Izgubljena freska Leonarda da Vincija. Skrivnostna Leonardova freska. ⇡ Nismo vandali

"Bitka pri Anghiariju"

To je tisto, kar Adolfo Venturi piše o tem izjemnem delu, ki ga je moral dokončati Leonardo za dvorano sveta palače Signoria:

»Leonardo se je zatekel k prikazovanju divjajočih elementov, da bi izrazil sovraštvo, ki je zajelo ljudi, pomešane v hud boj. Slika je grozen kup ljudi, ki se zlivajo skupaj kot pena valov; v središču je skupina konj, kot da bi jih vrgla strašna eksplozija. Ljudi in konje zagrabijo krči, zvijajo, prepletajo kakor kače, zmešajo, kakor v srditem boju elementov, v blaznem boju ...

Tej podobi orkana sledijo druge podobe - konji, ki galopirajo, se dvigajo, skačejo, grizejo brzdo, mlad bojevnik, ki hitro galopira na bojnem konju, kot bi hitel v beg, jezdec, izgubljen v oblaku prahu, ki ga dviguje vrtinec sunek vetra ... "

...Ampak poglejmo dejstva. Pogodba, podpisana 4. maja 1504 v navzočnosti Machiavellija, je predvidevala plačilo predujma Leonardu v višini 35 florinov, ki naj bi ga pozneje odšteli od honorarja. Mesečno je prejemal 15 zlatih florinov za tekoče stroške in se zavezal, da bo delo dokončal najpozneje do konca februarja 1505. Če do navedenega datuma vsaj začne risati sliko na steno, se lahko pogodba podaljša. In potem bo dobil nadomestilo za vse stroške.

Še nikoli prej Leonardo ni prejel tako donosnega naročila. 18. oktobra se je ponovno vpisal v korporacijo florentinskih slikarjev – dokaz njegove namere, da se ustali v Firencah! Machiavelli je zmagal.

Leonardo je zahteval prostor zase in za celotno ekipo. 24. oktobra je prejel ključe papeške dvorane samostana Santa Maria Novella in sosednjih prostorov. Poleg nove delavnice in več bivalnih prostorov je Leonardo dobil tudi prostorno sobo, v kateri je lahko mirno pripravljal kartone - nekakšno dodatno delavnico za zasebno uporabo.

Začelo se je dolgotrajno pripravljalno obdobje, ki ga dokazuje veliko število dokumentov, čeki, ki potrjujejo plačila na zahtevo zaposlenih in dobaviteljev, ter veliko število predrisb. Ko so bili kartoni dokončani, žal ni mogel začeti glavnega dela. Papeška dvorana je bila v izjemno slabem stanju, streha in okna so bila nujno potrebna za popravilo. Deževnica je tekla neposredno v prostor. 16. decembra se je Signoria odločila popraviti streho, da bi Leonardo lahko začel z delom. Vse to je trajalo zelo dolgo. Vendar tokrat zamuda ni nastala po Leonardovi krivdi. Šele 28. februarja so prejeli material, potreben za popravilo oken in vrat, pa tudi za izdelavo velikih premičnih odrov, s katerimi je bilo mogoče doseči katerikoli del zidu.

Oder je bil zgrajen seveda po risbah samega Leonarda. Brez njih je bilo nemogoče, glede na velikost načrtovane freske "Bitka pri Anghiariju". Prepleskati smo morali stensko površino 18,80 x 8 metrov.

Zidar, ki je izvajal popravljalna dela, je naredil prehod v zidu, ki je ločeval papeško dvorano od velike sosednje sobe, v kateri je Leonardo osebno živel. Zdaj se je lahko prosto premikal iz ene sobe v drugo.

Da bi pridobil potrebne informacije o bitki pri Anghiariju, se je Leonardo obrnil na Machiavellija, ki je posebej zanj sestavil celoten ep. Rezultat je fascinantna zgodba o izjemno krvavi bitki, sredi katere se je pojavil sam sveti Peter! Zgodovinska resnica zelo daleč od tega, kar je prišel Machiavelli. Pravzaprav je pri Anghiariju umrla le ena oseba, druga pa je padla s konja. Z eno besedo, dogodek je bil brez veličine. Sploh ni ustrezala idejam o vojni, ki jih je Leonardo nameraval izraziti na svoji freski. O tem pričajo njegove skice v zvezkih.

Leonardo je začel ustvarjati kartone, na katerih je upodabljal videz zveri, imenovane človek, ki jo je zagrabila njegova najbolj divja strast - iztrebljanje lastne vrste. Ta grozodejstva je pokazal z vso neusmiljenostjo. Toda človek se izraža v glavi konja, čigar pogled izraža vso grozo smrti. Poleg izbranega zornega kota teles, naloženih eno na drugega, se osredotoča na značilne detajle, ki dajejo večjo svobodo in dinamiko njegovim likom. Spretno zgrajena kompozicija naredi veličasten vtis. Navdušuje, šokira, osupne. Kaj pa Leonardovi sodobniki? Ali so lahko v vsem tem razbrali strašno vojno obtožbo, ki jim je bila izrečena? Kaj je to na koncu pomembno ... Glavno je, da je drzna Leonardova stvaritev prinesla uspeh svojemu ustvarjalcu. Vedno je imel okus po tveganju – tako v svojih delih kot v življenju. Virtuozni slikarski mojster interpretira bitko z neverjetno lahkoto, a hkrati s podivjano strastjo.

Njegovi številni kartoni, potrebni za nastanek tako kompleksne kompozicije, predstavljajo razne skupine ljudje in konji pomešani skupaj. V sredini sta dva jezdeca, ki napadata dva nasprotnika; njuna zvita telesa sta bila neločljivo prepletena. Spodaj ležijo pohabljena telesa drugih ljudi. Padli so že, mrtvi so. Krčevite grimase teh golih teles naredijo šokanten vtis. Leonardo je imel navado, da je svoje junake najprej upodabljal povsem gole in jih šele na koncu dela oblekel v primerna oblačila, saj je verjel, da le tako doseže največjo verodostojnost. Na drugem kartonu je reka, na mostu čez katero poteka druga bitka. Pri upodabljanju skupine jezdecev je Leonardo v celoti pokazal svojo veščino slikarja živali, pridobljeno v Milanu: konji, ki jih je naslikal, se dvigajo, galopirajo, ležijo na tleh, grizejo in se borijo kot ljudje. Leta dela na "Velikem konju" so obrodila sadove in slikarju omogočila izjemno natančnost in realističnost slike. Ljudje in konji s svojimi iznakaženimi potezami izražajo vso divjost sveta. Podoba je kruta, a hkrati vzvišena.

Tako kot v primeru »sv. Ane« v cerkvi Marijinega oznanjenja so ti kartoni vzbudili veliko zanimanje. Tokrat so Leonardu ponudili, da postavi kartone na ogled javnosti in tako odpre vrata papeške dvorane vsem, ki si želijo ogledati njegovo »bitko pri Anghiariju«. In spet so Firentinci, prijatelji, tekmeci dosegli roko ... Zahvaljujoč dejstvu, da so umetniki videli to slavno "bitko", imamo nekaj pojma o tem. Raphael, Andrea del Sarto, Sodoma (psevdonim umetnika Giovannija Bazzija), Lorenzo di Credi - vsi so reproducirali, kar so videli. Celo Rubens je veliko kasneje naredil kopijo osrednje skupine. Kdo ni kopiral »Bitke pri Anghiariju«, preden je izginila in postala žrtev Vasarijevega ljubosumja!

Tudi nezaupljivi in ​​občutljivi Michelangelo je na skrivaj kopiral nekatere fragmente ... Kasneje jih je pogosto uporabljal v svojih kompozicijah s konji, ki so se vstali in galopirali.

Čeprav Leonardo prejme malo naročil, ga pozna ves svet in vsak ima o njem svoje mnenje. Res je slaven, čeprav mu slava ne koristi. A v tistem trenutku bolj kot široko priznanje potrebuje denar. To pomeni, da je treba delo končati čim prej, in to je bil za Leonarda vedno problem ... Glavna težava pri slikanju fresk je bila zanj potreba po delu »brez prepisovanja« in v tako velikem prostoru. !

Preden je sliko s kartona prenesel na steno, jo je Leonardo prekril z novo plastjo ometa, da je postala popolnoma ravna in gladka. Odločil se je za “revolucionarno” slikarsko tehniko, ki jo je predhodno preizkusil na delu stene in na panojih. Rezultat ga je zadovoljil. Opustil je fresko tehniko slikanja, od nanašanja barv na še neposušen omet. Namesto tega se je odločil uporabiti tehniko enkavstike, ki jo je zagovarjal Plinij starejši. Leonardo ni našel nič novega! Ta tehnika je podobna nanašanju tempere na suh omet. Leonardo ni pozabil žalostne usode, ki je doletela njegovo "zadnjo večerjo" v Milanu. Ne namerava več tvegati. Želi, da to, kar je napisal na ta zid, ostane za vedno. Vendar pa pri ustvarjanju tako obsežnega in kljubovalnega drzno delo Ali ne bi bilo bolje poseči po tehniki "obarvanja"? Sam Botticelli, ki je predvideval žalostno usodo Leonardovega novega dela, ga je poskušal prepričati, naj uporabi več preprosta tehnika, a je ostal neomajen. Z neverjetno zagnanostjo, ki je značilna za velike izumitelje, se loti dela.

Pripravljalna dela so uspešno napredovala do tistega usodnega dne, ki ga je Leonardo imenoval dan katastrofe in katerega datum je natančno navedel v svojih beležnicah: »V petek, 6. junija, ko je v zvoniku zazvonilo trinajst, sem začel slikanje dvorane v palači. Toda ravno ko sem hotel nanesti prvo potezo s čopičem, se je vreme nenadoma pokvarilo in alarm je zazvonil, naj se vsi vrnejo na svoje domove. Karton se je strgal, prej prineseni vrč z vodo se je razbil, voda pa se je razlila in namočila karton. Vreme je bilo strašno, lilo je kot iz vedra in naliv je trajal do večera; bilo je temno, kakor bi se že znočilo. Karton se je odlepil ...« Leonardo ga je moral vrniti na svoje mesto, potem ko mu je najprej povrnil prvotno obliko. Vztrajno je nadaljeval z delom, sproti eksperimentiral z barvami, sestavljal nove mešanice, izbiral nove vrste olja in voska ter sestavljal nove vrste ometov. Ker so ga prvi rezultati strašno razočarali, je moral, odvrgel misel na usodo, poskusiti nekaj drugega. Ni se hotel umakniti, nasprotno, strastno je želel doseči uspeh, premagati vse ovire ...

Takole pravi Vasari o tem: »Leonardo je opustil tehniko tempere in se obrnil na olje, ki ga je očistil z destilacijsko napravo. Prav zato, ker se je zatekel k tej slikarski tehniki, so skoraj vse njegove freske odpadle s stene, vključno z »bitko pri Lngiariju« in »zadnjo večerjo«. Zrušila sta se, razlog za to pa je bil mavec, ki ga je uporabil. In pri tem ni prav nič varčeval z materialom, saj je porabil šeststo funtov mavca in devetdeset litrov kolofonije ter enajst litrov lanenega olja ...« Danes lahko z gotovostjo trdimo, da je šlo prav za priporočila, prebrana iz Plinija starejšega, ki so povzročila uničenje obeh slavnih Leonardovih stvaritev.

Anghiari je majhno slikovito mesto v Toskani, ki leži na pobočju strmega hriba. V daljavi se vidi mesto Sansepolcro – rojstni kraj velikega genija Pietra della Francesca. Med naseljema je široka ravnina, dolina mlade Tibere, v bližini pa se začne pot znamenite reke. Prav v tej dolini med obema mestoma je 29. junija 1440 potekala bitka pri Anghiariju. Postal je del langobardskih vojn med Italijansko ligo in Milanom.

V prvi polovici 15. stoletja se vojne v severni Italiji niso ustavile. Milano je okrepil svojo moč; poskušal je osvojiti majhna neodvisna mesta v Lombardiji in Toskani. Nasprotovale so mu močne Benetke in Firence. Za vojskovanja so mesta najemala kondotjerje – vojskovodje s svojo vojsko. Dobili so ogromne plače.

V 15. stoletju vojne v severni Italiji skoraj nikoli niso prenehale.

Leta 1440 se je Milano po vrsti spopadov znašel v izjemno neprijetnem položaju: čete vojvode Viscontija so utrpele več občutljivih porazov. Sloviti condottier Niccolo Piccini, ki se je boril na strani Milana, je dobil ukaz, da zapusti Toskano na sever - v Lombardijo. V tem trenutku slavni bojevnik izve, da se vojska lige nahaja zelo blizu - blizu Anghiarija. Niccolo je imel številčno premoč in faktor presenečenja, zato se je odločil poskusiti srečo in napasti. Poleg tega se mu je v Borgo Sansepolcro pridružilo še 2 tisoč meščanov v upanju, da bodo poželi sadove prihodnje zmage.

Vojaki lige so bili popolnoma nepripravljeni na boj. Pričakovali so, da se bo sovražnik umaknil, in upali, da bodo zmagali v vojni za Toskano, ne da bi zamahnili z mečem. Vojski je poveljeval drugi kondotier, Micheletto Attendolo. Pod njegovim poveljstvom je bilo 300 beneških konjenikov, 4000 florentinskih pešcev in prav toliko papeških vojakov. Po nekem čudežu je Micheletto v daljavi opazil oblake prahu, ugotovil, da gre za sovražnika, in zelo hitro uspel postrojiti svoje borce.

Micheletto Attendolo je imel veliko srečo - opazil je pristop sovražnika

Zaradi tega so se vojaki spopadli prav na mostu čez Tibero. Podroben opis bitka je zapustila Machiavellija, čeprav je to storil nekaj desetletij pozneje: »Micheletto je hrabro zdržal nalet prvih sovražnih čet in jih celo potisnil nazaj, toda Piccini, ki se je približal z izbranimi četami, je Micheletta napadel tako divje, da je zavzel most in vrgel nazaj do samega vzpona do mesta Anghiari." Po tem so Firentinci in papeški vojaki "težko" udarili Piccinijeve čete z obeh bokov in jih potisnili za most. »Ta boj je trajal dve uri in most je nenehno menjaval lastnika,« piše Machiavelli.

Toda enakovreden boj je bil le za most. Na vseh drugih mestih so Milančani spodleteli. Dejstvo je, da jih je takoj, ko so prestopili na sovražnikovo stran, pričakala številna vojska, ki je zaradi svoje ugodne lege na ravnici vedno znova postavljala nove borce. Zelo priročno je bilo menjati položaje. Ko so Firentinci prečkali most, Niccolo ni mogel takoj poslati pomoči zaradi velikega števila jarkov in lukenj na cesti. Sovražnik jih je vnaprej zapustil.

Zaradi bitke je umrl le en jezdec, ki je po nesreči padel s konja

»In tako se je zgodilo, da so jih Niccolovi vojaki vsakič, ko so prečkali most, takoj pregnale sveže sovražne sile. Končno so Firentinci trdno zavzeli most in njihove čete so lahko prestopile na široko cesto. Hitrost njihovega napada in neprimernost terena Niccolu nista dala časa, da bi podprl svoje s svežimi okrepitvami, zato so se tisti, ki so bili spredaj, pomešali s tistimi, ki so prihajali zadaj, nastala je zmeda in vsa vojska je bila prisiljena v beg, in vsi niso več mislili na nič drugega kot na odrešitev, brez razmišljanja je planil proti Borgu ...« situacijo opisuje Machiavelli.

Florentinski vojaki so ujeli na tisoče ljudi, zasegli vozove, prapore, konje in orožje. V Machiavellijevem opisu se zdi bitka veličastna; fantazija prikazuje na desetine jezdecev, ki so več ur umirali na mostu. Toda izid bitke je bil nekoliko drugačen. Žrtev je bila le ena - vitez je neuspešno padel s konja in si zlomil hrbtenico. Nihče drug ni umrl. To je mogoče pojasniti z dejstvom, da so bojevniki v tistem času nosili zelo močan oklep in je bilo zelo težko raniti drug drugega.

Hkrati pa za Milan ta poraz ni bil pomemben. Izgube v orožju in konjih je bilo mogoče zlahka obnoviti, ujetnike pa odkupiti. Medtem, če bi Firence izgubile, bi verjetno izgubile nadzor nad Toskano. Viktorijino veselje je bilo tako, da je 60 let kasneje florentinski gonfalonijer Soderini naročil fresko Leonarda da Vincija na temo bitke pri Anghiariju. Mojster je poslikal eno od sten v Dvorani petstotih v Palazzo Vecchio. Nasproti njega je deloval še en genij - Michelangelo.

Freska je dolgo časa veljala za izgubljeno. Namesto tega naj bi Vasari pustil svojo sliko. Po drugi strani pa so znanstveniki opozorili na majhen napis na Vasarijevem platnu "naj iskalec najde." Za njegovo fresko so odkrili votlino. Nekateri znanstveniki menijo, da je bila tam ohranjena Leonardova mojstrovina. Toda popolne študije še niso bile izvedene.

Zanos otožnega pasivnega odrekanja, ki prežema slike Botticellija in Perugino, Borgognone in Francia, z nadaljnji razvoj Italijanska renesansa se je začela umikati optimizmu veselja in mladosti. Umetnik, ki je premagal dekadentna razpoloženja tistega časa, začel novo obdobje italijanskega humanizma in po obdobju žalosti in odrekanja človeku vrnil pravico do vedrine in čutnega uživanja življenja, je bil Leonardo da Vinci. .

Leonardo je začel svojo dejavnost v sedemdesetih letih 15. stoletja. Odhod iz delavnice Verrocchio, je bil kot samostojni mojster sprejet v firenški ceh umetnikov. Po Vasariju jo je izumil v Firencah posebna vrsta mandolina, katere oblika in zvok sta resnično ugajala slavnemu firenškemu vojvodi Lorenzo Veličastni, kar naj bi ga spodbudilo, da ga je iz svojega imena Lorenzo prenesel na milanskega vojvodo Ludovica Moro iz dinastije Sforza. Toda v pismu, ki se je ohranilo do danes in ga je Leonardo lastnoročno napisal vojvodi Ludoviku, vendarle govorimo več o storitvah, ki jih lahko zagotovi kot vojaški inženir. Okoli leta 1484 se je Leonardo iz Firenc preselil v Milano. Tam je živel do leta 1499.

»Najboljša stvar, ki jo lahko naredi nadarjena oseba,« je nekoč zapisal Leonardo, »je, da drugim posreduje sadove svojega talenta.« Tako je na njegovo pobudo vojvoda ustanovil Akademijo Leonarda da Vincija. Predaval je v Milanu in verjetno je, da mnogi njegovi ohranjeni rokopisi niso bili nič drugega kot zapiski predavanj.

Hkrati je deloval na vseh področjih umetnosti: skrbel je za utrjevanje milanske trdnjave, zgradil paviljon in kopališče za vojvodinjo v dvorčnem parku. Leonardo da Vinci je kot kipar delal na spomeniku za Francesca, velikega ustanovitelja dinastije Sforza, ki se je poročil s hčerko zadnjega predstavnika prejšnje. vladajoča družina Milano - Visconti. Hkrati je naslikal portrete vseh vojvodovih ljubic. Ko je končal delo slikarja lepih grešnic, je Leonardo odšel v dominikansko cerkev Santa Maria delle Grazie, kjer je naslikal Zadnjo večerjo, dokončano leta 1497.

V tem obdobju so se v Milanu začeli spori, ki so pripeljali do dejstva, da je vojvodstvo pripadlo Francozom. Leonardo je zapustil mesto. Zanj se je začel čas nemirnega potepanja. Najprej je preživel nekaj časa v Mantovi z Isabello D'Este. Spomladi leta 1500 je odšel v Benetke kot vojaški inženir že takrat povezan s Cezarjem, ko se je ponovno naselil v Firencah (1502 - 1506), potem ko je ponovno obiskal Milano, pa tudi Rim in Parmo, je leta 1515 sprejel ponudbo francoskega kralja Franca I., da se preseli v Francijo, z letna plača 700 talerjev (15 tisoč rubljev). Njegovo prebivališče je bilo dodeljeno mestu Amboise, najljubši rezidenci mladega kralja, ki ga je spremljal in živel z njim v vili Cloux , ob palači, čisto na koncu mesta.

Melzi je svoje sorodnike v Firencah obvestil o njegovi smrti: »Vsi skupaj z mano žalujejo za smrtjo tako velikega človeka, da narava ni imela moči ustvariti drugega, kot je on.«

Kakšen pomen je imel za svet kot umetnik? Da bi odgovorili na to vprašanje, je treba pogledati slike Leonarda da Vincija eno za drugo in poskušati razumeti, kaj so vsebovale novega v smislu občutkov, oblik in barv.

Mladostne slike Leonarda da Vincija

Izhodišče naj bo slika Verrocchia, ki se nahaja v firenški akademiji in prikazuje Kristusov krst. Vasari poroča, da Leonardova slika prikazuje klečečega angela na desni, ki drži Odrešenikova oblačila. Če je temu tako, potem je Leonardo že na začetku našel tisto osnovno noto, ki odmeva skozi celotno njegovo delo, saj že iz te figure angela veje svojevrsten vonj lepote in miline, značilen za vse njegove podobe. Ko preidemo na naslednje slike Leonarda da Vincija, na Oznanjenje, Vstajenje in svetega Hieronima, je treba biti pozoren na nekatere njihove formalne značilnosti.

Kristusov krst. Slika Verrocchia, ki so jo naslikali on in njegovi učenci. Desni od obeh angelov je delo Leonarda da Vincija. 1472-1475

Na sliki, ki prikazuje Marijino oznanjenje, je Marijino plašč vržen tako naravno, da tvori široke gube.

Slika Leonarda da Vincija "Oznanjenje", 1472-1475

Na sliki z upodobitvijo Vstajenja Leonarda da Vincija sta oba mlada svetnika, ki v sanjavi ekstazi gledata na Vstalega, postavljena tako, da linija njunih hrbtov tvori skupaj s Kristusovim likom pravokotni trikotnik. In sveti Hieronim stoji na kolenih in premika roke, tako da celotno silhueto figure ne odlikujejo ravne, temveč valovite črte.

Leonardov portret Ginevre de Benci pa je brez melanholije, ki izvira iz Botticellijevih dekliških glav. V tem bledem obrazu je tako eksotičen čar in tako edinstveno izstopa na temnem ozadju bambusovega nasada!

Leonardo da Vinci. Portret Ginevre de Benci, 1474-1478

Za temi mladostnimi deli, povezanimi z zgodnja mladost umetnik, sledijo slike, ki jih je Leonardo da Vinci ustvaril v Milanu. Ambrosianin portret ljubice milanskega vojvode Cecilie Gallerani (Dama s hermelinom) se s subtilno prefinjenostjo vrača k profilu, ki je bil priljubljen v Pisanellovih dneh, medtem ko so medli, zamegljeni pogled in nežno ukrivljene ustnice polne skrivnostnega, čutnega šarma.

Dama s hermelinom (portret Cecilije Gallerani?). Slika Leonarda da Vincija, 1483-1490

Slika Leonarda da Vincija "Zadnja večerja"

Zadnjo večerjo so pred Leonardom razlagali na dva načina. Umetnik je upodobil bodisi, kako se Kristus približa učencem in jim poda hostijo bodisi kako sedijo za mizo. V obeh primerih ni bilo enotnosti delovanja.

V navalu briljantnega navdiha je Leonardo za lajtmotiv izbral Kristusove besede: "Eden od vas me bo izdal" - in s tem takoj dosegel to enotnost. Zdaj je bilo treba pokazati, kako so Odrešenikove besede vplivale na srečanje dvanajstih učencev. Njihovi obrazi odsevajo na sliki Zadnja večerja vse odtenke občutkov: jezo, gnus, tesnobo, prepričanje čiste vesti, strah, radovednost, ogorčenje. In ne samo obrazi. Celotno telo odseva to mentalno gibanje. Eden je vstal, drugi se jezen nagne nazaj, tretji dvigne roko, kot bi hotel priseči, četrti si jo položi na prsi in zagotavlja, da to ni on ...

Leonardo da Vinci. Zadnja večerja, 1498

Leonardo da Vinci nima samo novega koncepta teme, ampak tudi novo postavitev. Tudi pri zadnji večerji v Sant'Onofriu je skupina v gotskem duhu razpadla na ločene dele. Pokončne sedeče figure ustrezajo ravnim pilastrom, ki se dvigajo proti ozadju. V Leonardovi Zadnji večerji dejavnik, ki določa kompozicijo, ni več kot, temveč krog. Nad oknom, pred katerim sedi Kristus, se dviga obok, pri razporeditvi glav pa se je umetnik izognil prejšnji enoličnosti. Leonardo da Vinci je figure združil v tri, pri čemer je nekatere prisilil, da se dvignejo, druge upognejo, dal vsemu obliko valovite črte: kot da iz Kristusa izvira morski jašek z naraščajočimi in padajočimi valovi.

Tudi vse druge teme zadnje večerje so izbrane temu primerno s tega vidika. Medtem v "Zadnji večerji" Ghirlandaio na mizi so vitki, visoki fiasketi, na Leonardovi sliki so samo okrogli predmeti - proti dnu se širijo, vrči, krožniki, sklede in kruh. Okroglo je nadomestilo ravno, mehko oglato. Tudi barve stremijo k mehkobi. Fresko slikarstvo zasnovan predvsem za dekorativni učinek. Enostavne pisane gmote ločujejo močne črte. Leonardo da Vinci je bil prevelik slikar, da bi se zadovoljil s preprosto barvo, ki je zapolnila le črte. Na steno je slikal z oljem, da bi postopoma razvil celotno sliko in dosegel subtilnejše prehode. To je imelo slabo stran, da so barve Zadnje večerje zgodaj zbledele. Kljub temu nam stare gravure še vedno omogočajo ugibati, s kako tanko, sivo svetlobo je bil prostor nasičen in kako mehko so posamezne figure izstopale v zraku.

Slika Leonarda da Vincija "Madona na skalah"

Leonardove koloristične namere so še jasneje prikazane na sliki "Madona na skalah". Tu se vse tankočutnosti njegove umetnosti zlijejo v polno zveneč akord. Ta slika se navezuje na ostale Madone tega obdobja na enak način, kot se portret Ginevre de Benci navezuje na Botticellijevo frankfurtsko glavo deklice. To z drugimi besedami pomeni: za Perugina, Botticellija in Bellinija je bil odločilnega pomena evangelij trpljenja, krščanska odpoved svetu, ne glede na to, kako različne so bile njihove Madone med seboj. Prevzeta od žalostne in otožne pobožnosti, obsojena, da ovene kot neodprt popek, Madonna gleda v daljavo z velikimi očmi. Brez veselja, brez sonca, brez upanja! Blede so trepetajoče ustnice, okoli njih igra utrujen in žalosten nasmeh. V očeh otroka Kristusa je tudi kanček skrivnosti. To ni veder, smejoči se otrok, ampak Odrešenik sveta, ki ga zgrabi mračna slutnja.

Leonardo da Vinci. Madona na skalah, 1480-1490

"Madona na skalah" Leonarda da Vincija je tuja kakršni koli cerkvenosti. Madonnine oči niso zatemnjene niti od žalosti niti od otožne napovedi. Ali je sploh Mati Božja? Je najada, ali silf, ali nora Lorelei? V neskončno bolj izpopolnjeni obliki Leonardo na tej sliki oživi glave, znane iz Verrocchiovega »Krsta«, iz Uffizijevega »Oznanjenja«: mlada ženska, ki se sklanja k svojemu otroku z občutkom neizrekljive blaženosti, angel, ki je podoben najstnici, ki z mehko čutnim pogledom gleda iz slike, in dva otroka, ki niti nista otroka, ampak amorette ali keruba.

Slika Leonarda da Vincija "Sveta Ana z Madono in detetom Kristusom"

Ko se je Leonardo pozneje spet naselil v Firencah (1502 - 1506), mu je Francesco del Gioconde naročil, naj naslika portret Mone Lise, prelepe Neapeljčanke, s katero se je tretjič poročil. Filipino Lippi mu je predal izvršitev naročila, ki so mu ga dali serviti iz Santa Annunziate, da naslika podobo svete Ane, svet pa ga je povabil, da skupaj z Michelangelom sodeluje pri okrasitvi Palazzo Vecchio. IN velika dvorana Signoria, ki je zdaj okrašena z Vasarijevimi freskami, je Michelangelo upodobil prizor Pisancev, ki so presenetili florentinske vojake, ki so se kopali v valovih Arna, medtem ko je Leonardo da Vinci reproduciral bitko, ki se je zgodila leta 1449 med Firenčani in Milančani pri Anghiariju, razdaljo med mestoma Arezzo - Borgo San Sepolcro.

Sveta Ana z Madono in detetom Kristusom je predstavljala rešitev – čeprav v drugačnem duhu – podobnih problemov, kot si jih je zastavljal Leonardo v Madoni iz jame. Predhodniki so to temo reproducirali na dva načina. Nekateri umetniki, kot je Hans Fries, Sr. Holbein in Girolamo dai Libri sta sveto Ano posadila k Madoni in mednju postavila dojenčka Kristusa. Drugi, tako kot Cornelis na svoji sliki v Berlinu, so sveto Ano upodabljali v dobesednem pomenu besede »samotretja«, to je upodabljali so jo, kako drži na kolenih majhno figurico Madone, v katere naročju sedi, v turn, še manjša figurica Deteta Kristusa.

Sveta Ana z Madono in detetom Kristusom. Slika Leonarda da Vincija, c. 1510

Iz formalnih razlogov se je Leonardo odločil za ta stari motiv. A tako kot se je v »Zadnji večerji« oddaljil od evangelijskih besed, da je »Janez ležal na Odrešenikovih prsih«, zaradi česar so ga njegovi predhodniki upodabljali skoraj miniaturnega, se ni držal v tem primeru nemogoča razmerja figur. Madono, upodobljeno kot odrasla ženska, položi v naročje svete Ane in jo prisili, da se skloni k Detetu Kristusu, ki namerava sesti na jagnje. To mu je dalo priložnost ustvariti popolno kompozicijo. Celotna skupina te slike Leonarda da Vincija daje vtis, kot da jo je kipar izklesal iz marmornega bloka.

Za razliko od svojih predhodnikov Leonardo pri kompoziciji slike ni posvečal pozornosti starosti. znakov. Za vse dosedanje umetnike je sveta Ana - v skladu z besedilom evangelija - prijazna babica, ki se s svojo vnukinjo pogosto precej familijarno igra. Leonardo ni maral starosti. Ne upa si upodabljati izsušenega telesa, posejanega z gubami in gubami. Ima sveto Ano - očarljivo lepo žensko. Spominjam se Horacijeve ode: "Oh, lepša hči kot lepa mati."

Vrste slike "Madona v jami" so na tej sliki Leonarda da Vincija postale bolj skrivnostne, bolj podobne sfingam. Leonardo je v osvetlitev vnesel nekaj drugačnega. V Madoni iz špilje je uporabil dolomitsko pokrajino, da bi iz nežnega mraka zableščali bledi obrazi in blede roke. Tu figure izstopajo bolj zračno in mehkeje na ozadju drhtečega svetlega zraka. Prevladujejo nežno lomljeni, rožnati in modrikasti toni. Nad očarljivo pokrajino oko v daljavi ujame zamegljene gore, ki kot oblaki štrlijo v nebo.

Slika Leonarda da Vincija "Bitka pri Anghiariju"

O tem, kakšne pisane težave si je Leonardo postavil v "bitki pri Anghiariju", je seveda mogoče le domnevati. Slika, kot veste, ni bila dokončana. Edino predstavo o njem daje skica, ki jo je stoletje pozneje naredil Rubens na kartonu, nato pa jo je ohranil in vgraviral Edelink. Leonardo je v svoji knjigi o slikarstvu podrobno pisal o lomu svetlobe skozi dim, prah in motne nevihtne oblake. Rubensova kopija seveda ne daje skoraj nobene predstave o teh svetlobnih učinkih. Razen če dobimo kakšno predstavo o kompoziciji slike. Ponovno dokazuje, s kakšno samozavestjo je Leonardo vse malenkosti podredil enemu zgoščenemu ritmu. Ljudje in konji se borijo. Vse se je zapletlo v divji klobčič. In kljub temu v divjem vrvežu vlada neverjetna harmonija. Celotna slika ima obris polkroga, katerega vrh tvorijo križajoče se sprednje noge vzrejenih konj.

Leonardo da Vinci. Bitka pri Anghiariju, 1503-1505 (podrobnost)

Leonardo da Vinci "Čaščenje magov"

Natanko v istem razmerju, v katerem je ta Leonardova bojna slika do prejšnjih del Uccello in Piero della Franceschi, Oboževanje magov stoji ob podobnih slikah Gentileja da Fabriana in Gozzolija. Ti umetniki so kompoziciji dali obliko friza. Marija sedi na enem koncu slike, z nasprotne strani pa se ji približujejo kralji magi s svojim spremstvom.

Leonardo da Vinci. Čaščenje magov, 1481-1482

Leonardo preoblikuje to kompozicijo v duhu nizkoreliefnih profilov v skupino, ki jo združuje enotnost. V središču slike je Marija, ki ni upodobljena od strani, ampak od spredaj. Njena glava tvori vrh piramide, katere boki tvorijo sklonjene hrbte magov, ki častijo otroka. Preostale figure mehčajo to zamrznjeno simetrijo z duhovito, valovito igro medsebojno komplementarnih in nasprotujočih si linij. Enako novost kot skladbo, prežeto z enotnostjo, odlikuje tudi dramatično življenje, prežeto z enotnostjo, ki diha ves oder. Za več zgodnje slike, razen častečih se magov, je bila upodobljena le brezbrižna »prisotnost«. Pri Leonardu je vse polno gibanja. Vsi liki v njegovem »Čaščenju magov« sodelujejo pri dogodku, pritiskajo naprej, sprašujejo, se čudijo, iztegujejo glave, dvigujejo roke.

Slika Leonarda da Vincija "Mona Lisa" (La Gioconda)

"Mona Lisa" dopolnjuje vse težnje Leonarda da Vincija na področju portretiranja. Kot veste, se je italijanski portretist razvil iz medalje. To pojasnjuje ostre profile ženskih portretov umetnikov, kot so Pisanello, Domenico Veneziano in Piero della Francesca. Konture so plastično izrezljane. Portrete je morala odlikovati trdota in kovinska kakovost lepih medalj. V Botticellijevi dobi togo začrtane glave poživi pridih zasanjane premišljenosti. Ampak to je bila elegična milina. Čeprav so ženske oblečene v lepe moderne obleke, iz njihovih glav veje nekaj meniškega, sramežljivo plašnega. Suhe, blede obraze osvetljuje cerkveno razpoloženje, mistična lepota srednjega veka.

Leonardo da Vinci. Mona Lisa (La Gioconda), c. 1503-1505

Že Leonardo je portretu Ginevre de Benci dal demonski čar, v "Dami s hermelinom" pa je zapel hvalnico zapeljivi milosti. V Mona Lisi zdaj ustvarja delo, ki vabi in vznemirja duha, kot večna skrivnost. Ne gre za to, da s široko kretnjo prisili roke, da se naslonijo na pas in s tem temu delu da obliko piramide, in ne za to, da mesto togo začrtanih kontur prevzame mehka polsvetloba, ki zakrije vse prehode. Tisto, kar gledalca še posebej očara na tej sliki Leonarda da Vincija, je demonski čar Giocondinega nasmeha. Na stotine pesnikov in pisateljev je pisalo o tej ženi, ki se vam zdi, da se vam zapeljivo nasmehne ali pa hladno in brezdušno gleda v daljavo; vendar nihče ni uganil Giocondinega nasmeha, nihče ni razlagal njenih misli. Vse je skrivnostno, tudi pokrajina, vse je potopljeno v gromko atmosfero dušeče čutnosti.

Slika Leonarda da Vincija "Janez Krstnik"

Verjetno je v zadnjih letih bivanja Leonarda da Vincija v Milanu nastal tudi »Janez Krstnik«, ki ga hranijo v Louvru. Koliko novosti brez primere je čutiti na tej sliki, še posebej, če se spomnite prejšnjih podob tega svetnika. V celotnem 15. stol. Janeza Krstnika so upodabljali kot divjega puščavnika, ki se je oblačil v kamelje kože in jedel kobilice. Potem je fanatik, kot Rogier van der Weyden in v Cossa, tedaj krotek kontemplativen, kot Memling. A vedno je ostal puščavnik. Kaj dela Leonardo da Vinci?

Leonardo da Vinci. Janez Krstnik, 1513-1516

Na skrivnostno temnem ozadju jame izstopa iskrivo telo mladega boga z bledim obrazom in skoraj ženstvenimi oprsji... Res je, desna roka drži ga kot Gospodov predhodnik (praecursor domini), a na glavi ima venec iz vinske trte, v drugi roki pa počiva tirs. Iz evangeličanskega puščavnika Janeza Krstnika, ki je jedel kobilice, je Leonardo naredil Bakha-Dioniza, mladega Apolona; z skrivnosten nasmeh na ustnicah, postavlja svoje mehke noge eno na drugo, Janez Krstnik nas gleda z vznemirljivim pogledom.

Značilnosti Leonardovega umetniškega sloga

Risbe Leonarda da Vincija dopolnjujejo njegove slike. Kot risar tudi nima nič s primitivci. Slednje so bile omejene na ostre, ostre črte, ki so vse orisovale kot okras. Leonardo nima linij, samo oblike. Komaj opazni, komaj zaznavni prehodi. Vsebina njegovih risb je zelo raznolika. Predvsem je vse življenje študiral draperijo. Treba je stremeti k starodavni preprostosti, svetuje umetnikom. Tekoče črte naj na slikah nadomestijo prelomljene. Težko je namreč opisati čar teh linearnih melodij Leonarda da Vincija, teh gub, padajočih, trkajočih, ki se plaho sklanjajo nazaj in spet tiho žuborijo dalje.

Leonarda so zanimale tudi pričeske. Ghirlandaio je bil že v svojih portretih dober pri risanju las mladih deklet, ki so se v bližini templjev skodrali v tanke kačaste krivulje. Za Leonarda da Vincija so bili ženski lasje neizčrpen vir navdiha. Neumorno je risal, kako se v mehkih linijah zvijajo okrog njegovega čela ali plapolajo in se zibljejo. Pozoren je bil tudi na roke. Na to področje so že prej vstopili Verrocchio, Crivelli in Botticelli. Kretnjam rok so dali graciozno eleganco in narisali prste, ki so se upognili kot drevesne veje. Toda šele na slikah Leonarda da Vincija roka, prej koščena in trda, dobi toplo, čutno vibrirajoče življenje. Enako je z znanjem specialista, ki na tem področju ni imel tekmeca, poveličeval čar bujnih, lepo oblikovanih ustnic in čar nežnih ramen.

Pomen Leonarda da Vincija v zgodovini italijanske umetnosti

Če povzamemo, lahko določimo pomen slik Leonarda da Vincija v zgodovini italijanske umetnosti na naslednji način.

Na področju kompozicije Leonardo kotno linijo nadomesti z valovnico. Z drugimi besedami, na slikah njegovih italijanskih predhodnikov so vse figure dolge in vitke. Če je na eni sliki povezanih več figur, se ta razcepi na pravokotne trakove, kot da nevidni pilastri ločujejo figure. Roke visijo vzdolž telesa ali se dvignejo pravokotno navzgor. Drevesa v ozadju nimajo okroglih vrhov, ampak se dvigajo kot obeliski. Tudi drugi ostri, tanki predmeti, ki se dvigajo naravnost navzgor ali padajo pravokotno navzdol, bi morali povečati vtis navpičnosti, tako da tvorijo ostro prave kote s predmeti, ki ležijo na tleh, pri reprodukciji katerih se vse vrste valovite črte.

Nasprotno, slike Leonarda da Vincija so zasnovane v valovitih linijah. Nič več kotov. Vidite samo kroge, segmente in ukrivljene črte. Telesa dobijo zaobljene oblike. Stojijo ali sedijo tako, da tvorijo valovite linije. Leonardo uporablja izključno okrogle predmete, posode, mehke blazine in ukrivljene vrče. Tudi dejstvo, da za portrete izbira skoraj izključno pozo v celoten obraz, je razloženo z istimi premisleki. Na portretih v profilu, ki segajo v 15. stol. dal prednost, je šlo za ostro štrleče oglate linije, medtem ko polni obraz bolj poudarja mehko, zaobljeno obliko glave.

Leonardo je tudi na področju barv zamenjal trdo z mehkim. Umetniki zgodnjega Quattrocenta, omamljeni z iskrico in sijajem sveta, so reproducirali vse predmete s svetlimi, pestrimi barvami. Za senčila jim ni bilo mar. Z njimi se vse blešči in blešči. Posamezne barve so postavljene ena poleg druge kot mozaik, razmejen z ostrim črtnim vzorcem. To je zanos kontemplacije lepe barve je ob koncu stoletja zamenjala želja po harmoniji. Vse mora biti podrejeno celostnemu razponu tonov. Že Verrocchio, Perugino in Bellini je na tem področju naredil veliko pomembnih odkritij, vendar je šele Leonardo rešil problem, s katerim so se srečevali umetniki. Barvam je dal čar, za katerega njegovi predhodniki niso niti slutili, da je mogoč. Iz njegovih slik so pregnane vse ostre, pestre barve, nikoli se ne zateka k zlatu, konture so zglajene, trda risba se umika mehki, prozorni, vznemirjeni.

Tako je Leonardo postal utemeljitelj "slikovnega" sloga.

Prišla je doba "chiaroscura".

Leonardo da Vinci ni bil le tvorec novega nauka o kompoziciji in novega pogleda na barvo; kar je veliko bolj pomembno, navdihnil je umetnost dobe nova duša. Da bi to občutili, se je treba spomniti konca 15. stoletja, časa, ko je menih Savonarola znova obudil duha srednjega veka. Leonardo je umetnost osvobodil pesimizma, mračnosti, asketizma, ki je nato vdrl vanjo, in ji vrnil vedrost, svetlo razpoloženje antičnega sveta. Nikoli ni upodabljal odrekanja in muke. Nemogoče si je predstavljati Leonarda da Vincija kot ustvarjalca slik, ki prikazujejo križanje ali zadnjo sodbo, pokol betlehemskih dojenčkov ali tiste, ki so bili obsojeni na vice, ali mučene mučenike, s sekirami zapičenimi v glave in z bodali ob nogah. .

Na slikah Leonarda da Vincija ni mesta za križ in bič, ni mesta za nebesa, pekel, kri, žrtve, greh ali kesanje. Lepota in blaženost – vse, kar ima, je s tega sveta. Botticelli je upodobil Venero kot nuno, kot žalostno kristjanko, kot da se pripravlja na odhod v samostan, da bi trpela za grehe sveta. Nasprotno, krščanske figure na Leonardovih slikah so popolnoma prežete z antičnim duhom. Marija se spremeni v boginjo ljubezni, ribiči in cestninarji Nove zaveze - v grške filozofe, puščavnik Janez - v Bakhusa, okrašenega s tirsom.

Otrok svobodne ljubezni, lep kot bog, poveličeval je samo lepoto, samo ljubezen.

Pravijo, da se je Leonardo da Vinci rad sprehajal po tržnici, kupoval ujete ptice in jih izpuščal na prostost.

Tako je osvobodil ljudi iz kletke, kamor jih je zaklenila meniška teorija, in jim znova pokazal pot iz tesnega samostana v širno kraljestvo zemeljske, čutne radosti.

Zgodovina ustvarjanja

Fresko je Leonardo da Vinci naročil Gonfalonierju Soderiniju v praznovanje obnove Firentinske republike po izgnanstvu Piera de' Medicija.

Hkrati z Leonardom je Soderini Michelangelu naročil poslikavo nasprotne stene dvorane.

Za bojni prizor Da Vinci je izbral bitko, ki je potekala 29. junija 1440 med firenškimi in milanskimi četami pod poveljstvom condottiereja Niccolòja Piccinina. Kljub številčni premoči je Milance premagal majhen florentinski odred.

Po umetnikovem načrtu naj bi freska postala njegovo največje delo. Po velikosti (6,6 x 17,4 metra) je bil trikrat večji od Zadnje večerje. Leonardo se je skrbno pripravljal na ustvarjanje slike, preučil opis bitke in orisal svoj načrt v sporočilu, ki ga je predstavil Senorii. Za delo na kartonu, ki je potekalo v papeški dvorani v cerkvi Santa Maria Novella, je Leonardo zasnoval posebne odre, ki so se zlagali in razpirali ter dvigovali in spuščali umetnika na zahtevano višino. Osrednji del freske je zavzemal eden ključnih trenutkov bitke - boj skupine jezdecev za prapor.

Po Vasariju pripravljalna risba je bil prepoznan kot stvar:

izjemen in izveden z veliko spretnostjo zaradi najbolj neverjetnih opažanj, ki jih je uporabil pri upodobitvi tega smetišča, kajti v tej upodobitvi ljudje kažejo enak bes, sovraštvo in maščevalnost kot konji, od katerih sta dva prepletena s sprednjimi nogami in borijo se z zobmi z nič manj srdito kot njihovi konjeniki, ki se borijo za zastavo ...

Skica za "bitko pri Anghiariju"

Po volji Señorie sta dva velika mojstra tistega časa delala na dekoriranju dvorane. To je bil edinkrat, ko sta se Leonardo in Michelangelo srečala pri istem projektu. Vsi so se bliskali močna točka tvoj talent. Za razliko od da Vincija je Michelangelo izbral bolj "prizemljeno" zgodbo. Njegova slika »Bitka pri Cascini« naj bi prikazovala florentinske bojevnike v trenutku, ko jih med kopanjem nenadoma napade sovražnik. Obe karti sta bili javnosti predstavljeni več mesecev. Pozneje je Benvenuto Cellini, ki je kartone videl, ko so bili še nedotaknjeni, dela Leonarda in Michelangela imenoval »šola za ves svet«.
Po mnenju mnogih raziskovalcev, kljub dejstvu, da delo na okrasitvi Palazzo Vecchio ni bilo nikoli izvedeno (Michelangelo sploh ni začel slikati), sta dva genija naredila revolucijo v razvoju. Zahodnoevropsko slikarstvo, kar je pripeljalo do razvoja novih stilov - klasicizma in baroka. Ena od prvih kopij (skica s črnilom) iz originalnega da Vincijevega kartona pripada Raphaelu in se hrani v Oxfordu, v Univerzitetni galeriji. V Uffiziju je nedokončana kopija, ki verjetno pripada amaterskemu umetniku. Po Milanesiju bi ga lahko uporabil Lorenzo Zacchia da Luca, ko je leta 1558 ustvaril gravuro z napisom: »ex tabella propria Leonard! Vincii manu picta opus sumptum a Laurentio Zaccia Lucensi ob eodemque nunc excussum, 1558." Domneva se, da je Rubens okrog leta 1605 naredil svojo risbo po Zaccijevi gravuri.

Leonardo je nadaljeval poskuse s sestavki barv in primerji, ki jih je začel pri ustvarjanju Zadnje večerje. Obstajajo različne domneve o vzrokih za uničenje freske, ki se je začelo že med delom. Po Vasariju je Leonardo pisal na steno oljne barve, slika pa se je med procesom dela začela vlažiti. Anonimni da Vincijev biograf pravi, da je uporabil Plinijev recept za mešanico (enkavstično slikanje z voskom), vendar si ga je napačno razlagal. Isti anonimni avtor trdi, da je bila stena neenakomerno posušena: zgoraj je bila vlažna, spodaj pa suha pod vplivom žerjavnic. Leonardo se je obrnil na voščene barve, vendar so nekateri pigmenti kmalu preprosto izhlapeli. Leonardo, ki je poskušal izboljšati situacijo, je še naprej delal z oljnimi barvami. Paolo Giovio pravi, da omet ni sprejel sestave na osnovi orehovega olja. Delo na sami freski je zaradi tehničnih težav potekalo počasi. Pojavile so se težave materialne narave: Svet je zahteval, da bodisi končano delo ali vrniti plačani denar. Da Vincijevo delo je prekinilo njegovo povabilo v Milano leta 1506 s strani francoskega guvernerja Charlesa d'Amboisea. Freska je ostala nedokončana.

leta 1572 se je družina Medici odločila za rekonstrukcijo dvorane. Vasari in njegovi pomočniki so izvedli prestrukturiranje. Posledično je bilo Leonardovo delo izgubljeno - njegovo mesto je zavzela Vasarijeva freska "Bitka pri Marcianu".

Poiščite fresko

Leta 1975 je italijanski umetnostni kritik Maurizio Seracini predlagal, da Leonardova freska ni v tako slabem stanju, kot so domnevali prej. Dokaz je videl v gravuri, narejeni po njegovi domnevi ne iz kartona, ampak iz same freske in datirani iz leta 1553. Vse podrobnosti slike so jasno vidne na gravuri, zato je bila "Bitka pri Anghiariju" petdeset let po nastanku v odličnem stanju. Seracini je bil prepričan, da Vasari, ki je občudoval "bitko pri Anghiariju", ne bi nikoli uničil Leonardovega dela, ampak ga je skril pod svojo fresko. Seracini je opozoril na podobo majhne zelene zastavice s skrivnostnim napisom: " Cerca trova” (“Iskalec najde”) in menil, da je to Vasarijev namig, da je za steno Leonardova freska. Akustične študije so pokazale prisotnost majhne (1 - 3 cm) zračne reže za steno z "bitko pri Marcianu". Seracini je predlagal, da bi za Vasarijevo fresko zgradili nov zid, ki bi skrival "bitko pri Anghiariju".
Leta 2002 so firenške oblasti Seraciniju prepovedale iskanje, saj so se bale, da bi bila Vasarijeva freska poškodovana. Avgusta 2006 je bilo dovoljeno nadaljevanje raziskav. Za financiranje projekta Anghiari je bil ustanovljen poseben sklad. Za namene testiranja je bilo odločeno zgraditi pomanjšan model dveh sten, ki se nahajata na kratki razdalji drug od drugega. Za izdelavo kopije so morali strokovnjaki glavnega italijanskega rekonstrukcijskega inštituta Opificio delle Pietre Dure uporabiti materiale, uporabljene pri gradnji vzhodne stene Salona petstotih, za katerim se je, kot je predvideval Seracini, skrivala Leonardova freska. Stene naj bi bile poslikane z barvami, ki sta jih uporabljala že Leonardo in Vasari.

Opombe

Literatura

• Vasari D. Življenja najslavnejših slikarjev, kiparjev in arhitektov, Academia, vol.II, str. 108 - 109.
• Zubov V.P. Leonardo da Vinci, -M. - L.: Akademija znanosti ZSSR, 1962

Povezave

slika Leonarda da Vincija - Bitka pri Anghiariju

"Bitka pri Anghiariju" (italijansko: Battaglia di Anghiari, včasih prevedena tudi kot "Bitka pri Anghiariju") je izgubljena freska Leonarda da Vincija. Umetnik je na njem delal v letih 1503 - 1506. Freska je bila namenjena okrasitvi ene od sten dvorane Velikega sveta (Salon petstotih) Gospodove palače v Firencah. Kopije kartona za to fresko so ohranjene. Ena najboljših risb - Rubens - je v zbirki Louvre.

Fresko je Leonardo da Vinci naročil Gonfalonierju Soderiniju v praznovanje obnove Firentinske republike po izgonu Piera de' Medicija.

Hkrati z Leonardom je Soderini Michelangelu naročil poslikavo nasprotne stene dvorane.

Za prizor bitke je da Vinci izbral bitko, ki se je zgodila 29. junija 1440 med florentinsko in milansko četo pod poveljstvom kondotjerja Niccolòja Piccinina. Kljub številčni premoči je Milance premagal majhen florentinski odred.

Po umetnikovem načrtu naj bi freska postala njegovo največje delo. Po velikosti (6,6 x 17,4 metra) je bil trikrat večji od zadnje večerje. Leonardo se je skrbno pripravljal na ustvarjanje slike, preučil opis bitke in orisal svoj načrt v sporočilu, ki ga je predstavil Senorii. Za delo na kartonu, ki je potekalo v Papeški dvorani v cerkvi Santa Maria Novella, je Leonardo zasnoval posebne odre, ki so se zlagali in razpirali ter dvigovali in spuščali umetnika na zahtevano višino. Osrednji del freske je zavzemal eden ključnih trenutkov bitke - boj skupine jezdecev za prapor.

Po Vasariju je bila pripravljalna risba prepoznana kot stvar:

izjemen in izveden z veliko spretnostjo zaradi najbolj neverjetnih opažanj, ki jih je uporabil pri upodobitvi tega smetišča, kajti v tej upodobitvi ljudje kažejo enak bes, sovraštvo in maščevalnost kot konji, od katerih sta dva prepletena s sprednjimi nogami in borijo se z zobmi z nič manj srdito kot njihovi konjeniki, ki se borijo za zastavo ...

Leonardo je nadaljeval poskuse, ki jih je začel pri ustvarjanju Zadnje večerje, s sestavki barv in temeljnimi premazi. Obstajajo različne domneve o vzrokih za uničenje freske, ki se je začelo že med delom. Po Vasariju je Leonardo slikal na steno z oljnimi barvami, slika pa se je med procesom dela začela vlažiti. Anonimni da Vincijev biograf pravi, da je uporabil Plinijev recept za mešanico (enkavstično slikanje z voskom), vendar si ga je napačno razlagal. Isti anonimni avtor trdi, da je bila stena neenakomerno posušena: zgoraj je bila vlažna, spodaj pa suha pod vplivom žerjavnic. Leonardo se je obrnil na voščene barve, vendar so nekateri pigmenti kmalu preprosto izhlapeli. Leonardo, ki je poskušal popraviti situacijo, je nadaljeval delo z oljnimi barvami. Paolo Giovio pravi, da omet ni sprejel sestave na osnovi orehovega olja. Delo na sami freski je zaradi tehničnih težav potekalo počasi. Pojavile so se težave materialne narave: svet je zahteval bodisi zagotovitev opravljenega dela bodisi vračilo plačanega denarja. Da Vincijevo delo je prekinilo njegovo povabilo v Milano leta 1506 s strani francoskega guvernerja Charlesa d'Amboisea. Freska je ostala nedokončana.

V letih 1555 - 1572 se je družina Medici odločila obnoviti dvorano. Vasari in njegovi pomočniki so izvedli prestrukturiranje. Posledično je bilo Leonardovo delo izgubljeno - njegovo mesto je zavzela Vasarijeva freska "Bitka pri Marcianu".