Podziwiamy obrazy dawnych mistrzów, ale rzadko zastanawiamy się, jak dokładnie wyglądały w momencie powstania. Z jakiegoś powodu uważa się, że oryginalny rodzaj obrazów to ciemne kolory. Tak naprawdę WSZYSTKIE obrazy starsze niż 50 lat były zupełnie inne. Czas niszczy pigment barwny wielu farb. Niektóre znikają, inne się zmieniają.
Dlatego to, co widzimy i co napisał artysta, jak mówią w Odessie: „To są dwie duże różnice”.
Mona Lisa. Leonardo da Vinci dzisiaj.
Po roku badania naukowe, słynna amerykańska artystka Jenness Cortez ogłosiła zakończenie prac nad przywróceniem obrazu Leonarda da Vinci „Mona Lisa” do stanu z początku XVI wieku.
Renowację przeprowadzono na zlecenie prywatnego amerykańskiego kolekcjonera. W swojej pracy Genes Cortes wykorzystał kopię Mona Lisy znajdującą się w posiadaniu Muzeum Prado oraz dane Francuskiego Centrum Badań nad Restauracją, opublikowane w 2004 roku. Ponadto artysta samodzielnie analizował duża liczba dane historyczne o obrazie i jego kopiach wykonanych przez współczesnych Leonardo da Vinci.
Według Giorgio Vasariego (1511-1574 ), autor biografii Włoscy artyści, który pisał o Leonardzie w 1550 r., 31 lat po jego śmierci, Mona Lisa (skrót od Madonna Lisa) była żoną Florentyńczyka imieniem Francesco del Giocondo ( włoski Francesco del Giocondo), nad którego portretem Leonardo spędził 4 lata, ale pozostawił go niedokończony.
Genes Cortes - Mona Lisa (kopia obrazu Leonarda da Vinci)
Po ukończeniu dzieła Jenes Cortez zauważyła, że nie twierdzi o całkowitym podobieństwie swojego dzieła do oryginału z XVI wieku: „Nie udaję, że dorównuję umiejętnościami Leonardo. Ale w swoją pracę wkładam całe swoje doświadczenie, intuicję, wyobraźnię i pasję. Chciałbym myśleć, że pomogła mi ta sama muza, która pomogła wielkiemu Leonardo. Mam nadzieję, że moja Mona Lisa zostanie zaakceptowana przez fanów oryginalnego obrazu.”
Według znanych badaczy i konserwatorów liczne widoczne zmiany w Mona Lisie, które miały miejsce na przestrzeni pięciu stuleci, wynikają z następujących czynników:
Przyciemnienie i zażółcenie lakieru.
Całkowity zanik niektórych pigmentów.
Naturalny reakcje chemiczne, co zmieniło oryginalne odcienie.
Konsekwencje oczyszczenia i rekonstrukcji.
Zmiany w desce, na której malowany jest obraz, pod wpływem wilgoci.
Aby zrozumieć te i inne czynniki, Genes Cortez oparł się na wynikach badań laboratoryjnych przeprowadzonych przez francuskich naukowców zajmujących się renowacją. Uogólnienie materiału historycznego, naukowego i własnych doświadczeń artysty pozwoliło na wyciągnięcie następujących wniosków:
1. Wiele obszarów obrazu było jaśniejszych i bardziej szczegółowych, ale zmiana koloru werniksu spowodowała również zmianę koloru płótna, ukrywając niektóre szczegóły obrazu. Najbardziej ucierpiały kolory niebieski, brązowy i zielony, na których skupiono się głównie przy renowacji.
2. Pozostałe pigmenty również uległy niewielkiej zmianie koloru. Aby zrozumieć, jak się zmieniły, przeprowadzono specjalną analizę.
3. Na powierzchni obrazu występują liczne pęknięcia, które powstały przede wszystkim w ich wyniku duża liczba ruchy, a także pod wpływem wilgoci na drewnianej podstawie.
4. Niektóre detale uległy zniszczeniu w wyniku intensywnego czyszczenia powierzchni obrazu podczas rekonstrukcji. Na przykład w obszarze cienia pomiędzy grzbietem nosa a prawym okiem, a także na brodzie utracone zostały drobniejsze szczegóły. Nad górną krawędzią stanika znajdują się niewyjaśnione ślady białej farby, co utwierdziło Cortesa w przekonaniu, że oryginał miał na gorsecie delikatną białą lamówkę, zwłaszcza że szczegół ten jest dość zauważalny na włoskiej kopii obrazu. Należy pamiętać, że wersja Mona Lisy znajdująca się w Muzeum Prado została wykonana przez nieznanego artystę, współczesnego Leonardowi i najprawdopodobniej jest dość dokładnym odwzorowaniem oryginału.
5. Na egzemplarzu z Muzeum Prado również widać blask w oczach, chociaż na oryginale nie są one widoczne. Jednak Giorgio Vasari, który sporządził najwcześniejszy znany opis Mony Lisy, w swojej książce Żywoty najwybitniejszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów z 1550 roku zauważył, że spojrzenie kobiety na obrazie ma „wodnisty połysk”. Cortez przywołał błysk w oczach Giocondy.
6. Dziś obraz jest dość monotonny wygląd, najprawdopodobniej ze względu na szerokie zastosowanie przez Leonarda lotnych, organicznych pigmentów w drobnych szkliwach. Analiza wykazała wyraźniejszy model twarzy i dłoni, a ten sam Vasari opisuje „opalizujące i delikatne” nozdrza oraz „czerwone usta” i jaśniejsze odcienie skóry, które dokładnie oddają kolor ciała. Rzeczywiście, niektóre czerwone pigmenty wytwarzane z ciał i wydzielin owadów były szeroko stosowane w okresie renesansu, ale często z czasem traciły kolor.
7. Rękawy sukni, które obecnie są koloru brązowego, mogły być czerwone (co widać na kopii z Muzeum Prado).
8. Legendarny enigmatyczny wyraz twarzy Mony Lisy jest w dużym stopniu wspomagany przez jej brak brwi. Jenes Cortez uniosła lekko brwi, bo wiadomo było, że tam są, choć bardzo cienkie. Ich subtelność zaimponowała także Vasariemu, co odnotował w swojej książce. Cortez potraktował tę część obrazu bardzo delikatnie, nie zastanawiając się nad łukiem, wielkością i kolorem brwi, czując, że jakiekolwiek nieporozumienie z jej strony bezwarunkowo zmieni wyraz znanej nam twarzy kobiety, a tym samym zniekształci obraz Leonarda. zamiar.
9. Włosy Lisy, które dzisiaj wydają się prawie czarne, miały prawdopodobnie ciepły, kasztanowy odcień, ale z czasem stały się czarne pod wpływem lakieru zmieniającego kolor.
10. Na całej powierzchni obrazu zamalowano drobne detale, które obecnie są ukryte pod starym werniksem, ale których ślady są widoczne podczas oglądania
„Mona Lisa”, alias „La Gioconda”, pełne imię i nazwisko - Portret Madame Lisy del Giocondo, to obraz Leonarda da Vinci, znajdujący się w Luwrze (Paryż, Francja), jedno z najsłynniejszych dzieł malarstwa na świecie , który uważany jest za portret Lisy Gherardini, żony florenckiego kupca jedwabiu Francesco del Giocondo, namalowany około 1503-1505.
Historia malarstwa
O miejscu, jakie ten obraz zajmował w twórczości artysty, pisali już pierwsi włoscy biografowie Leonarda da Vinci. Leonardo nie stronił od pracy nad Mona Lisą – jak to miało miejsce w przypadku wielu innych zleceń, ale wręcz przeciwnie – oddawał się jej z jakąś pasją. Cały czas, jaki pozostał mu po pracy nad „Bitwą pod Anghiari”, był jej poświęcony. Spędził nad nim sporo czasu i w wieku dorosłym opuszczając Włochy, zabrał go ze sobą do Francji, wśród kilku innych wybranych obrazów. Da Vinci darzył ten portret szczególną sympatią, a także wiele myślał w trakcie jego tworzenia, w „Traktacie o malarstwie” oraz w owych notatkach na temat technik malarskich, które się w nim nie znalazły, można znaleźć wiele wskazówek, które niewątpliwie odnoszą się do „La Giocondy”
Problem z identyfikacją modelu
Informacje o tożsamości kobiety na obrazie przez długi czas pozostawały niepewne i wyrażano wiele wersji:
- Caterina Sforza, nieślubna córka księcia Mediolanu Galeazzo Sforza
Katarzyna Sforza
- Izabela Aragońska, księżna Mediolanu
Dziełem naśladowcy Leonarda jest przedstawienie świętego. Być może jej wygląd przedstawia Izabelę Aragońską, księżną Mediolanu, jedną z kandydatek do roli Mony Lisy
- Cecilia Gallerani (modelka innego portretu artysty – „Dama z gronostajem”)
Dzieło Leonarda da Vinci „Dama z gronostajem”.
- Constanza d'Avalos, która nosiła przydomek „Wesoła”, czyli po włosku La Gioconda. Włoski krytyk sztuki Venturi zasugerował w 1925 roku, że „La Gioconda” to portret księżnej Costanza d’Avalos, wdowy po Federigo del Balzo, uwielbiony w małym wierszu Eneo Irpino, w którym wspomina się także o jej portrecie namalowanym przez Leonarda. Costanza była kochanką Giuliano de'Medici.
- Pacifica Brandano to kolejna kochanka Giuliano Medici, matki kardynała Ippolito Medici (według Roberto Zapperiego portret Pacifica został zamówiony przez Giuliano Medici dla jego nieślubnego syna, którego później legitymizował, pragnąc zobaczyć swoją matkę, która już wtedy nie żył. Co więcej, zdaniem krytyka sztuki, klient, jak zwykle, pozostawił Leonardo pełną swobodę działania).
- Izabela Gualanda
- Po prostu idealna kobieta
- Młody mężczyzna przebrany za kobietę (np. Salai, kochanek Leonarda)
Salai na rysunku Leonarda (Salai jest uczniem Leonarda da Vinci, z którym artysta pozostawał w długotrwałym – ponad 25-letnim – i być może intymnym związku).
- Autoportret samego Leonarda da Vinci
Według jednej z proponowanych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artystki
Leonarda da Vinci
- Retrospektywny portret matki artysty Kateriny (zasugerowany przez Freuda, następnie Serge'a Bramly'ego, Rinę de „Firenze, Roni Kempler i in.).
Uważa się jednak, że wersja o zgodności ogólnie przyjętej nazwy obrazu z osobowością modelki z 2005 roku znalazła ostateczne potwierdzenie. Naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu zbadali notatki znajdujące się na marginesach księgi, której właścicielem był florencki urzędnik, osobisty znajomy artysty Agostino Vespucciego. W notatkach na marginesie książki porównuje Leonarda ze słynnym starożytnym greckim malarzem Apellesem i zauważa, że „da Vinci pracuje obecnie nad trzema obrazami, z których jeden to portret Lisy Gherardini”.
Notatka na marginesie potwierdzała tożsamość modelu Mony Lisy.
Tak więc Mona Lisa naprawdę okazała się żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo - Lisą Gherardini. Obraz, jak udowadniają w tym przypadku naukowcy, został zamówiony przez Leonarda do nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin ich drugiego syna, imieniem Andrea.
Opis obrazu
Prostokątny obraz przedstawia kobietę w ciemnym ubraniu, odwróconą do połowy. Siedzi na krześle ze splecionymi rękami, jedną ręką opierając się na podłokietniku, drugą na górze, obracając się na krześle niemal twarzą do widza. Włosy z przedziałkiem, gładko i płasko układające się, widoczne przez narzucony na nie przezroczysty welon (według niektórych założeń – atrybut wdowieństwa), opadają na ramiona w dwóch cienkich, lekko falujących pasmach. Zielona sukienka w cienkie marszczenia, z żółtymi plisowanymi rękawami, wycięty na białej, niskiej klatce piersiowej. Głowa jest lekko obrócona.
Krytyk sztuki Boris Vipper opisując zdjęcie zwraca uwagę, że na twarzy Mony Lisy widać ślady mody Quattrocento: ma wygolone brwi i włosy na czubku czoła.
Dolna krawędź obrazu odcina drugą połowę jej ciała, zatem portret jest niemal w połowie długości. Krzesło, na którym siedzi modelka, stoi na balkonie lub loggii, której linia parapetu jest widoczna za jej łokciami. Uważa się, że wcześniej obraz mógł być szerszy i pomieścić dwie boczne kolumny loggii, z której w tej chwili zachowały się dwie podstawy kolumn, których fragmenty widoczne są wzdłuż krawędzi attyki.
Kopia Mona Lisy z kolekcji Wallace'a (Baltimore) została wykonana przed przycięciem krawędzi oryginału i pozwala na uwidocznienie brakujących kolumn.
Loggia wychodzi na opuszczoną dzicz z wijącymi się strumieniami i jeziorem otoczonym ośnieżonymi górami, które rozciągają się na wysoką panoramę za postacią. „Mona Lisa ukazana jest w pozycji siedzącej na krześle na tle pejzażu, a samo zestawienie jej postaci, bardzo blisko widza, z krajobrazem widocznym z daleka, niczym potężna góra, nadaje obrazowi niezwykłej wielkości. To samo wrażenie wywołuje kontrast wzmożonej plastyczności postaci i jej gładkiej, uogólnionej sylwetki z wizjonerskim krajobrazem rozciągającym się w mglistą dal, z dziwacznymi skałami i wijącymi się między nimi kanałami wodnymi.
Stan obecny
„Mona Lisa” stała się bardzo ciemna, co uważa się za wynik wrodzonej skłonności autora do eksperymentowania z farbami, przez co fresk „Ostatnia wieczerza” praktycznie umarł. Współcześni artyście potrafili jednak wyrazić swój zachwyt nie tylko kompozycją, projektem i grą światłocienia – ale także kolorystyką dzieła. Zakłada się np., że rękawy jej sukni mogły pierwotnie być czerwone – co widać na kopii obrazu z Prado.
Wczesna kopia Mony Lisy z Prado pokazuje, jak wiele traci obraz portretowy umieszczony na ciemnym, neutralnym tle
Obecny stan obrazu jest dość zły, dlatego pracownicy Luwru ogłosili, że nie będą już przekazywać go na wystawy: „W obrazie powstały pęknięcia, a jedno z nich kończy się kilka milimetrów nad głową Mony Lisy”.
Fotografia makro pozwala dostrzec dużą liczbę spękań (pęknięć) na powierzchni obrazu
Technika
Jak zauważa Dzivelegov, do czasu powstania Mony Lisy mistrzostwo Leonarda „weszło już w fazę takiej dojrzałości, kiedy zostały postawione i rozwiązane wszystkie formalne zadania o charakterze kompozycyjnym i innym, kiedy Leonardo zaczął czuć, że tylko ostatnie, najtrudniejsze zadania techniki artystycznej zasługiwały na ich wykonanie. A kiedy znalazł w osobie Mony Lisy model, który zaspokoił jego potrzeby, próbował rozwiązać niektóre z najwyższych i najtrudniejszych problemów techniki malarskiej, których jeszcze nie rozwiązał. Chciał za pomocą technik, które już wcześniej opracował i przetestował, a zwłaszcza za pomocą swojego słynnego sfumato, które dawało wcześniej niezwykłe efekty, zrobić więcej niż dotychczas: stworzyć żywą twarz żywego człowieka osobę i w ten sposób odtworzyć rysy i wyraz tej twarzy, aby wraz z nimi objawił się w pełni wewnętrzny świat człowieka.
Boris Vipper zadaje pytanie „w jaki sposób osiągnięto tę duchowość, tę nieśmiertelną iskrę świadomości w obrazie Mony Lisy, wówczas należy wymienić dwa główne środki. Jednym z nich jest wspaniałe sfumato Leonarda. Nic dziwnego, że Leonardo lubił mawiać, że „modelowanie jest duszą malarstwa”. To sfumato tworzy wilgotne spojrzenie Giocondy, jej uśmiech lekki jak wiatr i niezrównaną pieszczotliwą miękkość dotyku jej dłoni. Sfumato to subtelna mgiełka, która otula twarz i sylwetkę, zmiękczając kontury i cienie. W tym celu Leonardo zalecał umieszczenie, jak to określił, „rodzaju mgły” pomiędzy źródłem światła a ciałami.
Rothenberg pisze, że „Leonardo zdołał wprowadzić do swojej twórczości taki stopień uogólnienia, który pozwala uznać go za obraz człowieka renesansu jako całości. Ten wysoki stopień uogólnienia znajduje odzwierciedlenie we wszystkich elementach język figuratywny obraz w poszczególnych motywach - w jaki sposób lekki, przezroczysty welon, zakrywający głowę i ramiona Mony Lisy, łączy starannie zarysowane kosmyki włosów i drobne fałdy sukni w całościowy gładki kontur; wyczuwalne jest to w niezrównanej miękkości modelowania twarzy (z której zgodnie z ówczesną modą usunięto brwi) i pięknych, smukłych dłoniach.”
Alpatov dodaje, że „w delikatnie topniejącej mgle spowijającej twarz i sylwetkę Leonardo zdołał sprawić, że odczuto nieograniczoną zmienność ludzkiej mimiki. Choć oczy Giocondy patrzą na widza uważnie i spokojnie, to dzięki przyciemnieniu oczodołów można odnieść wrażenie, że lekko się marszczą; jej usta są zaciśnięte, ale w ich kącikach znajdują się subtelne cienie, które sprawiają, że wierzysz, że co minutę będą się otwierać, uśmiechać i mówić. Sam kontrast między jej spojrzeniem a półuśmiechem na ustach daje wyobrażenie o niespójności jej doświadczeń. ... Leonardo pracował nad tym przez kilka lat, dbając o to, aby na zdjęciu nie pozostał ani jeden ostry pociąg, ani jeden kanciasty zarys; i chociaż krawędzie znajdujących się w nim obiektów są wyraźnie wyczuwalne, wszystkie rozpływają się w najsubtelniejszych przejściach od półcienia do półświatła.”
Sceneria
Krytycy sztuki podkreślają w organiczny sposób, w jaki artysta połączył cechy portretu osoby z pejzażem pełnym szczególnego nastroju i jak bardzo podniosło to dostojeństwo portretu.
Whipper uważa krajobraz za drugie medium tworzące duchowość obrazu: „Drugim medium jest relacja pomiędzy figurą a tłem. Fantastyczny, skalisty krajobraz, widziany jakby przez morską wodę, na portrecie Mony Lisy ma inną rzeczywistość niż sama postać. Mona Lisa ma rzeczywistość życia, krajobraz ma rzeczywistość snu. Dzięki temu kontrastowi Mona Lisa wydaje się niezwykle bliska i namacalna, a my postrzegamy ten krajobraz jako promieniowanie jej własnych snów.”
Badacz sztuki renesansu Wiktor Graszczenkow pisze, że Leonardo, także dzięki pejzażowi, zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale obraz uniwersalny: „W tym tajemniczy obraz stworzył coś więcej niż portret nieznanej florenckiej Mony Lisy, trzeciej żony Francesco del Giocondo. Wygląd i struktura mentalna konkretnej osoby są przez niego przekazywane z niespotykaną dotąd syntetycznością. Ten bezosobowy psychologizm nawiązuje do kosmicznej abstrakcji krajobrazu, niemal całkowicie pozbawionego jakichkolwiek oznak obecności człowieka. W przydymionym światłocieniu złagodzone zostają nie tylko zarysy postaci i krajobrazu, ale także wszystkie tony kolorystyczne. W subtelnych, prawie niezauważalnych dla oka przejściach od światła do cienia, w wibracji „sfumato” Leonarda, wszelka określoność indywidualności i jej stan psychiczny. ... „La Gioconda” nie jest portretem. Jest to widzialny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawiony abstrakcyjnie od jej indywidualnej, konkretnej formy. Ale za ledwo zauważalnym ruchem, który niczym fale światła przebiega po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, można dostrzec całe bogactwo możliwości istnienia fizycznego i duchowego.
W 2012 roku wyczyszczono kopię „Mony Lisy” z Prado, a pod późniejszymi nagraniami pojawiło się tło krajobrazowe – odczucie płótna natychmiast się zmienia.
„Mona Lisa” została zaprojektowana w złocistobrązowych i czerwonawych odcieniach na pierwszym planie oraz szmaragdowo zielonych odcieniach w tle. „Przezroczyste, jak szkło, kolory tworzą stop, jakby stworzony nie ręką człowieka, ale wewnętrzną siłą materii, która z roztworu rodzi kryształy o doskonałym kształcie”. Podobnie jak wiele dzieł Leonarda, to dzieło z biegiem czasu pociemniało, a relacje kolorów nieco się zmieniły, ale nawet teraz przemyślane porównania odcieni goździków i ubioru oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym, „podwodnym” odcieniem krajobraz są wyraźnie widoczne.
Kradzież
Mona Lisa przez długi czas była znana jedynie koneserom sztuki piękne gdyby nie wyjątkowa historia, która zapewniła jej światową sławę.
21 sierpnia 1911 roku obraz został skradziony przez pracownika Luwru, włoskiego mistrza luster Vincenzo Perugii. Cel tego porwania nie jest jasny. Być może Perugia chciała przywrócić La Giocondę swojej historycznej ojczyźnie, wierząc, że Francuzi ją „porwali”, zapominając, że obraz do Francji przywiózł sam Leonardo. Przeszukania podjęte przez policję nie przyniosły żadnych rezultatów. Zamknięto granice kraju, zwolniono dyrekcję muzeum. Poeta Guillaume Apollinaire został aresztowany pod zarzutem popełnienia przestępstwa, a następnie zwolniony. Podejrzany był także Pablo Picasso. Obraz odnaleziono dopiero dwa lata później we Włoszech – a sprawcą był sam złodziej, który odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaproponował dyrektorowi Galerii Uffizi sprzedaż „Giocondy”. Zakłada się, że zamierzał sporządzić kopie i podać je jako oryginał. Perugię z jednej strony chwalono za włoski patriotyzm, z drugiej skazano go na krótki wyrok więzienia.
Vincenzo Perugii. Kartka ze sprawy karnej.
Ostatecznie 4 stycznia 1914 roku obraz (po wystawach w dn Włoskie miasta) wrócił do Paryża. W tym czasie Mona Lisa gościła na okładkach gazet i magazynów na całym świecie, a także na pocztówkach, nic więc dziwnego, że Mona Lisa była kopiowana częściej niż jakikolwiek inny obraz. Obraz stał się obiektem kultu jako arcydzieło światowej klasyki.
Wandalizm
W 1956 r. dolna część obrazu uległa zniszczeniu, gdy zwiedzający oblał go kwasem. 30 grudnia tego samego roku młody Boliwijczyk Hugo Ungaza Villegas rzucił w nią kamieniem i uszkodził warstwę farby na łokciu (strata została później odnotowana). Następnie Mona Lisa została zabezpieczona kuloodpornym szkłem, które chroniło ją przed dalszymi poważnymi atakami. Mimo to w kwietniu 1974 roku kobieta, zdenerwowana polityką muzeum wobec osób niepełnosprawnych, podczas ekspozycji obrazu w Tokio próbowała spryskać czerwoną farbą z puszki, a 2 kwietnia 2009 roku Rosjanka, która nie otrzymała obywatelstwo francuskie, rzucił w szybę glinianym kubkiem. Oba te przypadki nie zaszkodziły obrazowi.
Tłum w Luwrze w pobliżu obrazu, nasze dni.
Chcę śpiewać do uśmiechu
Mona Liza.
O n a - zagadce renesansu -
N aveka.
I nie ma pięknego czerwonego uśmiechu,
S o t or i l ja
E WIELKI MODEL MISTRZA -
Żona Kozaka.
H ego t a l a n tu vi d e l v n e ,
prosty obywatel,
KTÓRE DUŻO WIDZIAŁ
Nadal ,
Piękna duchowa bogini,
P on l t a in u
Kobiety i matki w skrócie
W oczach
Uśmiecha się skromnie
SPOTYKA SIĘ
Lou e m a ter in s t a
pierwsze połączenie
A wokół nie ma nic,
poza tajemnicami,
KTÓRYM ŻYJĘ
w żywieniu .
„Mona Lisa”, znana również jako „Gioconda”; (włoski: Mona Lisa, La Gioconda, francuski: La Joconde), pełny tytuł - Portret pani Lisy del Giocondo, włoski. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) to obraz Leonarda da Vinci, znajdujący się w Luwrze (Paryż, Francja), jedno z najsłynniejszych dzieł malarstwa na świecie, za które uważa się portret żony Lisy Gherardini florenckiego handlarza jedwabiem Francesco del Giocondo, napisany około 1503-1505.
Już niedługo miną cztery stulecia, odkąd Mona Lisa pozbawia zdrowego rozsądku wszystkich, którzy obejrzawszy już dość, zaczynają o tym mówić.
Pełny tytuł obrazu jest włoski. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo - „Portret pani Lisy Giocondo”. W języku włoskim ma donna oznacza „moja pani” (por. angielska „milady” i francuska „madam”), w wersji skróconej wyrażenie to przekształcono na monna lub mona. Druga część imienia modelki, uważana za nazwisko jej męża - del Giocondo, w języku włoskim również ma bezpośrednie znaczenie i jest tłumaczona jako „wesoły, bawiący się” i odpowiednio la Gioconda - „wesoły, bawiący się” (porównaj z angielskim żartuję).
Nazwa „La Joconda” po raz pierwszy pojawiła się w 1525 roku w spisie spadku po artyście Salai, spadkobiercy i uczniu da Vinci, który pozostawił obraz swoim siostrom w Mediolanie. Napis opisuje go jako portret damy imieniem La Gioconda.
O miejscu, jakie ten obraz zajmował w twórczości artysty, pisali już pierwsi włoscy biografowie Leonarda da Vinci. Leonardo nie stronił od pracy nad Mona Lisą – jak to miało miejsce w przypadku wielu innych zleceń, ale wręcz przeciwnie – oddawał się jej z jakąś pasją. Cały czas, jaki pozostał mu po pracy nad „Bitwą pod Anghiari”, był jej poświęcony. Spędził nad nim sporo czasu i w wieku dorosłym opuszczając Włochy, zabrał go ze sobą do Francji, wśród kilku innych wybranych obrazów. Da Vinci darzył ten portret szczególną sympatią, a także wiele myślał w trakcie jego tworzenia, w „Traktacie o malarstwie” oraz w owych notatkach na temat technik malarskich, które się w nim nie znalazły, można znaleźć wiele wskazówek, które niewątpliwie odnoszą się do „La Giocondy”
Wiadomość Vasariego 
„Studio Leonarda da Vinci” na rycinie z 1845 r.: Giocondę bawią błazny i muzycy
Według Giorgio Vasariego (1511-1574), autora biografii włoskich artystów, który pisał o Leonardzie w 1550 roku, 31 lat po jego śmierci, Mona Lisa (skrót od Madonna Lisa) była żoną florenckiego mężczyzny imieniem Francesco del Giocondo. del Giocondo), nad którego portretem Leonardo spędził 4 lata, ale pozostawił go niedokończony.
„Leonardo podjął się wykonania portretu Mony Lisy, swojej żony, dla Francesco del Giocondo i po czterech latach pracy nad nim pozostawił go niedokończonego. Dzieło to znajduje się obecnie w posiadaniu króla francuskiego w Fontainebleau.
Obraz ten daje każdemu, kto chciałby przekonać się, na ile sztuka może naśladować naturę, możliwość zrozumienia tego w najprostszy sposób, odtwarza bowiem wszystkie najdrobniejsze szczegóły, jakie może przekazać subtelność malarstwa. Dlatego oczy mają ten blask i wilgoć, które zwykle są widoczne u żywej osoby, a wokół nich są wszystkie te czerwonawe refleksy i włosy, które można przedstawić jedynie z największą subtelnością rzemiosła. Rzęsy, wykonane tak, jak włosy rosną na ciele, gdzie są grubsze, a gdzie cieńsze i umiejscowione zgodnie z porami skóry, nie mogły być ujęte z większą naturalnością. Nos ze swoimi uroczymi dziurkami, różowawy i delikatny, sprawia wrażenie żywego. Usta lekko otwarte, o krawędziach połączonych szkarłatnymi wargami, fizycznością swojego wyglądu nie przypominają farby, ale prawdziwego ciała. Jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz puls bije w zagłębieniu szyi. I naprawdę możemy powiedzieć, że to dzieło zostało napisane w taki sposób, że pogrąża każdego aroganckiego artystę, niezależnie od tego, kim jest, w zamęcie i strachu.
Nawiasem mówiąc, Leonardo zastosował następującą technikę: ponieważ Mona Lisa była bardzo piękna, malując portret, trzymał ludzi grających na lirze lub śpiewających, a zawsze byli błazny, którzy podnosili ją na duchu i usuwali melancholię, którą zwykle przekazuje. malowanie wykonywanych portretów. Uśmiech Leonarda w tej pracy jest tak przyjemny, że wydaje się, jak gdyby kontemplowano istotę boską, a nie ludzką; sam portret uważany jest za dzieło niezwykłe, bo samo życie nie mogłoby być inne”. 
Ten rysunek z kolekcji Hyde w Nowym Jorku może być autorstwa Leonarda da Vinci i stanowi wstępny szkic portretu Mony Lisy. W tym przypadku ciekawe, że początkowo zamierzał złożyć w jej rękach wspaniałą gałąź.
Najprawdopodobniej Vasari po prostu dodał historię o błaznach, aby zabawić czytelników. W tekście Vasariego znajduje się także dokładny opis brakujących na obrazie brwi. Ta niedokładność mogła powstać tylko wtedy, gdy autor opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych osób. Aleksiej Dżiwelegow pisze, że stwierdzenie Vasariego, że „prace nad portretem trwały cztery lata, jest wyraźnie przesadzone: Leonardo po powrocie z Cezara Borgii nie przebywał we Florencji tak długo, a gdyby zaczął malować portret przed wyjazdem do Cezara, Vasari prawdopodobnie powiedziałbym, że pisał to przez pięć lat.” Naukowiec pisze także o błędnym wskazaniu niedokończonego charakteru portretu – „malowanie portretu niewątpliwie trwało długo i zostało ukończone, niezależnie od tego, co mówił Vasari, który w swojej biografii Leonarda stylizował go na artystę, który w w zasadzie nie mógł dokończyć żadnej większej pracy. I nie tylko został ukończony, ale jest jednym z najstaranniej ukończonych dzieł Leonarda.
Ciekawostką jest to, że Vasari w swoim opisie podziwia talent Leonarda do przekazywania zjawisk fizycznych, a nie podobieństwo modela do obrazu. Wydaje się, że właśnie ta „fizyczna” cecha arcydzieła wywarła głębokie wrażenie na osobach odwiedzających pracownię artysty i dotarła do Vasariego prawie pięćdziesiąt lat później.
Obraz był dobrze znany miłośnikom sztuki, choć Leonardo w 1516 roku opuścił Włochy i udał się do Francji, zabierając obraz ze sobą. Według źródeł włoskich znajduje się on od tego czasu w kolekcji króla Francji Franciszka I, nie jest jednak jasne, kiedy i w jaki sposób go nabył oraz dlaczego Leonardo nie zwrócił go klientowi.
Być może artysta rzeczywiście nie dokończył obrazu we Florencji, lecz zabrał go ze sobą wyjeżdżając w 1516 roku i wykonał ostatnią kreskę pod nieobecność świadków, którzy mogliby o tym opowiedzieć Vasariemu. Jeśli tak, ukończył ją na krótko przed śmiercią w 1519 roku. (We Francji mieszkał w Clos Luce, niedaleko zamku królewskiego w Amboise).
W 1517 r. kardynał Luigi d'Aragona odwiedził Leonarda w jego francuskim warsztacie. Opis tej wizyty sporządził sekretarz kardynała Antonio de Beatis: „10 października 1517 r. prałat i jemu podobni odwiedzili florenckiego Messire’a Leonarda da Vinci. , w jednej z odległych stron Amboise, siwobrody starzec, ponad siedemdziesięcioletni, najznakomitszy artysta naszych czasów, pokazał Jego Ekscelencji trzy obrazy: jeden przedstawiający florencką damę, namalowany z życia na zamówienie fr. Wawrzyńca Wspaniałego Giuliano de' Medici, drugi św. Jana Chrzciciela w młodości i trzeci św. Anny z Maryją i Dzieciątkiem Jezus; najwyższy stopień wspaniały. Od samego mistrza, gdyż jego prawa ręka była wówczas sparaliżowana, nie można było już oczekiwać nowych dobrych uczynków”. Według niektórych badaczy „pewna florencka dama” oznacza „Mona Lisę”. Możliwe jednak, że był to kolejny portret, z którego nie zachowały się żadne dowody ani kopie, w związku z czym Giuliano Medici nie mógł mieć żadnego związku z Mona Lisą. 
XIX-wieczny obraz Ingresa przedstawia w przesadnie sentymentalny sposób smutek króla Franciszka na łożu śmierci Leonarda da Vinci
Problem z identyfikacją modelu
Urodzony w 1511 roku Vasari nie mógł zobaczyć Giocondy na własne oczy i zmuszony był odwołać się do informacji podanych przez anonimowego autora pierwszej biografii Leonarda. To on pisze o handlarzu jedwabiem Francesco Giocondo, który zamówił u artysty portret swojej trzeciej żony. Wbrew słowom anonimowego współczesnego wielu badaczy wątpiło w możliwość namalowania Mony Lisy we Florencji (1500-1505), gdyż wyrafinowana technika może wskazywać na późniejsze powstanie obrazu. Twierdzono także, że w tym czasie Leonardo był tak zajęty pracą nad „Bitwą pod Anghiari”, że odmówił nawet przyjęcia zamówienia markiza Mantui Isabelli d’Este (miał jednak z tą panią bardzo trudne relacje). 
Dziełem naśladowcy Leonarda jest przedstawienie świętego. Być może jej wygląd przedstawia Izabelę Aragońską, księżną Mediolanu, jedną z kandydatek do roli Mony Lisy
Francesco del Giocondo, wybitny florencki popola, w wieku trzydziestu pięciu lat w roku 1495 poślubił po raz trzeci młodą neapolitankę ze szlacheckiego rodu Gherardini, Lisę Gherardini, pełne imię i nazwisko Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini (15 czerwca 1479 - 15 lipca 1542, czyli około 1551).
Choć Vasari podaje informacje na temat tożsamości kobiety, przez długi czas panowała co do niej niepewność i wyrażano wiele wersji:
Caterina Sforza, nieślubna córka księcia Mediolanu Galeazzo Sforza
Izabela Aragońska, księżna Mediolanu
Cecilia Gallerani (modelka innego portretu artysty – „Dama z gronostajem”)
Constanza d'Avalos, która również nosiła przydomek „Wesoła”, czyli po włosku La Gioconda. Venturi w 1925 roku zasugerował, że „La Gioconda” to portret księżnej Costanza d’Avalos, wdowy po Federigo del Balzo, uwielbiony w małym wierszu Eneo Irpino, w którym wspomina się także o jej portrecie namalowanym przez Leonarda. Costanza była kochanką Giuliano de'Medici.
Pacifica Brandano to kolejna kochanka Giuliano Medici, matki kardynała Ippolito Medici (według Roberto Zapperiego portret Pacifica został zamówiony przez Giuliano Medici dla jego nieślubnego syna, którego później legitymizował, tęskniącego za spotkaniem z matką, która już wtedy zmarł. Jednocześnie, zdaniem krytyka sztuki, klient jak zwykle pozostawił Leonardo pełną swobodę działania).
Izabela Gualanda
Po prostu idealna kobieta
Młody mężczyzna przebrany za kobietę (np. Salai, kochanek Leonarda)
Autoportret samego Leonarda da Vinci
Retrospektywny portret matki artysty Katarzyny (1427-1495) (zasugerowany przez Freuda, następnie Serge'a Bramly'ego, Rina de „Firenze).
Uważa się jednak, że wersja o zgodności ogólnie przyjętej nazwy obrazu z osobowością modelki z 2005 roku znalazła ostateczne potwierdzenie. Naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu zbadali notatki znajdujące się na marginesach księgi, której właścicielem był florencki urzędnik, osobisty znajomy artysty Agostino Vespucciego. W notatkach na marginesie książki porównuje Leonarda ze słynnym starożytnym greckim malarzem Apellesem i zauważa, że „da Vinci pracuje obecnie nad trzema obrazami, z których jeden to portret Lisy Gherardini”. Tak więc Mona Lisa naprawdę okazała się żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo - Lisą Gherardini. Obraz, jak udowadniają w tym przypadku naukowcy, został zamówiony przez Leonarda do nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin ich drugiego syna, imieniem Andrea. 
Według jednej z proponowanych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artystki 
Notatka na marginesie potwierdzała tożsamość modelu Mony Lisy.
Prostokątny obraz przedstawia kobietę w ciemnym ubraniu, odwróconą do połowy. Siedzi na krześle ze splecionymi rękami, jedną ręką opierając się na podłokietniku, drugą na górze, obracając się na krześle niemal twarzą do widza. Włosy z przedziałkiem, gładko i płasko układające się, widoczne przez narzucony na nie przezroczysty welon (według niektórych założeń – atrybut wdowieństwa), opadają na ramiona w dwóch cienkich, lekko falujących pasmach. Zielona sukienka w cienkie falbany, z żółtymi plisowanymi rękawami, wycięta na białej, niskiej piersi. Głowa jest lekko obrócona.
Krytyk sztuki Boris Vipper opisując zdjęcie zwraca uwagę, że na twarzy Mony Lisy widać ślady mody Quattrocento: ma wygolone brwi i włosy na czubku czoła. 
Kopia Mona Lisy z kolekcji Wallace'a (Baltimore) została wykonana przed przycięciem krawędzi oryginału i pozwala na uwidocznienie brakujących kolumn. 
Fragment Mona Lisy z pozostałościami podstawy kolumny
Dolna krawędź obrazu odcina drugą połowę jej ciała, zatem portret jest niemal w połowie długości. Krzesło, na którym siedzi modelka, stoi na balkonie lub loggii, której linia parapetu jest widoczna za jej łokciami. Uważa się, że wcześniej obraz mógł być szerszy i pomieścić dwie boczne kolumny loggii, z których obecnie zachowały się dwie podstawy kolumn, których fragmenty są widoczne wzdłuż krawędzi attyki.
Loggia wychodzi na opuszczoną dzicz z wijącymi się strumieniami i jeziorem otoczonym ośnieżonymi górami, które rozciągają się na wysoką panoramę za postacią. „Mona Lisa ukazana jest w pozycji siedzącej na krześle na tle pejzażu, a samo zestawienie jej postaci, bardzo blisko widza, z krajobrazem widocznym z daleka, niczym potężna góra, nadaje obrazowi niezwykłej wielkości. To samo wrażenie wywołuje kontrast wzmożonej plastyczności postaci i jej gładkiej, uogólnionej sylwetki z wizjonerskim krajobrazem rozciągającym się w mglistą dal, z dziwacznymi skałami i wijącymi się między nimi kanałami wodnymi. 
Portret Giocondy jest jednym z najlepszych przykładów gatunku portretu włoskiego renesansu.
Boris Vipper pisze, że pomimo śladów Quattrocento „w ubraniu z małym wycięciem na piersi i rękawami w luźnych fałdach, podobnie jak w wyprostowanej postawie, lekkim skręcie ciała i delikatnym geście rąk, Mona Lisa należy w całości do epoki stylu klasycznego.” Michaił Ałpatow zauważa, że „Gioconda jest doskonale wpisana w ściśle proporcjonalny prostokąt, jej półpostać tworzy pewną całość, złożone dłonie nadają jej obrazowi pełnię. Oczywiście nie mogło być mowy o fantazyjnych lokach wczesnego „Zwiastowania”. Jednak niezależnie od tego, jak złagodzone są wszystkie kontury, faliste pasmo włosów Mony Lisy współgra z przezroczystym welonem, a wiszący materiał przerzucony przez ramię odnajduje echo w gładkich zakrętach odległej drogi. W tym wszystkim Leonardo demonstruje umiejętność tworzenia zgodnie z prawami rytmu i harmonii.”
„Mona Lisa” stała się bardzo ciemna, co uważa się za wynik wrodzonej skłonności autora do eksperymentowania z farbami, przez co fresk „Ostatnia wieczerza” praktycznie umarł. Współcześni artyście potrafili jednak wyrazić swój zachwyt nie tylko kompozycją, projektem i grą światłocienia – ale także kolorystyką dzieła. Zakłada się np., że rękawy jej sukni mogły pierwotnie być czerwone – co widać na kopii obrazu z Prado.
Obecny stan obrazu jest dość zły, dlatego pracownicy Luwru ogłosili, że nie będą już przekazywać go na wystawy: „W obrazie powstały pęknięcia, a jedno z nich kończy się kilka milimetrów nad głową Mony Lisy”. 
Fotografia makro pozwala dostrzec dużą liczbę spękań (pęknięć) na powierzchni obrazu
Jak zauważa Dzivelegov, do czasu powstania Mony Lisy mistrzostwo Leonarda „weszło już w fazę takiej dojrzałości, kiedy zostały postawione i rozwiązane wszystkie formalne zadania o charakterze kompozycyjnym i innym, kiedy Leonardo zaczął czuć, że tylko ostatnie, najtrudniejsze zadania techniki artystycznej zasługiwały na ich wykonanie. A kiedy znalazł w osobie Mony Lisy model, który zaspokoił jego potrzeby, próbował rozwiązać niektóre z najwyższych i najtrudniejszych problemów techniki malarskiej, których jeszcze nie rozwiązał. Chciał za pomocą technik, które już wcześniej opracował i przetestował, a zwłaszcza za pomocą swojego słynnego sfumato, które dawało wcześniej niezwykłe efekty, zrobić więcej niż dotychczas: stworzyć żywą twarz żywego człowieka osobę i w ten sposób odtworzyć rysy i wyraz tej twarzy, aby wraz z nimi objawił się w pełni wewnętrzny świat człowieka.
Boris Vipper zadaje pytanie „w jaki sposób osiągnięto tę duchowość, tę nieśmiertelną iskrę świadomości w obrazie Mony Lisy, wówczas należy wymienić dwa główne środki. Jednym z nich jest wspaniałe sfumato Leonarda. Nic dziwnego, że Leonardo lubił mawiać, że „modelowanie jest duszą malarstwa”. To sfumato tworzy wilgotne spojrzenie Giocondy, jej uśmiech lekki jak wiatr i niezrównaną pieszczotliwą miękkość dotyku jej dłoni. Sfumato to subtelna mgiełka, która otula twarz i sylwetkę, zmiękczając kontury i cienie. W tym celu Leonardo zalecał umieszczenie, jak to określił, „rodzaju mgły” pomiędzy źródłem światła a ciałami.
Rothenberg pisze, że „Leonardo zdołał wprowadzić do swojej twórczości taki stopień uogólnienia, który pozwala uznać go za obraz człowieka renesansu jako całości. Ten wysoki stopień uogólnienia znajduje odzwierciedlenie we wszystkich elementach malarskiego języka obrazu, w jego poszczególnych motywach - w sposobie, w jaki lekki, przezroczysty welon, zakrywający głowę i ramiona Mony Lisy, spaja starannie zaczesane kosmyki włosów i drobne fałdy sukienki tworzą ogólnie gładki kontur; wyczuwalne jest to w niezrównanej miękkości modelowania twarzy (z której zgodnie z ówczesną modą usunięto brwi) i pięknych, smukłych dłoniach.” 
Krajobraz za Mona Lisą
Alpatov dodaje, że „w delikatnie topniejącej mgle spowijającej twarz i sylwetkę Leonardo zdołał sprawić, że odczuto nieograniczoną zmienność ludzkiej mimiki. Choć oczy Giocondy patrzą na widza uważnie i spokojnie, to dzięki przyciemnieniu oczodołów można odnieść wrażenie, że lekko się marszczą; jej usta są zaciśnięte, ale w ich kącikach znajdują się subtelne cienie, które sprawiają, że wierzysz, że co minutę będą się otwierać, uśmiechać i mówić. Sam kontrast między jej spojrzeniem a półuśmiechem na ustach daje wyobrażenie o niespójności jej doświadczeń. (...) Leonardo pracował nad tym kilka lat, dbając o to, aby na obrazie nie pozostał ani jeden ostry pociąg, ani jeden zakrzywiony kontur; i chociaż krawędzie znajdujących się w nim obiektów są wyraźnie wyczuwalne, wszystkie rozpływają się w najsubtelniejszych przejściach od półcienia do półświatła.”
Krytycy sztuki podkreślają organiczny sposób, w jaki artysta połączył portretową charakterystykę osoby z pejzażem pełnym szczególnego nastroju i jak bardzo podniosło to dostojeństwo portretu 
Wczesny egzemplarz Mony Lisy z Prado pokazuje, jak wiele traci obraz portretowy umieszczony na ciemnym, neutralnym tle.
Whipper uważa krajobraz za drugie medium tworzące duchowość obrazu: „Drugim medium jest relacja pomiędzy figurą a tłem. Fantastyczny, skalisty krajobraz, widziany jakby przez morską wodę, na portrecie Mony Lisy ma inną rzeczywistość niż sama postać. Mona Lisa ma rzeczywistość życia, krajobraz ma rzeczywistość snu. Dzięki temu kontrastowi Mona Lisa wydaje się niezwykle bliska i namacalna, a my postrzegamy ten krajobraz jako promieniowanie jej własnych snów.”
Badacz sztuki renesansu Wiktor Graszczenkow pisze, że Leonardo, między innymi dzięki pejzażowi, zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale obraz uniwersalny: „W tym tajemniczym obrazie stworzył coś więcej niż portretowy wizerunek nieznanej florenckiej Mony Lisa, trzecia żona Francesco del Giocondo. Wygląd i struktura mentalna konkretnej osoby są przez niego przekazywane z niespotykaną dotąd syntetycznością. Ten bezosobowy psychologizm nawiązuje do kosmicznej abstrakcji krajobrazu, niemal całkowicie pozbawionego jakichkolwiek oznak obecności człowieka. W przydymionym światłocieniu złagodzone zostają nie tylko zarysy postaci i krajobrazu, ale także wszystkie tony kolorystyczne. W subtelnych, prawie niezauważalnych dla oka przejściach od światła do cienia, w wibracji Leonardowskiego „sfumato”, wszelka określoność indywidualności i jej stanu psychicznego mięknie do granic możliwości, topnieje i gotowa jest zniknąć. (…) „La Gioconda” nie jest portretem. Jest to widzialny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawiony abstrakcyjnie od jej indywidualnej, konkretnej formy. Ale za ledwo zauważalnym ruchem, który niczym fale światła przebiega po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, można dostrzec całe bogactwo możliwości istnienia fizycznego i duchowego. 
W 2012 roku wyczyszczono kopię „Mony Lisy” z Prado, a pod późniejszymi nagraniami pojawiło się tło krajobrazowe – odczucie płótna natychmiast się zmienia.
„Mona Lisa” została zaprojektowana w złocistobrązowych i czerwonawych odcieniach na pierwszym planie oraz szmaragdowo zielonych odcieniach w tle. „Przezroczyste, jak szkło, kolory tworzą stop, jakby stworzony nie ręką człowieka, ale wewnętrzną siłą materii, która z roztworu rodzi kryształy o doskonałym kształcie”. Podobnie jak wiele dzieł Leonarda, to dzieło z biegiem czasu pociemniało, a relacje kolorów nieco się zmieniły, ale nawet teraz przemyślane porównania odcieni goździków i ubioru oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym, „podwodnym” odcieniem krajobraz są wyraźnie widoczne. 
Wcześniejszy portret kobiecy Leonarda „Dama z gronostajem”, choć jest pięknym dziełem sztuki, w swojej prostszej figuratywnej strukturze należy do epoki wcześniejszej.
„Mona Lisa” uważana jest za jedno z najlepszych dzieł gatunku portretowego, które wpłynęło na twórczość Wysoki renesans i pośrednio przez nich - na cały dalszy rozwój gatunku, który „zawsze musi powracać do La Giocondy jako przykład nieosiągalny, ale obowiązkowy”.
Historycy sztuki zauważają, że portret Mony Lisy był decydującym krokiem w rozwoju portretu renesansowego. Rotenberg pisze: „choć malarze Quattrocento pozostawili po sobie wiele znaczących dzieł tego gatunku, ich osiągnięcia w portrecie były, że tak powiem, nieproporcjonalne do osiągnięć w głównych gatunkach malarstwa – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunku portretu znalazła już odzwierciedlenie w samej „ikonografii” obrazów portretowych. Rzeczywiste dzieła portretowe XV wieku, mimo niezaprzeczalnego podobieństwa fizjonomicznego i emanującego z nich poczucia wewnętrznej siły, wyróżniały się także przymusem zewnętrznym i wewnętrznym. Całe bogactwo ludzkich uczuć i doświadczeń, charakteryzujące biblijne i mitologiczne wizerunki malarzy XV-wiecznych, zwykle nie było własnością ich dzieł portretowych. Echa tego widać we wcześniejszych portretach samego Leonarda, wykonanych przez niego w pierwszych latach pobytu w Mediolanie. (...) Dla porównania portret Mony Lisy jawi się jako wynik gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy pod względem znaczenia dorównał najbardziej jasne obrazy inne gatunki malarskie.” 
„Portret damy” Lorenza Costy powstał w latach 1500-06 – mniej więcej w tych samych latach co „Mona Lisa”, jednak w porównaniu z nim wykazuje zaskakującą bezwładność.
Lazarev zgadza się z nim: „Nie ma prawie na świecie drugiego obrazu, o którym krytycy sztuki napisaliby taką otchłań nonsensów, jak to słynne dzieło Leonarda. (...) Gdyby usłyszała to wszystko Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini, cnotliwa matrona i żona jednego z najbardziej szanowanych obywateli Florencji, byłaby niewątpliwie szczerze zaskoczona. A Leonardo byłby jeszcze bardziej zdziwiony, gdyby postawił sobie tutaj o wiele skromniejsze, a jednocześnie o wiele trudniejsze zadanie – dać taki obraz ludzkiej twarzy, który całkowicie rozpuściłby w sobie ostatnie ślady quattrocentowskiej statyki i bezruch psychiczny. (...) I dlatego miał rację po tysiąckroć krytyk sztuki, który zwrócił uwagę na daremność rozszyfrowania tego uśmiechu. Jego istota polega na tym, że jest to jedna z pierwszych prób w sztuce włoskiej przedstawienia naturalnego stanu psychicznego dla niego samego, jako celu samego w sobie, bez dodatkowych motywacji religijnych i etycznych. Tym samym Leonardo zdołał tak ożywić swój model, że w porównaniu z nim wszystkie starsze portrety wyglądają jak zamarznięte mumie. 
Rafael, „Dziewczyna z jednorożcem”, ok. 1505-1506, Galleria Borghese, Rzym. Portret ten, namalowany pod wpływem Mony Lisy, zbudowany jest według tego samego schematu ikonograficznego – z balkonem (również z kolumnami) i pejzażem.
W swojej nowatorskiej pracy Leonardo przeniósł główny środek ciężkości na twarz portretu. Jednocześnie używał rąk jako potężnego środka charakterystyki psychologicznej. Nadając portretowi pokoleniowy format, artysta mógł zaprezentować szerszą gamę technik artystycznych. A najważniejsze w figuratywnej strukturze portretu jest podporządkowanie wszystkich szczegółów przewodniej idei. „Głowa i dłonie są niewątpliwym centrum obrazu, któremu poświęcane są pozostałe jego elementy. Bajeczny krajobraz zdaje się prześwitywać przez wody morskie, wydaje się tak odległy i nieuchwytny. Jego głównym celem nie jest odwracanie uwagi widza od twarzy. I taką samą rolę ma pełnić ubranie, które układa się w najmniejsze fałdy. Leonardo celowo unika ciężkich draperiów, które mogłyby zaciemnić wyrazistość jego dłoni i twarzy. Zmusza więc tych ostatnich do występów ze szczególną siłą, tym większą, im skromniejszy i bardziej neutralny jest krajobraz i strój, porównywany do cichego, ledwo zauważalnego akompaniamentu.
Uczniowie i naśladowcy Leonarda stworzyli liczne repliki Mony Lisy. Część z nich (ze zbiorów Vernona w USA, z kolekcji Waltera w Baltimore w USA, a także przez pewien czas z Isleworth Mona Lisa w Szwajcarii) przez swoich właścicieli uważana jest za autentyczną, a obraz znajdujący się w Luwrze za kopię. Pojawia się także ikonografia „nagiej Mony Lisy”, prezentowana w kilku wersjach („Piękna Gabrielle”, „Monna Vanna”, Ermitaż „Donna Nuda”), najwyraźniej autorstwa własnych uczniów artysty. Duża ich liczba dała początek niemożliwej do udowodnienia wersji, że istnieje wersja nagiej Mony Lisy, namalowana przez samego mistrza. 
„Donna Nuda” (czyli „Naga Donna”). Nieznany artysta, koniec XVI w., Ermitaż
Renoma obrazu 
„Mona Lisa” za kuloodporną szybą w Luwrze i tłoczący się w pobliżu goście muzeum
Mimo że Mona Lisa cieszyła się dużym uznaniem współczesnych artysty, jej sława później przygasła. Do tego momentu zdjęcie nie zostało szczególnie zapamiętane połowa 19 wieku, kiedy artyści bliscy ruchowi symbolistycznemu zaczęli ją wychwalać, kojarząc ją ze swoimi wyobrażeniami na temat kobiecej mistyki. Krytyk Walter Pater wyraził swoją opinię w swoim eseju o da Vinci z 1867 roku, opisując postać na obrazie jako swego rodzaju mityczne ucieleśnienie wiecznej kobiecości, która jest „starsza niż skały, pomiędzy którymi siedzi” i która „umarła wiele razy i poznałam tajemnice życia pozagrobowego.” .
Dalszy wzrost sławy obrazu wiąże się z jego tajemniczym zniknięciem na początku XX wieku i szczęśliwym powrotem do muzeum kilka lat później (patrz poniżej rozdział Kradzież), dzięki czemu nie opuścił on łamów gazet.
Współczesny jej przygoda krytyk Abram Efros napisał: „...muzealny strażnik, który teraz nie odchodzi na krok od obrazu od czasu jego powrotu do Luwru po porwaniu w 1911 roku, nie pilnuje portretu Franceski del Żona Giocondo, ale obraz jakiejś pół-człowieka, pół-węża, stworzenia, uśmiechniętego lub ponurego, dominującego nad zimną, nagą, skalistą przestrzenią rozciągającą się za nim.
„Mona Lisa” jest dziś jedną z najbardziej słynne obrazy Sztuka zachodnioeuropejska. Jego znakomita reputacja związana jest nie tylko z wysokimi walorami artystycznymi, ale także z atmosferą tajemniczości otaczającej to dzieło.
Jedna z tajemnic wiąże się z głębokim uczuciem, jakim autor darzył to dzieło. Proponowano różne wyjaśnienia, np. romantyczne: Leonardo zakochał się w Monie Lisie i celowo opóźniał pracę, aby zostać z nią na dłużej, a ona drażniła go swoim tajemniczym uśmiechem i doprowadzała do największych twórczych uniesień. Ta wersja jest uważana za zwykłą spekulację. Dzhivelegov uważa, że to przywiązanie wynika z faktu, że znalazł w nim punkt zastosowania dla wielu swoich twórczych poszukiwań (patrz rozdział Technika).
Uśmiech Giocondy 
Leonarda da Vinci. „Jana Chrzciciela”. 1513-1516, Luwr. Ten obraz również ma swoją tajemnicę: dlaczego Jan Chrzciciel uśmiecha się i wskazuje w górę? 
Leonarda da Vinci. „Święta Anna z Madonną i Dzieciątkiem Chrystus” (fragment), ok. 1510, Luwr.
Uśmiech Mony Lisy jest jednym z najpiękniejszych słynne zagadki obrazy. Ten lekki, błądzący uśmiech można odnaleźć w wielu pracach zarówno samego mistrza, jak i Leonardesków, jednak dopiero w Mona Lisie osiągnął on swą doskonałość.
Widza szczególnie fascynuje demoniczny urok tego uśmiechu. O tej kobiecie pisało setki poetów i pisarzy, która zdaje się uśmiechać się uwodzicielsko lub zamrożona, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie rozwikłał jej uśmiechu, nikt nie zinterpretował jej myśli. Wszystko, nawet krajobraz, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburzowa mgła zmysłowości (Muter).
Graszczenkow pisze: „Nieskończona różnorodność ludzkich uczuć i pragnień, przeciwstawnych namiętności i myśli, wygładzonych i stopionych ze sobą, rezonuje w harmonijnie beznamiętnym wyglądzie Giocondy tylko z niepewnością jej uśmiechu, ledwo pojawiającego się i znikającego. Ten bezsensowny, przelotny ruch kącików jej ust, niczym odległe echo złączone w jeden dźwięk, przynosi nam z bezgranicznej odległości barwną polifonię duchowego życia człowieka”.
Krytyk sztuki Rotenberg uważa, że „w całej sztuce światowej niewiele jest portretów dorównujących Mona Lisie pod względem siły wyrazu ludzkiej osobowości, ucieleśnionej w jedności charakteru i intelektu. To właśnie niezwykły ładunek intelektualny portretu Leonarda odróżnia go od obrazy portretowe Quattrocento. Ta cecha jego twórczości jest tym dotkliwiej dostrzegana, że nawiązuje do portretu kobiecego, w którym charakter modelki ujawniał się wcześniej w zupełnie innej, przeważnie lirycznej, figuratywnej tonacji. Poczucie siły emanujące z „Mony Lisy” jest organicznym połączeniem wewnętrznego spokoju i poczucia osobistej wolności, duchowej harmonii osoby opartej na świadomości własnego znaczenia. A sam jej uśmiech wcale nie wyraża wyższości czy pogardy; jest postrzegane jako wynik spokojnej pewności siebie i całkowitej samokontroli.”
Boris Vipper zwraca uwagę, że wspomniany brak brwi i ogolone czoło być może mimowolnie potęgują dziwną tajemniczość w jej wyrazie twarzy. O potędze obrazu pisze dalej: „Jeśli zadamy sobie pytanie, jaka jest wielka siła przyciągania Mony Lisy, jej naprawdę nieporównywalne działanie hipnotyczne, to odpowiedź może być tylko jedna – w jej duchowości. Najbardziej pomysłowe i najbardziej przeciwne interpretacje znalazły się w uśmiechu „Mony Lisy”. Chcieli odczytać w nim dumę i czułość, zmysłowość i kokieterię, okrucieństwo i skromność. Błąd polegał po pierwsze na tym, że w obrazie Mony Lisy za wszelką cenę szukano indywidualnych, subiektywnych właściwości duchowych, podczas gdy nie ulega wątpliwości, że Leonardo dążył do duchowości typowej. Po drugie, co być może jest jeszcze ważniejsze, próbowano przypisać duchowości Mony Lisy treść emocjonalną, choć w rzeczywistości ma ona korzenie intelektualne. Cud Mony Lisy polega właśnie na tym, że ona myśli; że stojąc przed pożółkłą, popękaną deską nieodparcie wyczuwamy obecność istoty obdarzonej inteligencją, istoty, z którą możemy rozmawiać i od której możemy oczekiwać odpowiedzi.
Lazarev analizował to jako badacz sztuki: „Ten uśmiech jest nie tyle indywidualną cechą Mony Lisy, ile typową receptą na psychologiczną rewitalizację, formułą, która niczym czerwona nić przebiega przez wszystkie młodzieńcze obrazy Leonarda, formułą, która później zmieniła się, w rękach swoich uczniów i naśladowców, na tradycyjną pieczęć. Podobnie jak proporcje postaci Leonarda, opiera się na najlepszych pomiarach matematycznych, przy ścisłym uwzględnieniu wartości wyrazistych poszczególnych części twarzy. A mimo to ten uśmiech jest absolutnie naturalny i na tym właśnie polega siła jego uroku. Odbiera z twarzy wszystko, co twarde, napięte i zamrożone, zamienia ją w zwierciadło niejasnych, nieokreślonych przeżyć duchowych; w swojej nieuchwytnej lekkości można ją porównać jedynie do fali płynącej po wodzie.
Jej analiza przyciągnęła uwagę nie tylko historyków sztuki, ale także psychologów. Zygmunt Freud pisze: „Kto wyobraża sobie obrazy Leonarda, kojarzy się z dziwnym, urzekającym i tajemniczym uśmiechem ukrytym na ustach jego kobiecych wizerunków. Uśmiech zastygły na wydłużonych, drżących wargach stał się dla niego charakterystyczny i najczęściej nazywany jest „leonardowskim”. W szczególnie pięknym wyglądzie florenckiej Mony Lisy del Gioconda najbardziej urzeka i pogrąża widza w zamęcie. Ten uśmiech wymagał jednej interpretacji, ale znalazł wiele interpretacji, z których żadna nie była satysfakcjonująca. (...) Wśród wielu krytyków zrodziło się przypuszczenie, że w uśmiechu Mony Lisy połączyły się dwa różne elementy. Dlatego w wyrazie twarzy pięknej Florentynki widzieli najdoskonalszy obraz antagonizmu, jaki panuje kochaj życie kobiety, powściągliwość i uwodzenie, ofiarna czułość i lekkomyślne domaganie się zmysłowości, pochłaniające mężczyznę jako coś obcego. (...) Leonardo w osobie Mony Lisy zdołał odtworzyć podwójne znaczenie jej uśmiechu, obietnicę bezgranicznej czułości i złowrogiej groźby.” 
Filozof A.F. Losev pisze o niej ostro negatywnie: ... „Mona Lisa” ze swoim „demonicznym uśmiechem”. „W końcu wystarczy dokładnie przyjrzeć się oczom Giocondy, a łatwo zauważyć, że ona właściwie w ogóle się nie uśmiecha. To nie jest uśmiech, ale drapieżna twarz o zimnych oczach i wyraźna świadomość bezsilności ofiary, którą Gioconda chce zawładnąć i w której oprócz słabości liczy także na bezsilność wobec złego uczucie, które ją ogarnęło.”
Odkrywca terminu mikroekspresja, psycholog Paul Ekman (prototyp doktora Cala Lightmana z serialu Lie to Me), pisze o wyrazie twarzy Mony Lisy, analizując go z punktu widzenia swojej wiedzy o ludzkiej mimice : „pozostałe dwa rodzaje [uśmiechów] łączą uśmiech szczery z charakterystycznym wyrazem oczu. Flirtujący uśmiech, choć jednocześnie uwodziciel odwraca wzrok od obiektu zainteresowania, aby ponownie rzucić na niego chytre spojrzenie, które znowu zostaje natychmiast odwrócone, gdy tylko zostanie dostrzeżone. Niezwykłość wrażenia słynna Mona Lisa częściowo polega na tym, że Leonardo uchwycił swoją naturę właśnie w momencie tego zabawnego ruchu; obracając głowę w jedną stronę, patrzy w drugą – na obiekt jej zainteresowania. W życiu ten wyraz twarzy jest ulotny – ukradkowe spojrzenie nie trwa dłużej niż chwilę.”
Dzieje malarstwa w czasach nowożytnych
W chwili swojej śmierci w 1525 r. asystent (i być może kochanek) Leonarda imieniem Salai był w posiadaniu, jak wynika z wzmianek w jego osobistych dokumentach, portretu kobiety zatytułowanej „La Gioconda” (quadro de una dona aretata), który przekazał mu w spadku jego nauczyciel. Salai pozostawił obraz swoim siostrom, które mieszkały w Mediolanie. Pozostaje tajemnicą, w jaki sposób w tym przypadku portret przedostał się z Mediolanu do Francji. Nie wiadomo także, kto i kiedy dokładnie obciął krawędzie obrazu z kolumnami, które według większości badaczy, na podstawie porównania z innymi portretami, istniały w wersji oryginalnej. W przeciwieństwie do innego wykadrowanego dzieła Leonarda - „Portret Ginevry Benci”, którego dolna część została przycięta, ponieważ została uszkodzona przez wodę lub ogień, w tym przypadku przyczyny były najprawdopodobniej natury kompozycyjnej. Istnieje wersja, w której zrobił to sam Leonardo da Vinci. 
Tłum w Luwrze w pobliżu obrazu, nasze dni
Uważa się, że król Franciszek I kupił obraz od spadkobierców Salaia (za 4000 ecu) i trzymał go w swoim zamku w Fontainebleau, gdzie pozostał do czasów Ludwika XIV. Ten ostatni przewiózł ją do Pałacu Wersalskiego, a po rewolucji francuskiej trafiła do Luwru. Napoleon powiesił portret w swojej sypialni w Pałacu Tuileries, po czym wrócił do muzeum.
Kradzież 
1911 Pusta ściana, na której wisiała Mona Lisa
Mona Lisa przez długi czas byłaby znana jedynie koneserom sztuk pięknych, gdyby nie wyjątkowa historia, która zapewniła jej światową sławę. 
Vincenzo Perugii. Kartka ze sprawy karnej.
21 sierpnia 1911 roku obraz został skradziony przez pracownika Luwru, włoskiego mistrza luster Vincenzo Peruggii. Cel tego porwania nie jest jasny. Być może Perugia chciała przywrócić La Giocondę swojej historycznej ojczyźnie, wierząc, że Francuzi ją „porwali”, zapominając, że obraz do Francji przywiózł sam Leonardo. Policyjne poszukiwania nie powiodły się. Zamknięto granice kraju, zwolniono dyrekcję muzeum. Poeta Guillaume Apollinaire został aresztowany pod zarzutem popełnienia przestępstwa, a następnie zwolniony. Podejrzany był także Pablo Picasso. Obraz odnaleziono dopiero dwa lata później we Włoszech. Co więcej, sprawcą był sam złodziej, który odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaproponował dyrektorowi Galerii Uffizi sprzedaż La Giocondy. Zakłada się, że zamierzał sporządzić kopie i podać je jako oryginał. Perugię z jednej strony chwalono za włoski patriotyzm, z drugiej skazano go na krótki wyrok więzienia.
Wreszcie 4 stycznia 1914 roku obraz (po wystawach w miastach włoskich) powrócił do Paryża. W tym czasie Mona Lisa gościła na okładkach gazet i magazynów na całym świecie, a także na pocztówkach, nic więc dziwnego, że Mona Lisa była kopiowana częściej niż jakikolwiek inny obraz. Obraz stał się obiektem kultu jako arcydzieło światowej klasyki.
Wandalizm
W 1956 r. dolna część obrazu uległa zniszczeniu, gdy zwiedzający oblał go kwasem. 30 grudnia tego samego roku młody Boliwijczyk Hugo Ungaza Villegas rzucił w nią kamieniem i uszkodził warstwę farby na łokciu (strata została później odnotowana). Następnie Mona Lisa została zabezpieczona kuloodpornym szkłem, które chroniło ją przed dalszymi poważnymi atakami. Mimo to w kwietniu 1974 roku kobieta, zdenerwowana polityką muzeum wobec osób niepełnosprawnych, podczas ekspozycji obrazu w Tokio próbowała spryskać czerwoną farbą z puszki, a 2 kwietnia 2009 roku Rosjanka, która nie otrzymała obywatelstwo francuskie, rzucił w szybę glinianym kubkiem. Oba te przypadki nie zaszkodziły obrazowi.
W czasie II wojny światowej obraz ze względów bezpieczeństwa został przetransportowany z Luwru do zamku Amboise (miejsca śmierci i pochówku Leonarda), następnie do opactwa Loc-Dieu, a w końcu do Muzeum Ingres w Montauban, skąd po zwycięstwie bezpiecznie wrócił na swoje miejsce.
W XX wieku obraz prawie nigdy nie opuścił Luwru, odwiedzając USA w 1963 i Japonię w 1974. W drodze z Japonii do Francji obraz był wystawiany w Muzeum. A. S. Puszkina w Moskwie. Wyjazdy tylko ugruntowały sukces i sławę filmu.
Mona Lisa Leonarda da Vinci to jedno z najsłynniejszych dzieł malarstwa na całym świecie.
Obecnie obraz ten znajduje się w paryskim Luwrze.
Powstanie obrazu i przedstawiony na nim model owiane były wieloma legendami i plotkami i nawet dziś, gdy w historii La Giocondy nie ma już praktycznie białych plam, wśród wielu niezbyt wykształconych osób nadal krążą mity i legendy .
Kim jest Mona Lisa?
Tożsamość przedstawionej dziewczyny jest dziś dość znana. Uważa się, że jest to Lisa Gherardini, słynna mieszkanka Florencji, należąca do arystokratycznej, ale zubożałej rodziny.
Najwyraźniej Gioconda to jej nazwisko po mężu; Jej mężem był odnoszący sukcesy handlarz jedwabiem, Francesco di Bartolomeo di Zanobi del Giocondo. Wiadomo, że Lisa i jej mąż urodzili sześcioro dzieci i prowadzili miarowe życie, typowe dla zamożnych obywateli Florencji.
Można by pomyśleć, że małżeństwo zostało zawarte z miłości, ale jednocześnie przyniosło też dodatkowe korzyści dla obojga małżonków: Lisa wyszła za mąż za przedstawiciela bogatszej rodziny, a za jej pośrednictwem Francesco związał się ze starą rodziną. Niedawno, w 2015 roku, naukowcy odkryli grób Lisy Gherardini – w pobliżu jednego ze starożytnych włoskich kościołów.
Tworzenie obrazu
Leonardo da Vinci od razu podjął się tego zlecenia i poświęcił się mu całkowicie, dosłownie, z jakąś pasją. A w przyszłości artysta był mocno przywiązany do swojego portretu, nosił go wszędzie ze sobą, a gdy w późnym wieku zdecydował się wyjechać z Włoch do Francji, zabrał ze sobą „La Giocondę” wraz z kilkoma wybranymi dziełami jego.
Jaki był powód stosunku Leonarda do tego obrazu? Istnieje opinia, że wielki artysta miał romans z Lisą. Możliwe jednak, że malarz cenił ten obraz jako przykład najwyższego rozkwitu swojego talentu: „La Gioconda” okazała się naprawdę niezwykła jak na swoje czasy.
Fotka Mona Lisy (La Gioconda).
Co ciekawe, Leonardo nigdy nie oddał portretu zleceniodawcy, lecz zabrał go ze sobą do Francji, gdzie jego pierwszym właścicielem był król Franciszek I. Być może mogło to wynikać z tego, że mistrz nie ukończył płótna na czas i kontynuował malowanie obrazu już po wyjeździe: słynny renesansowy pisarz Giorgio Vasari podaje, że Leonardo „nigdy nie ukończył” swojego obrazu.
Vasari w swojej biografii Leonarda podaje wiele faktów dotyczących malowania tego obrazu, ale nie wszystkie z nich są wiarygodne. Pisze zatem, że artysta tworzył obraz przez cztery lata, co jest wyraźną przesadą.
Pisze też, że gdy Lisa pozowała, w studiu zabawiała dziewczynę cała grupa błaznów, dzięki czemu Leonardo potrafił ukazać uśmiech na jej twarzy, a nie typowy wówczas smutek. Jednak najprawdopodobniej Vasari sam skomponował opowieść o błaznach dla rozrywki czytelników, używając nazwiska dziewczyny - w końcu „Gioconda” oznacza „bawić się”, „śmiech”.
Można jednak zauważyć, że Vasariego przyciągnął ten obraz nie tyle realizm jako taki, ale niesamowite odwzorowanie efektów fizycznych i najdrobniejsze szczegóły obrazu. Najwyraźniej pisarz opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych naocznych świadków.
Kilka mitów na temat malarstwa
Więcej w koniec XIX wieku Gruye napisał, że „La Gioconda” od kilku stuleci dosłownie pozbawia ludzi rozumu. Wiele osób zastanawiało się, kontemplując ten niesamowity portret, dlatego otoczyło go wiele legend.
- Według jednego z nich, Leonardo na portrecie alegorycznie przedstawił... siebie, co rzekomo potwierdza zbieżność drobnych szczegółów twarzy;
- Według innego obraz przedstawia młodego mężczyznę w odzież damska– na przykład Salai, uczeń Leonarda;
- Inna wersja mówi, że obraz przedstawia po prostu idealną kobietę, jakiś abstrakcyjny obraz. Wszystkie te wersje są obecnie uznawane za błędne.
„Z medycznego punktu widzenia nie jest jasne, jak ta kobieta w ogóle żyła”.
Jej tajemniczy uśmiech hipnotyzujący. Niektórzy w niej widzą boskie piękno inne są tajnymi znakami, inne stanowią wyzwanie dla norm i społeczeństwa. Ale wszyscy są zgodni co do jednego – jest w niej coś tajemniczego i atrakcyjnego. Mowa oczywiście o Mona Lisie – ulubionym dziele wielkiego Leonarda. Portret bogaty w mitologię. Jaki jest sekret Mony Lisy? Istnieje niezliczona ilość wersji. Wybraliśmy dziesięć najpopularniejszych i najbardziej intrygujących.
Dziś obraz ten o wymiarach 77x53 cm przechowywany jest w Luwrze za grubym, kuloodpornym szkłem. Obraz wykonany na desce topolowej pokryty jest siecią spękań. Przeszedł wiele niezbyt udanych renowacji i przez pięć stuleci wyraźnie pociemniał. Jednak im starszy jest obraz, tym więcej przyciąga ludzi: Luwr odwiedza rocznie 8–9 milionów osób.
A sam Leonardo nie chciał rozstać się z Moną Lisą i być może jest to pierwszy raz w historii, kiedy autor nie oddał dzieła klientowi, mimo że pobrał za to wynagrodzenie. Portretem zachwycił się także pierwszy właściciel obrazu – po autorze – król Francji Franciszek I. Kupił go od da Vinci za niewiarygodne wówczas pieniądze – 4000 złotych monet i umieścił w Fontainebleau.
Napoleon również był zafascynowany Madame Lisą (jak nazywał Giocondę) i zabrał ją do swoich komnat w Pałacu Tuileries. A Włoch Vincenzo Perugia ukradł w 1911 roku arcydzieło z Luwru, zabrał je do domu i ukrywał się u niej przez całe dwa lata, aż do zatrzymania przy próbie przekazania obrazu dyrektorowi Galerii Uffizi... Jednym słowem: przez cały czas portret florenckiej damy przyciągał, hipnotyzował i zachwycał.
Jaki jest sekret jej atrakcyjności?
Wersja nr 1: klasyczna
Pierwszą wzmiankę o Mona Lisie znajdziemy u autora słynnych Żywotów, Giorgio Vasariego. Z jego twórczości dowiadujemy się, że Leonardo podjął się „wykonania dla Francesco del Giocondo portretu Mony Lisy, jego żony, a po czterech latach pracy nad nim pozostawił go niedokończonego”.
Pisarz podziwia kunszt artysty, umiejętność ukazywania „najdrobniejszych szczegółów, jakie potrafi przekazać subtelność malarstwa”, a co najważniejsze, uśmiech, który „jest tak przyjemny, że sprawia wrażenie, jakby kontemplowano boskość, a nie bóstwo”. istota ludzka.” Historyk sztuki wyjaśnia tajemnicę jej uroku, stwierdzając, że „malując portret, on (Leonardo) trzymał ludzi grających na lirze lub śpiewających, a zawsze byli też błazny, którzy ją pocieszali i usuwali melancholię, jaką malarstwo zwykle wnosi portrety są malowane.” Nie ma wątpliwości: Leonardo jest niedoścignionym mistrzem, a koroną jego mistrzostwa jest ten boski portret. W obrazie jego bohaterki istnieje dwoistość związana z samym życiem: skromność pozy łączy się z odważnym uśmiechem, który staje się swego rodzaju wyzwaniem dla społeczeństwa, kanonów, sztuki...
Ale czy to naprawdę żona handlarza jedwabiem Francesco del Giocondo, którego nazwisko stało się drugim imieniem tej tajemniczej damy? Czy to prawda, że historia o muzykach, którzy stworzyli odpowiedni nastrój naszej bohaterce? Sceptycy kwestionują to wszystko, powołując się na fakt, że Vasari miał 8 lat, gdy zmarł Leonardo. Nie mógł osobiście znać artysty ani jego modela, dlatego przedstawił jedynie informacje podane przez anonimowego autora pierwszej biografii Leonarda. Tymczasem pisarz napotyka także kontrowersyjne fragmenty w innych biografiach. Weźmy na przykład historię złamanego nosa Michała Anioła. Vasari pisze, że Pietro Torrigiani uderzył kolegę z klasy, bo pociągał go jego talent, a Benvenuto Cellini tłumaczy tę urazę swoją arogancją i bezczelnością: kopiując freski Masaccia, podczas lekcji wyśmiewał każdy obraz, za co otrzymał cios w nos z Torrigianiego. Wersję Celliniego potwierdza złożona postać Buonarrotiego, o którym krążyły legendy.
Wersja nr 2: matka Chińska
To naprawdę istniało. Włoscy archeolodzy twierdzą nawet, że odnaleźli jej grób w klasztorze św. Urszuli we Florencji. Ale czy ona jest na zdjęciu? Wielu badaczy twierdzi, że Leonardo namalował portret z kilku modeli, ponieważ kiedy odmówił oddania obrazu handlarzowi tkanin Giocondo, pozostał on niedokończony. Mistrz całe życie udoskonalał swoje dzieło, dodając cechy innych modeli – uzyskując w ten sposób portret zbiorowy idealna kobieta swojej epoki.
Włoski naukowiec Angelo Paratico poszedł dalej. Jest pewien, że Mona Lisa to matka Leonarda, który w rzeczywistości był… Chińczykiem. Badacz spędził 20 lat na Wschodzie, badając powiązania lokalnych tradycji z włoskim renesansem i odkrył dokumenty wskazujące, że ojciec Leonarda, notariusz Piero, miał bogatego klienta, a on miał niewolnika, którego sprowadził z Chin. Miała na imię Katerina - została matką geniusza renesansu. To właśnie fakt, że w żyłach Leonarda płynęła wschodnia krew, badacz wyjaśnia słynne „pismo Leonarda” – umiejętność mistrza pisania od prawej do lewej (tak dokonywano wpisów w jego pamiętnikach). Badacz dostrzegł także orientalne rysy na twarzy modelki i w krajobrazie za nią. Paratico sugeruje ekshumację szczątków Leonarda i przetestowanie jego DNA, aby potwierdzić jego teorię.
Oficjalna wersja mówi, że Leonardo był synem notariusza Piero i „miejscowej wieśniaczki” Kateriny. Nie mógł poślubić kobiety pozbawionej korzeni, ale wziął za żonę dziewczynę z rodziny szlacheckiej z posagiem, która okazała się jednak bezpłodna. Katerina wychowywała dziecko przez kilka pierwszych lat jego życia, a następnie ojciec przyjął syna do swojego domu. Prawie nic nie wiadomo o matce Leonarda. Ale rzeczywiście istnieje opinia, że artysta oddzielił się od matki wczesne dzieciństwo przez całe życie starał się odtworzyć na swoich obrazach wizerunek i uśmiech swojej matki. Założenie to przyjął Zygmunt Freud w swojej książce „Wspomnienia z dzieciństwa. Leonardo da Vinci” i zyskała wielu zwolenników wśród historyków sztuki.
Wersja nr 3: Mona Lisa jest mężczyzną
Widzowie często zauważają, że na wizerunku Mony Lisy, pomimo całej delikatności i skromności, jest pewien rodzaj męskości, a twarz młodej modelki, niemal pozbawiona brwi i rzęs, wydaje się chłopięca. Słynny badacz Mony Lisy, Silvano Vincenti, uważa, że to nie przypadek. Jest pewien, że Leonardo pozował… jako młody mężczyzna w kobiecej sukni. A to nie kto inny jak Salai – uczeń da Vinci, którego namalował na obrazach „Jan Chrzciciel” i „Anioł w ciele”, gdzie młody człowiek obdarzony jest tym samym uśmiechem co Mona Lisa. Historyk sztuki jednak doszedł do takiego wniosku nie tylko dlatego podobieństwo zewnętrzne modeli i po przestudiowaniu zdjęć w wysoka rozdzielczość, co pozwoliło zobaczyć Vincentiego w oczach modelki L i S – zdaniem eksperta – pierwszych liter imion autora zdjęcia i przedstawionego na nim młodego mężczyzny.
„Jan Chrzciciel” Leonarda Da Vinci (Luwr)
Za tą wersją przemawia także szczególna relacja – o której także wspomniał Vasari – pomiędzy modelką a artystą, która być może łączyła Leonarda i Salaia. Da Vinci nie był żonaty i nie miał dzieci. Jednocześnie istnieje dokument donosowy, w którym anonimowa osoba oskarża artystę o sodomię wobec pewnego 17-letniego chłopca Jacopo Saltarelliego.
Według wielu badaczy Leonardo miał kilku uczniów, a z niektórymi z nich był więcej niż blisko. Freud mówi także o homoseksualizmie Leonarda, a tę wersję potwierdza psychiatryczną analizą jego biografii i pamiętnika geniusza renesansu. Notatki Da Vinci na temat Salai są również uważane za argument na korzyść. Istnieje nawet wersja, że da Vinci pozostawił portret Salaia (ponieważ obraz jest wymieniony w testamencie ucznia mistrza), i od niego obraz trafił do Franciszka I.
Nawiasem mówiąc, ten sam Silvano Vincenti wysunął jeszcze jedno założenie: że obraz przedstawia pewną kobietę z orszaku Ludwika Sforzy, na którego dworze w Mediolanie Leonardo pracował w latach 1482–1499 jako architekt i inżynier. Wersja ta pojawiła się po tym, jak Vincenti zobaczył na odwrocie płótna cyfry 149. Jest to według badacza data namalowania obrazu, jedynie ostatnia cyfra została usunięta. Tradycyjnie uważa się, że mistrz zaczął malować Giocondę w 1503 roku.
Kandydatek do tytułu Mony Lisy konkurujących z Salaiem jest jednak wielu innych: są to Isabella Gualandi, Ginevra Benci, Constanza d'Avalos, libertynka Caterina Sforza, pewna tajemnicza kochanka Lorenza de' Medici, a nawet pielęgniarka Leonarda.
Wersja nr 4: Gioconda to Leonardo
Kolejna nieoczekiwana teoria, na którą nawiązał Freud, znalazła potwierdzenie w badaniach Amerykanki Lillian Schwartz. Lilian jest pewna, że Mona Lisa to autoportret. Artystka i konsultantka graficzna w School of Visual Arts w Nowym Jorku w latach 80. XX wieku, porównała słynny „Autoportret Turyński” autorstwa artysty w średnim wieku z portretem Mony Lisy i stwierdziła, że proporcje twarzy ( kształt głowy, rozstaw oczu, wysokość czoła) były takie same.
A w 2009 roku Lilian wraz z historyczką-amatorką Lynn Picknett sprawiły społeczeństwu kolejną niesamowitą sensację: twierdzi, że Całun Turyński to nic innego jak odcisk twarzy Leonarda wykonany przy użyciu siarczanu srebra przy użyciu zasady Camera obscura.
Jednak niewielu wspierało Lilian w jej badaniach – teorie te nie należą do najpopularniejszych, wbrew poniższemu założeniu.
Wersja nr 5: arcydzieło z zespołem Downa
Gioconda cierpiał na chorobę Downa – do takiego wniosku doszedł w latach 70. angielski fotograf Leo Vala, gdy wymyślił sposób na „obrócenie” Mony Lisy z profilu.
W tym samym czasie duński lekarz Finn Becker-Christiansson zdiagnozował u Giocondy wrodzone porażenie twarzy. Jego zdaniem asymetryczny uśmiech mówi o odchyleniach psychicznych, aż do idiotyzmu włącznie.
W 1991 roku francuski rzeźbiarz Alain Roche postanowił ucieleśnić Mona Lisę w marmurze, ale nie wyszło. Okazało się, że z fizjologicznego punktu widzenia wszystko w modelu jest nie tak: twarz, ramiona i ramiona. Następnie rzeźbiarz zwrócił się do fizjologa, profesora Henri Greppo, i pozyskał specjalistę mikrochirurgii ręki, Jean-Jacquesa Conte. Wspólnie doszli do wniosku, że prawa ręka tajemniczej kobiety nie spoczywała na lewej, bo prawdopodobnie była krótsza i mogła powodować skurcze. Wniosek: prawa połowa ciała modelki jest sparaliżowana, co oznacza, że tajemniczy uśmiech to także tylko spazm.
Ginekolog Julio Cruz y Hermida zebrał pełną „dokumentację medyczną” Giocondy w swojej książce „Spojrzenie na Giocondę oczami lekarza”. Rezultatem był tak straszny obraz, że nie jest jasne, jak ta kobieta w ogóle żyła. Według różnych badaczy cierpiała na łysienie (wypadanie włosów), wysoki poziom cholesterolu we krwi, odsłonięcia szyjek zębów, ich rozchwiania i utraty, a nawet alkoholizmu. Miała chorobę Parkinsona, tłuszczaka (łagodny guz tłuszczowy na prawa ręka), zeza, zaćmy i heterochromii tęczówki (różne kolory oczu) oraz astmy.
Kto jednak powiedział, że Leonardo był anatomicznie dokładny – a co jeśli tajemnica geniuszu tkwi właśnie w tej dysproporcji?
Wersja nr 6: dziecko pod sercem
Istnieje inna polarna wersja „medyczna” - ciąża. Amerykański ginekolog Kenneth D. Keel jest pewien, że Mona Lisa odruchowo skrzyżowała ramiona na brzuchu, próbując chronić swoje nienarodzone dziecko. Prawdopodobieństwo jest wysokie, ponieważ Lisa Gherardini miała pięcioro dzieci (nawiasem mówiąc, pierworodny miał na imię Pierrot). Wskazówkę o słuszności tej wersji można odnaleźć w tytule portretu: Ritratto di Monna Lisa del Giocondo (włoski) – „Portret pani Lisy Giocondo”. Monna to skrót od ma donna – Madonna, Matka Boża (choć oznacza także „moją panią”, panią). Krytycy sztuki często tłumaczą geniusz obrazu właśnie tym, że przedstawia ziemską kobietę na obraz Matki Bożej.
Wersja nr 7: ikonograficzna
Jednak teoria, że Mona Lisa jest ikoną, nie ma miejsca Matka Boża zajmowane przez ziemską kobietę, popularną sama w sobie. Na tym polega geniusz dzieła i dlatego stało się ono symbolem początku nowa era w sztuce. Wcześniej sztuka służyła kościołowi, rządowi i szlachcie. Leonardo udowadnia, że ponad tym wszystkim stoi artysta, że najcenniejsza jest twórcza idea mistrza. A świetnym pomysłem jest ukazanie dwoistości świata, a środkiem do tego jest wizerunek Mony Lisy, która łączy w sobie piękno boskie i ziemskie.
Wersja nr 8: Leonardo - twórca 3D
To połączenie zostało osiągnięte dzięki specjalnej technice wymyślonej przez Leonarda - sfumato (z włoskiego - „znikający jak dym”). To właśnie ta technika malowania, polegająca na nakładaniu farb warstwa po warstwie, pozwoliła Leonardo stworzyć na obrazie perspektywę powietrzną. Artysta nałożył ich niezliczoną ilość warstw, a każda z nich była niemal przezroczysta. Dzięki tej technice światło odbija się i rozprasza na płótnie w różny sposób, w zależności od kąta patrzenia i kąta padania światła. Dlatego wyraz twarzy modelki ciągle się zmienia.
Badacze dochodzą do wniosku. Kolejny przełom techniczny geniusza, który przewidział i próbował wdrożyć wiele wynalazków, które wdrożono wieki później (samolot, czołg, kombinezon do nurkowania itp.). Świadczy o tym wersja portretu przechowywana w Muzeum Prado w Madrycie, namalowana albo przez samego da Vinci, albo przez jego ucznia. Przedstawia ten sam model - tylko kąt jest przesunięty o 69 cm. Dlatego eksperci uważają, że poszukiwano pożądanego punktu na obrazie, który da efekt 3D.
Wersja nr 9: tajne znaki
Sekretne znaki to ulubiony temat badaczy Mony Lisy. Leonardo to nie tylko artysta, to inżynier, wynalazca, naukowiec, pisarz i zapewne w swoim najlepszym obrazie zaszyfrował jakieś uniwersalne tajemnice. Najbardziej odważna i niesamowita wersja została wyrażona w książce, a następnie w filmie „Kod Da Vinci”. To oczywiście powieść fabularna. Jednak badacze nieustannie wyciągają równie fantastyczne założenia w oparciu o pewne symbole znalezione na obrazie.
Wiele spekulacji wynika z faktu, że pod wizerunkiem Mony Lisy kryje się jeszcze jeden. Na przykład postać anioła lub pióro w rękach modelki. Istnieje również interesująca wersja Walerija Czudinowa, który odkrył w Mona Lisie słowa Yara Mara – imię rosyjskiej pogańskiej bogini.
Wersja nr 10: krajobraz przycięty
Wiele wersji nawiązuje także do krajobrazu, na tle którego ukazana jest Mona Lisa. Badacz Igor Ladov odkrył w nim cykliczność: wydaje się, że warto narysować kilka linii, aby połączyć krawędzie krajobrazu. Do złożenia wszystkiego brakuje zaledwie kilku centymetrów. Ale w wersji obrazu z Muzeum Prado znajdują się kolumny, które najwyraźniej były również w oryginale. Nikt nie wie, kto przyciął zdjęcie. Jeśli je zwrócisz, obraz rozwinie się w cykliczny pejzaż, który symbolizuje fakt, że życie ludzkie (w sensie globalnym) jest zaczarowane, tak jak wszystko w przyrodzie...
Wydaje się, że wersji rozwiązania zagadki Mony Lisy jest tyle, ilu ludzi próbuje zgłębić to arcydzieło. Było miejsce na wszystko: od zachwytu nad nieziemskim pięknem po uznanie kompletnej patologii. Każdy odnajduje w Monie Lisie coś swojego i być może właśnie tutaj manifestuje się wielowymiarowość i semantyczna wielowarstwowość płótna, która daje każdemu możliwość uruchomienia wyobraźni. Tymczasem tajemnica Mony Lisy pozostaje własnością tej tajemniczej pani, z lekkim uśmiechem na ustach...