Miguel Ángel Buonarroti nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese, una pequeña ciudad a 40 millas al sureste de Florencia. Ahora este pueblo se llama Caprese Michelangelo en honor al artista. Su padre, Lodovico, era alcalde de Caprese en el momento del nacimiento de su hijo, pero pronto su mandato llegó a su fin y regresó a su tierra natal, Florencia. La antigua familia Buonarroti se había empobrecido mucho, lo que no impidió que Ludovico estuviera orgulloso de su aristocracia y se considerara por encima de ganarse la vida. La familia tuvo que vivir del dinero que aportaba la finca en el pueblo de Settignano, situado a cinco kilómetros de Florencia.
Aquí, en Settignano, el niño Miguel Ángel fue entregado a la esposa de un picapedrero local para que lo alimentara. La piedra en las cercanías de Florencia se extrae desde hace mucho tiempo, y a Miguel Ángel le gustaba decir más tarde que "absorbió el cincel y el martillo del escultor con la leche de su nodriza". Las inclinaciones artísticas del niño se manifestaron en temprana edad Sin embargo, el padre, de acuerdo con sus conceptos de aristocracia, resistió durante mucho tiempo el deseo de su hijo de convertirse en artista. Miguel Ángel mostró carácter y, al final, obtuvo permiso para convertirse en aprendiz del artista Domenico Ghirlandaio. Esto sucedió en abril de 1488.
Al año siguiente se trasladó a la escuela del escultor Bertoldo di Giovanni, que existía bajo el patrocinio del actual propietario de la ciudad, Lorenzo de' Medici (apodado el Magnífico). Lorenzo el Magnífico era un hombre muy educado, muy versado en el arte, él mismo escribía poesía y supo reconocer inmediatamente el talento del joven Miguel Ángel. Durante algún tiempo Miguel Ángel vivió en el Palacio de los Medici. Lorenzo lo trataba como a un hijo predilecto.
En 1492 murió el mecenas de Miguel Ángel y el artista regresó a su casa. En esta época comenzaron los disturbios políticos en Florencia y, a finales de 1494, Miguel Ángel abandonó la ciudad. Después de visitar Venecia y Bolonia, regresó a finales de 1495. Pero no por mucho. El nuevo gobierno republicano no contribuyó a pacificar la vida urbana; además, estalló una epidemia de peste. Miguel Ángel continuó sus andanzas. El 25 de junio de 1496 apareció en Roma.
Pasó los siguientes cinco años en la "Ciudad Eterna". Aquí le esperaba su primer gran éxito. Poco después de su llegada, Miguel Ángel recibió un pedido de estatua de mármol Baco para el cardenal Rafael Riario, y en 1498-99 otro, para la composición de mármol "Piedad" (en Bellas Artes Así se llamaba tradicionalmente la escena de la Madre de Dios llorando a Cristo). La composición de Miguel Ángel fue reconocida como una obra maestra, lo que fortaleció aún más su posición en la jerarquía artística. El siguiente encargo fue el cuadro "Entierro", pero el artista no lo terminó y regresó a Florencia en 1501.
La vida en su ciudad natal se había estabilizado en ese momento. Miguel Ángel recibió un encargo para una enorme estatua de David.
Terminado en 1504, David, al igual que La Lamentación de Cristo en Roma, consolidó la reputación de Miguel Ángel en Florencia. La estatua, en lugar del lugar previamente planeado (en la catedral de la ciudad), se instaló en el mismo corazón de la ciudad, frente al Palazzo Vecchio, donde se encontraba el gobierno de la ciudad. Se convirtió en un símbolo de la nueva república que, como el David bíblico, luchó por la libertad de sus ciudadanos.
Es interesante la historia de otro encargo recibido de la ciudad: el cuadro "La batalla de Cascina" para el Palazzo Vecchio. Se suponía que su trama era la victoria de los florentinos sobre los pisanos en la batalla de Cascina, que tuvo lugar en 1364. El dramatismo de la situación se vio agravado por el hecho de que Leonardo da Vinci se propuso pintar el segundo cuadro para el Palazzo Vecchio (“La batalla de Anghiari”). Leonardo era 20 años mayor que Miguel Ángel, pero el joven aceptó este desafío con la visera abierta. Leonardo y Miguel Ángel no se caían bien y muchos esperaban con interés cómo terminaría su rivalidad. Desafortunadamente, ambas pinturas no fueron terminadas. Leonardo abandonó su trabajo después del aplastante fracaso que sufrió mientras experimentaba con una nueva técnica de pintura mural, y Miguel Ángel, después de haber creado magníficos estudios para la batalla de Cascina, partió hacia Roma en marzo de 1505 por llamada del Papa Julio II.
Sin embargo, no llegó a su destino hasta enero de 1506, después de pasar varios meses en las canteras de Carrara, donde seleccionó el mármol que le habían encargado para la tumba del Papa Julio II. Inicialmente se planeó decorarlo con cuarenta esculturas, pero pronto el Papa perdió interés en este proyecto y en 1513 murió. Se inició un litigio de larga duración entre el artista y los familiares del fallecido. En 1545, Miguel Ángel finalmente terminó las obras de la tumba, que resultó ser sólo una pálida sombra del plano original. El propio artista llamó a esta historia “la tragedia de la tumba”.
Pero otra orden del Papa Julio II se vio coronada por el triunfo total de Miguel Ángel. Era la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina en el Vaticano. El artista lo completó entre 1508 y 1512. Cuando el fresco fue presentado al público, fue reconocido como una obra de poder sobrehumano.
León X (Medici), que reemplazó a Julio II en el trono papal en 1516, encargó a Miguel Ángel el diseño de la fachada de la Iglesia de San Lorenzo en Florencia. Su versión fue rechazada en 1520, pero esto no impidió que el artista recibiera más encargos para la misma iglesia. El primero de ellos lo empezó a realizar en 1519, se trataba de la tumba de los Medici. El segundo proyecto es la famosa Biblioteca Laurenciana para almacenar una colección única de libros y manuscritos que pertenecieron a la familia Medici.
Ocupado con estos proyectos, Miguel Ángel permaneció en Florencia la mayor parte del tiempo.
En 1529-30 fue responsable de las defensas de la ciudad contra las tropas de los Medici (fueron expulsadas de Florencia en 1527). En 1530, los Medici recuperaron el poder y Miguel Ángel huyó de la ciudad para salvar su vida. Sin embargo, el Papa Clemente VII (también de la familia Medici) garantizó la seguridad de Miguel Ángel y el artista volvió a la obra interrumpida.
En 1534, Miguel Ángel regresó a Roma nuevamente y para siempre. El Papa Clemente VII, que le iba a encargar pintar la “Resurrección” para el muro del altar de la Capilla Sixtina, murió al segundo día de la llegada del artista. El nuevo Papa, Pablo III, en lugar de la “Resurrección”, encargó un cuadro para el mismo muro “ Juicio Final" Este enorme fresco, terminado en 1541, confirmó una vez más el genio de Miguel Ángel.
Los últimos veinte años de su vida los dedicó casi por completo a la arquitectura.
Al mismo tiempo, logró crear dos maravillosos frescos para la Capilla Paulina en el Vaticano (“Conversión de Saulo” y “Crucifixión de San Pedro”, 1542-50). A partir de 1546, Miguel Ángel participó en la reconstrucción de la Basílica de San Pedro en Roma. Rechazando una serie de ideas de sus predecesores, propuso su propia visión de este edificio. El aspecto final de la catedral, consagrada recién en 1626, sigue siendo, ante todo, fruto de su genio.
Miguel Ángel siempre fue un hombre profundamente religioso; hacia el final de su vida su sentimiento religioso se agudizó, como lo demuestran sus últimas obras. Se trata de una serie de dibujos que representan la Crucifixión y dos grupos escultóricos de la Piedad. En el primero, el artista se representó a sí mismo a imagen de José de Arimatea. La segunda escultura no pudo ser terminada por la muerte, que se apoderó de Miguel Ángel a la edad de 89 años, el 18 de febrero de 1564.
MIGUEL ÁNGEL Buonarroti
(Miguel Ángel Buonarroti)
(1475-1564), escultor, pintor, arquitecto y poeta italiano. Incluso durante la vida de Miguel Ángel, sus obras fueron consideradas los mayores logros del arte renacentista.
Juventud. Miguel Ángel Buonarroti nació el 6 de marzo de 1475 en una familia florentina en Caprese. Su padre era un miembro de alto rango de la administración de la ciudad. La familia pronto se mudó a Florencia; su situación financiera era modesta. Habiendo aprendido a leer, escribir y contar, Miguel Ángel en 1488 se convirtió en alumno de los artistas hermanos Ghirlandaio. Aquí se familiarizó con los materiales y técnicas básicos y creó copias a lápiz de obras de los grandes artistas florentinos Giotto y Masaccio; Ya en estas copias apareció la interpretación escultórica de las formas características de Miguel Ángel. Miguel Ángel pronto comenzó a trabajar en esculturas para la colección de los Medici y atrajo la atención de Lorenzo el Magnífico. En 1490 se instaló en el Palacio Medici y permaneció allí hasta la muerte de Lorenzo en 1492. Lorenzo Medici se rodeó de las personas más destacadas de su tiempo. Hubo poetas, filólogos, filósofos, comentaristas, como Marsilio Ficino, Angelo Poliziano, Pico della Mirandola; El propio Lorenzo fue un poeta maravilloso. La percepción de Miguel Ángel de la realidad como espíritu encarnado en la materia se remonta sin duda a los neoplatónicos. Para él, la escultura era el arte de "aislar" o liberar la figura encerrada en un bloque de piedra. Es posible que algunas de sus obras más llamativas, que parecen "inacabadas", hayan sido dejadas así deliberadamente, porque fue en esta etapa de "liberación" cuando la forma encarnaba más adecuadamente la intención del artista. Algunas de las principales ideas del círculo de Lorenzo de' Medici sirvieron de fuente de inspiración y tormento a Miguel Ángel en su vida posterior, en particular la contradicción entre la piedad cristiana y la sensualidad pagana. Se creía que la filosofía pagana y los dogmas cristianos podían reconciliarse (esto se refleja en el título de uno de los libros de Ficino: "La teología de la inmortalidad del alma de Platón"); que todo conocimiento, si se entiende correctamente, es la clave de la verdad divina. La belleza física, encarnada en el cuerpo humano, es una manifestación terrenal de la belleza espiritual. La belleza corporal puede ser glorificada, pero esto no es suficiente, porque el cuerpo es la prisión del alma, que se esfuerza por regresar a su Creador, pero sólo puede lograrlo en la muerte. Según Pico della Mirandola, durante la vida una persona tiene libre albedrío: puede ascender a los ángeles o sumergirse en un estado animal inconsciente. El joven Miguel Ángel estuvo influenciado por la filosofía optimista del humanismo y creía en las posibilidades ilimitadas del hombre. El relieve de mármol La Batalla de los Centauros (Florencia, Casa Buonarroti) tiene el aspecto de un sarcófago romano y representa una escena de mito griego sobre la batalla del pueblo lapita con centauros mitad animales que los atacaron durante una fiesta de bodas. La trama fue sugerida por Angelo Poliziano; su significado es la victoria de la civilización sobre la barbarie. Según el mito, los lapitas salieron victoriosos, pero en la interpretación de Miguel Ángel el resultado de la batalla no está claro. El escultor creó masas compactas y tensas de cuerpos desnudos, demostrando una habilidad virtuosa para transmitir movimiento a través del juego de luces y sombras. Las marcas de cincel y los bordes dentados nos recuerdan la piedra con la que están hechas las figuras. La segunda obra es un Crucifijo de madera (Florencia, Casa Buonarroti). La cabeza de Cristo, con los ojos cerrados, está bajada hasta el pecho, el ritmo de su cuerpo lo determinan sus piernas cruzadas. La sutileza de esta obra la distingue del poder de las figuras del relieve de mármol. Debido al peligro de una invasión francesa en el otoño de 1494, Miguel Ángel abandonó Florencia y, de camino a Venecia, se detuvo un tiempo en Bolonia, donde creó tres pequeñas estatuas para la tumba de San Pedro. Dominica, cuyas obras fueron interrumpidas por el fallecimiento del escultor que las inició. Al año siguiente regresó brevemente a Florencia y luego fue a Roma, donde pasó cinco años y produjo dos obras importantes a finales de la década de 1490. El primero de ellos es una estatua de Baco de tamaño humano, destinada a una vista panorámica. El dios borracho del vino está acompañado por un pequeño sátiro que se da un festín con un racimo de uvas. Baco parece dispuesto a caer hacia adelante, pero mantiene el equilibrio echándose hacia atrás; su mirada se vuelve hacia la copa de vino. Los músculos de la espalda parecen elásticos, pero los músculos relajados del abdomen y los muslos demuestran debilidad física y, por tanto, espiritual. El escultor logró una tarea difícil: crear la impresión de inestabilidad sin desequilibrio compositivo que pudiera alterar el efecto estético. Una obra más monumental es la Piedad de mármol (Vaticano, Basílica de San Pedro). Este tema fue popular durante el Renacimiento, pero aquí se trata con bastante moderación. La muerte y el dolor que la acompaña parecen estar contenidos en el mármol del que está hecha la escultura. La relación de las figuras es tal que forman un triángulo bajo, o más precisamente, una estructura cónica. El cuerpo desnudo de Cristo contrasta con la ropa exuberante y rica en claroscuros de la Madre de Dios. Miguel Ángel representó a la Virgen María joven, como si no fuera Madre e Hijo, sino una hermana que llora la muerte prematura de su hermano. Esta idealización fue utilizada por Leonardo da Vinci y otros artistas. Además, Miguel Ángel era un ferviente admirador de Dante. Al comienzo de la oración de St. Bernardo en la última canción de la Divina Comedia dice: "Vergine Madre, figlia del tuo figlio" - "Nuestra Señora, hija de su Hijo". El escultor encontró forma perfecta para expresar en piedra este profundo pensamiento teológico. Sobre las vestimentas de Nuestra Señora Miguel Ángel en la primera y ultima vez tallada la firma: "Miguel Ángel, florentino". A los 25 años concluyó el período de formación de su personalidad y regresó a Florencia en la plenitud de todas las posibilidades que puede tener un escultor.
Florencia durante la República.
Como resultado de la invasión francesa de 1494, los Medici fueron expulsados y durante cuatro años se estableció en Florencia una teocracia de facto del predicador Savonarola. En 1498, como resultado de las intrigas de los líderes florentinos y del trono papal, Savonarola y dos de sus seguidores fueron condenados a ser quemados en la hoguera. Estos acontecimientos de Florencia no afectaron directamente a Miguel Ángel, pero es poco probable que le hayan dejado indiferente. El regreso de la Edad Media de Savonarola fue reemplazado por una república secular, para la cual Miguel Ángel creó su primera obra importante en Florencia, la estatua de mármol de David (1501-1504, Florencia, Academia). Se suponía que la colosal figura, de 4,9 m de altura, junto con su base, se encontraba cerca de la catedral. La imagen de David era tradicional en Florencia. Donatello y Verrocchio crearon esculturas de bronce de un joven que mata milagrosamente a un gigante cuya cabeza yace a sus pies. Por el contrario, Miguel Ángel describió el momento anterior a la pelea. David está de pie con una honda al hombro y agarra una piedra en su mano izquierda. El lado derecho de la figura está tenso, mientras que el izquierdo está ligeramente relajado, como un atleta listo para la acción. La imagen de David tenía un significado especial para los florentinos y la escultura de Miguel Ángel atrajo la atención de todos. David se convirtió en el símbolo de una república libre y vigilante, dispuesta a derrotar a cualquier enemigo. El lugar cercano a la catedral resultó inadecuado y un comité de ciudadanos decidió que la escultura protegiera la entrada principal del edificio gubernamental, el Palazzo Vecchio, frente al cual ahora se encuentra una copia. Quizás, con la participación de Maquiavelo, otro importante proyecto estatal : Leonardo da Vinci y Miguel Ángel recibieron el encargo de crear dos enormes frescos para el Gran Salón del Consejo del Palazzo Vecchio sobre el tema de las victorias históricas de los florentinos en Anghiari y Cascina. Sólo han sobrevivido copias del cartón de Miguel Ángel de la Batalla de Cascina. Representaba a un grupo de soldados corriendo hacia las armas cuando de repente fueron atacados por sus enemigos mientras nadaban en un río. La escena recuerda a la Batalla de los Centauros; Representa figuras desnudas en todo tipo de poses, que eran de mayor interés para el maestro que la trama misma. El cartón de Miguel Ángel probablemente desapareció ca. 1516; Según la autobiografía del escultor Benvenuto Cellini, fue fuente de inspiración para muchos artistas. De la misma época (c. 1504-1506), el único cuadro sin duda perteneciente a Miguel Ángel, el tondo Madonna Doni (Florencia, Uffizi), que reflejaba el deseo de transmitir posturas complejas e interpretar plásticamente las formas del cuerpo humano. . La Virgen se inclinó hacia la derecha para tomar al Niño sentado sobre las rodillas de José. La unidad de las figuras se ve acentuada por el modelado rígido de las cortinas con superficies lisas. El paisaje con figuras desnudas de paganos detrás del muro es pobre en detalles. En 1506, Miguel Ángel comenzó a trabajar en la estatua de Mateo Evangelista (Florencia, Academia), que sería la primera de una serie de 12 apóstoles para la Catedral de Florencia. Esta estatua quedó inacabada, ya que dos años después Miguel Ángel fue a Roma. La figura fue tallada en un bloque de mármol, manteniendo su forma rectangular. Se realiza en un fuerte contrapposto (desequilibrio dinámico tenso de la postura): la pierna izquierda se levanta y se apoya sobre la piedra, lo que provoca un desplazamiento del eje entre la pelvis y los hombros. La energía física se transforma en energía espiritual, cuya fuerza se transmite por la tensión extrema del cuerpo. El período florentino de la obra de Miguel Ángel estuvo marcado por la actividad casi febril del maestro: además de las obras enumeradas anteriormente, creó dos tondos en relieve con imágenes de la Virgen (Londres y Florencia), en los que se utilizan distintos grados de completitud para crear expresividad de la imagen; una estatua de mármol de la Virgen con el Niño (Catedral de Notre Dame en Brujas) y una estatua de bronce de David sin conservar. En Roma durante la época del Papa Julio II y León X. En 1503, Julio II tomó el trono papal. Ningún mecenas utilizó el arte con fines propagandísticos tan ampliamente como Julio II. Comenzó la construcción de una nueva catedral de St. Peter, reparando y ampliando la residencia papal según el modelo de los palacios y villas romanas, pintando la capilla papal y preparándose una magnífica tumba. Los detalles de este proyecto no están claros, pero aparentemente Julio II imaginó un nuevo templo con su propia tumba, similar a la tumba de los reyes franceses en Saint-Denis. Proyecto para la nueva Catedral de St. Petra fue confiada a Bramante y en 1505 Miguel Ángel recibió el encargo de diseñar la tumba. Debería haber estado libre y tener un tamaño de 6 por 9 m. En el interior debería haber una sala ovalada y en el exterior unas 40 estatuas. Su creación era imposible incluso en aquel momento, pero tanto el padre como el artista eran soñadores imparables. La tumba nunca se construyó en la forma que pretendía Miguel Ángel, y esta “tragedia” lo persiguió durante casi 40 años. El plano de la tumba y su contenido semántico pueden reconstruirse a partir de dibujos y descripciones preliminares. Lo más probable es que se suponía que la tumba simbolizaba un ascenso en tres etapas de la vida terrenal a la vida eterna. En la base deberían haber estado estatuas del apóstol Pablo, Moisés y los profetas, símbolos de los dos caminos para alcanzar la salvación. En lo alto debería haber dos ángeles que llevaran a Julio II al cielo. Como resultado, sólo se completaron tres estatuas; El contrato para la tumba se negoció seis veces durante un período de 37 años y finalmente el monumento se instaló en la iglesia de San Pietro in Vincoli. Durante 1505-1506, Miguel Ángel visitó constantemente las canteras de mármol, eligiendo el material para la tumba, mientras Julio II llamaba cada vez más insistentemente su atención sobre la construcción de la Catedral de San Petersburgo. Petra. La tumba quedó sin terminar. Extremadamente irritado, Miguel Ángel huyó de Roma el 17 de abril de 1506, el día antes de que se colocaran los cimientos de la catedral. Sin embargo, papá se mantuvo firme. Miguel Ángel fue perdonado y recibió la orden de hacer una estatua del pontífice, que luego fue destruida por los rebeldes boloñeses. En 1506 surgió otro proyecto: los frescos del techo de la Capilla Sixtina. Fue construido en la década de 1470 por el tío de Julio, el Papa Sixto IV. A principios de la década de 1480, el altar y las paredes laterales estaban decorados con frescos con escenas del evangelio y escenas de la vida de Moisés, en cuya creación participaron Perugino, Botticelli, Ghirlandaio y Rosselli. Encima de ellos había retratos de papas y la bóveda permaneció vacía. En 1508, Miguel Ángel comenzó a pintar la bóveda a regañadientes. La obra duró poco más de dos años, entre 1508 y 1512, con una mínima asistencia de asistentes. Inicialmente se pretendía representar las figuras de los apóstoles en tronos. Más tarde, en una carta de 1523, Miguel Ángel escribió con orgullo que había convencido al Papa del fracaso de este plan y había recibido total libertad. En lugar del proyecto original, se creó la pintura que vemos ahora. Si las paredes laterales de la capilla representan la Era de la Ley (Moisés) y la Era de la Gracia (Cristo), entonces la pintura del techo representa el comienzo mismo de la historia humana, el Libro del Génesis. La pintura del techo de la Capilla Sixtina es una estructura compleja que consta de elementos pintados de decoración arquitectónica, figuras individuales y escenas. A los lados de la parte central del techo, debajo de la cornisa pintada, hay figuras gigantes. Profetas del Antiguo Testamento y sibilas paganas sentadas en tronos. Entre las dos cornisas hay franjas transversales imitando una bóveda; demarcan escenas narrativas mayores y menores alternadas del Libro del Génesis. Los lunetos y triángulos esféricos de la base del cuadro también contienen escenas. Numerosas figuras, incluido el famoso ignudi (desnudo), enmarcan escenas del Libro del Génesis. No está claro si tienen alguna significado especial o son puramente decorativos. Interpretaciones existentes El significado de este cuadro podría formar una pequeña biblioteca. Al estar ubicado en la capilla papal, su significado debió ser ortodoxo, pero no hay duda de que en este conjunto también estuvo plasmado el pensamiento renacentista. Este artículo sólo puede presentar una interpretación generalmente aceptada de las principales ideas cristianas plasmadas en esta pintura. Las imágenes se dividen en tres grupos principales: escenas del Libro del Génesis, profetas y sibilas y escenas de las bóvedas. Escenas del Libro del Génesis, así como composiciones de las paredes laterales, se encuentran en orden cronológico, desde el altar hasta la entrada. Se dividen en tres tríadas. El primero está relacionado con la creación del mundo. El segundo, la creación de Adán, la creación de Eva, la tentación y la expulsión del paraíso, está dedicado a la creación de la humanidad y su caída. Este último cuenta la historia de Noé y termina con su embriaguez. No es casualidad que Adán en la creación de Adán y Noé en la intoxicación de Noé estén en la misma posición: en el primer caso, una persona aún no posee un alma, en el segundo la rechaza. Así, estas escenas muestran que la humanidad fue privada del favor divino no una, sino dos veces. Las cuatro velas de la bóveda contienen escenas de Judit y Holofernes, David y Goliat, la Serpiente de Bronce y la Muerte de Amán. Cada uno de ellos es un ejemplo de la misteriosa participación de Dios en la salvación de su pueblo elegido. Los profetas que predijeron la venida del Mesías hablaron de esta ayuda divina. El clímax del cuadro es la figura extática de Jonás, situada sobre el altar y debajo de la escena del primer día de la creación, hacia la que se dirige su mirada. Jonás es el heraldo de la Resurrección y vida eterna, porque él, como Cristo, que pasó tres días en la tumba antes de ascender al cielo, pasó tres días en el vientre de la ballena y luego volvió a la vida. A través de la participación en la Misa en el altar de abajo, los fieles participaron del misterio de la salvación prometida por Cristo. La narrativa está construida con un espíritu de humanismo heroico y sublime; Tanto las figuras femeninas como las masculinas están llenas de fuerza masculina. Las figuras desnudas que enmarcan las escenas indican el gusto y la respuesta de Miguel Ángel al arte clásico: en conjunto, constituyen una enciclopedia de las posiciones del cuerpo humano desnudo, como fue el caso tanto en la Batalla de los Centauros como en la Batalla de Cascina. Miguel Ángel no se inclinaba por el tranquilo idealismo de la escultura del Partenón, sino que prefería el poderoso heroísmo del arte helenístico y romano, expresado en el gran grupo escultórico Laocoonte, lleno de patetismo, encontrado en Roma en 1506. Cuando se habla de los frescos de Miguel Ángel en Capilla Sixtina se debe tener en cuenta su seguridad. La limpieza y restauración del mural se inició en 1980. Como resultado, se eliminaron los depósitos de hollín y los colores apagados dieron paso a rosa brillante, amarillo limón y verde; los contornos y la relación de las figuras y la arquitectura se hicieron más claros. Miguel Ángel apareció colorista sutil: logró realzar la percepción escultórica de la naturaleza con la ayuda del color y tuvo en cuenta la gran altura del techo (18 m), que en el siglo XVI. no se podía iluminar con tanta intensidad como es posible ahora. (Las reproducciones de los frescos restaurados se publicaron en la monumental obra de Alfred A. Knopf en dos volúmenes, La Capilla Sixtina, 1992. Entre las 600 fotografías hay dos vistas panorámicas de los frescos antes y después de la restauración). El Papa Julio II murió en 1513; Fue reemplazado por León X de la familia Medici. De 1513 a 1516, Miguel Ángel trabajó en estatuas destinadas a la tumba de Julio II: figuras de dos esclavos (Louvre) y una estatua de Moisés (San Pietro in Vincoli, Roma). El esclavo rompiendo sus ataduras está representado en un giro brusco, como el evangelista Mateo. El esclavo moribundo está débil, como si intentara levantarse, pero se congela en la impotencia, inclinando la cabeza bajo el brazo retorcido hacia atrás. Moisés mira hacia la izquierda, como David; La indignación parece hervir dentro de él al ver la adoración del becerro de oro. El lado derecho de su cuerpo está tenso, las tabletas están presionadas contra su costado y el movimiento brusco de su pierna derecha se enfatiza con las cortinas que la cubren. Este gigante, uno de los profetas encarnado en mármol, personifica la terribilita, "poder aterrador".
Regreso a Florencia. Los años comprendidos entre 1515 y 1520 fueron la época del colapso de los planes de Miguel Ángel. Estaba bajo presión de los herederos de Julio y, al mismo tiempo, servía al nuevo Papa de la familia Medici. En 1516 recibió el encargo de decorar la fachada de la iglesia de la familia Medici en Florencia, San Lorenzo. Miguel Ángel pasó mucho tiempo en las canteras de mármol, pero al cabo de unos años se rescindió el contrato. Quizás al mismo tiempo el escultor comenzó a trabajar en las estatuas de cuatro esclavos (Florencia, Academia), que quedaron inacabadas. A principios del siglo XVI, Miguel Ángel viajaba constantemente entre Florencia y Roma, pero en la década de 1520, los encargos para la Nueva Sacristía (Capilla de los Medici) de San Lorenzo y la Biblioteca Laurenciana lo mantuvieron en Florencia hasta que partió hacia Roma en 1534. Sala de lectura Laurentian representa cuarto largo de piedra gris con paredes claras. Vestíbulo, cuarto alto con numerosas columnas dobles empotradas en la pared, como si con dificultad frenaran la escalera que caía al suelo. La escalera no se completó hasta el final de la vida de Miguel Ángel, y el vestíbulo no se completó hasta el siglo XX.
La nueva sacristía de la Iglesia de San Lorenzo (Capilla de los Medici) era pareja de la antigua, construida por Brunelleschi un siglo antes; quedó inacabada debido a la partida de Miguel Ángel a Roma en 1534. La nueva sacristía fue concebida como capilla funeraria para Giuliano de' Medici, hermano del Papa León, y Lorenzo, su sobrino, que murió joven. El propio León X murió en 1521, y pronto otro miembro de la familia Medici, el Papa Clemente VII, que apoyó activamente este proyecto, tomó el trono papal. En un espacio cúbico libre rematado por una bóveda, Miguel Ángel colocó tumbas murales con las figuras de Giuliano y Lorenzo. De un lado hay un altar, por el contrario, una estatua de la Virgen con el Niño sentada sobre un sarcófago rectangular con los restos de Lorenzo el Magnífico y su hermano Giuliano. A los lados se encuentran las tumbas murales de los jóvenes Lorenzo y Giuliano. Sus estatuas idealizadas están colocadas en nichos; Las miradas se dirigen a la Madre de Dios y al Niño. En los sarcófagos hay figuras reclinadas que simbolizan el Día, la Noche, la Mañana y la Tarde. Cuando Miguel Ángel partió hacia Roma en 1534, las esculturas aún no habían sido instaladas y se encontraban en varias etapas de finalización. Los bocetos que se conservan dan testimonio del arduo trabajo que precedió a su creación: había diseños para una tumba única, una doble e incluso una tumba independiente. El efecto de estas esculturas se basa en los contrastes. Lorenzo es pensativo y contemplativo. Las figuras de las personificaciones de la Tarde y la Mañana debajo de él están tan relajadas que parecen poder deslizarse fuera de los sarcófagos sobre los que se encuentran. La figura de Giuliano, por el contrario, está tensa; sostiene el bastón del comandante en su mano. Debajo de él, Noche y Día son poderosas figuras musculosas, acurrucadas en una tensión dolorosa. Es plausible suponer que Lorenzo encarna el principio contemplativo y Giuliano el activo. Hacia 1530, Miguel Ángel creó una pequeña estatua de mármol de Apolo (Florencia, Bargello) y un grupo escultórico de la Victoria (Florencia, Palazzo Vecchio); este último quizás estaba destinado a la lápida del Papa Julio II. La victoria es una figura flexible y elegante de mármol pulido, sostenida por la figura de un anciano, que se eleva sólo ligeramente por encima de la superficie rugosa de la piedra. Este grupo demuestra la estrecha conexión de Miguel Ángel con el arte de manieristas tan refinados como Bronzino, y representa el primer ejemplo de la combinación de lo completo y lo incompleto para crear una imagen expresiva. Quédate en Roma. En 1534 Miguel Ángel se trasladó a Roma. En ese momento, Clemente VII estaba considerando el tema de la pintura al fresco del muro del altar de la Capilla Sixtina. En 1534 se centró en el tema del Juicio Final. De 1536 a 1541, ya bajo el Papa Pablo III, Miguel Ángel trabajó en esta enorme composición. Anteriormente, la composición del Juicio Final se construyó a partir de varios partes individuales. En Miguel Ángel es un remolino ovalado de cuerpos musculosos desnudos. En la parte superior se sitúa la figura de Cristo, que recuerda a Zeus; su mano derecha está levantada en un gesto de maldecir a los de su izquierda. La obra está llena de movimientos poderosos: esqueletos se levantan del suelo, un alma salvada se eleva sobre una guirnalda de rosas, un hombre, a quien el diablo arrastra hacia abajo, se cubre la cara con las manos con horror. El Juicio Final fue un reflejo del creciente pesimismo de Miguel Ángel. Un detalle del Juicio Final atestigua su humor sombrío y representa su amarga "firma". Al pie izquierdo de Cristo hay una figura de San Pedro. Bartolomé sosteniendo su propia piel en sus manos (sufrió el martirio y fue desollado vivo). Los rasgos faciales del santo recuerdan a Pietro Aretino, quien atacó apasionadamente a Miguel Ángel porque consideraba indecente su interpretación de un tema religioso (más tarde, los artistas pintaron cortinas sobre figuras desnudas del Juicio Final). Cara del St. desollado. Bartolomé - autorretrato del artista. Miguel Ángel continuó trabajando en los frescos de la Capilla Paolina, donde creó la Conversión de Saulo y la Crucifixión de San Pedro. Las de Peter son obras inusuales y maravillosas en las que se violan las normas de composición del Renacimiento. Su riqueza espiritual no fue apreciada; sólo vieron que “eran sólo obras de un anciano” (Vasari). Poco a poco, Miguel Ángel probablemente desarrolló su propia idea del cristianismo, expresada en sus dibujos y poemas. Al principio se alimentó de las ideas del círculo de Lorenzo el Magnífico, basadas en la incertidumbre de las interpretaciones de los textos cristianos. EN últimos años La vida de Miguel Ángel rechaza estas ideas. Le interesa la cuestión de hasta qué punto el arte es proporcional a la fe cristiana y si no es una rivalidad inadmisible y arrogante con el único Creador legítimo y verdadero. A finales de la década de 1530, Miguel Ángel se dedicaba principalmente a proyectos arquitectónicos, de los cuales creó muchos, y construyó varios edificios en Roma, entre ellos el complejo de edificios más importante de la Colina Capitolina, así como diseños para la Catedral de San Pedro. Petra.
En 1538, se instaló en el Capitolio una estatua ecuestre romana de bronce de Marco Aurelio. Según el diseño de Miguel Ángel, estaba enmarcado por tres lados por las fachadas de los edificios. El más alto de ellos es el Palacio de la Señora con dos escaleras. En las fachadas laterales había enormes pilastras corintias de dos pisos, rematadas con una cornisa con balaustrada y esculturas. El complejo del Capitolio estaba ricamente decorado con inscripciones y esculturas antiguas, cuyo simbolismo afirmaba el poder de la antigua Roma, inspirada en el cristianismo. En 1546 murió el arquitecto Antonio da Sangallo y Miguel Ángel se convirtió en el arquitecto principal de la Catedral de San Galo. Petra. El plan de Bramante de 1505 requería un templo céntrico, pero poco después de su muerte se adoptó el plan basílica más tradicional de Antonio da Sangallo. Miguel Ángel decidió eliminar los complejos elementos neogóticos del plan de Sangallo y volver a un espacio céntrico simple y estrictamente organizado, dominado por una enorme cúpula sobre cuatro pilares. Miguel Ángel no pudo implementar completamente este plan, pero logró construir las paredes traseras y laterales de la catedral con pilastras corintias gigantes con nichos y ventanas entre ellas. Desde finales de la década de 1540 hasta 1555, Miguel Ángel trabajó en el grupo escultórico Piedad (Catedral de Santa María del Fiore, Florencia). El cuerpo muerto de Cristo está en manos de St. Nicodemo y a ambos lados están sostenidos por la Madre de Dios y María Magdalena (se completa la figura de Cristo y en parte de Santa Magdalena). A diferencia de la Piedad de St. Pedro, este grupo es más plano y angular, centrándose en la línea quebrada del cuerpo de Cristo. La disposición de las tres cabezas inacabadas crea un efecto dramático poco común en obras sobre este tema. Quizás el jefe de St. Nicodemo era otro autorretrato del viejo Miguel Ángel, y el grupo escultórico en sí estaba destinado a su lápida. Al encontrar una grieta en la piedra, la rompió con un martillo; Posteriormente fue restaurado por sus alumnos. Seis días antes de su muerte, Miguel Ángel estaba trabajando en la segunda versión de la Piedad. Pietà Rondanini (Milán, Castello Sforzesca) probablemente se inició diez años antes. La solitaria Madre de Dios sostiene el cuerpo muerto de Cristo. El significado de esta obra es la trágica unidad de madre e hijo, donde el cuerpo está representado tan demacrado que no hay esperanza de volver a la vida. Miguel Ángel murió el 18 de febrero de 1564. Su cuerpo fue transportado a Florencia y enterrado solemnemente.
LITERATURA
Litman M.Ya. Miguel Ángel Buonarroti. M., 1964 Lazarev V.N. Miguel Ángel. - En el libro: Lazarev V.N. Viejos maestros italianos. M., 1972 Heusinger L. Michelangelo: un ensayo sobre la creatividad. M., 1996
Enciclopedia de Collier. - Sociedad Abierta. 2000 .
Probablemente sepas quién es Miguel Ángel Buonarroti. Las obras del gran maestro son conocidas en todo el mundo. Te contamos lo mejor que creó Miguel Ángel. Los cuadros con los títulos te sorprenderán, pero sus esculturas más poderosas son las que hacen que valga la pena sumergirse en el estudio de su obra.
Otro fresco de Miguel Ángel, ubicado en la Capilla Sixtina del Vaticano. Han pasado 25 años desde que se completó la pintura del techo. Miguel Ángel regresa para un nuevo trabajo.
Hay poco del propio Miguel Ángel en El Juicio Final. Inicialmente, sus personajes estaban desnudos y, abriéndose paso entre infinitas críticas, no le quedó más remedio que entregar la iconografía a los artistas papales para que la hicieran pedazos. "Vistieron" a los personajes y lo hicieron incluso después de la muerte del genio.
Esta estatua apareció por primera vez ante el público en 1504 en la Piazza della Signoria de Florencia. Miguel Ángel acababa de terminar la estatua de mármol. Salió de 5 metros y siguió siendo para siempre un símbolo del Renacimiento.
David está a punto de luchar contra Goliat. Esto es inusual, porque antes de Miguel Ángel todos representaban a David en el momento de su triunfo después de derrotar a un gigante abrumador. Pero aquí la batalla está por delante y aún no se sabe cómo terminará.
La Creación de Adán es un fresco y la cuarta composición central del techo de la Capilla Sixtina. Hay nueve en total y todos están dedicados. historias bíblicas. Este fresco es una ilustración única de la creación del hombre por parte de Dios a su propia imagen y semejanza.
El fresco es tan sorprendente que todavía rondan las especulaciones y los intentos de probar tal o cual teoría y revelar el significado de la existencia. Miguel Ángel mostró cómo Dios inspira a Adán, es decir, le infunde un alma. El hecho de que los dedos de Dios y Adán no puedan tocarse indica la imposibilidad de que lo material esté plenamente unido con lo espiritual.
Miguel Ángel Buonarroti nunca firmó sus esculturas, pero sí firmó ésta. Se cree que esto sucedió luego de que un par de espectadores discutieran sobre la autoría de la obra. El maestro tenía entonces 24 años.
La estatua resultó dañada en 1972 cuando fue atacada por el geólogo Laszlo Toth. Con un martillo en la mano, gritó que él era Cristo. Después de este incidente, Pietà fue colocada detrás de un cristal a prueba de balas.
La estatua de mármol de Moisés, de 235 cm de altura, se encuentra en la basílica romana de la tumba del Papa Julio II. Miguel Ángel trabajó en ello durante 2 años. Las figuras situadas a los lados, Raquel y Lea, son obra de los alumnos de Miguel Ángel.
Mucha gente tiene una pregunta: ¿por qué Moisés tiene cuernos? Esto se debió a la mala interpretación que hizo la Vulgata del Éxodo, un libro bíblico. La palabra "cuernos" traducida del hebreo también podría significar "rayos", lo que refleja más correctamente la esencia de la leyenda: a los israelíes les resultaba difícil mirar su rostro porque irradiaba.
La Crucifixión de San Pedro es un fresco de la Capilla Paolina (Ciudad del Vaticano). Uno de últimos trabajos maestro, que completó por orden del Papa Pablo III. Una vez terminado el fresco, Miguel Ángel nunca volvió a pintar y se centró en la arquitectura.
Tondo "Madonna Doni" es el único completado trabajo de caballete, sobreviviendo hasta el día de hoy.
Este es un trabajo completado antes de que el maestro ocupara la Capilla Sixtina. Miguel Ángel creía que la pintura puede considerarse más valiosa sólo si es perfectamente similar a la escultura.
Esta obra de caballete sólo ha sido considerada obra de Miguel Ángel desde 2008. Antes de eso, era simplemente otra obra maestra del taller de Domenico Ghirlandaio. Miguel Ángel estudió en este taller, pero casi nadie podía creer que se tratara de obra de un gran maestro, pues en ese momento no tenía más de 13 años.
Después de un cuidadoso examen de la evidencia, la información, la caligrafía y el estilo de Vasari, se reconoce que El tormento de San Antonio es obra de Miguel Ángel. Si esto es cierto, entonces trabaja en este momento considerado el más trabajo caro Arte jamás creado por un niño. Su coste aproximado es de más de 6 millones de dólares.
Escultura de Lorenzo de' Medici (1526 - 1534)
La estatua de mármol, una escultura de Lorenzo de Medici, duque de Urbino, fue creada a lo largo de varios años, desde 1526 hasta 1534. Se encuentra en la Capilla de los Medici y adorna la composición de la lápida de los Medici.
La escultura de Lorenzo II de' Medici no es un retrato de un verdadero Figura histórica. Miguel Ángel idealizó la imagen de la grandeza al representar a Lorenzo con consideración.
Bruto (1537 - 1538)
El busto de mármol “Bruto” es una obra inacabada de Miguel Ángel encargada por Donato Gianotti, quien era un republicano acérrimo, considerando a Bruto un auténtico luchador contra tiranos. Esto fue relevante en el contexto de la restauración de la tiranía florentina de los Medici.
Miguel Ángel se vio obligado a dejar de trabajar en el busto debido a los nuevos estados de ánimo en la sociedad. La escultura se conservó únicamente por su valor artístico.
Eso es todo para nosotros sobre Miguel Ángel Buonarroti. Las obras del maestro están lejos de estar representadas en su totalidad aquí, que es solo la Capilla Sixtina, pero las pinturas con títulos no le hablarán sobre el gran escultor como lo hacen sus esculturas de mármol. Sin embargo, cualquier obra de Miguel Ángel merece atención. Comparte lo que más te guste.
Todo el mundo sabe quién es Miguel Ángel, de una forma u otra. La Capilla Sixtina, David, La Piedad: esto es con lo que está fuertemente asociado este genio del Renacimiento. Mientras tanto, si profundizamos un poco más, es poco probable que la mayoría pueda responder claramente qué más recuerda el mundo al rebelde italiano. Ampliando los límites del conocimiento.
Miguel Ángel ganó dinero con falsificaciones.
Se sabe que Miguel Ángel comenzó con falsificaciones escultóricas, lo que le reportó mucho dinero. El artista compró mármol enormes cantidades, pero nadie vio los resultados de su trabajo (es lógico que se tuviera que ocultar la autoría). La más notoria de sus falsificaciones puede ser la escultura "Laocoonte y sus hijos", que ahora se atribuye a tres escultores rodios. La sugerencia de que esta obra podría ser una falsificación de Miguel Ángel fue hecha en 2005 por la investigadora Lynn Catterson, quien cita el hecho de que Miguel Ángel fue uno de los primeros en estar en el lugar del descubrimiento y fue uno de los que identificaron la escultura.
Miguel Ángel estudió a los muertos.
Miguel Ángel es conocido como un excelente escultor que supo recrear el cuerpo humano en mármol hasta el más mínimo detalle. Un trabajo tan minucioso requirió un conocimiento impecable de la anatomía, mientras tanto, al comienzo de su carrera, Miguel Ángel no tenía idea de cómo funciona el cuerpo humano. Para completar el conocimiento faltante, Miguel Ángel pasó mucho tiempo en la morgue del monasterio, donde examinó Gente muerta, tratando de comprender todas las complejidades del cuerpo humano.
Miguel Ángel odiaba la pintura.
Dicen que a Miguel Ángel sinceramente no le gustaba la pintura, que, en su opinión, era significativamente inferior a la escultura. Calificó de pérdida de tiempo pintar paisajes y naturalezas muertas, considerándolos “cuadros inútiles para damas”.
El maestro de Miguel Ángel se rompió la nariz por envidia
Cuando era adolescente, Miguel Ángel fue enviado a estudiar a la escuela del escultor Bertoldo di Giovanni, que existía bajo el patrocinio de Lorenzo de' Medici. El joven talento mostró gran diligencia y diligencia en sus estudios y rápidamente logró no solo el éxito en el campo escolar, sino que también se ganó el patrocinio de los Medici. Éxitos increíbles, atención desde fuera. personas influyentes y, aparentemente, una lengua afilada llevó al hecho de que Miguel Ángel se ganó muchos enemigos en la escuela, incluso entre los profesores. Así, según la obra de Giorgio Vasari, el escultor renacentista italiano y uno de los maestros de Miguel Ángel, Pietro Torrigiano, por envidia del talento de su alumno, se rompió la nariz.
Miguel Ángel estaba gravemente enfermo.
Durante los últimos 15 años de su vida, Miguel Ángel sufrió osteoartritis, una enfermedad que provoca deformidades en las articulaciones y dolores en las extremidades. Su trabajo le ayudó a evitar perder por completo su capacidad para trabajar. Se cree que los primeros síntomas aparecieron durante los trabajos en la Piedad florentina.
Además, muchos investigadores de la obra y la vida del gran escultor afirman que Miguel Ángel padecía depresión y mareos, que podrían haber aparecido como resultado del trabajo con tintes y disolventes, lo que provocó intoxicación del cuerpo y todos los demás síntomas que lo acompañaban.
Autorretratos secretos de Miguel Ángel
Miguel Ángel rara vez firmaba sus obras y nunca dejó un autorretrato formal. Sin embargo, logró capturar su rostro en algunas fotografías y esculturas. El más famoso de estos autorretratos secretos es parte del fresco del Juicio Final, que se puede encontrar en la Capilla Sixtina. Muestra a San Bartolomé sosteniendo un trozo de piel desollada que representa el rostro de nada menos que Miguel Ángel.
miguel ángel fue un poeta
Conocemos a Miguel Ángel como escultor y pintor, pero también fue un consumado poeta. En su portafolio se pueden encontrar cientos de madrigales y sonetos que no fueron publicados en vida. Sin embargo, a pesar de que los contemporáneos no pudieron apreciar el talento poético de Miguel Ángel, muchos años después su obra encontró público, por lo que en la Roma del siglo XVI la poesía del escultor era extremadamente popular, especialmente entre los cantantes que transcribían poemas sobre heridas mentales y discapacidades físicas a música.
Las principales obras de Miguel Ángel.
Hay pocas obras de arte en el mundo que puedan suscitar tanta admiración como estas obras del gran maestro italiano. Te invitamos a mirar algunas de las obras más famosas de Miguel Ángel y sentir su grandeza.
Miguel Ángel con razón llamado uno de los mayores genios Renacimiento italiano junto con Rafael. Era un verdadero todoterreno en el mundo del arte. Miguel Ángel no sólo fue un talentoso arquitecto, escultor y pintor, sino que escribió poemas y sonetos.
El propio maestro se inclinaba más hacia la escultura, pero bajo presión tuvo que hacer muchos trabajos que no le gustaban: pintar y crear frescos. Desafortunadamente, un gran número de sus obras no han sobrevivido hasta el día de hoy. Además, Miguel Ángel no tuvo tiempo de completar muchas de sus empresas. Pero primero lo primero.
El gran genio Miguel Ángel Buonarotti, nombre completo quien, Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni, nació el 6 de marzo de 1475 en Toscana, en la pequeña ciudad de Caprese. Su padre, Lodovico Buonarotti, era un noble empobrecido. La madre de Miguel Ángel murió de agotamiento cuando el niño tenía seis años. La joven no pudo soportar numerosos embarazos.
El padre, al no tener la capacidad económica para criar a todos sus hijos, entregó a Miguel Ángel para que lo criara una enfermera, en cuya familia el niño aprendió a trabajar con arcilla y cincel. De adulto, el maestro admitió que comenzó a amasar arcilla antes de escribir y leer.
Cuando Miguel Ángel tenía 13 años, su padre, al ver sus habilidades, envió a su hijo a Florencia para estudiar en el estudio del artista Domenico Ghirlandaio. Un año más tarde, el adolescente se trasladó a la escuela del escultor Bertoldo di Giovanni, patrocinado por Lorenzo di Medici, el gobernante de la República Florentina.
El político reconoció inmediatamente el talento del joven estudiante e invitó a Miguel Ángel a su servicio. Se cree que fue en esta época cuando Miguel Ángel creó los bajorrelieves "La batalla de los centauros" y "La Virgen cerca de las escaleras". Miguel Ángel permaneció en la corte de los Medici hasta la muerte de este último en 1492, y luego regresó a casa.
Desde 1495, el artista vive y trabaja de vez en cuando. En 1495 aparecieron en Florencia las esculturas “San Juan” y “Cupido durmiente” (perdidas). Un año después, Miguel Ángel llegó a Roma por invitación del cardenal Rafael Riario e hizo “Baco” y la “Piedad romana” o “Lamentación de Cristo”.
Luego otra vez Florencia, durante cuatro años completos. Allí, de 1501 a 1505, el maestro creó el famoso “David”, que se instaló en plaza principal ciudades. Además, pintó la "Madonna de Doni", creó el bajorrelieve "Madonna de Taddei", etc.
En 1505, el maestro viajó a Roma por invitación del Papa Julio II, quien inició la construcción de una nueva Basílica de San Pedro en el Vaticano, renovó la residencia papal y también construyó una tumba para él. Fue en esta tumba donde Miguel Ángel comenzó a trabajar.
Su creación duró varias décadas con interrupciones. Para ella, Miguel Ángel realizó las esculturas “Moisés”, “El esclavo moribundo”, “El esclavo atado” y “Leah”.
Según la leyenda, los malvados del escultor, al ver su superioridad, convencieron a Julio II de que mucha atención a su tumba es de mal augurio y puede acelerar la muerte. Se aconsejó al Papa que mantuviera a Miguel Ángel ocupado pintando, o más bien, que le confiara la pintura del techo de la Capilla Sixtina.
El maestro empezó a trabajar con el corazón apesadumbrado. Pero inesperadamente el proceso lo cautivó y en cuatro años pintó él solo toda la capilla. Cómo logró esto sigue siendo un misterio.
Después de la muerte de Julio II, Miguel Ángel trabajó en la Capilla de los Medici en Florencia y diseñó un nuevo diseño para la Colina Capitolina en Roma. Además, fue el arquitecto jefe de la Basílica de San Pedro.
Miguel Ángel murió a la edad de 88 años el 18 de febrero de 1564 en Roma, pero fue enterrado en su amada Florencia, en la Iglesia de Santa Croce.
Hasta el día de hoy, el maestro es conocido como un talentoso escultor y pintor, y pocas personas saben que Miguel Ángel era un poeta. Tras su muerte quedaron unos 300 poemas, madrigales y sonetos. Están dedicados al amor, la felicidad y la soledad.
