Opowieści biblijne: Pocałunek Judasza oczami artystów
Judasz Iskariota. To biblijne imię i związana z nim historia stały się symbolem zdrady. Zapłatą za tę zdradę jest trzydzieści srebrników, za które Judasz zgodził się opowiedzieć o Jezusie. Wszystkie historie biblijne inspirują przedstawicieli od dwóch tysięcy lat. różne typy sztuka. Historia Judasza i innych często pojawia się na płótnach artystów.
Historia malarstwa Caravaggia„Pocałunek Judasza” sam w sobie jest niesamowity. Mistrz namalował go na zlecenie Chiriaco Mattei w 1602 roku. Jednak dwa wieki później dzieło zniknęło. Odkryto go całkiem niedawno, kiedy w 1990 roku obraz został zidentyfikowany przez głównego konserwatora irlandzkiej Galerii Narodowej, Sergio Benedettiego. Przez długi czas obraz Caravgia wisiał w Towarzystwie Jezusowym w Dublinie. Uważano, że jest to kopia obrazu Malarz holenderski Gerarda van Honthorsta. Praca znajduje się obecnie w irlandzkiej Galerii Narodowej.
Nawiązuje do obrazu Judasza Włoski artysta, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli szkoły sieneńskiej Duccio di Buoninsegna. Główna praca Obraz ołtarzowy katedry w Sienie „Maesta” uważany jest za dzieło mistrza. Jej powstanie datuje się na początek XIV wieku.
Zdrada ucznia Jezusa została włączona do cyklu dzieł „Wielkie namiętności” Albrechta Durera. Na grawerowaniu malarz niemiecki i grafiki widzimy, jak Zbawiciel zostaje aresztowany. Judasz siada i wyciąga się obok niego. Na twarzy Jezusa widać cierpienie i ból, a zdrajca nerwowo i pośpiesznie próbuje wytłumaczyć się nauczycielowi.
W Muzeum Prado w Madrycie znajduje się „Pocałunek Judasza”, napisany przez przedstawiciela szkoły neapolitańskiej Giordano Luca. Zdrajca z rozpaczą spogląda w twarz Jezusa. Ale oczy syna Bożego są zamknięte, jego głowa jest odwrócona, jego ręka sięga do serca.
Na fresku Giotto Di Bondone rozgrywa się dramat. Ilustrowanie opowieść biblijna, autor używa wszelkich środków ekspresja artystyczna aby podkreślić znaczenie i wielkość Chrystusa i przeciwstawić go brzydocie i podłości Judasza. Artystka konfrontuje to, co wysokie i niskie, moralność i jej brak. Spokojne i ufne spojrzenie Jezusa spotyka się z odrażającym i nieprzyjemnym spojrzeniem zdrajcy. Giotto ożywia kompozycję otaczając zastygłego w napięciu nauczyciela i ucznia. Statyczność i koncentracja w centrum kontrastuje z dynamiką wokół.
Caravaggio Michelangelo Merisi zrozumiał w swojej sztuce, czym jest śmierć i jak chrześcijanin jawi się w jej obliczu, gdzie jest nić przewodnia, która doprowadzi go do zbawienia.
Sztuka barokowa
Caravaggio jest przedstawicielem sztuki barokowej, dla której śmierć stała się faktem. Nie da się go oddzielić od przemocy i cierpienia. Śmierć i jej obraz zawładnęły uczuciami malarza i ujarzmiły je. Obrazy Caravaggia- to często ekstaza świętych, ich modlitewne zjednoczenie z Bogiem w miłości i śmierci, ich najwyższe pielgrzymowanie przed Jej oblicze. Nie jest to już wydarzenie ciche i spokojne, jak w okresie renesansu. W baroku staje się faktem nie osobistym, lecz publicznym, częścią życia, budzącym strach i grozę. Człowiek nie tylko umiera spokojnie, ale zostaje z niego wyrwany przez przemoc lub zły los. Przykładami tego są obrazy Caravaggia: „Dawid z głową Goliata”, „Ofiara Izaaka”, „Ścięcie Jana Chrzciciela”.
Życie Caravaggia
Caravaggio urodził się w rodzinie architekta. Wcześnie opanował podstawy rzemiosła i studiował w Mediolanie u artysty Peterzano. Szkoła lombardzka dała artyście sens życia i chęć jego przekazywania. Los artysty był na tyle trudny, że już sama jego osobowość skłaniała do refleksji. W poszukiwaniu swojej drogi życiowej i malarskiej Caravaggio opuszcza Lombardię i po zwiedzeniu wszystkich miast północnych Włoch przybywa do Rzymu, gdzie nie ma patronów. Z dużym trudem przyciąga uwagę wpływowych dostojników kościelnych. Trudno ocenić Caravaggia jako człowieka wiary. Nie ma na to żadnych dokumentów potwierdzających. Jako człowiek martwił się perspektywą wieczności.
Obrazy Caravaggia, takie jak „Męczeństwo św. Mateusza”, „Złożenie do grobu”, „Salome z głową Jana Chrzciciela” są tego potwierdzeniem. Temat kruchości (vanitas) przewija się przez całą twórczość malarza młodzież aż do jego śmierci.
Przełomowe dzieło z kolekcji Borghese, 1591
« Chory Bachus„to dzieło, które nie pojawiło się przez przypadek. Artysta poważnie zachorował, został przyjęty do szpitala, a następnie przeniesiony do piwnicy, gdzie nie było już dla niego opieki i był naprawdę na skraju śmierci. Przez przypadek zauważył go tam ksiądz, który znał Caravaggia. Artystę zabrano na oddziały, otoczono opieką i przeżył.
Po wyzdrowieniu w stanie półchorym namalował obraz „Chory Bachus”, na którym przypuszcza się, że przedstawiał siebie jeszcze w stanie chorobowym. Świadczy o tym zimna kolorystyka obrazu, a motyw śmierci odgrywają na pierwszym planie blaknące liście, które przypominają widzowi, że całe życie jest tylko tymczasowe. Następnie coraz częściej włącza do swoich martwych natur, które niosą ze sobą posmak śmiertelności, przypomnienie nie tylko życia, ale tego, co jest mu bezpośrednio przeciwne.
Modlitwa jako pielgrzymkowa ekstaza
Wtajemniczenie człowieka w wiarę następuje między innymi poprzez modlitwę. Przykładem takiego duchowego wyczynu dla wierzących XVI wieku był św. Franciszka z Asyżu. „Ekstaza św. Franciszka” (1598) za zwykli ludzie był przykładem rozumienia wiary. Przedstawia modlitewną ekstazę równą śmierci. To nie jest śmierć fizyczna, ale duchowe odrodzenie, narodziny człowieka wiary i miłości. Anioł podtrzymujący głowę trzyma, aby później przedstawić stygmaty św. Franciszek. Ale później (1600) widzimy innego świętego. Franciszek jako biedny wędrowiec, jako pielgrzym. Ma szorstką sutannę i dziurę w ramieniu. Martwi się, z czym stanie przed Bogiem, dlatego w dłoniach trzyma czaszkę.
Obraz „Św. Hieronim” (1606) jest przykładem ascezy, która wpajana jest na wyżyny ducha poprzez odejście od ziemskich pokus na rzecz życia w jaskiniach. Jego nagrodą jest boskie objawienie. Artysta stara się o tym przypomnieć widzowi. Martwa natura – książka, pióro – pokazuje, że święty stał się przewodnikiem słowa Bożego.
Oblicze śmierci
W wczesne lata kreatywność pisze tradycyjne dzieło Caravaggia - „Meduza” (1593-1594) w formie okrągłej tarczy. Bardzo często była przedstawiana na drewnianych tarczach pokrytych skórą i przekazywana mężczyznom istotne wydarzenia ich życie.
Nie odchodząc od tradycji, ukazuje potwora Caravaggia w agonii. Meduza artysty nie jest jeszcze martwa; nadeszły jej ostatnie sekundy. Zapisany jest stan przejściowy, kiedy życie nadal jest obecne, ale opuszcza je kropla po kropli i Meduza to czuje. Twarz wciąż żyje i krzyczy, ale bladość już ją pokrywa, a życie wkrótce zniknie na zawsze. Przedstawienie Meduzy jest bardzo naturalistyczne, bo należy bać się koszmaru zniknięcia. W tej chwili wokół jej głowy kołyszą się żywe węże. Te i inne dość okrutne sceny przewijają się przez sztukę Caravaggia.
Wyczyny wiary
„Judyta i Holofernes” (1595-1596). Historia jest taka. Holofernes i jego armia oblegli jego rodzinną Wettulię, w której mieszkała Judyta. Dziewczyna zakradła się do namiotu dowódcy. Piękna Judith i Holofernes ucztują. Nieustraszona dziewczyna wypija go winem i odcina mu głowę. Zabierając go ze sobą, wraca poza mury miasta, a głowa Holofernesa jest wystawiona na włóczni, aby wszyscy mogli ją zobaczyć. Armia wycofuje się, a ludzie zostają uratowani. Caravaggio przedstawia jawną przemoc.
Na płótnie Judith z obrzydzeniem i odrazą odcina sobie głowę, trzymając się od niego z daleka. Caravaggio jako jeden z pierwszych ukazuje sam moment tego ścięcia, czysto fizjologicznie bardzo nieprzyjemnego: oczy wychodzą z orbit, Holofernes ma otwarte usta, on krzyczy. Uważa się, że głowa Holofernesa to autoportret.
Bardzo podobny jest do niego „Dawid i Goliat” (1596). Na pierwszym planie ponownie brutalnie odcięta głowa. Później jest to jeszcze bardziej widoczne dzieło o tym samym tytule, kiedy artysta przedstawił odcięcie głowy przez Goliata (1605). Teatralnym gestem David wysuwa na pierwszy plan straszliwą głowę, niczym oblicze śmierci.
To samo zostało ukazane w dziele z Galerii Borghese, gdzie artysta namalował absolutnie siebie (1606). Jest tu subtelna i złożona intonacja tragicznej akceptacji śmierci. Są to obrazy Caravaggia przedstawiające przerażające momenty śmierci.
Ostatnie lata, wędrówki
Motywy śmierci powtarzają się w jego twórczości później działa, po tym jak został zmuszony do ucieczki z Rzymu, ponieważ przypadkowo zabił swojego przeciwnika podczas gry i w sporze. Artysta został potępiony dekretem papieskim. Wędruje po Malcie od 1606 do 1610 roku, a następnie umiera w Toskanii. To właśnie w tych latach stworzył swoje najbardziej tragiczne i najgłębsze dzieła. Pisze kilka wersji „Salome z głową Jana Chrzciciela”, „Ścięcie Jana Chrzciciela” (1608, katedra San Giovanni, Valletta). Są to niewątpliwe arcydzieła Caravaggia, których nikt nie był w stanie odpowiednio naśladować.
„Ścięcie” to ogromne dzieło przedstawiające wspólny temat. Jego niezwykłość polega na tym, że wydaje nam się, że naprawdę stoimy na ogromnym, opuszczonym dziedzińcu z kolosalnym łukiem wykonanym z kamienia. Szczerość tego, co jest przedstawione, podkreśla fakt, że kat odciął, ale jeszcze nie podniósł głowy. Oznacza to, że moment przejścia od życia do nieożywionego powtarza się ponownie, kiedy nici życia nadal łączą ciało i głowę. Ale najbardziej szokujące i tragiczne w tym obrazie jest to, że Caravaggio podpisuje się we krwi wypływającej z ciała. Tą krwią jednoczy się z ofiarną śmiercią Jana Chrzciciela.
Oświetlenie w obrazach Caravaggia
Dla Caravaggia światło to nie tylko narzędzie, za pomocą którego modeluje formę, nadaje objętość i plastyczność. Światłem artysty jest dramaturgia. Identyfikuje główne składniki treści i je tworzy. Artysta za pomocą światła podkreśla pewne główne punkty, podkreślając je. Ze źródeł dokumentalnych dawnych autorów wynika, że pisał w zacienionym warsztacie i przy sztucznym oświetleniu.
Nieoczekiwane znalezisko
Obraz Caravaggia „Pocałunek Judasza” uznano za dawno zaginiony. W Dublinie w 1990 roku klasztor św. Ignacego zwrócił się do irlandzkiej Galerii Narodowej. Zakonnicy potrzebowali renowacji obrazu, który posiadali od lat 30. XX wieku.
Konserwator od razu zrozumiał, kim jest autor tego arcydzieła, znanego jedynie z kopii. Artysta stworzył go na zamówienie swojego stałego klienta Mattei. Jego potomkowie uznali obraz za kopię i sprzedali go w 1802 roku do Szkocji, gdzie pozostał do 1921 roku i został odsprzedany pediatrze w Irlandii. Następnie został przekazany klasztorowi, gdzie zawisł w refektarzu. Po renowacji obraz pozostał w wypożyczeniu stałym w Galerii Narodowej. Fabuła oparta jest na tekście Ewangelii. Judasz całuje Zbawiciela, gdy ten wychodzi z Ogrodu Getsemani, aby wskazać strażnikom, kogo należy aresztować.
Caravaggia. Pocałunek Judasza. 1602 Irlandzka Galeria Narodowa, Dublin.
„Pocałunek Judasza” Światło księżyca wyrywa z ciemności kilka postaci. Twarze. Siła robocza. Czarna zbroja. Chrystus cofnął się pod naporem tłumu. Judasz go teraz pocałuje. W ten sposób dał znak strażnikom, że to on. Jeden ze strażników dotknął już piersi Jezusa. Przed aresztowaniem pozostał jeszcze drugi. Na razie pauza.
Na pierwszy rzut oka obraz jest typowy dla Caravaggia. Łatwo zrozumieć wszystkie innowacje artysty. Praca ta zawiera jednak jedno niezwykłe przesłanie. Spróbujemy to rozszyfrować.
Tenebroso, realizm i coś jeszcze
Jeżeli nie widzieliście wcześniej ani jednego obrazu Caravaggia, to z samego „Pocałunku Judasza” będziecie w stanie zrozumieć wszystkie jego cechy. To jest jego klasyczny.
Tenebroso
Caravaggio bardzo umiejętnie stosował metodę tenebroso. Gdy tło jest całkowicie ciemne. I tylko przyćmione światło rzeźbi postacie.
W obrazie „Pocałunek Judasza” metoda tenebroso jest szczególnie użyteczna. Przecież Chrystus zostaje aresztowany nocą w Ogrodzie Getsemani. I tylko księżyc mógł oświetlić to dramatyczne wydarzenie.
Realizm
Obraz jest niezwykle realistyczny. Nawet o zmierzchu widzimy brud pod paznokciami bohaterów. Widzimy każdą zmarszczkę. Gesty i mimika bohaterów są bardzo wiarygodne. Jak na przykład Św. Jana. Kto krzyczy, zdając sobie sprawę z tragedii tego, co się dzieje.
Jak Caravaggio osiągnął taki realizm? Używał kamery obscura. Poprosił opiekunów o przyjęcie niezbędnych póz. Obraz został wyświetlony na płótnie. Następnie artysta szybko nakreślił zarysy postaci. W ten sposób pozy bohaterów okazały się realistyczne.
Caravaggio nigdy nie stworzył wstępnych rysunków. Pracował tylko z życia. Pomogło mu to również stworzyć żywe obrazy. Niektórzy artyści, nadużywając nadmiernego przygotowania, potrafią zamienić dynamiczną fabułę w suchą narrację.
Przybliżenie
Caravaggio przybliża nas jak najbliżej tego, co się dzieje. W rezultacie w kadrze „pasuje” tylko pięć figurek. Nawet nie udawał, że jest św. Piotrem. Chociaż przed Caravaggio zawsze był uwzględniony w fabule. Pokazuje, jak w przypływie złości rzuca się, by chronić nauczyciela. Tak, odcina ucho tylko jednemu nieszczęśnikowi z tłumu.
. 1303-1305 Fresk w kaplicy Scrovegnich w Padwie we Włoszech. wga.hu Niezwykła wiadomość od Caravaggia
W filmie jest jeden niezwykły moment. Spójrz, po prawej stronie stoi mężczyzna z latarnią w rękach. Z zainteresowaniem przygląda się temu, co się dzieje.
Caravaggia. Pocałunek Judasza. Fragment. 1602 Irlandzka Galeria Narodowa, Dublin. wga.hu Nie jest apostołem. I nie strażnik. Kim on jest?
To jest sam Caravaggio.
Dlaczego Caravaggio sam się malował?
Czy to jest narcyzm? Chęć uwiecznienia siebie?
Najprawdopodobniej powód jest inny. To jest jego przesłanie dla nas wszystkich. Aby to rozszyfrować, trzeba zagłębić się nieco głębiej opowieść biblijna.
A ta fabuła dotyczy zdradzieckiej zdrady. Uczeń zdradza nauczyciela za 30 srebrników. Wydawałoby się, że fabuła jest tragiczna, ale prosta. Zainteresowany sobą złoczyńca zdradził dobrego i cichego Jezusa.
Jednak korzenie jego zdrady sięgają głębiej. Judasz widział w Jezusie Zbawiciela swego ludu. Wyobraził sobie, jak przeprowadzi zamach stanu. Zasiądź na królewskim tronie. A główne role powierzy swoim najbliższym współpracownikom. On też.
Tak, Judasz był próżny. Ze względu na wysokie stanowisko był gotowy znieść ascetyczny obrazżycie. Aby później zostać ministrem dworskim. Nie mniej.
Ale Jezus nie zachował się tak, jak oczekiwał Judasz. Nie walczył o władzę w zwykły sposób. Zdobył serca ludzi swoją mądrością, hojnością i gotowością do poświęceń.
Judasz się tego nie spodziewał. Jego ambitne plany upadły. A niewielka cena za ekstradycję Chrystusa jest okazją do wyładowania gniewu za niespełnione nadzieje.
Nie jest to więc jakiś straszny złoczyńca, za jakiego go często przedstawiają. Jest raczej żałosnym, małostkowym człowiekiem. Kto jest gotowy natychmiast odwrócić się od swojego nauczyciela, przyjaciela. Zdając sobie sprawę, że to połączenie nic mu nie obiecuje. To jest jego główna tragedia. A takie tragedie zdarzają się zawsze i wszędzie. I w naszych czasach.
Dlatego Caravaggio przedstawiał siebie jako obserwatora. Przygląda się temu, co się dzieje. Jakby zadawał sobie pytanie: „A co ze mną? Czy zdradzam Chrystusa?
To tak, jakby do nas wołał. Ostrzega. Bądź ostrożny. Zapytaj siebie częściej pytanie„Czy zdradzam Chrystusa?”
I każdy będzie miał już swojego Chrystusa. Zasady moralne. Rodzina. Zamiar. Sumienie…
Ciekawy fakt. Kolejny „pocałunek Judasza”
Często kopiowano obrazy Caravaggia. „Pocałunek Judasza” również ma swój egzemplarz. Jest przechowywany w Odesskim Muzeum Sztuki Orientu i Zachodu.
Oczywiście pokażę Ci to tutaj. Ale to nie ma większego sensu. Trudno je od siebie odróżnić. Wszystko zostało skopiowane w najdrobniejszych szczegółach.
Naśladowca Caravaggia. Pocałunek Judasza. 1602 Muzeum Sztuki Wschodu i Zachodu w Odessie. muzeum.odessa.ua Nie zwracaj uwagi na oświetlenie i kolory. Mimo to zdjęcia pochodzą z różne źródła.
NIE. Różnią się jednak jednym szczegółem.
Przyjrzyj się bliżej twarzom bohaterów obu obrazów.
Na obrazie w Odessie skóra wygląda jak wosk. W Dublinie jest bardziej naturalna.
Ale nadal oba zdjęcia są bardzo podobne. Dlatego też swego czasu egzemplarz odeski uznawano za egzemplarz autorski. Istnieje nawet legenda o tym, jak się pojawił.
Caravaggio napisał Dublinski Pocałunek Judasza dla swojego patrona Chiriaco Mattei. Koneserzy sztuki podziwiali obraz. O co brat Kiriako był bardzo zazdrosny. Aby go zadowolić, Caravaggio napisał dla niego oryginał.
Kopia została faktycznie napisana dla brata klienta. Według jego księgi wieczystej. Ale najprawdopodobniej nie Caravaggio tego dokonał. W tym czasie nie było go już w Rzymie. Potem uciekł stamtąd.
PS.
Nawiasem mówiąc, odeski „Pocałunek Judasza” został skradziony z muzeum w 2008 roku. Obraz został zwrócony w 2010 roku. Korzystanie z skupu słomy. Płótno zostało poważnie zniszczone przez złodziei. Nadal jest w remoncie.
Czwartego dnia po triumfalnym wjeździe do Jerozolimy Jezus Chrystus powiedział do swoich uczniów: „Wiecie, że za dwa dni będzie Wielkanoc i Syn Człowieczy będzie wydany na ukrzyżowanie”.
Naszym zdaniem było to tego dnia arcykapłani, uczeni w Piśmie i starsi ludu zebrali się u arcykapłana Kajfasza i naradzali się między sobą, w jaki sposób mogliby zniszczyć Jezusa Chrystusa. Na tej radzie postanowili podstępem zabrać Jezusa Chrystusa i zabić Go, ale nie w święto (wówczas gromadzi się dużo ludzi), aby nie powodować zamieszania wśród ludzi.
Jeden z dwunastu apostołów Chrystusa, Judasz Iskariota, był bardzo żądny pieniędzy; a nauka Chrystusa nie poprawiła jego duszy. Przyszedł do arcykapłanów i zapytał: „Co mi dacie, jeśli wam Go wydam?”
Ucieszyli się i ofiarowali mu trzydzieści srebrników.
„Judasz otrzymujący zapłatę za zdradę” Giotto di Bondone 
Zdrada Judasza. Autor: Duccio di Buonisegna, XIII wiek. 
Dobry piątek. Pocałunek Judasza. Początek XIV w., fresk z klasztoru Vatopedi na Athos
Od tego czasu Judasz szukał możliwość nie zdradzać Jezusa Chrystusa na oczach ludzi.
Po modlitwie Chrystusa w Ogrodzie Getsemani Judasz, zdrajca, wszedł do ogrodu z tłumem ludzi, którzy chodzili z latarniami, palikami i mieczami; byli to żołnierze i ministrowie wysłani przez arcykapłanów i faryzeuszy, aby schwytać Jezusa Chrystusa. Judasz zgodził się z nimi: „Kogokolwiek pocałuję, tego weźcie”.
Zbliżając się do Jezusa Chrystusa, Judasz powiedział: „Raduj się, Rabbi (Nauczycielu)!” I pocałował Go.
Jezus Chrystus rzekł do niego: „Przyjacielu! Dlaczego przyszedłeś? Czy pocałunkiem zdradzasz Syna Człowieczego?” Te słowa Zbawiciela były dla Judasza ostatnim wezwaniem do pokuty.
Bazylika San Apollinare Nuovo. Pocałunek Judasza
Zdrada Judasza. Iwan Aiwazowski Pocałunek Judasza. Pietrow Aleksander Nikołajewicz.
Malarstwo „Zdrada Judasza” Andrieja Nikołajewicza Mironowa.
Kiedy zdrajca Judasz dowiedział się, że Jezus Chrystus został skazany na śmierć, zdał sobie sprawę z grozy swojego czynu. Być może nie spodziewał się takiego wyroku lub wierzył, że Chrystus na to nie pozwoli lub w cudowny sposób pozbędzie się swoich wrogów. Judasz zdał sobie sprawę, do czego doprowadziła go miłość do pieniędzy. Bolesne wyrzuty sumienia ogarnęły jego duszę. Poszedł do arcykapłanów i starszych i zwrócił im trzydzieści srebrników, mówiąc: „Zgrzeszyłem, wydawszy niewinną krew” (tj. wydałem niewinnego człowieka na śmierć).
Powiedzieli mu: „Co nam do tego? przekonaj się sam” (czyli bądź odpowiedzialny za swoje sprawy).
Ale Judasz nie chciał pokornie żałować w modlitwie i łzach przed miłosiernym Bogiem. Chłód rozpaczy i przygnębienia ogarnął jego duszę. Rzucił srebrniki do świątyni przed kapłanami i odszedł. Potem poszedł i się powiesił (tj. powiesił się).
Opowieści o malarstwie i obrazach:
Giotto di Bondone.
Wzięcie Chrystusa pod opiekę
lub Pocałunek Judasza. 1304, Tempera
„Pojmanie Chrystusa, czyli pocałunek Judasza” to jeden z najbardziej wyrazistych i serdecznych fresków Giotta w kaplicy Scrovegni, małej prywatnej kaplicy w Padwie w północnych Włoszech, która zapewniła Giottowi niesłabnącą sławę przez siedem stuleci przychodzić.
„Pocałunek Judasza” szokuje widza niespotykaną (i niemal nie do pomyślenia na początku Trecento, kiedy powstawał fresk) intensywnością emocjonalną. Jesteśmy świadkami niespokojnego pandemonium, widzimy długie pochodnie, miecze i włócznie drżące w niepewnych rękach na tle ciemnoniebieskiego nocnego nieba i czujemy, jak naelektryzowane jest powietrze w oczekiwaniu na mające miejsce wydarzenia. Strażnicy są gotowi aresztować każdego, kogo pocałuje Judasz. Prawda zderza się tu ze zdradą, absolutne dobro ze złem. Twarze Chrystusa i Judasza uosabiają tę opozycję, ten uderzający kontrast.
Tak to opisuje krytyk sztuki Paola Volkova w serii filmów „Most nad przepaścią”:
„...Szlachetne, piękne oblicze Chrystusa: złote grube włosy, jasne czoło, spokojne spojrzenie, kolumna szyi, poważna, skupiona twarz. Więc Chryste – jak bohater, jakie to niesamowite przystojny mężczyzna– przedstawimy wtedy, 100 lat później Włoski renesans. To jest bardzo ważne: nie wychudzona twarz, wyczerpana cierpieniem, nie ciało krwawiące na krzyżu, nie udręczone ciało, ale wspaniały człowiek, pełen sił. A jakiś prosty czarny dzik, czarna świnia, przybliża mu twarz! Jeśli czoło Chrystusa jest wypukłe, to jego jest wklęsłe, jak u neandertalczyka; małe oczka pod wystającymi kośćmi czoła zaglądają mu w oczy.”
Chrystus jest doskonały i piękny, Judasz jest brzydki i gruby, ubranie tego nie zakryje. Płaszcz Judasza na tym fresku jest uważany za jedno z największych osiągnięć malarskich Giotta. Po pierwsze, nikt przed nim nie przedstawił draperii odzieży tak przekonująco opisujących kontury ciała i oddających szybkość ruchu. Po drugie, najciekawszą decyzją kompozycyjną Giotta było namalowanie płaszcza Judasza tak, aby niemal całkowicie zakrywał Chrystusa, jakby go wchłaniał.
Wiele z tego, co widzimy w „Pocałunku Judasza” Giotta, pojawia się po raz pierwszy w historii malarstwa. Artysta po raz pierwszy przedstawia coś, co później nazwano „pojedynek spojrzeń”. Po raz pierwszy powstał gotowy kanon ikonograficzny Malarstwo bizantyjskie, zostaje zastąpiona realistyczną sceną pełną dramatyzmu i emocji. Po raz pierwszy tłum wygląda tak wyraźnie niejednorodnie. Apostoł wyjął nóż do chleba i w pasji odciął strażnikowi ucho. Ksiądz na pierwszym planie wskazuje palcem: „Weźcie go!” Ktoś odwrócony tyłem ciągnie za ubranie kogoś obok siebie. Strażnik obok Judasza w wysokim czarnym hełmie w zadumie nadepnął na stopę stojącego obok niego. A ktoś (prawdopodobnie anioł) w tle już dmie w róg, wyczekując Zmartwychwstanie Chrystusa. Brodaty i bez brody, ciemny i jasnowłosy, o indywidualnie odmiennych profilach, w obuwiu i boso, ubrany różne kolory i formy - wszystko to pokazuje, jak bardzo człowiek interesuje się żywą rzeczywistością sztuka włoska wraz z pojawieniem się Giotta.
Biblijne freski Włocha Giotto di Bondone tak bardzo różniły się od bizantyjskiego (greckiego) kanonu malarstwa ikonowego, że artysta i teoretyk sztuki XIV-XV wieku. Cennino Cennini dowcipnie zauważył: „Giotto przetłumaczył Biblię z języka greckiego na łacinę” .