Salvatore Rosa. Auto retrato
La biografía del artista italiano Salvatore Rosa es muy inusual. Parecía que el destino le había preparado especialmente aventuras inesperadas y le había dotado del carácter de rebelde, y esto, a su vez, no podía evitar afectar su actividad creativa. No se interesó inmediatamente por la pintura; se buscó en lo espiritual, en la música y la actuación. Rosa nació en Italia el 20 de junio de 1615, en una época en la que se desarrollaba en el arte el barroco progresista y había una intensa lucha contra el manierismo.
La familia pobre del futuro artista vivía cerca de Nápoles. El padre, Antonio Vito de Rosa, era un simple agrimensor y para que el niño recibiera una buena educación, entregó a su hijo al colegio de la congregación jesuita de Somasca entre las ciudades de Bérgamo y Milán. Mientras estaba dentro de los muros de la Orden monástica, el niño Salvatoriello, acostumbrado a la diversión y los juegos en aire fresco, se sintió incómodo y aburrido. Sin embargo, el conocimiento que recibió de sus mentores espirituales le resultó útil en mayor creatividad. Entre las materias que Rose estudió estaban: literatura italiana, Sagrada Escritura, historia antigua y latín travieso. La universidad se convirtió en la única esperanza del padre de Salvatore para darle a su hijo una buena educación y sacarlo de la pobreza.
El deseo de recibir las órdenes sagradas creció sueño preciado conecta tu vida con el arte. Por lo tanto, Rosa comenzó a tomar lecciones de música y, solo después, de pintura. Los primeros maestros del joven fueron Francanzone, su cuñado y el gran Ribera. Además de las lecciones, Salvatore desarrolló su talento escribiendo pequeños bocetos de forma independiente.
Cuadro joven artista Se distinguió por el realismo y la naturalidad no solo de las tramas, sino también de los colores. Su paleta estuvo dominada por colores marrón ocre y tonos apagados. Los personajes tenían estados de ánimo y expresiones faciales comprensibles para la persona promedio, sin adornos ni grotescos. El maestro incluso pintó su autorretrato (1640) “modestamente” y “claramente”, siguiendo la dirección de la escuela de pintura napolitana.
Como sabes, Salvatore Rosa era un rebelde y tenía un carácter díscolo. El temperamento de su naturaleza marcó la pauta de sus obras. El artista era especialmente bueno pintando batallas y escenas con vagabundos y bandidos. Además, tanto temprano como trabajos tardíos El pintor tenía un toque de ocre rojo plomizo y la técnica de Caravadzhin de aplicar tonos contrastantes: un juego de sombras y luces ("Jasón pacifica al dragón", "La elección de Diógenes", "Alejandro y Diógenes").
Jason domando al dragón. 1665-70
La elección de Diógenes. 1650
En 1636, el artista decidió convertirse en actor, justo en el momento en que toda Roma ya conocía a Salvatore como Artista talentoso. Y aquí lo logró. Reveló su rostro durante la representación, arrancándole la máscara a Coviello, a quien interpretó, y luego fundó su propio teatro cerca de Port del Popolo. Siendo una luchadora constante contra el gobierno existente, Rosa fue perseguida y se convirtió en objeto de vigilancia por parte de sicarios que correteaban por el teatro. Durante este período, escribió el famoso cuadro "Alegoría de las mentiras", que ilustra su propio poema "Me quito el rubor y me pinto la cara". El cuadro está pintado en inusuales colores secos con una “pátina” de pintura esmeralda.
Una alegoría de mentiras. 1640
Salvatore, un talentoso pintor, poeta y actor, tenía muchos amigos en el mundo del arte y la literatura. El nombre del gran artista se menciona a menudo en las obras, diarios y cartas de los viajeros. Impulsada por su propio carácter inquieto y la buena compañía, Rosa crea historias sobre diversos temas, diversos, diferentes entre sí. Se trata de temas míticos y bíblicos, paisajes (“Paisaje de bosque con tres filósofos”) y retratos. La técnica con la que escribe no es particularmente brillante, pero da paz y crea el ambiente adecuado para el espectador.
Paisaje forestal con tres filósofos.
Rose se vio motivada, entre otras cosas, a crear historias románticas por su amor por una mujer. su amada largos años Estaba Lucrecia, quien le dio al artista dos hijos. Sólo antes de su muerte Salvatore se casó con una mujer, cumpliendo así con su deber en la tierra, dando continuidad a la familia y a él mismo en sus lienzos.
La muerte se apoderó del maestro en marzo de 1673 en Roma. La obra de Salvatore Rosa se convirtió en una escuela para futuros artistas no menos eminentes.
ROSE, SALVATTOR (Rosa, Salvator) (1615-1673), artista, actor y escritor italianoAutorretrato (Alegoría del silencio)
Galería Nacional, Londres
Como avisando, el artista nos mira por encima del hombro con una expresión triste y despectiva en el rostro. De hecho, la inscripción en el cartel que sostiene en sus manos dice: “Cállate si lo que quieres decir no es mejor que el silencio" El duro significado de este oscuro autorretrato se ve realzado aún más por la capa oscura y el sombrero negro del artista, que le dan una apariencia casi siniestra. Se alza amenazadoramente ante nosotros con el telón de fondo de un cielo extraño y sin horizonte. Rosa estuvo fuertemente influenciada por el duro realismo de Jusepe Ribera, que trabajó en Nápoles desde 1616. Salvator Rosa (20.6.1615–15.3.1673) nació en las cercanías de Nápoles, en el pueblo de Arenella. El padre de Rosa, Vito Antonio, era constructor o agrimensor, su madre, Giulia Greco, era hija del artista Vito Greco y hermana del pintor Domenico Antonio Greco. Rosa fue enviada al colegio jesuita de la congregación de Somasca en Nápoles, donde recibió una buena educación en artes liberales, estudiando literatura clásica, lógica, retórica e historia. Desde joven se interesó por la música, tocando el arpa, flauta, guitarra y componiendo serenatas. Salvator fue en realidad autodidacta, formado en el círculo de maestros de la escuela napolitana. Al principio copió las obras de Francesco Fracanzano, cuyas obras fueron populares entre los clientes e incluso fueron enviadas a la corte española. Luego estudió en el taller de Agnello Falcone, excelente dibujante y pintor de batallas.
Salvator Rosa se desarrolló en el ambiente napolitano no sólo como artista, sino también como “librepensador”. El sur de Italia fue la cuna de tales personalidades destacadas en la historia del país, como Giordano Bruno, Tommaso Campanella, Cesare Vanini. Estos valientes defendieron a su pueblo, sufrieron la opresión de los extranjeros, se rebelaron contra el terror de la Inquisición durante el período que se intensificó a partir del segundo mitad XVI siglo de la Contrarreforma, soñaba con la igualdad social del pueblo. Los maestros de Rosa, Agnello Falcone y Francesco Fracanzano, se encontraban entre los seguidores de estos “librepensadores” y ambos terminaron en las filas de los defensores de Tommaso Agnello, quien encabezó el levantamiento de las clases bajas contra los nobles (el comercio y la nobleza); élite financiera de la ciudad) y los barones (grandes terratenientes). Los héroes de las pinturas de Rosa serán los pobres: pescadores, cargadores, vagabundos lazzaroni, a quienes vio escondiéndose de la persecución de las tropas del virrey y, a veces, entablando batallas con ellos e infundiendo miedo a los nobles con sus ataques y robos inesperados.
paisaje forestal
Un día, Giovanni Lanfranco vio los cuadros de Rosa expuestos. maestro famoso Pintura barroca monumental, que trabajó en Nápoles. Incluso compró varias de sus obras. En 1635 Salvator Rosa abandonó ciudad natal y se trasladó a Roma, donde comenzó su agitada vida. De 1640 a 1649 vivió en Florencia y luego durante el período posterior (1649-1673) en Roma.
En Roma, Rosa encontró un mecenas rico en la persona de un tal Girolamo Mercuri, un napolitano, mayordomo del cardenal Brancacci de Viterbo. El Cardenal, al notar el talento del artista, lo sacó de la casa de Mercurio. Para la residencia del arzobispo de Viterbo, Rosa realizó un retablo en la iglesia de San Sixto.
Habiendo abandonado Roma por algún tiempo, Salvator Rosa continuó exhibiendo sus obras en la exposición romana de los miembros de la congregación Virtuosos del Panteón (creada en 1543), que se celebra anualmente el 29 de agosto, en honor al Día de San Juan. Bautista (San Giovanni Decolato) en el patio de la Iglesia de San Bartolomeo dei Padri Bergamaschi. En 1639, el cuadro de Rosa Titius logró un gran éxito en esta exposición. Mucho más tarde, en la década de 1650, Salvator Rosa volvería a sorprender al público romano en la fiesta de San Giovanni Decolato. Su cuadro Fortuna (1658-1659) se convertirá en una sensación escandalosa, por lo que intentarán llevar al artista a juicio de la Inquisición.
"Alegoría de la Fortuna" ca. 1658-59
Museo Getty. Los Ángeles Sólo la intervención del cardenal Chigi le salvará de la cárcel. Rose representó a la diosa del Destino distribuyendo monedas, piedras preciosas, libros de una cornucopia, que van a los cerdos, un toro, un burro, una oveja, un carnero (a sus pies hay una paleta, por lo tanto, esta es una alegoría de un mal pintor ), y no a personas dignas. El rostro de Fortuna se parecía al de una mujer pública, por quien se sentía atraído un noble clérigo. Esta fue una audaz insinuación de la injusticia de distribuir honores a personas que no son dignas, pero que obtienen el éxito mediante la adulación, el engaño y la adulación.
Los paisajes y poemas de Rosa tienen un eco de la tradición poética napolitana; parecen un poco toscos en comparación con el estilo melódico y dulce del poeta napolitano, el contemporáneo de Rosa, J.B. Marino, que ganó fama en las cortes europeas, o los paisajes de Nicolas Poussin con su naturaleza ennoblecida e idealmente tranquila. Las imágenes de la poesía de Rosa están lejos de las descripciones de los “jardines de la dicha” en las letras de Marino. Además, la pintura de paisajes del artista, en la que su rica imaginación se combina sutilmente con observaciones de campo, genera un sentimiento emocional completamente diferente al de los paisajes de la Campania romana de Poussin. Este es un sentimiento emocional especial en siglo XIX Se llamará una percepción “romántica” de la naturaleza.
Las figuras de vagabundos o guerreros entre desfiladeros de montañas, viajeros en el camino, pescadores, cargadores, jugadores de cartas en la orilla del mar evocan asociaciones en los lienzos de Salvator Rosa no con imágenes literarias, como en las pinturas de Claude Lorrain, a quien le encantaba colocarlas. en el escenario, entre las escenas en forma de árboles o edificios arquitectónicos, figuras de personajes de las obras de Virgilio, Ovidio, del Antiguo Testamento. La naturaleza, extraordinaria y misteriosa, siempre domina los paisajes de Rose.
Un ángel se aparece a Agar e Ismael en el desierto.
El éxito de sus paisajes entre sus clientes, aparentemente, fue en parte una carga para Salvator Rosa. En la sátira “Pintura” escribió con sarcasmo: “Con grave asombro... Reflexiono sobre el hecho de que casi todo artista pierde su talento cuando comienza a tener éxito, porque ve cómo es honrado y las cosas que pintó con facilidad. encontrar un lugar para ellos... Por lo tanto, ya no se molesta con el trabajo excesivo y, completamente perezoso, felizmente se convierte en un burro”. Sin embargo, el artista se convirtió en creador de verdaderas obras maestras. pintura de paisaje siglo XVII. Uno de sus primeros paisajes más poéticos es el lienzo “Puente Viejo” (c. 1640).
"Paisaje con un puente destruido" ca. 1640.
Óleo sobre lienzo 106X127 cm.
Palacio Pitti, Florencia.
En Roma, Salvator Rosa se dedicó a pintar escenas de batalla.
La batalla de los cristianos con los turcos. Década de 1650 En sus grandes composiciones panorámicas, colocó en primer plano la escena de una frenética batalla de guerreros, y el fondo estaba formado por montañas, ruinas de templos, torres y palacios. En la sátira “La guerra” (1647), el artista expresó su actitud ante el levantamiento: “¡Mira con qué valentía el pescador, despreciable, descalzo, un gusano, recibió tantos derechos en un día! Mira este alma elevada en el humilde, que para salvar su patria... hundió en la nada las más altas cabezas... ¿No se renuevan los antiguos valores si hoy el despreciado pescador da ejemplo a los reyes...? Salvator Rosa que representa figuras de jinetes, se han conservado fragmentos. escenas de batalla. El corpus de sus dibujos en su conjunto no es muy amplio, aunque se le considera un dibujante prolífico entre los maestros del Barroco.
Fragmento de un grabado de la colección Rose
Entre sus dibujos destacan “El jinete del caballo caído”, “San Jorge matando al dragón” y el grabado “Jasón y el dragón” (realizado para el lienzo del mismo nombre a partir de una escena de las “Metamorfosis” de Ovidio). Y a veces las imágenes de sus dibujos están llenas de lirismo ("Apolo y Dafne"), observación aguda ("Laudista bajo un árbol", "Dos figuras en un paisaje", "Pescador").
Alegoría de mentiras
En Florencia se crearon dos obras destacadas de Salvator Rosa: el ya mencionado "Autorretrato" (hacia 1648) y la Alegoría de las mentiras (década de 1640). Nos permiten juzgar su actitud en el período 1640-1649, su difícil relación con un mundo lleno de accesorios teatrales y no de sinceridad. Rose solía pintar su reflejo en el espejo. En el cuadro "Alegoría de las mentiras", el artista parece mayor que en el "Autorretrato" de Londres.
“Autorretrato” Óleo sobre lienzo, 99 x 79 cm.
Museo Metropolitano de Arte. NUEVA YORK. En Florencia estaba escrito " retrato de un hombre"(década de 1640). Aparentemente se trata también de un autorretrato, en el que Rosa se representa a sí mismo disfrazado de Pascariello, uno de sus personajes favoritos de la commedia dell'arte. Los investigadores de su obra también ven similitudes con el artista en la imagen del antiguo matemático, diseñador y filósofo Arkita, a quien se representa sosteniendo una paloma mecánica que él mismo diseñó (“Arkita, filósofo de Tarento”).
Entre los retratos de Salvator Rosa, cabe destacar el "Retrato de un hombre" (década de 1640), que representa a un hombre de clase baja, un vagabundo o un campesino.
"Retrato de un hombre" década de 1640
Óleo sobre lienzo, 78 x 65 cm.
Museo Estatal del Hermitage. San Petersburgo. Con sus harapos y una venda en la cabeza, se parece a los ladrones, cuyas figuras al artista le gustaba introducir en sus paisajes (“Ladrones en la cueva”). Transmitido de manera convincente personaje femenino y en “Retrato de Lucrecia”, la amada del artista. Rosa estuvo cercana a la florentina Lucrezia hasta el final de sus días, llamándola muy respetuosamente “Signora Lucrezia” en sus cartas.
Lukreciya.
Durante su estancia en Florencia, y luego en Roma, Rosa creó obras en el género de las llamadas "diableries" o "stregonerie" (del italiano - stregonerie), es decir, escenas de brujería y diablura.
"Los demonios y el ermitaño".
Brujas en sus encantamientos ("El sábado de las brujas") La apelación a temas similares que representan brujas, herramientas de brujería (libros antiguos, instrumentos astronómicos, objetos simbólicos) estuvo muy extendida en la pintura europea del siglo XVII ("Fragilidad humana", 1657; "Yo mismo -retrato con una calavera, 1656-1675). En el primer cuadro, una mujer sentada con un niño en su regazo es una alegoría de la maternidad. El niño escribe en un pergamino, pero su pluma es guiada por la mano de la muerte, personificada por un esqueleto alado y espeluznante.
“Fragilidad humana” Óleo sobre lienzo, 199 x 134 cm.
Museo Fitzwilliam, Cambridge. Herma, coronada con una corona de ramas de ciprés (el árbol de los cementerios y los dolores), un obelisco (símbolo de la memoria), una esfera de cristal sobre la que se sienta una mujer (símbolo del destino de la vida), un búho (pájaro de la noche ), otro bebé de pie en una cuna, encendiendo el extremo del hilo en la punta, una rueca (símbolo de la fragilidad de la vida, ya predeterminada para un bebé en la cuna), dos cuchillos (emblema de la separación forzada), una inscripción en un pergamino ("La concepción es un pecado, el nacimiento es un tormento, la vida es un trabajo tedioso, la muerte es una inevitabilidad fatal") de un famoso poema, versos que en la canción que envió al artista J.B. Ricciardi; La firma de Rose en la hoja del cuchillo (una alegoría de la separación de su hijo fallecido prematuramente): todo este complejo conjunto de símbolos revela la profunda tragedia de sus experiencias.
"Demócrito en meditación" ca. 1650
Óleo sobre lienzo, 344 x 214 cm.
Museo Estatal letras Copenhague
"Paisaje marino con torres" después de 1645
Óleo sobre lienzo, 102 x 127 cm.
Galería Palatina (Palazzo Pitti), Florencia.
En Florencia, Salvator Rosa continúa creando escenas de batalla y pintando paisajes (Paisaje con Mercurio y un leñador, ca. 1650; “Paisaje con Apolo y la sibila de Cumas” (década de 1650), “Paisaje con el sermón de Juan Bautista”, década de 1660).
Juan el bautista predicando en el desierto.
A finales de la década de 1640 y en la de 1650, las tendencias clasicistas se intensificaron en la obra de Salvator Rosa. Intenta dominar las técnicas de la pintura de “alto estilo”, recurriendo a temas de historia antigua y mitología, hasta temas bíblicos. Sin embargo, al artista le resulta difícil lograr un rechazo de la interpretación de género del personal, por lo que la didáctica con la que se presenta el significado moral de las tramas a veces parece grosera. Esto se aplica a pinturas como "La vocación de Cincinnatus", "La arboleda de los filósofos" (Paisaje con tres filósofos),
Los filósofos escriben “Agar e Ismael en el desierto”, antes de trasladarse a Roma. Pasar al género histórico, a la estilística del "alto estilo" iba en contra del talento del artista, por lo que no siempre pudo lograr el éxito y el reconocimiento deseados en este camino.
En 1660 Salvator Rosa se trasladó a Roma.
Cada vez más, Salvator Rosa recurre a historias de historia antigua y la mitología, que conlleva un significado ético y moral (“El hijo pródigo” y “Astraea abandona la tierra”, década de 1660). Las ideas del estoicismo se expresan con especial claridad en este último. Los héroes de las obras de Rose son Diógenes, el filósofo cínico griego; San Pablo el Eremita, ermitaño, santo cristiano, el primero de los ermitaños de Egipto que optó por una vida solitaria en aras de la reflexión; Demócrito, el mayor lógico antiguo, predecesor de Aristóteles.
Odiseo y Nausicaa
Demócrito y Protágoras Rosa intentan comprender filosóficamente la historia en las pinturas "La muerte de Atilio Régulo" y "La conspiración de Catilina", y en los grabados "Belisario" y "Laomidonte". Él recurre a las imágenes historia legendaria(“Saúl con la bruja de Endor”), crea su serie de grabados “Capricci” (1656) y, finalmente, escribe su famoso lienzo “Prometeo”, lleno de profundos pensamientos sobre la retribución por la virtud y la injusticia del mundo.
Prometeo El cuadro “El sueño de Eneas” está estrechamente relacionado con los temas romanos.
"El sueño de Eneas" Nueva York. Metropolitano. Rose le da un significado filosófico moralista a la pintura de género histórico "Alejandro Magno y Diógenes". El pobre filósofo estoico que se atrevió a decirle al más grande de los generales: “¡Apártate y no me tapes el sol!” parece un anciano excéntrico que entabla una conversación con un guerrero poderoso.
"El hijo pródigo" 1651-55
Óleo sobre lienzo, 254 x 201 cm.
Museo Estatal del Hermitage. San Petersburgo.
El lienzo El hijo pródigo es una de las obras maestras del artista. En esta obra, Salvator Rosa aparece como uno de los herederos más evidentes y originales del caravaggismo, que durante este período ya iba perdiendo terreno paulatinamente.
EN Años despues Salvator Rosa creó muchos dibujos a lo largo de su vida. Entre ellas se encuentran imágenes caricaturizadas de personas que visitaron su casa, imágenes románticas de él mismo, afluencias de fantasía: reproducciones de figuras de la serie Capricci, a menudo transferidas a pinturas. Después de 1664, Rosa ya no se dedicó al grabado debido al fuerte deterioro de su vista.
En 1668, en la siguiente exposición del día de San Giovanni Decolato, Salvator Rosa expuso el cuadro El espíritu de Samuel, llamado a Saúl por la hechicera de Endor. Trama dramática en la pintura del género "alto", adquirió una interpretación satírica, casi ridícula, en la interpretación del artista.
“La aparición de la sombra del profeta Samuel al rey Saúl” 1668
Óleo sobre lienzo, 275 x 191 cm.
Lumbrera. París. Salvatore Rosa murió el 15 de marzo de 1673 en Roma a causa de la hidropesía. Antes de su muerte, el artista se casó con su amante Lucrecia, con quien vivió muchos años y tuvo dos hijos.
"Lucrecia como poesía" 1640-1641
Óleo sobre lienzo 1.040 x 910 cm.
Museo de Arte Wadsworth Atheneum. HartfordEl gran maestro barroco italiano Salvator Rosa tuvo una influencia significativa en el desarrollo pintura italiana. Bajo la influencia de su arte se formó el talento de Magnasco, Ricci y varios otros maestros. El arte de Salvatore Rosa también inspiró a los pintores. era romantica.
"Pitágoras y el pescador" 1662
Óleo sobre lienzo, 132 x 188 cm.
Museo Nacional. Berlina
"Paisaje rocoso con cazador y guerrero" c. 1670
Óleo sobre lienzo, 142 x 192 cm.
Lumbrera. París
Paisaje con Mercurio y el Leñador deshonesto
86.
"Batalla heroica" 1652-64
Óleo sobre lienzo, 214 x 351 cm.
Lumbrera. París
Un ángel saca a San Pedro
Diógenes tirando su copa.1651
“Jason hechiza al dragón” versión 2
"Paisaje nocturno" 1640-43
Óleo sobre lienzo, 99 x 151 cm.
Colección privada
"Paisaje fluvial con Apolo y Sibila" c. 1655
Óleo sobre lienzo, 174 x 259 cm.
Colección real. Windsor
"Jason hechiza al dragón" ca. 1665-1670
Museo Bellas Artes. Montréal
“Guerrero” Óleo sobre lienzo
Galería de la Universidad, Siena
“Retrato de un Filósofo” Óleo sobre lienzo, 119 x 93 cm.
Colección privada
"Pitágoras emerge del inframundo" 1662
Museo de Arte Kimbel, Texas Fort Worth
"Diógenes arrojando su copa" década de 1650
Óleo sobre lienzo, 219 x 148 cm.
Colección privada
Heráclito y Demócrito
Autorretrato de Salvator Rosa
"Jason hechiza al dragón"
Demócrito
Como maestro del siglo XVII, Salvator Rosa en su obra logró revelar profundamente una de las principales características de la estética barroca: la síntesis de lo trágico y lo cómico. En sátiras y lienzos, habló sobre la imagen del verdadero "teatro de la vida" de su época, hizo que lectores y espectadores sintieran la profundidad de su don dramático y la sutil ironía inherente al evaluar las imperfecciones de la vida.
Basado en el libro de E.D. Fedotova “Salvator Rosa” (serie “Maestros de la pintura. Artistas extranjeros") http://www.art-catalog.ru/article.php?id_article=568
salvador rosa
http://art-line.co.ua/baroque/italian_baroque/
En 1615 nació un niño en la casa del topógrafo y arquitecto Vitantonio Rosa en la pequeña ciudad de Arenella, cerca de Nápoles. Lo llamaron Salvador. Desde las ventanas de la ruinosa finca Casaccio se disfrutaba de una maravillosa vista de Nápoles y del volcán Vesubio. Alrededor del pueblo había muchos lugares que encantaban por su belleza: el alto peñón de San Elmo, la fortaleza de Borgo di Arenella, construida durante el reinado de Carlos V, las colinas de Vomero y Posilipo, la isla de Capri, la costa de el Golfo de Nápoles con aguas cristalinas. Todas estas imágenes quedarán luego plenamente reflejadas en las pinturas de Salvator Rosa. CON primeros años El futuro artista intentó plasmar en pequeños trozos de papel las imágenes de la naturaleza que le entusiasmaban.
Al notar en su hijo el deseo por el conocimiento, la ciencia y el arte, sus padres decidieron inscribirlo en el Colegio Jesuita de la Congregación Somasca, ubicado en Nápoles. Allí Salvator Rosa recibió una educación variada: estudió literatura clásica, estudió gramática, retórica, lógica. Entre otras cosas, recibí educación musical, aprendió a tocar el arpa, la flauta, la guitarra e incluso intentó componer pequeñas obras musicales(son conocidas las serenatas-doncellas escritas por él). Algunas serenatas eran tan populares entre los napolitanos que las cantaban día y noche bajo las ventanas de sus amantes.
Después de un tiempo, Salvator Rosa abandona la universidad y regresa a su ciudad natal, Arenella, donde conoce al artista local Francesco Fracanzano, antiguo alumno del muy popular maestro de pintura español Jusepe Ribera en aquellos días. Después de haber visto los cuadros de Francesco, Salvator hace varias copias de ellos, por lo que merece los elogios de Fracanzano, quien logró discernir en el joven el talento de un verdadero artista y le aconsejó que se dedicara a la pintura en serio.
A partir de ahora Rosa dibuja mucho. En busca de nuevas imágenes, viaja por las montañas de Abruzzo. En esta época aparecen paisajes que representan los valles del Monte Sarkio con un volcan extinto, las grutas de Palignano, las cuevas de Otranto, así como las ruinas de las antiguas ciudades de Canusia y Brundisia, las ruinas del arco y anfiteatro de Benevento.
Allí, en los Abruzos y en Calabria, el joven artista conoció a ladrones vagabundos, entre los que se encontraban aquellos que habían sido expulsados de la sociedad de personas "respetables" por sus pensamientos audaces y amantes de la libertad. La aparición de estos bandidos sorprendió tanto a Salvator que decidió capturarlos en su álbum. Sus imágenes se utilizaron luego en las composiciones posteriores del maestro ya maduro (aquí conviene recordar el grabado de la suite Capricci, que muestra la captura de un joven por ladrones liderados por el cacique), y también quedaron reflejadas en pinturas. que representan escenas de batalla.
El viaje fue fructífero y significativo para el desarrollo de la creatividad paisajística del joven pintor. Durante sus viajes, realizó numerosos bocetos de vistas de la naturaleza italiana.
Luego transferidos a pinturas, estos paisajes son inusualmente realistas, vivos y naturales. Parece como si la naturaleza sólo se hubiera quedado dormida por un momento. Parece que en un segundo todo cobrará vida, soplará una ligera brisa, los árboles se mecerán, los pájaros gorjearán. En los paisajes de la Rosa se encuentra enorme fuerza, expresión especial. Las figuras de personas y edificios, formando parte de un todo, se combinan armoniosamente con imágenes de la naturaleza.
La primera exposición de Salvator Rosa tuvo lugar en Nápoles. Uno de los que notó y apreció el trabajo del joven artista fue el famoso maestro. pintura monumental Giovanni Lanfranco, que compró varios paisajes para la exposición.
A mediados de los 30. siglo XVII Salvator Rosa se traslada a Roma, la capital mundial de las bellas artes, donde reinan el Barroco y el Clasicismo. Fue en Roma donde Rosa conoció las obras de grandes maestros de la pintura como Miguel Ángel, Rafael, Tiziano y Claude Lorena. Su estilo de escritura influyó en gran medida en el desarrollo del método creativo y la técnica artística y visual de Rosa. Esto es más notable en pinturas con paisajes marinos. Así, "Seaport" fue escrito en las mejores tradiciones de C. Lorrain. Sin embargo, el joven artista va más allá que el maestro. Su paisaje es natural y concreto: las imágenes ideales, incluso abstractas, de Lorena son reemplazadas aquí por figuras de pescadores comunes de Nápoles.
Unos meses más tarde, Rosa, gravemente enferma, abandona la exuberante y bella capital de Italia. No regresó hasta 1639. En el verano de este año se celebró un carnaval en Roma, en el que Rosa actuó como actor itinerante disfrazado de Coviello (un plebeyo que no había aceptado su destino). Y si otros Coviello hicieron todo lo posible por parecerse lo más posible a verdaderos campesinos, entonces Rosa interpretó su máscara a la perfección, componiendo toda una actuación y mostrándolo cantando y tocando la guitarra, alegre, sin desanimarse ante ninguna circunstancia y adversidad de la vida. hombre joven. La acción de carnaval tuvo lugar en Piazza Navona. Salvator Rosa con un pequeño grupo de actores partió en un carro ricamente decorado con flores y ramas verdes. El éxito de Rose fue enorme. Una vez finalizado el carnaval, todos se quitaron las máscaras. Imagínense la sorpresa de quienes lo rodeaban cuando se descubrió que bajo la apariencia de un campesino se encontraba nada menos que Salvator Rosa.
Después de esto, Rosa decidió dedicarse a la actuación. No lejos de Porta del Popolo, en una de las villas vacías, abre su propio teatro. Los críticos e historiadores de arte desconocen el contenido de las obras representadas bajo la dirección de Rosa. Sin embargo, hay hechos que hablan por sí solos: tras el estreno de la obra, en la que los actores ridiculizaban el teatro de la corte bajo la dirección del entonces famoso arquitecto y escultor Lorenzo Bernini, alguien contrató asesinos para Rosa. Lo acecharon cerca de su casa. Afortunadamente, el intento de asesinato no tuvo lugar: el joven sobrevivió. Sin embargo, debido a estas circunstancias, se vio obligado a abandonar Roma nuevamente.
Respondiendo a la invitación del cardenal Giovanni Carlo Medici, Rosa viaja a Florencia. Aquí el artista crea el famoso “Autorretrato”.
El lienzo se distingue por su ejecución única. El joven presentado en el retrato parece algo anguloso. Sin embargo, se percibe en él una energía exuberante, una extraordinaria fuerza de voluntad y determinación. En el cuadro, un joven se apoya en un tablero con una inscripción en latín: “Avt tace, Avt Loqver meliora silentio” (“O guardas silencio o dices algo mejor que el silencio”). Esta inscripción suena como la reflexión de toda la obra de arte y al mismo tiempo como el credo del joven representado en el lienzo (y, por tanto, del propio pintor).
El artista domina con maestría el juego de luces y sombras. La expresividad de la imagen se logra precisamente mediante el efecto de sombra, que se convierte de manera nítida y, a veces, incluso inesperada, en puntos de luz.
No es casualidad que la figura de un joven se ubique sobre el fondo del cielo nocturno: la imagen de un joven orgulloso e independiente vestido con ropa oscura se destaca sobre un fondo claro y, por lo tanto, se vuelve más cercana y comprensible para el espectador. .
En la misma línea se crearon las famosas sátiras de Rosa, entre las que ocupan un lugar especial “Poesía”, “Música”, “Envidia”, “Guerra”, “Pintura”, que se convirtió en una especie de himno del joven escritor y artista. . Aquí el autor dice que los pintores, al ser servidores de una de las hermanas del arte, la creatividad artística y visual, deben conocer bien la historia, la etnografía y las ciencias exactas. El estilo de Rose en poesía, así como en pintura, se manifestó en su totalidad. Sus poemas son enérgicos, impetuosos, emocionales y, en algunos lugares, demasiado groseros y duros. Son una especie de oposición a la manera cursi y artificialmente teatral de construir y sonar las formas poéticas que se desarrollaron en ese momento en la literatura.
Salvator Rosa permaneció en Florencia hasta 1654. Su casa, según los recuerdos de sus contemporáneos, fue el lugar donde más gente famosa: poeta R. Giambatisti, pintor y escritor F. Baldinucci, científico E. Torricelli, profesor de la Universidad de Pisa G. B. Ricciardi.
Una de las ideas centrales del arte barroco era “enseñar discretamente al espectador o al lector, enseñar a través de la belleza”. Siguiendo esta regla tácita, los artistas crearon lienzos, al mirarlos el espectador tenía asociaciones muy específicas que evocaban imágenes. héroes literarios. Y viceversa, según los escritores del período barroco, una obra poética debe ser tal que, después de leerla, aparezcan ante los ojos del lector imágenes pintorescas, brillantes y coloridas.
La obra de Salvator Rosa es la etapa inicial en la formación y desarrollo de una nueva forma pictórica: la pintura de paisaje. Las obras construidas de esta manera combinan elementos que existen realmente en la vida cotidiana y otros que son ficticios.
En 1649, Salvator Rosa abandonó Florencia y se dirigió a Roma, donde se instaló en Monte Pincio, situado en la Piazza della Trinita del Monte. Desde las ventanas de la casa había una vista maravillosa de la Catedral de San Pedro y del Cerro Quirinal. Al lado de Rose vivían los famosos artistas de la época, Nicolas Poussin y Claude Lorrain, y no lejos de la casa del pintor se encontraba la Villa Medici.
Desde la aparición de Salvator Rosa en Florencia, los vecinos de la calle Monte Pincio se han dividido en dos bandos. Un grupo estaba dirigido por un joven de aspecto ascético, Nicolas Poussin. Otro, en el que había músicos famosos, cantantes y poetas, encabezados por Rose.
Salvator Rosa convirtió una de las habitaciones de su casa en taller. Sus paredes estaban decoradas con obras originales del artista. El maestro trabajó constantemente, creando lienzos de diverso contenido: religioso, mitológico y temas historicos. Su credo era el trabajo constante, la mejora de la tecnología. Le dijo a todo el mundo que " fiebre estelar“(como dirían ahora nuestros contemporáneos) puede destruir incluso el talento más fuerte y brillante. Por lo tanto, incluso después de que el maestro haya alcanzado la fama y el reconocimiento universal, es necesario continuar trabajando en uno mismo y en sus obras.
EN período tardío El trabajo creativo de Salvator Rosa a menudo gira en torno a temas bíblicos y antiguos. Para el artista lo más importante aquí es transmitir el espíritu mismo de esa época y sus características. El maestro intenta, por así decirlo, revivir, revivir todo lo que existió mucho antes de aquellos cuyas vidas sirvieron de fuente de historias fabulosamente hermosas e instructivas.
Hay suficientes de ellos Pinturas famosas“La justicia que desciende a los pastores” (1651), “Odiseo y Nausicaa”, “Demócrito y Protágoras” (1664), “El hijo pródigo”.
El cuadro "La justicia que desciende a los pastores" se pintó basándose en el famoso argumento de las "Metamorfosis" de Ovidio. En el lienzo, el espectador ve a la diosa Justicia, entregando a los pastores una espada y una balanza de la justicia. La idea principal de la pintura se puede definir de la siguiente manera: la verdadera justicia sólo es posible entre la gente corriente.
"Odiseo y Nausicaa", "Demócrito y Protágoras" fueron escritos por Salvator Rosa después de llegar de Venecia, donde conoció las pinturas de pintores venecianos (incluido Paolo Veronese, en cuyas mejores tradiciones se crearon las obras mencionadas).
En la película "El hijo pródigo", la trama, en comparación con la parábola del Evangelio, resulta algo simplificada y mundana. Así, el héroe se presenta como un simple campesino napolitano. Aquí tampoco hay un entorno exuberante: hijo pródigo Se vuelve a Dios rodeado de carneros y vacas. El enorme tamaño del lienzo que representa una escena ligeramente modificada evoca un sentimiento de burla y sarcasmo sobre lo que se considera buen gusto en la sociedad. Rosa aparece aquí como sucesora de las ideas del realismo, cuya formación comienza con la obra de Miguel Ángel da Caravaggio.
En 1656, Salvator Rosa comenzó a trabajar en un ciclo compuesto por 72 grabados, llamado “Capricci”. Las imágenes representadas en estas hojas son campesinos, ladrones, vagabundos, soldados. Algunos detalles de los grabados son característicos de los primeros trabajos de Rosa. Esto sugiere que, muy posiblemente, el ciclo incluía bocetos realizados en la infancia, así como durante un viaje a las montañas de los Abruzos y Calabria.
El gran maestro de la pintura, poeta, maravilloso actor y director de representaciones dramáticas falleció en 1673.
El nombre de Rose está rodeado de leyendas. Era una persona apasionada y polifacética que se interesaba no sólo por la pintura y el grabado, sino también por la poesía, la música, el canto y el arte dramático. En sus obras poéticas expresó reflexiones sobre la vida, una actitud elevada hacia el éxito y el reconocimiento, hacia las relaciones con clientes nobles, hacia la independencia creativa, que valoraba por encima de todo. La valentía de las opiniones de Rosa se evidencia en el hecho de que sus sátiras fueron posteriormente prohibidas por la censura del Vaticano. Igualmente brillante y audaz para la época fue la pintura de Rosa, en la que expresó ideas filosóficas y moralizantes. Las palabras de su sátira “Pintura”: “Príncipes, siento la tentación de gritar, aunque... con vosotros necesito callar y fingir”, suenan desafiantemente dirigidas a los representantes de los círculos más altos, hacia quienes el El artista, que siempre defendió su dignidad, se comportó sin ceremonias: fijó precios elevados, se negó a regalar la obra o, por el contrario, la donó generosamente. Por sus sátiras burlonas y agudas alegóricas. pinturas Rose tenía muchos malvados.
A la negativa a aceptarlo como miembro de la Academia Romana de San Lucas, respondió con la sátira "Envidia", y en el lienzo "Fortuna" (1658-1659, Londres, Galería Marlborough) representó los regalos del destino derramados. de una cornucopia, que no van a quienes los reciben dignos, sino a los animales, en cuyas imágenes se reconocieron muchas personas influyentes. Las constantes duras críticas e incluso la atención de la Inquisición le acompañaron durante toda su vida.
Las pinturas de Rosa revelaron su actitud exigente ante la vida, su enorme temperamento y su amor por la vida. Nació en el pequeño pueblo de Arenella, cerca de Nápoles. En el colegio de los jesuitas estudió latín, historia, literatura antigua y italiana. Estudió pintura con su tío A.D. Greco y un tiempo en el taller de Ribera. Del seguidor español de Caravaggio heredó un estilo amplio de pintura con fuertes contrastes de luces y sombras, una predilección por el tipo folclórico tosco en lienzos sobre temas religiosos, mitológicos e históricos, en escenas de “brujería” e imágenes de ladrones y vagabundos, lo que sonaba como un desafío al alto arte oficial.
Hay información que Trabajo independiente Rosa comenzó pintando pequeños paisajes, que pintaba mientras deambulaba por las montañas o navegaba en barcos de pesca por las costas del golfo de Nápoles. Incluyó constantemente estos motivos en sus obras. Los paisajes y puertos deportivos de Rose transmiten características Naturaleza napolitana: montañas, costas rocosas, espacio marino infinito con veleros, siluetas de torres y faros, figuras de marineros y pescadores. El artista le da una apariencia romántica, presentando imágenes de viajeros misteriosos, vagabundos, soldados envueltos en capas, representando edificios antiguos, arroyos de montaña, árboles secos, salientes de rocas afiladas y cuevas.
A veces, como si tratara de correlacionar su arte con el estilo clasicista "alto", introduce en sus pinturas personal mitológico ennoblecido, pintando de una manera pictórica tranquila con transiciones graduales de luces y sombras ("Paisaje con Apolo y la Sibila de Cumas ”, Londres, Colección Wallace). Al expresar sus reflexiones filosóficas, Rose a menudo introduce figuras de sabios antiguos en los paisajes: en el cuadro "La arboleda de los filósofos" (Florencia, Galería Pitti), su personaje favorito Diógenes señala a un niño bebiendo agua de un arroyo, pidiendo libertad y unidad con la naturaleza.
En Roma, donde el artista, que aspiraba a la fama, llegó hacia 1630, recibió un encargo del cardenal Brancacci, pero la obra terminada no tuvo éxito. Pero su nombre se hizo conocido gracias a la sátira escrita sobre el famoso escultor y arquitecto romano L. Bernini. En respuesta, los amigos de Bernini montaron una obra de teatro en la que se retrataba a Rosa como una advenediza y una vagabunda. El artista se salvó del escándalo gracias a una invitación a servir en Florencia con el futuro cardenal J.K. Médicis.
A partir de 1640, Rosa pasó unos diez años en Toscana. Aquí adquirió amigos y mecenas influyentes. El artista llamó en broma al círculo de personas educadas que visitaban su casa “La Academia de los Magullados”. Era el alma de las conversaciones y obras de teatro que se componía y representaba bajo la apariencia de Pascariello. En el cuadro "Retrato de un hombre" (década de 1640, San Petersburgo, Museo Estatal del Hermitage), Rosa pudo haberse representado a sí mismo en la imagen de Pascariello. Esta es una imagen de una vida, irónica, persona lista tal como era el artista. El “Autorretrato” (c. 1645, Londres, National Gallery) también se remonta al período de su estancia en Florencia. Rose se pintó con una capa echada al hombro, con el rostro lleno de amargura y ira. La inscripción en latín dice: "O guardas silencio o dices algo mejor que el silencio". Al parecer, expresa el estado de ánimo de aquellos años, que también transmiten las sátiras.
Durante el período florentino también se representaron escenas de “batallas” (Batalla de los cristianos con los turcos, ca. 1640, Florencia, Galería Pitti), que el artista recurrió a menudo a la pintura. Estas composiciones barrocas transmiten no un evento específico, sino la dinámica y el patetismo de la lucha. Las figuras de guerreros y caballos se fusionan formando grandes masas en movimiento. Una feroz batalla tiene lugar en el contexto de un paisaje de ciudades imaginarias con torres de fortaleza. La atmósfera luminosa fue pintada con magnífica habilidad, dando unidad a los planos y suavidad de las transiciones de luces y sombras, que enfatizan la claridad de las formas plásticas. La expresividad de estos grandes lienzos también viene dada por la evolución tonal de unos pocos, pero colores ricos. Las “batallas” no representan acontecimientos históricos reales, pero transmiten el eco de una época llena de violencia, derramamiento de sangre y atrocidades. "Es necesario abastecerse de botas, porque todo está inundado de maldad, hay sangre por todas partes...", escribió el artista en la sátira La guerra.
Las conspiraciones y levantamientos de los pobres en Nápoles durante la época de Rosa eran historia viva. Las montañas se vieron inundadas de rebeldes fugitivos, ladrones, dispuestos a apoyar la rebelión contra los españoles que dominaban el Reino de Nápoles. Rosa introdujo imágenes de estas personas en su arte; el mismo tipo se encuentra en una serie de grabados del artista Capricci. Quizás en su juventud, viajando por las montañas, conoció a estas personas. En el lienzo “Soldados jugando a los dados” (década de 1650, Moscú, Museo Estatal Bellas Artes a ellos. COMO. Pushkin), las figuras están inscritas en el paisaje, con montañas o nubes arremolinadas, los gestos son misteriosos y teatrales, y las escenas parecen al mismo tiempo muy realistas y fantásticas, llenas de júbilo romántico.
Incluso en su juventud, el artista se sintió atraído por la representación de escenas de brujería, cuyos orígenes no deben buscarse tanto en los misterios callejeros y las adivinaciones carnavalescas, tan difundidos desde la Edad Media, sino en el interés por el tipo popular asociado con estos fenómenos. Estos tipos coloridos atrajeron a muchos maestros que heredaron esta tradición de Caravaggio. Motivo escenas antiguas Rose utilizó la brujería en las pinturas del género histórico "alto". El cuadro "Saúl con la hechicera de Endor" (Louvre) representa al asustado rey Saúl, que cayó a los pies del amenazante profeta Samuel, envuelto en un sudario, convocado desde la tumba por la hechicera. El esqueleto se congeló siniestramente en una risa espeluznante: una imagen de una muerte inminente y aterradora. historia bíblica Rose interpreta con grotesco y despojador pintura historica patetismo del “alto estilo”. Se burla de las supersticiones y prejuicios de su época, un desafío audaz a los círculos oficiales.
La influencia de Salvator Rosa en los tiempos modernos arte italiano fue muy significativo. Tuvo muchos seguidores que imitaron su estilo. Muchos maestros europeos del romanticismo también vieron en Rose a su predecesora.
Elena Fedótova
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