Un artículo muy valioso tanto para el espectador como para el artista profesional.
¿Por qué el mar de Aivazovsky es tan vivo, respirable y transparente? ¿Cuál es el eje de cualquiera de sus cuadros? ¿Hacia dónde debemos mirar para disfrutar plenamente de sus obras maestras? Como él mismo escribió: ¿largo, corto, alegre o doloroso? ¿Y qué tiene que ver el impresionismo con Aivazovsky?
Por supuesto, Ivan Konstantinovich Aivazovsky nació como un genio. Pero también había un oficio que dominaba brillantemente y cuyas complejidades quería comprender. Entonces, ¿de qué nacieron? espuma de mar¿Y los caminos lunares de Aivazovsky?
Iván Konstantinovich Aivazovski. Tormenta frente a la costa rocosa.
“Colores secretos”, ola Aivazovsky, esmalte
Ivan Kramskoy le escribió a Pavel Tretyakov: “Aivazovsky probablemente tenga el secreto de componer pinturas, e incluso las pinturas mismas son secretas; Nunca había visto tonos tan brillantes y puros ni siquiera en los estantes de las tiendas de mosquitos”. Algunos de los secretos de Aivazovsky nos han llegado, aunque el principal no es ningún secreto: para pintar el mar así, hay que nacer cerca del mar, vivir cerca de él. larga vida, por lo que nunca tendrán suficiente.
La famosa “ola Aivazovsky” es una espuma casi transparente. ola del mar, se siente como si se estuviera moviendo, rápido, vivo. El artista logró la transparencia mediante la técnica del vidriado, es decir, aplicando las más finas capas de pintura una encima de otra. Aivazovsky prefería el óleo, pero a menudo sus ondas parecen acuarela. Es como resultado del vidriado que la imagen adquiere esta transparencia, y los colores parecen muy saturados, pero no por la densidad del trazo, sino por su especial profundidad y sutileza. El vidriado magistral de Aivazovsky es una delicia para los coleccionistas: la mayoría de sus pinturas están en excelentes condiciones; las capas más finas de pintura son menos susceptibles a agrietarse.
Aivazovsky escribió rápidamente, a menudo creando obras en una sola sesión, por lo que su técnica de vidriado tenía sus propios matices. Esto es lo que escribe sobre esto Nikolai Barsamov, director de la Galería de Arte de Feodosia y el mayor conocedor de la obra de Aivazovsky: “...a veces glaseaba agua sobre una pintura de base semiseca. A menudo el artista vidriaba las ondas en su base, lo que daba profundidad y fuerza al tono colorido y lograba el efecto de una onda transparente. A veces, el vidriado oscurecía planos importantes de la pintura. Pero el barniz en el cuadro de Aivazovsky no era obligatorio la última etapa como lo hacían los antiguos maestros con el método de pintura en tres capas. Toda su pintura la realizó básicamente en un solo paso, y a menudo usaba el vidriado como una de las formas de aplicar una capa de pintura sobre fondo blanco al comienzo del trabajo, y no solo como marcas finales al final del trabajo. El artista a veces utilizó vidriado en la primera etapa del trabajo, cubriendo grandes áreas de la pintura con una capa translúcida de pintura y utilizando la imprimación blanca del lienzo como revestimiento luminoso. Así escribía a veces agua. Al distribuir hábilmente capas de pintura de diferentes densidades sobre el lienzo, Aivazovsky logró una verdadera representación de la transparencia del agua”.
Aivazovsky recurrió a los esmaltes no sólo cuando trabajaba sobre olas y nubes; con su ayuda pudo dar vida a la tierra. “Aivazovsky pintó tierra y piedras con pinceles de cerdas ásperas. Es posible que los haya recortado especialmente para que los extremos duros de las cerdas dejen surcos en la capa de pintura”, dice el crítico de arte Barsamov. — En estos lugares se suele aplicar pintura. capa densa. Como regla general, Aivazovsky casi siempre acristalaba el terreno. El tono del esmalte (más oscuro), que caía en los surcos de las cerdas, daba una vivacidad peculiar a la capa de pintura y una mayor realidad a la forma representada”.
En cuanto a la pregunta “¿de dónde vienen las pinturas?”, se sabe que en los últimos años compró pinturas a la empresa berlinesa Mewes. Es sencillo. Pero también hay una leyenda: supuestamente Aivazovsky compró pinturas a Turner. A este respecto, sólo se puede decir una cosa: teóricamente es posible, pero aun así, Aivazovsky ciertamente no pintó todas sus 6.000 obras con pinturas de Turner. Y el cuadro al que el impresionado Turner dedicó el poema fue creado por Aivazovsky incluso antes de conocer al gran pintor marino británico.
Iván Konstantinovich Aivazovsky. Bahía de Nápoles en una noche de luna.
“En tu foto veo la luna con su oro y su plata, de pie sobre el mar, reflejada en él. La superficie del mar, sobre la que una ligera brisa arrastra un tembloroso oleaje, parece un campo de chispas. Perdóname, gran artista, si me equivoqué al confundir la imagen con la realidad, pero tu obra me encantó y el deleite se apoderó de mí. Tu arte es eterno y poderoso, porque estás inspirado en el genio”, poema de William Turner sobre el cuadro de Aivazovsky “La bahía de Nápoles en una noche de luna”.
Iván Konstantinovich Aivazovsky. Entre las olas.
Lo principal es empezar, o al ritmo de Aivazovsky.
Aivazovsky siempre comenzaba su trabajo con una imagen del cielo y la pintaba en un solo paso: podían ser 10 minutos o 6 horas. Pintó la luz en el cielo no con la superficie lateral del pincel, sino con su extremo, es decir, “iluminó” el cielo con numerosos toques rápidos del pincel. El cielo está listo: puedes relajarte, distraerte (sin embargo, esto se lo permitió solo con pinturas, lo que tomó bastante tiempo). Podría escribir el mar en varias pasadas.
Según Ivan Aivazovsky, trabajar en un cuadro durante mucho tiempo significa, por ejemplo, pintar un lienzo durante 10 días. Este es exactamente el tiempo que le llevó al artista, que entonces tenía 81 años, crear su obra más panorama general- “Entre las olas”. Al mismo tiempo, según él, toda su vida fue preparación para esta película. Es decir, el trabajo requirió el máximo esfuerzo por parte del artista y diez días completos. Pero en la historia del arte, no es raro que las pinturas tarden veinte o más años en pintarse (por ejemplo, Fyodor Bruni escribió su “Serpiente de cobre” durante 14 años, comenzó en 1827 y terminó en 1841).
En Italia, Aivazovsky en un cierto período se hizo amigo de Alexander Ivanov, el mismo que escribió "La aparición de Cristo al pueblo" durante 20 años, de 1837 a 1857. Incluso intentaron trabajar juntos, pero pronto se pelearon. Ivanov pudo trabajar en un boceto durante meses, tratando de lograr la precisión especial de una hoja de álamo, pero durante este tiempo Aivazovsky logró recorrer todo el vecindario y pintar varios cuadros: "No puedo pintar en silencio, no puedo estudiar minuciosamente". durante meses. No salgo de la foto hasta que hablo”. Talentos tan diferentes, diferentes formas de crear (trabajo duro y admiración gozosa por la vida) no podían permanecer juntos por mucho tiempo.
Ivan Aivazovsky junto a su cuadro, fotografía de 1898.
Aivazovsky ante el caballete.
«El mobiliario del taller era excepcionalmente sencillo. Delante del caballete había una silla sencilla con un asiento de mimbre y junco, cuyo respaldo estaba cubierto con una capa bastante gruesa de pintura, ya que Aivazovsky tenía la costumbre de echar el brazo y el pincel sobre el respaldo de la silla y, sentado medio "Se volvió hacia el cuadro, lo miró", según las memorias de Konstantin Artseulov, este nieto de Aivazovsky también se convirtió en artista.
La creatividad como alegría
La musa de Aivazovsky (perdón por esta pomposidad) es alegre, no dolorosa. “Por la ligereza, la aparente facilidad del movimiento de la mano, por la expresión de satisfacción del rostro, se podría decir con seguridad que ese trabajo es un verdadero placer”, estas son las impresiones de un funcionario del Ministerio de la Corte Imperial. , escritor Vasily Krivenko, que vio trabajar a Aivazovsky.
Aivazovsky, por supuesto, vio que para muchos artistas su don es una bendición o una maldición; algunas pinturas están pintadas casi con sangre, agotando y agotando a su creador. Para él, acercarse al lienzo con un pincel siempre fue lo más gran alegría y felicidad, encontró especial ligereza y omnipotencia en su taller. Al mismo tiempo, Aivazovsky escuchó atentamente los consejos prácticos y no hizo a un lado los comentarios de las personas a quienes valoraba y respetaba. Aunque no basta con creer que la ligereza de su pincel sea un inconveniente.
Taller Plein Air VS
Sólo los perezosos no hablaban de la importancia de trabajar con la naturaleza en aquellos años. Aivazovsky prefirió hacer bocetos fugaces del natural y pintar en el estudio. “Preferido” tal vez no sea la palabra correcta; no es una cuestión de conveniencia, fue su elección fundamental. Creía que era imposible representar en la vida el movimiento de los elementos, el aliento del mar, el estruendo del trueno y el relámpago, y esto es precisamente lo que le interesaba. Aivazovsky tenía una memoria fenomenal y consideraba que su tarea "en el lugar" era asimilar lo que estaba sucediendo. Sentir y recordar, para volver al estudio y plasmar estas sensaciones en el lienzo: para eso se necesita la naturaleza. Al mismo tiempo, Aivazovsky era un excelente copista. Mientras estudiaba con Maxim Vorobyov, demostró esta habilidad al máximo. Pero copiar, incluso las pinturas de alguien, incluso la naturaleza, le parecía mucho menos de lo que podía hacer.
Iván Konstantinovich Aivazovsky. Bahía de Amalfi en 1842. Bosquejo. Década de 1880
Iván Konstantinovich Aivazovsky. Costa de Amalfi.
El artista Ilya Ostroukhov dejó recuerdos detallados del rápido trabajo de Aivazovsky y de cómo eran sus bocetos del natural:
"Con la forma de ejecución obra de arte Conocí al famoso pintor marino Aivazovsky en 1889, durante uno de mis viajes al extranjero, a Biarritz. Aproximadamente al mismo tiempo que yo llegué a Biarritz, también llegó Aivazovsky. El venerable artista ya tenía, según recuerdo, unos setenta años... Al enterarse de que yo conocía bien la topografía de la zona, inmediatamente me llevó a dar un paseo por la orilla del océano. Era un día de tormenta, y Aivazovsky, encantado por la vista de las olas del océano, se detuvo en la playa...
Sin apartar la vista del océano y del paisaje de las montañas distantes, lentamente sacó su pequeño cuaderno y dibujó solo tres líneas con un lápiz: el contorno de las montañas distantes, la línea del océano en la base de estas montañas, y la línea de la costa lejos de él. Luego fuimos más lejos con él. Después de caminar aproximadamente una milla, se detuvo de nuevo e hizo el mismo dibujo de varias líneas en la otra dirección.
"Hoy es un día nublado", dijo Aivazovsky, "y por favor dígame dónde sale y se pone el sol aquí".
Señalé. Aivazovsky puso varios puntos en el libro y lo escondió en su bolsillo.
- Ahora vámonos. Eso es suficiente para mí. Mañana pintaré las olas del océano en Biarritz.
Al día siguiente, se pintaron tres cuadros espectaculares del oleaje del mar: en Biarritz: por la mañana, al mediodía y al atardecer...”
Iván Konstantinovich Aivazovski. Biarritz. 1889
El sol de Aivazovsky, o qué tiene que ver el impresionismo con él
El artista armenio Martiros Saryan notó que no importa qué grandiosa tormenta represente Aivazovsky, en la parte superior del lienzo siempre atravesará la acumulación de nubes de tormenta un rayo de luz, a veces claro, a veces sutil y apenas perceptible: “Está en él, esta Luz, que es el significado de todas las tormentas descritas por Aivazovsky."
Iván Konstantinovich Aivazovski. Tormenta en el Mar del Norte.
Iván Konstantinovich Aivazovski. Noche de luna. 1849
Iván Konstantinovich Aivazovski. Bahía de Nápoles en una noche de luna. 1892
Iván Konstantinovich Aivazovski. El barco "Emperatriz María" durante una tormenta. 1892
Iván Konstantinovich Aivazovski. Noche de luna en Capri. 1841
Si este es el sol, iluminará la tormenta más negra, si es un camino lunar, llenará todo el lienzo con su parpadeo. No vamos a llamar a Aivazovsky ni impresionista ni precursor del impresionismo. Pero citemos las palabras del mecenas Alexei Tomilov, que critica las pinturas de Aivazovsky: “Las figuras están sacrificadas hasta tal punto que es imposible reconocer si en primer plano son hombres o mujeres (...) el aire y el agua hacen alarde .” Decimos de los impresionistas que los protagonistas principales de sus cuadros son el color y la luz, una de las principales tareas es la transferencia de masa de aire ligero. En las obras de Aivazovsky lo primero es la luz y, sí, con razón, el aire y el agua (en su caso se trata del cielo y el mar). Todo lo demás se construye en torno a este elemento principal.
Se esfuerza no sólo por representar de forma creíble, sino también por transmitir sensaciones: el sol debe brillar de modo que quieras cerrar los ojos, el espectador se encogerá ante el viento y retrocederá asustado ante las olas. Esto último, en particular, lo hizo Repin cuando Aivazovsky abrió de repente la puerta de la habitación frente a él, detrás de la cual se encontraba su “La novena ola”.
Iván Konstantinovich Aivazovsky. La novena ola.
Cómo mirar las pinturas de Aivazovsky
El artista dio recomendaciones completamente inequívocas: hay que buscar el punto más brillante del lienzo, la fuente de luz y, mirándolo de cerca, deslizar la mirada por el lienzo. Por ejemplo, cuando le reprocharon que "Moonlit Night" no estaba terminada, argumentó que si el espectador "presta mayor atención a la luna y gradualmente, apegándose al punto interesante de la imagen, mira otras partes de la imagen en pasando, y más allá de eso, sin olvidar que Esta es una noche que nos priva de toda reflexión, entonces ese espectador encontrará que esta imagen está más acabada de lo que debería estar”.
Iván Konstantinovich Aivazovski. Noche de luna en Crimea. Gurzuf, 1839, 101×136,5 cm.
Konstantin Aivazovsky no es de esos artistas que pierden la inspiración durante el proceso y abandonan su obra sin terminar. Pero un día esto también le sucedió a él: no terminó el cuadro "La explosión del barco" (1900). La muerte se interpuso en el camino. Esta obra inacabada es especialmente valiosa para los investigadores de su obra. Permite comprender qué consideraba el artista lo principal en la imagen y con qué elementos comenzó a trabajar. Vemos que Aivazovsky comenzó con un barco y la llama de una explosión, algo que tocará el alma del espectador. Y el artista dejó para más tarde los detalles sobre los que el espectador simplemente se deslizará.
Iván Konstantinovich Aivazovsky. Explosión de barco. 1900
Iván Konstantinovich Aivazovski. Gruta Azul. Nápoles. 1841
El espectador moderno a veces se desanima por el intenso colorido de las pinturas de Aivazovsky, sus colores brillantes e intransigentes. Hay una explicación para esto. Y esto no es en absoluto mal gusto del artista.
Fragmento del cuadro “Barco en el mar tempestuoso” de Ivan Aivazovsky (Hermitage).
Hoy nos fijamos en los puertos deportivos de Aivazovsky en los museos. A menudo se trata de galerías provincianas, con interiores ruinosos y sin iluminación especial, que se sustituye simplemente por la luz de la ventana. Pero durante la vida de Aivazovsky, sus pinturas colgaban en ricas salas de estar e incluso en palacios. Bajo techos de estuco, sobre paredes revestidas de lujosos enrejados, a la luz de arañas y candelabros. Es muy posible que el artista tuviera cuidado de que sus pinturas no se perdieran entre las coloridas alfombras y los muebles dorados.
Los expertos dicen que los paisajes nocturnos de Aivazovsky, que a menudo parecen rústicos con poca luz natural o bajo lámparas raras, cobran vida y se vuelven misteriosos y nobles, como los concibió el artista, cuando se ven a la luz de las velas. Especialmente aquellos cuadros que Aivazovsky pintó a la luz de las velas.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky, cuyo verdadero nombre es "Hovhannes Ayvazyan", fue un coleccionista y filántropo, pero en primer grado sigue siendo un artista, y el más talentoso y destacado en su género.
De hecho, desde que la familia del artista, habiendo escapado del genocidio, se mudó a Polonia, su apellido se pronunció al estilo polaco "Gayvazyan", e Ivan más tarde se convirtió en Gayvazovsky. Más tarde se llamó a sí mismo, variación que ha sobrevivido hasta el día de hoy, Aivazovsky, pero el mundo entero recuerda a este hombre como un destacado pintor marino y pintor de batallas. Muchos críticos reaccionaron positivamente a sus pinturas y hoy se presentarán las cinco mejores obras maestras de Ivan Konstantinovich, recopiladas a partir de aquellas pinturas del artista que ganaron fama mundial. Entonces, los cinco más pinturas famosas I.K.Aivazovski.
Primer lugar. La mundialmente famosa "Novena Ola"
Se hicieron leyendas sobre esta imagen. Es la mejor y verdaderamente impresionante creación de Aivazovsky, en la que pudo transmitir toda la belleza del mar durante una tormenta. El enorme tamaño de la pintura te hace levantar las cejas con silenciosa sorpresa, porque una obra así, detallada y hábilmente pintada a tal escala, no es algo que todos puedan hacer.
Ivan Konstantinovich escribió el lienzo en sólo once días, continuando la tradición de la escritura rápida y sin cambiarla en absoluto. La construcción ideal, la trama extraordinaria y el estado de ánimo mismo de la imagen sorprenden incluso a la gente corriente que está lejos del arte. En el centro de la imagen y de la composición misma están los desafortunados, pero aún sobrevivientes marineros, aferrados al mástil, que están a punto de ser devorados por los elementos, poniendo fin a su destino. Y en algún lugar del horizonte los primeros rayos se dibujan con trazos ligeros, casi descuidados. sol naciente. La tormenta está llegando a su fin. El frío infierno está retrocediendo. Verdaderamente armonía después de la destrucción.
Segundo lugar. Victoriosa "batalla de Chesme"
La historia de Rusia está dorada por la gloria de muchas y muchas victorias, pero esta es recordada por sus méritos especiales. La batalla de Chesme es un episodio de la guerra ruso-turca de 1768-1774, que estalló en 1770. Fue después de esta batalla que el conde A. Orlov, uno de los favoritos del gobernante, que comandaba la flota, informó a la emperatriz Catalina la Grande sobre la toma del control de los Dardanelos.
El artista, con un pincel verdaderamente académico, pinta el resplandor cada vez más apagado de una batalla sangrienta, ensordecedoramente despiadada. Los barcos enemigos han sido hundidos y en algunos lugares sus mástiles todavía se están quemando, arrojando un resplandor rojo en el agua; En el cielo, la luna brilla como el ojo de un dragón, descolorida y sin vida. Negro, como si el cielo estuviera salpicado de ceniza. Contrastes de color.
El lienzo, curiosamente, se distingue por su tranquilidad increíble: todo ha terminado, los marineros deponen las armas y curan a los heridos, celebrando la victoria. La vida ha triunfado, sólo hay que volver a su ciclo habitual, aunque todavía quedan cuatro años de guerra por delante. Una obra maestra atmosférica y exclusiva.
Tercer lugar. Alarmante "arco iris"
Digan lo que digan, pero El tema favorito del pintor es el agua inquieta.. Una tormenta que marca la superficie del mar y arroja a sus habitantes a la orilla, truenos, relámpagos en la oscuridad total. Romance oceánico, bello, pero no menos impredecible, ajeno a quienes no aman el mar. Y Aivazovsky amaba el mar como nadie.
La pintura representa su estado favorito del mar. El barco, peligrosamente inclinado hacia la izquierda, está a punto de ser tragado por una ciudadela de agua amarga enloquecida; un par de barcos, como trozos de madera, son sacudidos por las olas, obligando a las personas sentadas en ellos a perder su última esperanza. de salvación. Pero hay un arco iris en el cielo. Según la Biblia, Dios creó el arco iris como parte de un juramento de no volver a enviar un diluvio a sus hijos. ¿Quizás esto sea una señal misteriosa para los marineros...? Una hermosa pintura con un profundo significado.
Cuarto lugar. La superficie tranquila del cuadro “Mar Negro”
El Mar Negro siempre ha sido conocido como un bastión de tranquilidad. Gaviotas cortando horizontes infinitos de agua oscura (de donde el mar debe su nombre), aire cálido y húmedo, sol abrasador. Las ciudades costeras locales son conocidas como balnearios, donde entrenan a los defensores de la Patria, para quienes este mar se convierte en una especie de alma mater. Y la atención de Ivan Konstantinovich tampoco pasó por alto este pintoresco rincón de Rusia.
El Mar Negro está representado en la pintura del artista como una serena cuna de vida. Con pinceladas magistrales, perfecciona el juego de las olas en una ligera brisa. Un mar así acaricia la orilla y sacude las medusas que brillan a través de ella. agua clara, apareciendo negro y azul sólo desde lejos. Un mar así te llama, promete calentarte con su abrazo salado, pero la impresión es engañosa: las nubes se están acumulando y pronto esta calma puede llegar a su fin.
Un barco solitario navega en el horizonte cada vez más luminoso, sin darse cuenta del peligro inminente. ¿Pero escapará al destino de ser enterrado en estas aguas tranquilas?
Quinto lugar. "Entre las Olas", impresionante y sorprendente
Esta imagen no se coloca al final de la clasificación porque de alguna manera es peor que otras: Aivazovsky no tiene malas películas. Pero este secuencia cronológica fue posterior a todos los anteriores, y es precisamente esto lo que puede considerarse una especie de “testamento creativo” definitivo, incluso icónico y simbólico, de un pintor marino que encontró su estilo único y puso toda su alma en la creación.
Esta pintura se puede llamar una continuación lógica o, más bien, poética del "Mar Negro". Tanto de continuación como de finalización. Allí la tormenta sólo da las primeras señales, insinuando lo que pronto estallará, pero aquí se muestra como un elemento inexorable, dispuesto a devorar los propios cielos, pintado de verde oscuro turquesa en la parte superior del cuadro.
Se ven los pálidos destellos de las olas, casi se puede oír el peligroso y atractivo sonido del agua. Esto es de noche, este es el epicentro de una explosión espontánea. En aquel momento, Konstantin Ivanovich, de ochenta y dos años, pudo demostrar lo trágica y problemática que puede ser una tormenta. “En su tormenta hay éxtasis, hay belleza eterna...” - escribió Dostoievski mucho antes de que apareciera este cuadro, el cuadro culminante de la brillante obra de Aivazovsky. Obra maestra.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Ayvazyan) nació en Feodosia el 29 de julio de 1817. Su padre, Konstantin Grigorievich Aivazovsky, de nacionalidad armenia, se casó con una compañera armenia llamada Hripsime. Iván (o Hovhannes, así lo llamaron al nacer) tenía tres hermanas y un hermano Gabriel (al nacer, Sargis), quien más tarde se convirtió en historiador y sacerdote armenio. Konstantin Aivazovsky era un comerciante que inicialmente tuvo bastante éxito, pero en 1812 quebró debido a la epidemia de peste.Incluso cuando era niño, Ivan Aivazovsky mostró extraordinarias habilidades artísticas y musicales; por ejemplo, dominaba el juego del violín sin ayuda externa. Yakov Khristianovich Kokh, un arquitecto de Feodosia, fue el primero en notar el talento artístico del joven Iván y le enseñó lecciones elementales habilidad. Suministró a Aivazovsky lápices, papel, pinturas y también atrajo la atención de A.I Kaznacheev, el alcalde de Feodosia, sobre los talentos del niño.
Aivazovsky se graduó en la escuela del distrito de Feodosia y luego ingresó en el gimnasio de Simferopol con la ayuda del alcalde, quien en ese momento ya se había convertido en un admirador del talento del joven. Después de esto, fue inscrito en la Academia de Artes de San Petersburgo (la educación se llevó a cabo a expensas del estado), gracias a la recomendación pintor alemán Johann Ludwig Gross: el primer profesor de dibujo del joven Aivazovsky. Ivan Aivazovsky, de dieciséis años, llegó a San Petersburgo en 1833.
En 1835, los paisajes de Aivazovsky "Vista de la costa en las proximidades de San Petersburgo" y "Estudio del aire sobre el mar" recibieron una medalla de plata, y el artista fue nombrado asistente del pintor paisajista francés de moda Philippe Tanner. Este último prohibió a Aivazovsky pintar solo, pero el joven artista continuó pintando paisajes y, en el otoño de 1836, cinco de sus pinturas se presentaron en una exposición en la Academia de las Artes, todas las cuales recibieron críticas favorables de los críticos.
Pero Philip Tanner presentó una denuncia contra Aivazovsky ante el zar y, siguiendo instrucciones de Nicolás I, todas las obras del artista fueron retiradas de la exposición. Aivazovsky fue indultado seis meses después. Fue transferido a la clase militar. pintura del mar bajo la dirección del profesor Alexander Ivanovich Sauerweid. Después de varios meses de estudiar con Sauerweid, Aivazovsky experimentó un éxito sin precedentes: en el otoño de 1837 recibió la Gran Medalla de Oro por el cuadro "Calma", ganándose así el derecho a viajar a Crimea y Europa.
El período de creatividad de 1838 a 1844.
En la primavera de 1838, el artista viajó a Crimea, donde vivió hasta el verano de 1839. El tema principal su creatividad se convirtió no sólo en paisajes marinos, sino también escenas de batalla. Por sugerencia del general Raevsky, Aivazovsky participó en operaciones militares en la costa circasiana en el valle del río Shakhe. Allí hizo bocetos para el futuro cuadro “Aterrizaje del destacamento en el valle de Subashi”, que pintó más tarde; luego, esta pintura fue adquirida por Nicolás I. En el otoño de 1839, el pintor regresó a San Petersburgo y el 23 de septiembre recibió un certificado de graduación de la Academia de las Artes, primer rango y nobleza personal.Durante este período, Aivazovsky se convirtió en miembro del círculo del artista Karl Bryullov y el compositor Mikhail Glinka. En el verano de 1840, el artista y su amigo de la Academia Vasily Sternberg viajaron a Italia. El destino final de su viaje fue Roma; en el camino hicieron escala en Florencia y Venecia. En Venecia, Aivazovsky conoció a N.V. Gogol y también visitó la isla de San Petersburgo. Lázaro, donde conoció a su hermano Gabriel. Radicado en el sur de Italia, en Sorrento, trabajó a su manera: pasó poco tiempo al aire libre y en el taller recreó el paisaje, improvisando y dejando rienda suelta a su imaginación. El cuadro “Caos” fue adquirido por el Papa Gregorio XVI, quien se lo regaló al artista como recompensa por su trabajo. medalla de oro. El período "italiano" de la obra del artista se considera muy exitoso tanto desde el punto de vista comercial como crítico; por ejemplo, las obras de Ivan Konstantinovich obtuvieron grandes elogios del pintor inglés William Turner. La Academia de las Artes de París otorgó a las pinturas de Aivazovsky una medalla de oro.
En 1842, Aivazovsky visitó Suiza y Alemania, luego fue a Holanda, de allí a Inglaterra y luego visitó París, Portugal y España. Hubo algunos incidentes: en el Golfo de Vizcaya, el barco en el que navegaba Ivan Konstantinovich quedó atrapado en una tormenta y casi se hundió, y la información sobre la muerte del artista apareció en la prensa parisina. En el otoño de 1844, Aivazovsky regresó a su tierra natal después de un viaje de cuatro años.
Carrera adicional, período de 1844 a 1895.
En 1844, Ivan Konstantinovich recibió el título de pintor del Estado Mayor Naval y en 1847, profesor de la Academia de Artes de San Petersburgo. el era miembro honorario cinco Academias de Artes en ciudades europeas: París, Roma, Florencia, Stuttgart, Amsterdam.La base de la creatividad. Aivazovski Como era de temática marítima, creó una serie de retratos de ciudades de la costa de Crimea. Entre los pintores marinos, Aivazovsky no tiene igual: capturó el mar como un elemento tormentoso con olas amenazadoras y espumosas y, al mismo tiempo, pintó numerosos paisajes de asombrosa belleza que representan amaneceres y atardeceres en el mar. Aunque entre las pinturas de Aivazovsky también hay tipos de sushi (principalmente paisajes de montaña), así como retratos: el mar es sin duda su elemento nativo.
Fue uno de los fundadores de la escuela cimeria de pintura de paisajes, que transmite en lienzo la belleza de la costa del Mar Negro en el este de Crimea.
Su carrera puede considerarse brillante: tenía el rango de contraalmirante y recibió muchas órdenes. El número total de obras de Aivazovsky supera las 6.000.
A Aivazovsky no le gustaba la vida metropolitana; se sentía irresistiblemente atraído por el mar y en 1845 regresó a su ciudad natal de Feodosia, donde vivió hasta el final de su vida. Recibió el título de primer ciudadano honorario de Feodosia.
No sólo fue un artista destacado, sino también un filántropo: con el dinero que ganó fundó una escuela de arte y una galería de arte. Aivazovsky puso mucho esfuerzo en mejorar Feodosia: inició la construcción ferrocarril, que unió Feodosia y Dzhankoy en 1892; gracias a él apareció el suministro de agua en la ciudad. También se interesó por la arqueología, participó en la protección de los monumentos de Crimea y participó en excavaciones arqueológicas (algunos de los objetos encontrados fueron trasladados al Hermitage). En fondos propios Aivazovsky erigió un nuevo edificio para el Museo Histórico y Arqueológico de Feodosia.
Ivan Konstantinovich donó su obra "Caminando sobre las aguas" a la sociedad palestina, encabezada por I.I Tchaikovsky, hermano del famoso compositor.
Finalización de la carrera y últimos días del pintor.
Aivazovsky murió el 2 de mayo de 1900 en Feodosia, habiendo llegado a una edad avanzada (vivió hasta los 82 años).Hasta su último día, escribió Aivazovsky -uno de sus últimas pinturas llamado “Sea Bay”, y el cuadro “La explosión de un barco turco” quedó inacabado debido a la repentina muerte del artista. El cuadro inacabado permaneció en el caballete del estudio del pintor.
Iván Konstantinovich enterrado en Feodosia, en la valla de un templo medieval armenio. Tres años más tarde, la viuda del pintor instaló sobre su tumba una lápida de mármol: un sarcófago de mármol blanco del escultor italiano L. Biogioli.
En 1930, se erigió un monumento a Aivazovsky en Feodosia frente al epónimo. galería de arte. El pintor está representado sentado sobre un pedestal y mirando al mar, en sus manos tiene una paleta y un pincel.
Familia
Aivazovski estuvo casado dos veces. Se casó por primera vez en 1848 con una inglesa. Julia Grevs, hija de un médico de San Petersburgo. De este matrimonio, que duró 12 años, nacieron cuatro hijas. Al principio, la vida familiar era próspera, luego apareció una grieta en la relación entre los cónyuges: Yulia Yakovlevna quería vivir en la capital e Ivan Konstantinovich prefería su Feodosia natal. El divorcio definitivo tuvo lugar en 1877 y en 1882 Aivazovsky se volvió a casar: Anna Nikitichna Sarkisova, una joven viuda de comerciante, se convirtió en su esposa. A pesar de que su marido era casi 40 años mayor que Anna Sarkisova, el segundo matrimonio de Aivazovsky fue un éxito.
Un dato interesante es que muchos de los nietos del gran pintor siguieron sus pasos y se convirtieron en artistas.
El mar y Aivazovsky son sinónimos desde hace siglo y medio. Decimos "Aivazovsky", imaginamos el mar, y cuando vemos una puesta de sol en el mar o una tormenta, un velero o un oleaje espumoso, calma o brisa marina, decimos: "¡Puro Aivazovsky!"
Es difícil no reconocer a Aivazovsky. Pero hoy "Arthive" les mostrará un Aivazovsky raro y poco conocido. Aivazovsky inesperado e inusual. Aivazovsky, a quien quizás ni siquiera reconozcas de inmediato. En resumen, Aivazovsky sin mar.
Paisaje invernal. Iván Konstantinovich Aivazovsky, década de 1880
Estos son autorretratos gráficos de Aivazovsky. Quizás esté irreconocible aquí. Y no se parece más a sus propias imágenes pintorescas (ver más abajo), sino a su buen amigo, con quien viajó por Italia en su juventud: Nikolai Vasilyevich Gogol. Autorretrato a la izquierda, como Gogol, componiendo " almas muertas"en una mesa llena de borradores.
Aún más interesante es el autorretrato de la derecha. ¿Por qué no con paleta y pinceles, sino con un violín? Porque el violín fue durante muchos años un fiel amigo de Aivazovsky. Nadie recordaba quién se lo dio a Hovhannes, de 10 años, un niño de una familia numerosa y pobre de inmigrantes armenios en Feodosia. Por supuesto, los padres no podían permitirse el lujo de contratar a un maestro. Pero eso no fue necesario. A Hovhannes le enseñaron a tocar músicos itinerantes en el bazar de Feodosia. Su audición resultó ser excelente. Aivazovsky podía captar de oído cualquier melodía, cualquier melodía.
El aspirante a artista trajo su violín a San Petersburgo y tocó “para el alma”. A menudo, en una fiesta, cuando Hovhannes hacía amistades útiles y comenzaba a visitar la sociedad, le pedían que tocara el violín. Aivazovsky, de carácter tranquilo, nunca se negó. En la biografía del compositor Mikhail Glinka, escrita por Vsevolod Uspensky, se encuentra el siguiente fragmento: “Una vez, en el Titiritero, Glinka se reunió con un estudiante de la Academia de Artes, Aivazovsky. Cantó magistralmente salvaje Canción de Crimea, sentado al estilo tártaro en el suelo, balanceándose y sosteniendo el violín contra su barbilla. A Glinka le gustaban mucho las melodías tártaras de Aivazovsky; su imaginación se sintió atraída hacia el este desde su juventud... Dos melodías finalmente pasaron a formar parte de Lezginka, y la tercera, en la escena de Ratmir en el tercer acto de la ópera "Ruslan y Lyudmila".
Aivazovsky llevará su violín a todas partes. En los barcos de la escuadra báltica, su interpretación entretenía a los marineros; el violín les cantaba sobre mares cálidos y una vida mejor. En San Petersburgo, al ver por primera vez a su futura esposa Julia Grevs en una recepción social (ella era solo la institutriz de los hijos del maestro), Aivazovsky no se atrevió a presentarse; en cambio, volvería a tomar el violín y el cinturón. una serenata en italiano.
Una pregunta interesante: ¿por qué en la imagen Aivazovsky no apoya el violín en su barbilla, sino que lo sostiene como si fuera un violonchelo? La biógrafa Yulia Andreeva explica esta característica de la siguiente manera: “Según numerosos testimonios de sus contemporáneos, sostenía el violín al estilo oriental, apoyándolo sobre su rodilla izquierda. De esta manera podía tocar y cantar al mismo tiempo”.
Autorretrato de Ivan Aivazovsky, 1874
Y este autorretrato de Aivazovsky es sólo a modo de comparación: a diferencia de los anteriores, no tan conocidos, el lector probablemente esté familiarizado con él. Pero si en el primero Aivazovsky se parecía a Gogol, en éste, con las patillas bien cuidadas, se parecía a Pushkin. Por cierto, esta fue precisamente la opinión de Natalya Nikolaevna, la esposa del poeta. Cuando Aivazovsky fue presentada a la pareja Pushkin en una exposición en la Academia de las Artes, Natalya Nikolaevna notó amablemente que la apariencia del artista le recordaba mucho a los retratos. joven Alejandro Serguéievich.
Petersburgo. Cruzando el Nevá. Iván Konstantinovich Aivazovsky, década de 1870
En la primera (y si descartamos las leyendas, entonces la única) reunión, Pushkin le hizo dos preguntas a Aivazovsky. La primera es más que predecible cuando conoces a alguien: ¿de dónde es el artista? Pero el segundo es inesperado e incluso algo familiar. Pushkin preguntó a Aivazovsky si él, un hombre del sur, no se estaba congelando en San Petersburgo. Si tan solo Pushkin supiera que tenía razón. Durante todos los inviernos en la Academia de las Artes, el joven Hovhannes pasó un frío catastrófico.
Hay corrientes de aire en los pasillos y en las aulas, los profesores se envuelven la espalda con pañuelos de plumas. Hovhannes Aivazovsky, de 16 años, aceptado en la clase del profesor Maxim Vorobyov, tiene los dedos entumecidos por el frío. Tiene frío, se envuelve en una chaqueta manchada de pintura que no le abriga nada y tose todo el tiempo.
Es especialmente difícil de noche. Una manta apolillada no te permite calentarte. Todos los miembros tienen frío, los dientes no se tocan y, por alguna razón, los oídos están especialmente fríos. Cuando el frío le impide dormir, el estudiante Aivazovsky recuerda a Feodosia y el cálido mar.
El médico general Overlach escribe informes al presidente de la Academia Olenin sobre la mala salud de Hovhannes: “El académico Aivazovsky fue trasladado varios años antes a San Petersburgo desde la región sur de Rusia y precisamente desde Crimea, desde su estancia aquí Siempre me he sentido enfermo y ya lo he utilizado muchas veces. Estuve en la enfermería académica, sufriendo, antes y ahora, dolor en el pecho, tos seca, dificultad para respirar al subir escaleras y latidos fuertes del corazón”.
¿Es por eso que “Cruzando el Neva”, un raro paisaje de San Petersburgo para la obra de Aivazovsky, parece que hace que te duelan los dientes por el frío imaginario? Fue escrito en 1877, la Academia desapareció hace mucho tiempo, pero la sensación del frío penetrante del norte de Palmira permanece. Gigantescos témpanos de hielo se elevaron sobre el Neva. La Admiralty Needle aparece a través de los colores fríos y brumosos del cielo violeta. Hace frío para los pequeños que van en el carro. Hace frío, es alarmante... pero también divertido. Y parece que hay tantas cosas nuevas, desconocidas e interesantes allí, delante, detrás del velo del aire helado.
Traición de Judas. Iván Konstantinovich Aivazovski, 1834
El Museo Estatal Ruso de San Petersburgo conserva cuidadosamente el boceto de Aivazovsky "La traición de Judas". Está realizado sobre papel gris con lápiz blanco y italiano. En 1834, Aivazovsky estaba preparando un cuadro para tema bíblico por instrucciones de la Academia. Hovhannes era bastante reservado por naturaleza, le encantaba trabajar solo y no entendía en absoluto cómo su ídolo Karl Bryullov podía escribir frente a una multitud de personas.
Aivazovsky, por el contrario, prefería la soledad para su trabajo, por eso cuando presentó "La traición de Judas" a sus compañeros en la academia, resultó ser para ellos. una completa sorpresa. Muchos simplemente no podían creer que un provincial de 17 años, apenas en su segundo año de estudios, fuera capaz de tal cosa.
Y entonces a sus malvados se les ocurrió una explicación. Después de todo, ¿Aivazovsky siempre desaparece del coleccionista y filántropo Alexei Romanovich Tomilov? Y en su colección hay Bryullov, Poussins, Rembrandt y quién sabe quién más. Seguramente el astuto Hovhannes simplemente copió allí un cuadro de algún maestro europeo poco conocido en Rusia y lo hizo pasar como propio.
Afortunadamente para Aivazovsky, el presidente de la Academia de las Artes, Alexei Nikolaevich Olenin, tenía una opinión diferente sobre "La traición de Judas". Olenin quedó tan impresionado por la habilidad de Hovhannes que lo honró con un gran favor: lo invitó a quedarse con él en la finca Priyutino, donde lo visitaron Pushkin y Krylov, Borovikovsky y Venetsianov, Kiprensky y los hermanos Bryullov. Un honor inaudito para un académico novato.
Etapa oriental. Cafetería cerca de la mezquita de Ortakoy en Constantinopla. Iván Konstantinovich Aivazovski, 1846
En 1845, Aivazovsky, de 27 años, cuyos paisajes marinos ya resonaban en toda Europa, desde Amsterdam hasta Roma, recibía homenaje en Rusia. Recibe "Anna en el cuello" (Orden de Santa Ana, tercer grado), el título de académico, 1.500 acres de tierra en Crimea durante 99 años de uso y, lo más importante, un uniforme naval oficial. El Ministerio Naval, por servicios a la Patria, nombra a Aivazovsky primer pintor del Estado Mayor Naval. Ahora se exige que Aivazovsky pueda entrar en todos los puertos rusos y en todos los barcos, dondequiera que desee ir. Y en la primavera de 1845, ante la insistencia del gran duque Konstantin Nikolaevich, el artista fue incluido en la expedición naval del almirante Litke a Turquía y Asia Menor.
En ese momento, Aivazovsky ya había viajado por toda Europa (su pasaporte extranjero tenía más de 135 visas y los funcionarios de aduanas estaban cansados de agregarle nuevas páginas), pero aún no había estado en las tierras de los otomanos. Por primera vez ve Quíos y Patmos, Samos y Rodas, Sinop y Esmirna, Anatolia y Levante. Y, sobre todo, quedó impresionado por Constantinopla: “Mi viaje”, escribió Aivazovsky, “con su Alteza Imperial Konstantin Nikolaevich fue extremadamente agradable e interesante, en todas partes logré hacer bocetos para pinturas, especialmente en Constantinopla, de la que estoy admirado. . Probablemente no hay nada más majestuoso en el mundo que esta ciudad; allí se olvidan tanto Nápoles como Venecia”.
“Cafetería en la mezquita de Ortakoy” es una de las vistas de Constantinopla pintadas por Aivazovsky después de este primer viaje. En general, las relaciones de Aivazovsky con Turquía son una historia larga y difícil. Visitará Turquía más de una vez. El artista fue muy apreciado por los gobernantes turcos: en 1856, el sultán Abdul-Mecid I le concedió la Orden de "Nitshan Ali", cuarto grado, en 1881, el sultán Abdul-Hamid II, con una medalla de diamantes. Pero entre estos premios estuvo también la guerra ruso-turca de 1877, durante la cual la casa de Aivazovsky en Feodosia fue parcialmente destruida por un proyectil. Sin embargo, es significativo que el tratado de paz entre Turquía y Rusia se firmara en una sala decorada con pinturas de Aivazovsky. Durante su visita a Turquía, Aivazovsky se comunicó especialmente cálidamente con los armenios que vivían en Turquía, quienes lo llamaban respetuosamente Aivaz Efendi. Y cuando en la década de 1890 el sultán turco cometió una masacre monstruosa en la que murieron miles de armenios, Aivazovsky arrojó desafiantemente al mar premios otomanos, diciendo que aconsejaba al sultán que hiciera lo mismo con sus pinturas.
“Cafetería cerca de la mezquita de Ortakoy” de Aivazovsky es una imagen ideal de Turquía. Ideal, porque es pacífico. Sentados, relajados sobre almohadas bordadas y sumergidos en la contemplación, los turcos beben café, inhalan el humo de la pipa de agua y escuchan melodías discretas. Fluye aire fundido. El tiempo fluye entre tus dedos como arena. Nadie tiene prisa, no hay necesidad de apresurarse: todo lo necesario para la plenitud del ser ya está concentrado en el momento presente.
Molinos de viento en la estepa ucraniana al atardecer. Iván Konstantinovich Aivazovski, 1862
No se puede decir que Aivazovsky en el paisaje “Molinos de viento en la estepa ucraniana...” esté irreconocible. Un campo de trigo bajo los rayos del atardecer es casi como la superficie ondulada del mar, y los molinos son las mismas fragatas: en algunos el viento infla las velas, en otros hace girar las aspas. ¿Dónde y, sobre todo, cuándo podría Aivazovsky dejar de pensar en el mar y interesarse por la estepa ucraniana?
Regresando de la boda. Iván Konstantinovich Aivazovski, 1891
Chumaks de vacaciones. Iván Konstantinovich Aivazovski, 1885
Quizás cuando poco tiempo¿Se mudó con su familia de Feodosia a Jarkov? Y no lo transportó sin hacer nada, sino que lo evacuó apresuradamente. En 1853, Türkiye declaró la guerra a Rusia, en marzo de 1854 se le unieron Inglaterra y Francia; Guerra de Crimea. En septiembre el enemigo ya estaba en Yalta. Aivazovsky necesitaba urgentemente salvar a sus familiares: su esposa, sus cuatro hijas y su anciana madre. “Con dolor espiritual”, informó el artista a uno de los corresponsales, “tuvimos que abandonar nuestra querida Crimea, dejando atrás todas nuestras riquezas, adquiridas con nuestro trabajo a lo largo de quince años. Además de mi familia, mi madre de 70 años, tuve que llevarme a todos mis parientes y paramos en Jarkov, por ser la ciudad más cercana al sur y económica para una vida modesta”.
El biógrafo escribe que en el nuevo lugar, la esposa de Aivazovsky, Yulia Grevs, que anteriormente había ayudado activamente a su marido en Crimea en sus excavaciones arqueológicas e investigaciones etnográficas, "trató de cautivar a Aivazovsky con la arqueología o escenas de la vida de la Pequeña Rusia". Después de todo, Julia realmente quería que su esposo y su padre se quedaran con la familia por más tiempo. No funcionó: Aivazovsky se apresuró a ir a la sitiada Sebastopol. Durante varios días, bajo bombardeos, pintó batallas navales del natural, y sólo una orden especial del vicealmirante Kornilov obligó al intrépido artista a abandonar el teatro de operaciones militares. Sin embargo, el legado de Aivazovsky incluye muchas escenas de género etnográfico y paisajes ucranianos: "Chumaks de vacaciones", "Boda en Ucrania", "Escena de invierno en la Pequeña Rusia" y otros.
Retrato del senador Alexander Ivanovich Kaznacheev, líder de la nobleza de la provincia de Tauride. Iván Konstantinovich Aivazovski, 1848
Aivazovsky dejó relativamente pocos retratos. Pero le escribió a este señor más de una vez. Sin embargo, esto no es sorprendente: el artista consideraba a Alexander Ivanovich Kaznacheev su "segundo padre". Cuando Aivazovsky aún era pequeño, Kaznacheev fue alcalde de Feodosia. A finales de la década de 1820, empezó a recibir cada vez más quejas: alguien estaba gastando bromas en la ciudad: pintando vallas y paredes encaladas de casas. El alcalde fue a inspeccionar el art. En las paredes había figuras de soldados, marineros y siluetas de barcos, dibujadas con carbón de samovar; debo decir, muy, muy creíbles. Después de un tiempo, el arquitecto municipal Koch informó al Tesorero que había identificado al autor de este “graffiti”. Se trataba de Hovhannes, de 11 años, hijo del anciano del mercado Gevork Gaivazovsky.
"Dibujas maravillosamente", coincidió Kaznacheev cuando conoció al "criminal", "¡¿pero por qué en las cercas de otras personas ?!" Sin embargo, lo comprendió de inmediato: los Aivazovsky son tan pobres que no pueden comprar material de dibujo para su hijo. Y Kaznacheev lo hizo él mismo: en lugar de castigarlo, le dio a Hovhannes un montón de buenos papeles y una caja de pinturas.
Hovhannes comenzó a visitar la casa del alcalde y se hizo amigo de su hijo Sasha. Y cuando en 1830 Kaznacheev se convirtió en gobernador de Tavria, llevó a Aivazovsky, que se había convertido en un miembro de la familia, a Simferopol para que el niño pudiera estudiar en el gimnasio de allí, y tres años más tarde hizo todo lo posible para que Hovhannes fuera matriculado en Academia Imperial letras
Cuando el adulto y famoso Aivazovsky regrese a vivir en Crimea para siempre, mantendrá relaciones amistosas con Alexander Ivanovich. E incluso en cierto sentido imitará a su “dicho padre”, cuidando intensamente a los pobres y desfavorecidos y fundando el “Taller General”, una escuela de arte para jóvenes talentosos locales. Y Aivazovsky, según su propio diseño y por su cuenta, erigirá una fuente en honor a Kaznacheev en Feodosia.
Caravana en el oasis. Egipto. Iván Konstantinovich Aivazovski, 1871
El 17 de noviembre de 1869 se abrió a la navegación el Canal de Suez. Extendido a través de los desiertos egipcios, conectaba el Mediterráneo y el Mar Rojo y se convirtió en una frontera condicional entre África y Eurasia. Aivazovsky, de 52 años, curioso y todavía ávido de impresiones, no podía faltar a semejante evento. Llegó a Egipto como parte de la delegación rusa y se convirtió en el primer pintor marino del mundo en pintar el Canal de Suez.
"Esas fotos en las que fortaleza principal- la luz del sol... debe ser considerada la mejor”, siempre estuvo convencido Aivazovsky. Y en Egipto había mucho sol, sólo trabajo. Palmeras, arenas, pirámides, camellos, lejanos horizontes desérticos y "Caravana en un oasis": todo esto permanece en las pinturas de Aivazovsky.
El artista también dejó interesantes recuerdos del primer encuentro de la canción rusa y el desierto egipcio: “Cuando el barco de vapor ruso entraba en el Canal de Suez, el vapor francés que iba delante encalló y los nadadores se vieron obligados a esperar hasta que lo retiraran. Esta parada duró unas cinco horas.
ella era hermosa noche de luna, que dio una especie de belleza majestuosa a las costas desiertas país antiguo faraones, separados por un canal de la costa asiática.
Para acortar el tiempo, los pasajeros del vapor ruso montaron un improvisado concierto vocal: Sra. Kireeva, poseedora con una voz maravillosa, asumió las funciones de cantante principal, se levantó un coro armonioso...
Y así, en las costas de Egipto, sonó una canción sobre la "Madre Volga", sobre el "bosque oscuro", sobre el "campo abierto" y se precipitó sobre las olas, plateadas por la luna, brillando intensamente en el borde de dos partes. del mundo..."
Catholicos Khrimyan en las cercanías de Etchmiadzin. Iván Konstantinovich Aivazovski, 1895
Retrato del hermano del artista, Gabriel Ayvazyan. Iván Konstantinovich Aivazovski, 1883
Bautismo del pueblo armenio. Grigor el Iluminador (siglo IV) Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1892
Quizás sea nuevo para alguien saber que Ivan Konstantinovich Aivazovsky era un verdadero fanático de la Iglesia Apostólica Armenia, una de las iglesias cristianas más antiguas, por cierto. Había una comunidad cristiana armenia en Feodosia y el Sínodo estaba ubicado en el "corazón de Armenia": la ciudad de Etchmiadzin.
El hermano mayor de Aivazovsky, Sargis (Gabriel), se convirtió en monje, luego arzobispo y destacado educador armenio. Para el propio artista, su afiliación religiosa no era en modo alguno una formalidad vacía. sobre lo mas eventos importantes de su vida, por ejemplo, sobre una boda, informó al Sínodo de Etchmiadzin: “El 15 de agosto de 1848 me casé con Julia, la hija de Jacob Greves, un luterano inglés, pero él se casó en la iglesia armenia y en el condición de que mis hijos de este matrimonio también sean bautizados en la pila sagrada armenia".
Cuando la vida familiar va mal, Aivazovsky tendrá que pedir permiso allí para disolver el matrimonio.
En 1895, un invitado distinguido llegó a Feodosia para visitar a Aivazovsky: Catholicos Khrimyan, jefe Iglesia Armenia. Aivazovsky lo llevó a la antigua Crimea, donde erigió una nueva en el lugar de las iglesias destruidas e incluso le pintó una imagen de altar. En una cena de gala para 300 personas en Feodosia, los Catholicos le prometieron al artista: “Yo, Khrimyan Hayrik, en una mano tengo una cruz, en la otra, la Biblia, rezaré por ti y por mis pobres. pueblo armenio" Ese mismo año, el inspirado Aivazovsky pintará el cuadro “Catholicos Khrimyan en las cercanías de Etchmiadzin”.
Dentro de cinco años, Aivazovsky, de 82 años, estará muerto. Su tumba en el patio del antiguo templo está decorada con una inscripción en armenio: "Nació mortal, dejó un recuerdo inmortal".
Anna Nikitichna Burnazyan-Sarkizova, segunda esposa de I.K. Aivazovski. Iván Konstantinovich Aivazovski, 1882
Sería injusto para el lector terminar nuestra historia sobre las pinturas de Aivazovsky, donde no hay mar, con el hecho de la muerte del artista. Además, habiendo tocado muchos hitos biográficos importantes, todavía no hablamos de amor.
Cuando Aivazovsky tenía nada menos que 65 años, se enamoró. Además, se enamoró como un niño: a primera vista y en circunstancias menos propicias para el romance. Iba en un carruaje por las calles de Feodosia y se cruzó con un cortejo fúnebre, en el que se encontraba una joven vestida de negro. hermosa mujer. El artista creía que en su Feodosia natal conocía a todos por su nombre, pero era como si la hubiera visto por primera vez y ni siquiera supiera quién era ella para el difunto: hija, hermana, esposa. Hice averiguaciones: resultó que era viuda. 25 años. Su nombre es Anna Sarkizova, de soltera Burnazyan.
El difunto marido le dejó a Anna una finca con un jardín maravilloso y una gran riqueza para Crimea: una fuente de agua dulce. Es una mujer completamente rica, autosuficiente y además 40 años más joven que Aivazovsky. Pero cuando el artista, temblando y sin creer en la posible felicidad, le propuso matrimonio, Sarkizova lo aceptó.
Un año después, Aivazovsky le confesó a un amigo en una carta: “El verano pasado me casé con una señora, una viuda armenia. No la había conocido antes, pero había oído mucho sobre su buen nombre. Ahora puedo vivir tranquila y felizmente. No he vivido con mi primera esposa desde hace 20 años y no la he visto desde hace 14 años. Hace cinco años, el Sínodo de Etchmiadzin y los Catholicos me permitieron divorciarme... Sólo que ahora tenía mucho miedo de conectar mi vida con una mujer de otra nación, para no derramar lágrimas. Esto sucedió por la gracia de Dios y les agradezco sinceramente sus felicitaciones”.
Vivirán 17 años en amor y armonía. Como en su juventud, Aivazovsky escribirá mucho y de manera increíblemente productiva. Y también tendrá tiempo para mostrarle el océano a su amada: en el décimo año de matrimonio navegarán a América vía París y, según la leyenda, esto hermosa pareja A menudo serán las únicas personas a bordo del barco que no sean susceptibles a marearse. Mientras la mayoría de los pasajeros, escondidos en sus camarotes, esperaban que pasara el oleaje y la tormenta, Aivazovsky y Anna admiraban serenamente las extensiones del mar.
Después de la muerte de Aivazovsky, Anna se convertiría en una reclusa voluntaria durante más de 40 años (y viviría hasta los 88): sin invitados, sin entrevistas y mucho menos intentos de arreglar su vida personal. Hay algo tenaz y al mismo tiempo misterioso en la mirada de una mujer cuyo rostro está medio oculto por un velo de gas, tan parecido a la superficie translúcida del agua con paisajes marinos su gran marido, Ivan Aivazovsky.