Chacun de nous, regardant sûrement le jeu d'un grand orchestre, a sûrement prêté attention à plus d'une fois à homme étrange, dos au public et agitant frénétiquement les bras devant les musiciens.
Quel est son rôle ?
Le rôle du chef d’orchestre ne peut être surestimé. Il est le directeur de l'orchestre. Même le mot diriger lui-même est traduit du français et signifie « diriger, gérer ».
Imaginez qu'il y ait une centaine de personnes dans l'orchestre. Chacun d'eux est un véritable professionnel dans son domaine, un virtuose et un magnifique musicien. Et chacun a sa propre opinion sur la façon dont tel ou tel fragment d'un morceau de musique doit être joué : c'est calme ici, c'est plus fort ici, il y a un accent aigu à cet endroit, mais maintenant un peu plus vite, puis un ralentissement doux, etc. ...
Mais le problème est que, comme vous le savez, de nombreuses personnes ont tellement d’opinions. Et le chaos commence, car une centaine de personnes n'arrivent pas à se mettre d'accord : chacun donnera beaucoup d'arguments en faveur de son interprétation et aura raison à sa manière. C'est là que le chef d'orchestre vient à la rescousse !
Il rassemble les musiciens, les obligeant à interpréter strictement les nuances qu'il établit.
De cette façon, les désaccords sont éliminés et l’orchestre commence à jouer harmonieusement, dans la même direction.
Naturellement, tout le monde n’est pas apte à jouer le rôle d’un tel « directeur musical ». Ce doit être une personne très instruite, avec une compréhension et un sens aigus de la musique.
Chef d'orchestre Valéry Gergiev.
Commentla direction d'orchestre, un type de performance musicale indépendant, s'est développé dans la première moitié du XIXe siècle, mais même sur les bas-reliefs égyptiens et assyriens, il y a des images d'un homme avec une baguette à la main, dirigeant un groupe de musiciens. DANS théâtre grec antique Le luminaire dirigeait le chœur, battant le rythme avec son pied, chaussé d'une sandale à semelle de fer. En même temps, déjà dans La Grèce ancienne le contrôle du chœur s'est généralisé grâce à ce qu'on appelle la chiironomie, qui s'est ensuite transformée en pratique de l'exécution à l'église en l'Europe médiévale; Ce type de direction impliquait un système de mouvements conditionnés des mains et des doigts, à l'aide desquels le chef d'orchestre indiquait le tempo, la mesure, le rythme aux chanteurs, reproduisait les contours de la mélodie - son mouvement vers le haut ou vers le bas, etc.
Avec la complication de la polyphonie et le développement du jeu orchestral, une organisation rythmique claire de l'ensemble des interprètes devint de plus en plus nécessaire, et la méthode de direction à l'aide d'une battuta, un bâton fabriqué à partir de divers matériaux, y compris l'or, qui a servi à battre le rythme.
La battuta était à l'origine une canne assez massive ; le directeur de l'orchestre battait le rythme en le frappant au sol - une telle direction était à la fois bruyante et dangereuse : J. B. Lully, alors qu'il dirigeait avec le bout d'une canne, s'est infligé une blessure qui s'est avérée mortelle. Cependant, dès le XVIIe siècle, il existait des méthodes de direction moins bruyantes ; Ainsi, dans un ensemble, le spectacle pourrait être dirigé par l'un de ses membres, le plus souvent un violoniste, qui compterait le temps en frappant de l'archet ou en hochant la tête.
Avec l'avènement du système général de basse au XVIIe siècle, les fonctions de chef d'orchestre sont passées au musicien qui interprétait la partie générale de basse au clavecin ou à l'orgue ; il déterminait le tempo par une série d'accords, mais pouvait aussi donner des instructions avec ses yeux, des hochements de tête, des gestes, ou encore, comme par exemple J. S. Bach, fredonner une mélodie ou taper le rythme avec son pied. Au XVIIIe siècle, la pratique de la double et triple direction se répand lors de l'exécution d'œuvres vocales et instrumentales complexes : par exemple, à l'opéra, le claveciniste contrôlait les chanteurs, et l'accompagnateur contrôlait l'orchestre ; le troisième chef pourrait être le premier violoncelliste, qui jouait la voix de basse dans les récitatifs d'opéra, ou le chef de chœur.
Développement et complication musique symphonique, l'expansion progressive de la composition de l'orchestre dès la fin du XVIIIe siècle exigeait la libération du chef d'orchestre de la participation à l'ensemble ; le chef d'orchestre cède à nouveau sa place à celui qui se tient devant l'orchestre. DANS début XIX siècle, un petit bâton en bois apparaît dans la main du chef d’orchestre.
Au fil des siècles, les compositeurs règle générale ils interprétaient leurs propres œuvres : la composition musicale relevait de la responsabilité du chef d'orchestre, du chantre et, dans d'autres cas, de l'organiste ; La transformation progressive de la direction d'orchestre en métier a commencé en dernières décennies XVIIIe siècle, quand apparurent des compositeurs qui interprétaient régulièrement les œuvres d'autrui. La pratique consistant à interpréter les œuvres d'autrui dans la seconde moitié du XVIIIe siècle s'est répandue dans les opéras.
On n'a pas établi avec certitude qui fut le premier, au mépris de la décence, à tourner le dos au public, face à l'orchestre, G. Berlioz ou R. Wagner, mais dans l'art de diriger un orchestre, ce fut un tournant historique qui assurait une pleine contact créatif entre le chef d'orchestre et les artistes de l'orchestre. Peu à peu, la direction d'orchestre s'est transformée en un métier indépendant, sans rapport avec la composition : gérer un orchestre en pleine croissance et interpréter des compositions de plus en plus complexes exigeait des compétences particulières et un talent particulier, qui différaient également du talent d'un musicien instrumental. « Diriger », écrivait Felix Weingartner, « nécessite non seulement la capacité de comprendre et de ressentir pleinement une création artistique musicale, mais aussi une dextérité technique particulière des mains, difficile à décrire et à peine apprenable... Cette capacité spécifique n'a souvent aucun lien avec le talent musical en général. Il arrive qu'un génie soit privé de cette capacité, et qu'un musicien médiocre en soit doté.
Le premier chef d'orchestre professionnel (qui n'était pas compositeur) peut être considéré comme Nikolai Rubinstein, qui, dès le début des années 60 du XIXe siècle, était chef d'orchestre permanent. concerts symphoniquesà Moscou, il a effectué des tournées en tant que chef d'orchestre à Saint-Pétersbourg et dans d'autres villes et a été le premier interprète en Russie de nombreuses œuvres de compositeurs russes et étrangers.
Se sentant co-créateur de l'œuvre interprétée, le chef d'orchestre romantique ne s'arrêtait parfois pas avant d'apporter certaines modifications à la partition, notamment concernant l'instrumentation (certaines corrections apportées par les romantiques aux œuvres tardives de L. van Beethoven sont encore acceptées par chefs d'orchestre), d'autant plus qu'il ne voyait pas grand péché à s'écarter, à sa discrétion, des tempos indiqués dans la partition, etc. Cela était considéré comme justifié, puisque tous les grands compositeurs du passé ne maîtrisaient pas couramment l'orchestration, et Beethoven, on le supposait, il était sourd et on l'empêchait d'imaginer clairement la combinaison sonore. Très souvent, les compositeurs eux-mêmes, après la première écoute, apportaient des corrections à l'orchestration de leurs œuvres, mais tout le monde n'avait pas l'occasion de les entendre.
Chef d'orchestre Evgeny Svetlanov. Ouverture de l'opéra "Guillaume Tell".
Les intrusions des chefs d'orchestre dans les partitions sont progressivement devenues une chose du passé, mais le désir d'adapter les œuvres de compositeurs disparus depuis longtemps à la perception du public moderne est resté longtemps : « romantiser » les œuvres de l'époque préromantique, effectuer musique XVIII siècle personnel au complet orchestre symphonique du XXe siècle... Tout cela au début du XXe siècle a provoqué une réaction « anti-romantique » dans les milieux musicaux et quasi musicaux). Un phénomène important dans l’interprétation musicale de la seconde moitié du XXe siècle a été le mouvement « authenticiste ». Le mérite incontestable de cette direction est le développement caractéristiques stylistiques musique des XVIe-XVIIIe siècles - ces traits que les chefs d'orchestre romantiques étaient plus ou moins enclins à négliger.
Direction expressive de Teodor Currentzis.
Beaucoup de gens ne comprennent pas pourquoi un orchestre a besoin d’un chef si tous les musiciens ont des partitions.
Quand l’orchestre a-t-il eu un chef d’orchestre ?
Des communautés de musiciens jouant telle ou telle musique sont connues depuis l'Antiquité et, bien entendu, ces ensembles avaient souvent leurs propres dirigeants formels ou informels.
Sur les bas-reliefs égyptiens, il y a des images d'un homme avec un bâton à la main, qui dirige les musiciens, et dans la Grèce antique, les chefs de chœur (luminaires) battaient le rythme à l'aide d'une sandale spéciale avec un talon de fer.
Et plus les orchestres devenaient grands (au Moyen Âge et à la Renaissance on les appelait chapelles, le mot « orchestre » se répandit plus tard), plus la pratique du jeu orchestral se complexifiait, plus la figure du contrôleur de la circulation s'avérait nécessaire. - une personne qui bat le rythme et s'assure que tout le monde joue de manière coordonnée et entre à temps. Auparavant, cela se faisait à l'aide d'une canne massive « battuta », qui était frappée sur le sol - les premières images de ce processus remontent au XVe siècle.
C'était une affaire assez difficile et pas toujours sûre - super compositeur français Jean-Baptiste Lully (1632-1687) se blessa à la jambe avec le bout d'une telle canne et mourut de gangrène.
Ce sont les compositeurs qui interprétaient leur propre musique avec les chapelles qui en étaient souvent les premiers chefs d'orchestre. Ils pouvaient battre un rythme avec leurs pieds ou agiter une partition comme celle de Bach. Souvent, cette fonction était remplie par des clavecinistes ou des premiers violonistes, qui donnaient des signaux en balançant l'archet.
Il arrivait qu'il y ait plusieurs chefs d'orchestre - dans l'opéra, le chef de chœur pouvait contrôler les chanteurs et l'accompagnateur pouvait contrôler l'orchestre. Il est important que presque toujours le chef d'orchestre soit aussi un musicien - il chantait ou jouait.
Les accompagnateurs jouaient le rôle du premier violon et donnaient des signaux aux autres musiciens avec leurs yeux et des hochements de tête ou, interrompant le jeu, tapaient le rythme avec un archet.
Comment ont-ils pris le relais ?
Question de hasard. Essentiellement, le bâton remplaçait l’arc ou le parchemin musical déjà familier.
Les chefs d'orchestre ont commencé à utiliser la baguette au début du 19ème siècle et, à en juger par les descriptions, ces baguettes étaient au début assez lourdes. C'est le XIXe siècle qui est devenu le siècle de la naissance des chefs d'orchestre en tant que profession à part entière - ils se sont finalement séparés des orchestres, se sont mis exclusivement à la direction d'orchestre, se sont tenus sur des élévations spéciales et, ce qui était particulièrement inhabituel, ont tourné le dos au public.
Le premier à le faire fut soit Hector Berlioz, soit Richard Wagner - on ne sait pas avec certitude qui a pris les devants. Pour l'orchestre symphonique incroyablement étendu et complexe du XIXe siècle, dont le nombre de participants pouvait se compter par centaines, un régulateur humain spécial était d'une importance vitale - il n'avait plus la possibilité de jouer quelque chose en parallèle avec la direction.
La figure du chef d'orchestre, bien sûr, était également un produit de la tradition romantique - ce n'est qu'en elle que la silhouette noire d'un génie solitaire pouvait exister de manière organique au-dessus de la foule, qui d'un seul mouvement de la main contrôle l'incroyable masse sonore et les émotions des auditeurs.
C'est-à-dire qu'un chef d'orchestre est nécessaire avant tout pour donner le bon rythme ?
Au minimum, il est vraiment important de définir un rythme et de signaler qui intervient à quel moment.
Les musiciens eux-mêmes, bien sûr, peuvent suivre ce qui se passe à partir des notes, compter les mesures et écouter leurs collègues, mais ce n'est pas toujours facile, et dans un grand orchestre symphonique, les musiciens ne peuvent tout simplement pas entendre toutes les parties. Cependant, les tâches du chef d’orchestre ne se limitent bien entendu pas à cela : il est responsable de tous les paramètres de la représentation, de veiller à ce que tout soit uni par un seul tempo et une seule ambiance.
Et pour l'interprétation, après tout, la même composition peut être jouée de manières complètement différentes. À des vitesses différentes, en plaçant des accents différents, en interprétant différemment les ambiances des unités, en accordant une attention différente aux fêtes.
C'est ce que fait le chef d'orchestre lors des répétitions, analysant, parfois très minutieusement, les partitions avec les musiciens jusqu'à ce qu'il soit satisfait du son et sens général essais.
Ceci est particulièrement important lorsque la tradition de l'interprétation est interrompue - les œuvres de nombreux grands compositeurs des XVIIe et XVIIIe siècles n'ont pas été interprétées depuis longtemps, et nous ne pouvons que deviner comment elles sonnaient de leur vivant.
Si compositeur contemporain peut parcourir toute la partition avec le chef d'orchestre, expliquant exactement comment sa composition doit être interprétée (même si même ici, le chef d'orchestre a le droit de vote et le libre arbitre), et, disons, à Vienne, il y a encore des musiciens vivants qui ont étudié avec des gens qui joué les valses de Johann Strauss sous la direction de Strauss lui-même, alors il n'y a pas de réponse claire à la question « Comment jouer correctement les œuvres de Bach, Vivaldi ou Lully ».
Les notes de cette époque sont extrêmement rares dans leurs explications, et de nombreux détails non indiqués dans les notes, mais évidents pour les musiciens de cette époque, pourraient être perdus pour toujours. Dans ce cas, il est impossible de simplement « jouer les notes » : le problème du déchiffrement d’une partition baroque s’apparente à un roman policier musicologique complexe.
Il suffit de lire n'importe quel livre pour s'en convaincre - en fait, il dit qu'il faut étudier toutes les sources connues de cette époque, puis, en même temps, en tenant compte et en ignorant ce qui est écrit dans les notes, essayer de comprendre non pas la lettre, mais l'esprit de l'œuvre.
« Seul celui qui trouve l’intention du compositeur dans les notes et joue ces notes conformément à elle sera fidèle à l’œuvre au vrai sens du terme. Si un compositeur écrit une ronde, c'est-à-dire une double croche, alors celui qui joue la double croche, et non celui qui joue la note entière, restera fidèle non pas aux notes, mais à l'œuvre.
Harnoncourt écrit.
C'est-à-dire que le son d'une même composition dépend de qui dirige ?
Exactement. Deux chefs d’orchestre différents peuvent interpréter la même symphonie de manière très similaire (mais jamais de manière identique), ou bien ils peuvent l’interpréter de manière complètement différente.
Voici une vidéo très éloquente du projet Arzamas : ce qui arrive au célèbre « Ta-ta-ta-ta » de Beethoven entre les mains des principaux chefs d’orchestre du monde.
Autre exemple : la même œuvre de Bach, dirigée par Karl Richter :
Et Nicolas Harnoncourt :
Les chefs d’orchestre sont-ils toujours de terribles tyrans ?
Pas nécessaire. Mais ce travail n'est ni facile ni responsable, et ne peut être accompli sans une certaine pression et détermination, et dans la relation entre le chef d'orchestre et l'orchestre, il n'est pas difficile de voir une métaphore de la relation entre le dirigeant et la foule (« Orchestre » de Fellini Répétition »est presque entièrement construit là-dessus).
Au XXe siècle, de nombreux chefs d’orchestre n’ont pas échappé à la tentation de gérer leur orchestre en s’appuyant sur la dictature, la pression et un climat de peur. Les grands chefs d'orchestre du siècle - Herbert von Karajan, Wilhelm Furtwängler, Arturo Toscanini - étaient des gens avec lesquels les musiciens se souviennent d'avoir travaillé avec une horreur sacrée.
Vous êtes-vous déjà demandé : pourquoi avons-nous besoin d’un chef d’orchestre dans un orchestre ? Il y a un homme debout devant l'orchestre, dos au public, agitant les bras, mais ne jouant rien. Les musiciens en ont-ils besoin ? Il s'avère que c'est nécessaire. Et beaucoup dépend de comment et de ce que le chef d'orchestre montre avec sa baguette.
Imaginez les coureurs sur la ligne de départ. Ils se préparaient à décoller et à se précipiter... Et soudain, au lieu de tirer, ils crient : "Eh bien, allez, cours ou quelque chose comme ça !" Comment pensez-vous que les coureurs d’une telle « équipe » pourront s’échapper dès le départ en même temps ?
Considérez donc que nous avons clarifié la responsabilité première du chef d'orchestre. Un orchestre, qui compte parfois plus d'une centaine de personnes, a besoin d'un commandement clair pour que tout le monde puisse commencer à jouer en même temps. Mais contrairement aux coureurs qui franchissent la ligne d’arrivée les uns après les autres, les membres de l’orchestre doivent terminer la musique tous ensemble – toujours au signe du chef d’orchestre.
Mais les responsabilités du chef d'orchestre ne se limitent pas à cela. Vous savez que dans un même morceau de musique, il y a des parties fortes et des parties calmes. Et maintenant l'orchestre joue ce morceau. Un musicien commencera à jouer doucement un peu plus tôt que nécessaire ; d'autres penseront qu'ils ont besoin de jouer plus tranquillement, au contraire, plus tard ; et le troisième oubliera complètement où jouer plus tranquillement... Pouvez-vous imaginer quel genre de confusion ce sera ?
Et là encore, le commandant-chef d'orchestre apparaît au premier plan. C’est par son signal que tous les musiciens, quel que soit leur nombre, peuvent jouer simultanément « doucement » ou « fort ». C'est une autre responsabilité du chef d'orchestre.
Vous connaissez différents morceaux musicaux. Par exemple, une marche - la musique est toujours forte, claire et joyeuse. La musique de la berceuse est complètement différente - calme, douce, apaisante. Imaginez maintenant que ce n'est pas la mère qui chante cette berceuse, mais un orchestre d'une centaine de personnes qui la joue ! Tous les musiciens savent qu'ils doivent jouer tranquillement, mais il est très difficile de le faire sans l'observation de quelqu'un d'autre, et ici, il s'avère qu'il y a un grand besoin d'un chef d'orchestre qui ne joue pas lui-même, mais qui écoute, évalue de l'extérieur. comment sonne l'orchestre et montre qui en a besoin en jouant un peu plus fort ou en jouant un peu plus doucement, « égalise » la sonorité de l'orchestre. C'est son troisième devoir.
Il y en a aussi un quatrième. Si nous faisons Exercices matinaux au son de la musique et sous la houlette du coach, il nous compte : « un, deux, trois » pour ne pas perdre le tempo. Pourquoi le tambour tonne-t-il quand ils marchent en formation ? Pour que tout le monde puisse suivre, dans une formation équilibrée. Sinon, l’un ira un peu plus vite, l’autre sera à la traîne. C’est une musique qui organise tout le monde.
Imaginez maintenant que l'orchestre joue une valse. Certains musiciens se sont un peu dépêchés, d'autres ont ralenti le tempo. Et si les musiciens n’ont pas de chef d’orchestre sous les yeux, ils cesseront très vite de jouer ensemble et « se sépareront ». Le conducteur ne le permettra pas. Il veille toujours à ce que les musiciens gardent le bon tempo, afin de ne pas faire traîner la valse comme un cortège funèbre, ou, à l'inverse, de ne pas la terminer par un galop effréné.
Mais ce n’est pas la fin des responsabilités du chef d’orchestre.
La musique jouée par l'orchestre doit être bien interprétée, comme on dit, « avec âme ». Mais chaque personne ressent et comprend la musique à sa manière. Même la même chanson est chantée différemment par différents artistes, chacun avec sa propre « expression ». Mais lorsqu'il y a plusieurs musiciens dans un orchestre, il faut une personne pour que, selon sa volonté, chacun joue avec la même « expression » dictée par lui - il faut un chef d'orchestre. Ce n'est que par son signe qu'il sera possible de ralentir quelque part, et quelque part, au contraire, d'accélérer le tempo pour que la musique paraisse plus expressive. Et il s'avère que la musique est pour ainsi dire interprétée par un seul chef d'orchestre sur un énorme instrument dans lequel des dizaines d'autres ont fusionné, l'interprétant à sa manière, comme il la ressent.
C'est pourquoi, en écoutant le même morceau de musique interprété par le même orchestre, mais dirigé par des chefs différents, nous remarquons à chaque fois quelque chose de nouveau.
Prenons comme exemple le premier geste du chef d'orchestre lorsqu'il donne le début de la pièce. Pour l’un, c’est un geste mesquin et strict de la main, pour l’autre, ce n’est qu’un mouvement à peine perceptible de deux doigts ; le troisième a un geste large des deux mains. Cette distinction peut paraître quelque peu mécanique sur le papier. Mais regardez les mains des chefs d’orchestre et leurs visages ! Ici le langage des gestes, l'expression des yeux s'avèrent les plus accessibles, les plus intelligibles et les plus compréhensibles, malgré le fait que les chefs d'orchestre puissent appartenir à différentes nationalités, parle en différentes langues. Et ce langage n'est pas seulement compréhensible pour n'importe quel interprète, n'importe quel musicien. Il peut dire beaucoup de choses, simplement des choses humaines, à l'auditeur qui observe attentivement le chef d'orchestre et se sent avec lui.
Comment le chef d’orchestre parle-t-il à l’orchestre ? Gestes : mouvements de la baguette (que les chefs d'orchestre utilisent depuis environ 200 ans), mouvements des mains, juste des doigts. Et lui-même ne reste pas immobile : il se balance, se penche, fait divers mouvements tête. Même le visage et les yeux contribuent à son travail - et ici les expressions peuvent être variées à l'infini.
Le chef d'orchestre ne peut pas parler, car, d'une part, cela détournerait les musiciens et les auditeurs de la musique, et d'autre part, il lui faudrait souvent simplement crier dans des endroits bruyants pour que les musiciens puissent entendre. Imaginez une telle image !
Les chefs d'orchestre peuvent être comparés à des personnes muettes, qui s'expliquent également par des gestes de la main et des expressions faciales. Le chef d'orchestre est voué au silence complet, et plus ses gestes et ses expressions faciales deviennent éloquents.
« Mais comment, demandez-vous, les orchestres peuvent-ils jouer sans chef d’orchestre ?
Le secret ici est simple. Il s'avère qu'il y a aussi un chef d'orchestre là-bas, mais nous ne le remarquons pas, car il s'assoit et joue lui-même d'un instrument et accomplit toutes ses tâches de direction à l'avance - lors des répétitions. De tels orchestres sont généralement interprétés par de petits œuvres musicales, et lors des répétitions, vous pouvez les apprendre pour pouvoir ensuite jouer simplement par cœur. Et l'ordre de commencer est donné par l'un des membres de l'orchestre.
Vous pouvez maintenant imaginer quel est le rôle du chef d’orchestre. C'est le rôle d'une personne qui porte une énorme responsabilité à la fois envers le compositeur dont il interprète l'œuvre, et envers l'orchestre, qui lui fait entièrement confiance, et envers les auditeurs, qui ne peuvent connaître l'œuvre, l'aimer, que par l'intermédiaire du chef d'orchestre. ou rester indifférent.
Dessin de Yu. Lobatchev.
L'équipage de Škola est bien connu. Les artistes précèdent toujours l’interprétation de compositions classiques par une courte conférence au cours de laquelle ils expliquent comment écouter ce qui va être entendu.
le site continue une série de documents dans lesquels la pianiste et membre de l'équipe Škola Alexandra Stefanova aide à comprendre les classiques et tout ce qui concerne leur interprétation.
Un orchestre peut-il jouer sans chef d'orchestre ?
— Le chef d'orchestre a une énorme responsabilité. Il a besoin que les 80 à 90 personnes de l'orchestre (et il y en a peut-être plus) jouent au bon rythme, pour comprendre qui doit intervenir et quand.
Si l'orchestre est grand, le musicien qui, par exemple, est assis dans le coin droit n'entendra probablement pas ce que joue son collègue de gauche. Il est tout simplement physiquement impossible de reconnaître le moment où un instrument éloigné a commencé à sonner. Le musicien n'entend que les voisins les plus proches. Sans chef d'orchestre, il serait facile de se tromper : vous avez besoin d'une personne qui vous dira quand commencer à jouer.
Cependant, il y avait aussi un orchestre sans chef d'orchestre - Persimfans (Premier Ensemble Symphonique). Il existait en URSS de 1922 à 1932. Les musiciens se sont assis en cercle pour pouvoir se voir et se sont mis d'accord sur qui jouerait lors des répétitions. Cet orchestre a d'ailleurs repris son existence grâce aux efforts de Peter Aidu. Il admet qu'il ne s'agit pas d'une copie exacte de cet orchestre - les musiciens perpétuent les traditions développées dans les années 20 du XXe siècle. Environ une à deux fois par an, l'orchestre présente divers programmes au public. Le 25 novembre, il se produira à salle de concert"Zaryadie".
Tous les instruments sont-ils inclus dans la partition du chef d'orchestre ?
- Oui. Avec son aide, le chef d'orchestre voit tout. Il contient tous les instruments, tout le schéma de l'œuvre. Si un pianiste, par exemple, s’exprime ainsi que l’idée du compositeur uniquement à travers le piano, alors le chef d’orchestre, pourrait-on dire, joue de tous les instruments de l’orchestre à la fois.
Pourquoi les chefs d’orchestre peuvent-ils sonner différemment le même morceau ?
— Le chef d'orchestre doit transmettre au spectateur l'idée que le compositeur a mise dans la musique. Dans ce cas, le chef d'orchestre prend en compte l'époque à laquelle appartient l'œuvre. Par exemple, s’il est baroque, le violon doit sonner plus sourd (avant, il avait des cordes différentes). Mais suivre cette démarche ou non est, bien entendu, le choix personnel de chacun. C'est pourquoi les chefs d'orchestre réussissent différentes interprétations les mêmes symphonies. Parfois, ils sonnent même à des vitesses différentes. Le chef d'orchestre peut regarder l'œuvre différemment de ses collègues, utiliser son expérience personnelle, ce qui affecte la musique.
Comment faisiez-vous avant sans chef d’orchestre ?
— Le métier de chef d'orchestre est apparu relativement récemment, au début du XIXe siècle. Auparavant, l'orchestre était dirigé par l'un des musiciens, le plus souvent un violoniste (le plus expérimenté était choisi). Il gardait le temps en frappant son arc ou simplement en hochant la tête. Parfois, le rôle principal était joué par un claveciniste ou un violoncelliste. Mais la musique s'est développée, le matériel est devenu plus complexe et la personne n'a tout simplement pas eu le temps de diriger et de jouer en même temps.
Si vous regardez dans un passé encore plus lointain, alors, par exemple, dans le théâtre grec antique, le chœur était dirigé par un luminaire. À ses pieds se trouvaient des sandales à semelles de fer, à l'aide desquelles il pouvait confortablement battre le rythme.
Les chefs d’orchestre utilisaient-ils toujours une baguette ?
- Non. La baguette de chef d'orchestre telle que nous la connaissons aujourd'hui est apparue au XIXe siècle. Pendant quelque temps auparavant, la battuta était utilisée. Il pouvait s'agir d'un bâton ou d'une canne qui servait à battre la mesure. C’est d’ailleurs la battuta qui a causé la mort de Jean-Baptiste Lully, créateur de l’opéra français et compositeur de la cour du roi. Louis XIV. Alors qu'il battait le rythme lors de l'exécution du Te Deum, écrit à l'occasion de la guérison du roi d'une grave maladie en 1687, Lully se perça le pied avec la pointe acérée de la battuta. L'empoisonnement du sang a commencé et le compositeur est rapidement décédé.
Ils utilisaient également des partitions roulées dans un tube, d'autres objets et dirigées avec leurs mains.
Mais l'utilisation ou non d'une baguette aujourd'hui est une affaire personnelle pour chaque chef d'orchestre. Valery Gergiev, par exemple, préfère tenir un cure-dent dans ses mains.
Les gens ordinaires, loin de la musique classique, ne comprennent pas toujours ce que fait exactement cet homme en smoking, agitant les mains devant les musiciens essayant de jouer de leur mieux. Cependant, aucun concert orchestral cela ne peut se faire sans ce participant. Que fait un chef d'orchestre, quel est son rôle et pourquoi les auditeurs sont-ils plus disposés à acheter des billets s'il est célèbre ?
De la Grèce antique à nos jours
Bien avant Toscanini, Furtwängler, von Karajan et Bernstein, leurs travaux étaient déjà réalisés par Phérécyde de Patras, connu dans la Grèce antique sous le nom de « Pacemaker ». Selon sources historiques, dès 709 avant JC. il contrôlait un groupe de huit cents musiciens avec un bâton d'or, le levait et l'abaissait et s'assurait que les musiciens « partaient en même temps » et « pouvaient tous se serrer les coudes ».
Les fonctions du chef d’orchestre ont évolué au cours des mille dernières années. années supplémentaires, mais ce métier est encore enveloppé d'une certaine aura mystique. En effet, il est surprenant de constater la capacité d'une seule personne à tenir dans sa seule main Baton de bois, assurent le son cohérent de parfois des centaines d'instruments.
Comment se fait-il que les sons déversés à la suite de cette danse mystérieuse au panneau de commande provoquent parfois un ravissement sublime, saisissant les auditeurs qui ne peuvent alors oublier les sentiments qui les ont saisis pour le reste de leur vie ?
C’est le grand mystère de l’art et, grâce à Dieu, il est impossible de le percer complètement.
Dans des analogies plus terre-à-terre, un chef d’orchestre est l’équivalent musical d’un manager d’équipe sportive. Il n'est jamais possible d'évaluer exactement ce qu'il fait, mais le résultat qu'il obtient est toujours clair. Un orchestre, en principe, peut se passer d'un chef d'orchestre, mais dans la plupart des cas, il préfère quand même jouer sous sa direction. Alors que fait-il exactement ? Ce ne sont là que quelques-unes des nombreuses choses qu’un chef d’orchestre fait, consciemment ou inconsciemment, sur le podium.
Homme métronome
«Tout le devoir d'un chef d'orchestre réside dans sa capacité à toujours indiquer le bon tempo», disait Richard Wagner, qui maîtrisait lui-même parfaitement ce métier et était aussi un grand compositeur. Généralement utilisé pour contrôler un orchestre main droite(avec ou sans bâton), mais d'autres composants influencent également les performances impeccables. Le chef d’orchestre ne peut pas être remplacé par un métronome (comme l’illustre magnifiquement le film allégorique Orchestra Rehearsal de Fellini), ses actions signifient bien plus.
Interprétation
Le travail du chef d'orchestre consiste à donner vie à la partition. Pour ce faire, il utilise sa propre compréhension de l'œuvre comme un outil et l'exprime à travers une langue des signes individuelle. Il « sculpte » pour ainsi dire la ligne musicale, souligne les nuances et les éléments musicaux individuels, contrôle les musiciens et, en fait, crée beaucoup de choses nouvelles. Ces processus sont généralement exprimés avec la main gauche. Si tous les chefs d’orchestre ont une gestuelle commune, la plupart des plus grands ont leur propre style. Par exemple, Furtwängler faisait à certains moments spontanément des mouvements assez étranges. Valery Gergiev bougeait ses doigts, exprimant le caractère de la musique ; il expliquait lui-même cette manière par le fait qu'il était pianiste.
La capacité d'écoute
"Les meilleurs chefs d'orchestre font les meilleurs auditeurs", déclare Tom Service, journaliste et auteur du livre fascinant "Music as Alchemy: Travels with Great Conductors and Their Orchestras". Tel un paratonnerre, ils assument la charge émotionnelle de l'œuvre et concentrent l'attention sur ses aspects les plus forts. Il est important qu'un chef d'orchestre comprenne la musique plus profondément des gens ordinaires, puis exprimez votre propre hyper-conscience en la rendant publique.
Dictature
"Vous devez imposer votre volonté - pas par la force, mais vous devez être capable de convaincre les gens de la justesse de votre point de vue !" - a déclaré Pierre Boulez, le légendaire compositeur et chef d'orchestre. Même si la plupart des chefs d’orchestre se considèrent aujourd’hui comme des démocrates, cela ne peut tout simplement pas être vrai. Cela ne veut pas dire que la dictature ne peut être évitée, mais ce n’est pas facile. Boulez donne l'exemple de Berlinsky Orchestre philharmonique, le qualifiant de groupe d’individus : « Si le conducteur ne leur donne pas une direction collective, alors ils seront privés de gouvernail et de voiles. »
Conducteur-conducteur
Dans de nombreuses langues, le mot « chef d’orchestre » ressemble à « chef d’orchestre ». Eh bien, il y a quelque chose en commun, car chaque auditeur perçoit la musique avec son oreille, et regarde ce que fait le chef d'orchestre, et à travers cette image visuelle il y a une connexion visuelle, une sorte de pont entre nos yeux et les sensations mélodiques. Parfois, il est tout simplement impossible de quitter la télécommande des yeux ; la vue est fascinante.
« Diriger est bien plus difficile que jouer d’un seul instrument. Il faut connaître la culture, tout calculer et projeter ce que l'on veut entendre », explique Boulez.
Et à part la musique ?
Les chefs d’orchestre ont besoin d’instinct musical, d’intuition et de musicalité innée, mais au-delà de cela, ils doivent savoir beaucoup de choses. Ils passent généralement de nombreuses heures à se préparer avant de prendre place à la console. Il est souvent de nature académique et couvre l'étude de documents historiques tels que des lettres, Caractéristiques instruments d'une certaine période ou moments biographiques des auteurs. Comme tous les grands mystères, bonne musique vient seulement de énorme montant un dur travail.