Naturaleza muerta holandesa de los siglos XVI y XVII: una obra única juego intelectual, en el que se pedía al espectador que desentrañara ciertos signos. Lo que los contemporáneos entendían fácilmente no está claro para todos hoy ni siempre.
¿Qué significan los objetos representados por los artistas?
Juan Calvino (1509-1564, teólogo francés, reformador de la iglesia, fundador del calvinismo) enseñó que las cosas cotidianas tienen significados ocultos y que detrás de cada imagen debe haber una lección moral. Los objetos representados en la naturaleza muerta tienen múltiples significados: estaban dotados de connotaciones edificantes, religiosas o de otro tipo. Por ejemplo, las ostras se consideraban un símbolo erótico, y esto era obvio para los contemporáneos: las ostras supuestamente estimulaban la potencia sexual y Venus, la diosa del amor, nació de una concha. Por un lado, las ostras insinuaban tentaciones mundanas, por el otro, una concha abierta significaba un alma lista para abandonar el cuerpo, es decir, prometía la salvación. Por supuesto, no había reglas estrictas sobre cómo leer una naturaleza muerta, y el espectador adivinaba exactamente los símbolos en el lienzo que quería ver. Además, no debemos olvidar que cada objeto formaba parte de la composición y podía leerse de diferentes maneras, según el contexto y el mensaje general de la naturaleza muerta.Bodegón floral
Hasta el siglo XVIII, un ramo de flores simbolizaba, por regla general, la fragilidad, porque las alegrías terrenales son tan transitorias como la belleza de una flor. El simbolismo de las plantas es especialmente complejo y ambiguo, y los libros de emblemas, populares en Europa en los siglos XVI y XVII, ayudaron a captar el significado, donde ilustraciones alegóricas y lemas iban acompañados de textos explicativos. Los arreglos florales no eran fáciles de interpretar: una misma flor tenía muchos significados, a veces directamente opuestos. Por ejemplo, el narciso indicaba narcisismo y al mismo tiempo era considerado un símbolo de la Madre de Dios. En las naturalezas muertas, por regla general, se conservaban ambos significados de la imagen y el espectador era libre de elegir uno de los dos significados o combinarlos.
Los arreglos florales a menudo se complementaban con frutas, pequeños objetos e imágenes de animales. Estas imágenes expresaron la idea principal de la obra, enfatizando el motivo de la fugacidad, la decadencia, la pecaminosidad de todo lo terrenal y la incorruptibilidad de la virtud.
Jan Davids de Heem.
Flores en un jarrón.
En la pintura de Jan Davids de Heem, en la base del jarrón, el artista representa símbolos de fragilidad: flores marchitas y rotas, pétalos desmoronados y vainas de guisantes secas. Aquí hay un caracol: está asociado con el alma de un pecador. En el centro del ramo vemos símbolos de modestia y pureza: flores silvestres, violetas y nomeolvides. Están rodeados de tulipanes, que simbolizan la belleza desvanecida y el desperdicio sin sentido (el cultivo de tulipanes en Holanda se consideraba una de las actividades más vanas y, además, caras); exuberantes rosas y amapolas, que recuerdan la fragilidad de la vida. La composición está coronada por dos grandes flores que tienen un significado positivo. El iris azul representa la remisión de los pecados e indica la posibilidad de salvación a través de la virtud. La amapola roja, que tradicionalmente se asociaba con el sueño y la muerte, cambió su interpretación debido a su ubicación en el ramo: aquí significa el sacrificio expiatorio de Cristo.
Otros símbolos de salvación son las espigas de pan y una mariposa posada sobre un tallo representa el alma inmortal.
Jan Bauman.
Flores, frutas y un mono. Primera mitad del siglo XVII.
Pintura de Jan Bauman “Flores, frutas y un mono” - buen ejemplo multicapa semántica y ambigüedad de la naturaleza muerta y los objetos que la componen. A primera vista, la combinación de plantas y animales parece aleatoria. De hecho, esta naturaleza muerta también nos recuerda la fugacidad de la vida y la pecaminosidad de la existencia terrenal. Cada objeto representado transmite una idea determinada: un caracol y un lagarto en en este caso indicar la mortalidad de todo lo terrenal; un tulipán cerca de un plato de frutas simboliza el rápido desvanecimiento; las conchas esparcidas sobre la mesa insinúan un desperdicio imprudente de dinero; y el mono con el melocotón indica pecado original y depravación. Por otro lado, una mariposa revoloteando y frutas: racimos de uvas, manzanas, melocotones y peras hablan de la inmortalidad del alma y del sacrificio expiatorio de Cristo. En otro nivel, alegórico, los frutos, frutos, flores y animales presentados en el cuadro representan cuatro elementos: conchas y caracoles - agua; mariposa - aire; frutas y flores - tierra; mono - fuego.
Naturaleza muerta en una carnicería
Peter Aartsen.
La carnicería o la cocina con la escena de la huida a Egipto. 1551
La imagen de una carnicería se ha asociado tradicionalmente a la idea de vida física, personificación del elemento tierra, así como a la glotonería. Pintado por Peter Aartsen
Casi todo el espacio está ocupado por una mesa cargada de comida. Vemos muchos tipos de carne: aves sacrificadas y canales aliñadas, hígado y jamón, jamones y embutidos. Estas imágenes simbolizan el exceso, la glotonería y el apego a los placeres carnales. Ahora volvamos nuestra atención al trasfondo. En el lado izquierdo de la imagen, en la abertura de la ventana, se encuentra una escena evangélica de la huida a Egipto, que contrasta marcadamente con la naturaleza muerta del primer plano. La Virgen María entrega la última barra de pan a una mendiga. Tenga en cuenta que la ventana está ubicada encima del plato, donde se encuentran dos peces en forma transversal (símbolo de la crucifixión), un símbolo del cristianismo y de Cristo. A la derecha, al fondo, hay una taberna. Un grupo alegre se sienta a la mesa junto al fuego, bebe y come ostras, que, como recordamos, están asociadas con la lujuria. Un cadáver descuartizado cuelga junto a la mesa, indicando la inevitabilidad de la muerte y la naturaleza fugaz de las alegrías terrenales. Un carnicero con camisa roja diluye vino con agua. Esta escena se hace eco de la idea principal de la naturaleza muerta y hace referencia a la Parábola de hijo pródigo. La escena de la taberna, así como la carnicería llena de platos, habla de una vida ociosa, disoluta, de apego a los placeres terrenales, agradables para el cuerpo, pero destructivos para el alma. En la escena de la huida a Egipto, los personajes prácticamente dan la espalda al espectador: se adentran más en la imagen, alejándose de la carnicería. Esta es una metáfora del escape de una vida disoluta llena de placeres sensuales. Renunciar a ellos es una de las formas de salvar el alma.
Naturaleza muerta en una pescadería
El bodegón de peces es una alegoría del elemento agua. Este tipo de obras, al igual que las carnicerías, a menudo formaban parte del llamado ciclo de elementos primordiales y, por regla general, se creaban para decorar los comedores de los palacios. En el primer plano del cuadro de Frans Snyders "La pescadería" se representan muchos peces. Aquí se encuentran percas y esturiones, carpas crucianas, bagres, salmones y otros mariscos. Algunos ya han sido descuartizados, otros esperan su turno. Estas imágenes de peces no tienen ningún subtexto: glorifican la riqueza de Flandes.
Frans Snyders.
Pescadería. 1616
Junto al niño vemos una canasta con regalos que recibió por el día de San Nicolás. Esto lo indican los zapatos rojos de madera atados a la canasta. Además de dulces, frutas y frutos secos, la cesta contiene varillas, como un indicio de educación con "palo y zanahoria". El contenido de la canasta habla de alegrías y tristezas de la vida humana, que se reemplazan constantemente. La mujer le explica al niño que los niños obedientes reciben regalos y los niños malos, castigo. El niño retrocedió horrorizado: pensó que en lugar de dulces recibiría golpes con varas. A la derecha vemos una ventana que se abre desde la que se ve la plaza de la ciudad. Un grupo de niños se encuentra debajo de las ventanas y saluda alegremente al títere bufón en el balcón. El bufón es un atributo integral de las festividades populares.
Naturaleza muerta con mesa puesta.
En numerosas variaciones de las mesas en los lienzos de los maestros holandeses vemos pan y pasteles, nueces y limones, salchichas y jamones, langostas y cangrejos de río, platos con ostras, pescado o conchas vacías. Estos bodegones se pueden entender en función del conjunto de objetos.
Gerrit Willems Heda.
Jamón y cubiertos. 1649
En el cuadro de Gerrit Willems Heda vemos un plato, una jarra, una copa alta de cristal y un jarrón volcado, un tarro de mostaza, un jamón, una servilleta arrugada y un limón. Este es el set tradicional y favorito de Heda. La disposición de los objetos y su elección no son aleatorias. Cubiertos Simboliza las riquezas terrenales y su inutilidad, el jamón: placeres carnales, atractivos en apariencia y amargos por dentro, el limón personifica la traición. Una vela apagada indica la fragilidad y fugacidad de la existencia humana, un desastre en la mesa indica destrucción. Un vaso alto de vidrio tipo "flauta" (en el siglo XVII, estos vasos se usaban como recipiente medidor con marcas) es tan frágil como la vida humana y, al mismo tiempo, simboliza la moderación y la capacidad de una persona para controlar sus impulsos. En general, en esta naturaleza muerta, como en muchos otros “desayunos”, el tema de la vanidad y la falta de sentido de los placeres terrenales se interpreta con la ayuda de objetos.
Pedro Claes.
Naturaleza muerta con brasero, arenque, ostras y pipa de fumar. 1624
La mayoría de los objetos representados en la naturaleza muerta de Peter Claes son símbolos eróticos. Las ostras, la pipa y el vino hacen referencia a placeres carnales breves y dudosos. Pero esta es sólo una opción para leer una naturaleza muerta. Miremos estas imágenes desde un ángulo diferente. Así, las conchas son símbolos de la fragilidad de la carne; una pipa, con la que no solo fumaban, sino que también hacían pompas de jabón, es un símbolo de lo repentino de la muerte. El contemporáneo de Claes, el poeta holandés Willem Godschalk van Fockenborch, escribió en su poema “Mi esperanza es humo”:
Como puedes ver, ser es como fumar en pipa,
Y realmente no sé cuál es la diferencia:
Uno es sólo una brisa, el otro es sólo un humo.
El tema de la fugacidad de la existencia humana se contrasta con la inmortalidad del alma, y los signos de fragilidad se convierten de repente en símbolos de salvación. El pan y la copa de vino al fondo están asociados con el cuerpo y la sangre de Jesús e indican el sacramento de la Santa Cena. El arenque, otro símbolo de Cristo, nos recuerda el ayuno y la comida de Cuaresma. Y las conchas abiertas de las ostras pueden cambiar su significado negativo exactamente al contrario, denotando el alma humana, separada del cuerpo y lista para entrar en la vida eterna.
Los diferentes niveles de interpretación de los objetos le dicen sutilmente al espectador que una persona siempre es libre de elegir entre lo espiritual y eterno y lo terrenal transitorio.
Vanitas, o naturaleza muerta "científica"
El género de la llamada naturaleza muerta "científica" se llamaba vanitas; traducido del latín significa "vanidad de vanidades", en otras palabras, "memento mori" ("recordar la muerte"). Este es el tipo de naturaleza muerta más intelectual, una alegoría de la eternidad del arte, la fragilidad de la gloria terrenal y la vida humana.
Jurian van Streck.
Vanidad. 1670
La espada y el casco con una lujosa pluma en la pintura de Jurian van Streck indican la naturaleza fugaz de la gloria terrenal. El cuerno de caza simboliza la riqueza que no se puede llevar consigo a otra vida. En las naturalezas muertas “científicas” a menudo aparecen imágenes de libros abiertos o papeles con inscripciones que se encuentran descuidadamente. No sólo te invitan a pensar en los objetos representados, sino que también te permiten utilizarlos para el fin previsto: leer páginas abiertas o reproducir música escrita en un cuaderno. Van Streck representó un boceto de la cabeza de un niño y un libro abierto: esta es la tragedia Electra de Sófocles, traducida al holandés. Estas imágenes indican que el arte es eterno. Pero las páginas del libro están curvadas y el dibujo arrugado. Estos son signos del comienzo de la corrupción, dando a entender que después de la muerte ni siquiera el arte será útil. La calavera también habla de la inevitabilidad de la muerte, pero la espiga de pan entrelazada a su alrededor simboliza la esperanza de la resurrección y la vida eterna. A mediados del siglo XVII Durante siglos, una calavera entrelazada con una espiga de trigo o una hiedra de hoja perenne se convertirá en un tema obligatorio para la representación en naturalezas muertas al estilo vanitas.
Willem Claes Hedda. Naturaleza muerta con pastel, 1627
La edad “dorada” de la naturaleza muerta fue el siglo XVII, cuando finalmente tomó forma como un género pictórico independiente, especialmente en las obras de los holandeses y artistas flamencos. Al mismo tiempo, el término “vida tranquila y congelada” (stilleven holandés, stilleben alemán, still-life inglés) parecía referirse a naturalezas muertas. Los primeros "stillevens" tenían una trama simple, pero incluso entonces los objetos representados en ellos también tenían una carga semántica: pan, una copa de vino, pescado - símbolos de Cristo, un cuchillo - símbolo del sacrificio, limón - símbolo de sed insaciada; nueces con cáscara: un alma encadenada por el pecado; la manzana recuerda al otoño.
Poco a poco, el lenguaje simbólico del cuadro se fue enriqueciendo.
Franciscus Geysbrechts, siglo XVII.
Los símbolos encontrados en los lienzos pretendían recordarnos la fragilidad de la vida humana y la fugacidad de los placeres y logros:
La calavera es un recordatorio de la inevitabilidad de la muerte.
Las frutas podridas son un símbolo del envejecimiento.
Los frutos maduros simbolizan fertilidad, abundancia, en sentido figurado riqueza y prosperidad.
Varias frutas tienen su propio significado: el Otoño está representado por las peras, los tomates, los cítricos, las uvas, los melocotones y las cerezas y, por supuesto, la manzana. Los higos, ciruelas, cerezas, manzanas o melocotones tienen connotaciones eróticas.
Los brotes de grano, las ramas de hiedra o laurel (raramente) son un símbolo del renacimiento y del ciclo de la vida.
Conchas marinas, a veces caracoles vivos: una concha de molusco son los restos de un animal que alguna vez estuvo vivo, significa muerte y mortalidad.
El caracol rastrero es la personificación del pecado mortal de la pereza.
Las almejas grandes denotan la dualidad de la naturaleza, símbolo de la lujuria, otro de los pecados capitales.
Pompas de jabón: la brevedad de la vida y lo repentino de la muerte; una referencia a la expresión homo bulla - "una persona es una pompa de jabón".
Una vela moribunda y humeante (ceniza) o una lámpara de aceite; gorro para apagar velas: una vela encendida es un símbolo del alma humana, su extinción simboliza la partida.
Tazas, jugando a las cartas o dados, ajedrez (raramente): un signo de un objetivo de vida erróneo, una búsqueda de placer y una vida pecaminosa. Igualdad de oportunidades en juego También significó un anonimato reprobable.
Una pipa para fumar es un símbolo de placeres terrenales fugaces y esquivos.
Una máscara de carnaval es señal de la ausencia de una persona en su interior. También destinado a mascaradas festivas, placer irresponsable.
Espejos, bolas de vidrio (espejos): un espejo es un símbolo de vanidad, además, también es un signo de reflejo, sombra y no un fenómeno real.
Beyeren. Bodegón con langosta, 1667
Platos rotos, normalmente vasos de cristal. Un vaso vacío frente a uno lleno simboliza la muerte.
El vidrio simboliza la fragilidad, la porcelana blanca como la nieve simboliza la pureza.
El mortero y la maja son símbolos de la sexualidad masculina y femenina.
La botella es un símbolo del pecado de la embriaguez.
Un cuchillo nos recuerda la vulnerabilidad y la mortalidad humanas.
Relojes de arena y relojes mecánicos: la fugacidad del tiempo.
Instrumentos musicales, notas: la brevedad y la naturaleza efímera de la vida, símbolo de las artes.
Libros y mapas geográficos (mappa mundi), un bolígrafo es un símbolo de la ciencia. El globo, tanto la tierra como el cielo estrellado.
Una paleta con borlas y una corona de laurel (normalmente en la cabeza de una calavera) son símbolos de la pintura y la poesía.
Las letras simbolizan las relaciones humanas.
Los instrumentos médicos son un recordatorio de las enfermedades y la fragilidad del cuerpo humano.
Carteras con monedas, cajas con joyas: las joyas y los cosméticos están destinados a crear belleza, atractivo femenino, al mismo tiempo que se asocian con la vanidad, el narcisismo y el pecado mortal de la arrogancia. También señalan la ausencia de sus dueños en la lona.
Las armas y armaduras son un símbolo de poder y poder, una designación de lo que no puedes llevarte a la tumba.
Coronas y tiaras papales, cetros y orbes, coronas de hojas son signos de una dominación terrena transitoria, que se opone al orden mundial celestial. Como máscaras, simbolizan la ausencia de quienes las llevaban.
Llaves: simbolizan el poder del ama de casa que gestiona los suministros.
Las ruinas simbolizan la vida transitoria de quienes alguna vez las habitaron.
Las naturalezas muertas a menudo representaban insectos, pájaros y animales. Las moscas y las arañas, por ejemplo, eran consideradas símbolos de tacañería y maldad, mientras que las lagartijas y las serpientes eran símbolos del engaño. Los cangrejos de río o las langostas representaban la adversidad o la sabiduría.
Jacques André Joseph Aved. Alrededor de 1670.
El libro es la tragedia de Sófocles "Electra"; en este caso, el símbolo tiene múltiples valores. Al colocarlo en la composición, el artista recuerda la inevitabilidad de la retribución por cada crimen, no en la tierra, sino en el cielo, ya que es precisamente este pensamiento el que impregna la tragedia. El motivo antiguo de estas naturalezas muertas simbolizaba a menudo la continuidad del arte. En pagina del titulo lleva el nombre del traductor, el famoso poeta holandés Joost van den Vondel, cuyas obras sobre la antigüedad y historias bíblicas Fueron tan actuales que incluso fue perseguido. Es poco probable que el artista haya colocado a Vondel por casualidad; es posible que, hablando de la vanidad del mundo, decidiera mencionar la vanidad del poder.
La espada y el casco son el emblema de la gloria militar transitoria.
El penacho blanco y rojo es el centro compositivo del cuadro. Las plumas siempre significan vanidad y vanidad. La pintura está fechada basándose en el casco emplumado. Lodewijk van der Helst lo representó con ese casco en su retrato póstumo del almirante Stirlingwerf en 1670. El casco del almirante está presente en varias naturalezas muertas más de van Streck.
Retrato de una sanguínea. A diferencia del óleo, la sanguina está muy mal conservada, al igual que el papel, a diferencia del lienzo. Esta lámina habla de la inutilidad de los esfuerzos del artista; los bordes deshilachados y rasgados pretenden reforzar esta idea.
La franja dorada es la vanidad del lujo.
Cráneo - adentro cultura antigua atributo de Kronos (Saturno), es decir, un símbolo del tiempo. La Rueda de la Fortuna también estaba representada con una calavera. Para los cristianos, es un signo de vanidad mundana, de contemplación mental de la muerte, un atributo de la vida de un ermitaño. Junto a él estaban representados San Francisco de Asís, San Jerónimo, María Magdalena y el apóstol Pablo. La calavera es también un símbolo de la vida eterna de Cristo, crucificado en el Gólgota, donde, según la leyenda, fue enterrada la calavera de Adán. La oreja envuelta alrededor del cráneo es un símbolo de la inmortalidad del alma (“Yo soy el pan de vida” - Juan 6:48), esperanza de vida eterna.
Un montón de papeles viejos es la vanidad del conocimiento.
Un cuerno de pólvora sujeto con una cadena es un elemento muy característico de naturaleza muerta holandesa. Aquí, aparentemente, debería interpretarse como algo que trae la muerte, en contraste con la cornucopia.
Adrian van Utrecht."Vanitas". 1642.
lirios del valle, violetas, nomeolvides rodeados de rosas, claveles, anémonas, símbolos de modestia y pureza;
una gran flor en el centro de la composición es la “corona de la virtud”;
los pétalos desmenuzados cerca del jarrón son signos de fragilidad;
una flor marchita es un indicio de la desaparición de los sentimientos;
los lirios son un signo de la Virgen María;
Rosa blanca - amor platonico y un símbolo de pureza;
las rosas rojas son símbolo del amor apasionado y símbolo de la Virgen María;
las flores rojas son un símbolo del sacrificio expiatorio de Cristo;
El lirio blanco no sólo es una hermosa flor, sino también un símbolo de la pureza de la Virgen María;
azul y Flores azules– un recordatorio del azul celestial;
el cardo es un símbolo del mal;
clavel: símbolo de la sangre derramada de Cristo;
amapola: una alegoría del sueño, el olvido, un símbolo de uno de los pecados capitales: la pereza;
anémona - ayuda en caso de enfermedad;
los tulipanes son un símbolo de una belleza que desaparece rápidamente; el cultivo de estas flores se consideraba una de las actividades más vanas e inútiles; el tulipán también simboliza el amor, la simpatía y la comprensión mutua; un tulipán blanco es un amor falso, un tulipán rojo es un amor apasionado (en Europa y América, el tulipán se asocia con la primavera, la luz, la vida, los colores y se considera una flor acogedora y acogedora). ; en Irán, Turquía y otros países de Oriente, el tulipán se asocia a sentimientos de amor y erotismo).
El surgimiento del género de la “naturaleza muerta” en los Países Bajos es un regalo del protestantismo. En la época católica, el principal cliente de los artistas era la Iglesia y, naturalmente, la pintura se limitaba a temas religiosos y edificantes. El calvinismo no reconoció los íconos ni el arte de la iglesia en general. Los pintores buscaban un nuevo mercado y lo encontraron en las casas de posaderos, comerciantes y agricultores.
En Holanda, las pinturas que representan objetos se llamaban “stilleven”, que puede traducirse como “naturaleza muerta, modelo” y como “ vida tranquila", que transmite con mucha precisión las particularidades de la naturaleza muerta holandesa.
El foco de atención de los artistas descendió del cielo a la tierra; ahora no estaban interesados en reflexiones piadosas, sino en un estudio detenido de los detalles del mundo material. Pero en la Creación buscaron al Creador.
“El Señor nos dio dos libros: el libro de las Escrituras y el libro de la Creación. Del primero aprendemos sobre Su misericordia como Salvador, del segundo, sobre la grandeza del Creador”, escribió el filósofo medieval Alan de Lille. La creación participa también en la historia de la salvación: el hombre cayó por la manzana, y por el pan y el vino recupera la salvación. El simbolismo contenido en la imagen también proviene de tradiciones anteriores.
Los primeros alambiques, incluso son sencillos: pan, una copa de vino, fruta, pescado, tocino. Pero todos los objetos que contienen son simbólicos: el pez es un símbolo de Jesucristo; carne - carne mortal; el cuchillo es símbolo de sacrificio; el limón es un símbolo de sed insaciada; unas cuantas nueces con cáscara: un alma atada por el pecado; la manzana recuerda la Caída; el vino o las uvas son símbolo de la Sangre; El pan es símbolo de la Carne de Cristo. Insectos, cráneos humanos, platos rotos y animales de caza muertos, a menudo incluidos en la composición de las pinturas, nos recuerdan la fragilidad de la existencia terrenal. Una concha es una concha dejada por una criatura que alguna vez vivió en ella; las flores marchitas son un símbolo de muerte. Una mariposa nacida de un capullo significa resurrección.
Como resultado de las actividades de la Compañía Holandesa de las Indias Orientales, que equipaba barcos mercantes con destino al Lejano Oriente, en las tiendas holandesas se vendían especias, porcelana china, seda y otros productos exóticos. Además, se formaron colonias holandesas en el Cabo de Buena Esperanza, en Indonesia, Surinam, las Antillas y en toda Asia. Las colonias enriquecieron el país y los bodegones empezaron a llenarse de riquezas terrenales: manteles de alfombra, copas de plata, nácar. La comida sencilla fue sustituida por ostras, jamón, frutas exoticas. El simbolismo da paso a una ingenua admiración por la creación de las manos humanas.
Una característica de la pintura holandesa fue la especialización de los artistas por género. Dentro del género de la naturaleza muerta, incluso había una división en temas separados, y diferentes ciudades tenían sus propios tipos de naturaleza muerta favoritos, y si un pintor se mudaba a otra ciudad, a menudo cambiaba drásticamente su arte y comenzaba a pintar esas variedades. del género que eran populares en aquel lugar.
Haarlem se convirtió en el lugar de nacimiento del tipo más característico de naturaleza muerta holandesa: el "desayuno". Las pinturas de Peter Claes representan una mesa puesta con platos y platos. Un plato de hojalata, un arenque o un jamón, un panecillo, una copa de vino, una servilleta arrugada, un limón o una rama de uva, los cubiertos: la selección escasa y precisa de los elementos crea la impresión de una mesa puesta para una sola persona.
La presencia de una persona está indicada por el desorden "pintoresco" introducido en la disposición de las cosas y la atmósfera de un interior residencial acogedor, logrado mediante la transmisión de un ambiente luminoso. El tono gris-marrón dominante une los objetos en una sola imagen, mientras que la naturaleza muerta se convierte en un reflejo de los gustos y el estilo de vida individuales de cada persona.
Otro residente de Haarlem, Willem Heda, trabajó en la misma línea que Klas. El colorido de sus pinturas aún es en mayor medida subordinado a la unidad tonal, está dominado por un tono gris plateado, fijado por la imagen de utensilios de plata o peltre. Por esta colorida moderación, las pinturas comenzaron a llamarse “desayunos monocromáticos”.
En Utrecht se desarrollaron bodegones florales exuberantes y elegantes. Sus principales representantes son Jan Davids de Heem, Justus van Huysum y su hijo Jan van Huysum, que se hizo especialmente famoso por su cuidada escritura y su colorido claro.
La Universidad de Leiden creó y mejoró el tipo de naturaleza muerta filosófica "vanitas" (vanidad de vanidades). En las pinturas de Harmen van Steenwijk y Jan Davids de Heem, los objetos que encarnan la gloria y la riqueza terrenales (armaduras, libros, atributos del arte, utensilios preciosos) o placeres sensuales (flores, frutas) se yuxtaponen a una calavera o un reloj de arena como recordatorio. de la fugacidad de la vida.
A mediados de siglo, el tema de los modestos “desayunos” se transformó en lujosos “banquetes” y “postres” en las obras de Willem van Elst, Willem Kalf y Abraham van Beyeren. Las copas doradas, la porcelana china y la loza de Delft, los manteles de alfombra y las frutas del sur subrayan el gusto por la gracia y la riqueza que se impuso en la sociedad holandesa a mediados de siglo. En consecuencia, los desayunos “monocromáticos” están siendo reemplazados por un sabor jugoso, rico en colores y cálido y dorado.
Los artistas holandeses lograron grandes logros en la creación de arte de dirección realista, que representa naturalmente la realidad, precisamente porque ese arte tenía demanda en la sociedad holandesa.
Para artistas holandeses La pintura de caballete era importante en el arte. Los lienzos de los holandeses de esta época no tienen las mismas dimensiones que las obras de Rubens y, preferiblemente, no resuelven tareas monumentales y decorativas. Los clientes de los pintores holandeses eran enviados de la dirección gobernante de la organización, pero también de segunda clase; - burgueses y artesanos.
Una de las principales preocupaciones de los pintores holandeses era el hombre y el medio ambiente. El lugar principal en la pintura holandesa fue género cotidiano y retrato, paisaje y naturaleza muerta. Cuanto mejor representaban los pintores el mundo natural de manera imparcial y profunda, más numerosos eran los temas importantes y exigentes de su trabajo.
pintores holandeses Realizaban trabajos para la venta y vendían sus cuadros en ferias. Sus obras fueron compradas principalmente por gente de estratos superiores sociedad de campesinos ricos, artesanos, comerciantes, propietarios de fábricas. La gente corriente no podía permitírselo y miraba y admiraba las pinturas con placer. La disposición general del arte en su mejor momento. siglo XVII, privado de consumidores tan poderosos como la corte, la nobleza y la iglesia.
Las obras fueron realizadas en un formato pequeño, diseñado para adaptarse a muebles modestos y no de gran tamaño en las casas holandesas. Uno de los pasatiempos favoritos de los holandeses era pintura de caballete, ya que fue receptivo para reflejar la realidad de las acciones con gran confiabilidad y de diversas formas. Las pinturas de los holandeses representaban, cerca de ellos, la realidad de su país; querían ver lo que les era muy familiar: el mar y los barcos, la naturaleza de su tierra, su hogar, la acción de la vida cotidiana, las cosas. que los rodeaba por todas partes.
Un atractivo importante para el aprendizaje. ambiente apareció en la pintura holandesa en formas tan naturales y con una continuidad tan clara como en ningún otro lugar del arte holandés de esa época. En este sentido, también está conectada la profundidad de su escala: en él se formaron retratos y paisajes, naturalezas muertas y géneros de la vida cotidiana. Algunos de ellos, bodegones y pinturas cotidianas, fueron los primeros en emerger en formas maduras en Holanda y florecieron hasta tal punto que se convirtieron en el único ejemplo de este género.
En las dos primeras décadas se manifiesta claramente la principal tendencia de búsqueda de los principales artistas holandeses, que contrarrestan las corrientes artísticas correctas: la atracción por la reproducción fiel de la realidad, por la exactitud de su expresión. No es casualidad que los artistas holandeses se sintieran atraídos por el arte de Caravaggio. El trabajo de los llamados caravaggistas de Utrecht (G. Honthorst, H. Terbruggen, D. Van Baburen) tuvo un impacto en la cultura artística holandesa.
Pintores holandeses de los años 20 y 30 del siglo XVII crearon vista principal una pintura adecuada de pequeñas figuras que representa escenas de la vida de los campesinos comunes y corrientes y sus actividades cotidianas. En los años 40 - 50 pintura del hogar es uno de los principales géneros, cuyos autores en la historia han adquirido el nombre de “pequeños holandeses”, ya sea por la sencillez de la trama, o por el pequeño tamaño de las pinturas, o tal vez por ambas cosas. Las imágenes de campesinos en las pinturas están cubiertas de rasgos de buen humor. Adriana van Ostade. Fue un escritor democrático de la vida cotidiana y un narrador entretenido. Jan Steen.
Uno de los principales retratistas de Holanda, el fundador del retrato realista holandés fue Franz Hals. Creó su fama con retratos grupales de gremios de tiradores, en los que expresaba los ideales de la joven república, los sentimientos de libertad, igualdad y camaradería.
El pináculo de la creatividad realismo holandés es Harmens van Rijn Rembrandt, que se distingue por su extraordinaria vitalidad y emotividad, la profunda humanidad de las imágenes y una gran amplitud temática. Pintó cuadros, retratos y paisajes históricos, bíblicos, mitológicos y cotidianos, y fue uno de los mayores maestros del grabado y el dibujo. Pero no importa con qué técnica trabajara, el centro de su atención siempre fue la persona, su mundo interior. A menudo encontraba a sus héroes entre los holandeses pobres. En sus obras, Rembrandt combinó fuerza y penetración. características psicológicas con excepcional dominio de la pintura, en la que los pulcros tonos de claroscuro adquieren el mayor protagonismo.
Durante el primer tercio del siglo XVII surgieron las visiones del paisaje realista holandés, que florecieron a mediados de siglo. El paisaje de los maestros holandeses no es la naturaleza en general, como en las pinturas de los clasicistas, sino un paisaje nacional, específicamente holandés: molinos de viento, dunas del desierto, canales por los que se deslizan barcos en verano y patinadores en invierno. Los artistas buscaron transmitir la atmósfera de la estación, el aire húmedo y el espacio.
La naturaleza muerta se ha desarrollado vívidamente en la pintura holandesa y se distingue por su pequeño tamaño y carácter. Peter Claes Y Willem Heda la mayoría de las veces representaban los llamados desayunos: platos con jamón o pastel en una mesa servida relativamente modestamente. La presencia reciente de una persona se palpa en el desorden y la naturalidad con que están dispuestas las cosas que le acaban de servir. Pero este desorden es sólo aparente, ya que la composición de cada naturaleza muerta está cuidadosamente pensada. En una disposición hábil, los objetos se muestran de tal manera que uno siente la vida interior de las cosas; no en vano los holandeses llamaron a la naturaleza muerta "still leven" - "vida tranquila", y no "nature morte" - " naturaleza muerta”.
Naturaleza muerta. Peter Claes y Willem Heda
Los maestros holandeses combinan la sutileza y la veracidad en la recreación de la realidad con sentido agudo la belleza que se revela en cualquiera de sus fenómenos, incluso los más discretos y cotidianos. Este rasgo del genio artístico holandés se manifestó quizás más claramente en la naturaleza muerta; no es coincidencia que este género fuera uno de los favoritos en Holanda.
Los holandeses llamaron a la naturaleza muerta "stilleven", que significa "vida tranquila", y esta palabra expresa con mucha más precisión el significado que los pintores holandeses le dan a la imagen de las cosas que "naturaleza morte", la naturaleza muerta. En los objetos inanimados vieron una vida especial y oculta asociada a la vida de una persona, a su forma de vida, hábitos y gustos. Los pintores holandeses crearon la impresión de un "desorden" natural en la disposición de las cosas: mostraban un pastel cortado, un limón pelado con la cáscara colgando en espiral, una copa de vino sin terminar, una vela encendida, un libro abierto; siempre parece que alguien tocó estos objetos, simplemente los usó, siempre se siente la presencia invisible de una persona.
Principales maestros de la naturaleza muerta holandesa mitad XVII siglos fueron Pieter Claes (1597/98-1661) y Willem Heda (1594-ca. 1680). Un tema favorito de sus naturalezas muertas son los llamados “desayunos”. En "Desayuno con langosta" de V. Kheda, se comparan entre sí objetos de diversas formas y materiales (una cafetera, un vaso, un limón, una cazuela de barro, un plato de plata, etc.) de tal manera que revelar las características y el atractivo de cada uno. Utilizando una variedad de técnicas, Heda transmite perfectamente el material y la especificidad de su textura; Por lo tanto, los reflejos de la luz juegan de manera diferente en la superficie del vidrio y del metal: en el vidrio - claro, con contornos nítidos, en el metal - pálido, mate, en el vidrio dorado - brillante, brillante. Todos los elementos de la composición están unidos por la luz y el color: una combinación de colores verde grisáceo.
En "Naturaleza muerta con vela" de P. Klass, no solo es notable la precisión en la reproducción de las cualidades materiales de los objetos: la composición y la iluminación les confieren una gran expresividad emocional.
Las naturalezas muertas de Klass y Kheda están llenas de un estado de ánimo especial que los acerca: es un estado de ánimo de intimidad y comodidad, que da lugar a la idea de la vida tranquila y bien establecida de una casa burguesa. , donde reina la prosperidad y donde el cuidado se siente en todo manos humanas y la mirada atenta del dueño. Los pintores holandeses afirman el valor estético de las cosas, y la naturaleza muerta, por así decirlo, glorifica indirectamente la forma de vida a la que su existencia está indisolublemente ligada. Por lo tanto, se puede considerar como uno de encarnaciones artísticas un tema importante del arte holandés: el tema de la vida de una persona privada. Recibió su decisión principal en imagen de genero.[&&] Rotenberg I. E. Arte de Europa occidental del siglo XVII. Moscú, 1971;
En la segunda mitad del siglo XVII se produjeron cambios en la sociedad holandesa: aumentó el deseo de la burguesía por la aristocracia. Los modestos "desayunos" de Klas y Heda dan paso a ricos "postres" Abraham van Beijern Y Willem Kalf, que incluía espectaculares platos de barro, vasijas de plata, copas preciosas y conchas en naturalezas muertas. Las estructuras compositivas se vuelven más complejas y los colores se vuelven más decorativos. Posteriormente, la naturaleza muerta pierde su democracia, intimidad, espiritualidad y poesía. Se convierte en una magnífica decoración para los hogares de clientes de alto nivel. A pesar de su carácter decorativo y maestría en la ejecución, las naturalezas muertas tardías anticipan el declive de la gran pintura realista holandesa, que comenzó a principios del siglo XVIII y fue causado por la degeneración social de la burguesía holandesa en el último tercio del siglo XVII. siglo, la difusión de nuevas tendencias en el arte asociadas con la atracción de la burguesía por los gustos de la nobleza francesa. El arte holandés está perdiendo vínculos con la tradición democrática, perdiendo su base realista, perdiendo su identidad nacional y entrando en un período de largo declive.
La naturaleza muerta ("Stilleven", que significa "vida tranquila" en holandés) es una rama única y muy popular de la pintura holandesa. La pintura holandesa de bodegones del siglo XVII se caracteriza por la estrecha especialización de los maestros holandeses dentro del género. El tema "Flores y Frutas" suele incluir una variedad de insectos. Los "trofeos de caza" son, ante todo, trofeos de caza: aves sacrificadas y caza. "Desayunos" y "Postres", así como imágenes de peces - vivos y dormidos, varias aves - son sólo algunas de las más temas famosos bodegones. En conjunto, estos temas individuales caracterizan el gran interés de los holandeses por los temas de la vida cotidiana, sus actividades favoritas y la pasión por el exotismo de tierras lejanas (las composiciones contienen conchas y frutas extravagantes). A menudo, en obras con motivos de naturaleza "viva" y "muerta" hay un subtexto simbólico que es fácilmente comprensible para un espectador educado del siglo XVII.
Así, la combinación de objetos individuales podría servir como un indicio de la fragilidad de la existencia terrenal: rosas marchitas, un incensario, una vela, un reloj; o asociados a hábitos condenados por la moral: astillas, pipas; o indicó una historia de amor; escritura, instrumentos musicales, brasero. No cabe duda de que el significado de estas composiciones es mucho más amplio que su contenido simbólico.
Los bodegones holandeses atraen, ante todo, su expresión artística, integridad, la capacidad de revelar una vida espiritual. mundo objetivo. Al preferir pinturas de gran tamaño con abundancia de todo tipo de objetos, los pintores holandeses se limitan a unos pocos objetos de contemplación, esforzándose por lograr la máxima unidad compositiva y cromática.
La naturaleza muerta es uno de los géneros en los que los rasgos nacionales holandeses se manifestaron con especial claridad. Bodegones con utensilios de uso modesto, tan habituales en la pintura holandesa y muy raros en la pintura flamenca, o bodegones con enseres domésticos de las clases acomodadas. Naturalezas muertas de Pieter Claes y Willem Heda, envueltas en una luz fría y difusa, con una combinación de colores casi monocromática, o naturalezas muertas posteriores de Willem Kalf, donde, por voluntad del artista, una iluminación dorada da vida a las formas y colores vibrantes de Objetos del crepúsculo. Todos se caracterizan por rasgos nacionales comunes que no permiten que se mezclen con pinturas de otra escuela, incluida la flamenca relacionada. En los bodegones holandeses siempre hay una sensación de contemplación tranquila y un amor especial por la interpretación. formas reales mundo material tangible.
De Heem obtuvo reconocimiento mundial por sus magníficas imágenes de flores y frutas. Combinó los detalles de la imagen hasta el más mínimo detalle con una brillante elección de colores y un refinado gusto en la composición. Pintó flores en ramos y jarrones, en los que a menudo revoloteaban mariposas e insectos, coronas de flores en nichos, ventanas e imágenes de vírgenes en tonos grises, guirnaldas de frutas, naturalezas muertas con copas llenas de vino, uvas y otras frutas y productos. Hem utilizó con maestría las posibilidades del color y logró un alto grado de transparencia; sus imágenes de la naturaleza inanimada son completamente realistas. Sus pinturas se encuentran en casi todas las galerías de arte más importantes. La pintura de bodegones, que se distinguió por su carácter, se generalizó en Holanda en el siglo XVII. Los artistas holandeses eligieron una amplia variedad de objetos para sus naturalezas muertas, supieron disponerlos a la perfección, revelar las características de cada objeto y su vida interior, indisolublemente ligado a la vida humana. Los pintores holandeses del siglo XVII Pieter Claes (c. 1597 - 1661) y Willem Heda (1594 - 1680/1682) pintaron numerosas versiones de “desayunos”, representando jamones, bollos dorados, pasteles de moras, frágiles vasos de vidrio medio llenos de vino en las mesa, con asombrosa habilidad transmitiendo el color, volumen, textura de cada elemento. La presencia reciente de una persona se nota en el desorden, la aleatoriedad en la disposición de las cosas que acaban de servirle. Pero este desorden es sólo aparente, ya que la composición de cada naturaleza muerta está estrictamente pensada y encontrada. Una sobria gama tonal grisáceo-dorada y oliva une los objetos y da una sonoridad especial a esos colores puros que enfatizan la frescura de un limón recién cortado o la suave seda de una cinta azul. Con el tiempo, los “desayunos” de los maestros de la naturaleza muerta, los pintores Claes y Heda, dan paso a los “postres” de los artistas holandeses Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) y Willem Kalf (1622-1693). Las naturalezas muertas de Beyeren son estrictas en composición, emocionalmente ricas y coloridas. A lo largo de su vida, Willem Kalf pintó “cocinas” libres y democráticas: ollas, verduras y naturalezas muertas aristocráticas en una selección de objetos preciosos exquisitos, llenos de nobleza sobria, como vasijas de plata, tazas, conchas saturadas con la combustión interna de colores. EN mayor desarrollo La naturaleza muerta sigue los mismos caminos que todos los demás. arte holandés, perdiendo su democracia, su espiritualidad y poesía, su encanto. La naturaleza muerta se convierte en decoración para el hogar de clientes de alto nivel. A pesar de su carácter decorativo y hábil ejecución, las naturalezas muertas tardías anticipan el declive de la pintura holandesa. La degeneración social y la notoria aristocratización de la burguesía holandesa en el último tercio del siglo XVII dieron lugar a una tendencia a converger con las visiones estéticas de la nobleza francesa, lo que condujo a la idealización de las imágenes artísticas y su reducción. El arte está perdiendo vínculos con la tradición democrática, perdiendo su base realista y entrando en un período de decadencia a largo plazo. Gravemente agotada por las guerras con Inglaterra, Holanda está perdiendo su posición como gran potencia comercial y como importante centro artístico.
Willem Heda (c. 1594 - c. 1682) fue uno de los primeros maestros de la pintura de bodegones holandeses del siglo XVII, cuya obra fue muy valorada por sus contemporáneos. Particularmente popular en Holanda fue este tipo de pintura llamada “desayuno”. Fueron creados para todos los gustos: desde los ricos hasta los más modestos. El cuadro "Desayuno con cangrejo" se distingue por su carácter poco característico de una naturaleza muerta holandesa. talla grande(Apéndice I). La combinación de colores general de la obra es fría, gris plateada con algunas manchas rosadas y marrones. Kheda representó exquisitamente una mesa puesta en la que los elementos que componen el desayuno están dispuestos en un desorden cuidadosamente pensado. En el plato hay un cangrejo, representado con todas sus peculiaridades, al lado hay un limón amarillento, cuya cáscara elegantemente cortada, curvada, cuelga. A la derecha hay aceitunas verdes y un delicioso bollo con corteza dorada. Los recipientes de vidrio y metal añaden solidez a la naturaleza muerta; su color casi se fusiona con el esquema general.
Un fenómeno sorprendente en la historia del arte mundial tuvo lugar en el norte de Europa en el siglo XVII. Se la conoce como la naturaleza muerta holandesa y se la considera una de las cumbres de la pintura al óleo.
Los conocedores y profesionales creen firmemente que nunca en la historia del arte se han visto tantos maestros magníficos que poseían la más alta tecnología y crearon tantas obras maestras de talla mundial, mientras vivían en una pequeña parte del continente europeo.
Nuevo significado de la profesión del artista
La particular importancia que adquirió la profesión de artista en Holanda desde principios del siglo XVII fue consecuencia del surgimiento, tras las primeras revoluciones antifeudales, de los inicios de un nuevo sistema burgués, la formación de una clase de empresarios urbanos. burgueses y campesinos ricos. Para los pintores, estos eran clientes potenciales que marcaron la moda de las obras de arte, haciendo de los bodegones holandeses un producto buscado en el mercado emergente.
En las tierras del norte de los Países Bajos, los movimientos reformistas del cristianismo, que surgieron en la lucha contra el catolicismo, se convirtieron en la ideología más influyente. Esta circunstancia, entre otras, hizo de la naturaleza muerta holandesa el género principal de gremios artísticos enteros. Los líderes espirituales del protestantismo, en particular los calvinistas, negaron la importancia salvadora de las almas de la escultura y la pintura sobre temas religiosos, e incluso expulsaron la música del arte. iglesia, lo que obligó a los pintores a buscar nuevos temas.
En la vecina Flandes, que permaneció bajo influencia católica, arte Se desarrolló de acuerdo con diferentes leyes, pero la proximidad territorial provocó una inevitable influencia mutua. Los científicos, historiadores del arte, encuentran muchas cosas que unen las naturalezas muertas holandesas y flamencas, destacando sus diferencias fundamentales y características únicas.
Bodegón floral temprano
El género “puro” de la naturaleza muerta, que apareció en el siglo XVII, adquiere formas especiales en Holanda y nombre simbólico“vida tranquila” - todavía uniforme. En muchos sentidos, la naturaleza muerta holandesa fue un reflejo de la vigorosa actividad de la Compañía de las Indias Orientales, que traía artículos de lujo del Este, nunca antes vistos en Europa. La empresa trajo de Persia los primeros tulipanes, que más tarde se convirtieron en el símbolo de Holanda, y fueron las flores representadas en las pinturas las que se convirtieron en la decoración más popular de edificios residenciales, numerosas oficinas, tiendas y bancos.
El propósito de los arreglos florales magistralmente pintados era variado. Al decorar casas y oficinas, enfatizaban el bienestar de sus propietarios, y para los vendedores de plántulas de flores y bulbos de tulipanes, eran lo que hoy se llama un producto de publicidad visual: carteles y folletos. Por lo tanto, la naturaleza muerta holandesa con flores es, ante todo, una representación botánicamente precisa de flores y frutas, al mismo tiempo que está llena de muchos símbolos y alegorías. Se trata de las mejores pinturas de talleres enteros dirigidos por Ambrosius Bosschaert el Viejo, Jacob de Geyn el Joven, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar y otros.
Poner mesas y desayunos.
La pintura en Holanda en el siglo XVII no pudo escapar a la influencia de las nuevas relaciones sociales y el desarrollo económico. La pintura holandesa de bodegones del siglo XVII era un producto rentable y se organizaron grandes talleres para "producir" pinturas. Además de los pintores, entre los que aparecía una estricta especialización y división del trabajo, allí trabajaban los que preparaban la base de los cuadros - tablas o lienzos, los imprimaban, hacían marcos, etc. relaciones de mercado, condujo a un aumento de la calidad de las naturalezas muertas a un nivel muy alto.
La especialización genérica de los artistas adquirió también un carácter geográfico. Se pintaron composiciones florales en muchas ciudades holandesas: Utrecht, Delft, La Haya, pero fue Haarlem la que se convirtió en el centro para el desarrollo de naturalezas muertas que representan mesas servidas, comida y comidas listas. Estas pinturas pueden variar en escala y carácter, desde complejas y de múltiples temas hasta lacónicas. Aparecieron los “Desayunos”, naturalezas muertas de artistas holandeses que representan diferentes etapas de una comida. Representan la presencia de una persona en forma de migas, bollos mordidos, etc. historias interesantes, lleno de alusiones y símbolos moralizantes comunes a las pinturas de la época. Particularmente significativas se consideran las pinturas de Nicholas Gillies, Floris Gerrits van Schoten, Clara Peters, Hans Van Essen, Roelof Coots y otros.
Naturaleza muerta tonal. Pieter Claes y Willem Claes Heda
Para los contemporáneos, los símbolos que llenaban la naturaleza muerta tradicional holandesa eran relevantes y comprensibles. El contenido de las pinturas era similar a los libros de varias páginas y por eso eran especialmente valorados. Pero hay un concepto que no resulta menos impresionante tanto para los conocedores modernos como para los amantes del arte. Se llama "naturaleza muerta tonal", y lo principal en él es la más alta habilidad técnica, un color increíblemente refinado y una habilidad asombrosa para transmitir los sutiles matices de la iluminación.
Estas cualidades son totalmente consistentes con las pinturas de dos maestros destacados, cuyas pinturas se consideran entre los mejores ejemplos de naturaleza muerta tonal: Pieter Claes y Willem Claes Heed. Eligieron composiciones a partir de un pequeño número de objetos, sin colores brillantes y una decoración especial, que no les impidió crear cosas de asombrosa belleza y expresividad, cuyo valor no disminuye con el tiempo.
vanidad
El tema de la fragilidad de la vida, la igualdad ante la muerte tanto del rey como del mendigo, fue muy popular en la literatura y la filosofía de esa época de transición. Y en pintura encontró expresión en pinturas que representan escenas en las que el elemento principal era el cráneo. Este género se llama vanitas, del latín "vanidad de vanidades". La popularidad de las naturalezas muertas, similares a los tratados filosóficos, se vio facilitada por el desarrollo de la ciencia y la educación, cuyo centro era la universidad de Leiden, famosa en toda Europa.
Vanitas ocupa un lugar importante en las obras de muchos maestros holandeses de esa época: Jacob de Gein el Joven, David Gein, Harmen Steenwijk y otros. Los mejores ejemplos de "vanitas" no son simples historias de terror, no evocan horror inconsciente. sino una contemplación tranquila y sabia, llena de pensamientos sobre lo más asuntos importantes ser.
Pinturas con trucos.
Las pinturas son la decoración más popular del interior holandés desde finales de la Edad Media, algo que la creciente población de las ciudades podía permitirse. Para interesar a los compradores, los artistas recurrieron a varios trucos. Si su habilidad lo permitía, creaban "trucos" o "trompe l'oeil", del francés trompe-l "oeil, una ilusión óptica. La cuestión era que una naturaleza muerta típica holandesa: flores y frutas, pájaros muertos y peces. , u objetos relacionados con la ciencia (libros, instrumentos ópticos, etc.) contenían una completa ilusión de realidad. Un libro que se ha movido fuera del espacio de la imagen y está a punto de caer, una mosca que se ha posado en un jarrón que tú. quiero golpear: temas típicos de una pintura señuelo.
Las pinturas de los principales maestros de la naturaleza muerta en estilo trompe l'oeil (Gérard Dou, Samuel van Hoogstraten y otros) a menudo representan un nicho empotrado en la pared con estantes en los que hay una gran cantidad de cosas diferentes. La habilidad técnica del artista para transmitir texturas y superficies, luces y sombras era tan grande que la propia mano tomó un libro o un vaso.
Hora de apogeo y puesta del sol
A mediados del siglo XVII, los principales tipos de naturalezas muertas en las pinturas de los maestros holandeses alcanzaron su apogeo. Las naturalezas muertas “lujosas” se están volviendo populares porque el bienestar de los burgueses está creciendo y los platos ricos, las telas preciosas y la abundancia de alimentos no parecen extraños en el interior de una casa de la ciudad o de una rica finca rural.
Las pinturas aumentan de tamaño, sorprenden por la cantidad de texturas diferentes. Al mismo tiempo, los autores buscan formas de aumentar el entretenimiento para el espectador. Para ello, la naturaleza muerta tradicional holandesa, con frutas y flores, trofeos de caza y platos de diversos materiales, se complementa con insectos exóticos o pequeños animales y pájaros. Además de crear las asociaciones alegóricas habituales, el artista a menudo las introducía simplemente por emociones positivas, para aumentar el atractivo comercial de la trama.
Los maestros de la “naturaleza muerta de lujo” (Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reichals, Willem Kalf) se convirtieron en los presagios de la época venidera, cuando el aumento de la decoración y la creación de una impresión impresionante se volvieron importantes.
Fin de la edad de oro
Las prioridades y la moda cambiaron, la influencia de los dogmas religiosos en la elección de los temas de los pintores se convirtió gradualmente en una cosa del pasado, y el concepto mismo de la edad de oro que conoció la pintura holandesa pasó a ser una cosa del pasado. Las naturalezas muertas entraron en la historia de esta época como una de las páginas más importantes e impresionantes.