El surgimiento del género de la “naturaleza muerta” en los Países Bajos es un regalo del protestantismo. En la época católica, el principal cliente de los artistas era la Iglesia y, naturalmente, la pintura se limitaba a temas religiosos y edificantes. El calvinismo no reconoció los íconos ni el arte de la iglesia en general. Los pintores buscaban un nuevo mercado y lo encontraron en las casas de posaderos, comerciantes y agricultores.

En Holanda, las pinturas que representan objetos se llamaban "stilleven", que se puede traducir como "naturaleza tranquila, modelo" y "vida tranquila", que transmite con mucha precisión los detalles. naturaleza muerta holandesa.
El foco de atención de los artistas descendió del cielo a la tierra; ahora no estaban interesados ​​en reflexiones piadosas, sino en un estudio detenido de los detalles del mundo material. Pero en la Creación buscaron al Creador.

“El Señor nos dio dos libros: el libro de las Escrituras y el libro de la Creación. Del primero aprendemos sobre Su misericordia como Salvador, del segundo, sobre la grandeza del Creador”, escribió el filósofo medieval Alan de Lille. La creación participa también en la historia de la salvación: el hombre cayó por la manzana, y por el pan y el vino recupera la salvación. El simbolismo contenido en la imagen también proviene de tradiciones anteriores.

Los primeros alambiques, incluso son sencillos: pan, una copa de vino, fruta, pescado, tocino. Pero todos los objetos que contienen son simbólicos: el pez es un símbolo de Jesucristo; carne - carne mortal; cuchillo - símbolo del sacrificio; el limón es un símbolo de sed insaciada; unas cuantas nueces con cáscara: un alma encadenada por el pecado; la manzana recuerda la Caída; el vino o las uvas son símbolo de la Sangre; El pan es símbolo de la Carne de Cristo. Insectos, cráneos humanos, platos rotos y animales de caza muertos, a menudo incluidos en la composición de las pinturas, nos recuerdan la fragilidad de la existencia terrenal. Una concha es una concha dejada por una criatura que alguna vez vivió en ella; las flores marchitas son un símbolo de muerte. Una mariposa nacida de un capullo significa resurrección.

Como resultado de las actividades de la Compañía Holandesa de las Indias Orientales, que equipaba buques mercantes para Lejano Oriente, las tiendas holandesas vendían especias, porcelana china, seda y otros productos exóticos. Además, se formaron colonias holandesas en el Cabo de Buena Esperanza, en Indonesia, Surinam, las Antillas y en toda Asia. Las colonias enriquecieron el país y los bodegones empezaron a llenarse de riquezas terrenales: manteles de alfombra, copas de plata, nácar. La comida sencilla fue sustituida por ostras, jamón, frutas exoticas. El simbolismo da paso a una ingenua admiración por la creación de las manos humanas.

Característica pintura holandesa hubo una especialización de artistas por género. Dentro del género de la naturaleza muerta, incluso había una división en temas separados, y diferentes ciudades tenían sus propios tipos de naturaleza muerta favoritos, y si un pintor se mudaba a otra ciudad, a menudo cambiaba drásticamente su arte y comenzaba a pintar esas variedades. del género que eran populares en ese lugar.

Haarlem se convirtió en el lugar de nacimiento de aspecto característico Naturaleza muerta holandesa - "desayuno". Las pinturas de Peter Claes representan una mesa puesta con platos y platos. Un plato de hojalata, un arenque o un jamón, un panecillo, una copa de vino, una servilleta arrugada, un limón o una rama de uva, los cubiertos: la selección escasa y precisa de los elementos crea la impresión de una mesa puesta para una sola persona.

La presencia de una persona está indicada por el desorden "pintoresco" introducido en la disposición de las cosas y la atmósfera de un interior residencial acogedor, logrado mediante la transmisión de un ambiente luminoso. El tono gris pardusco dominante une los objetos en una sola imagen, mientras que la naturaleza muerta se convierte en un reflejo de los gustos y el estilo de vida individuales de una persona.

Otro residente de Haarlem, Willem Heda, trabajó en la misma línea que Klas. El colorido de sus pinturas aún es en mayor medida subordinado a la unidad tonal, está dominado por un tono gris plateado, fijado por la imagen de utensilios de plata o peltre. Por esta colorida moderación, las pinturas comenzaron a llamarse “desayunos monocromáticos”.

En Utrecht se desarrollaron bodegones florales exuberantes y elegantes. Sus principales representantes son Jan Davids de Heem, Justus van Heysum y su hijo Jan van Heysum, que se hizo especialmente famoso por su cuidada escritura y su color claro.

La Universidad de Leiden creó y mejoró el tipo de naturaleza muerta filosófica "vanitas" (vanidad de vanidades). En las pinturas de Harmen van Steenwijk y Jan Davids de Heem, los objetos que encarnan la gloria y la riqueza terrenales (armaduras, libros, atributos del arte, utensilios preciosos) o placeres sensuales (flores, frutas) se yuxtaponen a una calavera o un reloj de arena como recordatorio. de la fugacidad de la vida.

A mediados de siglo, el tema de los modestos “desayunos” se transformó en lujosos “banquetes” y “postres” en las obras de Willem van Elst, Willem Kalf y Abraham van Beyeren. Las copas doradas, la porcelana china y la loza de Delft, los manteles de alfombra y las frutas del sur subrayan el gusto por la gracia y la riqueza que se impuso en la sociedad holandesa a mediados de siglo. En consecuencia, los desayunos “monocromáticos” están siendo reemplazados por un sabor jugoso, rico en colores y cálido y dorado.

Usando el ejemplo del cuadro "Desayuno con jamón" de Pieter Claes, hablemos de la naturaleza muerta holandesa.
Muestra una mesa cubierta con un mantel blanco. En el centro de la naturaleza muerta hay un plato con jamón rosado. El jamón tiene el borde recién cortado. Cerca del mismo plato hay un cuchillo con un hermoso mango tallado. A la derecha del plato puedes ver una rama de olivo con melocotones. Se pueden ver puntos negros en la superficie de la fruta. Estas son huellas de gusanos. A la izquierda del plato hay una copa de vino. Los reflejos de luz en las paredes de un vaso de cristal animan la imagen. Junto al vaso hay una jarra de cobre con la tapa abierta. La rama de uva, representada junto al vaso y la jarra, parece rodear ambos vasos. En el borde de la mesa, el artista representó un plato de metal con pan, cuya corteza dorada atrae la atención. Sobre el mantel blanco hay nueces esparcidas, algunas de las cuales ya están rotas. El aparente desorden sugiere una sensación de presencia humana reciente.

Con asombrosa habilidad, el artista transmite el color de cada objeto. Una sobria paleta de tonos oliva grisáceo dorado unifica las piezas. Cada uno de los objetos está ubicado de manera que el espectador pueda percibir su textura, volumen y detalles más pequeños. El artista transmite a la perfección la textura de cada objeto: la aterciopelada de los melocotones, la superficie mate y húmeda de las uvas, la transparencia del vidrio, la jugosidad del jamón. Los contornos redondeados de los platos, vasos y vasijas se cruzan y su suave ritmo transmite armonía e integridad. Al mirar la imagen, hay una sensación de equilibrio inestable. El plato de pan está a punto de caer. El centro compositivo es sin duda el plato con jamón. Este es el punto más brillante de la imagen. El artista representa este tema de manera realista. El mantel no cubre completamente toda la mesa. Donde no llega el mantel, se ve una sencilla mesa de madera, sin ningún adorno. Mediante el contraste de colores, el artista expone la realidad.

Los artistas holandeses lograron grandes logros en la creación de arte de dirección realista, que representa naturalmente la realidad, precisamente porque ese arte tenía demanda en la sociedad holandesa.

Para los artistas holandeses, la pintura de caballete era importante en el arte. Los lienzos de los holandeses de esta época no tienen las mismas dimensiones que las obras de Rubens, y prefieren no monumental-decorativo En sus tareas, los clientes de los pintores holandeses eran enviados de la organización dirigente gobernante, pero también de la segunda clase: burgueses y artesanos.

Una de las principales preocupaciones de los pintores holandeses era el hombre y el medio ambiente. El lugar principal en la pintura holandesa fue el género cotidiano y el retrato, el paisaje y la naturaleza muerta. Cuanto mejor representaban los pintores el mundo natural de manera imparcial y profunda, más numerosos eran los temas importantes y exigentes de su trabajo.

Los pintores holandeses produjeron obras para la venta y vendieron sus cuadros en ferias. Sus obras fueron compradas principalmente por gente de estratos superiores Las sociedades estaban formadas por campesinos ricos, artesanos, comerciantes y propietarios de fábricas. La gente corriente no podía permitírselo y miraba y admiraba las pinturas con placer. La disposición general del arte en el apogeo del siglo XVII privó a consumidores tan poderosos como la corte, la nobleza y la iglesia.

Las obras fueron realizadas en un formato pequeño, diseñado para adaptarse a muebles modestos y no de gran tamaño en las casas holandesas. Uno de los pasatiempos favoritos de los holandeses era pintura de caballete, ya que fue receptivo para reflejar la realidad de las acciones con gran confiabilidad y de diversas formas. Las pinturas de los holandeses representan la realidad de su país, querían ver cerca de ellos lo que les era muy familiar: el mar y los barcos, la naturaleza de su tierra, su hogar, la acción de la vida cotidiana, las cosas que Los rodeó por todas partes.

Un atractivo importante para el aprendizaje. ambiente apareció en la pintura holandesa en formas tan naturales y con una continuidad tan clara como en ningún otro lugar del arte holandés de esa época. En este sentido, también está conectada la profundidad de su escala: en él se formaron retratos y paisajes, naturalezas muertas y géneros cotidianos. Algunos de ellos son naturaleza muerta, foto del hogar Fueron los primeros que se desarrollaron en Holanda en formas maduras y florecieron hasta tal punto que se convirtieron en el único ejemplo de este género.

En las dos primeras décadas, el sentimiento principal de búsqueda de los principales artistas holandeses, contrarrestando la derecha direcciones artísticas, - la atracción por la correcta reproducción de la realidad, por la exactitud de su expresión. No es casualidad que los artistas holandeses se sintieran atraídos por el arte de Caravaggio. El trabajo de los llamados caravaggistas de Utrecht (G. Honthorst, H. Terbruggen, D. Van Baburen) tuvo un impacto en la cultura artística holandesa.

Pintores holandeses de los años 20 y 30 del siglo XVII crearon vista principal una pintura adecuada de pequeñas figuras que representa escenas de la vida de los campesinos comunes y corrientes y sus actividades cotidianas. En los años 40 - 50 pintura del hogar es uno de los principales géneros, cuyos autores en la historia han adquirido el nombre de “pequeños holandeses”, ya sea por la sencillez de la trama, o por el pequeño tamaño de las pinturas, o tal vez por ambas cosas. Las imágenes de campesinos en las pinturas están cubiertas de rasgos de buen humor. Adriana van Ostade. Fue un escritor democrático de la vida cotidiana y un narrador entretenido. Jan Steen.

Uno de los principales retratistas de Holanda, el fundador del retrato realista holandés fue Franz Hals. Creó su fama con retratos grupales de gremios de tiradores, en los que expresaba los ideales de la joven república, los sentimientos de libertad, igualdad y camaradería.

El pináculo de la creatividad realismo holandés es Harmens van Rijn Rembrandt, que se distingue por su extraordinaria vitalidad y emotividad, la profunda humanidad de las imágenes y una gran amplitud temática. Pintó cuadros, retratos y paisajes históricos, bíblicos, mitológicos y cotidianos, y fue uno de los mayores maestros del grabado y el dibujo. Pero no importa con qué técnica trabajara, el centro de su atención siempre fue la persona, su mundo interior. A menudo encontraba a sus héroes entre los holandeses pobres. En sus obras, Rembrandt combinó la fuerza y ​​​​la penetración de las características psicológicas con un dominio excepcional de la pintura, en la que los nítidos tonos de claroscuro adquieren la principal importancia.

Durante el primer tercio del siglo XVII surgieron las visiones del paisaje realista holandés, que florecieron a mediados de siglo. El paisaje de los maestros holandeses no es la naturaleza en general, como en las pinturas de los clasicistas, sino un paisaje nacional, específicamente holandés: molinos de viento, dunas del desierto, canales por los que se deslizan barcos en verano y patinadores en invierno. Los artistas buscaron transmitir la atmósfera de la estación, el aire húmedo y el espacio.

La naturaleza muerta se ha desarrollado vívidamente en la pintura holandesa y se distingue por su pequeño tamaño y carácter. Peter Claes Y Willem Heda la mayoría de las veces representaban los llamados desayunos: platos con jamón o pastel en una mesa servida relativamente modestamente. La presencia reciente de una persona se palpa en el desorden y la naturalidad con que están dispuestas las cosas que le acaban de servir. Pero este desorden es sólo aparente, ya que la composición de cada naturaleza muerta está cuidadosamente pensada. En una disposición hábil, los objetos se muestran de tal manera que uno siente la vida interior de las cosas; no en vano los holandeses llamaron a la naturaleza muerta "still leven" - "vida tranquila", y no "nature morte" - " naturaleza muerta”.

Naturaleza muerta. Peter Claes y Willem Heda

Los maestros holandeses combinan la sutileza y la veracidad en la recreación de la realidad con sentido agudo la belleza que se revela en cualquiera de sus fenómenos, incluso los más discretos y cotidianos. Este rasgo del genio artístico holandés se manifestó quizás más claramente en la naturaleza muerta; no es coincidencia que este género fuera uno de los favoritos en Holanda.

Los holandeses llamaron a la naturaleza muerta "stilleven", que significa "vida tranquila", y esta palabra expresa con mucha más precisión el significado que los pintores holandeses le dan a la imagen de las cosas que "naturaleza morte", la naturaleza muerta. En los objetos inanimados vieron una vida especial y oculta asociada a la vida de una persona, a su forma de vida, hábitos y gustos. Los pintores holandeses crearon la impresión de un "desorden" natural en la disposición de las cosas: mostraban un pastel cortado, un limón pelado con la cáscara colgando en espiral, una copa de vino sin terminar, una vela encendida, un libro abierto; siempre parece que alguien tocó estos objetos, simplemente los usó, siempre se siente la presencia invisible de una persona.

Principales maestros de la naturaleza muerta holandesa mitad XVII siglos fueron Pieter Claes (1597/98-1661) y Willem Heda (1594-ca. 1680). Un tema favorito de sus naturalezas muertas son los llamados “desayunos”. En "Desayuno con langosta" de V. Kheda, los objetos varias formas y los materiales -cafetera, vaso, limón, cazuela de barro, plato de plata, etc.- se comparan entre sí para revelar las características y el atractivo de cada uno de ellos. Utilizando una variedad de técnicas, Heda transmite perfectamente el material y la especificidad de su textura; Por lo tanto, los reflejos de la luz juegan de manera diferente en la superficie del vidrio y del metal: en el vidrio - claro, con contornos nítidos, en el metal - pálido, mate, en el vidrio dorado - brillante, brillante. Todos los elementos de la composición están unidos por la luz y el color: una combinación de colores verde grisáceo.

En "Naturaleza muerta con vela" de P. Klass, no solo es notable la precisión en la reproducción de las cualidades materiales de los objetos: la composición y la iluminación les confieren una gran expresividad emocional.

Las naturalezas muertas de Klass y Kheda están llenas de un estado de ánimo especial que los acerca: este es un estado de ánimo de intimidad y comodidad, que da lugar a la idea de la vida tranquila y bien establecida de una casa burguesa. , donde reina la prosperidad y donde en todo se siente el cuidado de las manos humanas y la mirada atenta del dueño. Los pintores holandeses afirman el valor estético de las cosas, y la naturaleza muerta, por así decirlo, glorifica indirectamente la forma de vida a la que su existencia está indisolublemente ligada. Por lo tanto, se puede considerar como uno de encarnaciones artísticas un tema importante del arte holandés: el tema de la vida de una persona privada. Recibió su decisión principal en imagen de genero.[&&] Rotenberg I. E. Europa occidental arte XVII v. Moscú, 1971;

En la segunda mitad del siglo XVII se produjeron cambios en la sociedad holandesa: aumentó el deseo de la burguesía por la aristocracia. Los modestos "desayunos" de Klas y Heda dan paso a ricos "postres" Abraham van Beijern Y Willem Kalf, que incluía espectaculares platos de barro, vasijas de plata, copas preciosas y conchas en naturalezas muertas. Las estructuras compositivas se vuelven más complejas y los colores se vuelven más decorativos. Posteriormente, la naturaleza muerta pierde su democracia, intimidad, espiritualidad y poesía. Se convierte en una magnífica decoración para los hogares de clientes de alto nivel. A pesar de su carácter decorativo y maestría en la ejecución, las naturalezas muertas tardías anticipan el declive de la gran pintura realista holandesa, que comenzó a principios del siglo XVIII y fue causado por la degeneración social de la burguesía holandesa en el último tercio del siglo XVII. siglo, la difusión de nuevas tendencias en el arte asociadas con la atracción de la burguesía por los gustos de la nobleza francesa. El arte holandés está perdiendo vínculos con la tradición democrática, perdiendo su base realista, perdiendo su identidad nacional y entrando en un período de largo declive.

La naturaleza muerta ("Stilleven", que significa "vida tranquila" en holandés) es una rama única y bastante popular de la pintura holandesa. La pintura holandesa de bodegones del siglo XVII se caracteriza por la estrecha especialización de los maestros holandeses dentro del género. El tema "Flores y Frutas" suele incluir una variedad de insectos. Los "trofeos de caza" son, ante todo, trofeos de caza: aves muertas y caza. "Desayunos" y "Postres", así como imágenes de peces - vivos y dormidos, varias aves - son sólo algunas de las más temas famosos bodegones. En conjunto, estas tramas individuales caracterizan el gran interés de los holandeses por las tramas. La vida cotidiana, y sus actividades favoritas, y la pasión por el exotismo de tierras lejanas (las composiciones contienen extravagantes conchas y frutas). A menudo, en obras con motivos de naturaleza "viva" y "muerta" hay un subtexto simbólico que es fácilmente comprensible para un espectador educado del siglo XVII.

Así, la combinación de objetos individuales podría servir como un indicio de la fragilidad de la existencia terrenal: rosas marchitas, un incensario, una vela, un reloj; o asociados a hábitos condenados por la moral: astillas, pipas; o indicó una historia de amor; escritura, instrumentos musicales, brasero. No cabe duda de que el significado de estas composiciones es mucho más amplio que su contenido simbólico.

Los bodegones holandeses atraen, ante todo, su expresión artística, integridad, la capacidad de revelar la vida espiritual del mundo objetivo. Al preferir pinturas de gran tamaño con abundancia de todo tipo de objetos, los pintores holandeses se limitan a unos pocos objetos de contemplación, esforzándose por lograr la máxima unidad compositiva y cromática.

La naturaleza muerta es uno de los géneros en los que los holandeses rasgos nacionales apareció con especial claridad. Bodegones con utensilios de uso modesto, tan habituales en la pintura holandesa y muy raros en la pintura flamenca, o bodegones con enseres domésticos de las clases acomodadas. Naturalezas muertas de Pieter Claes y Willem Heda, envueltas en una luz fría y difusa, con una combinación de colores casi monocromática, o naturalezas muertas posteriores de Willem Kalf, donde, por voluntad del artista, una iluminación dorada da vida a las formas y colores vibrantes de Objetos del crepúsculo. Todos se caracterizan por rasgos nacionales comunes que no permiten que se mezclen con pinturas de otra escuela, incluida la flamenca relacionada. En los bodegones holandeses siempre hay un sentimiento de contemplación tranquila y un amor especial por transmitir formas reales del mundo material tangible.

De Heem obtuvo reconocimiento mundial por sus magníficas imágenes de flores y frutas. Combinó el detalle de la imagen hasta el más mínimo detalle con una brillante elección de colores y un refinado gusto en la composición. Pintó flores en ramos y jarrones, en los que a menudo revoloteaban mariposas e insectos, coronas de flores en nichos, ventanas e imágenes de vírgenes en tonos grises, guirnaldas de frutas, naturalezas muertas con copas llenas de vino, uvas y otras frutas y productos. Hem aprovechó magistralmente las posibilidades del color y logró alto grado transparencia, sus imágenes de naturaleza inanimada son completamente realistas. Sus pinturas se encuentran en casi todas las galerías de arte más importantes. La pintura de bodegones, que se distinguió por su carácter, se generalizó en Holanda en el siglo XVII. Los artistas holandeses eligieron una amplia variedad de objetos para sus naturalezas muertas, supieron disponerlos a la perfección, revelar las características de cada objeto y su vida interior, indisolublemente ligado a la vida humana. Los pintores holandeses del siglo XVII Pieter Claes (c. 1597 - 1661) y Willem Heda (1594 - 1680/1682) pintaron numerosas versiones de “desayunos”, representando jamones, bollos dorados, pasteles de moras, frágiles vasos de vidrio medio llenos de vino en las mesa, con asombrosa habilidad transmitiendo el color, volumen, textura de cada elemento. La presencia reciente de una persona se nota en el desorden, la aleatoriedad en la disposición de las cosas que acaban de servirle. Pero este desorden es sólo aparente, ya que la composición de cada naturaleza muerta está estrictamente pensada y encontrada. Una sobria paleta de tonos grisáceo-dorado y oliva une los objetos y da una sonoridad especial a esos colores puros que enfatizan la frescura de un limón recién cortado o la suave seda de una cinta azul. Con el tiempo, los “desayunos” de los maestros de la naturaleza muerta, los pintores Claes y Heda, dan paso a los “postres” de los artistas holandeses Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) y Willem Kalf (1622-1693). Las naturalezas muertas de Beyeren son estrictas en composición, emocionalmente ricas y coloridas. A lo largo de su vida, Willem Kalf pintó “cocinas” libres y democráticas: ollas, verduras y naturalezas muertas aristocráticas en una selección de objetos preciosos exquisitos, llenos de nobleza sobria, como vasijas de plata, tazas, conchas saturadas con la combustión interna de colores. EN mayor desarrollo La naturaleza muerta sigue los mismos caminos que todos los demás. arte holandés, perdiendo su democracia, su espiritualidad y poesía, su encanto. La naturaleza muerta se convierte en decoración para el hogar de clientes de alto nivel. A pesar de su carácter decorativo y hábil ejecución, las naturalezas muertas tardías anticipan el declive de la pintura holandesa. La degeneración social y la notoria aristocratización de la burguesía holandesa en el último tercio del siglo XVII dan lugar a una tendencia a converger con las visiones estéticas de la nobleza francesa y conducen a la idealización. imagenes artisticas, su molienda. El arte está perdiendo conexiones con la tradición democrática, perdiendo su base realista y entrando en un período de declive a largo plazo. Gravemente agotada por las guerras con Inglaterra, Holanda está perdiendo su posición como gran potencia comercial y un importante centro artístico.

Willem Heda (c. 1594 - c. 1682) - uno de los primeros maestros holandeses bodegón XVII siglo, cuyas obras fueron muy valoradas por sus contemporáneos. Particularmente popular en Holanda fue este tipo de pintura llamada “desayuno”. Fueron creados para todos los gustos: desde los ricos hasta los más modestos. El cuadro “Desayuno con cangrejo” se distingue por su gran tamaño, poco característico de una naturaleza muerta holandesa (Apéndice I). La combinación de colores general de la obra es fría, gris plateada con algunas manchas rosadas y marrones. Kheda representó exquisitamente una mesa puesta en la que los elementos que componen el desayuno están dispuestos en un desorden cuidadosamente pensado. En el plato hay un cangrejo, representado con todas sus peculiaridades, al lado hay un limón amarillento, cuya cáscara elegantemente cortada, curvada, cuelga. A la derecha hay aceitunas verdes y un delicioso bollo con corteza dorada. Las vasijas de vidrio y metal añaden solidez a la naturaleza muerta; su color casi se fusiona con la paleta general.

Natalia MARKOVA,
Jefe del Departamento de Gráfica del Museo Pushkin de Bellas Artes. A, S, Pushkin

Naturaleza muerta en la Holanda del siglo XVII

Podemos decir que el tiempo actuó como la lente de una cámara: con un cambio en la distancia focal, la escala de la imagen cambió hasta que solo quedaron objetos en el encuadre, y el interior y las figuras quedaron fuera de la imagen. Los “marcos de naturalezas muertas” se pueden encontrar en muchas pinturas de artistas holandeses del siglo XVI. Es fácil imaginar la mesa puesta del “Retrato de familia” de Martin van Heemskerck (c. 1530) como una pintura independiente. museos estatales

, Kassel) o un jarrón con flores de la composición de Jan Brueghel el Viejo. El propio Jan Brueghel hizo algo parecido, escribiendo a principios del siglo XVII. los primeros bodegones de flores independientes. Aparecieron alrededor del año 1600; esta época se considera la fecha de nacimiento del género.

Martín van Heemskerk. Retrato familiar. Fragmento. DE ACUERDO. 1530. Museos Estatales, Kassel. En ese momento oh aún no había forma de definirlo. El término “naturaleza muerta” se originó en Francia en el siglo XVIII. y traducido literalmente significa "naturaleza muerta", "naturaleza muerta" (naturaleza morte). En Holanda, las pinturas que representan objetos se llamaban "stilleven", que puede traducirse como "naturaleza muerta, modelo" y "vida tranquila", que transmite con mucha mayor precisión las características específicas de la naturaleza muerta holandesa. Pero esto comenzó a utilizarse sólo a partir de 1650, y antes de esa época las pinturas se llamaban según el tema de la imagen: b lumentopf - un jarrón con flores, banketje - una mesa puesta, fruytage - frutas, toebackje - naturalezas muertas con accesorios para fumar, doodshoofd - cuadros con una calavera. Ya en esta lista queda claro cuán grande era la variedad de objetos representados.

De hecho, todo el mundo objetivo que los rodeaba parecía derramarse sobre las pinturas de los artistas holandeses.

Abraham van Beuren. Bodegón con langostas. Siglo XVII. Kunsthaus, Zúrich.

En el arte, esto significó una revolución nada menor que la que hicieron los holandeses en la esfera económica y social, al independizarse del poder de la España católica y crear el primer estado democrático. Mientras que sus contemporáneos en Italia, Francia y España se centraban en crear enormes composiciones religiosas para los altares de las iglesias, pinturas y frescos sobre temas de la mitología antigua para los salones de los palacios, los holandeses pintaron pequeños cuadros con vistas de rincones de su paisaje natal, danzas en un fiesta del pueblo o un concierto en casa de un burgués, escenas en una taberna rural, en la calle o en una casa de reuniones, mesas puestas con desayuno o postre, es decir, una naturaleza “baja”, sin pretensiones, no eclipsada por lo antiguo o Tradición poética renacentista, excepto quizás la poesía holandesa contemporánea. El contraste con el resto de Europa fue marcado. Las pinturas rara vez se creaban por encargo, pero en su mayoría se vendían libremente en los mercados para todos y estaban destinadas a decorar habitaciones en las casas de los residentes de la ciudad, e incluso de los residentes rurales, aquellos que eran más ricos. Posteriormente, en los siglos XVIII y Siglos XIX , cuando la vida en Holanda se volvió más difícil y escasa, estas colecciones de pinturas caseras se vendieron ampliamente en subastas y se compraron con entusiasmo para colecciones reales y aristocráticas de toda Europa, desde donde finalmente emigraron a museos más grandes

paz. Cuando a mediados del siglo XIX. Los artistas de todo el mundo recurrieron a representar la realidad que los rodeaba, pinturas de maestros holandeses del siglo XVII. Les sirvió de modelo en todos los géneros. Jan Venix. Naturaleza muerta con un pavo real blanco. 1692.

Una característica de la pintura holandesa fue la especialización de los artistas por género. Dentro del género de la naturaleza muerta, incluso había una división en temas separados, y diferentes ciudades tenían sus propios tipos de naturaleza muerta favoritos, y si un pintor se mudaba a otra ciudad, a menudo cambiaba abruptamente su arte y comenzaba a pintar esas variedades. del género que eran populares en ese lugar.

Haarlem se convirtió en el lugar de nacimiento del tipo más característico de naturaleza muerta holandesa: el "desayuno". Las pinturas de Peter Claes representan una mesa puesta con platos y platos. Un plato de hojalata, un arenque o un jamón, un panecillo, una copa de vino, una servilleta arrugada, un limón o una rama de uva, los cubiertos: la selección escasa y precisa de los elementos crea la impresión de una mesa puesta para una sola persona. La presencia de una persona está indicada por el desorden "pintoresco" introducido en la disposición de las cosas y la atmósfera de un interior residencial acogedor, logrado mediante la transmisión de un ambiente luminoso. El tono gris pardusco dominante une los objetos en una sola imagen, mientras que la naturaleza muerta se convierte en un reflejo de los gustos y el estilo de vida individuales de una persona.

Otro residente de Haarlem, Willem Heda, trabajó en la misma línea que Klas. La coloración de sus pinturas está aún más subordinada a la unidad tonal; en ella predomina el tono gris plateado, fijado por la imagen de utensilios de plata o peltre. Por esta colorida moderación, las pinturas comenzaron a llamarse “desayunos monocromáticos”.

Abraham van Beuren. Desayuno. siglo 17 Museo Pushkin im. Pushkin, Moscú

En Utrecht se desarrollaron bodegones florales exuberantes y elegantes. Sus principales representantes son Jan Davids de Heem, Justus van Huysum y su hijo Jan van Huysum, que se hizo especialmente famoso por su cuidada escritura y su color claro.

En La Haya, el centro de la pesca marina, Pieter de Putter y su alumno Abraham van Beyeren perfeccionaron la representación de peces y otros habitantes del mar, el color de sus pinturas brilla con el brillo de escamas, en las que aparecen manchas de color rosa, rojo y; Los colores azules parpadean.

La Universidad de Leiden creó y mejoró el tipo de naturaleza muerta filosófica "vanitas" (vanidad de vanidades). En las pinturas de Harmen van Steenwijk y Jan Davids de Heem, los objetos que encarnan la gloria y la riqueza terrenales (armaduras, libros, atributos del arte, utensilios preciosos) o placeres sensuales (flores, frutas) se yuxtaponen a una calavera o un reloj de arena como recordatorio. de la fugacidad de la vida. Una naturaleza muerta de "cocina" más democrática surgió en Rotterdam con las obras de Floris van Schoten y Francois Reykhals, y sus mejores logros están asociados con los nombres de los hermanos Cornelis y Herman Saftleven.

A mediados de siglo, el tema de los modestos “desayunos” se transformó en las obras de Willem van Aalst, Jurian van Streck y especialmente de Willem Kalf y Abraham van Beyeren en lujosos “banquetes” y “postres”. Las copas doradas, la porcelana china y la loza de Delft, los manteles de alfombra y las frutas del sur subrayan el gusto por la gracia y la riqueza que se impuso en la sociedad holandesa a mediados de siglo. En consecuencia, los desayunos “monocromáticos” están siendo reemplazados por un sabor jugoso, rico en colores y cálido y dorado. La influencia del claroscuro de Rembrandt hace que los colores de las pinturas de Kalf brillen desde dentro, poetizando el mundo objetivo.

Willem Kalf. Bodegón con copa nautilo y cuenco de porcelana china. Museo Thyssen - Bornemisza, Madrid Los maestros en la representación de “trofeos de caza” y “corrales de aves” fueron Jan-Baptiste Wenix, su hijo Jan Wenix y Melchior de Hondecoeter. Este tipo de naturaleza muerta se generalizó especialmente en la segunda mitad y finales de siglo en relación con la aristocracia de los burgueses: el establecimiento de propiedades y el entretenimiento de la caza. Pintando dosúltimos artistas

La asombrosa capacidad de los pintores holandeses para transmitir el mundo material en toda su riqueza y diversidad fue apreciada no sólo por sus contemporáneos, sino también por los europeos de los siglos XVIII y XIX, que vieron en las naturalezas muertas, ante todo y sólo, esta brillante maestría; transmitir la realidad.

Sin embargo, para los propios holandeses del siglo XVII, estas pinturas estaban llenas de significado; no sólo ofrecían alimento para los ojos, sino también para la mente. Las pinturas entablaron un diálogo con el público, les contaron importantes verdades morales, les recordaron el engaño de las alegrías terrenales, la inutilidad de las aspiraciones humanas y dirigieron sus pensamientos a reflexiones filosóficas sobre el significado de la vida humana. Hoy conoceremos a uno de los mejores maestros

Bodegón de lujo holandés POR WILLEM KALF 1619-1693

Willem Kalf fue el sexto hijo de la familia de un rico comerciante de telas de Rotterdam y miembro del ayuntamiento de la ciudad. El padre de Willem murió en 1625, cuando el niño tenía 6 años. La madre continuó el negocio familiar, pero sin mucho éxito. No hay información sobre con qué artista estudió Kalf; quizás su maestro fue Hendrik Poth de Haarlem, donde vivían los familiares de los Kalf. Poco antes de la muerte de su madre en 1638, Willem dejó ciudad natal

y se mudó a La Haya, y luego en 1640-41. se instaló en París. Allí, gracias a su " interiores campesinos

", escrito en la tradición flamenca, cercano a la obra de David Teniers y otros artistas del siglo XVII, Kalf rápidamente ganó reconocimiento.

En sus interiores rústicos, las figuras humanas ocupaban un segundo plano y toda la atención del espectador se concentraba en frutas, verduras y diversos artículos del hogar bien iluminados, coloridos y artísticamente dispuestos. Aquí creó nuevo uniforme una naturaleza muerta hábilmente agrupada con objetos caros y ricamente decorados (principalmente botellas, platos, vasos) hechos de materiales que reflejan la luz: oro, plata, estaño o vidrio. La habilidad de este artista alcanzó su punto máximo en el período de Amsterdam de su trabajo en el fascinante "»

BODEGÓN DE LUJO

Naturaleza muerta con un cuerno para beber perteneciente al gremio de arqueros de San Sebastián, una langosta y vasos - Willem Kalf. Alrededor de 1653.

Esta naturaleza muerta es una de las más famosas.

Esta maravillosa vasija está hecha de cuerno de búfalo, el cierre es de plata, si miras de cerca, puedes ver figuras en miniatura de personas en el diseño del cuerno; esta escena nos habla del sufrimiento de San Pedro. Sebastián, patrón de los arqueros.

La tradición de añadir limón pelado al vino del Rin surgió del hecho de que los holandeses consideraban este tipo de vino demasiado dulce.

La langosta, el cuerno de vino con su brillante borde de filigrana plateada, los vasos transparentes, el limón y la alfombra turca están interpretados con tal cuidado que surge la ilusión de que son reales y se pueden tocar con la mano.

La ubicación de cada elemento se elige con tal cuidado que el grupo en su conjunto forme una armonía de color, forma y textura. La luz cálida que envuelve los objetos les confiere la dignidad de objetos preciosos. joyas, y su rareza, esplendor y capricho reflejan los gustos refinados de los coleccionistas holandeses del siglo XVII, una época en la que las naturalezas muertas eran extremadamente populares.

Bodegón con jarra y fruta. 1660

En 1646, Willem Kalf regresó por algún tiempo a Rotterdam, luego se mudó a Amsterdam y Hoorn, donde en 1651 se casó. Cornelia Plouvier, hija de un ministro protestante.

Cornelia era una famosa calígrafa y poetisa, era amiga de Constantijn Huygens, el secretario personal de los tres estatúderes de la joven República Holandesa, un poeta respetado y probablemente el experto más experimentado en teatro mundial y arte musical de su época.

En 1653 Pareja casada Se mudó a Amsterdam, donde tuvieron cuatro hijos. A pesar de su riqueza, Kalf nunca adquirió su propia casa.

Naturaleza muerta con tetera.

Durante el periodo de Amsterdam, Kalf comenzó a incluir objetos exóticos en sus perfectas naturalezas muertas: jarrones chinos, conchas y frutas tropicales nunca vistas hasta entonces: naranjas y limones a medio pelar. Estos artículos fueron traídos a los Países Bajos desde América; eran objetos de prestigio favoritos de los burgueses ricos, que hacían alarde de su riqueza.

Bodegón con nautilus y cuenco chino.

Los holandeses amaban y entendían un buen interior, una mesa cómoda, donde todo lo necesario estaba a mano, utensilios convenientes, en el mundo material que rodea a una persona.

En el centro vemos una elegante copa de nautilo hecha de una concha, así como un hermoso jarrón chino. En el exterior está decorado con ocho figuras en relieve que representan a los ocho inmortales en el taoísmo, el cono de la tapa es la silueta de un budista. león.
Este bodegón se complementa con una alfombra persa tradicional de Kalfa y un limón con una fina espiral de piel.

La pirámide de objetos se ahoga en la bruma del crepúsculo, a veces sólo los reflejos de la luz indican la forma de las cosas. La naturaleza creó una concha, un artesano la convirtió en una copa, un artista pintó una naturaleza muerta y nosotros disfrutamos de toda esta belleza. Después de todo, poder ver la belleza también es un talento.

Bodegón con copa de cristal y fruta 1655.

Como todas las naturalezas muertas de esa época, las creaciones de Kalf tenían como objetivo expresar la idea iconográfica de la fragilidad: "memento mori" ("recordar la muerte"), para servir como una advertencia de que todas las cosas, vivas e inanimadas, son en última instancia transitorias.

Bodegón con frutas y copa nautilus.1660g

Para Kalf, sin embargo, había algo más importante. Toda su vida tuvo un gran interés por el juego de la luz y los efectos de la luz en varios materiales, comenzando con la textura de las alfombras de lana, el brillo de los objetos metálicos de oro, plata o estaño, el suave resplandor de la porcelana y las conchas multicolores, y terminando con el misterioso brillo de los bordes de los vasos y jarrones más bellos. al estilo veneciano.

Naturaleza muerta con sopera china.

Postre. Ermita.

Antes de ingresar al Hermitage en 1915, el cuadro “Postre” formaba parte de la colección del famoso geógrafo y viajero ruso P. P. Semenov-Tyan-Shansky, un gran conocedor y amante del arte holandés y flamenco.

Un brillante rayo de luz arranca de la penumbra un frutero, un melocotón sobre una bandeja de plata y un mantel blanco arrugado. Las copas de cristal y de plata todavía reflejan la luz, y la fina copa flauta llena de vino casi se funde con el fondo.

El artista transmite magistralmente la textura de cada objeto: un vaso, un plato de loza pintado, una copa dorada, una alfombra oriental, una servilleta blanca como la nieve. El cuadro muestra la fuerte influencia que la pintura de Rembrandt tuvo en Kalf: los objetos se muestran sobre un fondo oscuro, luz brillante como si los reviviera, envolviéndolos en la calidez de rayos dorados.

Naturaleza muerta con jarrón de porcelana, aguamanil de plata dorada y vasos

Bodegón Pronk con cuenco Holbein, copa Nautilus, copa de cristal y frutero

La composición de las naturalezas muertas de Kalf, pensada hasta el más mínimo detalle, está garantizada no sólo por reglas específicas, sino también por una dirección única y compleja.Luz.

Objetos de valor (copas cortadas, a menudo medio llenas de vino) aparecen gradualmente desde la oscuridad del fondo, después de un tiempo. A menudo, su forma sólo se adivina sorprendentemente por el reflejo de los rayos de luz. Nadie, excepto Kalf, logró mostrar de forma tan realista la luz que penetra a través del caparazón del nautilo. Con toda razón, a Kalf se le llama el “Vermeer de la pintura de naturalezas muertas”, y en algunos lugares lo superó.

Desde 1663 Kalf escribió menos, se dedicó al comercio del arte y se convirtió en un cotizado experto en arte.

Willem Kalf murió a la edad de 74 años, herido en una caída cuando regresaba de una visita.

Gracias a sus habilidades visuales únicas, junto con su excelente educación y su amplio conocimiento de las ciencias naturales, amplió significativamente las posibilidades ilusionistas de la naturaleza muerta. Sus creaciones son ejemplos insuperables de este arte.