Lipcowy występ wszechświata wyrażający wiewiórki. Teatr na Malajach Bronnaya. Spektakl „Wiewiórka”. Lew Dodin przywrócił swoją legendarną sztukę „Bracia i siostry”

Nie da się tego inaczej powiedzieć...
Mam taki zły nawyk: kiedy oglądam jakiś „dwuznaczny i sprzeczny” film (rzadziej sztukę teatralną), to oglądam go do końca, bez względu na cenę. Robię to, bo do ostatniej chwili liczę na niespodziankę ze strony twórców tego „niejednoznacznego i sprzecznego” filmu (rzadziej dramatu). Napisy końcowe są już blisko, a ja nadal wierzę, że reżyser i aktorzy stworzą niesamowitą scenę, że cała ta „niejednoznaczność i niespójność” zniknie, a ja będę usatysfakcjonowany.
Moja naiwność rzadko była nagradzana...
Tak, prawie nigdy...

Spektakl (nie mylić ze spektaklem) od początku nosił wszelkie znamiona „niejednoznaczności i sprzeczności”. Nie bez „chwytliwych” zwrotów akcji i postaci (trzeba oddać hołd), a jednak. Jej istota sprowadzała się do tego, że przez cały czas trwania zabawy systematycznie zabijano ludzi, a całą winę za to zrzucano na zwierzęta...

Tym, co pomogło mi nie popaść w rozpacz w drodze do pokonania tej Historii, był oczywiście ZESPOŁ AKTORSKI... To któremu ufałem od pierwszej do ostatniej minuty spektaklu. Co by kogoś wyróżniło? Oczywiście mistrzowie ( „Liliana Borisovna” – Vera Babicheva i „Fevralev” – Władimir Jaworski) wyróżniał się trochę na tle młodzieży. Ale wyróżniali się na tyle harmonijnie, że raczej podciągnęli wszystkich do swojego nienagannego poziomu...

I choć spektakl nadal pozostawał „niejednoznaczny i sprzeczny”, Rytuał (ruchy sceniczne), przyciągając uwagę publiczności, naprawił sytuację. Choreografia, muzyka, piosenki, atrybuty, ruchy aktorów i ich interakcje pomogły…

Ale ogólnie rzecz biorąc, „historia” nigdy nie przestała być „dwuznaczna i sprzeczna”. I już pisałem w myślach wiersze mojej recenzji, która powinna zakończyć się słowami: „niestety jednym, nawet najbardziej nienagannym Rytuałem nie da się uratować całej Historii, jeśli zawarty w niej Mit pozostawia wiele do pożądany..."

Ale potem wydarzyło się coś, co... czasami, ale się zdarza... na przykład w piłce nożnej, kiedy drużyna, której kibicujesz, pokazując przez cały mecz grę o potencjale znacznie słabszym od przeciwnika, zdobywa bramkę w ostatniej minucie . A ten gol pozwala jej albo całkowicie zwyciężyć, albo przejść do kolejnego etapu rywalizacji…

Wybaczasz wszystko tej drużynie...

Coś podobnego wydarzyło się w „Wiewiórce”… Na scenie, która całą swoją atmosferą zwiastowała bliski finał, zgromadziło się sześć trupów (a właściwie ludzi, którzy zginęli bezpiecznie w trakcie przedstawienia). Co więcej, nie gromadzili się jak w Hamlecie, gdzie losowo rozrzucone ciała każdego z nich śpiewały tragedię, ale jakoś gromadzili się w sposób codzienny... Gromadzili się towarzysko... I raczej nie były to zwłoki, ale duchy...

I w takiej mise-en-scène „Liliana Borisovna” wypowiada zdanie, które w swoim wewnętrznym stanie mogłoby śmiało konkurować z refrenem Carlsona (ze sztuki Astrid Lingren): „Nic! To codzienność!…”

Mówi: „...co dokładnie... Zrobiliśmy właśnie „to i tamto” i „tamto”, co doprowadziło do „tego i tego” i „tamtego”… Belka (tak miał na imię główny bohater , on też umarł jako ostatni), chcesz czapkę z mlekiem szafranowym?..."

W jednej chwili cały ciężar „niejednoznaczności i niekonsekwencji” zamienił się w radosny HYMN DO MIŁOŚCI ŻYCIA…
Pozostałą chmurę „niezbyt przyjemnego snu” rozwiewał żywiołowy występ chóru dziecięcego „Waltzing Matylda”, do którego przywykłem słuchać w wykonaniu ochrypłego, brutalnego Toma Waitsa, w którym raczej dzielił się „marnością wszystkich rzeczy” …”

Ale „czasem jest to benzyna, a czasem dzieci…”

Kontrast i przełamujące wzory... a Śmierć została... nie, nie została pokonana...
Zawarto z nią „sojusz partnerski”. Pokazano jej granice jej praw i obowiązków, po czym nikt się jej nie bał...

Było fajnie!

Szczerze klaskałem w dłonie, gdy artyści kłaniali się. Zasługują na moje poświęcenie EMPATII... Brawo!!!

Wróciłem do domu prawie podskakując. W głowie kręciło mi się jak szalone...
„Walc Matylda, Walc Matylda, pójdziesz ze mną Walc Matylda…”

P.S. Narrator ma obowiązek pokonać śmierć (nawet gdy wszyscy zginęli)… i dać słuchaczowi Zmartwychwstanie…

Pomysł Lwa Dodina na ożywienie spektaklu jest artystycznie trafny i szlachetny. Przeżyliśmy dziesięciolecia cynizmu i jawnych kłamstw, ale to jeszcze nie koniec. Za nowe pokolenie, które pisze historię na nowo i zapomina o niej najlepsze stronyżycie nie jest łatwe. Powrót spektaklu to powrót do wysokich tradycji teatru rosyjskiego z jego obywatelskim duchem, który został dziś wyrzucony z teatru. I to zadanie spadło na aktorów nowego pokolenia.

Gazeta Niezawisimaja

Lew Dodin przywrócił swoją legendarną sztukę „Bracia i siostry”

Galina Kowalenko

Pod względem złożoności inscenizacji, pracy światła, dźwięku i scenografii niewiele może dorównać temu spektaklowi nawet sam Dodin. Jak sprawdza się tutaj wspaniała scenografia Eduarda Kochergina, jego drewniana platforma z zasłonami, domki dla ptaków na długich słupach, drewniane wirujące słupy otaczające scenę – żyją one własnym, odrębnym i znaczącym życiem. Jak zbudowane są przejścia rytmiczne. Cóż za bogactwo mise-en-scenes, gdzie życie codzienne i egzystencja przenikają się, życie Pekaszyna w los ludzi.

Nowe wiadomości

„Bracia i siostry, których tak bardzo kochaliśmy”

Olga Egoszyna

Obecna młodzież MDT również wykonywała ten rytuał – także kosiła, siała, chodziła na wycinkę, zapoznawała się z prototypami bohaterów Abramowa lub ich bliskimi. Jednym słowem przeżyliśmy wszystko, bez czego nie ma sensu wychodzić na scenę z tym materiałem. Ale jest też odwaga i twórczy zapał – inaczej nie da się osiągnąć tej niemożliwej wysokości. Istnieje głęboka, osobista potrzeba zrozumienia tego, co nasze historia ogólna i wyciągnąć niezbędne wnioski. I pomóc tym, którzy dopiero wkraczają w życie w dzisiejszej Rosji, w ich zrobieniu.

Obsada: Polina Agureeva.

1 godzina 10 minut

Spektakl został usunięty z repertuaru.

„Lipiec” to spektakl, który gościł na głównej festiwale teatralne Europa. Monolog starszego kanibala z ust kruchej Poliny Agureevy zamienia przerażający tekst w niemal magiczną akcję. Zdaniem krytyków jest to jeden z najpotężniejszych tekstów Wyrypajewa, posiadający mistyczne piękno i hipnotyzującą muzykalność.

Recenzje

„LIPIEC” Iwana Wyrypajewy, reżyseria Wiktor Ryżakow, teatr „Praktika” i „Ruch KISLOROD” Premiera – listopad 2006. Spektakl solowy. Wyznanie starszego maniaka-kanibala, granego przez niesamowitą, fantastyczną Polinę Agureevę. Ponieważ jest to spektakl jednoosobowy i nie ma scenerii, trudno mi wyznaczyć granicę…

Niezwykle niejednoznaczne wrażenie. Spróbuję to rozgryźć samodzielnie. Jeszcze nie wiem, co zostanie napisane. Specjalnie „spałem” z wrażeniem. A więc… Co mamy? I mamy trzy kolory: Czerń. Czerń ubrań Poliny Agureevy („głuchych”, całkowicie zakrywających, ukrywających kruche...

Spektakl będący wydarzeniem to taki, co do którego kłócą się nawet ci, którzy go nie widzieli. Niewiele jest teraz takich występów. Uważa się, że w zasadzie przyzwoitych występów jest niewiele – to też prawda, ale po części: w końcu produkcje mniej lub bardziej udane…

„Lipiec” mocno utkwił mi w głowie, chcę znaleźć jego znaczenie, ale jak dotąd nie udaje mi się. Od czasu obejrzenia pięć razy opowiadałem treść przyjaciołom i znajomym, zadając pytanie: „Jak myślisz, co autor chciał nam powiedzieć?” Niektórzy wzruszają ramionami ze zdziwieniem, inni...

Bohaterowie Iwana Wyrypajewa żyją i piszą do niego osobiście ze szpitala psychiatrycznego lub udają się do szpitala psychiatrycznego, zabijając wszystkich po drodze.
„Lipiec” jest potwornie, niewyobrażalnie złowieszczy. Ale... Tekst pochodzi z ust Poliny Agureevy tajemniczy uśmiech, tak że opisując morderstwa i rozczłonkowania, publiczność chichocze. Niektórym udaje się nawet zasnąć, pomimo rosnącego dźwięku i tempa czytania. Czyta z zachwytem. Światło i dym są dobre.

Dodam tylko, że bohater (zapewne ten, którego szuka Nowy Dramat) otrzymuje rękę i serce ukochanej kobiety w sensie dosłownym: po jej zabiciu wyjmie serce z piersi i znosić dłużej pędzlem, aby wydobyć go tak, jak chciał. Wcześniej wygrzewał się w ciepłych strumieniach krwi poćwiartowanego i zjedzonego bezdomnego mężczyzny i psa. Bardzo trudno tego wszystkiego słuchać, a tym bardziej zrozumieć, do jakiego celu dąży sam autor. Co chciał przez to powiedzieć?
Jutro będę się dobrze bawić w Mieście Myszy.

Tekst: Alexandra Gorelaya

Brusnikinici to prawdziwy rosyjski fenomen świat teatralny. Właściwie każdy, kto ukończył Moskiewską Szkołę Teatralną pod kierunkiem Dmitrija Brusnikina, może nazywać się tym imieniem: Aleksandra Ursulyak, Daria Moroz i Siergiej Łazariew. Jednak dziś Brusnikici to także modny nurt teatralny, „zespół, który może wszystko”. Zrealizowali ponad 10 przedstawień, wystawili spektakle i skomponowali spektakle uliczne. WATCH spotkał się ze swoim „ojcem” – Dmitrijem Brusnikinem, reżyserem, aktorem i scenarzystą o niezwykle ciepłym głosie, który swoich uczniów nazywa nie mniej niż kolegami i planuje nową rewolucję – teatr bez dyrektor artystyczny.

W jednym z wywiadów powiedziałeś kiedyś, że na przesłuchanie zaciągnął Cię Dmitrij Krawcow, a potem, odważnie, poszedłeś do szkół teatralnych i niespodziewanie zostałeś przyjęty, jednocześnie studiując w Instytucie Fizyki i Techniki. Czyli teatr nie był świadomym wyborem, ale zbiegiem okoliczności?

Najprawdopodobniej tak. W mojej rodzinie nie było tradycji ani środowiska. Tata był wojskowym i dużo podróżowaliśmy. Urodziłem się więc w Poczdamie, a szkołę ukończyłem w Klinie. Była wtedy moda na fizyków i wstąpiłem do Instytutu Technologii Elektronicznej. Zaczęłam chodzić do teatrów ze znajomymi starszego brata, znałam cały repertuar Taganki i przez przypadek zaraziłam się bakterią teatralną. Niemniej jednak w mojej głowie nie było pragnienia radykalnej zmiany swojego życia. Wejście do teatru i zostanie artystą wydawało się nieosiągalne! Dlatego był to raczej moment gry – „zaryzykujmy, zaśpiewajmy coś, zagrajmy”.

W czerwcu tego roku teatr Praktika porzucił jednolity kierunek artystyczny i ogłosił utworzenie rezydencji. A na bieżący rok Twój Warsztat został wybrany na mieszkańców. Jaki to format? A jakie masz wobec niego oczekiwania?

Mam tylko dobre oczekiwania. Od dawna współpracujemy z Iwanem Wyrypajewem i Jurijem Milutinem, obecnym dyrektorem Praktiki. Kierownictwo i administracja teatru nie przeszkadzają twórcze życie Warsztat i zajmowanie się wyłącznie kwestiami produkcyjnymi, kwestie organizacyjne. Przygotowujemy projekty i je realizujemy. Jeśli teatr widzi szansę ekonomiczną i wykonalność finansową, to współpracuje z nami, jeśli nie, pozostajemy w Pracowni i szukamy innych miejsc i formatów. Oprócz nas jest też na przykład Warsztat Olega Lwowicza Kudryaszowa. Będzie cudownie, jeśli „Praktyka” stanie się sceną dla takich formacji. Jest wielu kreatywnych i utalentowanych ludzi, ale bardzo mało jest miejsc, w których można realizować swoje twórcze eksperymenty. W rozległym mieście Moskwie są tylko dwa ośrodki teatralne: Centrum nazwane im. Meyerholda i Centrum Teatralne „Na Strastnom”. Moskiewskie teatry, z całym szacunkiem i chęcią pomocy Warsztatowi jako młodemu organizmowi, nie mogą tego zrobić – wpuszczanie ich na swoje sceny jest dla nich nieopłacalne ekonomicznie, a nas nie stać na opłacenie czynszu. Dlatego takie instytucje i formaty są bardzo potrzebne. To rewolucyjny przełom. Bo praktyka dyrektora artystycznego, który przejmuje kontrolę nad wszystkim i nikogo nie wypuszcza, odchodzi w przeszłość. Takie teatry właściwie już umarły.

Teatr nie stoi w miejscu, cały czas pojawia się coś eksperymentalnego. Jaki jest współczesny teatr? Jakie możliwości widzisz w tym jako reżyser?

Teatr jest inny. A jego możliwości są nieograniczone. Nie sposób w jednym słowie oddać jego istoty. To poważna i długa rozmowa z szczegółowe przykłady, analiza reżyserów i tendencji teatralnych, wraz z opisem nowa rola artysta. Jeśli wcześniej był to po prostu grafik, teraz artysta jest jednostką twórczą, która często przewyższa znaczenie reżysera. Jest filozofem teatru. To artyści pozwalają sobie na nowe formaty i nowe pomysły. Spójrzcie, jak ciekawie rozwija się teatr pod względem poszukiwania przestrzeni. Na przykład najnowszy magazyn Teatr jest w całości poświęcony tej tematyce. Reżyserzy odchodzą od tradycyjnych scen i przenoszą się do fabryk i parkingów. I nie ma to szokować opinii publicznej, tak właśnie szuka się języka i kontaktu współczesny świat.

Jakie są twoje twórcze plany na nowy sezon teatralny? Słyszałem, że w planach są spektakle według Wiktora Pelevina i Iwana Wyrypajewa.

Za niecały miesiąc rozpoczynamy próby do premiery w Praktice – to produkcja Czapajewa i Pustki według Wiktora Pelevina w reżyserii Maksyma Didenki. Maxim wystawia spektakl z Warsztatem, może nawet ja tam zagram. Poza tym Fundacja sztuka współczesna organizuje konkurs „Sztuka Roku”, za miesiąc w Komnatach Bojarskich przeczytamy trzy zwycięskie sztuki i nie wykluczam, że jedna z nich trafi później do repertuaru „Praktyki”. Kontynuujemy także eksperymenty na polu dramatu współczesnego i utrzymujemy kontakt ze wszystkimi festiwalami.

Każdy się czegoś boi: wysokości, śmierci, braku czasu na realizację swoich marzeń. Czego się boisz?

Wiesz, to nie jest pytanie na rozmowę kwalifikacyjną – temat strachu jest głęboki i poważny. Czym jest strach? Jak osadza się w społeczeństwie, na wsi, w duszy jednostki? Wydaje mi się, że we współczesnym świecie w ogóle, a zwłaszcza w naszym kraju, jest dużo strachu, który z każdym dniem staje się coraz większy. Wokół jest mnóstwo agresji i jest na nią odpowiedź agresywne zachowanie- po prostu strach. Pytasz czego się boję? Boję się wojny i mogę powiedzieć słowami charakteru Wołodina: „Gdyby tylko nie było wojny”. Dziś nagle te słowa stały się żywe, poważne i ważne. W okresie powojennym, w latach pięćdziesiątych, to sformułowanie wydawało się aktualne, a kiedy ludzie je wypowiadali, zdawali sobie sprawę, jak ważne jest i jaką treścią jest przepełnione. Potem nadeszła kolejna era: teraz ludzie rozumieją, że wojna jest zła, ale gdzieś w ich pamięci wydaje się, że nie dotyka ich to bezpośrednio. Ale teraz strach, strach przed wojną znów staje się naszą rzeczywistością, rozprzestrzenia się.

Nakręciłeś zarówno filmy fabularne, jak i seriale telewizyjne. Jak różne są te formaty w percepcji i działaniu? Niektórzy reżyserzy mówią, że kręcenie serialu to piekło...

Tak, oczywiście, to piekło, ale przyjmuję to ze spokojem. Chociaż w ostatnio Prawie nie robię zdjęć. Robiłam to, bo po pierwsze było to ciekawe, a po drugie kochałam i uwielbiam pracować z aktorami. Nie traktuję serialu jako sztuki drugorzędnej, ale nie twierdzę, że jest to arcydzieło. To tylko kilka treningów, których nie wstydzę się pokazywać publiczności. Przygotowanie do pracy z aktorem o wyjątkowej, osobistej naturze. Serial nie jest oczywiście filmem autorskim, ale rzemiosłem artystycznym. I tak, kręcenie tego to prawdziwe piekło, ale wszystko zależy od nastawienia, od tego, jak postrzegasz ten proces. Możesz po prostu splunąć i odejść, albo możesz poradzić sobie z tym piekłem.

Jakie zadania stawiasz jako nauczyciel przed „brusnikinitami”? A może pozwalasz aktorom samodzielnie decydować o swoich zadaniach?

Ważne jest, aby zrozumieć, że nie jestem sam. Jestem uczniem Olega Nikołajewicza Efremowa, Ałły Borysownej Pokrowskiej i Andrieja Wasiljewicza Myagkowa. Gdy tylko skończyliśmy naukę, moi nauczyciele zadzwonili do mnie i Romy Kozak, abym nauczała. Niemal od razu zostaliśmy asystentkami, a Marina Brusnikina jeszcze wcześniej – już w trakcie jej szkolenia. Efremow nauczył nas brać odpowiedzialność, pracować z tekstem, analizować i kochać teatr. A my jesteśmy jego następcami, stamtąd pochodzi Warsztat. Wielu naszych uczniów, których ukończyliśmy pod okiem Alli Borisovnej Pokrowskiej i Romy Kozak, jest obecnie głównymi aktorami Teatru. Puszkin. A pozostali nasi uczniowie, ten sam obecny Warsztat, dzięki któremu pojawiło się określenie „Brusnikinici”, to już nie tylko mistrzowie, ale mistrzowie-nauczyciele: Jura Kvyatkovsky, Lesha Rozin, Seryozha Shcherin. Tym samym Yura jako reżyser jest już elementem konceptualnym nowoczesny teatr. I to nie tylko mój uczeń, to mój kolega, w pełni ukształtowany autor. Dlaczego mówię o takiej ciągłości? Bo ważne jest stworzenie środowiska i możliwości zaistnienia autora. Mamy dużo różne eksperymenty i często jesteśmy wrzucani na zupełnie niezbadane teatralne ścieżki.

Teraz pełną parą trwa festiwalTerytorium. Jak ważna jest kultura festiwalowa dla współczesnego teatru?

To wspaniała historia, którą należy wspierać, ponieważ przede wszystkim możliwość oglądania i utrzymywania kontaktu jest niezwykle ważna. Jest to potrzebne nie tylko widzowi, ale także samej społeczności teatralnej. Niestety przez mój występ „Before and After” tym razem na Territorii nie udało mi się nic zobaczyć i jest mi z tego powodu bardzo smutno. Jestem jednak zadowolony z liczby pozytywnych recenzji, jakie zebrał nasz występ.

Kiedy wkraczasz na plan jako aktor, czy całkowicie stajesz się tym, kogo grasz, czy pozostajesz sobą? Jak przebiega proces transformacji?

Masz tak interesujące pytania, że ​​nie potrafię odpowiedzieć w kilku słowach. To poważny i głęboki temat. No cóż, jak mam ci to powiedzieć? Jestem aktorem teatru artystycznego i zwolennikiem systemu Stanisławskiego. Takie słowa przerażają wielu i niestety od dawna stały się kartą przetargową. Niemniej jednak jest to wspaniałe określenie, wystarczy je zrozumieć osobom zajmującym się aktorstwem, przypomnieć sobie, że system nie jest skończony, cały czas się rozwija i zmienia, tak jak zmienia się sam człowiek.

Gdybyś miał teraz okazję spotkać siebie z przeszłości, tego, który dopiero zaczynał swoją przygodę w teatrze i kinie, jakiej rady byś sobie udzielił?

Wiesz, dużo o tym teraz rozmawiamy, właśnie w kontekście sztuki, z którą wspólnie wydaliśmy fundacja charytatywna„Artysta” - „Przed i po”. Tam studenci drugiego roku, ci, którzy dopiero rozpoczęli karierę, spotkali się i przeprowadzili wywiady z ludźmi, którzy w niej żyli, a już odchodzą. To podopieczni fundacji – starsi aktorzy, artyści, reżyserzy, projektanci kostiumów. I toczy się między nimi dialog. Dlatego Twoje pytanie w tym zakresie jest bardzo interesujące. Dużo pamiętam o sobie w tym wieku, choć z trudnością. A w spektaklu jest wiele odpowiedzi, które dokładnie odpowiadają na Twoje pytanie, dlatego po prostu przyjdź do nas i obejrzyj, a dowiesz się wielu ciekawych rzeczy.

Życie się zmienia, my też. I dla każdego następuje ponowna ocena wartości w zależności od indywidualnej wizji perspektyw życiowych. Nie zawsze tak, jak o tym pisał Nietzsche. W przejściowych lub kryzysowych etapach życia ludzie szukają ratunku w sztuce. Dla niektórych wręcz przeciwnie, sama sztuka staje się punktem wyjścia do przewartościowania własnych reguł życia.

O tym, które spektakle pomogą Ci przejść przez trudne etapy życia i którzy bohaterowie teatru na swoim przykładzie wskażą Ci drogę do prawidłowego opanowania nowych ról życiowych - w mojej nowej kolekcji.

„Iluzje” (Moskiewski Teatr Artystyczny Czechowa), reżyser Wiktor Ryzhakov

Czy zastanawiałeś się kiedyś, że nasz świat nadal nie będzie idealny, niezależnie od tego, jak bardzo będziemy się o to starać? Kiedy przychodzisz na sztukę „Iluzje” w Moskiewskim Teatrze Artystycznym, masz wrażenie, że wszystkie Twoje myśli zostały przeniesione na scenę. Wydawałoby się, że idealny związek, o jakim marzymy przez całe życie. Nazywamy je science fiction i w głębi duszy mamy nadzieję, że i nam się poszczęści. I wtedy w ciągu jednej sekundy nasze sceniczne ideały zostają zniszczone przez prowokacje, intrygi i zdrady, w których widz staje się bezpośrednim uczestnikiem.

Na głównej scenie teatr dramatyczny kraj łączą dwa bloki – nowoczesny dramaturg i były dyrektor artystyczny Praktiki, mistrz teatru partycypacji Iwan Wyrypajew i dyrektor artystyczny CIM, wielokrotnie nagradzany innowacyjny reżyser, który zna publiczność lepiej niż oni sami, Wiktor Ryżakow. W spektaklu występują Dmitrij Brusnikin i Igor Zołotovitski, którzy na scenie pieczą prawdziwe jedzenie. biszkopt, którego migdałowo-czekoladowy aromat rozchodzi się aż po garderobę Małej Sceny.

„Iluzje” w Moskiewskim Teatrze Artystycznym to spektakl, który rozgrywa się nie na scenie, ale w sali w sercu każdego widza, który od pierwszych minut zakochuje się w bohaterach i wczuwa się w nich jak w rodzinę.

„Zwyczajna historia” (Gogol Center), reżyseria Kirill Serebrennikov

Ludzie przychodzą na „Zwyczajną historię” Goncharowa jako na dzieło programowe, które także wystawił Kirył Sieriebriennikow, w podniosłej ceremonialnej atmosferze, ale spektakl, który okazał się satyryczną zagadką, pozostawiają nieco zagubieni. Tutaj także jest miejsce na złudzenia, które są rozbite – może jak naczynia, a może na kawałki, przez co stajemy się bezduszni i wyciągamy wnioski.

Serebrennikow przeniósł działkę z XIX-wiecznego Petersburga do współczesnego moskiewskiego jacuzzi. Stolica to czarna dziura, która zniekształca każdego, kto w nią wpadnie. Tutaj głównym elementem scenerii są trzy „O” Gonczarowa, które w miarę rozwoju akcji przestajemy postrzegać jako litery, a dostrzegamy w nich zera.

Młodszy Aduev (Philip Avdeev) przyjedzie do swojego wujka Piotra (Aleksiej Agranowicz) jako młody i natchniony rockman z prowincji, a pod koniec występu w jego głowie nastąpi ponowna ocena wartości i zabije wszystko żyje w sobie w imię sukcesu i pieniędzy. Kryzys to dla niego wybór na rozdrożu możliwości: w którą stronę pójść, żeby się nie zatracić. Zaczyna myśleć o tym, czego tak naprawdę chce od życia i czego życie będzie od niego wymagać w zamian.

Dla Dzisiaj to jest naprawdę zwykła historia, a na dowód - nowa, modna dziś postawa Aleksandra Adueva: „Nikt nikomu nic nie jest winien”. Ale czy Aduevowie zawsze będą myśleć, że nowe fałszywe wartości są szczęściem, czy też karma i rozczarowanie dogonią bohaterów?

„Ukryte perspektywy” (współczesny) w reżyserii Evgenii Arie

Kolejny spektakl Sovremennika, w którym błyszczy Chulpan Khamatova, tym razem o tym, jak zmienia się życie spokojnego człowieka pokojowy, ale z powodu wojny. Sarah (Chulpan) jest fotoreporterką wojskową, która podczas wykonywania swojej pracy została wysadzona w powietrze przez minę. Jest po śpiączce, ma krótkie włosy po niedawnej chemioterapii. Sarah może zasnąć tylko dzięki garści tabletek nasennych i leków przeciwdepresyjnych, ale nawet one nie są w stanie uchronić jej przed wyrzutami sumienia. Pracując w gorących miejscach, na co dzień styka się ze śmiercią: znajduje się pod celem, słyszy jęki rannych i ciszę umarłych. Misją Sary nie jest im pomaganie, ale bycie obserwatorem, robienie zdjęć, przekazywanie prawdy innym. Czy to wyczyn: patrzeć, jak zabijane są dzieci, ale nie wtrącać się w tej chwili? Te myśli nie mogą niepokoić Sarah. A w głowie widza oglądającego sztukę Margulis „Czas się zatrzymał” pojawia się krótki film „Stokroć sekundy” – o dziennikarzach na wojnie, który w 2007 roku zwyciężył na Festiwalu Filmowym na Manhattanie.

„Katerina Izmailova” (Teatr Bolszoj), reżyser Rimas Tuminas

Dla wielu ponowna ocena wartości następuje natychmiast po wejściu na etap historyczny. Teatr Bolszoj, ale jeśli to przewartościowanie jest raczej istotne, to przewartościowanie wartości rodzinnych i osobistych nastąpi po obejrzeniu „Kateriny Izmailowej”.

Rimas Tuminas przetłumaczył „Lady Makbet” w tak niezwykły sposób Rejon Mtsensk„w pewien niemiecko-litewski sposób, co nie jest łatwe styl narracji Leskova zaczyna wyglądać świeżo i trafnie. Ta wielkoskalowa produkcja odniosła ogromny sukces wśród publiczności i krytyków i została nominowana do wielu nagród nagrody teatralne, że o „La La Land” nawet nie śniło się. Być może rosyjskiemu widzowi jest po prostu bliska ta grzeszna kobieta, która wybrała oślepiającą namiętność zamiast zasad niezawodnego Domostroja?

„Pasażer” (Nowa Opera), reżyser Siergiej Szirokow

Pasażer to opera wypowiedzi o Holokauście. Historia obóz koncentracyjny zobaczymy tu z dwóch przeciwstawnych stron: więźnia i nadzorcy. Widz doskonale rozumie tragedię więźnia. Jednak postawa nadzorcy, który nawet po wojnie nadal jest szczerze przekonany, że jej działania były słuszne, prowadzi widza w ślepy zaułek. Na początku nadzorcę dało się ponieść szybkiemu awansowi w szeregach morderców, a teraz próbuje wytłumaczyć, że zabiła sprawiedliwie.

Pełny efekt zanurzenia się w tragedii chorej psychologii powstaje dzięki nowoczesnym efektom wizualnym artystki Larisy Lomakiny, znanej szerszej publiczności z pracy nad spektaklami Konstantina Bogomołowa. Larisa dosłownie zabiera widza na chłodny pokład liniowca, następnie do ponurych, wilgotnych faszystowskich więzień, a następnie do wnętrza pomnika Yad Vashem.

Zasadnicze prace nad kostiumami wykonał Igor Chapurin. Można się tylko domyślać, jak moralnie trudne jest tworzenie kostiumów scenicznych dla więźniów obozów koncentracyjnych. Najważniejszym wydarzeniem nowego sezonu teatralnego będzie opera Mojżesza Weinberga, ucznia Szostakowicza, w inscenizacji reżysera telewizyjnego Siergieja Szirokowa.

„Sasza, wynieś śmieci” (TsIM), reżyser Wiktor Ryzhakov

3 nominacje dla „ Złota maska„i kolejna praca Wiktora Ryżakowa z współczesna dramaturgia. Sztuka ta została napisana przez ukraińską dramatopisarkę Natalię Worozżbit niedawno, w latach bratobójczej wojny, która odebrała żywicielowi rodziny głównych bohaterów. Jego żona i ciężarna córka zostały pozostawione zupełnie same. Ale w tym roku bez mężczyzny zmienią swoje spojrzenie na życie. Fale mobilizacji na Ukrainie nie słabną i wydaje się, że wzywani są nawet poległych żołnierzy. A co, jeśli wezwie się upadłego ojca i męża? Dla widza to mistycyzm, ale dla bohaterek to rzeczywistość. Czy są gotowi jeszcze raz przeżyć nerwy wojny i ponownie stawić czoła śmierci bliskiej osoby?

Małoformatowe przedstawienie zostało stworzone z elementami immersyjnymi, gdy widz jednocześnie czuje się na scenie, przy stromym klifie, a także w wąska szczelina oraz w kuchni ukraińskiej, gdzie serwowany jest świeżo przyrządzany barszcz. W „Iluzjach” (Moskiewski Teatr Artystyczny im. Czechowa) Swietłana Iwanowa-Siergijewa gra kobietę, która straciła męża i przez cały spektakl piecze ciasto. W „Saszy” w TsIM – kobieta, która straciła męża, witając publiczność barszczem. A te dwa są idealne różne obrazy jedna aktorka, z których każda każe myśleć o miłości, życiu, obowiązku, uczciwości i wieczności.

„Królicza Nora” (Teatr na Malajach Bronnej), reżyser Siergiej Golomazow

Choć w spektaklu bierze udział Nastazja Samburska, to jego tytuł nie nawiązuje do „króliczych nor” z późniejszych wersji gry Sims, ale jest wspomnieniem z książki Carrolla „Alicja w Krainie Czarów”.

Jak głęboka jest „Królicza Nora” na Malaya Bronnaya? W sztuce Davida Lindsay-Abaire'a rozgrywa się tragedia, której nie da się przeżyć: matka traci dziecko. Kryzys, który nadszedł w jej życiu, jest bolesny. Ale to nie oznacza ślepego zaułka. Przecież dramat psychologiczny Gołomazowa to spektakl, w którym wylewamy morze łez, aby w końcu doświadczyć oświecenia i zrozumieć, że możemy znaleźć siłę, by poradzić sobie z każdym smutkiem w życiu, nawet gdy danej osoby już nie ma wokół.

Główną rolę w przedstawieniu odgrywa Julia Peresild. Nie da to oczywiście widzowi jasnego planu, jak sobie poradzić z okropnościami losu, ale nauczy wolności w żałobie i powie, że każdy ma prawo wybrać, jak poradzić sobie ze swoimi osobistymi problemami. apokalipsa. Po wyjściu z sali człowiek zdaje sobie sprawę: jeśli cierpisz, nie sprawiaj, aby cierpieli inni wokół ciebie, mają swoje nieszczęścia, o których mogą milczeć.

Każde z tych przedstawień pomaga spojrzeć na świat z nowej perspektywy. Jak powiedział bohater grany przez Robina Williamsa w filmie „Stowarzyszenie Umarłych Poetów”: „Stałem na stole, żeby przypomnieć sobie, że mam patrzeć na rzeczy z perspektywy”. różne punkty wizja. Stąd świat wydaje się zupełnie inny. Jeśli mi nie wierzysz, spróbuj sam.”

Lisa Lerner– obserwator teatru, bloger, twórca autorskich wykładów na temat historii teatru w Rosji i za granicą.