Shakespeare's Globe Theatre, pierwszy występ i odrodzenie. Słynne teatry w Anglii i ich historia Najlepsze opery w Wielkiej Brytanii

Teatr Pierwszy teatr dworski, istniejący w latach 1672–1676, został zdefiniowany przez samego cara Aleksieja Michajłowicza i jemu współczesnych jako rodzaj nowomodnej „zabawy” i „chłodu” na obraz i podobieństwo teatrów europejskich monarchów. Teatr na dworze królewskim nie pojawił się od razu. Rosjanie

Teatr angielski

W XIX wieku teatr, podobnie jak wszystkie inne dziedziny kultury angielskiej, zyskał nowy rozwój. Romantyczny cel podróży w sztuki teatralne uosabiany przez najzdolniejszego aktora tragicznego Edmunda Keana (1787-1833).

Edmunda Keana ( ryż. 58) urodził się w aktorskiej rodzinie. Jego rodzice zmarli, gdy był jeszcze dzieckiem. Zmuszony do zarabiania na życie, młody człowiek podróżował z podróżującą trupą po angielskich miastach i wioskach. Te wędrówki stały się dla nich dobrą szkołą młody artysta, który w wieku dwudziestu lat odwiedził wiele części Anglii. Na pytanie, co trzeba zrobić, aby zostać wielkim aktorem, Keene, który już stał się sławny, odpowiedział: „Umieć głodować”.

Ryż. 58. Keane jako Shylock

Podróżując z objazdowym teatrem, Edmund próbował swoich sił w różnych rolach i sztukach różnych gatunków.

Wychowany w biedzie aktor odczuwał pogardę dla bezczynnych arystokratów i władców, którzy niewiele dbali o swój naród. Życiowe credo młody Keane wyraził się słowami: „Nienawidzę wszystkich lordów z wyjątkiem Lorda Byrona”. Wyższe społeczeństwo nie mogło wybaczyć takiego stosunku do siebie i nieustannie prześladowało Keane'a, nazywając go aktorem tłumu.

Zasłynąwszy na scenie prowincjonalnej, w 1914 roku aktor otrzymał zaproszenie do występów w Londynie w przeżywającym trudne chwile teatrze Drury Lane. Na stołecznym teatrze zadebiutował rolą Shylocka w Kupcu weneckim Szekspira. Kierownictwo Drury Lane, stawiając na prowincjonalnego aktora, podjęło właściwą decyzję: swoim wspaniałym występem Keane po prostu urzekł rozpieszczoną londyńską publiczność.

Szekspir stał się ulubionym dramaturgiem Keane’a. Aktora pociągały jego cechy, które sam posiadał: tragiczny światopogląd, wzmożone poczucie niesprawiedliwości, odrzucenie świata, w którym jedni wiodą nędzną egzystencję, a inni kąpią się w luksusie.

To Szekspir przyniósł Edmundowi sławę. Aktor ucieleśniał obrazy Shylocka, Ryszarda III, Romea, Makbeta, Hamleta, Otella, Iago, Leara. Krytycy uznali jego wspaniały występ za najlepszy komentarz do twórczości słynnego dramaturga, a poeta Coleridge przekonywał: „Oglądanie przedstawienia Keana jest jak czytanie Szekspira w błysku błyskawicy”.

Wizerunek Shylocka stworzony przez Keana w Kupcu weneckim Szekspira wywarł ogromne wrażenie na angielskiej publiczności. Jego bohater w zaskakujący sposób łączy ironiczny stosunek do otaczających go ludzi i gorzkie poczucie samotności, głęboką melancholię i rozdzierającą duszę nienawiść skrywaną za zewnętrzną pokorą. „Kupiec wenecki” wystawiony na Drury Lane przyniósł wczorajszemu prowincjałowi sławę najlepszego aktora w Anglii.

Za swoje najważniejsze dzieła Keene uważał role Hamleta i Otella. Jego duński książę, smutny i melancholijny, rozumie, że nie da się walczyć ze złem panującym na świecie. Niezwykle ufny, z natury szczery i integralny, Otello stawia miłość ponad wszystko, dlatego jej śmierć oznacza dla niego całkowity upadek wszystkich jego aspiracji.

Wielkim sukcesem Keane'a była rola lichwiarza Overricha w sztuce F. Messingera „Nowy sposób na spłatę starych długów”. Publiczność, urzeczona grą aktora, nie mogła powstrzymać łez. Mówią, że Byron, który był obecny na przedstawieniu, był tak zszokowany, że zemdlał.

Aby osiągnąć zrozumienie publiczności, Keene pracowała ostrożnie i przez długi czas nad każdą rolą. Ćwiczył przed lustrem wszystkie ruchy i mimikę, wracał raz po raz do najtrudniejszych epizodów i doskonalił najdrobniejsze szczegóły swojej roli. Zajęcia sportowe pomogły mu osiągnąć niezwykłą plastyczność (Keane był wówczas uważany za jednego z najlepszych szermierzy w Anglii).

Ostatnim dziełem wielkiego aktora była rola Otella. Wypowiedziawszy zdanie: „Dzieło Otella jest skończone”, czterdziestosześcioletni aktor stracił przytomność i upadł. Trzy tygodnie później już go nie było. Śmierć Keane'a oznaczała koniec ruchu romantycznego w teatrze angielskim.

Syn Edmunda Keana, Charles Kean (1811-1868), był także aktorem, grającym głównie w melodramatach.

Epoka wiktoriańska wprowadziła własne zmiany w życiu kulturalnym Anglii. Dla literatury lata te stały się czasem kształtowania się realizmu krytycznego (George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

Nazwisko pisarza Charlesa Dickensa (1812-1870) wiąże się z przejściem teatru angielskiego od klasycyzmu do nowoczesny dramat. Dla teatru pisano sztuki melodramatyczne (Wiejskie kokietki, 1836; Człowiek z lampą, wydane po raz pierwszy w 1879 r. itd.).

Ekscentryczna komedia „Dziwny dżentelmen”, napisana na podstawie jednego z wątków eseju „Szkice Boza”, przyniosła dramaturgowi Dickensowi wielki sukces. Wszystkie sztuki Dickensa, z wyjątkiem Lampmana, wystawiano w St. James's Theatre w sezonie 1836-1837. Oprócz nich pisarz stworzył dramatyzację swojej powieści „Wielkie nadzieje”, jednak sztuka nie została wystawiona.

Sztuki Dickensa cieszyły się popularnością nie tylko w Anglii, ale także za granicą. Fabuła kilku jego powieści stała się podstawą wielu oper.

W 1951 roku pisarz otworzył teatr amatorski, którego repertuar składał się z dzieł klasycznych i współczesnych. Wielu młodych angielskich dramaturgów rozpoczynało swoją karierę twórczą w tym teatrze. Dickens, posiadający doskonałe umiejętności aktorskie, występował w swoim teatrze rolę Płytkiej w Wesołych kumoszkach z Windsoru. Pisarz zyskał także szeroką sławę jako znakomity czytelnik, wykonujący ze sceny własne utwory.

Współczesny Dickensowi, angielski poeta i dramaturg Robert Browning (1812-1889) rozpoczął pracę w teatrze w wieku dwudziestu dwóch lat. Jego pierwsza sztuka, Paracelsius, została opublikowana w 1835 roku. Potem przyszły dramaty historyczne „Strafford” (1837), „Powrót Druzów” (1839), „Król Wiktor i król Karol” (1842), napisane dla Covent Garden Theatre. Główne role w tych produkcjach zagrał aktor W. Macready.

W 1843 roku w Covent Garden wystawiono sztukę Browninga The Spot on the Herb. A w 1853 r. na jego scenie wystawiono kolejną sztukę tego autora „Urodziny Kolumba”.

Twórczość romantyczna Browninga, podobnie jak sztuki historyczne, nawiązuje do tradycji dramatu poetyckiego J. G. Byrona i P. B. Shelleya. W czasach, gdy na scenie angielskiej dominował melodramat, Browning starał się zwrócić uwagę publiczności na poważne, znaczące przedstawienie. Niezrozumiany przez współczesnych pisarz stopniowo przechodził od dramatu scenicznego do gatunku tzw. zabawy do czytania.

Twórczość Edwarda Bulwera-Lyttona (1803-1873), angielskiego pisarza i dramaturga, który był także znaną postacią polityczną, jest również znana ze swojego bliskości z nowoczesnym teatrem realistycznym. Jego ulubionymi gatunkami były powieści i dramaty o tematyce historycznej. Jednocześnie melodramatyczne motywy i metody zewnętrznej popisowości pozbawiły dzieła Bulwera-Lyttona autentycznego historyzmu.

Dramaty „Piękno Lyonu” (1838) i „Richelieu” (1839) przyniosły dramatopisarzowi szeroką sławę. Politycznie istotne, a jednocześnie zabawne, teatralne i pełne dynamiki, sztuki te natychmiast przyciągnęły uwagę czołowych angielskich reżyserów tamtych czasów. „Richelieu” w reżyserii Henry’ego Irvinga długo nie schodził ze sceny stołecznego Lyceum Theatre. A w latach 40. – 60. XIX w. rosyjscy widzowie mogli oglądać dramat Bulwera-Lytto (głównymi bohaterami byli aktorzy V.V. Samoilov i N.K. Miloslavsky).

Edwarda Bulwer-Lyttona pociągały nie tylko sztuki historyczne, ale także komedie będące satyrą na obyczaje wiktoriańskiego społeczeństwa - Nie jesteśmy tak źli, jak wyglądamy i Pieniądze (1840). Chociaż dramaturg nie zagłębił się w to krytyka społeczna, realizm jego dzieł przykuwał do nich uwagę widzów. komedie Bulwera-Lyttona przez wiele lat znajdowały się w repertuarach teatrów angielskich.

Powieść historyczna Bulwera-Lyttona „Rienzi” zainteresowała słynnego niemieckiego kompozytora Ryszarda Wagnera, który swoją fabułę oparł na operze o tym samym tytule, zaprezentowanej publiczności w 1840 roku.

Pod koniec XIX wieku słynna Angielski pisarz, prozaik i dramaturg George Bernard Shaw (1856-1950) ( ryż. 59). Urodził się w Dublinie, w rodzinie biednego pracownika. W wieku dwudziestu lat Shaw przeprowadził się do Londynu, gdzie został jednym z założycieli Towarzystwa Fabiańskiego. Pracując jako krytyk muzyczny i teatralny, Bernard napisał kilka mało znanych powieści. Jego pierwsza sztuka „Dom wdowca” ukazała się w 1892 roku. Spektakl poruszał ważne kwestie społeczne i etyczne, ostro krytykując właścicieli wynajmujących mieszkania w slumsach. Dramaturg wzywał swoich czytelników do samodoskonalenia się i zmiany otaczającego ich świata. Wystawiony w Teatrze Niezależnym spektakl „Dom wdowca” publiczność przyjął chłodno i już po dwóch przedstawieniach został usunięty ze sceny.

Ryż. 59. George Bernard Shaw

W ciągu kolejnych sześciu lat dramatopisarz napisał dziewięć sztuk teatralnych (w tym jeden jednoaktowy). Smutny dramat „Łamacz serc” (1893), opowiadający o korzystnym małżeństwie zakończonym całkowitym niepowodzeniem, nie został przyjęty do produkcji przez żadnego z stołeczne teatry. W 1894 roku ukazał się dramat „Człowiek i broń”, obnażający nieludzkość i okrucieństwo wojny. W 1897 r. powstała sztuka „Uczeń diabła”, a w 1898 r. ukazał się dwutomowy zbiór „Przyjemny i nieprzyjemny”, zawierający sztuki z różnych lat („Zawód pani Warren”, 1894; „Człowiek i Arms”, „Candida”, 1897; „Wybraniec losu”, 1897; „Poczekaj i zobacz”, 1899 itd.). Spektakl „Zawód pani Warren”, poruszający temat prostytucji, został zakazany przez cenzurę, ale później, gdy wreszcie dopuszczono go do wystawienia, opuścił sceny teatralne dopiero w 1902 roku. Candida odniosła ogromny sukces w Nowym Jorku w 1903 roku. A w swojej ojczyźnie Shaw nadal nie cieszył się popularnością. Prawdziwe uznanie angielskiej publiczności przyszło mu w 1904 roku, kiedy wraz z żoną oraz aktorem i reżyserem Harleyem Grenville-Barkerem wynajął budynek Royal Court Theatre. Sztuki Shawa wyreżyserowali Grenville-Barker i John Vedrenne. Spośród 988 przedstawień wystawionych na dworze królewskim w latach 1904–1907 ponad siedemset opierało się na twórczości Shawa.

Do najlepszych dzieł dramaturga należy sztuka „Człowiek i Superman” (1905) - komedia filozoficzna, która przedstawia widzowi stosunek autora do religii, małżeństwa i rodziny. Ewolucja społeczeństwa ludzkiego ukazana jest poprzez spory pomiędzy Don Juanem, który znalazł się w podziemiach, a diabłem.

Najsłynniejszą sztuką Shawa był Pygmalion (1913), antyromantyczna komedia napisana specjalnie dla aktorki Patricka Campbella. Po śmierci dramatopisarza Frederick Lowe i Alan Jay Lerner oparli go na musicalu My Fair Lady.

Późniejsze sztuki Shawa to Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), dramat historyczny Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) i inne.

Shaw, który stał się ucieleśnieniem angielskiego dowcipu, stworzył dla teatru ponad 50 dzieł. Kiedy zmarł wielki dramaturg, teatry w wielu krajach na całym świecie na znak żalu wyłączyły światła.

Znaczący wkład w rozwój teatru angielskiego wniósł pisarz Oscar Wilde (1854-1900). Podobnie jak Shaw urodził się w Dublinie jako syn słynnego chirurga. Wykształcenie na Uniwersytecie Oksfordzkim. Pierwszymi dziełami Wilde'a były wiersz „Rawenna” (1878) i zbiór „Wiersze” (1881).

Pisarz zasłynął dzięki opowiadaniom lirycznym i baśniom (Star Boy itp.) oraz powieści filozoficznej Portret Doriana Graya. Dla teatru Wilde stworzył kilka sztuk o orientacji społecznie krytycznej (Wachlarz Lady Windermere, 1892; Idealny mąż, 1895; Być poważnym na serio, 1899). Sztuka „Salome” została napisana w języku francuskim i opublikowana w Anglii w 1894 roku, w tłumaczeniu Alfreda Douglasa z ilustracjami artysty Aubreya Beardsleya. Sztuka ta stała się podstawą słynnej opery Richarda Straussa pod tym samym tytułem (1904).

Pod koniec XIX wieku angielski dramaturg Henry Arthur Jones (1851-1929) zaczął pisać dla teatru. Pochodzący z biednej chłopskiej rodziny, zarabiał na życie jako aktor.

Nie zyskując sławy aktorskiej, Jones zwrócił się w stronę dramatu, ale jego pierwsze sztuki również nie przyniosły pożądanego sukcesu. Teatry odmówiły przyjęcia jego dzieł i dopiero w 1878 roku sztuka Jonesa „It’s Just Around the Corner” została przyjęta do realizacji w jednym z prowincjonalnych teatrów.

Długo oczekiwany sukces dramatopisarza przyszedł po wystawieniu „Srebrnego Króla” w Teatrze Księżniczki. Do najważniejszych dzieł Johna należą sztuki Saints and Sinners, Dancer, Rebel Susanna, Triumph of the Bigots, Michael and His Lost Angel oraz The Defense of Mrs. Dane. Wiele dramatów Jonesa obnaża obłudną moralność wiktoriańskiego społeczeństwa („Kłamcy”, 1897; „Kłamstwa”, 1914), choć zamiłowanie do technik melodramatycznych nieco zmniejsza ich znaczenie. Ale mimo to możemy śmiało powiedzieć, że twórczość Jonesa miała wpływ na ukształtowanie się ruchu realistycznego w sztuce teatralnej Anglii koniec XIX wieki. Jones współpracował z Bernardem Shawem, który wysoko cenił jego twórczość.

Angielska sztuka sceniczna końca XIX wieku związana jest z nazwiskiem aktora i przedsiębiorcy Arthura Vouchera (1863-1927). W 1884 roku młody aktor, który studiował w Eton, a następnie w Oksfordzie, został jednym z założycieli Towarzystwa Dramatycznego Uniwersytetu Oksfordzkiego. Na swojej scenie grał w sztukach Szekspira („Henryk IV”, „Wieczór Trzech Króli”, „Wesołe kumoszki z Windsoru”, „Juliusz Cezar”).

Debiutem Vouchera była rola Jacques'a w komedii Szekspira Jak wam się podoba, wystawionej w 1889 roku na profesjonalnej scenie w Wolverhampton. Występ przyniósł sławę aktorowi, a w latach 1889-1894 grał w różnych teatrach angielskich i amerykańskich.

W latach 1895-1896 Voucher stał na czele Teatru Królewskiego, a jego żona E. Vanbrugh była czołową aktorką grającą główne role w komediach i farsach. Od 1900 do 1906 pełnił funkcję dyrektora artystycznego Voucher Teatru Garrick. W tym czasie zagrał wiele ról w sztukach Szekspira (Shylock, Makbet), A. Pinero, J. Gilberta, G. A. Jonesa. W 1910 roku aktor dołączył do trupy Beerbohm Tree (His Majestys Theatre), gdzie ucieleśniał wizerunki Henryka VIII i Fundacji w sztukach Szekspira Henryk VIII i Sen nocy letniej. Voucher, niezwykle temperamentny i emocjonalny artysta, szczególnie skutecznie wcielał się w jasne, charakterystyczne role (John Silver w „Wyspie skarbów” na podstawie powieści R. L. Stevensona).

Pod koniec XIX wieku aktor i przedsiębiorca Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) rozpoczął karierę w teatrze. Zadebiutował rolą Fritza w sztuce „Stary Żyd” Grnadiego, wystawionej w 1895 roku w Teatrze Garrick. W tym samym roku dołączył do trupy Beerbohm Three i odbył z nią tournée po USA. W latach 1899-1901 ponownie odwiedził Amerykę, tym razem ze słynną angielską aktorką Patrickiem Campbellem.

Do najważniejszych dokonań scenicznych aktora w tym czasie zaliczały się role Sandforda Cleve’a w „Słynnej pani Ebbsmith” i Kapitana Ardale’a w „Drugiej pani Tanqueray” Pinera. W 1902 roku Du Maurier został przedsiębiorcą w trupie Charlesa Fromana (Duke of York Theatre), gdzie z wielkim sukcesem stworzył postacie Ernesta Woollera (Cudowny Crichton J. Barry'ego), Haka i Darlinga (Piotruś Pan ten sam autor).

Du Maurier odnosił największe sukcesy w rolach komediowych. Umiejętność zachowywania się naturalnie, szczerze i po prostu pomogła aktorowi zdobyć miłość publiczności. Do jego najlepszych dzieł zaliczały się kreacje Montgomery'ego Brewstera w Milionach Brewstera McCutcheona i Hugh Drummonda w Bulldog Drummond, dramatyzacji powieści McNeila.

W latach 1910-1925 Du Maurier wraz z F. Curzonem kierował Windham's Theatre, a od 1925 do 1929 wraz z G. Millerem kierował St. James's Theatre. Teatralna inscenizacja sztuki Lonsdale'a Ostatnie dni pani Cheney (1925) przyniosła teatrowi wielki sukces. Następnie Du Maurier wystawił jeszcze kilka przedstawień w różnych teatrach („Dzwonek” Wallace’a, 1926, „Windham's Theatre”; „List” Maughama, 1927, „Playhouse Theatre”; „Alibi” Mortona na podstawie powieści Christie, 1928, teatr „Książę Wells”; „Doktor Pygmalion” Owena, 1932, „Teatr Playhouse” itp.).

Wybitną postacią teatru angielskiego końca XIX i pierwszej połowy XX wieku był aktor, reżyser i słynny pedagog Frank Robert Benson (1858-1939). Z wczesna młodość brał czynny udział we wszelkiego rodzaju przedstawieniach amatorskich. Jego pierwszą profesjonalną sceną był London Lyceum Theatre, na którego czele stał G. Irving. Rok później młody aktor otworzył własny teatr objazdowy, który wystawiał nie tylko w Londynie, ale także w Stratford i innych prowincjonalnych miastach.

Ulubionym dramaturgiem Bensona był Szekspir. W ciągu zaledwie kilku lat reżyser wystawił niemal wszystkie sztuki wielkiego dramatopisarza, z wyjątkiem „Tytusa Andronikusa” oraz „Troilusa i Kresydy”. Od 1886 do 1919 roku zespół kierowany przez Bensona grał w Shakespeare Memorial Theatre w Stratford-on-Avon. W ojczyźnie Szekspira z jej udziałem odbywały się coroczne festiwale sztuk Szekspira.

Benson, wspaniały aktor i reżyser, był także utalentowanym nauczycielem, który wykształcił wielu wspaniałych artystów. Jest autorem pracy o aktorstwie. Benson napisał także książkę wspomnień. W ostatnie lata Przez całe życie związany z kinem.

Słynny angielski aktor, reżyser i dramaturg Harley Grenville-Barker (1877-1946) karierę teatralną rozpoczął jako aktor. W 1891 roku dołączył do trupy S. Thorne'a w Margate. W następnym roku Grenville-Barker wystąpił już w London Comedy Theatre.

W latach 1904–1907 wraz z dramaturgiem Bernardem Shawem Grenville-Barker kierował Royal Court Theatre, należącym do ruchu „wolnego teatru”, skupiającego się na poważnym dramacie realistycznym.

Promujący realizm sceniczny Grenville-Barker marzył o otwarciu teatru narodowego ze stałym repertuarem, ale niestety próba jego stworzenia nie została uwieńczona sukcesem.

Wśród twórczości Grenville-Barker ważne miejsce zajmują spektakle oparte na sztukach Szekspira. Reżyser opublikował pięciotomowe dzieło „Przedmowa do Szekspira”, w którym szczegółowo przeanalizował najtrudniejsze do wystawienia sztuki Szekspira i udzielił praktycznych rad, jak je wystawić we współczesnym teatrze. Sztuki Grenville-Barkera „Ślub Anny Leet” (1902), „Dziedzictwo Voysey” (1905), „Dom Madras” (1910), „Pogoda w Han” i inne stały się szeroko znane.

Po I wojnie światowej Anglia otrzymała szereg kolonii niemieckich i część ziem Bliskiego Wschodu należących do Turcji. Gospodarka angielska, osłabiona wojną, zaczęła się odradzać, ale nie trwało to długo. Już w 1921 r. rozpoczął się wzrost inflacyjny i spadek poziomu życia ludności.

W 1924 r. do władzy doszedł rząd laburzystów, lecz mimo wszelkich jego wysiłków sytuacja gospodarcza i polityczna w kraju nie uległa zmianie, a zastąpieni przez Partię Pracy konserwatyści jeszcze bardziej pogorszyli sytuację. W maju 1924 roku w Anglii rozpoczął się strajk generalny. Zakłady i fabryki całkowicie stanęły i przestały funkcjonować koleje, miny. Rządowi udało się na jakiś czas rozładować napięcie w kraju, jednak już w 1929 r. wybuchł poważny kryzys gospodarczy.

Lata trzydzieste XX wieku również były niespokojne. Hitler doszedł do władzy w Niemczech, a w Anglii, za przyzwoleniem Baldwina i Chamberlaina, którzy go zastąpili, swoją działalność rozpoczął Brytyjski Związek Faszystów.

Kiedy zaczął się drugi? wojna światowa okazało się, że Anglia była na to zupełnie nieprzygotowana. Po klęsce pod Dunkierką angielskie siły ekspedycyjne opuściły kontynent. Po zajęciu Francji naziści przygotowywali się już do rozpoczęcia inwazji na Wyspy Brytyjskie, ale przeszkodziła im bitwa o Anglię, wygrana przez brytyjskie samoloty, a następnie wybuch działań wojennych przeciwko ZSRR.

26 maja 1942 roku Anglia i ZSRR podpisały porozumienie o sojuszu wojskowym i współpracy w pokojowy, ale Churchill przez pewien czas zwlekał z otwarciem drugiego frontu. Pod koniec drugiej wojny światowej polityka konserwatystów całkowicie rozczarowała naród, a w wyborach w 1945 r. Partia Pracy odniosła miażdżące zwycięstwo.

Sytuacja społeczna w kraju nie mogła nie wpłynąć na dramat angielski pierwszej połowy XX wieku. W ciągu tych lat w kraju robiono takie rzeczy znani pisarze, jak Somerset Maugham i John Boynton Priestley.

Ryż. 60. Somerset Maugham

Angielski pisarz William Somerset Maugham (1874-1965) ( ryż. 60) urodził się w Paryżu, w rodzinie radcy prawnego ambasady angielskiej. W wieku dziesięciu lat został bez rodziców i był wychowywany w Anglii przez krewnych. Zachorowawszy na gruźlicę, Maugham osiadł w południowej Francji, a następnie przeniósł się do Niemiec, gdzie został studentem Uniwersytetu w Heidelbergu. W Niemczech przyszły pisarz zbliżył się do Ibsena

i Wagnera. To sztuki Ibsena obudziły w Maughamie pragnienie zostania dramaturgiem.

Po powrocie do Anglii Maugham rozpoczął naukę w szkole medycznej. Przez trzy lata pracował jako ratownik medyczny w ambulansie, co dało mu wiedzę o życiu zwykłych ludzi (w ramach swojego zawodu Somerset odwiedzał najbiedniejsze dzielnice Londynu). Jego powieść Lisa of Lambeth, napisana w 1897 roku, opowiada historię londyńskich slumsów. Przyniósł młodemu pisarzowi pierwszą sławę. Maugham później stworzył cała seria powieści dające szeroką panoramę życia społeczeństwa angielskiego („Brzemię ludzkich namiętności”, 1915; „Teatr”, 1937).

Teatr zawsze przyciągał Maughama, jednak osiągnięcie sukcesu na tym polu nie było łatwe. Chęć realistycznego odzwierciedlenia rzeczywistości czasami odstraszała przedsiębiorców od pisarza. Do popularności pisarza w sztuce komercyjnej nie przyczyniła się produkcja jego sztuki „Człowiek honoru” (1903).

Wreszcie w 1907 roku Maughamowi udało się wystawić komedię Lady Frederick, która została przyjęta z zachwytem publiczności. Następnie teatry londyńskie otworzyły swoje podwoje dla dramatopisarza i w tym samym roku 1907 ukazały się jeszcze trzy przedstawienia oparte na jego sztukach.

Dramaturg stworzył rodzaj sztuki, który nazwał „inteligentnym”. Współczesna rzeczywistość jego dzieł ukazana jest poprzez zderzenie bohaterów, a akcja często jest przerywana, aby bohaterowie mogli przedyskutować zaistniałą sytuację. Tworząc swoje sztuki Maugham często sięga po techniki charakterystyczne dla twórczości Shawa i Ibsena, jednak najczęściej sięga po angielską komedię epoki Restauracji. Pochodzi z dramaturgii drugiej połowa XVI- początek XVIII wieku to sztuka charakteru i intrygi obecna w twórczości Maughama. W wielu jego sztukach widać także zainteresowanie tradycjami teatru francuskiego.

Wczesne sztuki Maughama „Lady Frederick”, „Pani Dot”, „Jack Straw”, wystawiane w londyńskich teatrach w 1907 roku, pisane były w stylu komedii salonowej. Następnie dramaturg odszedł od lekkiej satyry i zwrócił się ku poważnym realistycznym dramatom o „ludziach, którzy wszystko wiedzą”. W 1913 roku ukazała się „Ziemia obiecana”, opowiadająca o losach biednej dziewczynki Nory. Wychowana w burżuazyjnym angielskim środowisku, trafia do Kanady wraz ze swoim bratem-rolnikiem. Nienadająca się do pracy i próbująca zachowywać się jak dama, budzi oburzenie żony brata. Ale zostając żoną sąsiedniego rolnika, Nora stopniowo się zmienia, a kiedy dostaje możliwość powrotu do poprzedniego życia w Londynie, odmawia, zdając sobie sprawę, że nie będzie już mogła żyć wśród bezczynnych i bezwartościowych ludzi .

Spektakl „Ognisko i piękna żona” (1919) poświęcony jest tematowi powojennego życia Anglików. Zakończyła się I wojna światowa, a major, którego wszyscy uważali za zmarłego, wrócił do domu. Jego żona Wiktoria wyszła za mąż za jego przyjaciela, również majora. Przyjaciele rywalizują w szlachcie, dając sobie prawo do pozostania u pięknej Wiktorii, ale ona rozwodzi się z nimi obojgiem i zostaje żoną spekulanta, który wzbogacił się na zaopatrzeniu wojskowym. Ten worek pieniędzy, który uciekł z frontu, jeździ Cadillakiem i może zdobyć dowolne jedzenie. Obydwa byli mężowie Niezrównana Victoria twierdzi, że zawsze domyślali się jej podłości i chciwości. To jest dom, o który Brytyjczycy walczyli podczas wojny.

Temat małżeństwa w społeczeństwie burżuazyjnym kontynuuje słynna sztuka Maughama „Krąg” (1919). Elżbieta, żona młodego polityka, jest zawiedziona mężem i podziwia jego matkę, której nigdy nie widziała: w młodości uciekła od męża wraz z jego przyjacielem, lordem Proteusem, który ubiegał się o stanowisko premiera . Ale po takim akcie kochankom odmówiono wstępu do społeczeństwa i tylko Elżbieta potajemnie zaprosiła ich do siebie. Wyobraźcie sobie jej rozczarowanie, gdy zamiast romantycznej pary zobaczyła młodą starszą kobietę i źle wychowanego, złego starca. Wiele stało się jasne dla młodej kobiety, ona jednak nie porzuciła swojej miłości i opuściła dom zamożnego męża, aby udać się z młodym urzędnikiem kolonialnym na odległe Malaje.

W latach 1928–1933 ukazały się jeszcze cztery sztuki Maughama: „Święty płomień” (1928), „Rodzinny żywiciel rodziny” (1930), „Za zasługi w bitwie” (1932) i „Sheppie” (1933). Prawnik prowincjonalny w dramacie „Za zasługi wojskowe” wierzy, że w społeczeństwie panuje sprawiedliwość i dobrobyt, choć jego własna rodzina umiera pod presją okoliczności.

Syn Sidney wrócił z wojny niewidomy do domu i opiekuje się nim jedna z sióstr, choć ją to obciąża i dręczy. Marzy o zjednoczeniu swojego losu z mężczyzną, który również niedawno wrócił z frontu, jednak jej narzeczony, nie mogąc odnaleźć się w tym społeczeństwie, odbiera sobie życie, a nieszczęsna dziewczyna traci rozum. Jej siostra zostaje żoną zdemobilizowanego oficera – aroganckiego i źle wychowanego mężczyzny. Tragiczny jest także los trzeciej córki. Próbując uciec od ponurej sytuacji, ucieka z domu z bogatym spekulantem, który dorobił się na brudnych transakcjach. Wojna złamała losy wszystkich członków rodziny. Słowa Sidneya są pełne goryczy: „Wiem, że wszyscy skończyliśmy jako marionetki w rękach przeciętnych głupców, którzy rządzili naszymi krajami. Wiem, że wszyscy poświęciliśmy się ich próżności, chciwości i głupocie. A najgorsze jest to, że, o ile rozumiem, niczego się nie nauczyli.

Historia głównego bohatera dramatu „Sheppey” jest smutna. Sheppey, fryzjer w średnim wieku, został szczęśliwym zwycięzcą wielkiej wygranej.

Marzy o pomaganiu potrzebującym, ale jego córka i narzeczony wierzą, że te pieniądze pomogą im dostać się do wielkiej polityki i starają się, aby Sheppey został uznany za wariata.

Produkcja Sheppiego, nieprzeznaczonego do sztuki komercyjnej, nie powiodła się, a Maugham zdecydował się porzucić dramatopisarstwo i nigdy nie wrócić do pracy w teatrze.

Ryż. 61. Johna Boyntona Priestleya

John Boynton Priestley (1894-1984) ( ryż. 61) urodził się w miejscowości Bradford (Yorkshire), w rodzinie nauczyciela. W 1914 został studentem Uniwersytetu w Cambridge, jednak wraz z wybuchem I wojny światowej zgłosił się na ochotnika na front. Priestley ukończył studia na uniwersytecie po zakończeniu wojny. Wkrótce zyskał sławę jako autor esejów, a także literaturoznawca i krytyk. Powieść Dobrzy towarzysze, napisana w 1929 roku, wprowadziła czytelnika w życie podróżujących aktorów, przyniosła Priestleyowi wielki sukces. Pierwszym i niezwykle udanym doświadczeniem dramaturgicznym pisarza była sztuka „Niebezpieczny zwrot”, wystawiona w 1932 roku.

Podobnie jak Maugham, Priestley wiedział, jak trafnie oddać typ ludzki i stworzyć intrygę. Jednocześnie jego sztuki są bardziej problematyczne niż dzieła Maughama i Shawa.

W „Niebezpiecznym zakręcie” Priestley, podobnie jak Maugham, odkrywa, co kryje się za zewnętrznym dobrobytem życia. To, co pojawia się za warstwami kłamstw i oszustw, jest naprawdę przerażające. Dramaturg buduje swoje sztuki na zasadzie „detektywa w zamkniętym pokoju”. W małym gronie bliskich znajomych zostaje popełnione morderstwo, wszyscy są podejrzani, a jednocześnie wszyscy zostają detektywami-amatorami.

Łańcuch rewelacji rozwija się stopniowo, począwszy od przypadkowo rzuconych słów na imprezie u wydawcy Roberta Kaplana, który dowiaduje się, że jego ukochany brat Martin był maniakiem seksualnym i nie popełnił samobójstwa, jak oficjalnie sądzono, ale został zabity przez kobietę. W jego śmierć zaangażowani byli niemal wszyscy najbliżsi. Dowiedziawszy się o straszliwej prawdzie, Robert odebrał sobie życie. Ale to tylko hipotetyczna wersja wydarzeń. Zapadająca ciemność rozprasza się, a przed oczami widza ponownie pojawia się akcja pierwszego aktu. Bohaterowie prowadzą tę samą rozmowę, a zdanie, które posłużyło za początek objawienia, nie jest rozwinięte. „Niebezpieczny zwrot” został pomyślnie minięty i impreza trwa. Ale to, co tak naprawdę kryje się za spokojnym biegiem życia, jest już widzowi znane.

W 1937 roku ukazała się sztuka Priestleya „Czas i rodzina Conway”, w której autor wykorzystuje technikę zwrotu wydarzeń. Akcja rozpoczyna się w 1919 roku rodzinnym świętem. Przyjazna i zamożna rodzina świętuje urodziny Kate. Dziewczyna kończy dwadzieścia jeden lat, jest pełna nadziei na szczęśliwą przyszłość i marzy o zostaniu pisarką.

Akt drugi pochodzi z 1937 roku. Bohaterowie są ci sami, ale wszyscy są nieszczęśliwi. Impreza, która odbyła się wiele lat temu, stała się wydarzeniem, które zmieniło życie rodziny w kierunku, który doprowadził wszystkich jej członków do smutnego skutku.

Akt trzeci powraca do roku 1919, lecz teraz widzowi, który wiele lat później dowiedział się, co się wydarzyło, rodzinne przyjęcie nie wydaje się wesołe i wesołe.

Do motywu czasu nawiązywał także Priestley w swoich kolejnych sztukach: „Byłem tu już” (1937), „Muzyka nocą” (1938), „Johnson za Jordanem” (1939). Aby pogłębić charakterystykę swoich bohaterów, pisarz umieszcza ich w niezwykłym środowisku, w którym ujawnia się coś, co wcześniej było ukryte nie tylko przed innymi, ale także przed nimi samymi.

W wielu sztukach Priestley stosuje śmiałe eksperymenty. I tak w dramacie „Z czasów niebiańskich” (1939), który miał miejsce na scenach teatrów wielu krajów Europy, aktorzy na oczach widzów wczuwają się w role, a nawet zmieniają role.

Angielski dramaturg wysoko cenił twórczość Czechowa. Jego wpływ jest najbardziej widoczny w sztuce Eden End (1934). „Eden End”, nawiązujący do „Wiśniowego sadu” Czechowa, opowiada historię kobiety, która wiele lat temu uciekła z domu rodziców, aby zostać aktorką. Teraz wróciła do cichego i wygodnego domu ojca, marząc o tym, by znowu poczuć się szczęśliwa. Ale przeszłości nie można zwrócić, a bohaterowie spektaklu, niezależnie od tego, jak bardzo by tego chcieli, nie mogą rozpocząć nowego życia.

Komedia zajmuje ważne miejsce w dramaturgii Priestleya. W tym gatunku pisarz stworzył szereg niezwykle dowcipnych dzieł, krytykujących życie społeczne. Jego komedie cieszyły się niezwykłą popularnością w krajach europejskich, ale w ojczyźnie nie przyniosły dramatopisarzowi większego sukcesu.

Komedia „Rakita Grove” (1933) stała się powszechnie znana. Nie wyróżniający się i skromny właściciel małego składu artykułów papierniczych nagle przyznaje się rodzinie, że tak naprawdę jest szefem gangu fałszerzy. Krewni, słysząc o tym, okazują mu wszelki szacunek, chociaż wcześniej traktowali go z pogardą. Wszyscy uważają, że nie jest gorszy od wielkich potentatów finansowych, którzy w czasie kryzysu gospodarczego zrujnowali go i zrobili z niego przestępcę.

Niektóre komedie wskazują na zainteresowanie Priestleya życiem przedstawicieli określonych zawodów („Miłość w świetle Jowisza”, 1936; „Dobranoc, dzieciaki”, 1941).

Nieco inna jest sztuka „Pszczoły na pokładzie statku” (1936), którą sam autor nazwał „farsową tragedią w dwóch aktach” oraz „ satyra polityczna w formie farsy.” Załoga oceanicznego liniowca porzuconego przez właścicieli na pastwę losu w czasie kryzysu gospodarczego próbuje uratować swój statek przed wszelkiego rodzaju atakami. W finale statek ginie w wyniku eksplozji zorganizowanej przez firmę będącą właścicielem liniowca.

Niezwykły jest także utopijny dramat Priestleya „Przyszli do miasta” (1943), inspirowany utopijną powieścią angielskiego artysty i pisarza Williama Morrisa „Wiadomości znikąd, czyli wiek szczęścia” (1891). Bohaterowie sztuki Priestleya żyją w mieście, w którym nie ma własności prywatnej, są szczęśliwi i pogodni. Wykorzystując technikę „przesunięcia w czasie” autorka wprowadza do spektaklu postacie z różnych warstw współczesnego społeczeństwa angielskiego, które odmiennie postrzegały niezwykłe miasto i jego mieszkańców.

Z dużym zainteresowaniem publiczności spotkały się jeszcze dwie sztuki Priestleya: „Przyszedł inspektor” (1945) i „Rodzina Lindenów” (1947).

W pierwszym spektaklu dramaturg ponownie sięga po swoją ulubioną technikę „przesunięcia w czasie”. Rodzina przemysłowca Berlinga zamierza świętować zaręczyny córki. Nagle w domu pojawia się inspektor policji, który prowadzi dochodzenie w sprawie samobójstwa dziewczyny o imieniu Eva Smith. Okazuje się, że wszyscy członkowie rodziny są winni jej śmierci. Birling wyrzucił ją ze swojego przedsięwzięcia, jego córka zadbała o wyrzucenie Ewy ze sklepu, a jej narzeczony uwiódł i porzucił nieszczęsną kobietę. Na domiar złego żona Berlinga, która miała wpływ na organizacja charytatywna, uczynił tak, że dziewczynie odmówiono pomocy.

Dowiedziawszy się wszystkiego, inspektor odchodzi, a rodzina Birlingów, zdziwiona, że ​​ich działania dotyczą tej samej dziewczyny, zaczyna wzywać szpital i policję. Dowiadują się, że nie było samobójstw, a inspektor o tym nazwisku nie pracuje w policji. Birlingowie uspokoili się, ale jak się okazało, za wcześnie. Nagle zadzwonił telefon i głowa rodziny została poinformowana, że ​​w szpitalu zmarła dziewczyna, która wcześniej pracowała w jego fabryce, i przyjeżdża do nich inspektor policji, aby ustalić okoliczności śmierci.

W latach pięćdziesiątych Priestley nadal pracował w dramacie, ale nie był już w stanie napisać niczego znaczącego.

Wielki wkład w rozwój dramatu angielskiego wniósł poeta Thomas Stearns Eliot (1888-1965). (ryc. 62), któremu zamarzyło się stworzenie nowego dramatu poetyckiego opartego na tradycjach sztuki starożytnej i średniowiecznej.

Ryż. 62. Thomas Stearns Eliot

Eliot urodził się w USA. W 1910 roku przybył do Europy, aby studiować na Sorbonie. Jego formacja pisarska odbyła się pod wpływem tych, którzy pojawili się na początku stulecia ruchy modernistyczne. Eliot niezadowolony ze współczesnej kultury burżuazyjnej w swoich poszukiwaniach zwrócił się ku neoklasycyzmowi, opartemu na tradycjach starożytności i średniowiecza.

Przejście Eliota od poezji do dramatu wiąże się z jego żarliwym pragnieniem przekazania większej liczbie ludzi „prawdziwej duchowości” i ideałów humanizmu. Temu celowi służą wszystkie jego sztuki teatralne, które pojawiały się w latach 30., a następnie 40. i 50. XX w. („Morderstwo w katedrze”, 1935; „Konwencja rodzinna”, 1938; „Koktajl”, 1949; „Prywatny sekretarz”, 1953; „Starszy mąż stanu”, 1958).

Kwestię osobistej odpowiedzialności człowieka za wszystko, co dzieje się na świecie, podnosi sztuka „Morderstwo w katedrze”, która jest uderzającym przykładem poetyckiej tragedii Eliota. Tworząc swoje dzieło w czasie pokoju, dramatopisarz zdawał się przeczuwać nadchodzącą wojnę światową, do której pozostało jeszcze pięć lat.

„Morderstwo w katedrze” miało zostać pokazane na festiwalu w Canterbury, gdzie zaprezentowano inne prace opowiadające o losach żyjącego w XII wieku arcybiskupa Canterbury Tomasza Becketa. Becket pomagał Henrykowi II w walce o scentralizowaną monarchię, później jednak stał się wrogiem króla, za co zapłacił życiem. Po jego śmierci arcybiskup został kanonizowany przez Kościół. Osobowość Becketa wciąż budzi kontrowersje wśród historyków i pisarzy. Eliot przedstawił swojego bohatera jako człowieka, którego działaniami kierowało pragnienie wysokiej duchowości, dlatego walczył z podstawowymi interesami monarchy i jego sługusów. Przyjmując męczeństwo, Becket wziął na siebie grzechy ludzkości i otworzył ludziom drogę do humanizmu i prawdy.

Spektakl, w którym język poetyckiłączy się z prozą, opiera się nie tylko na materiale historycznym, ale także na realiach lat trzydziestych XX wieku. Tym samym przemówienia rycerzy, którzy zabili arcybiskupa, bardzo przypominają przemówienia skrajnej prawicy grożącej „nocą długich noży” wszystkim, którzy nie zgadzają się z ich pomysłami.

Największymi przedstawicielami angielskiego radykalnego dramatu lewicowego byli poeta Whiston Hugh Auden (1907-1973) i powieściopisarz Christopher Isherwood (ur. 1904), którzy podjęli próbę stworzenia nowoczesnego dramatu poetyckiego opartego na tradycjach angielskiego musichall.

W 1933 roku Auden napisał sztukę Danse Macabre, która przewidywała koniec współczesnego społeczeństwa burżuazyjnego. W 1936 roku wystawił go reżyser Rupert Doone w Group Theatre w Londynie. Następnie dramaturg współpracował z Isherwoodem.

Z zainteresowaniem przyjęto sztukę Audena i Isherwooda Pies pod skórą (1935), wystawiona w 1936 roku. Utwór ten, zawierający elementy parodii, poezji wysokiej, agitpropu, baśni i ekspresjonizmu, miał jednocześnie jedność stylu.

Co roku mieszkańcy Pressen Embo wysyłają jednego ze swoich młodych mężczyzn na poszukiwanie Sir Francisa, dziedzica majątku, który nagle zniknął. Przyszła kolej na Alana Normana, uczciwego i prostego człowieka. W podróż wyrusza z nim pies Francis, który mieszka w tej czy innej rodzinie. Podróżnicy odwiedzili wiele krajów i poznali różnych ludzi, ale nigdy nie odnaleziono spadkobiercy. Alan już zdecydował się zaprzestać dalszych poszukiwań, gdy odkrył, że jego pies to poszukiwany Sir Francis. Skóra psa pomogła mu wiele się nauczyć, zrozumieć, jak zgniłe były fundamenty społeczne. Wracając do swojej wioski, Franciszek zobaczył, że idee faszyzmu w niej zwyciężyły nad wszystkimi innymi. Wraz z grupą młodych ludzi spadkobierca wyjeżdża, by walczyć z niesprawiedliwością i złem.

Dużym zainteresowaniem cieszy się także pełna symboliki sztuka Audena i Isherwooda „Na granicy” (1938), opowiadająca historię dwóch rodzin mieszkających w tym samym pokoju. Pomiędzy nimi leży niewidzialna linia zamieniając je w dwie walczące strony. Wśród bohaterów spektaklu są młodzi kochankowie należący do tych rodzin, zjednoczeni dopiero po śmierci, Cynik wyjaśniający naturę faszyzmu (szef stalowego trustu) oraz Przywódca, demagog karmiony przez Cynika.

Następnie Auden i Isherwood odeszli od swoich poprzednich pomysłów. W 1966 r. Opowiadanie Isherwooda „Żegnaj Berlinie” (1939), opowiadające o Niemczech przed dojściem nazistów do władzy, zostało zaadaptowane na musical „Kabaret”, aw 1972 r. – na słynny film o tym samym tytule.

Pierwsza wojna światowa i okres ją poprzedzający zniszczyły ukształtowany w XIX wieku system przedsięwzięć teatralnych, na czele których stali aktorzy G. B. Tree, G. Irving i J. Alexander. W życiu teatralnym Anglii na pierwszy plan wysunął się teatr komercyjny West Endu, oferujący zmęczonym wojną zabawne i spektakularne przedstawienia. Dużą popularnością cieszyły się farsy, melodramaty, lekkie komedie i widowiska muzyczne.

Sytuacja w świat teatru nie zmienił się lata powojenne. Na scenie nadal królowały gatunki lekkie, a poważne sztuki Strindberga, Ibsena i Czechowa można było oglądać jedynie na scenach małych londyńskich teatrów (Everyman, Barnes) i klubów teatralnych. Amerykański krytyk T. Dickinson tak pisał o ówczesnym teatrze angielskim: „Wyspy Brytyjskie są politycznie izolowane. W podobnej izolacji znajduje się teatr angielski. W latach dwudziestych teatr brytyjski w dużej mierze nie był w stanie odpowiedzieć na głębokie impulsy, które kierują teatrem na kontynencie”.

Angielska młodzież, odrzucająca tradycje epoki wiktoriańskiej i dążąca do zamerykanizowanego stylu życia, znudziła się Szekspirowi, którego dramaty zniknęły ze scen West Endu.

Występy Cambridge Festival Theatre, kierowanego w latach 1926-1933 przez Terence'a Graya, stały się prawdziwymi parodiami wielkiego Szekspira. I tak w Kupcu weneckim Portia wygłosiła swój słynny monolog o miłosierdziu ze znudzonym spojrzeniem, zupełnie pozbawionym wyrazu głosem, a siedzący przed nią sędziowie ziewnęli. Szlachta w Henryku VIII Graya przebrana jest za walety i królowe, a niektóre postacie zastąpiono makietami kart do gry.

Co ciekawe, odrzucając klasykę, angielscy reżyserzy tamtych czasów często zwracali się w stronę komedii epoki Restauracji. Wśród nich znalazł się słynny aktor, reżyser i właściciel Lyric Theatre w Londynie Nigel Playfair, który wystawił szereg komedii historycznych. Na Scenie Lirycznej nie zabrakło także przedstawień interpretowanych w duchu czasu, opartych na sztukach komediowych XVIII wieku. Na przykład Beggar's Opera Johna Gay'a, która przez trzy lata nie schodziła ze sceny lirycznej, straciła swój satyryczny charakter i zamieniła się w lekkie, pogodne widowisko. W interpretacji Playfair sztuka Gaya reprezentowała beztroską i pogodną epokę, której atmosferę oddawały świece zapalane w żyrandolach audytorium, peruki muzyków orkiestry teatralnej, a także muzykę Handla i Purcella. N. Marshall bardzo trafnie opisał umiejętności stylizacyjne reżysera Playfair: „W ówczesnym pozbawionym stylu teatrze angielskim dał przykład eleganckiego i holistycznego stylu scenicznego”.

Gwiazdą Teatru Lyric była aktorka Edith Evans (1888-1976), która zaczynała od ról młodych bohaterek w komediach Restauracji. Ogromny sukces w 1924 roku przyniósł jej wizerunek Millimenta w sztuce „Tak robią na świecie” na podstawie sztuki Congreve’a. Milliment, podobnie jak Sullen w „Przebiegłym planie głupców” Farquera, jest istotą niezwykle pogodną i pełną wdzięku, pragnącą zaznać wszelkich radości życia.

Sztuki Bernarda Shawa, wystawiane na scenach West Endu i w eksperymentalnych małych teatrach, cieszyły się w latach dwudziestych wielkim sukcesem wśród angielskiej publiczności. „Święta Joanna” wystawiona w Teatrze Nowym odniosła twórcom ogromny sukces komercyjny. Występ nie schodził ze sceny przez długi czas, trwając ponad dwieście czterdzieści występów. Rolę Joanny zagrała słynna tragiczna aktorka Sybil Thorndike (1886-1976).

Rolę Joanny dla Sybil Thorndike zaplanował sam Bernard Shaw. Prowadził próby z nią i pozostałymi aktorami, próbując wpoić im przekonanie, że grają sztukę współczesną, a nie dramat kostiumowy poświęcony przeszłości. Sybil Thorndike zagrała bohaterkę, której głównymi cechami nie był romans, ale trzeźwy umysł i siła moralna. Patrząc na Joannę, publiczność zrozumiała, że ​​ta prosta wieśniaczka, która sprawdziła się w dawnych bitwach, może stać się bohaterką współczesnej pierwszej wojny światowej.

Pod koniec lat dwudziestych w środowiskach teatralnych zrodził się pomysł organizowania corocznych festiwali sztuk Bernarda Shawa w małym miasteczku Malvern. Pierwszy festiwal w Malvern odbył się na początku 1929 roku i rozpoczął się sztuką Shawa The Apple Cart. Rolę głównej bohaterki w tym przedstawieniu zagrała aktorka Edith Evans. Festiwal istniał do wybuchu II wojny światowej.

Barry Jackson (1879-1961), który stał na czele Birmingham Repertory Theatre, odegrał główną rolę w organizacji festiwalu w Malvern. Teatr ten został otwarty w 1913 roku, mniej więcej w tym samym czasie, co teatry repertuarowe w Bristolu, Manchesterze i Liverpoolu. W odróżnieniu od komercyjnych, mieli stałą trupę i wystawiali poważne, problematyczne sztuki. Na scenie Birmingham Repertory Theatre odbyły się spektakle oparte na twórczości D. Galsworthy'ego, A. Strindberga, B. Franka, G. Kaisera i oczywiście B. Shawa. W 1923 roku Barry Jackson wystawił swoją pentalogię „Back to Methuselah”, w której obok przedstawicieli trupy Birmingham Theatre grali znani londyńscy aktorzy, w tym Edith Evans. Shaw również brał udział w próbach.

W 1925 roku w Londynie trupa Barry'ego Jacksona pokazała Hamleta (reż. G. Ayliffe). Nigdy wcześniej londyńska publiczność nie była tak zaskoczona: Hamlet ubrany był w dres, Laertes w oksfordzkich spodniach wszedł na scenę z walizką z jasną naklejką: „Pasażer do Paryża”. Poloniusz miał na sobie frak, a Klaudiusz szatę ze szkarłatnego jedwabiu. Dworzanie królewscy grali w brydża i pili whisky. Królestwo duńskie przekształciło się w nowoczesną Anglię ze swoimi ugruntowanymi tradycjami. Hamlet wkroczył w ten stary, obłudny świat ze swoją prawdą, wydobytą z okopów I wojny światowej.

W latach dwudziestych sztuki Czechowa pojawiły się w repertuarze teatrów angielskich. Znacząca rola w zapoznawaniu angielskiego widza z dzieła Czechowa grany przez reżysera Fiodora Komissarzhevsky'ego (1882-1954), zaproszonego w 1925 roku przez przedsiębiorcę Philipa Ridgewaya do Barnes Theatre. Pierwszą sztuką wystawiona przez rosyjskiego reżysera na scenie Barnesa był Iwanow ( główną rolę wykonał ją R. Farkerson). Następnie wystawiono „Trzy siostry” (1926), zinterpretowane przez Komissarżewskiego jako romantycznie wzniosłe i niezwykłe widowisko poetyckie. Reżyser zastosował niezwykłe w stylu Czechowa jasne efekty świetlne i kolorystyczne. W tym samym roku 1926 widzowie Barnesa obejrzeli jeszcze dwa dramaty Czechowa – Wujek Wania i Wiśniowy sad.

W tamtych latach sztuki Czechowa wystawiano jedynie w małych teatrach i dopiero w latach trzydziestych XX wieku mogła je oglądać niemal cała angielska publiczność. W tym samym czasie w kraju pojawiła się cała galaktyka utalentowanych aktorów. Wraz z gwiazdami lat dwudziestych (Sybil Thorndike, Edith Evans i in.) na angielskiej scenie błyszczeli Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness. Można ich było zobaczyć grających głównie w Old Vic Theatre oraz w Gielgud's Repertory w New i Queens Theatres.

Położony przy Waterloo Road, Old Vic został otwarty w XIX wieku, ale stał się powszechnie znany przed pierwszą wojną światową. W latach 1918-1923 na jego scenie wystawiano sztuki Szekspira, w których grali najlepsi angielscy aktorzy, którzy w imię prawdziwej sztuki odmawiali wysokich honorariów West Endu. Edith Evans była zapraszana do wszystkich teatrów na West Endzie, ale wolała niewielką pensję w Old Vic. Zagrała wiele ról w sztukach Szekspira, w tym Cathariny, Violi i Rosalind.

Szkłowski Wiktor Borisowicz