Excelente artista francés-El impresionista Claude Monet ( Moneda Oscar-Claude), (1840-1926) le encantaba pintar flores. Pintó flores a lo largo de su vida, en diferentes periodos creatividad. Más a menudo flores de jardín y silvestres, con menos frecuencia flores cortadas en jarrones.
Las flores eran su pasión. Monet dijo que sobre todo en la vida adora dos cosas: la pintura y la jardinería. Por eso, experimentó el mayor placer cuando representó flores en sus cuadros.
Siempre pintaba incluso a los miembros de su familia rodeados de flores, enfatizando así su sincero amor por ellos.
“Quizás gracias a las flores me convertí en artista”, dijo Claude Monet sobre sí mismo.
uno de primeros trabajos Claude Monet "Mujeres en el jardín", 1866-1867, Museo de Orsay, París.
Las figuras de mujeres están representadas en este lienzo de forma muy estilizada. El artista pone todo el énfasis en el juego de luces y sombras, en el follaje de árboles y flores. Monet sigue buscando su propio estilo; aún faltan cinco años para la fecha oficial del nacimiento del impresionismo.
El modelo para las tres mujeres fue Camille Doncier, de 19 años, futura esposa de Claude Monet.
El lienzo es muy grande, sus dimensiones son 2,05 por 2,55 m.
El artista pretendía exponer este cuadro en el Salón de París de 1967, pero el jurado lo rechazó.
Al final de la vida de Claude Monet, cuando ya era un maestro reconocido y renombrado, el gobierno francés compró al artista el cuadro “Mujeres en el jardín” en 1921 por 200 mil francos.
Saint Andresse
| "Terraza de Sainte-Andresse", ca. 1867, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Esta pintura representa a la familia del artista, que vivía en la pequeña ciudad portuaria de Saint-Andresse, cerca de Le Havre, en la costa de Normandía. El padre de Monet y su tía Madame Lecadre están sentados en sillones. La pariente lejana de Monet, Jeanne-Margarita, está junto a la barandilla con un joven. Se puede decir que hay una escena familiar de fondo. marina. ¡Pero mira cómo están dibujadas las flores en el primer plano de la imagen! Con qué éxito Monet transmitió la textura de los colores y el juego de luces y sombras. |
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| "Jardín en flor en Sainte-Andresse", c. 1866, Museo de Orsay, París. | |
| "Adolphe Monet leyendo en el jardín de Le Coteaux en Saint-Andresse", c. 1866 |  |
| "La dama del jardín", 1867, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo. La pintura representa a Jeanne-Marguerite Lecadre, pariente lejana de Claude Monet, en el jardín de Sainte-Andresse. |
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Argenteuil, 1872 - 1977
Claude Monet siempre quiso tener su propio jardín, donde poder trabajar tranquilamente al aire libre.
A finales de 1871, Claude Monet y su familia se instalaron en Argenteuil. Entonces era un pequeño pueblo turístico cerca de París, a 12 km del centro de la ciudad, ubicado en las pintorescas orillas del Sena. Argenteuil ahora es parte de Gran París. En Argenteuil, Monet tuvo su propia casa y su primer jardín. Me parece que fue en Argenteuil donde fueron creados. mejores pinturas Claudio Monet. Este fue el período más brillante de su trabajo. Las pinturas de Monet son generalmente luminosas, pero es en Argenteuil donde sus lienzos simplemente brillan de alegría. Aparentemente estos fueron los más años felices su vida. Casi todos los cuadros pintados en Argenteuil representan a Camille, la amada primera esposa de Claude Monet.
En aquellos años, Argenteuil era el lugar de vacaciones favorito de los parisinos; allí se celebraban regularmente regatas de vela. Conducido a Argenteuil ferrocarril, llegar desde París fue rápido y sencillo. No sólo Monet, sino también otros artistas impresionistas, Manet, Renoir, Sisley y Caillebotte, pintaron sus paisajes en Argenteuil.
| El amigo del artista, Renoir, lo captó trabajando en Argenteuil, y gracias a ello podemos ver cómo era el jardín de Claude Monet y cómo pintaba al aire libre. Pierre Auguste Renoir "Pintura de Monet en su jardín de Argenteuil", 1873 |
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| Y Edouard Manet pintó un retrato familiar del artista con el telón de fondo de un jardín floreciente. Edouard Manet "La familia de Monet en su jardín de Argenteuil", 1874, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. La pintura muestra a Claude Monet cuidando flores, su esposa Camille y su hijo Jean. Jardín, flores y gallinas. Dentro de 10 años, Claude Monet tendrá todo esto en Giverny. |
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| Pierre Auguste Renoir "Madame Monet y su hijo", 1974. Galería Nacional, Washington. Camille Monet y su hijo Jean. Esta pintura se conservó en la colección de Claude Monet en Giverny. hijo menor el artista Michel Monet lo vendió en 1952, durante un período de total devastación en Giverny. Después de varias reventas por voluntad del último propietario en 1970, este cuadro entró en la Galería Nacional de Washington. |
| "La Casa del Artista en Argenteuil", 1873. Instituto de Arte, Chicago. |  |
| "El jardín de Monet en Argenteuil", 1873 |  |
| "Casas en Argenteuil", 1873, Antigua Galería Nacional, Berlín. En verano, Argenteuil estaba literalmente sepultada entre flores. |
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| "Flores a la orilla del río en Argenteuil", 1877, Museo de Arte Pola, Hakone, Japón. El Sena en Argenteuil es muy pintoresco, en este lugar forma un hermoso recodo. Claude Monet quedó fascinado por el río y la naturaleza de Argenteuil y trabajó aquí con entusiasmo al aire libre. |
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| "Camille Monet en un banco del jardín." 1873 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Como siempre, un jardín, y como siempre, flores. |
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| "Jean Monet en bicicleta a caballo". 1872 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Incluso al pintar el retrato de su hijo, Claude Monet no se olvidó de las flores. Prefería plasmar en sus lienzos todos los acontecimientos importantes de su vida sobre un fondo de flores. |
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| "En el prado", 1876 El lienzo muestra a la esposa del artista, Camille Monet, leyendo un libro en un prado, rodeada de flores. |
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| "Manzanos en flor", 1873. ¡Asombroso! |
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| "La familia del artista en el jardín", 1875 |  |
| "En el jardín", 1875 Esta pintura aparentemente representa el mismo rincón del jardín que la anterior, sólo unos meses después, en otoño. |
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| "Mujer con paraguas" ("Caminando: Camille Monet con su hijo Jean"), 1875, Galería Nacional de Arte, Washington. | |
| "Camille Monet con su hijo", 1875, Museo bellas artes, Boston, Estados Unidos. |  |
| "El rincón del jardín de Montgeron", aprox. 1876, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo. Montgeron es una pequeña ciudad en las afueras de París, situada a 18,5 km al sureste del centro de la ciudad. Ahora es uno de los suburbios del sureste de París. |
 "Mujer con sombrilla en un jardín de Argenteuil", 1875. |
 "Paseo, Argenteuil", 1875. |
 "Paseo por Argenteuil", 1875, Museo Marmottan-Monet, París. |
 "Jardín", 1872. |
 "Camille Monet en el jardín", 1873. |
 "Camille Monet en la ventana. Argenteuil", 1873. |
 "Orilla del Sena cerca del puente de Argenteuil", 1874. |
 "Camille y Jean Monet en el jardín de Argenteuil", 1873. |
 "Camille Monet en el jardín de su casa en Argenteuil", 1876, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. |
"Gladiolos" DE ACUERDO. 1876. Instituto de Artes, Detroit, Estados Unidos. |
 "Niñas en el jardín", 1875, Galería Nacional de Praga. |
 "Camilla con un paraguas verde", 1876. |
 "Puerta del jardín de Vétheuil", 1876. |
 "Jardín", 1876. |
 "Jardín, Malvas", 1877. |
Muy serie interesante"Lila". Comparar:
campos de amapola
Uno de los más pintura famosa El "Campo de amapolas" de Claude Monet (1873, Museo de Orsay, París) fue pintado en Argenteuil, no lejos de la casa del artista. La pintura representa a la esposa de Monet, Camille, y su hijo Jean. Presumiblemente, su esposa y su hijo también sirvieron de modelos para las figuras de la dama con el niño al fondo.
Mire con qué expresividad el artista pintó amapolas escarlatas y ranúnculos amarillos. Camille y Jean están literalmente enterrados en amapolas, formando completa armonía con la naturaleza del sol. dia de verano.
Monet eligió un muy buen ángulo para su pintura: las amapolas escarlatas se encuentran en la parte inferior izquierda de la imagen, en diagonal por donde caminan Camille y Jean. Se siente como si las amapolas se extendieran más allá del lienzo.
Los campos de amapolas fascinaron a Monet. Recurrió a ellos varias veces en su trabajo. Le atrajo el contraste entre las amapolas rojas y la hierba verde.
"Verano. Campo de amapolas", 1875, colección particular.
"Campo de amapolas cerca de Vetheuil" 1879.
"Campo de amapolas en una hondonada cerca de Giverny", 1885. Museo de Bellas Artes de Boston.
"Campo de amapolas", hacia 1890. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo.
"Campo de avena con amapolas", 1890. Museo arte contemporáneo, Estrasburgo.
"Campo de amapolas en Giverny". 1890-1891 Instituto de Arte, Chicago.
"Campo de amapolas rojas cerca de Giverny", 1895. Museo de Bellas Artes de Virginia, Richmond, Estados Unidos.
Campos de tulipanes
Claude Monet visitó Holanda varias veces. Y, por supuesto, no podía permanecer indiferente ante los tulipanes. Creó una serie de pinturas que representan las principales atracciones de Holanda: campos de tulipanes y molinos de viento.
"Tulip Fields en Sassenheim, cerca de Leiden", 1886, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, EE. UU.
"Campos de tulipanes y molinos de viento en Rheinsburg", 1886, colección privada.
"Campos de tulipanes en Holanda", 1886. Museo de Orsay, París.
"Campo de tulipanes en Holanda." 1886, Museo Marmottan-Monet, París.
Vétheuil, 1879 - 1881
"El jardín del artista en Vétheuil", 1880. Galería Nacional, Washington.
En 1879, la familia de Monet se mudó a Vétheuil, un pequeño pueblo a orillas del Sena, a 65 km al noroeste de París. Aquí Claude Monet tuvo su segundo hijo, Michel, pero, lamentablemente, pronto murió su primera esposa, Camille.
La familia Monet vivió en Vétheuil hasta 1881.
Claude Monet conoce a la familia de Alice Hoschedé, a quien ya conocía desde hacía varios años. Viven juntos y Alice más tarde se convirtió en su segunda esposa. Pero en las pinturas de Claude Monet, Alice Goschede, a diferencia de Camille, es muy rara. Sus hijas, hijastras de Claude Monet, sirvieron de modelo para las pinturas del artista.
 "Flores a orillas del Sena cerca de Vétheuil", 1880. |
 "Alice Goshede en el jardín", 1881. Futura segunda esposa de Claude Monet. |
 "Escalera de Vétheuil", 1881. |
"La Isla de las Flores cerca de Vetheuil", 1880, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. |
 "Flores en Vétheuil", 1881. |
 "Flores en Vétheuil", 1881. |
Flores en un florero
A Claude Monet le encantaban sobre todo los jardines y las flores silvestres, pero a veces también pintaba naturalezas muertas y ramos de flores cortadas.
"flores de primavera", 1864. Actualmente se desconoce el paradero del cuadro.
Por supuesto, todavía resulta difícil reconocer en este cuadro al futuro gran artista impresionista.
"Crisantemos", 1878. Museo de Orsay, París.
"Ramo de malva", 1880.
"Girasoles", 1881. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
"Crisantemos" 1882. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
"Amapolas moradas", 1883. Museo Boijmans van Beuningen, Rotterdam, Países Bajos.
"Anémonas", ca. 1885, colección privada.
"Dos jarrones con crisantemos." 1888, colección privada.
Giverny 1883 - 1926
En 1883, la familia de Claude Monet se trasladó a Giverny. Se trata de un pequeño pueblo situado en una zona pintoresca a orillas del río Epte, en su confluencia con el Sena, a unos 80 km de París. Claude Monet vivirá en Giverny el resto de su vida.
En ese momento ya se había convertido artista famoso y una persona bastante rica. En 1890 pudo comprar la casa en Giverny donde vivía su familia. Equipó un espacioso taller en la casa.
Claude Monet amplió significativamente su jardín y construyó en él un estanque, cuyo agua procedía de un tanque de toma de agua especial construido en el río Epte.
En esos años, Claude Monet se interesó por cultura japonesa, grabados japoneses, especialmente grabados de los grandes artista japonés Hokusai.
Para cuidar el jardín, Monet contrató a un jardinero japonés que le ayudó a arreglar el jardín en estilo japonés. El propio Monet participó directamente en la planificación del jardín. El artista se suscribió a la revista Revue horticole (Revista de jardinería) y encargó plantas y flores a diferentes paises paz.
Fue este jardín el que se convirtió amor principal V últimos años la vida del artista. Trabajó en él, lo escribió en todas sus formas, con diferentes puntos, en diferentes momentos del día. El jardín se convirtió en la principal fuente de inspiración del artista.
Monet cultivó varias flores en el jardín, nenúfares crecieron en el estanque y el famoso "Puente Japonés" cruzó el estanque. Podría pasar horas admirando su jardín, observando los más mínimos cambios en la iluminación y el clima.
En el otoño de 1899, Claude Monet comenzó a pintar su famosa serie "Nenúfares", en la que trabajó hasta el final de sus días.
Claude Monet en su jardín con un estanque de nenúfares al fondo, 1905.
Claude Monet en su jardín, c. 1917 Foto: Étienne Clementel.
Las imágenes se ven un poco “coloreadas” y borrosas, ya que se trataba de fotografías estereoscópicas, era necesario verlas a través de lentes especiales de colores y luego la imagen resultaba tridimensional.
Claude Monet (derecha) en su jardín de Giverny. 1922 Foto del archivo del New York Times.
El famoso estanque con nenúfares y el puente japonés.
En los primeros lienzos de la serie "Nenúfares", Claude Monet representó un estanque con un puente japonés, con el telón de fondo de una exuberante vegetación de jardín.
EN últimos trabajos Ah, al representar un estanque con nenúfares, distorsionó deliberadamente todas las reglas de perspectiva aceptadas, abandonó la línea del horizonte y pintó solo agua con nenúfares. Los nenúfares que flotan en el agua a menudo quedan cortados por los bordes del lienzo, creando la impresión de que el estanque real es algo más grande de lo que se representa en la pintura.
Esta serie de "Nenúfares" contiene más de 60 pinturas.
| "Nenúfares". 1906 Instituto de Arte, Chicago. |  |
| "Nenúfares", 1916. Museo Nacional de Arte Occidental, Tokio. Este enorme lienzo de 2 metros es uno de los más expresivos de la serie “Nenúfares”. Sobre la superficie azul oscuro, verde oscuro e incluso violeta del agua del estanque se encuentran islas de nenúfares de color rosa y amarillo. La imagen está toda en movimiento, vemos las raíces entrelazadas de los nenúfares. Las flores de los nenúfares sobresalen literalmente de la superficie del agua. Claude Monet sintió la naturaleza de manera muy sutil y pudo transmitir todas sus sutilezas y matices en sus lienzos. |
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| "Nenúfares". 1920-26 Museo de la Orangerie, París. |
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En 1980, la casa y el jardín de Claude Monet en Giverny se abrieron al público. Ahora bien, este es uno de los museos favoritos entre los turistas en los suburbios de París.
Claudio Monet. Amapolas. 1773 Museo de Orsay, París
“Maki”, uno de los más obras famosas Claude Monet, lo vi en . Sin embargo, entonces no lo miré adecuadamente. Como fanático, ¡quedé simplemente impresionado por todas las obras maestras que se encuentran en este museo!
Más tarde, por supuesto, miré “Poppies” correctamente. Y descubrí que ni siquiera me había fijado en varios detalles interesantes del museo. Si miras la imagen más de cerca, probablemente tengas al menos tres preguntas:
- ¿Por qué las amapolas son así? tallas grandes?
- ¿Por qué Monet representó dos pares de figuras casi idénticas?
- ¿Por qué el artista no dibujó el cielo en el cuadro?
Responderé estas preguntas en orden.
1. ¿Por qué las amapolas son tan grandes?
Las amapolas están representadas en gran tamaño. La mayoría de ellos son tan grandes como la cabeza del niño representado. Y si tomas las amapolas del fondo y las acercas a las figuras en primer plano, serán completamente más grandes que las cabezas tanto del niño como de la mujer representada. ¿Por qué tanta irrealidad?
En mi opinión, Monet aumentó deliberadamente el tamaño de las amapolas: por eso una vez más optó por transmitir una impresión visual vívida en lugar del realismo de los objetos representados.
Aquí, dicho sea de paso, se puede establecer un paralelo con su técnica de representar nenúfares en trabajos posteriores.
Para mayor claridad, mire fragmentos de pinturas con nenúfares. diferentes años(1899-1926). La obra superior es la más antigua (1899), la inferior es la última (1926). Obviamente, con el tiempo, los nenúfares se volvieron cada vez más abstractos y menos detallados.
Aparentemente, "Amapolas" es sólo un presagio del predominio del abstraccionismo en las últimas pinturas de Monet.
Pinturas de Claude Monet. 1. Arriba a la izquierda: Nenúfares. 1899 GRAMO. colección privada. 2. Arriba a la derecha: Nenúfares. 1908 g. colección privada. 3. Medio: Estanque con nenúfares. 1919 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. 4. Abajo: Lirios. 1926 Museo de Arte Nelson-Atkins, Kansas City.
2. ¿Por qué hay dos pares de figuras idénticas en la imagen?
Resulta que para Monet también era importante mostrar movimiento en su pintura. lo logro de una manera inusual, que representa un camino apenas visible en una colina entre flores, como si lo pisaran dos pares de figuras.
Al pie de la colina con amapolas están su esposa Camille y su hijo Jean. Camilla es representada tradicionalmente con un paraguas verde, como en el cuadro “Mujer con paraguas”.
En lo alto de la colina hay otra pareja formada por una mujer y un niño, para quienes probablemente también posaron Camilla y su hijo. Por eso las dos parejas son tan similares.
Claudio Monet. Amapolas. Fragmento. 1873 Museo D'Orsay, París.
Este par de figuras en la colina se representa quizás únicamente por el efecto visual de movimiento que tanto buscaba Monet.
3. ¿Por qué Monet no pintó el cielo?
Otro punto notable: observe lo mal que está dibujado el cielo, hasta las áreas desnudas del lienzo que quedan.
Claudio Monet. Amapolas. Fragmento. 1873
Puedo suponer que la cuestión está en la técnica del impresionismo en sí: Monet pintó cuadros en cuestión de horas e incluso minutos para representar el juego de luces y colores en un momento determinado del día. Por tanto, no siempre hubo tiempo suficiente para todos los elementos del paisaje. Resolver todos los detalles es trabajo de estudio, no trabajo al aire libre.
Por cierto, en la primera exposición impresionista de 1874 también se exhibió el cuadro "Amapolas", sobre el que escribí con más detalle en el artículo.
El impresionismo apareció en Francia en la década de 1860 y trastocó las ideas tradicionales sobre la pintura. Al observar las pinturas soleadas, llenas de vida y llenas de luz de los artistas de este movimiento, es difícil creer que sus obras no gozaron de reconocimiento durante mucho tiempo y fueron consideradas una desviación de los cánones de la pintura clásica. "La vuelta al mundo" te invita a viajar por Francia y ver cómo diferentes rincones Los países están representados en las obras de artistas impresionistas.
Claudio Monet. "Campo de amapolas en Argenteuil" (1873)
El cuadro "Campo de amapolas..." fue pintado por Monet en Argenteuil, que se encuentra a sólo 10 kilómetros de París y en el siglo XIX era el lugar de vacaciones favorito de los habitantes de la capital. Monet y su familia vivieron en este suburbio durante siete años y crearon muchos colores brillantes y lleno de flores y colores de lienzos.
En Argenteuil, el artista trabajó mucho al aire libre: siempre le atrajo la oportunidad de representar en el lienzo un determinado fragmento de tiempo, acción y espacio. El cuadro “Campo de amapolas en Argenteuil” refleja otra pasión del artista: su amor por las flores. Monet incluso una vez llamó a su jardín su principal obra maestra.
Este cuadro está claramente dividido en varias partes, la más importante de las cuales es la que representa flores escarlatas, que contrastan con la parte derecha vacía del lienzo. También vemos dos parejas pintadas con la esposa del artista, Camille, y su hijo mayor, Jean. Su disposición ayuda a estructurar el espacio de la imagen y a transmitir el movimiento capturado.
Mientras trabajaba en la pintura, Monet no mezcló pinturas, sino que aplicó trazos. diferentes colores, que el ojo humano percibe como diferentes tonalidades de color. Al mismo tiempo, el artista pintó con más cuidado las cosas más significativas. Así, aquí se hace hincapié en las flores y la parte superior de las figuras humanas en primer plano, mientras que el campo en el lado derecho de la imagen y el cielo están menos definidos.
Pierre Auguste Renoir. "Puente a Chatou" (1875)
Chatou es otro rincón pintoresco de Francia, amado por los artistas del nuevo movimiento. A menudo se la llama la isla de los impresionistas, porque en este punto el Sena se divide en dos brazos. Al igual que la vecina Argenteuil, la ciudad de Chatou en el siglo XIX tenía una atmósfera de alegre tranquilidad y actividad ruidosa.
La gente venía aquí para nadar, montar en barco o hacer un picnic, y estas sencillas escenas quedaron reflejadas en las pinturas de los impresionistas. El establecimiento del padre Fournaise bajo el puente de Chatou, donde no sólo se podía pasar la noche sino también alquilar habitaciones, era el lugar favorito de Renoir. Fue en este establecimiento donde el artista pintó su cuadro “El desayuno de los remeros”, en el que representa a sus conocidos y amigos. En 1990, el restaurante Maison Fournaise fue restaurado y actualmente alberga un pequeño museo.
El cuadro "El puente de Chatou" se diferencia de la mayoría de las obras de Renoir. A diferencia de Monet, al artista le encantaba mucho más representar a las personas y también prefería una paleta de colores más saturada. Y, sin embargo, “Bridge at Chatou” es un paisaje en el que las personas aparecen como figuras oscuras y borrosas. El puente está dibujado con más cuidado que otros elementos y, además, aquí se representa la popular navegación en barco. El paisaje se caracteriza por líneas borrosas y un ambiente de aire luminoso y humo. La falta de figuras humanas claramente definidas crea una sensación de distancia, y la luz y paleta de colores ayúdanos a ver la alegría en lo ordinario.
Federico Basilio. "Paisaje a orillas del Lez" (1870)
Gracias al paisaje de Basil viajamos desde el centro de Francia hacia el sur, hasta la región natal del artista. El nombre de Basil es mucho menos conocido que el de sus amigos Monet y Renoir, ya que murió a la edad de 28 años. "Paisaje a orillas del Lez" es una de las últimas obras del artista: poco después de terminar el trabajo en el lienzo, Basil se ofreció como voluntario para la guerra franco-prusiana, donde pronto murió.
El artista completó el paisaje en un tiempo récord. términos cortos, todo le llevó poco más de dos meses. Mientras trabajaba, los familiares de Basil estaban ausentes y no lo distrajeron de la pintura. Además, conocía bien la zona. Así, en una carta a su hermano, indicó exactamente qué lugar representaba: “La orilla del río Lez, cerca del molino cerca de Navilau y la carretera a Clappier”.
La pintura es muy diferente de los paisajes de Monet y Renoir, ya que Basil prefirió pintar el sol en su cenit, así como representar una luz dura, diferente de la luz ingrávida y ahumada de los lienzos de sus amigos. Basil también utiliza colores brillantes y contrastantes y es más preciso y minucioso al trabajar en los detalles de la imagen. Gracias a ello, podemos reconocer en el lienzo “Paisaje a orillas del Lez” árboles y vegetación característicos del sur de Francia.
Camille Pissarro. "Puente Boildieu en Rouen en un día lluvioso" (1896)
Camille Pissarro pasó a la historia del impresionismo como una maestra del paisaje urbano. Pintó varios cuadros que representan a Rouen, situada en el norte de Francia. Pissarro llegó a esta ciudad después de ver el ciclo de Claude Monet dedicado a la Catedral de Rouen.
Pissarro, como Monet, utiliza la luz y el aire al crear lienzos. Le atrae la posibilidad de representar la ciudad como un organismo vivo que se encuentra en movimiento constante. Utiliza colores más oscuros y pinceladas más gruesas, pero sus pinturas parecen más realistas. Esta inusual perspectiva se explica a menudo por el hecho de que Pissarro pintó desde la ventana de un hotel.
El artista buscó reflejar en el lienzo los rasgos industriales que poco a poco iban surgiendo en el aspecto de la ciudad. Esto es lo que interesa a Pissarro en Rouen, que, a pesar de su exquisita arquitectura, finales del XIX siglo se convirtió en una ciudad portuaria y un centro industrial.
Pablo Cézanne. "Vista de la Bahía de Marsella desde Estac" (1885)
El paisaje de Paul Cézanne nos traslada nuevamente al sur de Francia, pero al mismo tiempo es completamente diferente a las pinturas ya comentadas. El lienzo de Cezanne, incluso para un espectador inexperto, parece más atrevido que las obras de otros impresionistas. No es casualidad que al artista se le llame a menudo el padre del arte moderno.
Nacido en el sur del país, Cézanne a menudo representaba paisajes del sur en sus cuadros. El entorno del pueblo pesquero de Estac se convirtió en uno de sus temas favoritos en sus paisajes. En la década de 1880, Cézanne, en un intento de escapar de los problemas familiares, llegó a Estac y pintó una decena de cuadros en los que representaba la bahía de Marsella.
"Vista de la bahía de Marsella desde Estac" es una de las obras culminantes de este período y nos permite ver los rasgos de la pintura de Cézanne que influyeron en Pablo Picasso. Estamos hablando principalmente de los especiales trazos horizontales densos del artista, así como del uso de colores tan profundos y colores ricos como amarillo anaranjado. Cezanne consigue conseguir una imagen tridimensional del agua mediante el uso de diferentes tonalidades azul, así como inclusiones verdes y violetas. Como otros impresionistas, a Cezanne le encantaba pintar el mar, el cielo y las montañas, pero en su imagen parecen más densos y claramente definidos.