Biografia Vivaldiego. Antonio Vivaldi: biografia, ciekawostki, twórczość Podobne prace do - Interpretacja gatunku koncertu instrumentalnego w twórczości Antonio Vivaldiego

04.11.2019

Wybitny skrzypek i kompozytor Antonio Vivaldi (1678-1741) to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli włoskiej skrzypiec sztuka XVIII wiek. Jego znaczenie, zwłaszcza w powstaniu solowego koncertu skrzypcowego, wykracza daleko poza granice Włoch.

A. Vivaldi urodził się w Wenecji, w rodzinie znakomitego skrzypka i pedagoga, członka kaplicy katedry San Marco Giovanni Battista Vivaldi. Z wczesne dzieciństwo ojciec nauczył go grać na skrzypcach i zabierał na próby. Od 10 roku życia chłopiec zaczął zastępować ojca, który również pracował w jednej z miejskich oranżerii.

Młodym skrzypkiem zainteresował się kierownik chóru G. Legrenzi, który uczył się u niego gry na organach i kompozycji. Vivaldi uczestniczył w domowych koncertach Legrenziego, na których można było usłyszeć nowe dzieła samego właściciela, jego uczniów – Antonio Lottiego, wiolonczelisty Antonio Caldary, organisty Carlo Polarolli i innych. Niestety Legrenzi zmarł w 1790 roku i studia zakończono.

W tym czasie Vivaldi zaczął już komponować muzykę. Jego pierwszym dziełem, które do nas dotarło, jest dzieło duchowe datowane na rok 1791. Ojciec uznał, że najlepiej będzie zapewnić synowi edukację duchową, gdyż jego stopień i ślub celibatu dały Vivaldiemu prawo do nauczania w konserwatorium żeńskim. W ten sposób rozpoczęła się formacja duchowa w seminarium. W 1693 roku otrzymał święcenia opata. To zapewniło mu dostęp do najbardziej szanowanej oranżerii, Ospedale della Pieta. Jednak święcenia kapłańskie okazały się później przeszkodą w rozwoju ogromnego talentu Vivaldiego. Po obocie Vivaldi awansował po szczeblach duchowieństwa i ostatecznie w 1703 roku otrzymał święcenia kapłańskie na ostatni niższy stopień – księdza, co dało mu prawo do samodzielnej posługi – mszy.

Ojciec Vivaldiego w pełni przygotował go do nauczania, sam zrobił to samo w Konserwatorium „Żebraków”. Głównym przedmiotem zajęć w konserwatorium była muzyka. Dziewczęta uczyły się śpiewać, grać na różnych instrumentach i dyrygować. Konserwatorium posiadało jedną z najlepszych wówczas orkiestr we Włoszech, w której uczestniczyło 140 uczniów. B. Martini, C. Burney, K. Dittersdorf wypowiadali się entuzjastycznie o tej orkiestrze. Wraz z Vivaldim wykładał tu uczeń Corelliego i Lotti, Francesco Gasparini, doświadczony skrzypek i kompozytor, którego opery wystawiano w Wenecji.

W konserwatorium Vivaldi uczył gry na skrzypcach i „altówce angielskiej”. Orkiestra konserwatorium stała się dla niego rodzajem laboratorium, w którym można było realizować swoje plany. Już w 1705 roku ukazało się jego pierwsze dzieło zawierające sonaty trio (sonaty kameralne), w których do dziś odczuwalny jest wpływ Corelliego. Charakterystyczne jest jednak to, że nie widać w nich żadnych oznak terminowania. To są dojrzałe pisma artystyczne, urzekający świeżością i pomysłowością muzyki.

Jakby dla podkreślenia hołdu dla geniuszu Corellego, tymi samymi wariacjami na temat Folii kończy XII Sonatę. Już w przyszłym roku ukaże się drugie opus – Concerti Grossi „Harmonic Inspiration”, które ukazało się trzy lata wcześniej niż koncerty Torelliego. To właśnie wśród tych koncertów znajduje się słynny koncert a-moll.

Usługa w oranżerii przebiegła pomyślnie. Vivaldiemu powierzono prowadzenie orkiestry, a następnie chóru. W 1713 roku, w związku z odejściem Gaspariniego, głównym kompozytorem został Vivaldi z obowiązkiem komponowania dwóch koncertów miesięcznie. W konserwatorium pracował niemal do końca życia. Doprowadził orkiestrę konserwatorium do najwyższej doskonałości.

Sława kompozytora Vivaldiego szybko rozprzestrzenia się nie tylko we Włoszech. Jego prace publikowane są w Amsterdamie. W Wenecji poznaje Handla, A. Scarlattiego, jego syna Domenico, który studiuje u Gaspariniego. Vivaldi zasłynął także jako wirtuoz skrzypiec, dla którego nie było trudności niemożliwych. Jego umiejętności były widoczne w improwizowanych rytmach.

Przy jednej z takich okazji osoba obecna na przedstawieniu opery Vivaldiego w teatrze San Angelo wspominała jego występ: „Niemal pod koniec, akompaniując znakomitemu śpiewakowi solowemu, Vivaldi w końcu wykonał fantazję, która naprawdę mnie przeraziła, bo była to coś niesamowite, jakiego nikt nie grał i nie umie grać, bo palcami wspiął się tak wysoko, że nie było już miejsca na smyczek, i to na wszystkich czterech strunach wykonał fugę z niewiarygodną szybkością. W rękopisach zachowały się zapisy dotyczące kilku takich kadencji.

Vivaldi komponował szybko. Publikowane są jego solowe sonaty i koncerty. Dla konserwatorium stworzył swoje pierwsze oratorium „Mojżesz, Bóg faraona” i przygotował swoją pierwszą operę „Ottone in the Villa”, która z sukcesem została wystawiona w 1713 roku w Vicenzy. W ciągu najbliższych trzech lat tworzy trzy kolejne opery. Potem przychodzi przerwa. Vivaldi pisał tak łatwo, że nawet on sam czasami to zauważał, jak w rękopisie opery „Tito Manlio” (1719) - „pracował przez pięć dni”.

W 1716 roku Vivaldi stworzył dla konserwatorium jedno ze swoich najlepszych oratoriów: „Judyta triumfująca, pokonująca Holofernesa wśród barbarzyńców”. Muzyka przyciąga energią i rozmachem, a jednocześnie niesamowitą barwą i poezją. W tym samym roku podczas muzycznych uroczystości z okazji przybycia księcia Saksonii do Wenecji do występu zaproszono dwóch młodych skrzypków – Giuseppe Tartini i Francesco Veracini. Spotkanie z Vivaldim wywarło ogromny wpływ na ich twórczość, zwłaszcza na koncerty i sonaty Tartiniego. Tartini mówił, że Vivaldi był kompozytorem koncertów, ale sądził, że z powołania jest kompozytorem operowym. Tartini miał rację. Opery Vivaldiego są dziś zapomniane.

Działalność pedagogiczna Vivaldiego w konserwatorium stopniowo przynosiła sukcesy. U niego studiowali także inni skrzypkowie: J.B. Somis, Luigi Madonis i Giovanni Verocai, który służył w Petersburgu, Carlo Tessarini, Daniel Gottlob Troy – dyrygent w Pradze. Student konserwatorium Santa Tasca został skrzypkiem koncertowym, a następnie muzykiem dworskim w Wiedniu; Wystąpiła także Hiaretta, u której studiował wybitny włoski skrzypek G. Fedeli.

Ponadto Vivaldi okazał się dobrym nauczycielem śpiewu. Jego uczennica Faustyna Bordoni ze względu na piękno głosu (kontralt) otrzymała przydomek „Nowa Syrena”. Najbardziej znanym uczniem Vivaldiego był Johann Georg Pisendel, koncertmistrz kaplicy drezdeńskiej.

W 1718 roku Vivaldi nieoczekiwanie przyjął zaproszenie do pracy jako kierownik kaplicy landgrafa w Mantui. Tutaj wystawiał swoje opery, organizował liczne koncerty dla kaplicy i dedykował hrabiemu kantatę. W Mantui poznał swoją byłą uczennicę, piosenkarkę Annę Giraud. Podjął się jego opracowania zdolności wokalne, udało mu się to, ale poważnie się tym zainteresował. Giraud stał się znany piosenkarz i śpiewał we wszystkich operach Vivaldiego.

W 1722 roku Vivaldi powrócił do Wenecji. W konserwatorium musi teraz komponować dwa koncerty instrumentalne miesięcznie i prowadzić 3-4 próby z uczniami, aby się ich nauczyć. W razie wyjazdu koncerty musiał wysyłać kurierem.

W tym samym roku stworzył Dwanaście koncertów, na które złożył się op. 8 - „Doświadczenie harmonii i fantazji”, w ramach którego odbędą się słynne „Pory roku” i kilka innych koncertów programowych. Została opublikowana w Amsterdamie w 1725 r. Koncerty szybko rozprzestrzeniły się po całej Europie, a Cztery Pory Roku zyskały ogromną popularność.

W tych latach intensywność twórczości Vivaldiego była wyjątkowa. Tylko na sezon 1726/27 stworzył osiem nowych oper, dziesiątki koncertów i sonat. Od 1735 roku rozpoczęła się owocna współpraca Vivaldiego z Carlo Goldonim, na którego libretto stworzył opery „Griselda”, „Aristide” i wiele innych. Odbiło się to także na muzyce kompozytora, w którego twórczości wyraźniej ujawniają się cechy opery buffa i elementy ludowe.

Niewiele wiadomo o wykonawcy Vivaldim. Jako skrzypek występował bardzo rzadko – jedynie w Konserwatorium, gdzie czasami wykonywał swoje koncerty, a czasami w operze, gdzie były solówki lub kadencje skrzypiec. Sądząc po zachowanych nagraniach niektórych jego kadencji, jego kompozycjach, a także po fragmentarycznych świadectwach współczesnych na temat jego gry, jakie do nas dotarły, był to wybitny skrzypek, mistrzowsko panujący na swoim instrumencie.

Jako kompozytor myślał jak skrzypek. Styl instrumentalny widać także w jego dziełach operowych i kompozycjach oratoryjnych. O tym, że był wybitnym skrzypkiem, świadczy także fakt, że wielu skrzypków w Europie starało się uczyć u niego. Cechy jego stylu wykonawczego z pewnością znajdują odzwierciedlenie w jego kompozycjach.

Twórcze dziedzictwo Vivaldiego jest ogromne. Opublikowano już ponad 530 jego prac. Napisał około 450 różnych koncertów, 80 sonat, około 100 symfonii, ponad 50 oper i ponad 60 dzieł duchowych. Wiele z nich zachowało się do dziś w rękopisach. Wydawnictwo Ricordi opublikowało 221 koncertów na skrzypce solo, 26 koncertów na 2-4 skrzypiec, 6 koncertów na viol d'amour, 11 koncertów wiolonczelowych, 30 sonat skrzypcowych, 19 sonat triowych, 9 sonat wiolonczelowych i innych utworów, w tym m.in. instrumenty dęte.

W każdym gatunku, którego dotknął geniusz Vivaldiego, otworzyły się nowe, niezbadane możliwości. Było to widoczne już w jego pierwszym dziele.

Dwanaście sonat triowych Vivaldiego zostało po raz pierwszy opublikowanych jako op. 1, w Wenecji w 1705 r., ale zostały skomponowane znacznie wcześniej; Prawdopodobnie w tym opusie znalazły się wybrane dzieła tego gatunku. Stylem zbliżone są do Corelliego, chociaż ujawniają też pewne cechy indywidualne. Co ciekawe, podobnie jak ma to miejsce w op. 5 Corelli, kolekcję Vivaldiego zamyka dziewiętnaście wariacji na temat popularnego wówczas tematu hiszpańskich folia. Na uwagę zasługuje odmienna (melodyczna i rytmiczna) prezentacja tematu u Corelliego i Vivaldiego (ten drugi jest bardziej rygorystyczny). W odróżnieniu od Corelliego, który zazwyczaj rozróżniał styl kameralny i kościelny, Vivaldi już w swoim pierwszym dziele dostarcza przykładów ich splotu i przenikania się.

Gatunkowo są to nadal raczej sonaty kameralne. W każdym z nich podkreślona zostaje partia pierwszych skrzypiec, nadając jej wirtuozowski, swobodniejszy charakter. Sonaty otwierają bujne preludia o powolnym, uroczystym charakterze, z wyjątkiem X Sonaty, która rozpoczyna się szybki taniec. Pozostałe części to prawie wszystkie gatunki. Oto osiem allemand, pięć jigów, sześć dzwonków, które zostały zinterpretowane instrumentalnie. Uroczystego gawota dworskiego używa na przykład pięciokrotnie jako szybki finał w Allegro i Presto tempie.

Forma sonat jest dość dowolna. Pierwsza część nadaje całości klimat psychologiczny, podobnie jak zrobił to Corelli. Jednak Vivaldi dalej rezygnuje z partii fugowej, polifonii i opracowania, na rzecz dynamiki ruch taneczny. Czasem wszystkie pozostałe części utworu przebiegają w niemal tym samym tempie, naruszając w ten sposób starożytną zasadę kontrastowania tempa.

Już w tych sonatach można wyczuć najbogatszą wyobraźnię Vivaldiego: brak powtórzeń tradycyjnych formuł, niewyczerpaną melodię, dążenie do wyeksponowania, charakterystyczne intonacje, które następnie zostaną rozwinięte przez samego Vivaldiego i innych autorów. Tym samym w „Porach roku” pojawi się początek Grobu drugiej sonaty. Melodia preludium jedenastej sonaty znajdzie odzwierciedlenie w temacie głównym Koncertu na dwoje skrzypiec Bacha. Charakterystyka Do tego dochodzi szerokie ruchy figuracji, powtarzalność intonacji, jakby utrwalająca w umyśle słuchacza główny materiał, oraz konsekwentna realizacja zasady sekwencyjnego rozwoju.

Siła i inwencja twórczego ducha Vivaldiego szczególnie wyraźnie ujawniła się w gatunku koncertowym. W tym gatunku powstała większość jego dzieł. Jednocześnie w dziedzictwie koncertowym Włoski mistrz utwory zapisane w formie Concerto Grosso oraz w formie koncert solowy. Ale nawet w tych jego koncertach, które oscylują w kierunku gatunku Concerto Grosso, wyraźnie daje się odczuć indywidualizację partii koncertowych: często nabierają one charakteru koncertowego i wtedy nie jest łatwo wytyczyć granicę pomiędzy Concerto Grosso a koncertem solowym. .

kompozytor skrzypiec Vivaldi

Szczegóły Kategoria: Europejska muzyka klasyczna XVII-XVIII w. Opublikowano 14.12.2018 18:21 Wyświetleń: 524

Twórczość Antonio Vivaldiego cieszy się popularnością na całym świecie. Ale nie zawsze tak było.

W ciągu życia (w pierwszym połowa XVIII c.) kompozytor był powszechnie znany, zasłynął jako twórca solówki koncert instrumentalny. Współcześni nazywali go „wielkim, niezrównanym, zachwycającym pisarzem”. Koncerty Vivaldiego posłużyły za wzór nawet dla takich kompozytorów jak J.S. Bach, P. Locatelli, D. Tartini, J.-M. Leclerca i innych. W epoce muzycznego baroku byli to m.in znane nazwiska. Bach zaaranżował nawet 6 koncertów skrzypcowych Vivaldiego na clavier, z 2 stworzył koncerty organowe i jeden przearanżował na 4 clavier – był tak podziwiany przez klarowność i harmonię harmonii, doskonałą technikę skrzypcową i melodię muzyki Vivaldiego.

Rzekomy portret Vivaldiego
Ale minęło trochę czasu i Vivaldi został prawie zapomniany. Jego prace przestają być wykonywane, szybko zapominają się nawet o cechach jego wyglądu: do dziś jego portrety uważa się jedynie za rzekomo należące do niego. I dopiero w połowie XX wieku. nagle pojawiło się zainteresowanie jego twórczością, w tym biografią, o której niewiele wiadomo. Jaki był powód tego ponownego zainteresowania? Podobno prawdziwa sztuka, nawet chwilowo zapomniana, nie może długo leżeć w ukryciu – złoto i tak będzie błyszczeć. Być może jednak Vivaldi po prostu wyprzedził swoją epokę i po jego śmierci współcześni nie mogli zaakceptować jego muzyki na jego poziomie. Austriacki naukowiec Walter Collender argumentował dokładnie tak: Vivaldi wyprzedził o kilkadziesiąt lat rozwój muzyki europejskiej w zakresie wykorzystania dynamiki i czystej techniki gra na skrzypcach. Tym samym dziś jego twórczość zyskała drugie życie.

Vanessa May, brytyjska skrzypaczka pochodzenia chińsko-tajskiego, po mistrzowsku wykonuje dzieła Vivaldiego w nowoczesnej aranżacji

Z biografii Antonio Vivaldiego

Dzieciństwo Vivaldi spędził w Wenecji, gdzie w katedrze św. Ojciec Marka pracował jako skrzypek. Antonio był najstarszym dzieckiem w rodzinie składającej się z 6 dzieci. Niewiele zachowało się szczegółów dotyczących dzieciństwa kompozytora, wiadomo jednak, że gry na skrzypcach uczył się od ojca. Następnie uczył się gry na klawesynie. Wiadomo również, że Antonio od dzieciństwa miał problemy ze zdrowiem i cierpiał na astmę oskrzelową. Ale mimo to Vivaldi był niezwykle aktywną osobą i muzykiem. Uwielbiał podróżować, był w ciągłej podróży, bez końca, ale jednocześnie udawało mu się reżyserować inscenizacje swoich oper, omawiać role ze śpiewakami, prowadzić obszerną korespondencję, dyrygować orkiestrami, uczyć, a co najważniejsze pisać ogromna ilość fabryka. W marcu 1703 Vivaldi przyjął święcenia kapłańskie – został księdzem. Ze względu na kolor włosów nazywany był „czerwonym mnichem”. Uważa się, że ze względu na stan zdrowia Vivaldi odprawił tylko kilka mszy i wkrótce z tego zrezygnował, choć nadal komponował muzykę sakralną.
We wrześniu 1703 roku Vivaldi rozpoczął pracę jako nauczyciel w weneckim domu charytatywnym dla sierot „Pio Ospedale delia Pieta”.

Konserwatorium „Pieta” w Wenecji

Schroniska dla dzieci (szpitale) przy kościołach nazywano wówczas oranżeriami. Tutaj uczył dziewczęta gry na skrzypcach i altówce miłosnej, a także nadzorował bezpieczeństwo instrumenty smyczkowe i zakup nowych skrzypiec. Koncerty jego podopiecznych cieszyły się dużym powodzeniem wśród oświeconej weneckiej publiczności. Słynny francuski podróżnik de Brosses pozostawił następujący opis weneckich oranżerii: „Muzyka panująca w tutejszych szpitalach jest doskonała. Jest ich cztery i są pełne nieślubnych dziewcząt, a także sierot lub tych, których rodzice nie są w stanie ich wychować. Wychowują się na koszt państwa i uczą się głównie muzyki. Śpiewają jak anioły, grają na skrzypcach, flecie, organach, oboju, wiolonczeli, fagocie; jednym słowem nie ma tak nieporęcznego instrumentu, który by ich przerażał. W każdym koncercie bierze udział 40 dziewcząt. Przysięgam, nie ma nic bardziej atrakcyjnego niż widok młodej i pięknej zakonnicy w białej szacie, z bukietami kwiatów granatu na uszach, wybijającej czas z całą gracją i precyzją.
Koncerty skrzypcowe Vivaldiego stały się szeroko znane w Europie Zachodniej, a zwłaszcza w Niemczech. Jak już powiedzieliśmy, J. S. Bach „dla przyjemności i nauki” osobiście aranżował koncerty skrzypcowe Vivaldiego na clavier i organy. W tych samych latach Vivaldi napisał swoje pierwsze opery „Ottone” (1713), „Orlando” (1714), „Nero” (1715). W Mantui w latach 1718-1720. pisze głównie opery na okres karnawału, a także utwory instrumentalne dla dworu książęcego.
W 1717 roku Vivaldi już był znany wykonawca, kompozytorem i nauczycielem, zostali niektórzy z jego uczniów znani muzycy, jedną z nich jest Anna Giraud.
W 1725 roku ukazało się jedno z najsłynniejszych dzieł kompozytora „Doświadczenie harmonii i inwencji” (op. 8). Zbiór składa się z 12 koncertów skrzypcowych. Pierwsze 4 koncerty zostały nazwane przez kompozytora „Wiosną”, „Latem”, „Jesienią” i „Zimą”. Później połączyli to w serię „Pory roku” (to nie jest nazwisko autora). Za najbardziej znane i wykonywane dzieła uważa się cztery koncerty skrzypcowe „Pory roku” z cyklu „Spór o harmonię z wynalazkiem”.
W 1740 roku, na krótko przed śmiercią, Vivaldi udał się do swojego ostatnia podróż do Wiednia, gdzie zmarł w domu wdowy po wiedeńskim rymatorze i został pochowany jako żebrak. Nieznana jest także dokładna data śmierci Vivaldiego – większość źródeł podaje rok 1743. A potem jego imię zostało zapomniane.

Muzyczne dziedzictwo Antonio Vivaldiego

Prawie 200 lat później włoski muzykolog A. Gentili odkrył unikalny zbiór rękopisów kompozytora, na który składało się 300 koncertów, 19 oper, sakralnych i świeckich dzieł wokalnych. Rozpoczęło się prawdziwe odrodzenie dawnej świetności Vivaldiego
W Rosji Vivaldi jest jednym z najbardziej ukochanych kompozytorów. Jest często wystawiany, a dorobek twórczy Vivaldiego jest ogromny: ponad 700 tytułów. Jest ich około 500, w tym 230 na skrzypce, ulubiony instrument kompozytora. Napisał także koncerty na altówkę miłosną, wiolonczelę, mandolinę, flety podłużne i poprzeczne, obój, fagot. Stworzył ponad 60 koncertów orkiestra smyczkowa i basso, sonaty na różne instrumenty i ponad 40 oper (zachowały się partytury tylko połowy z nich). Ponadto istnieje wiele dzieł wokalnych Vivaldiego: kantaty, oratoria, dzieła sakralne. Wiele utworów instrumentalnych Vivaldiego ma programowe napisy. Już za życia Vivaldi zasłynął jako wybitny znawca orkiestry, wynalazca wielu efektów kolorystycznych i wiele zrobił, aby rozwinąć technikę gry na skrzypcach.
Z pięciu rzekomych portretów wielkiego kompozytora za najbardziej wiarygodny uważa się najwcześniejszy, wykonany przez P. Ghezziego w 1723 roku.

PL Ghezzi „Czerwony ksiądz” (karykatura Vivaldiego, 1723)
Jego uczeń Pencherl tak kończy swój opis nauczyciela: „Tak nam się wydaje Vivaldi, gdy zestawimy wszystkie indywidualne informacje o nim: stworzony z kontrastów, słaby, chory, a jednak żywy jak proch, gotowy do zirytowania i natychmiastowy uspokój się, przejdź od ziemskiej próżności do zabobonnej pobożności, uparty, a jednocześnie uczynny, gdy trzeba, mistyk, ale gotowy zejść na ziemię, jeśli chodzi o jego interesy i wcale nie głupi w organizowaniu swoich spraw. ”
To samo można powiedzieć o jego muzyce: wysoka duchowość łączy się w niej z pragnieniem życiowych doświadczeń, haj miesza się z codziennością – śpiewem ptaków, pieśnią chłopów, szumem wiosennego potoku, szumem grzmot... Jego muzykę wyróżnia szczerość, świeżość, spontaniczność i szczególny liryzm. To właśnie od ponad 200 lat przyciąga do jego muzyki rzesze wykonawców i słuchaczy.

Dzieła wybitnego włoskiego kompozytora i skrzypka A. Corelli wywarł ogromny wpływ na europejską muzykę instrumentalną końca XVII – pierwszej połowy XVIII wieku, słusznie uważany jest za twórcę włoskiej szkoły skrzypcowej. Wielu najwybitniejszych kompozytorów następnej epoki, m.in. J. S. Bach i G. F. Handel, wysoko ceniło dzieła instrumentalne Corellego. Dał się poznać nie tylko jako kompozytor i wspaniały wykonawca skrzypiec, ale także pedagog (w szkole Corellich znajduje się cała plejada znakomitych mistrzów) i dyrygent (był liderem różnych zespołów instrumentalnych). Otworzyła się kreatywność Corellego i jego różnorodne działania nowa strona w historii muzyki i gatunków muzycznych.

Niewiele wiadomo o wczesnym życiu Corelliego. Pierwsze lekcje muzyki pobierał u księdza. Po zmianie kilku nauczycieli Corelli w końcu trafia do Bolonii. W tym mieście urodziło się wielu znakomitych kompozytorów włoskich, a jego pobyt w tym mieście najwyraźniej miał decydujący wpływ na dalsze losy młodego muzyka. W Bolonii Corelli studiował pod okiem słynnego nauczyciela G. Benvenutiego. O tym, że Corelli już w młodości osiągnął wybitne sukcesy na polu gry na skrzypcach, świadczy fakt, że w 1670 roku, w wieku 17 lat, został przyjęty do słynnej Akademii Bolońskiej. W latach 70. XVII w. Corelli przenosi się do Rzymu. Tutaj gra w różnych zespołach orkiestrowych i kameralnych, prowadzi niektóre zespoły, zostaje kapelmistrzem kościelnym. Z listów Corelliego wiadomo, że w 1679 roku wstąpił na służbę szwedzkiej królowej Krystyny. Będąc muzykiem orkiestrowym zajmuje się także kompozycją – komponowaniem sonat dla swojej patronki. Pierwsze dzieło Corellego (12 sonat tria kościelnego) ukazało się w 1681 r. W połowie lat osiemdziesiątych XVII wieku. Corelli wstąpił na służbę rzymskiego kardynała P. Ottoboniego, gdzie pozostał do końca życia. Po 1708 roku wycofał się z wystąpień publicznych i całą swoją energię skoncentrował na twórczości.

Dzieł Corellego jest stosunkowo niewiele: w 1685 r., po jego pierwszym opusie, jego trio kameralne sonaty op. 2, w 1689 - 12 sonat tria kościelnego op. 3, w 1694 – sonaty tria kameralnego op. 4, w 1700 r. – sonaty tria kameralnego op. 5. Wreszcie w 1714 r., po śmierci Corelliego, ukazało się w Amsterdamie jego Concerti Grossi op. 6. Te zbiory, a także kilka pojedynczych sztuk, stanowią dziedzictwo Corelliego. Jego kompozycje przeznaczone są na instrumenty smyczkowe (skrzypce, viola da gamba) z udziałem klawesynu lub organów jako instrumentów towarzyszących.

Twórczość Corelliego obejmuje 2 główne gatunki: sonaty i koncerty. To właśnie w twórczości Corelliego gatunek sonatowy ukształtował się w formie charakterystycznej dla epoki przedklasycznej. Sonaty Corelliego dzielą się na 2 grupy: kościelną i kameralną. Różnią się one zarówno kompozycją wykonawczą (w sonacie kościelnej towarzyszą organy, w sonacie kameralnej – klawesyn), jak i treścią (sonata kościelna wyróżnia się rygorem i głębią treści, kameralna zbliżona jest do suity tanecznej) ). Kompozycja instrumentalna, na którą skomponowano sonaty, obejmowała 2 głosy melodyczne (2 skrzypiec) i akompaniament (organy, klawesyn, viola da gamba). Dlatego nazywane są sonatami trio.

Wybitnym fenomenem w tym gatunku stały się także koncerty Corelliego. Gatunek Concerto Grosso istniał na długo przed Corellim. Był jednym z prekursorów muzyki symfonicznej. Ideą gatunku była swoista rywalizacja grupy instrumentów solowych (w koncertach Corelliego tę rolę pełni dwójka skrzypiec i wiolonczela) z orkiestrą: koncert został zatem skonstruowany jako naprzemienność solo i tutti. 12 koncertów Corelliego napisanych w ostatnie latażycie kompozytora stało się jedną z najjaśniejszych kart muzyki instrumentalnej początku XVIII wieku. Nadal są prawdopodobnie najpopularniejszym dziełem Corelliego.

Jeden z największych przedstawicieli epoki baroku A. Vivaldiego wszedł do historii kultury muzycznej jako twórca gatunku koncertów instrumentalnych, twórca orkiestrowej muzyki programowej. Dzieciństwo Vivaldiego wiąże się z Wenecją, gdzie jego ojciec pracował jako skrzypek w katedrze św. Marka. Rodzina miała 6 dzieci, z których Antonio był najstarszym. Nie zachowały się prawie żadne szczegóły dotyczące dzieciństwa kompozytora. Wiadomo tylko, że studiował grę na skrzypcach i klawesynie. 18 września 1693 Vivaldi przyjął tonsurę mnicha, a 23 marca 1703 roku przyjął święcenia kapłańskie. Jednocześnie młody człowiek nadal mieszkał w domu (prawdopodobnie z powodu poważnej choroby), co dało mu możliwość nierezygnowania ze studiów muzycznych. Vivaldi był nazywany „czerwonym mnichem” ze względu na kolor włosów. Uważa się, że już w tych latach nie był zbyt gorliwy w wykonywaniu swoich obowiązków duchownych. Wiele źródeł podaje historię (być może apokryficzną, ale odkrywczą) o tym, jak pewnego dnia podczas nabożeństwa „rudowłosy mnich” pośpiesznie odszedł od ołtarza, aby spisać temat fugi, który nagle przyszedł mu do głowy. W każdym razie stosunki Vivaldiego ze środowiskiem duchownym były nadal napięte i wkrótce on, powołując się na swój zły stan zdrowia, publicznie odmówił odprawiania Mszy św.

We wrześniu 1703 roku Vivaldi rozpoczął pracę jako nauczyciel (maestro di skrzypce) w weneckim sierocińcu charytatywnym „Pio Ospedale delia Pieta”. Do jego obowiązków należało nauczanie gry na skrzypcach i viol d'amore, a także nadzorowanie konserwacji instrumentów smyczkowych i zakup nowych skrzypiec. „Nabożeństwa” w „Piecie” (można je słusznie nazwać koncertami) były w centrum uwagi oświeconej weneckiej publiczności. Ze względów ekonomicznych Vivaldi został zwolniony w 1709 r., ale w latach 1711-16. przywrócony na to samo stanowisko, a od maja 1716 roku był już koncertmistrzem orkiestry Pieta. Jeszcze przed nową nominacją Vivaldi dał się poznać nie tylko jako pedagog, ale także kompozytor (głównie autor muzyki sakralnej). Równolegle z pracą w Piecie Vivaldi poszukiwał możliwości publikowania swoich dzieł świeckich. 12 sonat triowych op. 1 ukazały się w 1706 r.; w 1711 najsłynniejszy zbiór koncertów skrzypcowych „Inspiracja harmoniczna” op. 3; w 1714 r. – kolejny zbiór zatytułowany „Ekstrawagancja” op. 4. Koncerty skrzypcowe Vivaldiego szybko stały się szeroko znane w Europie Zachodniej, a zwłaszcza w Niemczech. I. Quantz, I. Matteson wykazywali się nimi wielkim zainteresowaniem, Wielki J. S. Bach „dla przyjemności i nauki” osobiście zaaranżował 9 koncertów skrzypcowych Vivaldiego na clavier i organy. W tych samych latach Vivaldi napisał swoje pierwsze opery „Ottone” (1713), „Orlando” (1714), „Nero” (1715). W latach 1718-20 mieszka w Mantui, gdzie pisze głównie opery na okres karnawału, a także utwory instrumentalne dla dworu książęcego w Mantui. W 1725 roku ukazało się jedno z najsłynniejszych dzieł kompozytora, opatrzone podtytułem „Doświadczenie harmonii i inwencji” (op. 8). Podobnie jak poprzednie, zbiór tworzą koncerty skrzypcowe (jest ich 12). Pierwsze 4 koncerty tego dzieła kompozytor nazwał odpowiednio „Wiosną”, „Latem”, „Jesienią” i „Zimą”. We współczesnej praktyce wykonawczej często łączy się je w cykl „Pory roku” (w oryginale takiego tytułu nie ma). Najwyraźniej Vivaldi nie był usatysfakcjonowany dochodami z wydawania swoich koncertów i w 1733 roku oznajmił pewnemu angielskiemu podróżnikowi E. Holdsworthowi zamiar odmowy dalszych publikacji, gdyż w przeciwieństwie do kopii drukowanych, kopie pisane ręcznie były droższe. Właściwie od tego czasu nie ukazało się żadne nowe oryginalne dzieło Vivaldiego.

Późne lata 20-30. często nazywane „latami podróży” (wcześniej do Wiednia i Pragi). W sierpniu 1735 Vivaldi powrócił na stanowisko dyrygenta orkiestry Pieta, jednak komitetowi zarządzającemu nie spodobała się pasja podróżnicza jego podwładnego i w 1738 roku kompozytor został zwolniony. Jednocześnie Vivaldi nadal intensywnie pracował w gatunku operowym (jednym z jego librecistów był słynny C. Goldoni), wolał jednak osobiście uczestniczyć w produkcji. Natomiast przedstawienia operowe Vivaldiego szczególny sukces nie miał, zwłaszcza po tym, jak kompozytor został pozbawiony możliwości pełnienia funkcji reżysera swoich oper w teatrze w Ferrarze ze względu na kardynalski zakaz wjazdu do miasta (kompozytor został oskarżony o romans z Anną Giraud, jego byłą uczennicą i odmowa „czerwonego mnicha” odprawiania mszy). W rezultacie premiera opery w Ferrarze zakończyła się fiaskiem.

W 1740 roku, na krótko przed śmiercią, Vivaldi wyruszył w swoją ostatnią podróż do Wiednia. Przyczyny jego nagłego odejścia nie są jasne. Zmarł w domu wdowy po wiedeńskim rymatorze Wallerze i został pochowany w biedzie. Wkrótce po jego śmierci nazwisko wybitnego mistrza zostało zapomniane. Prawie 200 lat później, w latach 20. XX w. XX wiek Włoski muzykolog A. Gentili odkrył unikalny zbiór rękopisów kompozytora (300 koncertów, 19 oper, sakralne i świeckie dzieła wokalne). Od tego momentu rozpoczyna się prawdziwe odrodzenie dawnej świetności Vivaldiego. Wydawnictwo muzyczne Ricordi rozpoczęło publikowanie wszystkich dzieł kompozytora w 1947 roku, a niedawno firma Philips zaczęła realizować równie ambitny plan – publikować w nagraniach „wszystko” Vivaldiego. W naszym kraju Vivaldi jest jednym z najczęściej wykonywanych i najbardziej lubianych kompozytorów. Twórcze dziedzictwo Vivaldiego jest wspaniałe. Według miarodajnego katalogu tematyczno-systemowego Petera Rioma (oznaczenie międzynarodowe - RV) obejmuje on ponad 700 tytułów. Główne miejsce w twórczości Vivaldiego zajmował koncert instrumentalny (w sumie zachowało się około 500). Ulubionym instrumentem kompozytora były skrzypce (około 230 koncertów). Ponadto napisał koncerty na dwoje, troje i czworo skrzypiec z orkiestrą i basso, kontynuuje koncerty na violę d'amore, wiolonczelę, mandolinę, flet podłużny i poprzeczny, obój, fagot. W dalszym ciągu odbywa się ponad 60 koncertów na orkiestrę smyczkową i basso, sonaty na różne instrumenty. Z ponad 40 oper (autorstwo Vivaldiego zostało dokładnie ustalone) zachowało się jedynie kilkadziesiąt z nich. Mniej popularne (ale nie mniej interesujące) są jego liczne dzieła wokalne - kantaty, oratoria, dzieła na tekstach duchowych (psalmy, litanie, „Gloria” itp.).

Wiele utworów instrumentalnych Vivaldiego ma programowe napisy. Niektóre z nich nawiązują do pierwszego wykonawcy (koncert Carbonelli, RV 366), inne do festiwalu, podczas którego ten lub inny utwór został wykonany po raz pierwszy („Na święto św. Wawrzyńca”, RV 286). Szereg podtytułów wskazuje na nietypowy szczegół techniki wykonawczej (w koncercie zatytułowanym „L’ottavina”, RV 763 wszystkie skrzypce solowe muszą grać w górnej oktawie). Najbardziej typowymi tytułami są te, które charakteryzują panujący nastrój – „Odpoczynek”, „Niepokój”, „Podejrzenie” czy „Inspiracja harmoniczna”, „Cytra” (dwa ostatnie to nazwy zbiorów koncertów skrzypcowych). Jednocześnie nawet w tych utworach, których tytuły zdają się wskazywać na zewnętrzne momenty obrazowe („Burza na morzu”, „Szczygieł”, „Polowanie” itp.), Dla kompozytora zawsze najważniejsze pozostaje przeniesienie ogólnego lirycznego charakteru nastrój. Partytura „Pory roku” zaopatrzona jest w stosunkowo rozbudowany program. Już za życia Vivaldi zasłynął jako wybitny znawca orkiestry, wynalazca wielu efektów kolorystycznych i wiele zrobił, aby rozwinąć technikę gry na skrzypcach.

Giuseppe Tartiniego należy do luminarzy włoskiej szkoły skrzypcowej XVIII wieku, której sztuka do dziś zachowała swoje artystyczne znaczenie. D. Ojstrach

Wybitny włoski kompozytor, pedagog, wirtuoz skrzypka i teoretyk muzyki G. Tartini zajmował jedno z najważniejszych miejsc w kulturze skrzypcowej Włoch pierwszej połowy XVIII wieku. W swojej sztuce łączył tradycje wywodzące się od A. Corelliego, A. Vivaldiego, F. Veraciniego i innych wielkich poprzedników i współczesnych.

Tartini urodził się w rodzinie należącej do klasy szlacheckiej. Rodzice chcieli, aby ich syn został duchownym. Dlatego też uczył się najpierw w szkole parafialnej w Pirano, a następnie na Capo d'Istria, gdzie Tartini zaczął grać na skrzypcach.

Życie muzyka dzieli się na 2 ostro przeciwstawne okresy. Zmienna, niepowściągliwa w charakterze, szukająca niebezpieczeństwa – taki właśnie jest nastoletnie lata. Samowola Tartiniego zmusiła jego rodziców do porzucenia pomysłu wysłania syna na duchową ścieżkę. Wyjeżdża do Padwy, aby studiować prawo. Ale Tartini woli od nich szermierkę, marząc o zostaniu mistrzem szermierki. Równolegle z szermierką w dalszym ciągu coraz bardziej świadomie zajmuje się muzyką.

Potajemne małżeństwo ze swoją uczennicą, siostrzenicą wybitnego duchownego, radykalnie zmieniło wszystkie plany Tartiniego. Małżeństwo wywołało oburzenie arystokratycznych krewnych jego żony; Tartini był prześladowany przez kardynała Cornaro i zmuszony do ukrywania się. Jego schronieniem był klasztor Minorytów w Asyżu.

Od tego momentu rozpoczął się drugi okres życia Tartiniego. Klasztor nie tylko zapewniał schronienie młodemu rabusiowi, ale stał się jego schronieniem na lata wygnania. Moralne i duchowe odrodzenie Tartiniego, tu rozpoczął się jego prawdziwy rozwój jako kompozytora. W klasztorze studiował teorię muzyki i kompozycję pod kierunkiem czeskiego kompozytora i teoretyka B. Czernogorskiego; Samodzielnie ćwiczył grę na skrzypcach, osiągając prawdziwą doskonałość w opanowaniu instrumentu, która według współczesnych przewyższała nawet grę słynnego Corelliego.

Tartini przebywał w klasztorze przez 2 lata, następnie przez kolejne 2 lata grał w operze w Ankonie. Tam muzyk poznał Veraciniego, który wywarł znaczący wpływ na jego twórczość.

Wygnanie Tartiniego zakończyło się w 1716 roku. Od tego czasu aż do końca życia, z wyjątkiem krótkich przerw, mieszkał w Padwie, prowadząc orkiestrę kaplicy w bazylice św. Antoniego i występując jako skrzypek w różnych miastach Włoch. W 1723 roku Tartini otrzymał zaproszenie do Pragi, aby wziąć udział w uroczystościach muzycznych z okazji koronacji Karola VI. Wizyta ta trwała jednak do 1726 r.: Tartini przyjął propozycję objęcia stanowiska kameralisty w praskiej kaplicy hrabiego F. Kinskiego.

Po powrocie do Padwy (1727) kompozytor zorganizował tam akademię muzyczną, poświęcając wiele energii dydaktyce. Współcześni nazywali go „nauczycielem narodów”. Wśród uczniów Tartiniego są tak wybitni skrzypkowie XVIII wieku, jak P. Nardini, G. Pugnani, D. Ferrari, I. Naumann, P. Lausset, F. Rust i inni.

Wkład muzyka w dalszy rozwój sztuki gry na skrzypcach był ogromny. Zmienił konstrukcję łuku, wydłużając go. Własne umiejętności Tartiniego w zakresie smyczkowania i jego niezwykły śpiew na skrzypcach zaczęto uważać za wzorowe. Kompozytor stworzył ogromną liczbę dzieł. Należą do nich liczne sonaty triowe, około 125 koncertów, 175 sonat na skrzypce i talerze. Ta ostatnia doczekała się dalszego rozwoju gatunkowego i stylistycznego w twórczości Tartiniego.

Żywa wyobraźnia kompozytora przejawiała się w chęci nadania swoim utworom programowych napisów. Szczególną sławę zyskały sonaty „Opuszczona Dydona” i „Diabelski tryl”. Ostatni wybitny rosyjski krytyk muzyczny W. Odojewski uważał początek nowej ery w sztuce skrzypcowej. Obok tych dzieł ogromne znaczenie ma monumentalny cykl „Sztuka łuku”. Składający się z 50 wariacji na temat gawota Corellego stanowi unikalny zestaw technik technicznych, który ma nie tylko znaczenie pedagogiczne, ale także dużą wartość artystyczną. Tartini był jednym z dociekliwych muzyków-myślicieli XVIII wieku; jego poglądy teoretyczne wyrażały się nie tylko w różnych traktatach muzycznych, ale także w korespondencji z czołowymi muzykami tamtych czasów, stanowiąc najcenniejsze dokumenty swojej epoki.

20. Przydatność jako zasada myślenia muzycznego w muzyce XVII-XVIII wieku. Struktura pakietu klasycznego. (Weź dowolny zestaw i zdemontuj go) ; (Przeczytaj pracę Jaworskiego).

Apartament (apartament francuski, „sekwencja”). Nazwa sugeruje sekwencję utworów instrumentalnych (tańców stylizowanych) lub fragmentów instrumentalnych z opery, baletu, muzyki dramatycznej itp.

Unikalny styl Vivaldiego zrewolucjonizował europejski świat muzyczny początku XVIII wieku. Ten genialny Włoch sprawił, że w całej Europie zaczęto mówić o „wspaniałej muzyce włoskiej”.

Antonio Vivaldi urodził się 4 marca 1678 roku w Wenecji. Jego ojciec Giovanni Battista (nazywany „Rudym” ze względu na ognisty kolor włosów), syn piekarza z Brescii, przeniósł się do Wenecji około 1670 roku. Tam przez jakiś czas pracował jako piekarz, a następnie opanował zawód fryzjera. W wolnym czasie od pracy na chleb Giovanni Battista grał na skrzypcach. I okazał się tak utalentowanym muzykiem, że tak

W 1685 roku słynny Giovanni Legrenzi, dyrygent katedry św. Marka, przyjął go do swojej orkiestry.

Urodził się pierwszy i najsłynniejszy z sześciorga dzieci Giovanniego Battisty Vivaldiego i Camilli Calicchio, Antonio Lucio przed terminem z powodu nagłego trzęsienia ziemi. Rodzice chłopca uznali narodziny nowego życia w tak dziwnych okolicznościach za znak z góry i zdecydowali, że Antonio powinien zostać księdzem.

Kiedy przyszły wielki kompozytor miał 15 lat, ogolono mu tonsurę (symbol korony cierniowej), a 23 marca 1703 roku dwudziestopięcioletni Antonio Vivaldi przyjął święcenia kapłańskie. Nie odczuwał jednak szczerej chęci bycia księdzem i wkrótce przestał odprawiać msze św. Chociaż, jak zeznaje Carlo Goldoni, Vivaldi czytał jego modlitewnik codziennie przez całe życie.

Po ojcu Antonio odziedziczył nie tylko kolor włosów (dość rzadki wśród Włochów), ale także poważną miłość do muzyki, zwłaszcza gry na skrzypcach. Sam Giovanni Battista udzielił synowi pierwszych lekcji i sprowadził go na swoje miejsce w orkiestrze katedry św. Marka. Antonio studiował kompozycję i nauczył się grać na klawesynie i flecie. We wrześniu 1703 roku Vivaldi rozpoczął naukę muzyki w sierocińcu dla dziewcząt Ospe Dale della Pietà.

Schronisko „Ospedale della Pietà” (dosłownie „szpital współczucia”) istniało od 1348 roku i zawsze słynęło z wszechstronnego (w tym muzycznego) wykształcenia, jakie otrzymywali jego podopieczni.

F. Guardi. Widok na most Rialto z Canal Grande. XVIII wiek.

Vivaldi był związany z tą instytucją niemal przez całe swoje życie. Trzeba też powiedzieć, że działalność pedagogiczna kompozytora nie ograniczała się do pracy w roli „maestro di skrzypce”, czyli nauczyciela gry na skrzypcach. Vivaldi udzielał prywatnych lekcji śpiewakom i uczył ich gry na altówce. Ponadto dyrygował orkiestrą na próbach i koncertach pod nieobecność głównego dyrygenta. I niestrudzenie pisał muzykę.

Pierwsze publikacje

W 1705 roku wenecki wydawca Giuseppe Sala opublikował pierwszy zbiór sonat na trzy instrumenty (dwoje skrzypiec i bas) Antonio Vivaldiego. Kolejna „porcja” sonat skrzypcowych Vivaldiego została opublikowana cztery lata później przez Antonio Bortoli.

Wkrótce dzieła „czerwonego księdza” (jak nazwali Vivaldiego Młodszego ci sami weneccy żartownisie, którzy nadali mu przydomek

„Czerwony” do ojca) zyskał niezwykłą popularność.

W ciągu zaledwie kilku lat Antonio Vivaldi stał się najsłynniejszym kompozytorem skrzypcowym w Europie. O jego sławie i niesamowitym sukcesie świadczy następujący fakt: w latach 1711-1729. W Amsterdamie ukazało się dwanaście zbiorów muzyki instrumentalnej Vivaldiego, m.in. Ligo archoso („Harmonic Inspiration”), La piçaranga („Kaprysy”) i II skhyanno oeP”archosha e oeP”tueshupe („Doświadczenie harmonii i fantazji”) – a utwór, w którym znajduje się słynny Le quattro 81a§yush („Cztery pory roku” lub po prostu „Pory roku”). Następnie dzieła Vivaldiego ukazały się w

Londyn i Paryż – ówczesne centra wydawnicze Europy.

Świecki kompozytor

W 1713 roku w Vicenzy Vivaldi zaprezentował publiczności swoją pierwszą operę.

U góry: Antonio Vivaldi. Karykatura autorstwa P. L. Ghezziego. 1723

U dołu: G. Bella. Święto Wniebowstąpienia na Placu Świętego Marka w Wenecji.

Chronologia życia

1693 Otrzymuje tonsurę.

1703 Przyjmuje święcenia kapłańskie. Wstępuje do Ospedale della Pietà jako nauczyciel gry na skrzypcach i kompozytor.

1711 Amsterdamski wydawca E. Roger publikuje pierwszy koncert Vivaldiego z cyklu C^go armonico. Nazwisko kompozytora staje się powszechnie znane.

1713 Vivaldi debiutuje w Vicenzy jako kompozytor operowy (operą „Dyscyplina w willi”).

1718 Przenosi się do Mantui i rozpoczyna służbę u księcia Filipa.

1720 Powrót do Wenecji.

1727 Publikacja II Ytpepkz sSeN”ag-gtyusha e sSeSht/enEyupe, zawierająca słynne „Cztery pory roku”.

1730-38 Vivaldi dużo podróżuje po Europie, dyrygując swoimi dziełami.

1740 Ostatecznie opuszcza Ospedale della Pietà i wyjeżdża do Wiednia.

1741 Nagła choroba i śmierć kompozytora.

Po jego śmierci o Vivaldim niemal zapomniano. Jego twórcze dziedzictwo zostało tak naprawdę odkryte w XX wieku. Spośród 450 znanych nam dzisiaj koncertów zaledwie około 80 ujrzało światło dzienne za życia kompozytora.

Ogromna liczba dzieł Vivaldiego, które przetrwały do nas w rękopisach, obejmuje nie tylko koncerty instrumentalne (na skrzypce, wiolonczelę, flet, róg, obój, mandolinę, róg itp.), Ale także sonaty, kantaty i 48 oper.

„Ucieczka do willi”. W ciągu następnych pięciu lat opublikował pięć kolejnych oper, które podbiły największe teatry weneckie. Vivaldi szybko przekształcił się z zupełnie skromnego „rudowłosego księdza” w genialnego świeckiego kompozytora.

Na początku 1718 roku otrzymał zaproszenie do pełnienia funkcji dyrygenta na dworze w Mantui. Kompozytor przebywał tu do roku 1720, czyli do śmierci żony swojego pracodawcy, księcia Filipa. I tu, w Mantui, Vivaldi poznał śpiewaczkę Annę Giraud, właścicielkę pięknego kontraltu. Początkowo była jego uczennicą, potem główną wykonawczynią jego oper, aż w końcu, ku oburzeniu wszystkich, została jego kochanką.

Po powrocie do Wenecji Vivaldi całkowicie poświęcił się działalności teatralnej. Próbował swoich sił zarówno jako autor, jak i impresario. W latach 1720-1730 Vivaldi jest znany w całych Włoszech. Jego sława osiągnęła takie rozmiary, że został nawet zaproszony na koncert przed samym papieżem.

Można odnieść wrażenie, że Vivaldi był w ciągłym ruchu i swoje niezmiennie utalentowane dzieła pisał gdzieś w drodze z Werony do Mantui. Nie był jednak obciążony koczowniczym życiem i zawsze był wyluzowany. I tak w 1738 roku kompozytor przybył do Amsterdamu jedynie, aby dyrygować orkiestrą podczas obchodów stulecia teatru, a rok później udał się z Anną Giraud do Grazu, gdzie śpiewak otrzymał zaręczyny na cały sezon.

Wiedeński zachód słońca

W 1740 roku Vivaldi ostatecznie porzucił pracę w Ospedale della Pietà i udał się do Wiednia, na dwór cesarza Karola VI, swego wieloletniego i, co ważne, potężnego wielbiciela.

Wybitne prace

Cykle koncertowe:

L "estro armonico op. 3 La stravaganza op. 4 II cimento dell"armonia e dell"inven-

zion op. 8 La cetra op. 9

Sześć koncertów na flet

i sznurek op. 10 Sześć koncertów skrzypcowych

i sznurek op. 11 Sześć koncertów skrzypcowych

i sznurek op. 12

Utwory na orkiestrę:

Al Santo Sepolcro RV 169 Koncert madrigalesco RV 129

Solowe koncerty instrumentalne:

La pastorella na flet RV 95 II sospetto na skrzypce RV 199 L"inquietudine na skrzypce RV 234 II ritiro na skrzypce RV 256 L"amoroso na skrzypce RV 271 II rosignuolo na skrzypce RV 335 L"ottavina na skrzypce RV 763 II Carbonelli na skrzypce RV 366 Koncert na mandolinę RV425 Koncert na obój RV 447 La notte na fagot RV 501

Koncerty podwójne:

Koncert na dwie mandoliny RV 532 Koncert na dwie trąbki RV 537 Koncert na dwa oboje

i dwa klarnety RV 559 Koncert pogrzebowy RV 579

Muzyka sakralna:

Gloria (dla solistów)

instrumenty, chór i orkiestra)

RV589 Judyta triumfująca

(na instrumenty solowe,

chór i orkiestra) RV 644

Otto w Willi RV 729 Prawda w teście RV 739

Ale niestety różowe plany wielkiego kompozytora nie miały się spełnić. Po przybyciu do Wiednia nie zastał już monarchy żywego. Ponadto w tym czasie popularność Vivaldiego zaczęła spadać. Zmieniły się preferencje publiczności, a muzyka barokowa szybko znalazła się na peryferiach mody.

Sześćdziesięciotrzyletni muzyk, który nigdy nie cieszył się dobrym zdrowiem, nie mógł się otrząsnąć po ciosach losu i zapadł na nieznaną chorobę.

Vivaldi zmarł 28 lipca 1741 roku w Wiedniu z powodu „wewnętrznego zapalenia” (jak zapisano w protokole pogrzebowym), w ramionach swojej uczennicy i przyjaciółki Anny Giraud. Pogrzeb P. Longhiego. Koncert. były skromne: zabrzmiało tylko kilka dzwonów, a procesja składała się wyłącznie z osób wynajętych do niesienia trumny.

Dotarły do nas świadectwa współczesnych na temat śmierci Vivaldiego. Jednym z nich jest: „Ojciec Don Antonio

Vivaldi, niezrównany skrzypek, nazywany „czerwonym księdzem”, niezwykle ceniony za swoje koncerty i inne kompozycje, zarobił za życia 50 tysięcy dukatów, ale z powodu niezmierzonej ekstrawagancji zmarł w Wiedniu w biedzie”.

Cztery pory roku

Vivaldi napisał swoje cztery słynne koncerty na skrzypce, smyczki i bas continuo, zawarte w cyklu II seto with!eІІ"agggupia e Seii"ipunegiope (wydanym w 1722 roku w Amsterdamie), inspirowane czterema sonetami nieznanego poety, nazwanymi od pór roku .

Energiczne Allegro, którym rozpoczyna się „Wiosna”, ilustruje następujące wersety odpowiedniego sonetu: „Wiosna nadeszła, ptaki witają ją radosnym śpiewem, a rzeki niosą swoje wody, cicho szemrząc. Chmury pokrywają niebo czarnym płaszczem, grzmoty i błyskawice zwiastują burzę, ale wkrótce ptaki, jakby ją zatrzymując, znów rozpoczynają swoją czarującą pieśń.

Część druga – Largo – urzeka obrazem sielskim („A potem na kwitnącej łące, w słodkim szelescie liści i traw śpi pasterz, a u jego stóp wierny pies”), a finałowe Allegro przypomina szybki taniec wiejski („Nimfy tańczą przy radosnych dźwiękach dud, tańczy pasterz, a nad nimi czyste niebo wiosny nabiera siły”).

N. Poussin. Pory roku: Wiosna lub Ziemski Raj.

N. Poussin. Pory roku: Jesień, czyli Ziemia Obiecana.

Allegro non molto, pierwsza część „Lata”, maluje obraz upalnego dnia i nadciągającej burzy: „Pod okrutnymi promieniami palącego słońca człowiek słabnie, stado się rozprasza. Kukułka pieje, turkawka śpiewa, wieje lekki wietrzyk... i pasterz płacze, bo boi się okrutnego Boreasa i jego losu.” Adagio również przepełnione jest atmosferą oczekiwania: „Strach przed błyskawicą i silnym grzmotem, a także wściekłe brzęczenie much i komarów nie dają spokoju zmęczonym”. W końcu w Presto rozpętała się burza: „Ach, niestety, nie na próżno się bał: groźne niebo dudni, błyszczy, deszcz uderza, a trawa na polach ugina się”.

Adagio molto przedstawia „pijany sen” mieszkańców wioski: „Powietrze jest tak uspokajające, że wszyscy przestają śpiewać i tańczyć… Jesień przynosi słodkie sny”. A w finałowym Allegro słychać już echa polowań: „O świcie wychodzi myśliwy z rogiem i psami. Dzikie zwierzę boi się huku wystrzałów i szczekania psów, jest zmęczone, wyczerpane bieganiem i upolowane umiera”.

Najbardziej wyrazisty jest ostatni koncert cyklu „Zima”. Allegro non molto ukazuje słuchaczowi samotnego podróżnika – „W lodowatym dreszczu, wśród zimnego śniegu, niesiony silnym wiatrem, błąka się, szczękając zębami z zimna”. W Largo pojawia się ciepło rozgrzewającego się paleniska; Ta część przywołuje na myśl, jak miło jest „spędzać spokojne, słodkie dni przy kominku, gdy deszcz za oknem zalewa cały świat”. Ale spokój i wygoda w domu nie trwają wiecznie. Głównymi bohaterami Allegro są lód i wiatr. Szybkie pasaże skrzypiec solowych w dramatyczny sposób zamykają koncert i cały cykl: „Ludzie chodzą powoli po lodzie, bojąc się upadku, stąpając ostrożnie. Poślizgują się, upadają, wstają i znowu idą... Zza żelaznych drzwi wieje gwałtowny sirocco. To jest zima.”

Koncerty na instrumenty dęte

Przed Vivaldim instrumenty dęte uznawano za prymitywne, „niewdzięczne” kompozytorowi. Genialny „czerwony ksiądz” udowodnił, że tak nie jest.

Vivaldi jako jeden z pierwszych zwrócił się ku komponowaniu poważnej muzyki na instrumenty dęte. Obój, róg, trąbka i flet zabrzmiały na jego koncertach w zupełnie nowy sposób – tak pełnie i harmonijnie, jak nikt się nie mógł spodziewać. Vivaldi swój Koncert na dwie trąbki (wydany w 1729 r. w Amsterdamie) napisał najprawdopodobniej na prośbę dwóch trębaczy, którzy chcieli udowodnić publiczności, że na trąbce można znakomicie wykonać świetną muzykę. Ten koncert naprawdę wymaga od wykonawcy niezwykłych umiejętności. Swoją drogą to wciąż swego rodzaju miara wirtuozerii trębacza.

Vivaldi napisał także wiele na fagot – zachowało się ponad trzydzieści koncertów na sam fagot i orkiestrę. Ponadto kompozytor wykorzystywał go w niemal wszystkich koncertach kameralnych.

Ale wśród instrumentów dętych Vivaldi najbardziej preferował flet - delikatny, „kobiecy” flet, jak go nazywali. Posiadając niewyczerpaną wyobraźnię twórczą, kompozytor wyznaczał flecie w swoich kompozycjach właśnie te partie, w których mógł on zabrzmieć pełnym głosem i wykazać wszystkie swoje walory.

Szczególnie wyraźnie widać to w dwóch koncertach na flet i orkiestrę, wydanych w Amsterdamie w 1728 roku. W pierwszej części koncertu II dags!eshpo („Szczygieł”) flet, rozbrzmiewając echem orkiestry, zaskakująco trafnie naśladuje tryle szczygła, a w koncercie 1_apope („Noc”) wprowadza słuchacza w niepewny , mglisty świat snów.

F. Guardi. Tańczące panie w Casino dei Filarmonici.

Mocną stroną Vivaldiego są koncerty na skrzypce i orkiestrę. Zadziwiali i urzekali swoich współczesnych. Niektórzy widzieli w nich przejaw Boskości, inni – diabelski urok.

Nie będzie wielką przesadą stwierdzenie, że to Vivaldi stworzył gatunek koncertów. Oczywiście istniała już przed nim, ale to w jego twórczości została uformowana w gotową formę, z której później czerpało wzorce niejedne pokolenie kompozytorów europejskich. „Znak marki”

Na początku koncertu Vivaldi miał trzy akordy orkiestrowe. Wnikliwa wenecka publiczność nazwała je „uderzeniami młota Vivaldiego”.

Cykl 1_"evp-o aggtyupyuo (Inspiracja harmoniczna), wydawany w latach 1711-1717 w Amsterdamie, jest jednym z najsłynniejszych cykli koncertowych w spuściźnie Vivaldiego. Dwanaście koncertów z tego cyklu stało się powszechnie znane jeszcze przed drukiem. wydanie I_"evp-o agtopiso nazwisko kompozytora stało się sławne w całej Europie. Sam J. S. Bach dokonał transkrypcji na klawesyn dla kilku koncertów.

Cykl zawiera cztery koncerty na czworo skrzypiec solo, cztery na dwoje i cztery na jedno. Nawiasem mówiąc, później Vivaldi nie pisał już (z jednym wyjątkiem) koncertów na czworo skrzypiec solo.

Pierwsi słuchacze „Harmonic Inspiration” przeżyli zachwyt i zdumienie. Zachwytu i zdumienia wciąż doświadczają ci, którzy po raz pierwszy słyszą І_ „еigo агtopіso. Już za naszych czasów badacz pisał o tym cyklu: „Wydaje się, że w luksusowej sali epoki baroku otwierały się okna i drzwi, a wolna natura wkroczyła na powitanie; muzyka brzmi dumnym, majestatycznym patosem, jeszcze nieznajomym XVII wiek: krzyk obywatela świata.”

A. Visentiniego. Koncert w małym pałacyku (fragment).

Antonio Luciano Vivaldi to włoski kompozytor, dyrygent, pedagog, wirtuoz skrzypiec, autor 500 koncertów na instrumenty solowe i orkiestrę, 90 oper, geniusz, którego dzieła zapomniano na 200 lat.

Antonio urodził się 4 marca 1678 roku w Wenecji w rodzinie fryzjera i muzyka Giovanniego Battisty Vivaldiego i jego żony Camilli. Giovanni pochodził z Brescii i w wieku 10 lat osiedlił się z matką w Wenecji. W tamtych czasach fryzjerzy golili, strzygli, kręcili i namaszczali swoich klientów, a także zabawiali ich muzyką.

Vivaldi Senior łączył fryzjerstwo z grą na skrzypcach. Giovanni został skrzypkiem w kaplicy katedry św. Marka, a jego nazwisko również znajduje się na liście założycieli towarzystwo muzyczne i nawet dalej strona tytułowa jedna opera z 1689 r.

Dyrektorem wspomnianego towarzystwa był kompozytor i autor oper Giovanni Legrenzi. Na podstawie tych faktów autorzy biografii Vivaldiego doszli do wniosku, że kompozytor swój talent i pierwsze kroki na polu muzycznym zawdzięcza ojcu, który zaszczepił w synu miłość do skrzypiec i przekazał własne umiejętności, doskonałą intonację i mistrzostwo gry. Istnieje również wersja, którą młody Antonio studiował u Giovanniego Legrenziego.

Okoliczności narodzin Vivaldiego Jr. pozwoliły się tego dowiedzieć dokładna data jego narodziny. Faktem jest, że chłopiec urodził się przedwcześnie, w siódmym miesiącu. Położna, która urodziła dziecko, poradziła, aby w przypadku nagłej śmierci dziecko zostało natychmiast ochrzczone. Kilka godzin po urodzeniu dziecko było już ochrzczone, o czym świadczy wpis w księdze kościelnej.

Kościół św. Jana w Bragor, w którym w 1678 r. ochrzczono Antonio Vivaldiego

Według legendy tego dnia w Wenecji miało miejsce trzęsienie ziemi i dziecko urodziło się przedwcześnie. Camilla rzekomo ślubowała, że jeśli przeżyje, odda syna duchowieństwu. Co zaskakujące, Antonio przeżył, chociaż miał słabe zdrowie i niewielką budowę ciała.

Ze względu na astmę chłopiec miał trudności z poruszaniem się, zakazano także gry na instrumentach dętych. Jednak ukochane od dzieciństwa skrzypce były do całkowitej dyspozycji przyszłego mistrza i od 10 roku życia Antonio zastąpił ojca, grając w kaplicy św. Marka.

Od 13 roku życia Vivaldi Jr. pełnił funkcję „bramkarza” w katedrze, otwierając bramy świątyni. Następnie miało miejsce kilka kolejnych inicjacji młodego duchownego Kościoła na wyższe stanowiska. Antonio tylko raz odprawiał Mszę św.; ze względu na zły stan zdrowia otrzymał ulgę i młody człowiek miał okazję poświęcić się muzyce.

W tamtych czasach weneccy księża łączyli pisanie koncertów i muzyki sakralnej ze służbą Bogu. Uważano to za coś tak naturalnego, jak posiadanie instrumenty muzyczne w każdym salonie fryzjerskim. W XVII wieku Republika Wenecka była jednym z najbardziej oświeconych i kulturalnych krajów świata, a w dziedzinie muzyki operowej, świeckiej i sakralnej nadawała ton reszcie Europy.

Muzyka

W wieku 25 lat Vivaldi rozpoczął naukę gry na skrzypcach w Ospedale della Pietà w Wenecji. Konserwatoria nazywano wówczas szkołami schroniskowymi przy klasztorach, w których kształciły się sieroty i dzieci, których rodzice nie byli w stanie ich zapewnić. Szkoły te finansowane były ze środków republiki.

Schroniska dla dziewcząt o specjalności humanistycznej, szczególną uwagę poświęcano się śpiewowi, muzyce oraz wykonywaniu duchowych melodii, psalmów i hymnów. Chłopców, którzy kształcili się na kupców i rzemieślników, uczono nauk ścisłych.

Antonio Vivaldi został mistrzem gry na skrzypcach dla młodych wychowanków sierocińca, a następnie nauczycielem gry na altówce. Do jego obowiązków należało miesięczne pisanie koncertów, kantat, utworów wokalnych na solistów i chór, a także tworzenie nowych oratoriów i koncertów na każde święto kościelne. Ponadto nauczycielka osobiście uczyła sieroty muzyki, gry na instrumentach i śpiewu, ćwiczyła i doskonaliła umiejętności dziewcząt.

Vivaldi pracował w Pietà od 1703 do 1740, nie licząc ośmioletniej przerwy od 1715 do 1723, a od 1713 został dyrektorem konserwatorium. Przez te wszystkie lata kompozytor pracował niestrudzenie, dla samego schroniska napisał ponad 60 utworów, w tym kantaty, koncerty solowe, chóralne i orkiestrowe.

W latach 1705 i 1709 wydawnictwa weneckie opublikowały dwa opusy Vivaldiego składające się z 12 sonat, a w 1711 - 12 koncertów pod tytułem „Inspiracja harmoniczna”. W tych samych latach młodego i utalentowanego kompozytora po raz pierwszy usłyszano poza granicami Włoch. W 1706 roku Vivaldi wystąpił w ambasadzie francuskiej, a trzy lata później jego oratorium usłyszał król duński Fryderyk IV, któremu Antonio zadedykował później 12 sonat.

W 1712 roku muzyk spotkał się Niemiecki kompozytor Gottfried Stölzel, a pięć lat później Vivaldi przeniósł się do Mantui na trzy lata na zaproszenie księcia Hesji-Darmstadt Filipa.

Od 1713 roku kompozytor zainteresował się nową formą sztuka muzyczna- opera świecka. Pierwszą operą napisaną przez Vivaldiego była Ottone w willi. Utalentowany młody człowiek został dostrzeżony przez impresariów i mecenasów sztuki i wkrótce Antonio otrzymał od właściciela Teatru San Angelo zamówienie na nową operę.

Według kompozytora w latach 1713–1737 napisał 94 opery, ale do dziś przetrwało jedynie 50 partytur z potwierdzonym autorstwem wielkiego Vivaldiego. Autor oper odniósł oszałamiający sukces, ale świecka sława Vivaldiego była krótkotrwała. Wyrafinowana muzycznie wenecka publiczność szybko znalazła nowych idoli, a opery Antonio wyszły z mody.

W 1721 roku mistrz odwiedził Mediolan, gdzie wystawił dramat Sylwia, a rok później powrócił z oratorium o tematyce biblijnej. W latach 1722-1725 Vivaldi mieszkał w Rzymie, gdzie na osobiste zaproszenie pisał nowe opery i występował przed papieżem. Dla muzyka-duchownego to wydarzenie było wielkim zaszczytem.

W latach 1723-1724 Vivaldi napisał słynne koncerty, w WNP błędnie nazywane „Porami roku” (poprawna nazwa to „Cztery pory roku”). Każdy z koncertów skrzypcowych poświęcony jest wiośnie, zimie, lecie i jesieni. Zdaniem większości krytyków i badaczy koncerty te stanowią szczyt twórczości mistrza.

Rewolucyjny charakter dzieł genialnych polega na tym, że ucho ludzkie wyraźnie wychwytuje w muzyce odzwierciedlenie procesów i zjawisk charakterystycznych dla danej pory roku. Tak więc w pieśni skrzypiec słychać odgłosy burzy i szczekanie psów, piski komarów i bulgotanie strumieni, głosy dzieci, tryle ptaków rozpoznawalnych ras, a nawet upadek łyżwiarza na lodzie.

Wycieczki i podróże doprowadziły mistrza do spotkania z cesarzem austriackim Karolem VI. Król był wielkim fanem twórczości Vivaldiego i nawiązały się między nimi przyjazne stosunki. Co zaskakujące, wraz ze spadkiem popularności muzyki kompozytora w jego ojczyźnie, Wenecji, jego sława rosła w Europie, na dworach królów francuskich i austriackich.

Pod koniec życia szczęście opuściło genialnego kompozytora i zmuszony był sprzedawać swoje sonaty za grosze, byle tylko nie wegetować w biedzie. Rozczarowany Wenecjanami, którzy przestali kochać jego twórczość, Antonio Vivaldi postanowił przenieść się do Wiednia „pod skrzydła” królewskiego wielbiciela jego talentu, Karola VI.

Niestety, wkrótce po przeprowadzce kompozytora do Wiednia zmarł cesarz, potem zaczęła się wojna, a o mistrzu zapomniano.

Życie osobiste

Jako duchowny Antonio Vivaldi złożył ślub celibatu, którego przestrzegał przez całe życie. A jednak nieżyczliwi dostrzegli naruszenie przyzwoitości w jego bliskich stosunkach z jedną z uczennic Konserwatorium Pietà, Anną Giraud i jej siostrą Paoliną.

Vivaldi był nauczycielem i mentorem Anny, która według wspomnień współczesnych przyciągała uwagę publiczności nie siłą i zakresem głosu, ale talentem aktorskim. Dla tej dziewczyny kompozytor pisał najlepsze opery, komponował arie i spędzał razem czas w domu i w podróży.

Siostra Anny, Paolina, była idolką mistrza i wraz z nim została wolontariuszką pielęgniarką i opiekunką, pomagając radzić sobie z wrodzonymi dolegliwościami i słabością ciała. Przez długi czas wyższe duchowieństwo przymykało oczy na pasję mistrza do muzyki świeckiej i opery, ale nie mogli mu wybaczyć ciągłego przebywania w pobliżu dwóch młodych dziewcząt.

W 1738 roku kardynał arcybiskup Ferrary, gdzie miał odbyć się kolejny karnawał z tymi samymi operami, nie wpuścił Vivaldiego i jego towarzyszy do miasta, a także nakazał odprawienie mszy w związku z wypadnięciem kompozytora z łask .

Śmierć

Genialny kompozytor zmarł w biedzie i samotności na obczyźnie, w Wiedniu. Życie Antonio Vivaldiego zostało przerwane 28 lipca 1741 roku. Jego majątek został opisany i sprzedany za długi, a ciało pochowano na cmentarzu dla ubogich miasta. Zaledwie miesiąc po śmierci Antonio jego młodsze siostry otrzymały smutną wiadomość.

Kompozycja rzeźbiarska w Wiedniu, poświęcony Antonio Vivaldiemu

Po jego śmierci nazwisko Vivaldiego zostało niezasłużenie zapomniane. Być może tylko szczerze i głęboko kochał muzykę Włocha, pozostając przez długi czas jego jedynym wiernym wielbicielem. Bach dokonał transkrypcji dziesięciu koncertów Vivaldiego na różne instrumenty i orkiestrę, a dziedzictwo weneckiego kompozytora wywarło wymierny wpływ na twórczość wirtuoza organisty.

Duża zasługa badań i odkrycia dla potomności arcydzieł Vivaldiego należy do włoskiego muzykologa Alberto Gentili, który na początku XX wieku odkrył 14 tomów dzieł kompozytora.
Antonio Vivaldi jest pierwszym kompozytorem, który stworzył koncerty na skrzypce i orkiestrę, dwoje, czworo skrzypiec i dwie mandoliny.
Jedyny kolorowy portret Vivaldiego, znany wszystkim ze zdjęć w podręcznikach, może być wizerunkiem zupełnie innej osoby (na zdjęciu nie wskazano inicjałów, a sam portret nie jest podobny do innych portretów kompozytora ).

Maestro otrzymał przydomek „czerwony ksiądz” ze względu na rzadki wśród Wenecjan miedziany kolor włosów.
Vivaldi zasłynął także tym, że w pięć dni potrafił napisać trzyaktową operę i dziesiątki wariacji muzycznych na jeden temat.
Osławione „Tango śmierci”, przypisywane Vivaldiemu, to tak naprawdę utwór zatytułowany Palladio nowoczesny kompozytor autorstwa Karla Jenkinsa, a „Elf Night (Song)” to piosenka zespołu Secret Garden.
Wykonywana kompozycja „Summer Thunderstorm (Storm)” z cyklu „Pory roku” to jedna z najpopularniejszych melodii na świecie.

Dyskografia

Opery:

„Ottone na wsi”, 1713;
„Roland, wyimaginowany szaleniec”, 1714;
„Arsilda, królowa Pontu”, 1716;
„Koronacja Dariusza”, 1717;
„Artaban”, 1718;
„Teuzon”, 1719
„Tytus Manliusz”, 1719;
„Farnace”, 1727 i inne.

Muzyka chóralna i wokalna:

Sacrum (msza);
Laudate Dominum omnes gentes;
Stabat Mater i inne.
Psalmy:
Beatus vir;
Confitebor tibi Domine;
Dixit Dominus;
Lauda Jerozolima i inni.

Oratoria:

„Judyta triumfująca”, 1716;
„Adoracja Trzech Króli Dzieciątkowi Jezus”, 1722;
„Wielka kantata „Gloria i błona dziewicza”, 1721.
Kantaty na głos z akompaniamentem:
„Pod baldachimem pięknego buka”;
„Mój wzrok jest skierowany na Niego”;
„Kupid, wygrałeś”;
„Zniknęłyście, złote dni”;
„Więc płaczcie, źródła łez” i inne.

Koncerty instrumentalne i sonaty, m.in.:

„Burza na morzu”;
"Przyjemność";
"Polowanie";
„Pory roku”;
"Noc";
"Szczygieł";
"Preludium".