są bardziej dramatyczne niż obrazy Constable'a, który malował majestatyczne widoki natury - burze, pejzaże morskie, płonące zachody słońca, wysokie góry. Często złota mgła częściowo przesłania obiekty na jego obrazach, sprawiając wrażenie, jakby unosiły się w nieskończonej przestrzeni.

Francja

Okres panowania Napoleona i Rewolucji Francuskiej zaznaczył się w sztuce francuskiej pojawieniem się dwóch przeciwstawnych nurtów – klasycyzmu i romantyzmu. Jacques Louis David (1748-1825) i Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) inspirowali się sztuką starożytnej Grecji i Rzymu oraz renesansem. Podkreślili szczegóły i wykorzystali kolor, aby stworzyć solidne kształty. Jako ulubiony artysta rządu rewolucyjnego David często malował wydarzenia historyczne tamtego okresu. W swoich portretach, takich jak Madame Recamier, dążył do osiągnięcia klasycznej prostoty.

Théodore Guéricault (1791-1824) i romantyk Eugene Delacroix (1798-1863) zbuntowali się przeciwko stylowi Dawida. Dla Delacroix kolor był najważniejszym elementem malarstwa i nie miał cierpliwości do naśladowania klasycznych posągów. Zamiast tego podziwiał Rubena i Wenecjan. Do swoich obrazów wybrał kolorowe, egzotyczne motywy, które mienią się światłem i są pełne ruchu.

Artyści z Barbizonu należeli także do ogólnego ruchu romantycznego, który trwał od około 1820 do 1850 roku. Pracowali w pobliżu wioski Barbizon na skraju lasu Fontainebleau. Inspiracje czerpali z natury i realizowali obrazy w swoich pracowniach.

Inni artyści eksperymentowali z przedmiotami codziennego użytku, zwyczajnymi. Krajobrazy Jeana Baptiste'a Camille'a Corota (1796-1875) odzwierciedlają jego miłość do natury, a jego studia nad ludzkim ciałem ukazują rodzaj zrównoważonego spokoju. Gustave Courbet (1819-1877) nazywał siebie realistą, ponieważ przedstawiał świat takim, jakim go widział – nawet jego surową, nieprzyjemną stronę. Swoją paletę ograniczył do kilku ciemnych kolorów. Edouard Manet (1832-1883) również wzorował się na swoich tematach z otaczającego świata. Ludzie byli zszokowani jego kolorowymi kontrastami i niezwykłymi technikami. Powierzchnie jego obrazów często mają płaską, wzorzystą fakturę pociągnięć pędzla. Metody Maneta stosowania efektów światła w formie wywarły wpływ na młodych artystów, zwłaszcza impresjonistów.

Działająca w latach 70. i 80. XIX wieku grupa artystów zwana impresjonistami chciała przedstawić naturę dokładnie taką, jaka jest. W badaniu wpływu światła na kolor posunęli się znacznie dalej niż Constable, Turner i Manet. Niektórzy z nich rozwinęli naukowe teorie koloru. Claude Monet (1840-1926) często malował ten sam widok o różnych porach dnia, aby pokazać, jak zmienia się on w ciągu dnia. różne warunki oświetlenie Niezależnie od tematu, jego obrazy składają się z setek drobnych pociągnięć pędzla umieszczonych obok siebie, często w kontrastujących kolorach. Z daleka pociągnięcia łączą się, tworząc wrażenie solidnych kształtów. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) użył technik impresjonistycznych, aby uchwycić celebrację paryskiego życia. W jego Tańcu w Moulin de la Galette ludzie ubrani w jaskrawe kolory tłoczyli się i wesoło tańczyli. Renoir namalował cały obraz małymi pociągnięciami. Kropki i pociągnięcia farby tworzą na powierzchni obrazu teksturę, która nadaje mu specjalny rodzaj. Tłumy ludzi zdają się rozpuszczać w świetle słońca i mieniących się kolorach.

Malarstwo XX wieku

Wielu artystów wkrótce stało się niezadowolonych z impresjonizmu. Artyści tacy jak Paul Cézanne (1839-1906) uważali, że impresjonizm nie opisywał trwałości form w naturze. Cézanne uwielbiał malować martwe natury, ponieważ pozwalały mu skupić się na kształcie owoców lub innych przedmiotów oraz ich ułożeniu. Tematy jego martwych natur wyglądają solidnie, ponieważ zredukował je do prostych geometrycznych kształtów. Jego technika umieszczania obok siebie plam farby i krótkich pociągnięć bogatego koloru pokazuje, że wiele nauczył się od impresjonistów.

Vincent Van Gogh (1853-90) i Paul Gauguin (1848-1903) odpowiedzieli na realizm impresjonistów. W przeciwieństwie do impresjonistów, którzy twierdzili, że postrzegają naturę obiektywnie, Van Gogh nie przywiązywał dużej wagi do dokładności. Często zniekształcał przedmioty, aby wyrazić swoje myśli w bardziej twórczy sposób. Stosował zasady impresjonizmu, umieszczając obok siebie kontrastujące kolory. Czasami wyciskał farbę z tubek bezpośrednio na płótno, jak w „Żółtym polu kukurydzy”.

Gauguinowi nie podobał się cętkowany kolor impresjonistów. Kolor nakładał płynnie na duże, płaskie obszary, które oddzielał od siebie liniami lub ciemnymi krawędziami. Wiele z jego tematów dostarczyły kolorowe ludy tropikalne.

Cezanne'owską metodę kreowania przestrzeni za pomocą prostych kształtów geometrycznych rozwinęli Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) i inni. Ich styl stał się znany jako kubizm. Kubiści malowali obiekty tak, jakby można je było oglądać z kilku stron jednocześnie lub tak, jakby zostały rozebrane i złożone na płaskim płótnie. Często obiekty okazywały się niepodobne do niczego, co istniało w naturze. Czasami kubiści wycinali figury z tkaniny, kartonu, tapety lub innych materiałów i wklejali je na płótno, tworząc kolaż. Zmieniano także fakturę, dodając do farby piasek lub inne substancje.

Nowsze tendencje polegają na kładzeniu mniejszego nacisku na ten temat. Większy nacisk zaczęto stawiać na kompozycję i technikę obrazu.

Słowo „malarstwo” pochodzi od rosyjskich słów „żyć” i „pisać”, co dało wyraz „żywy list”. Malarstwo to obraz świata rzeczywistego, narysowany przy użyciu improwizowanych materiałów (ołówki, farby, plastelina itp.) na płaskich powierzchniach. Można powiedzieć, że jest to także projekcja realnego świata przez pryzmat wyobraźni artysty

Rodzaje malarstwa

Pełno w tym różnorodności rodzajów i technik obrazowania rzeczywistości, które zależą nie tylko od techniki wykonania dzieła artysty i użytych materiałów, ale także od treści i przesłania semantycznego twórczości. Aby przekazać uczucia, emocje i myśli, artysta wykorzystuje przede wszystkim zasady zabawy kolorem i światłem: relację odcieni barw oraz grę świateł i cieni. Dzięki temu sekretowi obrazy okazują się naprawdę żywe.

Aby uzyskać taki efekt, trzeba umiejętnie wykorzystać kolorowe materiały. Dlatego w malarstwie, którego rodzaje zależą od techniki rysunkowej i rodzaju farb, można zastosować akwarelę, olej, temperę, pastel, gwasz, wosk, akryl itp. Wszystko zależy od pragnień artysty.

W sztukach pięknych wyróżnia się następujące główne rodzaje malarstwa:

1. Malarstwo monumentalne. Już sama nazwa tego rodzaju sztuki sugeruje, że dzieło będzie żyło przez wiele stuleci. Ten typ zakłada symbiozę architektury i sztuk pięknych. Malarstwo monumentalne najczęściej można zobaczyć w świątyniach sakralnych: są to pomalowane ściany, sklepienia, łuki i sufity. Kiedy rysunek i sam budynek stają się jednym, takie dzieła nabierają głębokiego znaczenia i niosą ze sobą globalną wartość kulturową. Freski częściej zaliczają się do tego typu malarstwa. Z reguły wykonuje się je nie tylko farbami, ale także płytkami ceramicznymi, szkłem, kolorowymi kamieniami, skałami muszlowymi itp.

2. Malarstwo sztalugowe. Rodzaje takich dzieł sztuki są bardzo powszechne i dostępne dla każdego artysty. Aby obraz można było uznać za sztalugowy, twórcy potrzebne będzie płótno (sztaluga) i rama do niego. Tym samym obraz będzie miał charakter niezależny i nie ma znaczenia, gdzie i w jakim obiekcie architektonicznym się znajduje.

3. Rodzaje i formy wyrazu kreatywności są nieograniczone, a ten rodzaj sztuki może służyć jako dowód. istnieje od tysięcy lat: są to dekoracje domu, malowanie naczyń, tworzenie pamiątek, malowanie tkanin, mebli itp. Istota kreatywności polega na tym, że przedmiot i znajdujący się na nim projekt stają się jedną całością. Jeśli artysta przedstawia na przedmiocie całkowicie niewłaściwy wzór, uważa się go za zły gust.

4. oznacza oprawę wizualną spektakli teatralnych i kinowych. Ten rodzaj sztuki pozwala widzowi lepiej zrozumieć i zaakceptować obraz spektaklu, performansu czy filmu.

Gatunki malarstwa

W teorii sztuki ważne jest również rozróżnienie gatunków malarstwa, z których każdy ma swoją własną charakterystykę:

Portret.

Martwa natura.

Ikonografia.

Animalizm.

Historia.

Są to najważniejsze, które istnieją od dawna w historii sztuki. Ale postęp nie stoi w miejscu. Z każdym rokiem lista gatunków rośnie i rośnie. Tak więc pojawiła się abstrakcja i fantazja, minimalizm itp.

Zarys - liniowe zarysy przedstawionej postaci, jej kontur.

Sztuka abstrakcyjna - jeden z nurtów formalistycznych w sztuce pięknej, który pojawił się na przełomie XIX i XX wieku. Abstrakcjoniści porzucili przedstawianie przedmiotów i zjawisk świata obiektywnego (stąd inna nazwa abstrakcjonizmu – sztuka nieobiektywna). Ich prace są próbą wyrażenia swoich uczuć i myśli poprzez zestawienia kolorystyczne samych plam czy linii, bez przedstawiania realnych obiektów i przedmiotów. Abstrakcjoniści porzucili rysunek, perspektywę, kolor i wszelkie inne środki wizualnego języka sztuki malarskiej. Naruszyli w ten sposób profesjonalne podstawy malarstwa i zniszczyli jego prawdziwe możliwości artystyczne. Abstrakcjonizm zniekształca gusta estetyczne ludzi i odbiera im zrozumienie piękna przyrody i życia.

Dostosowanie - zdolność oka do przystosowania się do określonych warunków oświetleniowych. Istnieją adaptacje do światła, ciemności i koloru. Osobliwością tego ostatniego jest zdolność przystosowania oka do nie zauważania koloru oświetlenia obiektów.

O zmierzchu i ogólnie przy słabym oświetleniu zakończenia nerwowe (fotoreceptory), zwane pręcikami w oku, są najbardziej wrażliwe na światło. Za ich pomocą oko dostrzega gradację czerni i bieli. W silnym świetle w ciągu dnia inne fotoreceptory, czyli czopki, przez które postrzegany jest kolor, są bardziej wrażliwe. Przystosowując się do światła, wrażliwość wzroku maleje, a podczas adaptacji do ciemności wzrasta. Kiedy oko przystosuje się do ciemności, zaczynamy wyraźnie rozróżniać szczegóły krajobrazu. Ze względu na zwiększoną wrażliwość oka na ciemność w pochmurny dzień i o zmierzchu początkujący artysta traci z oczu poziom oświetlenia ogólnego, które w tych warunkach jest znacznie słabsze niż w słoneczny lub jasnoszary dzień. O zmierzchu jasne przedmioty nie wydają mu się zmniejszać jasności do tego stopnia, że ​​oświetlenie stało się mniejsze niż poprzednie oświetlenie światłem dziennym. Słabo dostrzega też bliższe powiązania tonalne charakterystyczne dla zmierzchu i szarego dnia. Ponadto, pomimo zaciemnienia, początkujący artysta rozróżnia w naturze (lub cieniu) bardzo subtelne gradacje światła i cienia na przedmiotach oraz pozwala na nadmierne zróżnicowanie i fragmentaryzację. Dlatego na początku nie jest w stanie dokładnie ocenić i przekazać rzeczywistych zmian jasności i koloru, jakie zachodzą w przyrodzie.

Adaptacja polega na różnorodnych zmianach zachodzących w naszym oku, gdy zmienia się natężenie oświetlenia. Przykładowo w ciągu dnia źrenica zmniejsza się o 1-2 mm, przez co do oka wpada niewielka ilość światła. W ciemności rozszerza się o 8-10 mm, wpuszczając dużo światła. Wiedząc, że powierzchnia źrenicy jest proporcjonalna do kwadratu średnicy, możemy ustalić, że jeśli źrenica podwoi się, wówczas ilość przepuszczanego przez nią światła wzrośnie czterokrotnie; jeśli źrenica powiększy się czterokrotnie, ilość przepuszczanego przez nią światła wzrasta 16-krotnie. Częściowo dlatego rozróżniamy główne współczynniki światła o zmierzchu. Odruch źrenic na światło i ciemność kompensuje w ten sposób w pewnym stopniu spadek oświetlenia.

Akademicyzm - termin wartościujący odnoszący się do tych ruchów w sztuce, których przedstawiciele są całkowicie zorientowani na uznane autorytety artystyczne, wierzący w postęp sztuki nowoczesnej nie w żywym związku z życiem, ale w jego najbliższym zbliżeniu do ideałów i form sztuki minionych epok, i bronić absolutnej, niezależnej od miejsca i czasu normy piękna. Historycznie rzecz biorąc, akademizm kojarzony jest z działalnością akademii, które kształciły młodych artystów w duchu bezsensownego naśladowania wzorców sztuki antyku i włoskiego renesansu. Zapoczątkowany po raz pierwszy w Akademii Bolońskiej w XVI wieku, nurt ten został szeroko rozwinięty w akademiach późniejszych czasów; było to także charakterystyczne dla Rosyjskiej Akademii Sztuk w XIX wieku, co spowodowało walkę z akademią zaawansowanych artystów realistycznych. Kanonizując klasycystyczne metody i tematy, akademizm odgrodził sztukę od nowoczesności, uznając ją za „niską”, „podstawową”, niegodną sztuki „wysokiej”.

Pojęcia akademizmu nie można utożsamiać ze wszystkimi działaniami uczelni artystycznych z przeszłości. System edukacji akademickiej miał wiele zalet. W szczególności opierał się na długiej tradycji i wysokiej kulturze rysunku, który był jednym z najmocniejszych aspektów edukacji akademickiej.

Farby akwarelowe - klej na bazie wody, sporządzony z drobno zmielonych pigmentów zmieszanych z gumą, dekstryną, gliceryną, czasem z miodem lub syropem cukrowym; Produkowane są na sucho – w postaci płytek, półsurowe – w kubkach porcelanowych lub półpłynne – w tubach.

W akwareli można malować od razu na suchym lub wilgotnym papierze, w pełnej mocy koloru, można także pracować szkliwem, stopniowo wyjaśniając zależności kolorystyczne natury. Trzeba wiedzieć, że akwarela nie toleruje poprawek, tortur i licznych przemalowań mieszanymi farbami.

Często malarze stosują technikę akwareli w połączeniu z innymi materiałami: gwaszem, temperą, węglem drzewnym. Jednak w tym przypadku tracą się główne cechy malarstwa akwarelowego - nasycenie, przezroczystość, czystość i świeżość, czyli dokładnie to, co odróżnia akwarelę od innych technik.

Akcent - technika podkreślania linią, tonem lub kolorem dowolnego wyrazistego obiektu szczegółów obrazu, na które należy skierować uwagę widza.

Alla prima -- technika techniczna w akwareli lub malarstwie olejnym, które polega na tym, że szkic lub obraz jest malowany bez wstępnych zaznaczeń i podmalowań, czasem za jednym razem, w jednej sesji.

Malarz zwierząt - artysta, który swoją twórczość poświęcił głównie przedstawianiu zwierząt.

Kolory achromatyczne - biały, szary, czarny; Różnią się jedynie lekkością i brakiem tonacji kolorystycznej. Natomiast istnieją kolory chromatyczne, które mają odcień barwny o różnej jasności i nasyceniu.

Blik - element światłocienia, najjaśniejszego miejsca na oświetlanej (głównie błyszczącej) powierzchni przedmiotu. Wraz ze zmianą punktu widzenia, podświetlenie zmienia swoje położenie na kształcie obiektu.

Valeur - termin praktyki artystycznej określający stronę jakościową odrębnego tonu, głównie światła i cienia, w jego związku z otaczającymi tonami. W malarstwie realistycznym materialne właściwości obiektywnego świata przekazywane są głównie poprzez obiektywnie regularne relacje tonalne. Aby jednak żywo, holistycznie oddać materialność, plastyczność i barwę przedmiotu w określonym stanie oświetlenia i w określonej sytuacji, artysta musi osiągnąć bardzo dużą dokładność i wyrazistość w relacjach tonów; bogactwo i subtelność relacji między przejściami prowadzącymi do wyrazistości malarstwa to główne cechy valeur. Wśród największych mistrzów XVII-XIX wieku. - takich jak Velasquez, Rembrandt, Chardin, Repin - malarstwo jest zawsze bogate w wartość.

Wizja jest malownicza - wizja i zrozumienie relacji kolorystycznych natury, z uwzględnieniem wpływu otoczenia i ogólnego stanu oświetlenia, charakterystycznego dla przyrody w momencie jej przedstawiania. W wyniku tej wizji na szkicu pojawia się prawdziwość relacji światła i koloru, bogactwo ciepłych i zimnych odcieni, ich jedność kolorów i harmonia, oddając naturę z całym szacunkiem życia. W tym przypadku mówią o malowniczości szkicu lub obrazu.

Wizja artystyczna - umiejętność dokonania niezbędnej oceny estetycznej cech właściwych naturze. Przed przedstawieniem natury artysta widzi już w jej głównych cechach figuratywne rozwiązanie obrazowe, biorąc pod uwagę określony materiał.

Witraż - malowanie na szkle farbami transparentnymi lub ornamentem złożonym z kawałków wielobarwnego szkła mocowanych metalową oprawą, służących do wypełnienia otworów okiennych i drzwiowych. Promienie światła przenikające przez szybę zyskują zwiększoną jasność i tworzą we wnętrzu grę barwnych refleksów.

Perspektywa powietrzna - widoczne zmiany niektórych cech obiektów pod wpływem powietrza i przestrzeni. Wszystkie pobliskie obiekty są postrzegane wyraźnie, z wieloma szczegółami i fakturą, natomiast odległe obiekty są postrzegane w sposób ogólny, bez szczegółów. Kontury pobliskich obiektów wydają się ostre, a kontury obiektów odległych wydają się miękkie. Z dużej odległości jasne obiekty wydają się ciemniejsze, a ciemne jaśniejsze. Wszystkie bliskie obiekty mają kontrastujący światłocień i wydają się trójwymiarowe, wszystkie odległe obiekty mają słaby światłocień i wydają się płaskie. Z powodu zamglenia powietrza kolory wszystkich odległych obiektów stają się mniej nasycone i nabierają koloru tej mgły - niebieskiego, mleczno bladego lub fioletowego. Wszystkie pobliskie obiekty wydają się wielokolorowe, podczas gdy odległe obiekty wydają się jednokolorowe. Artysta uwzględnia wszystkie te zmiany w przekazywaniu przestrzeni i stanu oświetlenia – ważnych walorów malarstwa plenerowego.

Percepcja wzrokowa - proces odzwierciedlania obiektów i zjawisk rzeczywistości w całej różnorodności ich właściwości, które bezpośrednio wpływają na narządy wzroku. Oprócz wrażeń wzrokowych w percepcji uczestniczy również przeszłe doświadczenie wiedzy i wyobrażeń na temat konkretnego obiektu. Pojęcie i zrozumienie istoty tego, co postrzegane, jest możliwe tylko wtedy, gdy porówna się obserwowane przedmioty i zjawiska z wcześniej widzianymi (stała i stała percepcja wzrokowa). Do tego należy dodać, że percepcji wzrokowej towarzyszą uczucia skojarzeniowe, poczucie piękna, z którym się kojarzą osobiste doświadczenie doznania zmysłowe pod wpływem środowiska.

Zakres kolorów - kolory, które dominują w danym dziele i decydują o charakterze jego struktury kolorystycznej. Mówią: gama zimnych, ciepłych, bladych odcieni kolorów itp.

Harmonia - powiązanie, proporcjonalność, spójność. W sztuce pięknej - połączenie form, związek części lub kolorów. W malarstwie jest to zgodność detali z całością, nie tylko pod względem wielkości, ale także koloru (jedność barwy, gama powiązanych odcieni). Źródłem harmonii są wzorce zmian barw obiektów naturalnych pod wpływem siły i składu widmowego oświetlenia. Harmonia struktury kolorystycznej szkicu lub obrazu zależy również od cech fizjologii i psychologii wizualnej percepcji światła i cech kolorystycznych obiektywnego świata (kontrastowe oddziaływanie kolorów, zjawisko aureoli itp.).

Rytownictwo- drukowana reprodukcja rysunku wyciętego lub wyrytego na desce (drzeworyt), linoleum (linoryt), płycie metalowej (akwaforta), kamieniu (litografia) itp. Cechą szczególną graweru jest możliwość jego replikacji: z jednego na tablicy wygrawerowanej przez artystę można wydrukować dużą ilość wielobarwnych nadruków (znaczków). Ze względu na charakter obróbki formy drukarskiej (płyta lub płyta) oraz sposób druku, rozróżnia się grawer wypukły i wgłębny.

Grafika - jeden z rodzajów sztuk pięknych, zbliżony treścią i formą do malarstwa, posiadający jednak własne zadania i możliwości artystyczne. W odróżnieniu od malarstwa głównym środkiem wizualnym grafiki jest rysunek monochromatyczny (tj. linia, światłocień); rola koloru pozostaje w nim stosunkowo ograniczona. Od strony technicznej grafika obejmuje rysunek we właściwym znaczeniu tego słowa, we wszystkich jego odmianach. Z reguły prace graficzne wykonywane są na papierze, sporadycznie wykorzystywane są także inne materiały.

W zależności od przeznaczenia i treści grafiki dzielimy na grafiki sztalugowe, do których zalicza się dzieła o samodzielnym znaczeniu (które nie wymagają niezbędnego związku z tekstem literackim dla ujawnienia swojej treści i nie ograniczają się do zawężonego, ściśle określonego celu praktycznego), grafika książkowa, która tworzy ideologiczną i artystyczną jedność z tekstem literackim lub towarzyszącym jej tekstem, a jednocześnie przeznaczona jest do dekoracyjnego i artystycznego projektowania książki, plakatu, który jest najbardziej rozpowszechnionym rodzajem sztuki pięknej, przeznaczonej do realizacji celów politycznych , propagandy, produkcji artystycznej lub zadań użytkowych za pomocą środków artystycznych (etykiety, certyfikaty, znaczki pocztowe itp.).

Grisaille - obraz wykonany farbą czarno-białą (lub jednokolorową, np. brązową); Często wykorzystuje się go do prac pomocniczych przy wykonywaniu podmalówek czy szkiców, a także w celach edukacyjnych przy opanowywaniu techniki obrazów tonalnych wykonywanych akwarelami lub farbami olejnymi. Obraz tworzony jest wyłącznie na podstawie relacji tonalnych (jasności) obiektów w pełnej skali.

Podkładowy - cienka warstwa specjalnego składu (klej, olej, emulsja) nakładana na płótno lub karton w celu nadania ich powierzchni pożądanych właściwości kolorystycznych i teksturalnych oraz ograniczenia nadmiernej absorpcji spoiwa (oleju). Jeśli pracujesz farbami olejnymi na niezagruntowanym podłożu (np. płótnie), farby nie przylegają, wysychają, olej z farby wchłania się w tkaninę, niszcząc płótno i warstwę farby. Ze względu na skład spoiwa wyróżnia się gleby: olejowe, klejące, emulsyjne, syntetyczne. Według koloru - barwione i kolorowe. Podkład z reguły składa się z 3 elementów: cienkiej warstwy kleju, która pokrywa całą powierzchnię płótna folią (czyli klejeniem) i kilku warstw farby podkładowej, w tym cienkiej warstwy wykończeniowej. Klejenie - cienka warstwa kleju (stolarskiego, kazeinowego lub żelatynowego) - zabezpiecza płótno przed wnikaniem farby podkładowej lub oleju w głąb tkaniny lub na tylną stronę płótna oraz mocno wiąże kolejne warstwy podkładu z płótnem. Farba podkładowa wyrównuje powierzchnię płótna, tworzy wymagany (zwykle biały) kolor i zapewnia mocne połączenie warstwy farby z podkładem.

Elementarz - w technologii malarskiej: proces nakładania podkładu na powierzchnię przeznaczoną do malowania.

Gwasz - farba na bazie wody o dużych możliwościach krycia. Farby szybko rozjaśniają się po wyschnięciu i wymagane jest duże doświadczenie, aby przewidzieć, w jakim stopniu zmieni się ich odcień i kolor. Do pisania na papierze, tekturze i sklejce używają farb gwaszowych. Prace mają matową, aksamitną powierzchnię.

Detalowanie - dokładne przestudiowanie szczegółów kształtu obiektów na obrazie. W zależności od zadania, jakie stawia przed sobą artysta, stopień szczegółowości może być różny.

Dodatkowe kolory - dwa kolory, które po zmieszaniu optycznym dają biel (czerwony i niebiesko-zielony, pomarańczowy i niebieski, żółty i niebieski, fioletowy i zielonkawo-żółty, zielony i fioletowy). Mechaniczne wymieszanie tych par kolorów dopełniających pozwala uzyskać odcienie o obniżonym nasyceniu. Kolory uzupełniające są często nazywane kolorami kontrastującymi.

Genre - utrwalony historycznie podział wewnętrzny we wszystkich rodzajach sztuki; rodzaj dzieła sztuki w jedności specyficznych właściwości jego formy i treści. Pojęcie „gatunku” uogólnia cechy charakterystyczne dla ogromnej grupy dzieł dowolnej epoki, narodu czy w ogóle sztuki światowej. Każda forma sztuki ma swój własny system gatunków. W sztukach plastycznych – w zależności od tematyki obrazu (portret, martwa natura, pejzaż, malarstwo historyczne i batalistyczne), a czasem także charakteru obrazu (karykatura, rysunek).

Malarstwo - jeden z głównych rodzajów sztuk pięknych. Wierne oddanie wyglądu zewnętrznego przedmiotu, jego cech zewnętrznych możliwe jest także za pomocą środków graficznych – linii i tonu. Ale tylko malarstwo może oddać wszystkie niezwykle różnorodne kolory otaczającego świata.

Zgodnie z techniką wykonania malarstwo dzieli się na olej, temperę, fresk, wosk, mozaikę, witraż, akwarelę, gwasz, pastel. Nazwy te pochodzą od spoiwa lub od zastosowanych środków materiałowo-technicznych. Cel i treść obrazu wymagają takiego wyboru sztuki wizualne, za pomocą którego można najpełniej wyrazić zamysł ideowy i twórczy artysty.

Według gatunku malarstwo dzieli się na sztalugowe, monumentalne, dekoracyjne, teatralno-dekoracyjne i miniaturowe.

Malarstwo dekoracyjne nie ma samodzielnego znaczenia i służy jako dekoracja zewnętrznej i wewnętrznej części budynków w postaci kolorowych paneli, które dzięki realistycznym obrazom tworzą iluzję „przełomu” ściany, zwiększając wielkość pomieszczenia lub wręcz przeciwnie o celowo spłaszczonych formach, optycznie zawężają i zamykają przestrzeń. Wzory, wianki, girlandy i inne dekoracje zdobiące dzieła monumentalnego malarstwa i rzeźby spajają ze sobą wszystkie elementy wnętrza, podkreślając ich piękno i spójność z architekturą. Malarstwo dekoracyjne ozdabia również rzeczy: szkatułki, szkatułki, tace, skrzynie itp. Jego tematyka i formy podporządkowane są celowi rzeczy.

Malarstwo miniaturowe nastąpił wielki rozwój w średniowieczu, przed wynalezieniem druku. Ręcznie pisane księgi ozdobiono najwspanialszymi nagłówkami, zakończeniami, szczegółowymi ilustracjami i miniaturami. Rosyjscy artyści pierwszej połowy XIX wieku umiejętnie wykorzystywali technikę malarską miniatury przy tworzeniu małych (głównie akwareli) portretów. Czyste, głębokie kolory akwareli, ich wykwintne połączenia i wyjątkowa precyzja pisma wyróżniają te portrety.

Malarstwo monumentalne - specjalny rodzaj malarstwa duża skala zdobienie ścian i sufitów obiektów architektonicznych (freski, mozaiki, panele). Ujawnia zawartość majora zjawiska społeczne którzy wywarli pozytywny wpływ na rozwój społeczeństwa, gloryfikuje ich i utrwala. Wzniosłość treści malarstwa monumentalnego, znaczny rozmiar jego dzieł i związek z architekturą wymagają dużych mas kolorystycznych, ścisłej prostoty i lakoniczności kompozycji, wyrazistości sylwetek i ogólności formy plastycznej.

Malarstwo sztalugowe - nazwa pochodzi od maszyny (sztalugi), na której powstaje obraz. Bazą materiałową jest drewno, tektura, papier, ale najczęściej płótno naciągnięte na noszach. Obraz umieszczony w ramie odbierany jest jako samodzielne dzieło sztuki, niezależne od otoczenia. W związku z tym tworzyć dzieła malarstwo sztalugowe zastosowano nieco inne środki artystyczne, podano bardziej subtelne i szczegółowe relacje kolorystyczne i tonalne oraz podano bardziej złożoną i szczegółową charakterystykę psychologiczną bohaterów.

Malarstwo teatralne i dekoracyjne - scenografia, kostiumy, makijaż, rekwizyty wykonane według szkiców artysty; pomóc głębiej odkryć treść spektaklu. Szczególne teatralne warunki odbioru malarstwa wymagają uwzględnienia wielorakich punktów widzenia publiczności, ich większego dystansu, wpływu sztucznego oświetlenia i podkreśleń kolorystycznych. Sceneria daje wyobrażenie o miejscu i czasie akcji oraz aktywizuje percepcję widza tego, co dzieje się na scenie. W szkicach kostiumów i makijażu projektant teatralny stara się jak najdobitniej wyrazić indywidualny charakter bohaterów, ich status społeczny, styl epoki i wiele więcej.

Malarstwo akademickie - obraz wykonany w dowolnym celu edukacyjnym.

Malowanie na mokro - technika techniczna malarstwa olejnego i akwareli. Pracę z olejami należy zakończyć przed wyschnięciem farb i wykluczyć takie etapy jak podmalowanie, glazurowanie i ponowne malowanie. Malowanie w stanie surowym ma dobrze znane zalety - świeżość warstwy farby, dobrą konserwację i względną prostotę techniki wykonania.

W akwarelach przed przystąpieniem do pracy na mokrym papierze należy go równomiernie zwilżyć wodą. Kiedy woda wchłonie papier i trochę wyschnie (po 2-3 minutach), zaczynają pisać; pociągnięcia farby leżące na wilgotnej powierzchni rozmywają się, łączą ze sobą, tworząc płynne przejścia. W ten sposób można osiągnąć miękkość w przekazywaniu konturów obiektów, lekkość i przestrzenność obrazu.

Więdnięcie - niepożądane zmiany w wysychającej warstwie farby, w wyniku których obraz traci świeżość, blask, dźwięczność kolorów, ciemnieje i staje się czarniawy. Przyczyną wysychania jest nadmierne zmniejszenie zawartości oleju wiążącego w farbie, wchłoniętego przez grunt lub warstwę farby pod spodem, a także nałożenie farby na niecałkowicie wyschniętą poprzednią warstwę farb olejnych.

Kompletność .- taki etap pracy nad szkicem lub obrazem, w którym osiągnięto największą kompletność urzeczywistnienia koncepcji twórczej lub gdy zostało zakończone określone zadanie wizualne.

„Parki” farb bazowych - wstępne przygotowanie na palecie mieszanki barw odpowiadającej podstawowym związkom tonalnym i kolorystycznym obiektów naturalnych (krajobrazu). W trakcie pracy do tych podstawowych mieszanek wprowadza się różne odcienie i dodaje nowe kolory. Przygotowana na palecie kolorystyka głównych obiektów nie pozwala jednak na popadnięcie w przesadną kolorystykę i zatracenie charakteru podstawowych relacji kolorystycznych. W przypadku akwareli te pomocnicze „mieszanki” są przygotowywane w oddzielnych kubkach.

Naszkicować - rysunek z życia, wykonany przede wszystkim poza warsztatem w celu zebrania materiału do bardziej znaczącej pracy, do ćwiczeń, a czasem w jakimś szczególnym celu (na przykład na polecenie gazety, czasopisma). W przeciwieństwie do technicznie podobnego szkicu, wykonanie szkicu może być bardzo szczegółowe.

Idealizacja w sztuce - odchylenie od prawdy życiowej na skutek celowego lub mimowolnego upiększenia przez artystę tematu obrazu. Idealizacja objawia się zwykle przesadą i absolutyzacją zasady pozytywnej jako pewnego rodzaju ostatecznej, rzekomo już osiągniętej doskonałości; w łagodzeniu sprzeczności i konfliktów życiowych; w ucieleśnieniu abstrakcyjnego, ponadwitalnego ideału itp. Idealizacja zawsze oznacza zerwanie z zasadami realizmu i w ten czy inny sposób okazuje się kojarzona z ideologią klas reakcyjnych, skłonnych do oddalania się od prawdziwego obrazu życia i zastąpić badanie rzeczywistości subiektywnie upiększonymi wyobrażeniami na jej temat.

Od idealizacji należy odróżnić odzwierciedlenie w sztuce realistycznej pewnego społecznie postępowego ideału życia, który będąc ważnym aspektem treści ideologicznej każdego realistycznego obrazu artystycznego, może czasami stanowić zasadę determinującą w artystycznym rozwiązaniu obrazu.

Pomysł na obraz - główna idea dzieła, określająca jego treść i strukturę figuratywną, wyrażona w odpowiedniej formie.

Iluzoryczny - podobieństwo obrazu do natury; graniczy z iluzją optyczną. Ze względu na iluzoryczny charakter artystyczna ekspresja dzieła i głębia jego treści mogą zostać utracone, jeśli na zdjęciu pragnienie zewnętrznego podobieństwa przesłania najważniejsze - jego intencję.

Impresjonizm - kierunek w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początków XX wieku, którego przedstawiciele starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić realny świat w jego mobilności i zmienności, przekazać swoje ulotne wrażenia. Impresjonizm rozpoczął się w latach sześćdziesiątych XIX wieku. W Malarstwo francuskie. E. Manet, O. Renoir, E. Degas wprowadzili do sztuki świeżość i spontaniczność postrzegania życia, ukazywania chwilowych, pozornie przypadkowych ruchów i sytuacji, pozornej nierównowagi, fragmentarycznej kompozycji, nieoczekiwanych punktów widzenia, kątów, przekrojów postaci . W latach 1870-80 Impresjonizm pojawił się w krajobrazie francuskim. C. Monet, C. Pizarro, A. Sisley opracowali spójny system plenerowy. Oprócz malarzy natychmiastowym ruchem i płynną formą interesowali się także rzeźbiarze (O. Rodin, M. Rosso, P. P. Trubetskoy).

Impresjonizm rozwinął realistyczne zasady sztuki, ale twórczość jego zwolenników często odzwierciedlała się w odchodzeniu od badania podstawowych zjawisk rzeczywistości społecznej, stałych i stabilnych cech świata materialnego. Ten kierunek twórczości doprowadził późnych impresjonistów do formalizmu.

Wnętrze - widok wewnętrzny lokal. Przedstawienie wnętrza wymaga dogłębnej znajomości perspektywy. Ważne jest, aby znaleźć miejsce, z którego można skomponować obraz w ciekawszy sposób. Gotowy obraz wnętrza, z wyjątkiem ciekawa kompozycja, prawidłowa konstrukcja perspektywy, rozmieszczenie obiektów w przestrzeni, powinno dawać wyobrażenie o oświetleniu.

Malarstwo - dzieło malarstwa sztalugowego wiernie oddające zamysł artysty, wyróżniające się doniosłością treści, prawdziwością i kompletnością formy artystycznej. Obraz jest efektem długich obserwacji i refleksji nad życiem artysty. Poprzedzają ją szkice, szkice, szkice, w których artysta rejestruje poszczególne zjawiska życia, zbiera materiał do przyszłego malarstwa, szuka podstaw jego kompozycji i kolorystyki. Tworząc obraz artysta opiera się na naturze, czerpie z niej jak w planu ogólnego oraz w indywidualnych szczegółach. Obserwacja, wyobraźnia i projektowanie odgrywają dużą rolę w tym procesie. Obraz na swój sposób niesie ze sobą pewną koncepcję ideową i figuratywną, a formy wyrazu są wizualnie niezawodne. Każdy szczegół, część jest skorelowana z całością, każdy element wyraża obraz. Dekadenckie nurty formalistyczne charakteryzują się kryzysem fabuły i obrazu tematycznego, odrzuceniem istotnych kwestii ideologicznych i psychologizmu. Nie tylko zostaje wyrzucony z obrazów temat, ale następuje zerwanie z tematem obrazu w ogóle. W zależności od formy obrazu, obraz staje się bezsensowny, abstrakcyjny.

Farby klejące - farby suche, produkowane w proszku i mieszane przez artystę samodzielnie z wodą klejową. Dobrze zmielone, są czasami używane przez artystów do ozdabiania reprodukcji oryginałów jako zamienniki farby gwaszowe. Najczęściej wykorzystywane są do dekoracji teatralnych.

Gderać - rodzaj miękkiej gumki stosowanej w przypadkach, gdy trzeba rozjaśnić ton cieniowania na rysunkach ołówkiem. Gruszka jest miękka i można ją łatwo ugniatać palcami; ołówek nie jest nim wycierany, lecz lekko dociskany do rozjaśnianych fragmentów rysunku: grafit przykleja się do znaku i przytrzymuje go po oderwaniu od papieru. Jeśli rozjaśniane obszary są bardzo małe, nag ma wygląd spiczastego stożka.

Nag można wykonać w następujący sposób. Zwykłą gumę umieszcza się w benzynie na dwa do trzech dni (lub nafcie), a następnie przechowuje przez kolejne dwa dni. Następnie zmiękczoną gumę ugniata się z mąką ziemniaczaną (skrobią), mąkę należy nabierać szczyptami i regulować lepkość ciasta w zależności od jej ilości.

Kolor (nauka lub malarstwo) - charakter relacji wszystkich elementów kolorystycznych obrazu, jego struktura kolorystyczna. Jego główną zaletą jest bogactwo i spójność kolorów odpowiadających samej naturze, przekazujących w jedności ze światłocieniem obiektywne właściwości i stan oświetlenia przedstawianej chwili. O kolorystyce szkicu decydują: 1) zgodność relacji kolorystycznych proporcjonalna do natury, z uwzględnieniem ogólnego stanu tonalnego i kolorystycznego oświetlenia, 2) bogactwo i różnorodność refleksów środowiska świetlno-powietrznego i przedmiotowego, 3) kontrastowe oddziaływanie odcieni ciepłych i zimnych, 4) wpływ barwy oświetlenia, która jednoczy kolory natury, czyni je podporządkowanymi i powiązanymi.

Prawdziwe odzwierciedlenie stanu rzeczywistych warunków oświetleniowych wpływa na odczucia widza, tworzy nastrój i wywołuje odpowiednie doznania estetyczne.

Pędzle . Pędzle są dostępne w wersji kolinsky, wiewiórkowej i włosia. Pędzle włosowe przeznaczone są do pracy z farbami olejnymi, ale można je stosować także przy malowaniu farbami temperowymi i gwaszami. W akwarelach stosuje się pędzle wiewiórkowe i kolinskie. Kształty są płaskie i okrągłe. Rozmiar pędzla jest oznaczony liczbą. Liczba szczotek płaskich i szczotek żłobkowych odpowiada ich szerokości w milimetrach, a liczba szczotek okrągłych odpowiada ich średnicy (również wyrażonej w milimetrach).

Po pracy z farbami olejnymi należy umyć pędzle ciepłą wodą z mydłem. Nie myj pędzli w acetonie: spowoduje to uszkodzenie włosów. Pędzle akwarelowe po użyciu myje się w czystej wodzie. Pod żadnym pozorem nie należy dopuścić do wyschnięcia pędzli, szczególnie po pracy z farbami olejnymi; wkładać pędzle do słoiczka włosiem w dół, gdyż włos ulegnie deformacji. Umyty pędzel należy owinąć w papier, wtedy zachowa swój kształt.

Kompozycja - konstrukcja szkicu lub obrazu, koordynacja jego części. Przy przedstawianiu z natury: dobór i rozmieszczenie obiektów, wybór najlepszego punktu widzenia, oświetlenie, określenie formatu i rozmiaru płótna, określenie centrum kompozycyjnego, podporządkowanie mu drugorzędnych części dzieła. Podczas tworzenia obrazu: wybór tematu, opracowanie fabuły, znalezienie formatu i rozmiaru dzieła, charakterystyki bohaterów, ich wzajemne relacje, pozy, ruchy i gesty, ekspresja twarzy, użycie kontrastów i rytmów - wszystko to są elementy składowe kompozycyjnej struktury obrazu, służące jak najlepszemu urzeczywistnieniu zamysłu artysty. W takiej kompozycji brane jest pod uwagę wszystko: masy obiektów i ich sylwetki, rytm, z jakim są one umieszczone na płótnie, perspektywa, wyimaginowana linia horyzontu i punkt widzenia na to, co jest przedstawiane, kolor obrazu , grupowanie postaci, kierunek ich spojrzenia, kierunek linii perspektywy, redukcji obiektów, rozkład światłocienia, póz i gestów itp.

Stałość percepcji wzrokowej - tendencja do postrzegania przedmiotu, jego wielkości, kształtu, lekkości, koloru jako stałego i niezmiennego, niezależnie od zachodzących w nim zmian (odległość od widza, zmiany oświetlenia, wpływy środowiska itp.) - Stałość wielkości - tendencja postrzegać wielkość obiektu jako stałą, pomimo zmiany odległości od niego. Z reguły początkujący kreślarze nie zauważają żadnych obiecujących zmian.

Stałość formy - tendencja do postrzegania rzeczywistego kształtu, nawet jeśli obiekt jest obrócony w taki sposób, że jego obraz na siatkówce różni się od kształtu rzeczywistego. (Na przykład kwadratowa kartka papieru leżąca na stole wydaje się kwadratowa, nawet jeśli jej rzut na siatkówkę nie jest kwadratowy.)

Stałość jasności - tendencja do postrzegania lekkości przedmiotu jako stałej, pomimo zmian oświetlenia; zależy głównie od stałego stosunku natężenia światła odbitego zarówno od obiektu, jak i jego otoczenia.

Stałość koloru - tendencja do postrzegania koloru obiektu (jego barwy lokalnej) niezależnie od zmieniających się warunków oświetleniowych, jego siły i składu widmowego (dzienny, wieczorny, sztuczny).

Ze względu na zjawisko stałości, postrzeganie i przekazywanie w malarstwie przedmiotów i zjawisk dokładnie tak, jak wyglądają na oko w określonych warunkach oświetleniowych, w określonym środowisku i w określonej odległości, nastręczają pewną trudność na początku nauki. Początkujący artysta, choć wie, że kolor zmienia się w zależności od warunków oświetleniowych, widzi go niezmiennie i nie odważa się np. malować zielonych drzew w promieniach zachodzącego słońca na czerwonawe lub błękitne niebo napisz złożoną różowo-ochrę, która pojawia się o zachodzie słońca.

Niedoświadczonemu malarzowi wydaje się, że biały przedmiot jest we wszystkich częściach biały, a ciemny jest ciemny. Tymczasem w pełnej skali powierzchnia ciemnego obiektu zwrócona w stronę światła odbije więcej promieni świetlnych niż część cienia białego obiektu, w związku z czym cień białego obiektu będzie ciemniejszy niż jasna część ciemności obiekt.

Pracując nad szkicem pejzażu niedoświadczony malarz nie zauważa zbliżającego się zmierzchu, choć oświetlenie znacznie się zmniejszyło.

Otaczające obiekty mogą być oświetlane światłem o różnym składzie widmowym, co powoduje zmianę składu widmowego światła odbitego od obiektów. Jednak oko początkującego artysty nawet nie zauważa tej zmiany koloru.

Stałość percepcji może wzrosnąć i zintensyfikować się z wielu powodów. Im silniejsze oświetlenie chromatyczne i im większa odległość, z której obserwuje się obiekt, tym słabszy przejaw stałości. Zdolność powierzchni obiektu do silnego odbijania promieni świetlnych również przyczynia się do stałej percepcji: jasne obiekty wyraźniej pokazują wpływ koloru oświetlenia. Dostosowania światła i koloru zwiększają stałość percepcji. Obserwując zimowy krajobraz przy pochmurnej pogodzie, można zauważyć jedynie złożone szarawe odcienie. Jeśli spojrzymy na ten sam zimowy motyw z okna elektrycznie oświetlonego pokoju, krajobraz za oknem będzie odbierany jako intensywnie niebieskawy. Jeśli opuścisz pokój pod gołym niebem, to po kilku minutach niebieski ton krajobraz zniknie. Podobnie zerowa stałość na widowni pojawia się pod kolorowym oświetleniem sceny teatralnej; po zgaśnięciu ciepłego oświetlenia elektrycznego w sali kurtyna otwiera się, a widz jest zachwycony sceną zimową, księżycową lub innymi warunkami oświetleniowymi.

W wyniku praktyki artysta nabywa umiejętność dostrzegania zmian koloru przedmiotu w przyrodzie pod wpływem środowiska i oświetlenia, widzi i przekazuje całe bogactwo i różnorodność świata zewnętrznego, dużą różnorodność gradacji kolorów. W rezultacie na płótnie pojawia się przekonujące oświetlenie, kolor wydaje się skomplikowany i wzbogacony otoczeniem i oświetleniem. Wielu artystów i nauczycieli wykonywało specjalne ćwiczenia, tworząc modele wizualne, aby zrozumieć cechy kolorystyczne różnych warunków oświetleniowych. Na przykład K. Monet napisał serię badań przedstawiających ten sam obiekt (stóg siana), badając w ten sposób zmianę koloru w różnych warunkach oświetleniowych w przyrodzie. Aby rozwinąć stałą percepcję, N.N. Krymov umieścił biały sześcian, pomalowany z jednej strony czarną farbą i oświetlił go od tej strony mocną lampą, pozostawiając białą stronę w cieniu. Jednocześnie jego uczniowie byli przekonani, że czarna, oświetlona strona sześcianu jest jaśniejsza od białej, znajdującej się w cieniu. Krymov zaprosił uczniów do stworzenia małego kartonowego ekranu akordeonowego, którego płaszczyzny pomalowano na różne kolory i oświetlono z dwóch stron: z jednej strony lampą elektryczną, z drugiej światłem dziennym. Promienie lampy kierowane były w stronę obszarów pomalowanych na kolory chłodne, natomiast kolory ciepłe w stronę światła dziennego. Studenci nabrali przekonania, że ​​warunki oświetleniowe znacząco zmieniają kolory obiektów, uwalniając się tym samym od ciągłego postrzegania kolorów.

Początkujący malarz musi pozbyć się stałości percepcji i umieć dostrzec kształt przedmiotu, jego lekkość i barwę, zdeterminowane światłem otoczenia, oświetleniem i przestrzenią.

Projekt - w sztuce plastycznej esencja, cecha charakterystyczna struktury formy, sugerująca naturalny związek pomiędzy częściami formy i jej proporcjami.

Kontrast - 1) ostra różnica, przeciwstawienie dwóch wielkości: wielkości, koloru (jasnego i ciemnego, ciepłego i zimnego, bogatego i neutralnego), ruchu itp.; 2) kontrast świetlny i chromatyczny - zjawisko, w którym postrzegana różnica jest znacznie większa niż podstawa fizyczna. Na jasnym tle kolor obiektu wydaje się ciemniejszy, na ciemnym – jaśniejszy. Jasny kontrast najlepiej widać na granicy ciemnych i jasnych powierzchni. Kontrast chromatyczny to zmiana odcienia i nasycenia pod wpływem kolorów otaczających (kontrast jednoczesny) lub pod wpływem kolorów wcześniej zaobserwowanych (kontrast sekwencyjny). Przykładowo: zielony obok czerwonego zwiększa jego nasycenie. Szary kolor na czerwonym tle nabiera zielonkawego odcienia. Kontrast chromatyczny jest silniejszy, gdy oddziałujące kolory mają w przybliżeniu taką samą jasność.

Kopia - proces uzyskiwania kopii rysunku lub rysunku; można wyprodukować na różne sposoby: poprzez ściskanie, rysowanie, ściskanie, przerysowywanie w świetle, przerysowywanie na siatce, a także przy użyciu pantografu i epidiaskopu.

Peeling - metoda kopiowania bez zmiany skali: oryginał umieszcza się na czystej kartce papieru i za pomocą cienkiej igły nakłuwa się wszystkie charakterystyczne punkty obrazu lub rysunku, przez które następnie rysuje się linie ołówkiem na nakłutym papierze .

Rysunek kalkowy - sposób kopiowania bez zmiany skali. Na oryginał nakładana jest kalka, na której obraz jest rysowany ołówkiem lub tuszem; Powierzchnię roboczą kalki należy najpierw odtłuścić – przetrzeć proszkiem kredowym lub węglanem magnezu.

Ściskanie - sposób kopiowania bez zmiany skali: pod oryginał lub jego kopię na kalce umieszcza się suchą papkę transferową; zaostrzona igła jest rysowana wzdłuż linii oryginalnego obrazu, dzięki czemu czysta kartka Przetłumaczony obraz jest nadrukowywany na papierze. Odwrotną stronę oryginału (kalka) można przetrzeć miękkim ołówkiem, dzięki czemu przesłany obraz stanie się wyraźniejszy.

Przerysowywanie pod światło - sposób kopiowania bez zmiany skali. Oryginał umieszcza się na szkle i przykrywa czystym papierem lub kalką; za szybą znajduje się źródło światła (dzienne lub elektryczne); Linie oryginału prześwitujące przez papier obrysowano ołówkiem. Istnieją specjalne kopiarki przystosowane do tego celu.

Przerysuj na siatce - metoda kopiowania z możliwą zmianą skali (zwiększanie lub zmniejszanie obrazu) przy użyciu siatki współrzędnych wykonanej na oryginale i czystej kartce papieru. Obraz jest rysowany „w komórkach”. Komórki zbudowane są w kształcie kwadratu lub prostokąta. Przerysowywanie w komórkach jest bardzo pracochłonne i nie może dokładnie oddać linii oryginału, ponieważ odbywa się to ręcznie i okiem.

Pasek farby do nadwozia (w postaci pasty). - wykonanie szkicu lub obrazu gęstą, kryjącą, stosunkowo grubą warstwą farby olejnej, często o fakturze reliefowej.

Crocsy - szybki szkic z życia, rzadziej pobieżne utrwalenie koncepcji kompozycyjnej w formie rysunku. Termin „croki” nie jest powszechnie używany; w ogólnym znaczeniu jest zbliżony do szerszego terminu „szkic”.

Drzeworyt - drzeworyt, główna odmiana techniczna grawerowania wypukłego, w ogóle najstarsza technika grawerowania. Drzeworyt polega na wycięciu na desce, najczęściej gruszy lub buku, tych części naniesionego na nią wzoru grawerskiego, które powinny pozostać białe. W grawerowaniu wzdłużnym lub krawędziowym włókna deski układają się równolegle do jej powierzchni, a pracę wykonuje się głównie za pomocą szpiczastych noży. Możliwości tej techniki są stosunkowo ograniczone, ale trudności są znaczne (ponieważ opór materiału włóknistego wobec noża jest nierówny w różne kierunki). Grawer końcowy wykonywany jest na desce z usłojeniem prostopadłym do powierzchni; jej głównym instrumentem jest żwir, który pozwala na bardzo subtelną i różnorodną technikę.

W przeciwieństwie do innych rodzajów głębokiego grawerowania, drzeworyt można drukować razem ze składem na zwykłej prasie drukarskiej, dlatego często wykorzystuje się go w ilustracji książkowej.

Mający szczęście . Artyści lakierują grunty w celu zabezpieczenia ich przed wnikaniem olejów z farb, wprowadzają werniksy do składu spoiwa farby, nanoszą je na stwardniałą warstwę farby przed dalszą pracą (w celu lepszego związania warstw) i na koniec lakierują skończone prace. Jednocześnie lakier podkreśla bogactwo kolorów. Warstwa lakieru chroni obraz przed bezpośrednim kontaktem ze szkodliwymi gazami atmosferycznymi, kurzem i sadzą unoszącą się w powietrzu. Lakiery w farbie olejnej sprawiają, że schnie ona równomiernie i szybciej, a warstwy farby lepiej łączą się z podłożem i między sobą. Lepiej pokrywać obrazy werniksami terpentynowymi niż olejnymi (wtedy mniej ciemnieją). Werniks utrwalający utrwala prace wykonane węglem, sangwiną, pastelami i akwarelami.

Modelowanie kształtu kolorem - proces modelowania obiektu, identyfikowanie jego objętości i materiału za pomocą odcieni kolorów, z uwzględnieniem ich zmian w jasności i nasyceniu.

Szkliwo - jedna z technik techniki malarskiej, polegająca na nanoszeniu bardzo cienkich warstw trwałych i półprzezroczystych farb na wyschniętą, zwartą warstwę innych farb. W tym przypadku osiągana jest szczególna lekkość i dźwięczność barw, będąca efektem ich optycznego wymieszania.

Linoryt - grawer na linoleum, rodzaj wypukłego graweru. Linoryt pod względem techniki i środków artystycznych przypomina drzeworyt i często różni się od niego w druku jedynie brakiem drobnych szczegółów.

Litografia - w sztukach plastycznych szeroko rozpowszechniony rodzaj techniki graficznej związany z obróbką kamienia (gęsty wapień) lub zastępującej go blachy (cynk, aluminium).

Artysta wykonuje litografię rysując na ziarnistej lub gładkiej powierzchni kamienia grubym ołówkiem litograficznym i specjalnym tuszem. Po wytrawieniu kamienia kwasem (działającym na powierzchnię niezatłuszczoną) wzór jest zmywany: zamiast tego nakładana jest farba drukarska, która przykleja się jedynie do niewytrawionych cząstek kamienia, które dokładnie pasują do wzoru. Farbę nakładamy wałkiem na zwilżony kamień; druk odbywa się na specjalnej maszynie.

Lokalny kolor - barwa charakterystyczna dla danego przedmiotu (jego kolor) i nie uległa żadnym zmianom. W rzeczywistości tak się nie dzieje. Kolor obiektu stale się zmienia pod wpływem siły i barwy oświetlenia, otoczenia, odległości przestrzennej i nie jest już nazywany lokalnym, ale uwarunkowanym. Czasami barwa lokalna nie oznacza barwy obiektowej, ale jednorodną plamę barwy uwarunkowanej, ujętą w podstawowych relacjach z barwami sąsiednimi, bez ujawniania mozaiki refleksów barwnych, bez niuansów tych plam głównych.

Sposób - w odniesieniu do praktyki artystycznej: charakter lub sposób wykonania jako cecha czysto techniczna (np. „szeroki sposób”).

W historii sztuki termin „sposób” odnosi się czasami do ogólnych właściwości wykonawczych charakterystycznych dla artysty lub szkoła artystyczna w pewnym okresie twórczego rozwoju (na przykład „późny sposób Tycjana”).

Manerowość - w praktyce artystycznej: cechy podejścia i wykonania, którym brakuje prostoty i naturalności, prowadzących do rezultatów pretensjonalnych, naciąganych lub konwencjonalnych. Najczęściej manieryzm nazywa się uzależnieniem od wszelkich pozornie spektakularnych, zapamiętywanych sposobów i wszelkiego rodzaju stronniczości techniki artystyczne, tendencja do stylizacji. Skrajny wyraz manieryzmu daje praktyka formalistyczna współczesnej sztuki burżuazyjnej.

Farby olejne - barwniki zmieszane z olejami roślinnymi: lnianym (głównie), makowym lub orzechowym; Farby olejne stopniowo twardnieją pod wpływem światła i powietrza. Wiele podłoży (płótno, drewno, karton) jest wcześniej zagruntowanych przed obróbką farbami olejnymi. Najczęściej stosowanym podkładem jest: materiał pokrywa się płynnym klejem do drewna, a po wyschnięciu przeciera się go pumeksem, po czym pokrywa się drobnym proszkiem kredowym zmieszanym z wodą klejową do konsystencji śmietany. Aby oczyścić pędzle, należy je umyć w nafcie, terpentynie lub benzynie, a na koniec w ciepłej wodzie z mydłem, wyciskając farbę z nasady pędzla, a następnie opłukać w czystej wodzie.

Materialność Przedstawione obiekty przekazuje przede wszystkim charakter światłocienia. Obiekty składające się z różnych materiałów charakteryzują się charakterystyczną gradacją światła i cienia. Cylindryczny obiekt gipsowy charakteryzuje się płynnymi przejściami od światła poprzez półcień, cień i refleks. Szklane cylindryczne naczynie nie ma wyraźnych gradacji światła i cienia. W jego formie są tylko akcenty i refleksy. Przedmioty metalowe charakteryzują się także głównie odblaskami i odbiciami. Jeśli na rysunku oddasz naturę światłocienia, obiekty będą wyglądać materialnie. Inne, nawet więcej ważny warunek od którego zależy przedstawienie cech materialnych przedmiotów, to spójność w rysunku lub szkicu obrazowym relacji tonalnych i kolorystycznych proporcjonalnych do natury pomiędzy przedmiotami. Postrzegając materialne cechy przedmiotów, nasza świadomość opiera się głównie na ich relacjach tonalnych i kolorystycznych (różnicach). Dlatego też, jeśli charakter światłocienia, relacji tonalnych i kolorystycznych zostanie oddany zgodnie z wizualnym obrazem natury, otrzymamy prawdziwy obraz materialnych cech martwych natur lub obiektów krajobrazu.

Malowanie wielowarstwowe - najważniejsza odmiana techniczna malarstwa olejnego, wymagająca podziału pracy na kilka kolejnych etapów (podmalowanie, rejestracja, szkliwienie), rozdzielonych przerwami na całkowite wyschnięcie farby. Przy wykonywaniu dużej kompozycji tematycznej, jak i w ogóle przy długotrwałej pracy, malowanie wielowarstwowe jest jedyną kompletną techniką malarstwa olejnego. Do połowy XIX wieku V. wszyscy główni zaawansowani artyści przeszłości używali tej techniki jako swojej głównej. Później porzucili go impresjoniści i ich zwolennicy.

Z wąskiego technologicznego punktu widzenia, niezwiązanego z techniką dawnych mistrzów, koncepcja malowania wielowarstwowego może odpowiadać jedynie rejestracji na wyschniętej warstwie farby (bez podmalowania i glazury).

Modelowanie - w sztukach plastycznych: przenoszenie właściwości wolumetryczno-plastycznych i przestrzennych świata obiektywnego poprzez gradację światła i cienia (malarstwo, grafika) lub odpowiednią plastyczność form trójwymiarowych (rzeźba, zwłaszcza relief). Modelowanie odbywa się najczęściej z uwzględnieniem perspektywy, a w malarstwie dodatkowo za pomocą gradacji kolorystycznych nierozerwalnie związanych ze światłocieniem. Zadania modelowania nie ograniczają się do prostego odtworzenia obiektywnego świata: uczestnicząc w ideologicznych i figuratywnych cechach przedmiotu, uogólnia, uwydatnia i ujawnia to, co najbardziej istotne i charakterystyczne.

Modernizm - ogólne określenie kierunków w sztuce i literaturze końca XIX-XX wieku. (kubizm, Dadaizm, Surrealizm, Futuryzm, Ekspresjonizm, Sztuka Abstrakcyjna itp.). Główne cechy modernizmu: zaprzeczenie poznawczej i społecznej roli sztuki, jej ideologicznego charakteru, narodowości, zastępowanie sztuki wszelkiego rodzaju sztuczkami, całkowite wypaczenie lub nieznajomość zawodowych tradycji realistycznego dziedzictwa artystycznego.

Mozaika - specjalna odmiana techniczna malarstwa monumentalnego, polegająca na zastosowaniu wielobarwnych brył - smalty, naturalnych kolorowych kamieni, kolorowych emalii na wypalanej glinie itp. jako głównego materiału artystycznego. Obraz składa się z kawałków takich materiałów, dobrze do siebie dopasowanych, mocowanych na cemencie lub specjalnym mastyksie, a następnie polerowanych. Metodą tzw. bezpośredniego układania mozaikę wykonuje się od strony frontowej – w przeznaczonym do tego miejscu (ściana, sklepienie itp.) lub na osobnej płycie, którą następnie wtapia się w ścianę. Przy odwróceniu kolorowe elementy są widoczne dla artysty tylko od tyłu, ponieważ są przyklejone stroną zadrukowaną do dołu na tymczasowej cienkiej podszewce (zdejmowanej po przeniesieniu mozaiki na ścianę). Pierwsza z tych metod jest stosunkowo skomplikowana i czasochłonna, ale doskonalsza z artystycznego punktu widzenia.

Sztaluga - maszyna (stąd definicja „malarstwa sztalugowego”), niezbędna artyście do utrzymania pożądanego pochylenia obrazu podczas pracy. Głównym wymaganiem dla sztalugi jest stabilność.

Monotyp - specjalny rodzaj techniki graficznej związany z procesem drukowania, ale znacznie różniący się od każdego rodzaju grawerowania przy całkowitym braku wpływów mechanicznych lub technicznych na powierzchnię płyty. Farby nakładane są ręcznie na gładką powierzchnię, a następnie drukowane na maszynie. Powstały wydruk jest jedyny

i wyjątkowy.

Mmonumentalność w dziełach malarstwa sztalugowego decyduje społeczne znaczenie tematu obrazu, jego heroiczny patos, głębia i siła ucieleśnienia idei w odpowiednich obrazach - prostych, surowych, majestatycznych i wyrazistych.

Szkic w kolorze - szkic małego formatu, wykonany płynnie i szybko. Głównym celem takiego szkicu jest nabycie umiejętności holistycznego postrzegania natury, znajdowania i przekazywania prawidłowych relacji kolorystycznych jej głównych obiektów. Wiadomo, że o pełnoprawnej strukturze obrazowej obrazu decyduje proporcjonalne przeniesienie różnic pomiędzy głównymi plamami barwnymi natury. Bez tego żadne dokładne badanie szczegółów, refleksów, mozaik odcieni kolorów nie doprowadzi do pełnoprawnego obrazu obrazowego.

Narodowość - związek sztuki z ludźmi, warunkowość zjawiska artystyczneżycie, walka, idee, uczucia i aspiracje mas, wyraz w sztuce ich zainteresowań i psychologii. Jedna z podstawowych zasad socrealizmu.

Natura - w praktyce sztuk pięknych są to dowolne zjawiska naturalne, przedmioty i przedmioty, które artysta przedstawia, obserwując bezpośrednio modela. Z reguły z życia wykonywany jest tylko szkic, szkic, szkic, portret, a czasem krajobraz.

Naturalizm - w sztukach wizualnych wyraża się w oderwaniu od szerokich uogólnień, od idei ideologicznych i prowadzi do metody czysto zewnętrznego kopiowania wszystkiego, co znajdzie się w polu widzenia. Początkującym malarzom zdarza się czasem pomyśleć, że absolutnym celem sztuki pięknej jest rzetelne przedstawienie natury przy jednoczesnym oddaniu jej walorów wolumetrycznych, materiałowych i przestrzennych. Oczywiście konieczne jest opanowanie umiejętności wizualnych i technicznych technik malarskich. Równie ważne jest jednak jednoczesne rozwijanie umiejętności patrzenia na rzeczywistość oczami artysty. Obraz obrazowy nie jest lustrzanym odbiciem natury. „Malarstwo” – powiedział I. I. Lewitan – „nie jest protokołem, ale wyjaśnieniem natury za pomocą środków obrazowych”. Malarz wybiera i podsumowuje w barwnej różnorodności natury te elementy, które mogą w sposób wyrazisty przekazać koncepcję ideową i figuratywną. Próbuje wydobyć istotę tego, co jest przedstawiane, pokazuje, co go ekscytowało. Odsłania to osobowość artysty, jego światopogląd, a także gust i praktyczne doświadczenie w posługiwaniu się kolorowymi materiałami i technikami.

Martwa natura - jeden z gatunków sztuk pięknych, poświęcony reprodukcji przedmiotów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp. Zadaniem artysty przedstawiającego martwą naturę poprzez malarstwo jest oddanie kolorystycznego piękna otaczających człowieka przedmiotów, ich istotę wolumetryczną i materialną, a także wyrazić swój stosunek do tego, co jest przedstawiane. Obraz martwej natury jest szczególnie przydatny w praktyce edukacyjnej w zakresie doskonalenia umiejętności malarskich. W martwej naturze artysta rozumie prawa harmonii kolorów i nabywa techniczną umiejętność obrazowego modelowania formy.

Uogólnienie artystyczne - umiejętność artysty poznawania obiektywnej rzeczywistości, identyfikowania głównych, istotnych rzeczy w przedmiotach i zjawiskach poprzez porównanie, analizę i syntezę. Dzieło sztuki jest wynikiem wyrazistości ogółu, przy jednoczesnym zachowaniu całej wyjątkowości konkretnego obrazu wizualnego.

W wąskim rozumieniu zawodowym uogólnienie jest ostatnim etapem procesu rysowania lub malowania z życia, po szczegółowym opracowaniu formy. Na tym etapie prac następuje uogólnienie szczegółów w celu stworzenia holistycznego obrazu natury w oparciu o jej integralną percepcję wzrokową.

Artystyczny obraz - specyficzna forma odzwierciedlenia rzeczywistości w konkretnie zmysłowej, wizualnie postrzeganej formie. Kreowanie obrazu artystycznego wiąże się ściśle z wyborem tego, co najbardziej charakterystyczne, z podkreśleniem istotnych aspektów przedmiotu lub zjawiska w ramach indywidualnej unikalności tych obiektów i zjawisk. Wiadomo, że ludzka świadomość odzwierciedla nie tylko obiektywny wizualny obraz obiektu lub zjawiska, ale także emocjonalne cechy ich postrzegania. Dlatego obraz artystyczny w malarstwie zawiera nie tylko rzeczywiste cechy przedstawianego przedmiotu, ale także jego znaczenie zmysłowe i emocjonalne. Każdy obraz jest zarówno wiernym odzwierciedleniem obiektywnej rzeczywistości, jak i wyrazem uczuć estetycznych artysty, jego indywidualnego, emocjonalnego stosunku do tego, co jest przedstawiane, gustu i stylu.

Odwrócona perspektywa - błędna technika rysowania perspektywy, której istotą jest to, że równoległe i poziome linie w przestrzeni na obrazie są przedstawiane nie zbieżnie, ale rozbieżnie; pojawia się dość często w starożytnym malarstwie ikonowym, na skutek nieznajomości przez artystów elementarnych zasad konstruowania perspektywy (w niektórych przypadkach dopuszczalne jest celowe łamanie zasad konstruowania perspektywy).

Ogólny stan tonalny i kolorystyczny natury - wynik różnej mocy oświetlenia. Aby przekazać stan innego oświetlenia (rano, po południu, wieczorem lub w szary dzień), podczas konstruowania struktury kolorów szkicu nie zawsze stosuje się jasne i jasne kolory palety. W niektórych przypadkach artysta buduje relację w zmniejszonym zakresie jasności i siły koloru (szary dzień, ciemny pokój), w innym przypadku z jasnymi i jasnymi kolorami (np. Słoneczny dzień). W ten sposób artysta utrzymuje relacje tonalne i kolorystyczne szkicu w różnych zakresach (skalach) tonalnych i kolorystycznych. Pomaga to oddać stan oświetlenia, co jest szczególnie ważne w malarstwie pejzażowym, ponieważ to właśnie ten stan decyduje o jego oddziaływaniu emocjonalnym (patrz skala tonalna i kolorystyczna obrazu).

Tom - obraz trójwymiarowej formy na płaszczyźnie. Realizuje się to przede wszystkim poprzez prawidłową konstruktywną i perspektywiczną konstrukcję tematu. Innym ważnym sposobem przenoszenia objętości na płaszczyźnie jest gradacja światła i cienia wyrażona kolorem: światło, światło, półcień, cień właściwy i opadający, odruch. Obraz objętości na płaszczyźnie obrazowej ułatwia także kierunek obrysu lub cieniowania, ich ruch w kierunku formy (na powierzchniach płaskich są proste i równoległe, na powierzchniach cylindrycznych i kulistych są łukowate).

Aureola - zjawisko znane również jako „napromieniowanie”; powstaje w wyniku rozproszenia jasnego światła w przezroczystej cieczy wypełniającej gałkę oczną. Ze względu na zwiększoną wrażliwość oka w ciemności, silnie reaguje ono na obserwację jasnych źródeł światła (ognia lub zapalonej lampy). W dzień nie wydają się jasne, ale o zmierzchu lub w nocy mogą oślepić oczy. Oczy prawie nie dostrzegają koloru jasnych źródeł światła, ale wokół jest aureola świetliste ciała Lub silnie oświetlone obiekty mają wyraźniejszy kolor. Płomień świecy wydaje się prawie biały, a aureola wokół niego wydaje się żółta. Mocny akcent na błyszczącej powierzchni wydaje się biały, a aureola wokół niego nabiera właściwości kolorystycznych źródła światła. Cienkie pnie drzew na tle nieba są całkowicie otoczone aureolą, to znaczy wyglądają na niebieskie, a na tle żółtego zachodu słońca wydają się pomarańczowe lub czerwone. Kiedy na obrazie pojawia się aureola, oko postrzega obiekty jako świecące (świece, jasne okna w dzień i w nocy, gwiazdy na niebie itp.). Przedstawione bez aureoli, niezastąpiony towarzysz jasnego światła, pień drzewa i jego korona wyglądają jak twarda aplikacja na tle jasnego nieba, gwiazdy bez aureoli sprawiają wrażenie plamek farby natryskiwanej na ciemnym tle, jasne refleksy bez aureoli na tle dzbanka wyglądają jak jasne plamy.

Osnowa - w technologii malarskiej: materiał, na który nakłada się podkład i warstwę farby obrazu. Najpopularniejszym rodzajem podłoża jest płótno, drewno (było to najpowszechniejsze podłoże w starożytności, średniowieczu i renesansie); w niektórych rodzajach malarstwa stosuje się karton, papier, metal, szkło, linoleum itp (na przykład fresk, akwarela itp.) podstawę stosuje się bez specjalnego przygotowania.

Mycie - 1) technika akwarelowa z użyciem bardzo płynnej farby lub tuszu. Aby pomalować stosunkowo dużą powierzchnię jasnym tonem, zabarwij farbą około pół szklanki wody, poczekaj, aż farba ostygnie (lepiej ją później przefiltrować) i za pomocą pędzla nabierz „roztwór” z góry, nie dotykając powierzchni dno szklanki; 2) rozjaśnienie farby lub usunięcie jej z papieru za pomocą pędzla zamoczonego w czystej wodzie i zebranie nasączonej farby bibułą (procedurę powtarza się kilkukrotnie).

Relacje są kolorowe - różnice w jasności i kolorze obiektów: co jest z natury jaśniejsze, co ciemniejsze, plus różnice w kolorze i jego nasyceniu.

Odcień (niuans) - niewielka, często ledwo zauważalna różnica w kolorze, jasności lub nasyceniu koloru.

Akwaforta - trawienie igłowe lub liniowe, szeroko stosowany techniczny rodzaj głębokiego grawerowania na metalu. Praca nad akwafortą polega na zarysowaniu podłoża grawerskiego specjalnymi igłami, najczęściej techniką swobodnego rysowania linii. Nierówny czas trawienia szczegółów obrazu kwasami powoduje różnice w sile i nasyceniu kreski. Technika trawienia charakteryzuje się względną prostotą i dużą elastycznością.

Wrażenie wizualne - wynik interakcji energii promienistej z narządem wzroku i postrzegania tej interakcji przez świadomość. W rezultacie osoba otrzymuje różnorodne wrażenia światła i koloru, bogate gradacje kolorów, które charakteryzują kształt przedmiotów i zjawisk naturalnych w różnych warunkach oświetlenia, środowiska i przestrzeni.

Paleta - 1) mała cienka deska o kształcie czworokątnym lub owalnym, na której artysta w trakcie pracy miesza farby; 2) dokładny wykaz farb, jakich dany artysta używa w swojej praktyce twórczej.

Panorama - płótno malarskie w formie zamkniętej okrągłej wstęgi. Na płótnie przed obrazem obrazowym umieszczane są różne realne rekwizyty, które tworzą iluzję bezpośredniego przejścia rzeczywistej przestrzeni pierwszego planu w malarską przestrzeń obrazu. Panorama znajduje się w specjalnie wybudowanej sali obrazowej z centralną, zazwyczaj zaciemnioną platformą widokową. W przeciwieństwie do panoramy, diorama jest malarstwo sceniczne w formie zakrzywionej półkolistej wstążki.

Niezrównanymi przykładami są jak dotąd panoramy stworzone przez artystę F. A. Rubo „Obrona Sewastopola” (1902–1904) i „Bitwa pod Borodino” (1911).

Pastel - kredki bez oprawek wykonane z kolorowego proszku. Otrzymuje się je poprzez zmieszanie farby proszkowej z klejem (klej wiśniowy, dekstryna, żelatyna, kazeina). Pracują pastelami na papierze, kartonie lub płótnie. Farby nakłada się pociągnięciami, jak na rysunku, lub wciera się palcami z cieniowaniem, co pozwala uzyskać najdrobniejsze niuanse kolorystyczne i delikatne przejścia kolorystyczne, matową aksamitną powierzchnię. Pracując z pastelami, można łatwo usunąć lub zakryć warstwy farby, ponieważ jest ona swobodnie zdrapywana z podłoża. Prace wykonane pastelami zazwyczaj utrwalane są specjalnym rozwiązaniem.

Pastywność - 1) w technice malarstwa olejnego: znaczna grubość warstwy farby, stosowanej jako medium artystyczne. Działając jako cecha techniczna, impasto zawsze pozostaje zauważalne dla oka i objawia się pewną nierównością warstwy farby, „pociągnięciem reliefowym” itp. W wąskim, czysto technologicznym sensie impasto nazywane jest czasem malowaniem grubowarstwowym o płaskiej powierzchni, na której impast może być niewidoczny (malowanie ciała); 2) szczególna właściwość plastyczności materiału malarskiego, która pozwala nieupłynnionej farbie olejnej całkowicie zachować kształt nadawany jej przez pędzel.

Sceneria - widok, obraz dowolnego obszaru; w malarstwie i grafice gatunek i odrębne dzieło, w którym głównym tematem obrazu jest natura. Często przedstawiane są widoki miast i zespołów architektonicznych (krajobraz architektoniczny), widoki na morze (przystań).

Różnorodność (fragmentacja) obrazu - wady rysunku lub szkicu powstałe, gdy początkujący artysta rysuje lub maluje naturę fragmentami, „bezpośrednio”. W rezultacie kształt obiektów jest przeładowany szczegółami, ich kontury są ostre, wiele obiektów i ich powierzchnie wyglądają tak samo pod względem tonacji i siły koloru. Dzieje się tak dlatego, że niedoświadczony artysta, choć porównywał przedmioty tonem i kolorem, patrzył na nie naprzemiennie, osobno. Kiedy artysta rozwinie umiejętność jednoczesnego (całościowego) widzenia i porównywania obiektów według trzech właściwości kolorystycznych (kolor, jasność, nasycenie), zanika różnorodność tonalna obrazu.

Plany przestrzenne - warunkowo wydzielone obszary przestrzeni znajdujące się w różnych odległościach od obserwatora. Na zdjęciu jest kilka planów: pierwszy, drugi, trzeci lub przód, środek, tył. Przestrzeń na płaszczyźnie płótna czy papieru przekazywana jest przede wszystkim poprzez prawidłową konstrukcję perspektywy. Jeśli obiekty lub bryły na planach przestrzennych zostaną narysowane bez ścisłego przestrzegania ich zmian perspektywy, schemat kolorów niewiele pomoże w zobrazowaniu przestrzeni. Przenoszenie walorów przestrzennych obrazu ułatwia także charakter kreski (na rysunku - charakter kreski). Technika cieniowania obiektów na pierwszym planie jest bardziej zdefiniowana, sztywna i gęsta. Pociągnięcie farby jest bardziej pastowate, wytłoczone, ułamkowe. Odległe plany są przekazywane za pomocą delikatniejszego dotyku, cienkiej, glazurowej warstwy farby.

Plastikowy - harmonia, wyrazistość i elastyczność form, linii, dostrzegana przez artystę w przedstawianej naturze.

Malowanie w plenerze - malowanie pod na wolnym powietrzu. Przy pisaniu szkicu na świeżym powietrzu aktywne znaczenie mają zmiany barw natury pod wpływem światła i powietrza. Szczególną uwagę należy zwrócić na ogólny stan kolorystyczny i kolorystyczny przyrody (w zależności od siły i barwy oświetlenia) oraz zjawisko perspektywy powietrznej. Decydującym momentem w malarstwie plenerowym jest zgodność skali tonalnej i kolorystycznej podczas konstruowania relacji tonalnych i kolorystycznych szkicu (patrz skala tonalna i kolorystyczna obrazu):

Podmalowanie - etap przygotowawczy pracy nad obrazem, wykonywany techniką malarstwa olejnego. Podmalowanie odbywa się zwykle cienką warstwą farby i może być monochromatyczne lub wielokolorowe.

Nosze. Płótno, na którym maluje artysta, naciągnięte jest na krosno. Jego celem jest utrzymanie napięcia płótna. Zapewnia to niesztywne mocowanie drewnianych desek ramy pomocniczej. Jeśli rogi noszy są mocno zamocowane, trudno jest skorygować zwiotczenie płótna spowodowane wilgocią. Na listwach ramy pomocniczej wykonuje się skosy, skierowane do wnętrza ramy pomocniczej. W przeciwnym razie w miejscach styku płótna z wewnętrznymi żebrami naramiennika płótno ulega deformacji i pojawiają się na nim wewnętrzne żebra napinacza. Duże ramy noszy wykonane są z krzyża, co zabezpiecza je przed ukośnymi odkształceniami i ugięciami listew.

Półcień - jedna z gradacji światła i cienia na powierzchni trójwymiarowego obiektu, pośrednia między światłem a cieniem (zarówno w naturze, jak i na obrazie).

Portret - obraz, który oddaje wygląd konkretnej osoby, jej indywidualne cechy. Sztuka portretu wymaga, aby poza podobieństwem zewnętrznym wygląd człowieka odzwierciedlał jego zainteresowania duchowe, status społeczny i typowe cechy epoki, do której należy. Na portrecie powinien być obecny także osobisty stosunek artysty do przedstawionych postaci, jego światopogląd i piętno jego postawy twórczej.

Prymitywizm - jeden z ruchów formalistycznych w sztuce. Charakteryzuje się całkowitym odrzuceniem osiągnięć realizmu na rzecz naśladowania form artystycznych tzw. epok prymitywnych (plemiona prymitywne), celowo zapożyczając cechy rysunków dziecięcych itp.

Rejestracje - w technice malarstwa olejnego główny etap wykonania dużego płótna, który następuje po podmalowaniu, poprzedzającym glazurę. Liczba rejestracji uzależniona jest od stopnia zaawansowania pracy artysty; każdy z nich kończy się całkowitym wyschnięciem farby. W szerokim i nieprecyzyjnym tego słowa znaczeniu podmalówką nazywa się czasem podmalówkę, podobnie jak jakąkolwiek obróbkę już ukończonego płótna lub jego detali.

Proporcje - stosunek wielkości obiektów lub ich części do siebie i do całości. W rysunku lub malarstwie relacje te są przekazywane w korespondencji proporcjonalnej, to znaczy podobnej, zmniejszonej lub zwiększonej o tę samą liczbę razy. Zachowanie proporcji jest niezwykle istotne, gdyż to one są najbardziej charakterystyczną cechą tematu i stanowią podstawę prawdziwego i wyrazistego obrazu.

Proporcjonalność relacji - prawo malarstwa realistycznego, które określa związek każdego jasnego punktu szkicu z innymi, proporcjonalnie do wizualnego obrazu natury, ważny warunek prawdziwego i całościowego obrazu rzeczywistości. Nasza wizualna percepcja i rozpoznawanie kształtu, koloru, materiału obiektów i stanu oświetlenia opiera się na ich związkach tonalnych i kolorystycznych. Cechy tonu i koloru są postrzegane wizualnie nie w izolacji, ale w zależności od otoczenia, wraz z innymi tonami i kolorami. Dlatego artysta odtwarza na szkicu różnice tonalne i kolorystyczne natury, a także wymiary perspektywiczne obiektów, stosując metodę proporcjonalnej korespondencji obrazu z wizualnym obrazem natury. Osiąga się w ten sposób stan oświetlenia szkicu, prawdziwego modelowania kształt wolumetryczny, materialność, głębię przestrzenną i inne walory obrazowe obrazu.

Proces malowania z życia wymaga szczególnej kolejności pracy na początku, w środku i na etapie końcowym. Proces ten przechodzi od ogólnego do szczegółowego opracowania formy i kończy się uogólnieniem - podkreśleniem rzeczy głównej i podporządkowaniem jej drugorzędnej. W malarstwie na tych etapach rozwiązywane są następujące szczegółowe zadania: 1) znalezienie zależności między głównymi plamami barwnymi, biorąc pod uwagę stan tonalny i kolorystyczny oświetlenia (jego siła i skład widmowy), 2) „rozciąga się” tonacja barwna w ramach znalezionych podstawowych zależności, kolorystyczne modelowanie wolumetrycznego kształtu poszczególnych obiektów, 3) na etapie uogólnienia – zmiękczanie ostrych konturów obiektów, wyciszanie lub wzmacnianie tonu i koloru poszczególnych obiektów, podkreślanie rzeczy najważniejszej, podporządkowywanie drugorzędnych do tego. Ostatecznie cały obraz obrazowy zostaje doprowadzony do integralności i jedności, do wrażenia, jakie wywołuje wzrok, widząc naturę jako całość.

Rozcieńczalniki . W przypadku farb akwarelowych i gwaszowych jedynym rozcieńczalnikiem jest woda. Do rozcieńczania farb olejnych stosuje się kompozycje pochodzenia terpentynowego (pinen nr 4) lub produkty naftowe zmieszane z alkoholem lub olejem lnianym (rozcieńczalniki nr 1, 2). Dodanie na przykład pinenu do farba olejna sprzyja ich szybszemu wysychaniu. Dodatkowo, w celu zapewnienia lepszej przyczepności warstw farby, przed ponowną rejestracją utwardzoną powierzchnię warstwy farby przeciera się pinezką.

Kąt - perspektywiczna redukcja kształtu obiektu, prowadząca do zmiany jego zwykłego kształtu; wyraźne skurcze, które występują podczas obserwacji obiektu z góry lub z dołu.

Rama. Obraz stworzony przez artystę posiada ramę. Dopełnia kompozycję, nadaje jej jedność i kieruje uwagę widza na samo dzieło. Najczęściej rama ma kształt prostokąta, czasami jest okrągła lub owalna. Często listwy ramy mają cienkie profile, przypominające stopnie, schodzące do samego obrazu. Dzięki nim oko widza może łatwiej zanurzyć się w świecie przedstawianym. Artyści traktują ramę jako istotny element kompozycji malarskiej i malują ją światłem i światłem ciemne kolory różne odcienie. Dostępne są ramki z bogatymi motywami plastikowymi, konwencjonalnymi zdobieniami roślinnymi lub geometrycznymi.

Realizm - metoda twórczości artystycznej oparta na głębokiej znajomości życia i figuratywnym odzwierciedleniem jego istoty i piękna. Realizm w malarstwie opiera się na przedstawieniu życia w jego formach. Artysta nieustannie studiuje życie z ołówkiem i pędzlem w ręku i doskonale opanowuje umiejętność wiernego przedstawiania przedmiotów i przedmiotów rzeczywistości. Bez organicznej wiedzy i uogólnienia życia z jednej strony i umiejętności urzeczywistnienia tego wszystkiego w konkretnym obrazie wizualnym z drugiej strony, obraz artystyczny w obrazie zamienia się w pozbawiony życiowej perswazji diagram.

Socrealizm - metoda sztuki socjalistycznej, mająca na celu prawdziwe, historycznie specyficzne odzwierciedlenie rzeczywistości w jej rewolucyjnym rozwoju w celu ideologicznego i estetycznego wychowania ludzi w duchu socjalizmu i komunizmu.

Odruch - lekkie lub kolorowe odbicie, które pojawia się na formie w wyniku odbicia promieni świetlnych od otaczających obiektów. Kolory wszystkich obiektów są ze sobą powiązane poprzez refleksy. Im większa różnica w jasności i kolorze pomiędzy dwoma sąsiednimi obiektami, tym bardziej zauważalne są odruchy. Na chropowatych, matowych powierzchniach są słabsze, na gładkich są bardziej zauważalne i wyraźniejsze w zarysie. Na wypolerowanych powierzchniach są one szczególnie wyraźne (w tym przypadku są wzmocnione odbiciem lustrzanym).

Rysunek -1) pełne odwzorowanie obiektywnego świata: modelowanie wolumetryczno-przestrzenne, prawidłowe proporcje, zgodność z prawdą, wyrazisty charakter itp. Jest to podstawa realistycznego przedstawienia rzeczywistości w ogóle - wszelkimi środkami i technikami technicznymi. Nauka rysunku jest najważniejszą częścią kształcenia zawodowego malarza, grafika i rzeźbiarza; 2) rodzaj grafiki artystycznej opartej na środkach technicznych i możliwościach rysunkowych. W przeciwieństwie do malarstwa, rysowanie odbywa się przede wszystkim za pomocą stałej substancji barwiącej (ołówek, węgiel drzewny, sangwina itp.), Z reguły poprzez pociągnięcie i linię, z pomocniczą rolą koloru; 3) odrębne dzieło o odpowiednim typie grafiki.

Rytm i kadencja - powtarzalność poszczególnych elementów kompozycyjnych dzieła, ich szczególna proporcjonalność, prowadząca do harmonijnej, naturalnej spójności całości. Rytm może objawiać się kontrastami i zgodnością grup postaci, obiektów, linii, ruchów, plam światła i cienia oraz barw, planów przestrzennych itp.

Światło - element gradacji odcięcia, służący do wskazania oświetlanej części powierzchni obiektów.

Lekkość (ton) - porównawczy stopień różnicy od ciemności: im dalej od ciemności, tym większa jasność koloru.

Otwór - stopień lekkości obiektu, jego ton. Przysłona zależy od obecności innych (sąsiednich) tonów, a także od koloru obiektów.

Światłocień - regularne gradacje światła i cienia na trójwymiarowej formie przedmiotu, dzięki czemu oko postrzega zarówno w naturze, jak i na rysunku takie właściwości obiektu, jak objętość i materiał. Główne gradacje światłocienia: podświetlenie, światło, półcień, cień właściwy, odruch, cień padający.

Właściwości koloru - ton lub odcień koloru: czerwony, niebieski, żółty, żółto-zielony, jasność i nasycenie (stopień różnicy od szarości, czyli stopień zbliżenia do czystego koloru widmowego). W procesie malowania kolory z pełnej skali są porównywane na podstawie tych trzech właściwości, ustalane są ich różnice kolorystyczne i przenoszone na szkic w proporcjonalnych relacjach.

Spoiwo - jest to substancja ściągająca (klej, olej, wapno gaszone, żółtko jaja kurzego), za pomocą której cząsteczki pigmentu łączą się ze sobą i mocują do powierzchni gleby, tworząc warstwę farby. Rodzaje malarstwa - fresk, obraz olejny, tempera - różnią się dokładnie składem spoiwa, chociaż pigment jest zwykle ten sam.

Sylwetka - ciemny, jednokolorowy płaski obraz na jasnym tle. osoba, zwierzę lub przedmiot. Termin pochodzi od nazwiska francuskiego ministra finansów z XVIII wieku. E. de Silhouette, który został karykaturowany w formie profilu cienia.

Symbol. - obraz, który alegorycznie wyraża jakąś szeroką koncepcję lub abstrakcyjną ideę. W przypadku, gdy powiązanie symbolu z wyrażaną przez niego koncepcją wynika z wewnętrznego podobieństwa treści, związku przedstawianego przedmiotu z jego alegorycznym znaczeniem, użycie symbolu staje się właściwe i możliwe w sztuce realistycznej. Symbolu używa się, gdy chce się wyrazić szeroką, wielozadaniową koncepcję w lakonicznej i zwięzłej formie.

Treść i forma w sztuce - kategorie nierozerwalnie powiązane i współzależne, z których jedna wskazuje, co dokładnie znajduje odzwierciedlenie i wyraz w dziele (treść), a druga wskazuje, w jaki sposób i za pomocą jakich środków jest to osiągane (forma). Wiodąca, decydująca rola należy do treści. Staje się pewnym fenomenem życia, świadomym i estetycznie rozumianym przez artystę w procesie pracy twórczej. Do kategorii formy artystycznej w sztukach wizualnych zalicza się: fabułę, kompozycję, typ, rysunek, strukturę kolorystyczną, objętość, przestrzenność, strukturę światła i cienia itp. Należy zaznaczyć, że walory artystyczne dzieła zależą bezpośrednio od tego, jak profesjonalnie artysta jest przeszkolony w używaniu form wyrazu. Bez praktycznego opanowania kultury posługiwania się kolorem nie da się wyrazić treści figuratywnych za pomocą malarstwa w określonym materiale.

Porównanie - metoda określania proporcji, relacji tonalnych i kolorystycznych itp. Właściwości i cechy są rozpoznawane przez naszą świadomość poprzez porównanie. Można zrozumieć naturę kształtu obiektu, określić jego ton i kolor jedynie porównując go z innymi obiektami. Aby wiernie przedstawić naturę, artysta musi stworzyć na szkicu różnice w obiektach pod względem wielkości, tonu i koloru, proporcjonalne do natury. Tylko metodą porównania (przy pełnym postrzeganiu natury) można określić w przyrodzie relacje kolorystyczne między przedmiotami i przenieść je na płótno lub papier.

Stylizacja - 1) celowe naśladowanie stylu artystycznego, charakterystycznego dla autora, gatunku, ruchu, sztuki i kultury określonego środowiska społecznego, narodowości, epoki. Zwykle polega na swobodnej interpretacji treści i stylu dzieła sztuki, które posłużyło za pierwowzór; 2) w sztukach plastycznych, głównie zdobniczych i wzornictwie, uogólnianie przedstawianych postaci i przedmiotów przy użyciu technik konwencjonalnych; stylizacja jest szczególnie charakterystyczna dla ornamentu, który zamienia przedmiot obrazu w motyw wzorniczy.

Styl - 1) wspólność cech ideowych i artystycznych dzieł sztuki danej epoki. Pojawienie się i zmiana stylów zależy od przebiegu historycznego rozwoju społeczeństwa (na przykład klasycyzm, barok itp.); 2) osobliwość narodowa sztuka (styl chiński, mauretański itp.). Mówią także o stylu grupy artystów lub jednego artysty, jeśli ich prace wyróżniają się jasnymi indywidualnymi cechami.

Suchy pędzel - w malarstwie i grafice pomocnicza technika techniczna polegająca na pracy pędzlami twardymi, słabo nasyconymi farbą. Jako samodzielna technika szczotkowanie na sucho stosowane jest głównie w sztuce dekoracyjnej.

Sfumato - w malarstwie i grafice termin kojarzony z malarstwem włoskiego renesansu począwszy od Leonarda da Vinci i oznaczający miękkość wykonania, nieuchwytność konturów przedmiotu wynikającą z pewnego podejścia artystycznego.

Działka - 1) konkretne wydarzenie lub zjawisko ukazane na zdjęciu. Ten sam motyw można poruszyć w wielu opowieściach; 2) czasami przez fabułę rozumie się dowolny przedmiot żywej natury lub obiektywny świat wzięty do przedstawienia. Często fabuła zastępuje koncepcję motywu leżącego u podstaw dzieła (zwłaszcza krajobrazu).

Proces twórczy (kreatywność) - proces tworzenia dzieła sztuki, począwszy od powstania pomysłowej koncepcji aż do jej realizacji, proces przełożenia obserwacji rzeczywistości na obraz artystyczny. W malarstwie kreatywność polega na tworzeniu dzieła w bezpośrednio niezawodnych, widocznych formach.

Temat - krąg zjawisk wybranych przez artystę do przedstawienia i ujawnienia idei dzieła.

Farby temperowe - farby klejące na bazie wody, przygotowane z suchych proszków zmieszanych z żółtkiem jaja rozcieńczonym wodą klejącą. Obecnie produkowane są także farby półpłynne, zamykane w tubkach i przygotowywane z żółtka, całego jaja lub emulsji oleju roślinnego z jajkiem i klejem. Farbami temperowymi można malować gęsto jak farby olejne i cienko jak akwarele, rozcieńczając je wodą. Wysychają wolniej niż gwasz. Wadą jest różnica w odcieniach mokrej i wysuszonej farby. Obrazy malowane farbami temperowymi mają matową powierzchnię, dlatego czasami pokrywane są specjalnym werniksem, który likwiduje to matowienie.

Cień - element światłocienia, najsłabiej oświetlonych obszarów w przyrodzie i na obrazie. Rozróżnia się cienie naturalne i opadające. Cienie właściwe to te, które należą do samego obiektu. Spadające cienie rzucane przez ciało na otaczające przedmioty.

Ciepłe i chłodne kolory . Kolory ciepłe tradycyjnie kojarzą się z kolorem ognia, słońca, żarzących się przedmiotów: czerwony, czerwono-pomarańczowy, żółto-zielony. Kolory chłodne kojarzą się z kolorem wody, lodu i innych zimnych obiektów: zielono-niebieski, niebieski, niebiesko-niebieski, niebiesko-fioletowy. Te cechy koloru są względne i zależą od położenia innego koloru w pobliżu. Przykładowo ultramaryna sama w sobie jest zimna, ale obok błękitu pruskiego będzie ciepła, a czerwony kraplak będzie wydawał się zimniejszy od czerwonego cynobru.

Kolorystyka widzialnej natury zawsze zawiera zarówno ciepłe, jak i zimne odcienie. Ta ciepła-zimność odcieni opiera się przede wszystkim na naturalnych kontrastach kolorystycznych światła i cienia. W naturze często zdarza się, że kolory obiektów są zimne, a ich cienie ciepłe i odwrotnie. Zjawisko chłodu ułatwia także tzw. kontrastowe wizualne postrzeganie kolorów: z obecności ciepłej barwy w postrzeganej naturze na siatkówce oczu pojawia się wrażenie zimnej barwy, chociaż tak nie jest w naturze. Ciepło i chłód w malarstwie to zjawisko naturalne i integralna cecha malarskiego przedstawienia szkicu natury lub obrazu.

Technika - w dziedzinie sztuki: zespół specjalnych umiejętności i technik, za pomocą których następuje wykonanie dzieła sztuki. Pojęcie „technika” w wąskim znaczeniu tego słowa zwykle odpowiada bezpośredniemu, natychmiastowemu wynikowi pracy artysty z określonym materiałem i narzędziem, umiejętności wykorzystania artystycznych możliwości tego materiału; w szerszym znaczeniu pojęcie to obejmuje także odpowiednie elementy o charakterze obrazowym – przenoszenie materialności przedmiotów, rzeźbienie formy trójwymiarowej, modelowanie relacji przestrzennych itp. Bez wyjątku wszystkie środki techniczne muszą prowadzić do znanego, przynajmniej skromnego, efektu artystycznego.

Techniczne środki artystyczne nie pozostają neutralne w stosunku do treści. O głównych cechach techniki realistycznej decyduje przede wszystkim jej podporządkowanie ideowej i figuratywnej strukturze dzieła.

Ttechnika malarska - patrz malarstwo olejne, akwarela, gwasz, tempera, malarstwo klejone, pastel, enkaustyka, fresk, mozaika.

Ton (nie towarzyszy mu słowo „kolor”) - w terminologii artystów jest to równoznaczne z pojęciem lekkości koloru (farby). Każdy kolor chromatyczny lub achromatyczny może mieć różną jasność. Można powiedzieć o tonie w obrębie jednego koloru, np. o czerwieni, „jasnym odcieniu czerwonej farby” lub „ciemnym odcieniu farby”. Czasami termin „ton” używany jest w odniesieniu do koloru, np. „złoty odcień panelu”, „brązowy odcień obrazu”. Artyści często używają terminu „jasność” lub „apertura” koloru zamiast terminu „ton” koloru.

Klawisz - termin oznaczający cechy zewnętrzne koloryzacja czy światłocień w dziełach malarstwa i grafiki. Jest częściej używany w odniesieniu do koloru i pokrywa się z terminem „zakres kolorów”.

Skala tonalna i kolorystyczna obrazu . Przeniesienie relacji tonalnych i kolorystycznych proporcjonalnych do natury można przeprowadzić w różnych zakresach jasności i nasycenia barw w palecie. Zależy to od ogólnego stanu natężenia oświetlenia przyrody i jej odległości od malarza. Aby oddać ten stan, artysta przed rozpoczęciem każdej pracy od natury dowiaduje się, z jakiego rodzaju światłem i barwą nasilają się światła i jasne plamy. natury będzie na szkicu. Artysta może uchwycić najjaśniejsze i najbardziej nasycone kolory natury w szkicu lub w pełnej mocy światła i jasne kolory palety, czyli tylko połowa ich możliwości. W ten sposób zachowana jest skala tonalna i barwna obrazu, w której odzwierciedlone są zależności tonalne i barwne obiektów w ustawieniu pełnowymiarowym.

Ton obrazu - obraz z różnymi przejściami tonalnymi od światła do cienia, to znaczy z obszarami o różnej sile tonalnej. Typowy przykład Obraz tonowy to fotografia, jednobarwny rysunek olejny lub akwarelowy (grisaille), a także rysunek ołówkiem wykonany metodą cieniowania.

Relacje tonalne . Rozpoznawanie trójwymiarowej formy obiektów i ich materiału następuje w naszej świadomości na podstawie wizualnej percepcji ich relacji świetlnych. Dlatego artysta musi odtworzyć relacje świetlne rysunku, stosując metodę podobieństwa. Poprzez gradację światła i cienia na formę wolumetryczną oraz przeniesienie proporcjonalnych do natury relacji tonalnych pomiędzy kolorystyką (materiałem) przedmiotów artysta osiąga prawdziwe wolumetryczne modelowanie formy, ekspresję materialności, głębię przestrzenną i stan iluminacji (tonalny). rysunek, malarstwo w technice grisaille).

Tekstura - charakterystyczne cechy powierzchni obiektów wykonanych z różnych materiałów, zarówno w naturze, jak i w obrazie (relief warstwy farby po kresach). Tekstura może być gładka, szorstka, wytłaczana. Faktura litery zależy w dużej mierze od właściwości kolorowego materiału, cech naturalnego przedmiotu, który przedstawia artysta, a także od zadania i materiału wykonania. W akwareli tekstura w dużej mierze zależy od powierzchni papieru. W fakturze litery ujawnia się indywidualny charakter pisma artysty.

Fas (cała twarz) - przód, widok z przodu. Termin ten oznacza, że ​​model (głowa osoby lub przedmiot) jest ustawiony frontalnie, równolegle do płaszczyzny obrazu.

Tło - dowolne medium lub płaszczyzna znajdująca się za obiektem obrazu.

Formularz - 1) wygląd, zarys; zakłada obecność objętości, struktury, proporcji; 2) w sztukach plastycznych formą artystyczną jest środek artystyczny służący do tworzenia obrazu i ujawniania treści (patrz treść i forma).

Formalizm - ogólne określenie licznych*>1X antyrealistycznych szkół i nurtów w sztukach plastycznych: kubizmu, futuryzmu, konstruktywizmu, surrealizmu, suprematyzmu, puryzmu, Dadaizmu, sztuki abstrakcyjnej, pop-artu itp. Wszystkie te odmiany formalizmu opierają się na nienaturalnego oddzielenia formy artystycznej od treści, na uznaniu niezależności i autonomii formy, błędnie twierdząc, że tworzy dzieła sztuki poprzez różne zestawienia „czystych” linii czy kolorów. Formalny obraz rażąco zniekształca rzeczywistość, traci zdolność wizualnego rozumienia świata, a czasem zamienia się w pozbawione sensu, szarlatańskie eksperymenty.

Format - kształt płaszczyzny, na której wykonany jest obraz. Decydują o tym ogólne zarysy natury, stosunek wysokości do szerokości. Wybór formatu zależy od treści i odpowiada kompozycji obrazu. W przypadku struktury figuratywnej format jest niezbędny.

Fresk - najważniejszy rodzaj techniczny malarstwa monumentalnego, w którym głównym spoiwem jest wapno.

Kolor w malarstwie. Kolor ogólnie jest właściwością obiektów polegającą na wywoływaniu określonych wrażeń wzrokowych zgodnie ze składem widmowym odbitych promieni. W życiu codziennym każdemu przedmiotowi lub przedmiotowi przypisany jest jeden konkretny kolor. Kolor ten nazywany jest tematycznym lub lokalnym (trawa jest zielona, ​​niebo jest niebieskie, woda morska jest niebieska itp.). Początkujący malarze z reguły mają dominującą wizję koloru, co prowadzi do amatorskiej kolorystyki. W sensie obrazowym możliwe jest prawidłowe przedstawienie przedmiotu tylko wtedy, gdy oddaje się nie kolor przedmiotu, ale kolor zmieniony pod wpływem oświetlenia i środowisko. Kolor obiektu zmienia się wraz ze wzrostem i spadkiem natężenia światła. Różni się również w zależności od składu widmowego oświetlenia. Środowisko, w którym znajduje się obiekt, odbija również promienie barwne, które uderzając w powierzchnię innych obiektów, tworzą na nich kolorowe refleksy. Kolor zmienia się również w wyniku interakcji kontrastu. Zatem kolor przedmiotu jest zawsze mozaiką złożoną z barw i plam światła i cienia (odblasków i świateł), i w tym przypadku nazywa się to nie obiektywnym, ale warunkowym. Kolor ten jest jednym z głównych wizualnych środków malarstwa realistycznego.

Powszechnie przyjmuje się, że sam kolor może mieć pewien wpływ na osobę. Czasami ludzie myślą, że ciemne i jasne kolory tworzą wesoły nastrój; szary i czarny powodują uczucie przygnębienia itp. W psychologii prowadzone są badania i eksperymenty na ten temat, ale nie zidentyfikowano jeszcze pewnych prawidłowości w tej kwestii. Malarz nie posługuje się powyższymi wartościami barw. Ogólna zasada dotycząca emocjonalnego wpływu koloru na „ różne przypadki„On go nie ma. Nie jest konieczne malowanie obrazu w ciemnej lub ostrej kolorystyce, jeśli jego temat jest tragiczny lub smutny, a w przypadku radosnych tematów jasny kolor nie jest konieczny. Na przykład wątki obrazów Surikowa „Mienszykow w Bieriezowie” i „Boyarina Morozowa” poświęcone są tragicznemu losowi ludzi o silnej woli i przekonaniach. W kolorystyce pierwszego zdjęcia dominują ciemne tony. Drugi obraz opiera się na bogatych zestawieniach kolorystycznych plenerowego malarstwa zimowego pejzażu, jasnych strojów tłumu i świątecznej kolorystyki „dywanu”. Charakter naturalnego przedmiotu i stan oświetlenia determinowały kolorystykę tych prac. Zatem kolor obrazu tworzony jest przez system relacji kolorystycznych mających na celu przedstawienie rzeczywistych warunków i scenerii. Kolor jest środkiem oddania trójwymiarowej formy przedmiotu, jego materialności, walorów przestrzennych, kolorystycznego stanu iluminacji natury i tylko poprzez ujawnienie treści semantycznych obrazu wywołuje niezbędny efekt emocjonalny.

Jedność kolorów i powinowactwo farb. Barwa oświetlenia, jego skład widmowy, odpowiednio wpływa na różne barwy przedmiotów i przedmiotów przyrody, podporządkowując je pewnemu zakresowi. Rezultatem jest kolorystyczna jedność kolorów. Prawdziwe odzwierciedlenie tych cech sprawia, że ​​​​szkic z życia jest szczególnie prawdziwy i harmonijny pod względem malarskim.

Relacje kolorów - różnice w kolorach naturalnych ze względu na odcień (odcień), jasność i nasycenie. W naturze kolor jest zawsze postrzegany w odniesieniu do otaczających go kolorów, z którymi pozostaje w ścisłej interakcji i zależności. Dlatego relacje kolorystyczne szkicu powinny być przekazywane proporcjonalnie do relacji kolorystycznych natury. Jest to prawo kolorystycznego przeniesienia barw widzialnej natury na gamę barw palety; wyznacza je psychofizjologia naszej percepcji wzrokowej i myślenia.

Integralność obrazu - wynik pracy z naturą metodą relacji (porównań) z holistyczną wizją natury, w wyniku której artysta pozbywa się takich mankamentów rysunku czy szkicu, jak fragmentacja i zróżnicowanie.

Integralność percepcji - zdolność artysty do jednoczesnego i jednoczesnego widzenia obiektów natury. Tylko w wyniku integralnej percepcji wzrokowej można prawidłowo określić proporcje obiektów, relacje tonalne i kolorystyczne oraz osiągnąć integralność obrazu pełnowymiarowej produkcji. Integralność percepcji polega na profesjonalnej umiejętności widzenia i „ustawieniu oka” artysty.

Istnieje szereg wskazówek, jak praktycznie postrzegać przyrodę jako całość: 1) w momencie obserwacji, przy ustalaniu relacji kolorystycznych, zmruż lub „otwórz” oczy na całą przyrodę, 2) P. P. Czistyakow radził „wczuć się mentalnie w przed tobą jakby płaskie szkło, to daje relacje”, 3) R. Falk dla integralności widzenia zalecił wycięcie w tekturze prostokątnego otworu (2X1 cm) i patrzenie na przyrodę w płaszczyźnie tego okna (oko otrzymuje holistyczną obrazową strukturę podstawowych relacji kolorystycznych natury, przypominającą mozaikę z kamieni szlachetnych); 4) przyrodę można też postrzegać całościowo i rozumieć jej powiązania barwne za pomocą „czarnego lustra” (pomalując czarną farbą jedną stronę przezroczystego szkła, otrzymamy lustro, w którym w jasnym świetle słonecznym będzie można oglądać obiekty krajobrazu zmniejszona jasność. W takim lustrze obiekty odbite w jednej płaszczyźnie w zmniejszonej formie można je wszystkie zobaczyć jednocześnie. Pozwoli to dokładniej uchwycić relacje tonalne i kolorystyczne natury).

Zewnętrzny (w przeciwieństwie do wnętrza) - przedstawienie zewnętrznej części budynku.

Enkaustyczny - malowanie woskiem jest obecnie rzadko stosowaną techniką malarską, polegającą na wykorzystaniu wosku jako spoiwa. Najlepszą metodą malowania woskiem pod względem efektów i trwałości jest enkaustyka antyczna. Jego zalety polegają na wyjątkowych właściwościach specjalnie przygotowanego wosku, który jest prawie niewrażliwy na upływ czasu i wilgoć, nigdy nie pęka i zachowuje swój kolor w niezmienionej formie.

Naszkicować - szkic przygotowawczy szkicu lub obrazu. W procesie pracy z życia szkice są wykorzystywane jako materiał pomocniczy; Opracowują opcje kompozycji z kartki papieru lub płótna. Szkice wykonujemy zarówno w formie szybkich szkiców ołówkiem, jak i w materiale.

Etiuda - obraz pomocniczy o ograniczonych rozmiarach, wykonany z życia w celu jego dokładnego przestudiowania. Poprzez szkic artysta doskonali swoje umiejętności zawodowe. Główny cel praca szkicowa zawsze pozostaje prawdziwe i żywe ucieleśnienie koncepcji obrazowej, stworzenie obrazu. W sztuce realistycznej szkic zawsze odgrywa rolę drugoplanową.

Etiuda jest wynikiem przeceniania roli szkicu, nieuchronnie prowadzi do zubożenia treści ideowych i figuratywnych. Powszechnie przyjmuje się, że szkicowanie wywodzi się z impresjonizmu, który ogranicza aktywność malarza do pobieżnej pracy z życia, zastępując szkic obrazem.

Efekt Purkine’a - zmiana względnej jasności kolorów w miarę zwiększania się lub zmniejszania oświetlenia. Na przykład w ciągu dnia względna jasność czerwieni i żółci wydaje się silna, a o zmierzchu - zieleń i niebieskie kolory. Chodzi o to, że w ciągu dnia, przy normalnym oświetleniu, nasze oko widzi przez niektóre komórki siatkówki, tzw. czopki, a przy bardzo słabym świetle przez inne – pręciki. Szyszki są bardziej wrażliwe na kolor żółty i czerwony, natomiast pręciki są bardziej wrażliwe na niebiesko-zielony. Leonardo da Vinci zauważył również: „Zieleń i błękit wzmacniają swoje kolory w półcieniu, natomiast czerwień i żółty zyskują barwę w najbardziej oświetlonych miejscach”.

Nie jest tajemnicą, że malarstwo ma swoją typologię i dzieli się na gatunki. Zjawisko to ma swój początek w Europie w XV wieku, kiedy ukształtowało się pojęcie malarstwa pierwszej klasy, do którego zaliczały się obrazy o charakterze mitologicznym i historycznym, a do malarstwa drugiej kategorii zaliczały się pejzaże, portrety i martwe natury. Ale to sortowanie straciło na aktualności około 1900 roku, kiedy było zbyt wiele gatunków i stylów, a stosowanie jasnego podziału tylko na te dwie grupy byłoby zbyt staromodne. Dlatego chcę dzisiaj porozmawiać o współczesnych rodzajach malarstwa.

Martwa natura (śmierć natury- „martwa natura”) - obrazy rzeczy nieożywionych. Gatunek ten powstał w XV wieku, a niepodległość uzyskał w XVII wieku za sprawą artystów holenderskich. Gatunek uniezależnił się wraz z nadejściem Złotego Wieku w Holandii; artystów rozpieszczała obfitość jedzenia i innych rzeczy, które wcześniej uważano za przedmioty luksusowe i bogactwo, na tej podstawie nadal istniał tak wąski gatunek, jak Holendrzy pojawiło się życie. Obecnie martwa natura jest szeroko rozpowszechnionym rodzajem malarstwa i cieszy się dużym zainteresowaniem wśród nabywców obrazów.

Portret- osoba lub grupa osób przedstawiona na zdjęciu. Granice tego stylu są bardzo niejasne, portret bardzo często krzyżuje się z innymi stylami, takimi jak pejzaż czy martwa natura. Portrety mogą być również historyczne, pośmiertne lub religijne. Jest też autoportret, czyli wtedy, gdy artysta rysuje siebie.

Sceneria- bardzo ważny gatunek w malarstwie. Artysta maluje na nim dziewiczą lub przekształconą przez człowieka przyrodę lub teren. Już dawno wykroczył poza zwykłe widoki na morze czy góry, a dziś jest jednym z najpopularniejszych rodzajów malarstwa. Krajobrazy mogą być miejskie, wiejskie, morskie, górskie itp. Wcześniej pejzaże malowano wyłącznie w plenerze, kiedy artysta malował z życia to, co zobaczył. Obecnie praktyka ta staje się coraz mniej powszechna, a współcześni artyści wolą pracować z fotografii.

Marina- ta sama martwa natura morska, tylko z poprawną nazwą. Mariny przedstawiają wydarzenia mające miejsce na morzu, bitwy, duże fale, statki towarowe itp. Wybitnym przedstawicielem tego gatunku był Iwan Aiwazowski.

Malarstwo historyczne- powstało z konieczności, w okresie renesansu artyści malowali ważne wydarzenia kulturalne i historyczne. Obrazy historyczne nie zawsze opierają się na historii, obejmują także różne rodzaje malarstwa, takie jak mitologia, ewangelia i wydarzenia biblijne.

Malarstwo bojowe- temat, który odsłania temat wojny i życia wojskowego. Artysta stara się przedstawić ważny, epicki, kluczowy moment bitwy lub bitwy. Jednocześnie niezawodność może stopniowo znikać w tle.