Ciekawą hipotezę dotyczącą starożytnego greckiego cudu znaleziono na blogu rzeźbiarza Nigela Konstama: uważa on, że starożytne posągi były odlewami żywych ludzi, gdyż inaczej nie da się wytłumaczyć tak szybkiego przejścia od produkcji statycznych posągów Egipcjan typ do doskonałej realistycznej sztuki przekazywania ruchu, która pojawiła się między 500 a 450 rokiem p.n.e. 
Nigel potwierdza swoją hipotezę, badając stopy starożytnych posągów, porównując je z odciskami gipsowymi i odlewami woskowymi wykonanymi przez współczesnych modelek stojących w danej pozie. Deformacja materiału na stopach potwierdza jego hipotezę, że Grecy nie tworzyli posągów jak dawniej, lecz zaczęli wykorzystywać odlewy żywych ludzi.
Konstama po raz pierwszy dowiedziała się o tej hipotezie z filmu „Ateny. Prawda o demokracji”, szukała materiałów w Internecie i oto, co znalazła.
Nigel nakręcił film wyjaśniający swoją hipotezę dotyczącą starożytnych odlewów i można go obejrzeć tutaj http://youtu.be/7fe6PL7yTck w języku angielskim.
Ale najpierw spójrzmy na same posągi. 
Zabytkowa statua kouros z epoki archaicznej, około 530 r. p.n.e. wydaje się ograniczony i napięty, wówczas nie było jeszcze znane kontraposto - swobodna pozycja figury, gdy tworzona jest równowaga spoczynkowa przeciwni przyjaciele ruchy przyjaciół. 
Kouros, postać młodzieńca, początek V wieku p.n.e. wygląda trochę bardziej dynamicznie. 
Wojownicy z Riace, posągi z drugiej ćwierci V wieku p.n.e. Wysokość 197 cm - rzadkie znalezisko oryginalnej rzeźby greckiej z okresu klasycyzmu, z których większość znana jest nam z kopii rzymskich. W 1972 roku rzymski inżynier Stefano Mariotini, który nurkował z rurką, znalazł je na dnie morza u wybrzeży Włoch.
Te figury z brązu nie zostały w całości odlane, ich części zostały sklejone ze sobą niczym zestaw konstrukcyjny, co pozwala dowiedzieć się znacznie więcej o technice tworzenia rzeźb tamtych czasów. Ich źrenice są wykonane ze złotej pasty, rzęsy i zęby ze srebra, wargi i sutki z miedzi, a oczy wykonane są techniką intarsji z kości i szkła.
Oznacza to, że w zasadzie, jak odkryli naukowcy, niektóre szczegóły posągów mogły zostać kilkakrotnie zmienione poprzez odlewy z żywych modeli, aczkolwiek powiększone i ulepszone.
To właśnie w trakcie badania zdeformowanych grawitacyjnie stóp Wojowników z Riace rzeźbiarz Konstam wpadł na pomysł odlewów, które mogły zostać użyte antyczni rzeźbiarze.
Oglądając film „Ateny. Prawda o demokracji” zaciekawiło mnie, jak czuła się dość puszysta opiekunka po zdjęciu gipsu, ponieważ wiele osób, które musiały nosić gips, skarżyło się, że jego usuwanie jest bolesne, ponieważ trzeba je rozrywać z włosów.
Z jednej strony istnieją źródła, z których wiadomo, że w starożytnej Grecji owłosienie na ciele usuwały nie tylko kobiety, ale także sportowcy płci męskiej.
Z drugiej strony to owłosienie odróżniało ich od kobiet. Nie bez powodu w komedii Arystofanesa „Kobiety w Zgromadzeniu Narodowym” jedna z bohaterek, która postanowiła odebrać mężczyznom władzę, mówi:
- I pierwszą rzeczą, którą zrobiłem, było wyrzucenie brzytwy.
Dalej, żebym mógł stać się szorstki i kudłaty,
Nie wyglądaj ani trochę jak kobieta.
Okazuje się, że jeśli mężczyźni depilowali włosy, to najprawdopodobniej robili to ci, którzy zawodowo uprawiali sport, i właśnie takich opiekunów potrzebowali rzeźbiarze.
Czytałam jednak o gipsie i dowiedziałam się, że już w starożytności istniały sposoby na walkę z tym zjawiskiem: podczas wykonywania maseczek i opatrunków smarowano ciała modelek specjalnymi maściami olejnymi, dzięki czemu gips zdejmowano bezboleśnie, nawet gdyby na ciele były włosy. Oznacza to, że technika wykonywania odlewów nie tylko od zmarłego, ale także od żywej osoby w czasach starożytnych była rzeczywiście dobrze znana w Egipcie, jednak to właśnie przenoszenie ruchu i kopiowanie osoby nie było tam uważane za piękne .
Jednak dla Hellenów największą wartością i przedmiotem kultu wydawało się piękne ludzkie ciało, doskonałe w swojej nagości. Być może dlatego nie widzieli nic nagannego w wykorzystywaniu odlewów z takiego ciała do wykonywania dzieł sztuki. 
Fryne przed Areopagiem. J. L. Jerome. 1861, Hamburg, Niemcy.
Z drugiej strony równie dobrze mogli oskarżyć rzeźbiarza o bezbożność i znieważenie bogów, ponieważ jako model posągu bogini posłużył się heterą. W przypadku Praksytelesa Fryne oskarżano o ateizm. Ale czy osoba nieheteroseksualna zgodziłaby się dla niego pozować?
Areopag uniewinnił ją w 340 roku p.n.e., jednak po przemówieniu w jej obronie mówca Hyperides przedstawił oryginał – nagą Fryne, zdejmując jej chiton i retorycznie pytając, jak taka piękność może być winna. W końcu Grecy wierzyli, że piękne ciało ma równie piękną duszę.
Możliwe, że jeszcze przed Praksytelesem boginie przedstawiano nago, a sędziowie mogli uznać za niegodziwość, że bogini za bardzo przypominała Fryne, jakby jeden do jednego, a oskarżanie samej hetery o ateizm było tylko pretekstem? Może wiedzieli lub domyślali się możliwości pracy z gipsowymi opatrunkami żywego człowieka? I wtedy mogłoby pojawić się niepotrzebne pytanie: kogo czczą w świątyni - Fryne czy boginię. 
Korzystanie z fotografii, nowoczesne artysta komputerowy„ożywiona” Fryne, czyli oczywiście posąg Afrodyty z Knidos, a dokładniej jej kopia, gdyż oryginał do nas nie dotarł.
A jak wiemy, starożytni Grecy malowali posągi, więc niewykluczone, że hetera mogłaby tak wyglądać, gdyby jej skóra była lekko żółtawa, za co według niektórych źródeł nazywano ją Fryne.
Choć w tym przypadku nasz współczesny konkuruje z Nikiaszem, oczywiście artystą, a nie dowódcą, do którego w Wikipedii znajduje się błędny link. Przecież zapytany, które ze swoich dzieł Praksyteles uważa za najlepsze, zgodnie z legendą, odpowiedział, że te namalowane przez Nikiasza.
Nawiasem mówiąc, to zdanie pozostawało tajemnicze przez wiele stuleci dla tych, którzy nie wiedzieli lub nie wierzyli, że ukończone greckie rzeźby nie były białe.
Wydaje mi się jednak, że sam posąg Afrodyty raczej nie był tak pomalowany, bo naukowcy twierdzą, że Grecy malowali je dość kolorowo. 
Raczej mniej więcej w ten sam sposób, w jaki malowany jest Apollo z wystawy Pstrokaci Bogowie „Bunte Götter”.
I wyobraźcie sobie, jak dziwnie poczuł się opiekun, gdy zobaczył ludzi oddających mu cześć w postaci boga.
A może nie on, ale jego egzemplarz, który artysta proporcjonalnie powiększył, jaskrawo pokolorował i skorygował drobne fizyczne niespójności i niedociągnięcia zgodnie z kanonem Polikleita? To twoje ciało, ale większe i lepsze. A może już nie jest Twój? Czy mógł uwierzyć, że wykonany z niego posąg był posągiem boga?
W jednym z artykułów przeczytałem także o ogromnej liczbie wykrojów gipsowych w starożytnym greckim warsztacie na kopie przygotowywane do wysyłki do Rzymu, które odkryli archeolodzy. Może to były też odlewy ludzi, a nie tylko posągi?
Nie będę upierał się przy hipotezie Konstama, która mnie zainteresowała: oczywiście specjaliści wiedzą lepiej, ale nie ulega wątpliwości, że starożytni rzeźbiarze, podobnie jak współcześni, posługiwali się odlewami żywych ludzi i części ich ciał. Czy naprawdę myślisz, że starożytni Grecy byli tak głupi, że wiedząc, czym jest gips, nie zgadliby?
Ale czy uważasz, że tworzenie kopii żywych ludzi jest sztuką czy oszustwem?
Dzisiaj chciałbym poruszyć temat, który, jak wynika z doświadczenia, wywołuje czasami trudną i wcale niedwuznaczną reakcję - mówić o rzeźbie antycznej, a dokładniej o ukazaniu w niej ludzkiego ciała.
Próby przybliżenia dzieciom rzeźb antycznych napotykają czasami nieoczekiwane trudności, gdy rodzice po prostu nie mają odwagi pokazywać dzieciom nagich posągów, uznając takie obrazy za niemal pornograficzne. Nie ośmielę się twierdzić o uniwersalności metody, ale w moim dzieciństwie taki problem nawet nie istniał, bo – dzięki mojej mądrej mamie – znakomite wydanie legend i mitów starożytnej Grecji autorstwa Kuny, bogato ilustrowane fotografiami dzieł starożytnych mistrzów, pojawiło się w moim życiu, gdy miałem pięć lub sześć lat, minęło dużo czasu, zanim dziewczyna zaczęła interesować się wszelkiego rodzaju specyficznymi kwestiami płci.
Tak więc walka olimpijczyków z tytanami i wyczyny Herkulesa utkwiły mi w głowie gdzieś na tej samej półce z Królowa Śniegu I dzikie łabędzie i zapadały w pamięć nie tylko jako dziwaczne historie, ale od razu nabrały wizualnego urzeczywistnienia i zostały powiązane – może jeszcze wtedy nie do końca świadomie – z konkretnymi pozami, gestami, twarzami – ludzką plastycznością i mimiką. Jednocześnie moja mama od razu znalazła proste i zrozumiałe odpowiedzi na wszystkie pytania dzieci - po pierwsze, w starożytnej Grecji było gorąco, a po drugie, posągi nie są ludźmi, a teraz wcale nie są zimne.
Jeśli chodzi o kwestie dorosłych, należy pamiętać, że idea podziału człowieka na duszę i ciało, która w antropologii chrześcijańskiej ostatecznie doprowadziła do idei podporządkowania ciała duszy (a nawet później, nawet w niektórych gałęziach protestanckich – do ścisłego tabu fizyczności), zostało po raz pierwszy jasno sformułowane być może dopiero przez Platona. A wcześniej Grecy przez co najmniej kilka stuleci doszli do poglądu, że dusza to nie tylko duch, tchnienie, ale coś indywidualnie osobistego i, że tak powiem, „stacjonarnego”, bardzo stopniowo przechodząc od koncepcji θυμός do koncepcja ψυχή. Tym samym, zwłaszcza odkąd bogowie stali się antropomorficzni, greccy mistrzowie po prostu nie mieli innego sposobu na opowiedzenie o różnych aspektach życia niż poprzez przedstawienie ludzkiego ciała.
Tak więc znaczną część rzeźby greckiej stanowią ilustracje mitów, które w starożytności były nie tylko „opowieściami o bogach”, ale także środkiem przekazywania najważniejszych informacji o budowie świata, zasadach życia, tym, co powinno i nie powinno być. Oznacza to, że takie „ilustracje 3D” były znacznie ważniejsze dla starożytnych ludzi niż dla mnie jako dziecka. Być może jednak o wiele ważniejsza niż zrozumienie mitów jest dla nas kolejna możliwość, jaką rzeźba grecka zapewniła swoim twórcom - studiowanie i poznanie samej osoby. A jeśli głównymi bohaterami sztuki prymitywnej były różne zwierzęta, to od czasów paleolitu i przez całą starożytność niewątpliwie takim stał się człowiek.
Wszystkie wysiłki artystów tego dość długiego okresu miały na celu najpierw uchwycenie i przekazanie najbardziej ogólnych cech anatomicznych budowy ludzkiego ciała, a następnie jego bardziej złożonych dynamicznych przejawów - ruchów, gestów, mimiki. Tak rozpoczęła się sztuka europejska długi dystans od szorstkich i tylko trochę ludzkich „paleolitycznych Wenus” po dzieła Myrona, doskonałe w proporcjach i dalej; drogą, którą umownie można nazwać drogą do człowieka – najpierw do jego ciała, a potem do duszy – jednak wciąż w psychologicznym znaczeniu tego słowa. Przejdźmy także przez niektóre jego etapy.
Wenus paleolityczna. Około 30 tysięcy lat temu
Jak wspomniano powyżej, pierwszymi humanoidalnymi wizerunkami w Europie były „paleolityczne Wenus” – maleńkie figurki wykonane z kłów mamutów lub miękkich kamieni. Cechy ich przedstawienia - niemal całkowity brak rąk, a czasem nawet nóg i głów, przerośnięta środkowa część ciała - sugerują, że to, na co patrzymy, najprawdopodobniej nie jest nawet pełnym przedstawieniem ludzkiego ciała, ale tylko próba przekazania jednej z jego funkcji - rodzenia dzieci. Związek „Wenus” z kultem płodności sugeruje zdecydowana większość badaczy; potrzebujemy ich jedynie jako punktu wyjścia w naszej podróży.
Następnym przystankiem będą kouros i kors (dosłownie – chłopcy i dziewczęta) – wizerunki ludzi wyryte w starożytnych politykach miejskich z VII-VI wieku p.n.e.
Kouros, archaiczny uśmiech. Kouros i Kora
Jak widzimy, posągi takie, wykorzystywane np. jako pomniki znanych sportowców, znacznie bardziej szczegółowo oddają wygląd ludzkiego ciała, są jednak także swego rodzaju „schematem osoby”. I tak na przykład wszyscy liczni kouro z jakiegoś niewyjaśnionego powodu stoją w tej samej pozycji - z rękami przyciśniętymi do tułowia i lewą nogą wyciągniętą do przodu; najnowsze podejrzenia co do portretowania zostają ostatecznie rozwiane, gdy spojrzymy na ich twarze – z tym samym nieobecnym wyrazem i ustami rozciągniętymi w upiornie – tzw. archaiczny - uśmiech.
Następny przystanek. V wiek BC, grecki archaiczny. Rzeźby Myrona i Polikleita uderzają perfekcją proporcji.
Miron. Rzucający dyskiem 455 p.n.e., Polikleitos. Doryphoros (włócznik) (450-440 p.n.e.) i Ranna Amazonka (430 p.n.e.)
Naprawdę, pytasz, czy to znowu schemat? I wyobraź sobie, że odpowiedź będzie brzmiała: tak. Mamy na to co najmniej dwa dowody. Po pierwsze, do naszych czasów dotarły fragmenty tzw. „Kanon Polikleita”. W tym traktacie matematycznym rzeźbiarz będący zwolennikiem ruchu pitagorejskiego próbował obliczyć idealne proporcje męskie ciało. Najwyraźniej posąg stał się później ilustracją takich obliczeń. A drugim dowodem będzie… obszerna literatura grecka tamtych czasów. Możemy z niego wyczytać na przykład następujące wersety Safony:
Kto jest piękny, ten jest dobry.
A ten, kto jest miły, wkrótce stanie się piękny.
Co więcej, spośród wszystkich bohaterów Iliady Homera jedynie „gadający bezczynnie” Tersytes odmawia bezkrytycznie włączenia się w niekończącą się wojnę, w którą bogowie wpędzają bohaterów. Autor nie szczędzi czarnej farby dla tej postaci, która swoimi przemówieniami oburza wojsko i nienawidzi dosłownie wszystkich; ale to wcale nie przypadek, że Tersytes, z woli autora, okazuje się strasznym dziwakiem:
Najbrzydszy człowiek, przybył do Ilionu wśród Danae;
Był zezowaty i kulawy; całkowicie garbaty od tyłu
Ramiona spotkały się na klatce piersiowej; jego głowa podniosła się
Skierowany do góry i tylko słabo posypany puchem.
Można zatem powiedzieć, że Grecy okresu archaicznego byli zwolennikami idei, że piękno zewnętrzne jest nieodzownym przejawem wewnętrzne piękno i harmonii, dlatego skrupulatnie obliczając parametry idealnego ludzkiego ciała, starali się przedstawić ni mniej, ni więcej, doskonałą duszę, tak doskonałą, że wydaje się wręcz nieożywiona.
Rzeczywiście, odpowiedz mi tylko na jedno proste pytanie: dokąd następnie poleci dysk rzucony przez rzucającego dyskiem? Im dłużej będziesz patrzeć na posąg, tym wyraźniej zrozumiesz, że dysk nie zostanie nigdzie rzucony, ponieważ pozycja cofniętej ręki sportowca wcale nie oznacza zamachu do rzutu, mięśnie jego klatki piersiowej nie wykazują żadnego szczególne napięcie, jego twarz jest całkowicie spokojna; Co więcej, przedstawiona pozycja nóg nie pozwala na wykonanie nie tylko niezbędnego do rzutu skoku obrotowego, ale nawet prostego kroku. Oznacza to, że dyskobol, pomimo pozornej złożoności swojej pozy, jest absolutnie statyczny, doskonały, martwy. Podobnie jak zraniona Amazonka, w swoim cierpieniu z wdziękiem oparła się o stolicę, która w tak odpowiednim momencie pojawiła się w pobliżu.
Wreszcie IV wiek. PNE. wprowadza nowe nastroje do rzeźby greckiej. W tym czasie greckie miasta-państwa podupadały - możemy założyć, że mały wszechświat starożytnego człowieka stopniowo kończył swoje istnienie. Filozofia grecka zwraca się zdecydowanie w stronę poszukiwania nowych podstaw ludzkiego szczęścia, proponując do wyboru cynizm Antystenesa lub hedonizm Arystyppa; tak czy inaczej, ale odtąd z problemami głębokie znaczenie osoba będzie musiała sama ułożyć sobie życie. Ten sam indywidualny charakter człowieka wysuwa się na pierwszy plan w rzeźbie, w której po raz pierwszy pojawia się zarówno wymowna mimika, jak i prawdziwy ruch.
Lysippos odpoczywający Hermes, IV wiek p.n.e., Maenada Skopas, IV wiek. p.n.e., Artemida z Gabii 345 p.n.e
Ból i napięcie wyrażone są w pozie Menady Skopas, a jej twarz zwrócona jest ku niebu z szeroko otwartymi oczami. Zamyślony, eleganckim i swojskim gestem Artemida z Gabiusa Praxitelesa zapina kość strzałkową na ramieniu. Odpoczywający Hermes Lysippos również jest wyraźnie zamyślony, a nadmiernie wydłużone, zupełnie nieklasyczne proporcje jego ciała sprawiają, że sylwetka jest lekka, nadając pewnej dynamiki nawet tej niemal statycznej pozie. Wydaje się, że jeszcze trochę, a młody człowiek w pewnym sensie zaakceptuje ważna decyzja i pobiegnie dalej. W ten sposób po raz pierwszy dusza zaczyna się ukazywać poprzez kontury pięknych ciał z marmuru i brązu.
Nawiasem mówiąc, większość posągów, które dzisiaj sprawdziliśmy, jest naga. Ale czy ktoś to zauważył?
Przy ponownym publikowaniu materiałów ze strony Matrony.ru wymagany jest bezpośredni aktywny link do tekstu źródłowego materiału.
Skoro tu jesteś...
...mamy małą prośbę. Portal Matrona aktywnie się rozwija, nasza publiczność rośnie, ale nie mamy wystarczających środków na redakcję. Wiele tematów, które chcielibyśmy poruszyć i które interesują Was, naszych czytelników, pozostaje nierozwiązanych ze względu na ograniczenia finansowe. W odróżnieniu od wielu mediów świadomie nie prowadzimy płatnej prenumeraty, bo zależy nam na tym, aby nasze materiały były dostępne dla każdego.
Ale. Matrony to codzienne artykuły, felietony i wywiady, tłumaczenia najlepszych anglojęzycznych artykułów o rodzinie i wychowaniu, redaktorzy, hosting i serwery. Żebyście mogli zrozumieć, dlaczego prosimy Was o pomoc.
Na przykład 50 rubli miesięcznie - to dużo czy mało? Kubek kawy? Niewiele jak na budżet rodzinny. Dla Matron - dużo.
Jeśli każdy, kto czyta Matronę, wesprze nas kwotą 50 rubli miesięcznie, wniesie ogromny wkład w możliwość rozwoju publikacji i pojawienia się nowych, istotnych i interesujących materiałów o życiu kobiet w nowoczesny świat, rodzina, wychowanie dzieci, twórcza samorealizacja i znaczenia duchowe.
7 wątków komentarzy
5 odpowiedzi w wątku
0 obserwujących
Najbardziej zareagował komentarz
Najgorętszy wątek komentarzy
nowy stary popularny
0 Aby oddać głos, musisz być zalogowany.
Aby oddać głos, musisz być zalogowany. 0 Aby oddać głos, musisz być zalogowany.
Aby oddać głos, musisz być zalogowany. 0 Aby oddać głos, musisz być zalogowany.
Antyczna rzeźba
PUSTELNIA
Afrodyta
Afrodyta 
Afrodyta (Wenus Tauryda)
Opis:
Według „Teogonii” Hezjoda Afrodyta urodziła się w pobliżu wyspy Cythera z nasienia i krwi Urana wykastrowanego przez Kronosa, które wpadło do morza i utworzyło śnieżnobiałą pianę (stąd przydomek „zrodzona z piany”). Wiatr sprowadził ją na wyspę Cypr (albo sama tam popłynęła, bo nie lubiła Cythery), gdzie wynurzając się z morskich fal, spotkała Orę.
Posąg Afrodyty (Wenus z Taurydy) pochodzi z III wieku p.n.e. e., teraz znajduje się w Ermitażu i jest uważany za jego najsłynniejszy posąg. Rzeźba stała się pierwszą antyczną statuą nagiej kobiety w Rosji. Marmurowy posąg naturalnej wielkości kąpiąca się Wenus (wzrost 167 cm), wzorowana na Afrodycie z Knidos czy Wenus Kapitolińskiej. Brakuje rąk posągu i fragmentu nosa. Przed wejściem do Państwowego Ermitażu ozdobiła ogród Pałacu Taurydów, stąd nazwa. W przeszłości „Wenus Tauryda” miała być ozdobą parku. Jednak pomnik został dostarczony do Rosji znacznie wcześniej, jeszcze za Piotra I i dzięki jego staraniom. Inskrypcja wykonana na brązowym pierścieniu cokołu przypomina, że Wenus została podarowana przez Klemensa XI Piotrowi I (w wyniku wymiany na relikwie św. Brygidy, przesłane Papieżowi przez Piotra I). Posąg odkryto w 1718 roku podczas wykopalisk w Rzymie. Nieznany rzeźbiarz z III wieku. PNE. przedstawiał nagą boginię miłości i piękna Wenus. Smukła sylwetka, zaokrąglone, gładkie linie sylwetki, miękko wymodelowane kształty ciała – wszystko mówi o zdrowym i czystym postrzeganiu kobiecego piękna. Oprócz spokojnej powściągliwości (postawa, wyraz twarzy), uogólnionego sposobu bycia, obcego ułamkowi i drobnym szczegółom, a także szeregu innych cech charakterystycznych dla sztuki klasyków (V - IV w. p.n.e.), twórca Wenus ucieleśniał w niej jego idea piękna, kojarzona z ideałami III wieku p.n.e. mi. (wdzięczne proporcje - wysoka talia, nieco wydłużone nogi, szczupła szyja, mała głowa, - pochylenie sylwetki, rotacja tułowia i głowy). 
Włochy. Antyczna rzeźba w Muzeum Watykańskim.
Józef Brodski
Tułów
Jeśli nagle wejdziesz w kamienną trawę,
wygląda lepiej w marmurze niż w rzeczywistości,
albo zauważysz fauna oddającego się zamieszaniu
z nimfą i oboje są szczęśliwsi w brązie niż we śnie,
możesz uwolnić laskę ze swoich zmęczonych rąk:
jesteś w Imperium, przyjacielu.
Powietrze, ogień, woda, fauny, najady, lwy,
wzięte z natury lub z głowy -
wszystko, co wymyślił Bóg i mam dość kontynuowania
mózg zamieniony w kamień lub metal.
To jest koniec rzeczy, to jest koniec drogi
lustro, aby wejść.
Stań w pustej niszy i przewracając oczami,
patrz, jak mijają stulecia, znikając za sobą
rogu i jak mech rośnie w pachwinie
i kurz opada na ramiona - ta opalenizna epok.
Ktoś odłamie mu rękę i głowa spadnie z ramienia
stacza się, puka.
Pozostaje tułów, anonimowa suma mięśni.
Po tysiącu lat mysz żyjąca w niszy z
złamanym pazurem, bez pokonywania granitu,
wychodzę pewnego wieczoru, piszczę i siekam
przez jezdnię, żeby nie wpaść do dziury
o północy. Nie rano.
10 sekretów słynnych rzeźb
Cisza wielkich posągów kryje wiele tajemnic. Kiedy Auguste Rodin został zapytany, w jaki sposób tworzy swoje posągi, rzeźbiarz powtórzył słowa wielkiego Michała Anioła: „Biorę blok marmuru i odcinam z niego wszystko, co niepotrzebne”. Pewnie dlatego rzeźba prawdziwego mistrza zawsze wywołuje wrażenie cudu: wydaje się, że tylko geniusz potrafi dostrzec piękno ukryte w kawałku kamienia.
Jesteśmy przekonani, że niemal w każdym znacząca praca sztuka jest tajemnicą, „podwójnym dnem” lub tajna historia, które chcę ujawnić. Dziś udostępnimy kilka z nich.
1. Rogaty Mojżesz 
Michelangelo Buanarrotti, „Mojżesz”, 1513-1515
Michał Anioł przedstawił w swojej rzeźbie Mojżesza z rogami. Wielu historyków sztuki przypisuje to błędnej interpretacji Biblii. Księga Wyjścia mówi, że kiedy Mojżesz zszedł z góry Synaj z tablicami, Żydom trudno było patrzeć na jego twarz. W tym miejscu Biblii użyte zostało słowo, które można przetłumaczyć z języka hebrajskiego zarówno jako „promienie”, jak i „rogi”. Jednak z kontekstu jasno wynika, że mówimy konkretnie o promieniach światła – że twarz Mojżesza jaśniała i nie była rogata.
2. Kolorowa starożytność 
"August z Prima Porta", zabytkowy posąg.
Od dawna uważa się, że starożytne greckie i rzymskie rzeźby z białego marmuru były pierwotnie bezbarwne. Jednak ostatnie badania naukowców potwierdziły hipotezę, że posągi malowano w szerokiej gamie kolorów, które ostatecznie znikały pod wpływem długotrwałego narażenia na światło i powietrze.
3. Cierpienie Małej Syrenki 
Edward Eriksen, Mała Syrenka, 1913
Pomnik Małej Syrenki w Kopenhadze jest jednym z najbardziej cierpliwych na świecie: to ten, który wandale kochają najbardziej. Historia jego istnienia była bardzo burzliwa. Wielokrotnie był łamany i piłowany na kawałki. A teraz na szyi nadal można dostrzec ledwo zauważalne „blizny”, które powstały w wyniku konieczności wymiany głowy rzeźby. Mała Syrenka została dwukrotnie ścięta: w 1964 i 1998 r. W 1984 roku odpiłowano jej prawą rękę. 8 marca 2006 roku na dłoni syreny założono sztuczny penis, a samą nieszczęsną kobietę oblano zieloną farbą. Dodatkowo na odwrocie nabazgrany napis „Happy March 8!” W 2007 roku władze Kopenhagi ogłosiły, że pomnik może zostać przeniesiony dalej do portu, aby uniknąć dalszych przypadków wandalizmu i uniemożliwić turystom ciągłe próby wspinania się na niego.
4. „Pocałunek” bez pocałunku 
Auguste Rodin, „Pocałunek”, 1882
Słynna rzeźba Auguste'a Rodina „Pocałunek” pierwotnie nosiła nazwę „Francesca da Rimini” na cześć przedstawionej na niej szlachetnie urodzonej Włoszki z XIII wieku, której imię uwieczniono w Boskiej Komedii Dantego (Drugi Krąg, Pieśń Piąta). Kobieta zakochała się w młodszym bracie swojego męża Giovanniego Malatesty, Paolo. Kiedy czytali historię Lancelota i Ginewry, zostali odkryci, a następnie zabici przez jej męża. Na rzeźbie widać Paolo trzymającego w dłoni książkę. Ale tak naprawdę kochankowie nie dotykają się ustami, jakby sugerowali, że zostali zabici bez popełnienia grzechu.
Zmiany nazwy rzeźby na bardziej abstrakcyjną – Pocałunek (Le Baiser) – dokonali krytycy, którzy po raz pierwszy zobaczyli ją w 1887 roku.
5. Sekret marmurowego welonu 
Rafael Monti, „Marmurowy welon”, połowa 19 V.
Kiedy patrzysz na posągi pokryte półprzezroczystym marmurowym welonem, nie możesz powstrzymać się od myśli o tym, jak w ogóle można zrobić coś takiego z kamienia. Wszystko ze względu na specjalną strukturę marmuru użytego do tych rzeźb. Bryła, która miała stać się rzeźbą, musiała mieć dwie warstwy – jedną bardziej przezroczystą, drugą bardziej gęstą. Takie kamienie naturalne są trudne do znalezienia, ale istnieją. Mistrz miał w głowie spisek, wiedział dokładnie jakiego bloku szuka. Pracował z nim, szanując fakturę normalnej powierzchni, i szedł wzdłuż granicy oddzielającej gęstszą i bardziej przezroczystą część kamienia. W rezultacie pozostałości tej przezroczystej części „przeświecały”, co dało efekt welonu.
6. Idealny Dawid z zepsutego marmuru 
Michelangelo Buanarrotti, „Dawid”, 1501-1504
Słynny posąg Dawida został wykonany przez Michała Anioła z kawałka białego marmuru pozostałego po innym rzeźbiarzu, Agostino di Duccio, który bezskutecznie próbował pracować z tym dziełem, ale potem go porzucił.
Swoją drogą Dawid, od wieków uważany za wzór męskiej urody, do ideału nie należy. Faktem jest, że ma zeza. Do takiego wniosku doszedł amerykański naukowiec Mark Livoy z Uniwersytetu Stanforda, który zbadał posąg za pomocą technologii komputerowo-laserowej. „Wada wzroku” ponad pięciometrowej rzeźby jest niewidoczna, gdyż ustawiona jest na wysokim cokole. Według ekspertów Michał Anioł celowo obdarzył swój pomysł tą wadą, ponieważ chciał, aby profil Davida wyglądał idealnie z każdej strony.
Śmierć, która zainspirowała kreatywność
7. „Pocałunek śmierci”, 1930 
Najbardziej tajemniczy posąg na katalońskim cmentarzu w Poblenou nazywany jest „Pocałunkiem Śmierci”. Rzeźbiarz, który go stworzył, do dziś pozostaje nieznany. Zwykle autorstwo „Pocałunku” przypisuje się Jaume’owi Barbie, ale są też tacy, którzy są pewni, że pomnik wyrzeźbił Joan Fonbernat. Rzeźba znajduje się w jednym z odległych zakątków cmentarza Poblenou. To ona zainspirowała reżysera Bergmana do stworzenia filmu „Siódma pieczęć” – o komunikacji Rycerza ze Śmiercią.
8. Ręce Wenus z Milo 
Agesander (?), „Wenus z Milo”, ok. 130-100 p.n.e
Postać Wenus zajmuje honorowe miejsce w Luwrze w Paryżu. Grecki chłop znalazł go w 1820 roku na wyspie Milos. W momencie odkrycia figura została rozbita na dwie duże części. W lewej ręce bogini trzymała jabłko, a prawą ręką trzymała opadającą szatę. Zdając sobie sprawę z historycznego znaczenia tego starożytna rzeźba oficerowie marynarki francuskiej nakazali wywiezienie marmurowego posągu z wyspy. Kiedy Wenus była przeciągana po skałach na czekający statek, pomiędzy tragarzami wybuchła bójka, w wyniku której złamano obie ręce. Zmęczeni marynarze stanowczo odmówili powrotu i poszukiwania pozostałych części.
9. Piękna niedoskonałość Nike z Samotraki 
„Nike z Samotraki”, II wiek. PNE.
Posąg Nike został znaleziony na wyspie Samotraka w 1863 roku przez Charlesa Champoiseau, francuskiego konsula i archeologa. Posąg wyrzeźbiony ze złotego marmuru paryskiego na wyspie zwieńczał ołtarz bóstw morskich. Badacze uważają, że nieznany rzeźbiarz stworzył Nike w II wieku p.n.e. jako znak greckich zwycięstw morskich. Ręce i głowa bogini zostają bezpowrotnie utracone. Wielokrotnie podejmowano próby przywrócenia pierwotnego położenia dłoni bogini. Zakłada się, że prawa ręka, podniesiony, trzymał kielich, wieniec lub kuźnię. Co ciekawe, wielokrotne próby przywrócenia rąk posągu zakończyły się niepowodzeniem - wszystkie zepsuły arcydzieło. Te niepowodzenia zmuszają nas do przyznania się: Nika właśnie taka jest piękna, doskonała w swojej niedoskonałości.
10. Mistyczne Brązowy jeździec
Etienne Falconet, Pomnik Piotra I, 1768-1770
Jeździec Brązowy to pomnik otoczony mistycznymi i nieziemskimi historiami. Mówi o tym jedna z legend z nim związanych Wojna Ojczyźniana 1812 Aleksander I nakazał specjalne usunięcie z miasta cenne dzieła dzieł sztuki, w tym pomnika Piotra I. W tym czasie niejaki major Baturin umówił się na spotkanie z osobistym przyjacielem cara, księciem Golicynem, i powiedział mu, że jego, Baturina, dręczy ten sam sen. Widzi siebie na Placu Senackim. Twarz Petera się zmienia. Jeździec zjeżdża z klifu i kieruje się ulicami Petersburga na wyspę Kamenny, gdzie wówczas mieszkał Aleksander I. Jeździec wjeżdża na dziedziniec Pałacu Kamenoostrowskiego, skąd wychodzi mu na spotkanie władca. „Młody człowieku, do czego doprowadziłeś moją Rosję” – mówi mu Piotr Wielki, „ale dopóki ja jestem na miejscu, moje miasto nie ma się czego obawiać!” Następnie jeździec zawraca i znów słychać „ciężki, dźwięczny galop”. Uderzony historią Baturina książę Golicyn przekazał sen władcy. W rezultacie Aleksander I zmienił decyzję o ewakuacji pomnika. Pomnik pozostał na swoim miejscu.
*****
Grecja i sztuka to pojęcia nierozłączne. W licznych muzeach archeologicznych można zobaczyć starożytne rzeźby i posągi z brązu, z których wiele zostało wydobytych z dna Morza Egejskiego. W lokalnym lokalne muzea historyczne można podziwiać rękodzieło i tekstylia, a najlepsze muzea w Atenach nie mają sobie równych galerie sztuki w innych krajach Europy.
Ateny, Muzeum Archeologiczne w Pireusie.
Pochodzenie: Posąg odkryto m.in. w 1959 roku w Pireusie, u zbiegu ulic Georgiou i Philon, w magazynie niedaleko starożytnego portu. Rzeźba została ukryta w tym pomieszczeniu przed wojskami Sulli w 86 roku p.n.e. mi.
Opis:Posąg z brązu Artemidy
Ten typ potężnej postaci kobiecej został pierwotnie utożsamiany z poetką lub muzą rzeźbiarskich kompozycji Silaniona. Posąg ten można rozpoznać jako wizerunek Artemidy po obecności kołczanowego paska na plecach, a także po układzie palców dłoni trzymającej łuk. To dzieło o stylu klasycystycznym przypisuje się Euphranorowi na podstawie jego podobieństwa do Apolla Patrosa na Agora.
Rzeźba starożytnej Grecji jest doskonałym wytworem kultury starożytnej, obok eposu, teatru i architektury, i pod wieloma względami nadal zachowuje wartość normy i wzoru. Marmurowe i brązowe posągi mistrzów starożytnej Hellady, płaskorzeźby i płaskorzeźby, wielofigurowe kompozycje zdobiące frontony greckich świątyń pozwalają wyobrazić sobie początek cywilizacji europejskiej.
Mapa starożytnej Grecji
Jesteśmy przyzwyczajeni do oglądania starożytnych obrazów, szlachetnie spokojnych w swojej marmurowej bieli. Dla rosyjskiego widza dużą rolę odgrywają w tym słynne odlewy gipsowe, wykonane według starożytnych wzorów dla celów edukacyjnych z inicjatywy I.V. Cwietajewa i położył podwaliny pod kolekcję Państwowego Muzeum sztuki piękne ich. JAK. Puszkin. W rzeczywistości większość starożytnych greckich rzeźb była pomalowana na jaskrawe kolory, a ich części (lejce, wodze koni, drobne ozdoby na ubraniach) wykonano z pozłacanego brązu. Dlatego procesja obywateli Aten w dzień święta wielkiej Panathenaia na płaskorzeźbionym fryzie Partenonu powinna raczej przypominać współczesnemu widzowi wielobarwny obóz cygański, w którym mieszały się rydwany, jeźdźcy, bogowie - proste i dostępne, jak ludzie, a Hellenowie - piękni jak bogowie (1).
(1) Fidiasz. Nośniki wody. V wiek PNE. Muzeum Akropolu w Atenach
Ale nawet bez farby te marmurowe płaskorzeźby (wysokie na jeden metr) były transportowane muzea na całym świecie, budzą podziw. Nic dziwnego, że profesor B. Farmakovsky porównał je do muzyki. Na wykładzie na Uniwersytecie w Petersburgu w 1909 roku powiedział: „Piękno fryzu Partenonu zadziwi wszystkie stulecia i narody; wykracza poza miejsce i czas, jak piękno IX Symfonii Beethovena czy Requiem Mozarta”.
Współczesne wyobrażenia na temat rzeźby greckiej są niekompletne; wiele zabytków uległo zniszczeniu podczas śródziemnomorskiej redystrybucji świata, dlatego możemy je oceniać jedynie na podstawie kopii rzymskich mistrzów z okresu świetności imperium (I–II w. n.e.), z którymi Rzymianie dekorowali swoje domy i świątynie. I choć posągi muskularnych olimpijczyków autorstwa Myrona i Praxitelesa często umieszczano w miejscach publicznych (na przykład w łaźniach), najbardziej poszukiwana była stworzona przez Praxitelesa rzeźba odpoczywającego, pełnego wdzięku i leniwego Satyra (2) , ma charakter bardziej rzymski i imperialny niż demokratyczna greka.
(2) Praksyteles. Odpoczywający Satyr.
IV wiek PNE. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu
Sztafeta na rzecz zachowania sztuki starożytnej Grecji Starożytny Rzym Włochy przyjęły renesans. W tym czasie rozpoczęło się zbieranie starożytnych zabytków. A w połowie XVIII w. Niemiecki pedagog I. Winckelmann opublikował pracę „Historia sztuki starożytnej” - pierwszą Badania naukowe pomniki rzeźby starożytnej.
Na początku XIX wieku, zwłaszcza w okresie kampanii napoleońskich we Włoszech i Afryce, ponownie wzrosło zainteresowanie sztuką starożytną. W Europie powstają główne muzea antyków. Liczne wykopaliska prowadzone są nie tylko w warstwach pokrywających starożytne miasta, ale także w morzu. Z dołu Morze Śródziemne Posągi z brązu, greckie oryginały, wciąż są odzyskiwane.
Informacje o starożytnych rzeźbach greckich można uzyskać także za pomocą numizmatyki. Grupę rzeźb „Atena i Marsjasz” autorstwa Myrona dla ateńskiego akropolu udało się zrekonstruować na podstawie płaskorzeźby na starożytnej monecie ateńskiej.
główny temat
W historii rzeźby starożytnej Grecji można wyróżnić cztery okresy: archaiczny (VII–VI wiek p.n.e.); styl wczesnoklasyczny, czyli ścisły (pierwsza połowa V w. p.n.e.); klasyczny (druga połowa V – początek IV w. p.n.e.); Późnoklasyczny (IV wiek p.n.e.). Granice okresów są niejasne, gdyż twórczość rzeźbiarzy mogła zarówno „wyprzedzić” swój czas, jak i „opóźnić się” z nim. Najważniejsze jest to, że rzeźba grecka rozwinęła się w jednym kierunku - realistycznym. Starożytny mistrz w swojej twórczości myślał konkretnymi obrazami na zasadzie naśladowania natury (według Arystotelesa). Ze względu na ciągłość okresów rzeźba zmieniała się, zachowując jednak specyficzne cechy stylistyczne.
Uważny widz zawsze dostrzeże kamienie milowe w historii rzeźby greckiej i nie pomyli dekoracyjności archaicznej kory i kouros ze ścisłymi analitycznymi posągami Polikleitosa, ani harmonii wysokiej klasyki Fidiasza z późnoklasycznymi, namiętnymi dziełami Skopasa.
główny temat Sztuka plastyczna starożytnej Grecji – człowiek – została opracowana i udoskonalona przez greckich rzeźbiarzy. Rzeźba z reguły miała charakter publiczny. Otrzymując zamówienie na posąg, mistrz starał się ucieleśnić w nim ideał estetyczny zrozumiały dla wszystkich jego współczesnych.
Konstrukcja logiczna obraz artystyczny przyczyniły się do łatwości jego zrozumienia, co z kolei narzuciło ścisły rytm i klarowność kompozycji. Tak powstała sztuka, zasadniczo bardziej racjonalistyczna niż emocjonalna, chociaż z każdym nowym okresem dodawały się uczucia.
Łącząc w swoich dziełach idealność formy i wzniosłość treści, greccy mistrzowie preferowali tematy legendarne, rzadziej przedstawiano sceny z życia codziennego i procesów pracy.
Źródłem rzeźby greckiej, z pewnymi zastrzeżeniami (pozostaje zbyt mało dowodów materialnych), można nazwać kulturę kreteńsko-mykeńską. Według legendy pierwszymi rzeźbiarzami Grecji byli Daedalidzi, uczniowie Dedala, utalentowanego architekta i rzeźbiarza króla Minosa. Płyta z płaskorzeźbą Lwiej Bramy akropolu mykeńskiego jest jedynym przykładem monumentalnej rzeźby kamiennej w sztuce świata Morza Egejskiego (3) .
(3) Brama Lwa w Mykenach. XIV wiek PNE.
(4) Zeus w postaci hoplity. VII wiek PNE.
Od czasu pojawienia się rzeźby (około 670 r. p.n.e.) poprawiono obróbkę materiału artystycznego. Posągi odlano z brązu (4) , rzeźbione z piaskowca, wapienia, marmuru, rzeźbione z drewna, rzeźbione z gliny, a następnie wypalane (tzw. terakota). Posągi były wygrawerowane, a oczy, usta i paznokcie były fałszywe. Zastosowano technikę chryzoelefantyny (5) .
(5) Głowa dziewczynki (bóstwa?) w technice chryzoelefantyny.
550–530 PNE. Muzeum Archeologiczne w Delfach
Najpopularniejszym typem archaicznego posągu są stojące postacie męskie i żeńskie ubrane w długie szaty. Reprezentowały bogów, boginie lub ofiary, których imiona wyryto na podstawach lub samych rzeźbach. W VI wieku. Takie rzeźby zdobiły świątynie, place i nekropolie w dużych ilościach. Ich autorami byli mistrzowie jońscy z miast Azji Mniejszej lub z wysp archipelagu jońskiego.
(6) Bogini z zającem. Pierwsza połowa VI wieku Muzeum Pergamońskie w Berlinie
Na przykładzie posągów kobiet znalezionych na wyspie Samos – „Hery z Samos” i „Bogini z zającem” (obie rzeźby zachowały się bez głów) można prześledzić charakterystyczne cechy rzeźby archaicznej. Postać „Bogini z zającem” jest frontalna i nieruchoma; drobne fałdy chitonu, niczym flety kolumny, podkreślają ten bezruch. Ale figurka zająca została stworzona swobodnie i żywo przez greckiego mistrza. To połączenie konwencjonalnych form z żywymi detalami jest charakterystyczne dla archaizmu. Posąg nie był przedstawieniem bogini, przedstawiał kapłankę lub prostą kobietę udającą się z prezentami do bogini Hery od bogatego mężczyzny noszącego azjatyckie imię Kheramius, wyryte na fałdach chitonu (6) .
Kouros, kors, kariatydy
Posągi Kouros ( grecki. - młody mężczyzna) powstały we wszystkich ośrodkach greckiego świata. Znaczenie tych rzeźb, zwanych także archaicznymi Apollosami, wciąż pozostaje tajemnicą. Niektórzy z kouros mieli w rękach atrybuty boga Apolla - łuk i strzały, inni przedstawiali zwykłych śmiertelników, a jeszcze inni byli umieszczani nad pochówkami. Wysokość figurek kouros sięgała trzech metrów. Typ nagiej młodzieży był również powszechny w małych rzeźbach z brązu.
Kourosy były pozbawione brody i długowłose (masa włosów opadających na plecy modelowana była w geometryczny wzór), z mocno podkreślonymi mięśniami. Kuro stali w tych samych statycznych pozach, z jedną nogą wyciągniętą do przodu, ramionami rozciągniętymi wzdłuż ciała, z dłońmi zaciśniętymi w pięści. Rysy twarzy są stylizowane i pozbawione indywidualności. Posągi zostały obrobione ze wszystkich stron.
Rodzaj archaicznych kouros nawiązuje do tradycyjnego wzoru egipskich postaci stojących. Ale grecki artysta zwraca większą uwagę na budowę ciała niż Egipcjanin; starannie przedstawia stopy i palce, co wydaje się nieoczekiwane w ogólnym konwencjonalnym schemacie archaicznej sztuki plastycznej.
(7) Pogrzebowe kouros Anavissii.
OK. 530 p.n.e Muzeum Narodowe, Ateny
Przedstawianie kouros jako równie młodego, smukłego i silnego to początek greckiego programu państwowego związanego z gloryfikacją zdrowia, siły fizycznej i rozwojem gier sportowych (7) . Stylistyczną analogią do kurosu jest kora ( grecki. – dziewica), archaiczny posąg kobiety. Korowie noszą chitony lub ciężkie peplo. Fałdy są ułożone we wzór równoległych linii. Brzegi ubioru ozdobione są kolorową tkaną lamówką malowaną na marmurze. Dziewczęta mają na głowach fantazyjne fryzury, zbudowane z motywów ozdobnych. Na ich twarzach pojawia się tajemniczy, tzw. archaiczny uśmiech (8, 9) .
(8) Antenor. Kora nr 680. Około 530 p.n.e Muzeum Akropolu w Atenach
Do końca VI wieku. PNE. Greccy rzeźbiarze stopniowo nauczyli się pokonywać statyczność, charakterystyczną początkowo dla ich dzieł.
(9) Kora. 478–474 PNE. Muzeum Akropolu w Atenach
Kariatydy kontynuowały główny temat rzeźby. Sześć kariatyd niesie na głowach architraw południowego portyku świątyni Erechtejon na Akropolu. Wszystkie dziewczyny stoją frontalnie, ale w porównaniu do archaicznej kory ich pozy, dzięki lekko ugiętym kolanom, są bardziej swobodne i realistyczne.
Stopniowo greccy rzeźbiarze przełamywali konwencję nieruchomej postaci i ożywili modelowanie ciała. Pragnienie realistycznego przedstawienia żywej poruszającej się postaci rozwija się w walce z konwencjonalnym schematem zapożyczonym ze sztuki dworskiej Starożytnego Wschodu.
Formuła piękna
Było to w pierwszej połowie V wieku. PNE. Greccy filozofowie i artyści, każdy w swojej dziedzinie, opracowali formę wyrażania wieloaspektowego, dynamicznego, nieograniczonego i wiecznego życia. Bazując na czym Ogólny plan dzieła muszą urzeczywistniać się jako harmonijna i racjonalna całość, wyprowadzili formułę piękna jako równowagę pomiędzy formą i treścią. W roztworze z tworzywa sztucznego estetyczne piękno stał się wyrazem piękna moralnego, jak w dziełach ateńskich rzeźbiarzy Critiasa „Młody człowiek” i Nesiota „Grupa bojowników tyranów”.
Rzadkim przykładem rzeźby z brązu (a nie kamienia) z wczesnych klasyków był „Woźnica” (10) . Stał na rydwanie, trzymając lejce w dłoniach. Rydwan i konie (prawdopodobnie było ich cztery) zaginęły. Najprawdopodobniej grupę zorganizował Sycylijczyk z miasta Gela na cześć zwycięstwa na igrzyskach pytyjskich podczas wyścigu rydwanów w 476 rpne. Autorowi rzeźby udało się oddać powagę chwili bez patosu, posługując się techniką artystyczną, wykorzystując harmonię sylwetki i wewnętrzna równowaga wszystkie linie rzeźbiarskie. Sylwetka jest frontalna, ale lekki obrót ramion uwalnia ją od sztywności i nadaje pozie naturalny wygląd. Rysy twarzy kierowcy są harmonijne, spokojne i beznamiętne. Rzeźbiarz stworzył ideał osoby walecznej i pięknej. Loki włosów przenoszone przez gonienie są przechwytywane przez warkocz opaski. Oczy są inkrustowane kolorowym kamieniem; zachowały się najcieńsze brązowe płytki rzęs otaczających powieki.
(10) Woźnica. 478–474 PNE. Muzeum Archeologiczne w Delfach
(11) Zeus (lub Posejdon) z Przylądka Artemizja.
Połowa V wieku PNE. Muzeum Narodowe, Ateny
Kolejnym krokiem na drodze do plastycznej doskonałości rzeźby greckiej jest posąg Zeusa (lub Posejdona) z brązu z Przylądka Artemizjon na wyspie Eubea (11) . Postać Boga oddaje moment ruchu, który nastąpi osobliwość posągi sportowców Myrona z Elefther, innowatora w rozwiązywaniu problemów ruchu w rzeźbie, mistrza skomplikowanych odlewów z brązu. Do dziś w oryginalnej formie nie zachowała się ani jedna rzeźba Myrona, jednak jego twórczość cieszyła się w Rzymie tak dużym zainteresowaniem, że zachowało się wiele kopii jego dzieł i recenzji jego dzieł, w tym także krytycznych. Na przykład Pliniusz Starszy (I w. n.e.) powiedział: „Chociaż Myron interesował się ruchem ciała, nie wyrażał uczuć duszy”.
Rzeźba świątyni Zeusa w Olimpii
Dekoracja rzeźbiarska Świątyni Zeusa w Olimpii autorstwa nieznanych mistrzów (być może jednym z nich był Ageladus z Argos) uważana jest za wielkie osiągnięcie okresu wczesnoklasycznego i kamień milowy w rozwoju starożytnej rzeźby greckiej.
Płaskorzeźbione metopy wschodniego i zachodniego fryzu świątyni przedstawiały sceny dwunastu prac Herkulesa. Najlepiej zachowaną metopą jest wizerunek Atlasa przynoszącego jabłka Heraklesa z ogrodu Hesperyd. (12) . Cechy charakterystyczne dla wczesnego okresu klasycyzmu (pełna, przejrzysta kompozycja, prostota odsłonięcia fabuły, archaiczne przedstawienie szczegółów) w tej i innych metopach łączą się ze znakami sztuki klasycznej - wszystkie trzy postacie ukazane są na różnych planach: z przodu Atena, Herkules z profilu, Atlas w trzech czwartych.
(12) Metopa świątyni Zeusa w Olimpii.
Pierwsza połowa V wieku PNE. Muzeum w Olimpii
Dom wartość artystyczna rzeźby świątyni olimpijskiej składają się z monumentalnych grup frontonów historie mitologiczne. Na fasadzie wschodniej scena z mitu o wyścigu rydwanów bohaterów Pelopsa i Ojnomausa; na zachodzie - „centauromachia”: bitwa centaurów z lapitami.
Fabuła frontonów nawiązuje do tematyki jeździeckiej (centaury to pół ludzie, pół konie), która wśród starożytnych Greków symbolizowała los i nieuchronność losu. Rekonstrukcja tych frontonów jest przedmiotem debaty naukowej. Charakterystyczną cechą rzeźb olimpijskich są skomplikowane wielofigurowe kompozycje wpisane w narożniki frontonów. Na wschodnim frontonie znajdują się leżące postacie męskie, prawdopodobnie personifikujące rzeki Doliny Olimpii; na zachodnim frontonie znajdują się postacie kobiet obserwujących bitwę.
Świątynia Zeusa w Olimpii dopełnia surowy styl w rozwoju rzeźby greckiej. Dwadzieścia lat po jej wybudowaniu Fidiasz stworzył dla świątyni posąg Zeusa wykonany ze złota i kości słoniowej, który w starożytności uznawany był za jeden z siedmiu cudów świata („Sztuka” nr 9/2008).
Fidiasz, przyjaciel Peryklesa
Epoka klasyczna w sztuce starożytnej Grecji rozpoczęła się od zwycięskich wojen z Persami, kiedy Attyka stała się główną w basenie Morza Śródziemnego. Obciążeni obywatelską odpowiedzialnością rzeźbiarze rzeźbili do dekoracji świątyń nie tylko posągi bogów i bohaterów, ale także mężów stanu i zwycięzców Igrzyska Olimpijskie na place w pobliżu świątyń, budynków palestr, rynków i teatrów.
Dla Greków nagość była największą godnością. Dla Hellena ciało było pozorem doskonałego kosmosu, a cały otaczający go świat postrzegał przez analogię do siebie w idealnej, posągowej formie. Posągi swoją beznamiętnością i harmonią zbliżały się do wizerunków bogów.
Sztuka Fidiasza łączyła wszystkie osiągnięcia, jakie sztuka grecka zgromadziła do połowy V wieku. PNE. Dał życie i ruch doskonałej naturze. Jego rzeźby były majestatyczne i wzniosłe, nawiązując do ateńskiej republiki demokratycznej i epoki Peryklesa.
(13) Fidiasz. Walka centaura z lapitem. Metopa Partenonu.
Muzeum Brytyjskie w Londynie
Pod przewodnictwem Fidiasza wykonano liczne skomplikowane dekoracje plastyczne Partenonu i Świątyni Ateny Partenos na Akropolu. Pod względem kompozycyjnym przypominają Świątynię Zeusa w Olimpii, choć są bardziej swobodne w aranżacji, a w szczegółach są bardziej żywotne i dynamiczne. Od razu rzuca się w oczy, że kolejnym okresem w dziejach rzeźby antycznej są płaskorzeźby w metopach ze scenami walki centaurów z lapitami (13) ; w rogach frontonu wizerunek boga słońca Heliosa powstrzymującego konie oraz bogini księżyca Selene zstępującej na rydwanie i znikającej za horyzontem. Zachowana głowa konia z uprzęży Selene uważana jest za jeden z najlepszych rzeźbiarskich wizerunków konia na świecie. (14) .
(14) Głowa konia ze wschodniego frontonu Partenonu
Arcydzieło sztuki klasycznej, posągi bogini na wschodnim frontonie stanowią arcydzieło. Charakterystyczny dla Fidiasza sposób umiejętnego zaginania cienkich chitonów nazywano „mokrym ubraniem”. (15) .
(15) Hestia, Dione i Afrodyta.
Druga połowa V wieku. PNE. Muzeum Brytyjskie w Londynie
Posąg Ateny Partenos (wysokość 13 m), stworzony dla świątyni, opisany jest w przewodniku Pauzaniasza: „Sama Atena jest wykonana z kości słoniowej i złota... Posąg przedstawia ją w pełnej wysokości w tunice aż do samej stopy. Na jej piersi znajduje się głowa Meduzy wykonana z kości słoniowej. W dłoni trzyma wizerunek Nike o długości około czterech łokci, a w drugiej włócznię. U jej stóp leży tarcza, a obok jej włóczni jest wąż; ten wąż to prawdopodobnie Erichtoniusz. Drewnianą ramę posągu pokryło złoto o wartości 40 talentów i kolorowa kość słoniowa.
Imię Fidiasz, obok imienia Michała Anioła, jest symbolem geniuszu w rzeźbie. Jego los był tragiczny. Złośliwość, zazdrość i przeciwnicy polityczni prześladowali Fidiasza, który cieszył się całkowitym zaufaniem Peryklesa. Po ukończeniu budowy Ateny Partenos został oskarżony o kradzież złota i kości słoniowej. Zniesławiony Fidiasz zmarł w więzieniu w 431 roku p.n.e., kiedy chwała Peryklesa już zaczynała blaknąć.
Zmiana zainteresowań
Wojna peloponeska (431–404 p.n.e.) pomiędzy demokratycznymi Atenami a arystokratyczną Ligą Peloponeską pod przewodnictwem Koryntu i Sparty zaostrzyła kryzys greckiej polis i doprowadziła do konfliktów społecznych. Ale w tym samym okresie rozkwitła filozofia idealistyczna. Nadszedł czas na Sokratesa i Platona.
Charakterystyka era - spadek zainteresowania sprawami publicznymi, sztuka stawia sobie za zadanie odzwierciedlenie wewnętrznego świata duchowego. Rośnie sztuka portretowania, place miejskie zdobią posągi filozofów, mówców i mężów stanu. Wizerunki bogów stają się bardziej ziemskie i liryczne.
Nastroje te najpełniej odzwierciedla twórczość rzeźbiarza Praksytelesa z Aten (ok. 370–330 p.n.e.). Praksyteles przedstawiał bohaterów, bogów i sportowców w stanie spoczynku. Jego twórczość charakteryzuje się kompozycją stojącej sylwetki: miękka, gładka linia wygiętego tułowia zawsze podkreśla leniwy wdzięk. Idylliczna i liryczna twórczość Praksytelesa wywarła zauważalny wpływ na całą sztukę starożytną. Jego rzeźby były kopiowane i urozmaicane we wszystkich gałęziach rzemiosła artystycznego świata starożytnego.
Oryginalną szkołę rzeźby stworzył także współczesny Praksytelesowi Joński Skopas (ok. 380–330 p.n.e.). Jego prace odzwierciedlały nowe pragnienie, aby sztuka grecka wyrażała silne, namiętne uczucia, przedstawiała energiczny ruch. Wiadomo, że Skopas pracował jako architekt i rzeźbiarz w świątyni Ateny w Tega (na Peloponezie). Fronton zachodni przedstawiał bitwę Achillesa z Telefosem ( wojna trojańska). W zachowanym oryginale – głowie bohatera – cierpienie wyraża cień wystających łuków brwiowych, półotwarte usta z opadającymi kącikami ust.
Skopasowi udało się stworzyć dwa bardzo atrakcyjne, różne wizerunki kobiet: boginię Nike rozwiązującą sandał (16) i taneczna bachantka. Pełen wdzięku poza bogini, ubrania opadające w niedbałych fałdach, podkreślają kształt ciała, nadając całej sylwetce intymny charakter. Za jej ramionami pojawiają się miękkie kontury dużych, rozpostartych skrzydeł. Przeciwnie, towarzyszka Dionizosa, bachantka, w dzikim tańcu odrzuciła głowę do tyłu, włosy rozsypały się na plecach.
(16) Płaskorzeźba balustrady Świątyni Nike.
Koniec V wieku PNE. Muzeum Akropolu w Atenach
Twórczość plastyczna Skopasa nie wyróżnia się charakterystyczną dla Praksytelesa subtelnością modelowania detali, lecz ostre cienie i energetycznie wystające formy sprawiają wrażenie żywego życia i wiecznego ruchu.
Sposób przedstawiania ruchu w rzeźbie zmieniał się z biegiem czasu. W rzeźbie archaicznej rodzaj ruchu można by nazwać „ruchem akcji”, uzasadniając to motywem tego działania: bohaterowie biegają, rywalizują, grożą bronią, trzymają przedmioty. Nie ma takiego działania – archaiczny posąg stoi nieruchomo. W okresie klasycznym, począwszy od rzeźb Polikleita, tzw. „ruch przestrzenny” (w rozumieniu Leonarda da Vinci), oznaczający ruch w przestrzeni bez widocznego celu, określonego motywu (jak w posągu Doryphorosa). Korpus posągu porusza się do przodu lub wokół własnej osi („Bachantki” Skopasa) (17) .
(17) Bachantka. IV wiek PNE. Kopia rzymska. Albertinum w Dreźnie
Patrząc wstecz, widzimy, jak rzeźbiarze starożytnej Grecji zdołali w ciągu zaledwie dwóch stuleci tchnąć życie, niczym Pigmalion, w tajemnicze, ciche, zimne rdzenie i przekształcić je w zmysłowe, wirujące bachantki.
BIBLIOGRAFIA
Alpatow M.V. Problemy artystyczne sztuki starożytnej Grecji. – M.: Sztuka, 1987.
Whipper B.R. Wprowadzenie do historycznych studiów nad sztuką. – M.: AST-Press, 2004.
Voshchinina A.I. Starożytna sztuka. – M.: Wydawnictwo Akademii Sztuk ZSRR, 1962.
SŁOWNIK DO ARTYKUŁU
Architraw- belka leżąca na kapitelach kolumn.
Płaskorzeźba– płaskorzeźba, w której wypukły obraz wystaje ponad płaszczyznę tła nie więcej niż o połowę swojej objętości.
Himation- odzież wierzchnia w postaci czworokątnego kawałka tkaniny wełnianej, zakładana na tunikę.
Hoplita- wojownik w ciężkiej broni.
Wypukłorzeźba– wysoki relief, w którym obraz wystaje ponad płaszczyznę tła o ponad połowę swojej objętości.
Kariatydy– stojące posągi kobiece, które służą jako podpora dla belek w budynku. Być może szlachetne kobiety z Carii, oddane w niewolę Persom, aby ocalić mieszkańców.
Ludovisi- włoska rodzina arystokratyczna, która zyskała na znaczeniu na początku XVII wieku, kiedy kardynał Alessandro Ludovisi został papieżem Grzegorzem XV w 1621 roku.
Metopa- płyta ozdobiona rzeźbą, będąca częścią fryzu doryckiego.
Palestra- prywatna szkoła gimnastyczna, w której uczyli się chłopcy w wieku od 12 do 16 lat. O około. Samos było palestra dla dorosłych mężczyzn.
Panathenaea- w starożytnej Attyce święta ku czci bogini Ateny (wielkie - raz na cztery lata, małe - co roku). W programie: procesja na akropol, ofiara oraz konkursy – gimnastyczne, jeździeckie, poetyckie i muzyczne.
Peplos- długa odzież damska wykonana z wełny, wiązana na ramionach, z wysokim rozcięciem z boku.
Poros– miękki wapień attycki.
Mocny- bóstwo płodności w orszaku Dionizosa.
Tryglif- element fryzu porządku doryckiego, na przemian z metopami.
Chiton– długa i prosta odzież męska i damska.
Chryzoelefantyna (grecki– wykonane ze złota i kości słoniowej) technika– technika mieszana. Drewniana figura została pokryta cienkimi złotymi płytkami, a twarz i dłonie wyrzeźbiono z kości słoniowej.
Temat: Wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji.
Cel: Studium głównych etapów rozwoju rzeźby starożytnej Grecji.
Nowe słowa:
"MIMESIS"- podobieństwo.
Kalokagathia (Grecki kalos- cudownie + agat Uprzejmy).
Kuro i koros – stworzony w epoce archaicznej męskiej. i damskie figurki (do 3 m.) Mimesis – podobieństwo. Kariatyda – (gr. kariatis) - rzeźbiarski wizerunek stojącej postaci kobiecej, która służy jako podpora belki w budynku (lub w przenośni wyraża tę funkcję).
Germa - kamień pylony z „rękami”, umieszczonymi przy głównym wejściu do domu.
Pytania.
Kanony rzeźbiarskie Polikleita i Myrona.
Twórczość rzeźbiarska Skopasa i Praksytelesa.
Lizypos i Leochares.
Rzeźba hellenistyczna.
Podczas zajęć.
1. Aktualizowanie wiedzy uczniów na temat architektury starożytnej Grecji.
2. Przesłanie tematu, cel lekcji.
Grecy zawsze wierzyli że tylko w piękne ciało piękna dusza może żyć. Dlatego harmonia ciała, doskonałość zewnętrzna - niezbędny warunek i podstawa idealnej osoby. Grecki ideał jest zdefiniowany przez termin kalokagathia(Grecki kalos- cudownie + agat Uprzejmy). Ponieważ kalokagathia obejmuje doskonałość zarówno konstytucji fizycznej, jak i charakteru duchowego i moralnego, to jednocześnie wraz z pięknem i siłą ideał niesie ze sobą sprawiedliwość, czystość, odwagę i racjonalność. To właśnie sprawia, że greccy bogowie wyrzeźbieni przez starożytnych rzeźbiarzy są wyjątkowo piękni.
Pomimo wszystkich podobieństw między rzeźbami z VI i V wieku. BC, mają również charakterystyczne różnice:
Nie ma już odrętwienia i schematyzmu archaicznych rzeźb;
Posągi stają się bardziej realistyczne.
Kanony rzeźbiarskie Polikleita i Myrona .
1. Hymn o wielkości i duchowej mocy Człowieka;
2. Ulubiony obraz - szczupły młody mężczyzna o atletycznej budowie;
3. Wygląd duchowy i fizyczny są harmonijne, nie ma nic zbędnego, „nic w nadmiarze”.
Najbardziej znani rzeźbiarze epoki wysokiego klasycyzmu to Poliklet i Myron.
Poliklet - starożytny grecki rzeźbiarz i teoretyk sztuki, który działał w Argos w 2. połowie V wieku p.n.e.
| Poliklet uwielbiał przedstawiać sportowców w spoczynku i specjalizował się w przedstawianiu sportowców i zwycięzców olimpijskich. „Dorifor”("Włócznik") Polikleitos jako pierwszy wpadł na pomysł ułożenia postaci w taki sposób, aby opierały się na dolnej części tylko jednej nogi. (Wczesnym przykładem klasycznego kontrapostu jest Doryphoros). Poliklet wiedział, jak ukazać ludzkie ciało w stanie równowagi - jego postać ludzka w spoczynku lub w wolnym kroku wydaje się ruchliwa i ożywiona ze względu na to, że osie poziome nie są równoległe. Posągi Polikleita tętnią intensywnym życiem. Polikleitos lubił przedstawiać sportowców w stanie spoczynku. Weź tego samego „Włócznika”. Ten potężnie zbudowany mężczyzna jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Ale to nie jest statyczny spokój starożytnych egipskich posągów. Jak człowiek umiejętnie i łatwo kontrolujący swoje ciało, włócznik lekko ugiął jedną nogę i przeniósł ciężar ciała na drugą. Wydaje się, że minie chwila, a on zrobi krok do przodu, odwróci głowę, dumny ze swojej urody i siły. Przed nami mężczyzna silny, przystojny, wolny od strachu, dumny, powściągliwy - ucieleśnienie greckich ideałów. Pracuje: 2. „Diadumen” („Młody człowiek zawiązujący bandaż”). „Ranny Amazon” Kolosalny posąg Hery w Argos. Został wykonany w technice chryzoelefantyny i był postrzegany jako pandan Fidiasza, Zeusa Olimpijskiego. Rzeźby zaginęły i są znane z zachowanych starożytnych rzymskich kopii. |
1. Z rozkazu kapłanów Świątyni Artemidy w Efezie ok. 440 p.n.e Polikleitos stworzył posąg rannej Amazonki, zajmując pierwsze miejsce w konkursie, w którym oprócz niego wzięli udział Fidiasz i Kresilaos. Ideę tego dają kopie - płaskorzeźba odkryta w Efezie, a także posągi w Berlinie, Kopenhadze i Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Nogi Amazonki są ustawione w taki sam sposób jak Doryforosa, ale wolne ramię nie zwisa wzdłuż tułowia, ale jest rzucone za głowę; druga ręka podtrzymuje ciało, opierając się na kolumnie. Poza jest harmonijna i zrównoważona, ale Poliklet nie wziął pod uwagę faktu, że jeśli ktoś ma ranę pod prawą klatką piersiową, jego prawego ramienia nie można unieść wysoko. Najwyraźniej bardziej niż fabuła czy przekaz uczuć interesowała go piękna, harmonijna forma. Tę samą troskę otacza staranny rozwój fałd krótkiego chitonu amazońskiego.
2.Policleitos pracował następnie w Atenach, gdzie ok. 420 p.n.e stworzył Diadumena, młodego mężczyznę z bandażem na głowie. W tym dziele, które nazwano łagodną młodością, w przeciwieństwie do odważnego Doryforosa, można wyczuć wpływ szkoły poddaszowej. Tutaj ponownie wykorzystano motyw kroku, choć obie ręce są uniesione i trzymają bandaż, co jest ruchem, który lepiej pasowałby do spokojnej i stabilnej pozycji nóg. Opozycja pomiędzy prawą i lewą stroną nie jest tak wyraźna. Rysy twarzy i obszerne loki włosów są znacznie delikatniejsze niż w poprzednich pracach. Najlepszymi powtórzeniami Diadumenu są kopie znalezione w Delos, a obecnie w Atenach, posąg Vaison we Francji, przechowywany w British Museum oraz kopie w Madrycie i Metropolitan Museum. Zachowało się także kilka figurek z terakoty i brązu. Najlepsze kopie głowy Diadumena znajdują się w Dreźnie i Kassel.
3. Około 420 p.n.e Polikleitos stworzył kolosalną chryzoelefantynę (złoto i kość słoniowa) posąg Hery siedzącej na tronie dla świątyni w Argos. Monety Argive mogą dać pewne wyobrażenie o tym, jak wyglądał ten starożytny posąg. Obok Hery stała Hebe, wyrzeźbiona przez Naucisa, ucznia Polikleita. W plastycznym projekcie świątyni można wyczuć zarówno wpływ mistrzów szkoły poddaszowej, jak i Polikleta; być może jest to dzieło jego uczniów. Dziełom Polikleitosa brakowało majestatu posągów Fidiasza, ale wielu krytyków uważa je za lepsze od Fidiasza pod względem akademickiej doskonałości i idealnej postawy. Poliklet miał licznych uczniów i naśladowców aż do czasów Lizyposa (koniec IV w. p.n.e.), który twierdził, że jego nauczycielem plastycznym był Doryforos, choć później odszedł od kanonu Polikleita i zastąpił go własnym.
Miron
stworzył posągi zwycięskich sportowców, poprawnie i naturalnie oddał ludzką sylwetkę oraz odkrył tajemnicę plastycznej koncepcji ruchu. Ale (!!!) jego prace mają tylko jeden punkt widzenia. Do jego najsłynniejszych dzieł należy kompozycja rzeźbiarska 
„Atena i Marsjasz” oraz „Dyskobol”. 
Myron był starszym rówieśnikiem Fidiasza i Polikletosa i był uważany za jednego z najwybitniejszych rzeźbiarzy swoich czasów. Pracował w brązie, ale żadne z jego dzieł nie zachowało się; znane są głównie z kopii. Najbardziej znanym dziełem Myrona jest „Miotacz dyskiem”. Dyskobolek jest obecnie przedstawiany w trudnej pozie najwyższe napięcie przed rzuceniem. Rzeźbiarza interesował kształt i proporcjonalność figur w ruchu. Myron był mistrzem przenoszenia ruchu w kulminacyjny, przejściowy moment. W pochwalnym fraszce poświęconej jego brązowej statuetce sportowca Ładasa podkreśla się, że ciężko oddychający biegacz jest ukazany z niezwykłą wyrazistością. stać na Akropol w Atenach Grupę rzeźbiarską Myrona Atena i Marsjasz charakteryzuje ta sama umiejętność przekazywania ruchu.
2. Twórczość rzeźbiarska Skopasa i Praksytelesa.
IV wiek PNE.
1. Staraliśmy się przekazać energiczne działania;
2. Przekazał uczucia i doświadczenia osoby:
Pasja
Marzenia
Miłość
Furia
Rozpacz
Cierpienie
SKOPAS
(rozkwit 375–335 p.n.e.), grecki rzeźbiarz i architekt, urodzony na wyspie Paros ok. Być może 420 p.n.e. Pierwszym znanym nam dziełem Skopasa jest świątynia Ateny Alei w Tegei na Peloponezie, która musiała zostać odbudowana, gdyż poprzednia spłonęła w 395 roku p.n.e. Skopas był jednym z grupy czterech rzeźbiarzy (i być może był najstarszym wśród nich), któremu wdowa po Mausolusie, Artemizja, zleciła wykonanie rzeźbiarskiej części Mauzoleum (jednego z Siedmiu Cudów Świata) w Halikarnasie, grobowca jej męża. Pasja tkwiąca w twórczości Skopasa realizowana jest przede wszystkim poprzez nowa interpretacja oczu: są głęboko osadzone i otoczone ciężkimi fałdami powiek.Żywotność ruchów i odważne pozycje ciał wyrażają intensywną energię i świadczą o pomysłowości mistrza. 
Najbardziej znane dzieła Skopasa to:
- Skopas . „Amazonomachia”.
- Bitwa Greków z Amazonkami. Fragment fryzu Mauzoleum w Halikarnasie. Marmur. Około 350 r. p.n.e mi. Londyn. Brytyjskie Muzeum. 
Płaskorzeźba jest wspaniała, przedstawia wojownika odchylonego gwałtownie do tyłu, próbującego odeprzeć atak Amazonki, która jedną ręką chwyciła jego tarczę, a drugą zadała śmiertelny cios. Na lewo od tej grupy znajduje się Amazonka na gorącym koniu. Siedzi odwrócona tyłem i najwyraźniej rzuca strzałką w ścigającego ją wroga. Koń prawie przejeżdża po odchylonym do tyłu wojowniku. Ostre zderzenie przeciwstawnie skierowanych ruchów amazonki i wojownika oraz niezwykłe lądowanie Amazonki z ich kontrastami wzmacniają ogólny dramatyzm kompozycji.
Skopas. Głowa rannego wojownika z zachodniego frontonu świątyni Ateny Alea w Tegei. Marmur. Pierwsza połowa IV wieku. pne mi. Ateny. Muzeum Narodowe. 
Skopas. Bachantka. Połowa IV wieku pne mi. Zredukowana marmurowa rzymska kopia z zaginionego oryginału. Drezno. Albertinum.
Marmurowa „Maenada”, która dotarła do nas w niewielkim, zniszczonym zabytkowym egzemplarzu, uosabia wizerunek człowieka opętanego gwałtownym porywem namiętności. Nie jest to ucieleśnienie obrazu bohatera zdolnego pewnie panować nad swoimi namiętnościami, ale ujawnienie niezwykłej ekstatycznej namiętności ogarniającej człowieka, charakterystycznej dla „Maenady”. Co ciekawe, menada ze Skopas, w przeciwieństwie do rzeźb z V wieku, została zaprojektowana tak, aby można ją było oglądać ze wszystkich stron.
PRAKSITEL (IV wiek p.n.e.),
| Praxiteles to starożytny grecki rzeźbiarz, jeden z najwybitniejszych rzeźbiarzy attyckich IV wieku p.n.e. mi. Autor słynnych kompozycji „Hermes z małym Dionizosem”, „Apollo zabijający jaszczurkę”. Większość dzieł Praksytelesa znana jest z kopii rzymskich lub z opisów autorów starożytnych. Rzeźby Praksytelesa namalował ateński artysta Nikiasz. Praksyteles - pierwszy rzeźbiarz, który przedstawił nagą kobietę tak realistycznie, jak to tylko możliwe: rzeźba Afrodyta z Knidos, gdzie naga bogini trzyma dłonią upadłą szatę. Praksyteles. Głowa Afrodyty z Knidos (Afrodyty Kaufmana). Przed 360 rokiem p.n.e mi. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Berlin. Kolekcja Kaufmana. |
Posąg Afrodyty z Knidos był w starożytności uważany nie tylko za najlepsze dzieło Praksytelesa, ale w ogóle za najlepszy posąg wszechczasów. Jak pisze Pliniusz Starszy, wielu przybywało do Knidos tylko po to, żeby ją zobaczyć. Było to pierwsze monumentalne przedstawienie całkowicie nagiej postaci kobiecej w sztuce greckiej, dlatego zostało odrzucone przez mieszkańców Kos, dla których było przeznaczone, po czym kupili je mieszczanie sąsiedniego Knidos. W czasach rzymskich wizerunek tego posągu Afrodyty bito na monetach knidyjskich i wykonano z niego liczne kopie (najlepsza z nich znajduje się obecnie w Watykanie, a najlepsza kopia głowy Afrodyty znajduje się w zbiorach Kaufmanna w Berlin). W starożytności twierdzono, że wzorem Praksytelesa była jego kochanka, hetera Fryne. 
Najlepsze przedstawienie stylu Praksytelesa daje posąg Hermesa z małym Dionizosem (Muzeum w Olimpii), odnaleziono podczas wykopalisk w świątyni Hery w Olimpii. Pomimo wyrażanych wątpliwości, jest to prawie na pewno oryginał, powstały ok. 340 p.n.e Giętka postać Hermesa z wdziękiem opierała się o pień drzewa. Mistrzowi udało się ulepszyć interpretację motywu mężczyzny z dzieckiem na rękach: ruchy obu rąk Hermesa kompozycyjnie łączą się z dzieckiem. Prawdopodobnie w jego prawej, niezakonserwowanej dłoni znajdowała się kiść winogron, którymi drażnił Dionizosa, dlatego dziecko sięgnęło po nią. Postać Hermesa jest proporcjonalnie zbudowana i doskonale dopracowana, uśmiechnięta twarz pełna żywotności, profil pełen wdzięku, a gładka powierzchnia skóry ostro kontrastuje ze schematycznie zarysowanymi włosami i wełnianą powierzchnią płaszcza narzuconego na tułów . Pomalowano włosy, draperię, oczy i usta oraz paski sandałów.
Inne posągi Afrodyty przypisywane Praksytelesowi są słabiej reprezentowane. Nie ma kopii posągu wybranego przez mieszkańców Kos. Afrodyta z Arles, nazwana na cześć miejsca, w którym została znaleziona i przechowywana w Luwrze, może nie przedstawiać Afrodyty, ale Frynę. Nogi posągu są zakryte draperią, a tułów jest całkowicie nagi; sądząc po jej pozie, w lewej dłoni trzymała lustro. Zachowało się także kilka wdzięcznych figurek kobiety zakładającej naszyjnik, ale ponownie można w nich zobaczyć zarówno Afrodytę, jak i śmiertelniczkę.
Praksyteles. Artemida z Gabii. Około 340-330 pne mi. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Paryż. Żaluzja.
W posągu Artemidy widzimy przykłady rozwiązania motywu udrapowanej postaci ludzkiej. Artemida ukazana jest tu jako patronka kobiet: zarzuca na prawe ramię narzutę, przyniesioną przez kobietę w prezencie za skuteczne uwolnienie jej od ciężaru.
Praksyteles był niedoścignionym mistrzem w przekazywaniu wdzięku ciała i subtelnej harmonii ducha. Najczęściej przedstawiał bogów, a nawet satyrów, jako młodych; w jego twórczości zastąpił majestat i wzniosłość obrazów z V wieku. PNE. przychodzi łaska i marzycielska czułość.
3. Leochares i Lizyp. Sztuka kierunku fałszywie klasycznego najkonsekwentniej ujawniała się w twórczości Leohara, Leochares, z urodzenia Ateńczyk, został nadwornym artystą Aleksandra Wielkiego. To on stworzył dla Filipejonu szereg chryzoelefantynowych posągów królów z dynastii macedońskiej. Zimny i bujny, klasycyzujący, czyli zewnętrznie naśladujący formy klasyczne, styl dzieł Leochara zaspokajał potrzeby powstającej monarchii Aleksandra. Wyobrażenie o stylu twórczości Leohara, poświęcony chwale monarchii macedońskiej, przekazuje nam rzymską kopię swojego bohaterskiego portretu Aleksandra Wielkiego. Naga postać Aleksandra miała charakter abstrakcyjnie idealny.
Leohar. Apolla Belweder
. Około 340 p.n.e mi. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału z brązu. Rzym. Watykan. 
Najważniejszym dziełem Leochara był posąg Apolla – słynny „Apollo Belvedere” ( „Apollo Belvedere” to nazwa zachowanej rzymskiej marmurowej kopii oryginału z brązu autorstwa Leocharesa, która znajdowała się niegdyś w watykańskim Belvedere (otwarta loggia)).
Jednak wizerunek Apolla jest bardziej spektakularny zewnętrznie niż znaczący wewnętrznie. Przepych fryzury, arogancki obrót głowy i znana teatralność gestu są głęboko obce prawdziwym tradycjom klasyki. 
Niedaleko kręgu Leocharesa znajduje się także słynny posąg „Artemidy Wersalskiej”, pełen zimnej, nieco aroganckiej wielkości.
Leohar. Artemida z Wersalu. Trzecia ćwierć IV wieku. pne mi. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Paryż. Żaluzja.
Lizyp.. W sztuce zdecydował Lysippa zadanie odsłonięcia wewnętrznego świata ludzkich przeżyć i pewnej indywidualizacji obrazu człowieka. Jednocześnie Lysippos wprowadził nowe odcienie do rozwiązania tych problemów artystycznych, a co najważniejsze, przestał uważać kreowanie wizerunku idealnej, pięknej osoby za główne zadanie sztuki. Lysippos, jako artysta, czuł, że obowiązują nowe warunki życie publiczne pozbawił ten ideał jakiejkolwiek poważnej podstawy życiowej.
Po pierwsze, Lysippos znajduje podstawę do przedstawienia typowego obrazu osoby nie w tych cechach, które charakteryzują człowieka jako członka zbiorowości wolnych obywateli polis, jako harmonijnie rozwiniętą osobowość, oraz w cechach jego wieku, zawodu, przynależności do tej lub innej postaci psychologicznej. Szczególnie ważną nowością w twórczości Lysipposa jest zainteresowanie ujawnieniem w obrazie człowieka tego, co charakterystyczne, wyraziste, a nie idealnie doskonałe.
Po drugie, Lizyp w pewnym stopniu podkreśla w swoich pracach moment osobistej percepcji, stara się przekazać swój postawa emocjonalna do przedstawianego wydarzenia. Według Pliniusza Lysippos powiedział, że jeśli starożytni przedstawiali ludzi takimi, jakimi byli w rzeczywistości, to on, Lysippos, przedstawiał ludzi takimi, jakimi się wydają. Lizyp. Apoksjomenos. Głowa (patrz ilustracja 215).
Zrozumienie przez Lizypa obrazu człowieka zostało szczególnie wyraźnie ucieleśnione w jego słynnym posągu z brązu z czasów starożytnych. pomnik „Apoksjomen”. Lysippos przedstawił młodego mężczyznę używającego skrobaczki do usuwania piasku z areny, który przykleił się do jego ciała podczas zawodów sportowych. Artysta w bardzo wyrazisty sposób oddał w tym posągu stan zmęczenia, jaki ogarnął młodego człowieka po stresie zmagań.
W Apoksyomenesie Lysippos chce ukazać nie wewnętrzny spokój i trwałą równowagę, ale złożoną i sprzeczną ze sobą zmianę odcieni nastroju.
Lizyp. Odpoczywający Hermes
. Trzecia ćwierć IV wieku. pne mi. Brązowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Neapol. Muzeum Narodowe. 
Hermes zdawał się przez chwilę siedzieć na krawędzi urwiska. Artysta przekazał tu spokój, lekkie zmęczenie, a jednocześnie gotowość Hermesa do kontynuowania swego gwałtownie szybkiego lotu.
W tej samej serii znalazła się także grupa przedstawiająca walkę Herkulesa z lwem nemejskim, która także trafiła do nas w rzymskiej kopii przechowywanej w Ermitażu. 
Lizyp. Herkules z lwem . Druga połowa IV wieku. pne mi. Zredukowana rzymska marmurowa kopia zaginionego oryginału z brązu. Leningrad. Ermitaż.
Zwłaszcza bardzo ważne miał dzieło Lizypa dalsza ewolucja Portret grecki.
Głowa Aleksandra Wielkiego
z wyspy Kos. Marmur Oryginalność i siła portretu Lizypa została najwyraźniej ucieleśniona w jego portretach Aleksandra Wielkiego. 
Silny, energiczny obrót głowy i ostro odrzucone do tyłu pasma włosów wywołują ogólne wrażenie żałosnego impulsu. Z drugiej strony żałobne zmarszczki na czole, cierpiący wyraz twarzy i wykrzywione usta nadają wizerunkowi Aleksandra cechy tragicznego zamętu. Na tym portrecie po raz pierwszy w historii sztuki napięcie namiętności i ich wewnętrzna walka zostają wyrażone z taką siłą.
4.Rzeźba hellenistyczna.
1. Podekscytowanie i napięcie na twarzach;
2. Wir uczuć i przeżyć w obrazach;
3. Senność obrazów;
4. Harmoniczna doskonałość i powaga
Sztuka hellenistyczna jest pełna kontrastów - gigantycznych i miniaturowych, ceremonialnych i codziennych, alegorycznych i naturalnych. Główny trend - odejście od uogólnionego typu ludzkiegodo zrozumienia człowieka jako istoty konkretnej, indywidualnej, i stąd wzrost uwagę na jego psychologię, zainteresowanie wydarzeniami i nową czujność na cechy narodowe, wiekowe, społeczne i inne cechy osobowości.
Wszystko to nie oznacza, że epoka hellenistyczna nie pozostawiła po sobie wielkich rzeźbiarzy i ich pomników sztuki. Ponadto stworzyła dzieła, które naszym zdaniem syntetyzują najwyższe osiągnięcia starożytnej sztuki plastycznej i są jej niedoścignionymi przykładami - 
Afrodyta z Melos,
Nike z Samotraki , ołtarz Zeusa w Pergamonie. Te słynne rzeźby powstały w epoce hellenistycznej. Ich autorzy, o których nic lub prawie nic nie wiadomo, pracowali w zgodzie z tradycją klasyczną, rozwijając ją prawdziwie twórczo.
Wśród rzeźbiarzy tej epoki można wymienić następujące nazwiska: Apoloniusz, Tauriscus („Byk Farnese”), Athenodorus, Polydorus, Agesander („Afrodyta z Melos”, „Laokoon”).
Moralność i formy życia, a także formy religii zaczęły się mieszać w epoce hellenistycznej, ale przyjaźń nie zapanowała i pokój nie nastał, konflikty i wojny nie ustały.
5.Wniosek. Jedna rzecz łączyła wszystkie okresy rozwoju greckiego społeczeństwa i sztuki: to szczególna pasja do sztuk plastycznych i sztuk przestrzennych.
Przyjrzeliśmy się twórczości największych rzeźbiarzy starożytnej Grecji przez cały okres starożytności. Widzieliśmy cały proces powstawania, rozkwitu i upadku stylów rzeźbiarskich - całe przejście od ścisłych, statycznych i wyidealizowanych form archaicznych, poprzez zrównoważoną harmonię rzeźby klasycznej do dramatycznego psychologizmu posągów hellenistycznych. Twórczość rzeźbiarzy starożytnej Grecji słusznie uważana była za wzór, ideał, kanon przez wiele stuleci, a teraz nigdy nie przestaje być uznawana za arcydzieło światowej klasyki. Nic takiego nie zostało osiągnięte ani wcześniej, ani później. Całą współczesną rzeźbę można uznać w pewnym stopniu za kontynuację tradycji starożytnej Grecji. Rzeźba starożytnej Grecji przeszła trudną drogę w swoim rozwoju, przygotowując grunt pod rozwój rzeźby w kolejnych epokach w różnych krajach.
Wiadomo, że większość starożytnych mistrzów sztuki plastycznej nie rzeźbiła w kamieniu, lecz odlewała z brązu. W stuleciach następujących po epoce cywilizacji greckiej woleno konserwować arcydzieła z brązu niż przetapiać je w kopuły lub monety, a później w armaty. W późniejszych czasach tradycje ustanowione przez starożytne rzeźby greckie zostały wzbogacone o nowe osiągnięcia i osiągnięcia, a starożytne kanony posłużyły za niezbędny fundament, podstawę rozwoju sztuki plastycznej wszystkich kolejnych epok.
6. Dom. zadanie: rozdział 8, art. 84-91., zadanie art. 91.
WYKAZ WYKORZYSTANYCH ŹRÓDEŁ
1. Starożytna kultura. Słownik-podręcznik/pod ogólnym. wyd. V.N. Yarkho - M., 2002
2. Bystrova A. N. „Świat kultury, podstawy kulturoznawstwa”
Polikarpow V.S. Wykłady z kulturoznawstwa - M.: „Gardarika”, „Biuro Eksperckie”, 1997
3. Whipper B.R. Sztuka starożytnej Grecji. – M., 1972
4. Gnedich P.P. Historia świata Sztuka - M., 2000
5. Gribunina N.G. Historia światowej kultury artystycznej w 4 częściach. Część 1, 2. – Twer, 1993
6. Dmitrieva, Akimova. Starożytna sztuka. Eseje. – M., 1988