Los rostros de las personas en la mayoría de las pinturas del artista están oscurecidos o vueltos hacia un lado. Esto se hace para expresar emociones y permitir que el cuerpo "hable". “Siempre he tratado de mostrar al mundo sólo los momentos positivos de la vida. Espero que mi trabajo traiga alegría, paz y consuelo a la vida del espectador”, dice Hanks.
Acuarela lluviosa de Lin Ching Che
El talentoso artista Lin Ching-Che tiene 27 años. Está inspirado en la lluvia otoñal. Las calles nubladas de la ciudad no hacen que un hombre se sienta melancólico y abatido, sino que le dan ganas de coger un cepillo. Lin Ching Che pinta con acuarelas. Con agua colorida glorifica la belleza lluviosa de las megaciudades.
La fantasía hirviente de Arush Votsmush
Bajo el seudónimo de Arush Votsmush se esconde un talentoso artista de Sebastopol, Alexander Shumtsov. El artista dice sobre sus pinturas: “No intento demostrar nada a nadie con mis obras. Primero que nada, lo disfruto. Esta es una droga de pura creatividad. O una vida limpia, sin dopaje. Simplemente un milagro."
El encanto de París en las obras de Thierry Duval
El artista nacido en París Thierry Duval ha viajado mucho. De ahí la presencia de series enteras de pinturas basadas en “características geográficas”. Sin embargo, París fue y sigue siendo el lugar favorito del autor. La mayor parte de las obras está dedicada específicamente a la ciudad de los enamorados. Tiene su propia técnica de superposición de acuarelas, lo que le permite crear pinturas con detalles casi hiperrealistas.
Calma vespertina de Joseph Zbukvic
Hoy en día, el australiano de origen croata Joseph Zbukvic es considerado uno de los pilares de la pintura con acuarela en todo el mundo. El artista se enamoró de la acuarela literalmente desde el primer trazo; quedó impresionado por la naturaleza salvaje y la individualidad de esta técnica.
Secretos de Oriente a través de los ojos de Myo Vin Ong
El artista Myoe Win Aung dedicó toda su obra a su Birmania natal, su vida cotidiana y sus vacaciones, los laicos y los monjes, los pueblos y ciudades. Este mundo es tranquilo, vestido de colores suaves, misterioso y ligeramente pensativo, como la sonrisa de Buda.
Increíble acuarela de Joe Francis Dowden
El artista inglés Joe Francis Dowden pinta acuarelas hiperrealistas. Y cree que todo el mundo puede hacer esto, sólo es necesario conocer los secretos de la técnica. El secreto de su inspiración es sumamente simple: “Tira tus libros de texto de acuarela y piérdete en un bosque real”.
La magia del ballet de Liu Yi
Las acuarelas de este artista chino pueden fácilmente considerarse arte sobre el arte. Después de todo, su tema favorito son las imágenes de personas directamente relacionadas con él, por ejemplo, bailarinas o músicos clásicos. La forma en que se presentan en las pinturas es peculiar: las personas parecen emerger de una fina neblina, emocionales y muy características. Hasta cierto punto se hacen eco de las imágenes de bailarinas. artista francésÉdgar Degas.
Pintura solar de Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki recibió educación artística y dedicó 20 años a la docencia, sin renunciar nunca a su sueño de convertirse en artista. En 2008 abandonó definitivamente la profesión docente y se dedicó por completo a la autorrealización creativa.
Mañana campestre de Christian Granju
Todavía blogueo diferentes artistas y observo más de cerca el gouache que usa la gente. (Yo también tengo la mía, pero hay que ver lo que hace la gente). Me di cuenta de que, personalmente, la acuarela no es adecuada para el aire libre. Necesito algo con más cobertura y secado más rápido. Y al mismo tiempo menos caprichoso. Por lo tanto, el gouache ahora parece ser una opción más óptima para el trabajo al aire libre, cuando las condiciones de luz y clima cambian muy rápidamente y realmente no hay comodidades.
Todavía no estoy preparado para el óleo, necesito llevar conmigo demasiadas cosas pesadas, incluidos lienzos o tablas para trabajar, además de caja especial para bocetos para que no se manchen durante el transporte. Y ahora, cuando estoy preparado para trabajar con acuarelas, pasteles y lápices de colores, mis hombros simplemente se salen. Tanto es así que después de los últimos viajes del mes pasado estoy viviendo con Voltaren. Este no es algún tipo de persona, en todo caso. Este es un ungüento para dolores musculares y articulares.
Mis artistas de plein air favoritos en este momento son James Gurney y Nathan Fowkes. Resultó que ambos son ilustradores, como yo, que practican el aire libre o dibujan de la vida en busca de inspiración y para desarrollar sus músculos artísticos. No los elegí específicamente basándome en este principio, simplemente sucedió así. James es famoso por su “Dinotopia” (por cierto, recientemente se publicó su libro sobre dibujo en ruso “Color and Light”, en inglés aquí: Color and Light: A Guide for the Realist Painter (James Gurney Art)), y Nathan es un artista animador (puedes aprender de él en www.schoolism.com). Y me gusta mucho la imprudencia y la velocidad con la que ambos compañeros trabajan al aire libre con gouache, que hasta las yemas de los dedos les pican; yo mismo quiero apresurarme y esculpir con gouache o caseína.
Obras de James Gurney desde aquí.
Obras de Nathan Fawkes desde aquí
Estos son mis héroes ahora, básicamente. En mis obras me gustaría pasar del natural de las tuberías detalladas a un trazo más libre. Pero no porque haya dejado de amar languidecer en los detalles; esto no sucederá, los adoro. Pero como me gustaría ver después el plein air listo o casi obras terminadas, que podría usarse para pinturas más serias. Porque ahora, mientras recuerdo los bocetos del natural y completo los dibujos, de memoria y de fotografías, ya no tengo fuerzas para una repetición más amplia.
Mientras buscaba variedades de gouache, me encontré con otro ilustrador talentoso, al que no vincularé aquí porque me provoca algunas contradicciones internas. Además, a menudo me encontré con el hecho de que es inútil preguntar a los ilustradores occidentales sobre los materiales o algunas sutilezas del trabajo. En el 90% de los casos, simplemente no responden y no se centran especialmente en cómo funcionan exactamente. Entiendo perfectamente su posición, pero creo que es uf. Pero luego resultó que hay aún más. superlativo. El talentoso ilustrador, con quien NO me vinculo, responde muy claramente todas las preguntas sobre la técnica y los materiales utilizados: “Por favor envíame un correo electrónico para adquirir la información”. Al principio pensé que simplemente estaba mal escrito cuando vi la firma debajo de una de las obras después de la lista de materiales utilizados. Porque la información de compra es información sobre una compra, pero comprar información es compra de información. Pero no. En realidad, una persona sólo comparte información por dinero. Y todavía no entiendo cómo me siento al respecto.
Por un lado, tiene razón. Esta información tampoco le cayó del cielo. Invirtió tiempo y dinero en su técnica de trabajo. Da miedo pensar cuánto dinero he gastado ya en encontrar los materiales que mejor se adaptan a mí. Así es con él. ¿Por qué debería ahora compartir con alguien gratis? Yo mismo me he encontrado muchas veces con el hecho de que mi historias detalladas o temas y lecciones reflexivos que la gente recibió de forma gratuita, se utilizaron para clases magistrales completas, es decir, se monetizaron y todo pasó a mí a la alcancía de otra persona, incluida la alcancía del reconocimiento. Pero también existe el intercambio creativo. Sin él no hay desarrollo normal. Sólo hay estancamiento. ¿Qué pasaría si fuera mi información, que compartí desde el corazón, la que ayudara a algún artista genial a ponerse de pie? Después de todo, sin él el mundo sería un lugar mucho más pobre.
Otro punto. Personalmente, no estoy dispuesto a pagarle a una persona por información de la que puedo prescindir fácilmente (bueno, buscaré más para ver qué hay allí). Para una clase magistral, sí. Y en una frase, con qué tipo de rodillo aplica la pintura o en qué proporciones la diluye, lo más probable es que no. Aunque ¡esto también es un pago por el tiempo dedicado a las explicaciones! ¿Y si este detalle en particular me ayudara más que cualquier clase magistral? Un tema muy complejo.
¿Qué opinas sobre esto? ¿Los artistas están haciendo lo correcto cuando monetizan todo su conocimiento? ¿Son geniales o es asqueroso? Por favor, no me cuentes sobre la media dorada, que puedes compartirla gratis y al mismo tiempo convertirla en billetes a través de varias clases magistrales y ventas. No se habla de esto. Ya está claro que puedes hacerlo de forma inteligente, como. ¿Qué pasa con el intransigente: “Para comprar esta información escríbeme un correo electrónico”?
Los rostros de las personas en la mayoría de las pinturas del artista están oscurecidos o vueltos hacia un lado. Esto se hace para expresar emociones y permitir que el cuerpo "hable". “Siempre he tratado de mostrar al mundo sólo los momentos positivos de la vida. Espero que mi trabajo traiga alegría, paz y consuelo a la vida del espectador”, dice Hanks.
Acuarela lluviosa de Lin Ching Che
El talentoso artista Lin Ching-Che tiene 27 años. Está inspirado en la lluvia otoñal. Las calles nubladas de la ciudad no hacen que un hombre se sienta melancólico y abatido, sino que le dan ganas de coger un cepillo. Lin Ching Che pinta con acuarelas. Con agua colorida glorifica la belleza lluviosa de las megaciudades.
La fantasía hirviente de Arush Votsmush
Bajo el seudónimo de Arush Votsmush se esconde un talentoso artista de Sebastopol, Alexander Shumtsov. El artista dice sobre sus pinturas: “No intento demostrar nada a nadie con mis obras. Primero que nada, lo disfruto. Esta es una droga de pura creatividad. O una vida limpia, sin dopaje. Simplemente un milagro."
El encanto de París en las obras de Thierry Duval
El artista nacido en París Thierry Duval ha viajado mucho. De ahí la presencia de series enteras de pinturas basadas en “características geográficas”. Sin embargo, París fue y sigue siendo el lugar favorito del autor. La mayor parte de las obras está dedicada específicamente a la ciudad de los enamorados. Tiene su propia técnica de superposición de acuarelas, lo que le permite crear pinturas con detalles casi hiperrealistas.
Calma vespertina de Joseph Zbukvic
Hoy en día, el australiano de origen croata Joseph Zbukvic es considerado uno de los pilares de la pintura con acuarela en todo el mundo. El artista se enamoró de la acuarela literalmente desde el primer trazo; quedó impresionado por la naturaleza salvaje y la individualidad de esta técnica.
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El artista Myoe Win Aung dedicó toda su obra a su Birmania natal, su vida cotidiana y sus vacaciones, los laicos y los monjes, los pueblos y ciudades. Este mundo es tranquilo, vestido de colores suaves, misterioso y ligeramente pensativo, como la sonrisa de Buda.
Increíble acuarela de Joe Francis Dowden
El artista inglés Joe Francis Dowden pinta acuarelas hiperrealistas. Y cree que todo el mundo puede hacer esto, sólo es necesario conocer los secretos de la técnica. El secreto de su inspiración es sumamente simple: “Tira tus libros de texto de acuarela y piérdete en un bosque real”.
La magia del ballet de Liu Yi
Las acuarelas de este artista chino pueden fácilmente considerarse arte sobre el arte. Después de todo, su tema favorito son las imágenes de personas directamente relacionadas con él, por ejemplo, bailarinas o músicos clásicos. La forma en que se presentan en las pinturas es peculiar: las personas parecen emerger de una fina neblina, emocionales y muy características. Hasta cierto punto, se hacen eco de las imágenes de bailarinas del artista francés Edgar Degas.
Pintura solar de Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki ( Abe Toshiyuki) recibió una educación artística y dedicó 20 años a la enseñanza, sin renunciar nunca a su sueño de convertirse en artista. En 2008 abandonó definitivamente la profesión docente y se dedicó por completo a la autorrealización creativa.
Mañana campestre de Christian Granju
El francés Christian Granu (
La artista de Vorónezh, Olga Brazhnikova, es conocida por sus brillantes y soleadas obras realizadas en gouache. El camino hacia el arte no fue fácil para ella; dejó su trabajo como diseñadora, ingresó en la Escuela de Arte de Voronezh y este año se graduó en la Universidad Pedagógica con un título en " bellas artes" Olga trabaja principalmente con gouache y destruye los estereotipos asociados a este material. Para Umbra Media, la artista mostró el estudio de su casa y contó cómo la creatividad cambió su vida.
Sobre estudiar
“Huir del trabajo en la fábrica”
- ¿Cuándo te diste cuenta de que querías ser artista?
Siempre me gustó dibujar, pero en la mente de mis padres (mi madre trabajaba como contadora, mi padre todavía trabaja en una fábrica de aviones), ser artista no es una profesión seria. Entonces tuve que ir a la escuela de aviación. No entiendo cómo pude terminarlo. Mi habilidad para dibujar me ayudó, hice periódicos murales para las pruebas. Cuando terminé mis estudios, me di cuenta de que nunca iría a la fábrica. Y fue a la noche escuela de arte para tener al menos algo para mi alma. La profesora me sugirió que ingresara en la Escuela de Arte de Voronezh.
- ¿Cómo percibieron tus padres que querías ser artista?
No creían que lo haría. Fue una historia divertida. ¡Papá dijo que conocía a un hombre que podía dibujar un retrato de Lenin con un palo en la arena! Y si no puedo hacer eso, entonces no soy un artista. A pesar de todo, me preparé para la admisión, tomé cursos durante 2 o 3 meses y estudié dibujo por separado con un profesor. Y cuando entré, mis padres me apoyaron y estaban felices. Y sólo más tarde, cuando mis obras empezaron a ser llevadas a exposiciones, creyeron en mí. Después de la universidad, terminé en una empresa de defensa, donde todavía trabajo como diseñador. Tuve un descanso bastante largo, siete años, pero luego decidí volver a la pintura y la creatividad. En 2013 ingresó en la Universidad Pedagógica Estatal de Voronezh, donde se graduó este año.
Acerca de los materiales
“Pocas personas creen que mis cuadros están pintados al gouache”
- ¿Por qué elegiste el gouache, qué te interesa de este material?
Me interesé por el gouache en el instituto pedagógico. Antes lo percibía más bien como una etapa de transición al petróleo. Pero ahora este es mi material favorito. Se seca rápidamente, es inodoro, da trazos texturizados y colores brillantes. Pinto empaste, no diluyo el gouache con agua. Normalmente dibujo en papel grueso. El petróleo, por supuesto, no es tan conveniente para trabajar en un apartamento. Sobre todo teniendo en cuenta que mi gato intenta constantemente meterse en algún tipo de frasco. Una vez que estaba pintando al óleo, me distraí un rato y ella ya se metió en pintura azul y dejó huellas de patas por todo el apartamento. Luego pasamos toda la noche limpiando estas marcas.
- ¿Qué opinas de que a menudo se llame al gouache un material "para niños"?
Creo que esto es un estereotipo y un prejuicio. Fue en gouache, según mis colegas, que desarrollé propio estilo. Cuando publico mis obras en Internet, muchas personas escriben lo sorprendidas que están de que los cuadros estén pintados con gouache y no al óleo. aguada - no la creatividad de los niños, pero material decente. Me parece que se pueden crear obras maestras con cualquier material; el material no juega aquí un papel primordial.
- ¿Qué te inspira?
Me encantan los paisajes urbanos. Me fascinan las casas que han vivido y tienen su propia historia. Normalmente camino por la ciudad, fotografío historias y luego escribo en casa. Me encanta el derroche de color y los trazos texturizados. y de artistas contemporáneos Me inspiran mucho las acuarelas de Arush Votsmush.
- ¿En qué ambiente te gusta trabajar: en silencio o con música?
Cuando escribo, escucho principalmente buen rock antiguo. Algunas de mis bandas favoritas son Aquarium y The Doors.
Existe una creencia generalizada de que la educación académica "mata" la individualidad del artista. ¿Qué opinas sobre esto?
Creo que la educación artística es más importante que nunca. Cuando ve las mismas lecciones en video a través de Internet, no participa en el proceso, pero esto es necesario. Creo que la educación académica ayuda a adquirir habilidades de dibujo. Estudié con Alexander Starilov, fue un artista, arquitecto e innovador polifacético. Creía que es necesario tener una educación clásica y luego buscar su propio estilo; el mismo primitivismo no nace de la nada. Y estoy de acuerdo con él.
Acerca de la implementación
“Un artista es más que una profesión”
- ¿Cómo consigues compaginar trabajo como diseñadora, creatividad y familia?
Es difícil, escribo sobre todo los fines de semana. Y la hija ya es adulta, no es necesario que estés con ella todo el tiempo, ya tiene muchos intereses propios. Durante el período en el que no dibujaba, constantemente sentía que me lo estaba perdiendo. Ahora no voy a dejar la pintura, me gusta ser creativa y buscar. Ser artista es para mí el sentido de la vida y más que una profesión. Crear un cuadro es una especie de misterio para mí, aunque, por supuesto, desde un punto de vista técnico no lo hay. Pero el proceso siempre es intrigante; me pregunto qué resultará al final.
- ¿Cuáles son tus planes en el futuro próximo? ¿Te gustaría tener tu propio taller?
Tengo muchas ganas de participar en exposiciones y no aislarme en mi propio espacio. Espero que pronto pueda tener una exposición personal en escuela de arte. Y el taller tal vez sea sólo una cuestión de un futuro lejano. Por ahora, todas mis obras caben en el apartamento. Recientemente completamos renovaciones. Las paredes estaban especialmente pintadas de blanco para poder colgar cuadros. Organicé el espacio de trabajo para que hubiera aire alrededor y mucha luz. Hasta ahora no se ha llenado de todo tipo de objetos y detalles interesantes, pero creo que esto no durará mucho.
En un verano sofocante en el campo o en una tormenta de nieve prolongada. Sin salir de casa, puedes inspirarte en frutas comunes o colores inusuales. El sujeto no intenta girar la cabeza, como en un retrato, y no cambia las sombras en luces cada segundo, como en un paisaje. Eso es lo bueno del género de naturaleza muerta. Y "naturaleza muerta" traducida del francés, o " vida tranquila cosas" en la versión holandesa, realmente da vida al interior. Natalya Letnikova presenta los 7 mejores bodegones de artistas rusos.
"Violetas del bosque y nomeolvides"
Violetas del bosque y nomeolvides.
La pintura de Isaac Levitan, como un cielo azul y una nube blanca, es del cantante de la naturaleza rusa. Solo que en el lienzo no hay espacios abiertos nativos, sino un ramo de flores silvestres. Dientes de león, lilas, acianos, siemprevivas, helechos y azaleas... Después del bosque, el estudio del artista se convirtió “o en un invernadero o en una floristería”. Levitan amaba los bodegones de flores y enseñó a sus alumnos a ver tanto el color como las inflorescencias: "No deben oler a pintura, sino a flores".
"Manzanas y hojas"
manzanas y hojas
Las obras de Ilya Repin realzan orgánicamente el brillante escenario del Museo Ruso. El artista itinerante compuso una composición para su alumno Valentin Serov. Resultó tan pintoresco que el propio profesor tomó el pincel. Seis manzanas de un jardín corriente, magulladas y con “barriles”, y un montón de hojas hechas jirones. colores de otoño, como fuente de inspiración.
“Ramo de flores. flox"
Ramo de flores. flox
Pintura de Ivan Kramskoy. "Una persona talentosa no perderá el tiempo representando, digamos, palanganas, peces, etc. Es bueno hacer esto para las personas que ya lo tienen todo, pero nosotros tenemos mucho que hacer", le escribió Kramskoy a Vasnetsov. Y, sin embargo, el género de la naturaleza muerta al final de la vida. famoso retratista No lo ignoré. En la XII edición se presentó un ramo de flox en un jarrón de cristal. exposición itinerante. El cuadro fue comprado antes del día de la inauguración.
"Bodegón"
Bodegón
Kazimir Malevich camino a la “Plaza Negra” a través del impresionismo y el cubismo, evitando el realismo. Un frutero es fruto de búsquedas creativas, incluso dentro de la misma imagen: gruesas líneas negras de la técnica cloisonné francesa, platos planos y fruta voluminosa. Todos los componentes de la imagen están unidos únicamente por el color. Característica de un artista: brillante y rica. como un desafío colores pasteles vida real.
"Arenque y Limón"
Arenque y limón
Cuatro niños y pintura. Esta combinación en la vida de un artista dicta inequívocamente el género. Esto es lo que pasó con Zinaida Serebryakova. Numerosos retratos familiares y naturalezas muertas, a partir de las cuales se puede crear un menú: “Cesta de frutas”, “Espárragos y fresas”, “Uvas”, “Pescado con verduras”... En manos de un verdadero maestro, “Arenque y limón ”se convertirá en una obra de arte. Poesía y sencillez: piel de limón en espiral y pescado sin florituras.
"Naturaleza muerta con samovar"
Naturaleza muerta con samovar
Un alumno de Serov, Korovin y Vasnetsov, "Jota de Diamantes": a Ilya Mashkov le encantaba retratar el mundo que nos rodea, sí más brillante. Figuras de porcelana y begonias, calabazas... Carne, caza, en el espíritu de los viejos maestros, y pan de Moscú, bocetos del mercado de Smolensk de la capital. Y según la tradición rusa, ¿dónde estaríamos sin un samovar? Una naturaleza muerta de la zona de la vida festiva con frutas y platos vistosos se complementa con una calavera, un recordatorio de la fragilidad de la vida.
"Estudiar con medallas"
Estudiar con medallas
Naturaleza muerta al estilo soviético. El artista del siglo XX Anatoly Nikich-Krilichevsky mostró en un cuadro la vida completa de la primera campeona mundial soviética de patinaje de velocidad, María Isakova. Con copas, detrás de cada una de las cuales hay años de entrenamiento; medallas que se ganaron en una encarnizada lucha; letras y enormes ramos. Hermosa foto para el artista y una crónica artística de éxitos deportivos. Historia de naturaleza muerta.
GOUACHE
Traducido de palabra francesa"gouache" significa "pintura al agua". Las pinturas gouache tienen un gran poder cubriente y son opacas, aunque se pueden diluir con agua (ver Pinturas).
Utilizando la técnica del gouache, los artistas pintan sobre papel, cartón, madera contrachapada y seda gruesa. Las obras tienen una superficie mate y aterciopelada. Pero cuando se usa gouache, surgen sus propias dificultades: las pinturas se aclaran rápidamente después del secado. Se necesita una experiencia considerable para predecir el grado de cambio de tono y color.
El gouache era ampliamente conocido ya en la Edad Media, cuando se utilizaba para crear miniaturas de libros(generalmente en combinación con acuarelas) en muchos países de Asia y Europa, y en el Renacimiento: bocetos, cartulinas, retratos en miniatura. En Rusia, la técnica del gouache ha alcanzado un alto nivel de desarrollo en el arte. finales del XIX- principios del siglo XX Los artistas V. A. Serov, A. Ya Golovin, S. V. Ivanov pintaron grandes trabajos de caballete, utilizando con maestría su color denso para conseguir impresionantes efectos decorativos.
Artistas famosos utilizan la técnica del gouache de diferentes formas. Así, el cuadro "Feria" de B. M. Kustodiev fue pintado de forma enmarcada, de forma decorativa. El pintor mostró la ropa colorida de las personas y de los edificios en general, especialmente las hileras de tiendas de campaña, los tejados y detrás de ellos una franja oscura de bosque.
B. M. Kustodiev. Justo.
1908. Papel, gouache.
B. M. Kustodiev. Justo.
1908. Papel, gouache.
Un notable maestro del gouache fue A. S. Stepanov, conocido por sus obras dedicadas a paisajes y animales. Una de sus mejores obras es “Lobos”. Los depredadores, hambrientos y cautelosos, están escritos de manera sorprendentemente vívida. Bleden luz de la luna, el cielo se ilumina misteriosamente. La combinación de colores azul plateado crea una sensación de frío nocturno.
Los artistas de la asociación World of Art recurrieron a menudo a la técnica del gouache. A menudo combinaban gouache con otros materiales. Por ejemplo, en la obra "El paseo del rey", A. N. Benois utilizó acuarela, oro y plata además de gouache. Aplicación de dos últimos materiales le dio al cuadro la pompa, tan característica de los entonces habitantes de Versalles.
A. N. Benois. Paseo del Rey
A. N. Benois. Paseo del Rey
1906. Papel sobre cartulina, gouache, acuarela,
pintura bronce, pintura plateada,
lápiz de grafito, bolígrafo, pincel
Galería estatal Tretiakov
Muy a menudo, los carteles y bocetos se realizan con gouache. escenografía teatral, trabajos de diseño decorativo.
Cómo trabajar con gouache
Para trabajar con gouache, lo mejor es utilizar una paleta de porcelana o plástico con agujeros para pinturas en los bordes o simplemente una pequeña pizarra blanca plana (30x40 cm). Los pinceles son redondos y planos (ver Pinceles). Puedes utilizar cepillos de cerdas cuando trabajes en paneles decorativos, carteles y lemas. Pero aquí también necesitarás plumas de cartel o palos afilados en forma de espátula. Y cuando trabaje en una superficie grande, utilice un cepillo plano, un cepillo de cerdas planas. Cubrir la superficie con gouache varias veces sin esperar a que se seque la pintura. Si hay algún desnivel, nivele todo el plano con una flauta húmeda. Primero, dibuje las rayas secuencialmente de izquierda a derecha horizontalmente y luego sobre el revestimiento. No aplique una capa de pintura demasiado espesa: se agrietará y se desmoronará fácilmente. El gouache se seca a temperatura ambiente durante una hora.
Es mejor trabajar en una tableta, pero también puede usar un borrador: una tableta de madera contrachapada con un marco exterior que sujeta los bordes del papel o con dos marcos insertados uno en el otro.
Pinte con gouache sobre papel de dibujo blanco, papel de regalo o cartulina gris. Para estirar el papel de manera uniforme sobre la tableta, colóquelo de modo que sus bordes de cada lado sean de 2 a 4 cm más grandes que la tableta. Luego humedece ambos lados del papel con una esponja hasta que quede plano. Después de eso, seque el papel con un algodón y engrase los bordes de la tableta con pasta de harina o dextrina. Comience a pegar desde el centro de la tableta, tirando uniformemente en todas las direcciones. Asegure las esquinas con botones. Para secar, coloque la tableta terminada horizontalmente en un lugar nivelado, con el lado del papel hacia arriba. Su material para trabajar con pinturas gouache está listo.
La majestuosa y diversa pintura rusa siempre deleita a los espectadores con su inconstancia y perfección. formas artísticas. Esta es una característica de las obras de famosos maestros del arte. Siempre nos sorprendieron con su extraordinario enfoque en el trabajo, su actitud reverente hacia los sentimientos y sensaciones de cada persona. Quizás esta sea la razón por la que los artistas rusos representaron con tanta frecuencia composiciones de retratos que combinaban vívidamente imágenes emocionales y motivos épicamente tranquilos. No es de extrañar que Maxim Gorky dijera una vez que un artista es el corazón de su país, la voz de toda una época. De hecho, las majestuosas y elegantes pinturas de los artistas rusos transmiten vívidamente la inspiración de su época. Como aspiraciones autor famoso Anton Chejov, muchos buscaron traer a las pinturas rusas el sabor único de su gente, así como un sueño insaciable de belleza. Es difícil subestimar las extraordinarias pinturas de estos maestros. arte majestuoso, porque bajo su pincel nacieron obras verdaderamente extraordinarias de diversos géneros. Pintura académica, retrato, foto historica, paisajes, obras del romanticismo, el modernismo o el simbolismo: todos ellos siguen aportando alegría e inspiración a sus espectadores. Todos encuentran en ellos algo más que colores coloridos, líneas elegantes y géneros inimitables del arte mundial. Quizás tal abundancia de formas e imágenes con las que sorprende la pintura rusa esté relacionada con el enorme potencial del mundo que rodea a los artistas. Levitan también dijo que cada nota de naturaleza exuberante contiene una paleta de colores majestuosa y extraordinaria. Con tal comienzo, aparece una extensión magnífica para el pincel del artista. Por lo tanto, todas las pinturas rusas se distinguen por su exquisita severidad y su atractiva belleza, de la que es tan difícil separarse.La pintura rusa se distingue legítimamente del mundo. artes artisticas. El caso es que hasta el siglo XVII, pintura domestica se asoció exclusivamente con un tema religioso. La situación cambió con la llegada al poder del zar reformador Pedro el Grande. Gracias a sus reformas, los maestros rusos comenzaron a participar en pintura secular, hubo una separación de la pintura de iconos como una dirección separada. El siglo XVII es la época de artistas como Simon Ushakov y Joseph Vladimirov. Luego en ruso mundo del arte Así nació el retrato y rápidamente se hizo popular. En el siglo XVIII aparecen los primeros artistas, pasando de pintura de retrato al paisaje. Se nota la marcada simpatía de los artistas por los panoramas invernales. El siglo XVIII también fue recordado por el surgimiento de la pintura cotidiana. En el siglo XIX, tres movimientos ganaron popularidad en Rusia: el romanticismo, el realismo y el clasicismo. Como antes, los artistas rusos continuaron recurriendo al género del retrato. Fue entonces cuando aparecieron los mundialmente famosos retratos y autorretratos de O. Kiprensky y V. Tropinin. En la segunda mitad del siglo XIX, los artistas representaron cada vez más al pueblo ruso común en su estado oprimido. El realismo se convierte en el movimiento central de la pintura de este período. Fue entonces cuando aparecieron los artistas itinerantes, que representaban sólo la vida real. Bueno, el siglo XX es, por supuesto, la vanguardia. Los artistas de esa época influyeron significativamente tanto en sus seguidores en Rusia como en todo el mundo. Sus pinturas se convirtieron en las precursoras del arte abstracto. La pintura rusa es una enorme mundo asombroso artistas talentosos que glorificaron a Rusia con sus creaciones
La artista de Vorónezh, Olga Brazhnikova, es conocida por sus brillantes y soleadas obras realizadas en gouache. El camino hacia el arte no fue fácil para ella; dejó su trabajo como diseñadora, ingresó en la Escuela de Arte de Vorónezh y este año se graduó en Bellas Artes en la Universidad Pedagógica. Olga trabaja principalmente con gouache y destruye los estereotipos asociados a este material. Para Umbra Media, la artista mostró el estudio de su casa y contó cómo la creatividad cambió su vida.
Sobre estudiar
“Huir del trabajo en la fábrica”
— ¿Cuándo te diste cuenta de que querías ser artista?
— Siempre me gustó dibujar, pero en opinión de mis padres (mi madre trabajaba como contadora, mi padre todavía trabaja en una fábrica de aviones), ser artista no es una profesión seria. Entonces tuve que ir a la escuela de aviación. No entiendo cómo pude terminarlo. Mi habilidad para dibujar me ayudó, hice periódicos murales para las pruebas. Cuando terminé mis estudios, me di cuenta de que nunca iría a la fábrica. Y fui a la escuela de arte nocturna para tener al menos algo para mi alma. La profesora me sugirió que ingresara en la Escuela de Arte de Voronezh.
— ¿Cómo percibieron tus padres que querías ser artista?
"No creían que lo haría". Fue una historia divertida. ¡Papá dijo que conocía a un hombre que podía dibujar un retrato de Lenin con un palo en la arena! Y si no puedo hacer eso, entonces no soy un artista. A pesar de todo, me preparé para la admisión, tomé cursos durante 2 o 3 meses y estudié dibujo por separado con un profesor. Y cuando entré, mis padres me apoyaron y estaban felices. Y sólo más tarde, cuando mis obras empezaron a ser llevadas a exposiciones, creyeron en mí. Después de la universidad, terminé en una empresa de defensa, donde todavía trabajo como diseñador. Tuve un descanso bastante largo, siete años, pero luego decidí volver a la pintura y la creatividad. En 2013 ingresó en la Universidad Pedagógica Estatal de Voronezh, donde se graduó este año.
Acerca de los materiales
“Pocas personas creen que mis cuadros están pintados al gouache”
— ¿Por qué elegiste el gouache, qué te interesa de este material?
— Me interesé por el gouache en el instituto pedagógico. Antes lo percibía más bien como una etapa de transición al petróleo. Pero ahora este es mi material favorito. Se seca rápidamente, es inodoro, da trazos texturizados y colores brillantes. Pinto empaste, no diluyo el gouache con agua. Normalmente dibujo en papel grueso. El petróleo, por supuesto, no es tan conveniente para trabajar en un apartamento. Sobre todo teniendo en cuenta que mi gato intenta constantemente meterse en algún tipo de frasco. Una vez que estaba pintando al óleo, me distraí un rato y ella ya se había metido en la pintura azul y había dejado huellas por todo el apartamento. Luego pasamos toda la noche limpiando estas marcas.
— ¿Qué opinas de que a menudo se llame al gouache un material “para niños”?
— Me parece que esto es un estereotipo y un prejuicio. Según mis compañeros, fue en el gouache donde desarrollé mi propio estilo. Cuando publico mis obras en Internet, muchas personas escriben lo sorprendidas que están de que los cuadros estén pintados con gouache y no al óleo. Gouache no es creatividad infantil, sino un material digno. Me parece que se pueden crear obras maestras con cualquier material; el material no juega aquí un papel primordial.
— ¿Qué te inspira?
— Me encantan los paisajes urbanos. Me fascinan las casas que han vivido y tienen su propia historia. Normalmente camino por la ciudad, fotografío historias y luego escribo en casa. Me encanta el derroche de color y los trazos texturizados. Y entre los artistas contemporáneos, me inspiran mucho las acuarelas de Arush Votsmush.
— ¿En qué ambiente te gusta trabajar: en silencio o con música?
— Cuando escribo, lo más habitual es que escucho buen rock antiguo. Algunas de mis bandas favoritas son Aquarium y The Doors.
— Existe una opinión generalizada de que la educación académica “mata” la individualidad del artista. ¿Qué opinas sobre esto?
“Me parece que la educación en el campo artístico es ahora más importante que nunca. Cuando ve las mismas lecciones en video a través de Internet, no participa en el proceso, pero esto es necesario. Creo que la educación académica ayuda a adquirir habilidades de dibujo. Estudié con Alexander Starilov, fue un artista, arquitecto e innovador polifacético. Creía que es necesario tener una educación clásica y luego buscar su propio estilo; el mismo primitivismo no nace de la nada. Y estoy de acuerdo con él.
Acerca de la implementación
“Un artista es más que una profesión”
— ¿Cómo consigues compaginar trabajo como diseñadora, creatividad y familia?
— Es difícil, escribo sobre todo los fines de semana. Y la hija ya es adulta, no es necesario que estés con ella todo el tiempo, ya tiene muchos intereses propios. Durante el período en el que no dibujaba, constantemente sentía que me lo estaba perdiendo. Ahora no voy a dejar la pintura, me gusta ser creativa y buscar. Ser artista es para mí el sentido de la vida y más que una profesión. Crear un cuadro es una especie de misterio para mí, aunque, por supuesto, desde un punto de vista técnico no lo hay. Pero el proceso siempre es intrigante; me pregunto qué resultará al final.
— ¿Cuáles son tus planes para el futuro próximo? ¿Te gustaría tener tu propio taller?
— Tengo muchas ganas de participar en exposiciones y no estar confinada a mi propio espacio. Espero pronto poder tener una exposición personal en una escuela de arte. Y el taller tal vez sea sólo una cuestión de un futuro lejano. Por ahora, todas mis obras caben en el apartamento. Recientemente completamos renovaciones. Las paredes estaban especialmente pintadas de blanco para poder colgar cuadros. Organicé el espacio de trabajo para que hubiera aire alrededor y mucha luz. Hasta ahora no se ha llenado de todo tipo de objetos y detalles interesantes, pero creo que esto no durará mucho.
Todavía voy a blogs de diferentes artistas y observo más de cerca el gouache con el que trabaja la gente. (Yo también tengo la mía, pero hay que ver lo que hace la gente). Me di cuenta de que, personalmente, la acuarela no es adecuada para el aire libre. Necesito algo con más cobertura y secado más rápido. Y al mismo tiempo menos caprichoso. Por lo tanto, el gouache ahora parece ser una opción más óptima para el trabajo al aire libre, cuando las condiciones de luz y clima cambian muy rápidamente y realmente no hay comodidades.
Todavía no estoy preparado para el óleo; necesito llevar conmigo muchas cosas pesadas, incluidos lienzos o tablas para trabajar, así como una caja especial para bocetos para que no se manchen durante el transporte. Y ahora, cuando estoy preparado para trabajar con acuarelas, pasteles y lápices de colores, mis hombros simplemente se salen. Tanto es así que después de los últimos viajes del mes pasado estoy viviendo con Voltaren. Este no es algún tipo de persona, en todo caso. Este es un ungüento para dolores musculares y articulares.
Mis artistas de plein air favoritos en este momento son James Gurney y Nathan Fowkes. Resultó que ambos son ilustradores, como yo, que practican el aire libre o dibujan de la vida en busca de inspiración y para desarrollar sus músculos artísticos. No los elegí específicamente basándome en este principio, simplemente sucedió así. James es famoso por su “Dinotopia” (por cierto, recientemente se publicó su libro sobre dibujo en ruso “Color and Light”, en inglés aquí: Color and Light: A Guide for the Realist Painter (James Gurney Art)), y Nathan es un artista animador (puedes aprender de él en www.schoolism.com). Y me gusta mucho la imprudencia y la velocidad con la que ambos compañeros trabajan al aire libre con gouache, que hasta las yemas de los dedos les pican; yo mismo quiero apresurarme y esculpir con gouache o caseína.
Obras de James Gurney desde aquí
Obras de Nathan Fawkes desde aquí
Estos son mis héroes ahora, básicamente. En mis obras me gustaría pasar del natural de las tuberías detalladas a un trazo más libre. Pero no porque haya dejado de amar languidecer en los detalles; esto no sucederá, los adoro. Sino porque después del plein air me gustaría ver obras terminadas o casi terminadas que pudieran servir para cuadros más serios. Porque ahora, mientras recuerdo los bocetos del natural y completo los dibujos, de memoria y de fotografías, ya no tengo fuerzas para una repetición más amplia.
Mientras buscaba variedades de gouache, me encontré con otro ilustrador talentoso, al que no vincularé aquí porque me provoca algunas contradicciones internas. Además, a menudo me encontré con el hecho de que es inútil preguntar a los ilustradores occidentales sobre los materiales o algunas sutilezas del trabajo. En el 90% de los casos, simplemente no responden y no se centran especialmente en cómo funcionan exactamente. Entiendo perfectamente su posición, pero creo que es uf. Pero luego resultó que existe un grado aún más superlativo. El talentoso ilustrador, con quien NO me vinculo, responde muy claramente todas las preguntas sobre la técnica y los materiales utilizados: “Por favor envíame un correo electrónico para adquirir la información”. Al principio pensé que simplemente estaba mal escrito cuando vi la firma debajo de una de las obras después de la lista de materiales utilizados. Porque la información de compra es información sobre una compra, pero comprar información es compra de información. Pero no. En realidad, una persona sólo comparte información por dinero. Y todavía no entiendo cómo me siento al respecto.
Por un lado, tiene razón. Esta información tampoco le cayó del cielo. Invirtió tiempo y dinero en su técnica de trabajo. Da miedo pensar cuánto dinero he gastado ya en encontrar los materiales que mejor se adaptan a mí. Así es con él. ¿Por qué debería ahora compartir con alguien gratis? Yo mismo me he encontrado a menudo con el hecho de que mis historias detalladas o temas reflexivos y lecciones que la gente recibió de forma gratuita se utilizaron para clases magistrales enteras, es decir, se monetizaron y todo pasó a mí a la alcancía de otra persona, incluido el reconocimiento de la alcancía. Pero también existe el intercambio creativo. Sin él no hay desarrollo normal. Sólo hay estancamiento. ¿Qué pasaría si fuera mi información, que compartí desde el corazón, la que ayudara a algún artista genial a ponerse de pie? Después de todo, sin él el mundo sería un lugar mucho más pobre.
Otro punto. Personalmente, no estoy dispuesto a pagarle a una persona por información de la que puedo prescindir fácilmente (bueno, buscaré más para ver qué hay allí). Para una clase magistral, sí. Y en una frase, con qué tipo de rodillo aplica la pintura o en qué proporciones la diluye, lo más probable es que no. Aunque ¡esto también es un pago por el tiempo dedicado a las explicaciones! ¿Y si este detalle en particular me ayudara más que cualquier clase magistral? Un tema muy complejo.
¿Qué opinas sobre esto? ¿Los artistas están haciendo lo correcto cuando monetizan todo su conocimiento? ¿Son geniales o es asqueroso? Por favor, no me cuentes sobre la media dorada, que puedes compartirla gratis y al mismo tiempo convertirla en billetes a través de varias clases magistrales y ventas. No se habla de esto. Ya está claro que puedes hacerlo de forma inteligente, como. ¿Qué pasa con el intransigente: “Para comprar esta información escríbeme un correo electrónico”?