Apareció el artista de la galería holandesa. Pintura holandesa. Escenas de la vida cotidiana. Artista de la galería holandesa en. Pintura holandesa Pinturas de pintores holandeses.

En el marco del Año del Reino de los Países Bajos en la Federación de Rusia
en el Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A.S. Pushkin (Galería de arte de países europeos y americanos de los siglos XIX y XX)
hasta el 26 de enero de 2014 se realizó una exposición de obras de la colección corporativa del Grupo ING
La magia del realismo holandés.

ING Group es una de las mayores empresas financieras internacionales de origen holandés. La colección de arte del ING incluye hoy más de 15 mil obras de diversas escuelas y movimientos nacionales. En la exposición del Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin, el Grupo ING muestra la parte más importante de su colección: pinturas relacionadas con el movimiento artístico del realismo mágico.
En la década de 1920 en Europa, bajo el lema “regreso al orden”, comenzó un resurgimiento de la tendencia clásica en el arte. En el arte europeo, la pasión por el abstraccionismo de la década anterior se está debilitando y se están reviviendo tendencias realistas. Esto se debió en parte a la dolorosa experiencia de la Primera Guerra Mundial: el lenguaje del arte abstracto era bastante limitado y los artistas se vieron obligados a buscar un nuevo estilo para expresar la crueldad de la pasada masacre. Esto llevó al nacimiento de una nueva forma de realismo, que abandonó la representación de la vida cotidiana, como era el caso en el arte del siglo XIX, y se centró en otras técnicas. Movimientos artísticos similares comenzaron a surgir en toda Europa: "nueva materialidad" en Alemania, "arte metafísico" en Italia, "surrealismo" en Francia y, en la década de 1930, "realismo mágico" en los Países Bajos.

El término "realismo mágico" se acuñó por primera vez en Alemania y luego fue utilizado en Holanda por algunos escritores. Su característica distintiva es que los objetos del mundo real están representados con precisión fotográfica (realismo), sin embargo, al estar colocados en un contexto irreal, producto de la imaginación del artista, se produce el efecto de desapego (magia), destrucción de la percepción estándar. del mundo circundante nace. Para lograr este efecto, los realistas mágicos recurrieron a las refinadas técnicas de la pintura del siglo XVII. Al mismo tiempo, detrás de la fachada de un estilo pictórico enfáticamente realista se esconde una mirada penetrante y profundamente personal, y la escrupulosa precisión con la que están realizados los cuadros genera un sentimiento de alienación.

Los artistas están empezando a mostrar interés por la propia tradición pictórica. Uno de los primeros seguidores de esta tendencia es el holandés. Karel Willink, el único artista que tiene el honor de ser incluido no sólo en la colección de ING, sino también en la gran historia del arte del siglo XX. Dado que consideraba los estilos modernos como transitorios, Willink decide poner fin a sus experimentos y pasar a los tradicionales. pintura realista.

Karel Willink. Chica con un vestido renacentista. 1946

La mirada de quien entra en la exposición se dirige inmediatamente a “Niña con traje renacentista” de Karel Willink. La niña de Rubens con un pesado vestido de brocado y una oveja de juguete atada a una correa, representada con el telón de fondo de un parque normal que se extiende en la perspectiva de Patinirov hasta el horizonte, parece la heroína de una especie de pesadilla. O bien la luz eléctrica helada, como en “Melancholia” de Lars von Trier, produce tal efecto, o el contraste entre el rostro nada infantil ni nada inocente del modelo y el entorno idílico en el espíritu de los viejos maestros, donde esta Se inserta una cara, como en un cuadro, se activa una falsificación de un estudio fotográfico de provincia. "La niña" fue escrita en 1945; durante la ocupación, Karel Willink, a pesar de ser reconocido como un artista completamente ario, se negó a vender sus pinturas a los alemanes y se ganó la vida con los retratos. Sin embargo, esta imagen, con todo su carácter personalizado, se ve como un reflejo de la vieja Europa, que ha muerto y que ahora debe ser poblada por tribus jóvenes y desconocidas.

El resto de artistas mostrados en la exposición son mucho menos famosos y parecen querer entablar una discusión con Willink, demostrándole con su realismo maníaco que los valores del viejo mundo tienen derecho a la vida. Pero al mismo tiempo, la colección ING no parece en absoluto una manifestación de conservadurismo.

El término "realismo mágico", oculto en el título de la exposición, fue acuñado por el historiador y crítico de arte alemán Francisco Roch en 1925 para los artistas de la “nueva materialidad”, pero rápidamente emigró al campo de la literatura y prácticamente perdió cualquier significado claro en el campo. Artes visuales. Lo que vemos en la exposición es una amplia gama de “ismos”. Del hiperrealismo, como en "The Box" Francisco Clemente, del que las herramientas de construcción caerán en cualquier momento, hasta el academicismo banal, como en las producciones de naturalezas muertas. Peter Sebens Y Bernardo Ferkayka. Aquí también hay fans de Andrew Wyeth... Johan Abeling con "Casa", que fácilmente podría convertirse en "La Casa de Christina". Y conceptualistas como el autor de 7 mil autorretratos Philip Ackerman, alumno del gran Jan Dibbets. Y los fanáticos de los juegos posmodernos como Barrenda Blankert, citando a viejos italianos mezclados con Georges Seurat. Y esa misma "nueva materialidad", que incluye a los pares de Karel Willink: Wim Schumacher con retratos y paisajes en plata y Dick Kath con bodegones en collage que regresan al cubismo mundo objetivo persuasión ilusionista. Sin embargo, Dick Ket, en “Naturaleza muerta para el día de San Nicolás”, cifrando su nombre, ya que la marioneta que acabó en la mesa festiva se llama “ket” en frisia occidental, juega juegos surrealistas. Al igual que Karel Willink, su manierismo norteño es cercano a Max Ernst y Salvador Dalí, y su cartesianismo es cercano a René Magritte.

Probablemente, la colección ING tenga un programa patriótico: después de todo, el realismo se considera un gran logro de la época dorada holandesa. Muchos artistas apelan aquí a la época dorada, y bajo el título “Naturaleza muerta con frutas en el fondo de un paisaje” de un brillante estilista Raúl Hinkes Me gustaría corregir la fecha escribiendo "1635" en lugar de "1935". Pero no se puede decir que los motivos que impulsaron la elaboración de esta colección corporativa se limiten al deseo de apoyar la marca artística nacional. La exposición ocupa sólo tres salas, y las pinturas se distribuyen simplemente entre ellas según el principio de género: retrato, paisaje, naturaleza muerta. Sin embargo, a pesar de todo el realismo fotográfico de las obras, no se siente la diferencia entre los géneros: diseñadas principalmente en tonos apagados de color gris plateado, iluminadas principalmente por una luz uniforme y mate, que se distinguen por una claridad antinatural de las líneas, todas ellas Al principio evocan la idea de un paisaje típico holandés, para luego empezar a parecer una naturaleza muerta. Un elenco magistral y desapasionado de una realidad de la que la vida ha desaparecido. No como una imagen holística del mundo real, sino como un conjunto de signos índice que remiten al mundo real como la escena de un crimen, como una grieta en un reposabrazos y un arco en el otro. Barrenda Blankert. Que fue parcialmente descrito por el poeta. José Brodsky en un poema inspirado en el cuadro de Carl Willink: “Esto es lo que se llama “maestría”:

La capacidad de no tener miedo del procedimiento.

La inexistencia - como formas propias

Ausencia, habiéndola copiado de la vida.

Siguiendo a Willink, se están volviendo más populares representantes del realismo mágico como Peike Koch, Raoul Hinkuis, Dick Kaeth y Wim Schumacher.

Peike Koch. Cosecha. 1953

“El realismo mágico describe fenómenos que son posibles y, sin embargo, inverosímiles; el surrealismo, por su parte, demuestra situaciones que son imposibles, no existen o no pueden existir”, dijo Peike Koch, explicando la diferencia entre realismo mágico y surrealismo, dos movimientos artísticos que a menudo se confunden entre sí. El surrealismo es principalmente un mundo de fantasía y sueños, mientras que el realismo mágico es la vida cotidiana en un nuevo contexto.

Una característica común de todos los realistas mágicos es la atmósfera creada por sus pinturas. La sensación de malestar que evocan estas pinturas se debe en parte a su extremo realismo, que reduce la distancia entre el espectador y la obra. Al mismo tiempo, aquí no hay una narrativa estricta o completa. El artista sólo ofrece un conjunto de lecturas posibles, pero nunca da una respuesta completa. El espectador tiene derecho a sacar sus propias conclusiones.

La estética del realismo mágico, esta combinación de realidad y magia, por supuesto, necesitaba ciertas aparatos estilizados. Las obras de los realistas mágicos se distinguen por una cierta frialdad y la mirada aparentemente indiferente del artista hacia el tema de la imagen, deslizándose sobre la superficie, lo que fue especialmente evidente en retratos y naturalezas muertas (Dick Kath, Wim Schumacher).

Wim Schumacher. Retrato de Adin Mees. 1933;

Wim Schumacher "Melita de blanco" 1928

Wim Schumacher "Prats de Molló" 1929

Dick Ket. San Nicolás, naturaleza muerta. 1931

Dick Ket (1902-1940). Naturaleza muerta con violín y recortes de periódico con autorretratos de W.Schumacher y R.Hynckes.Ca.1936

Raoul Hynckes (1893-1973).Naturaleza muerta con frutas y paisaje/Naturaleza muerta con frutas contra un paisaje.1935.

Ger Langeweg (1891-1970).Peras en un paisaje.Ca.1937/Ger Langeweg.Peras en un paisaje.

Para los representantes modernos del realismo mágico en Holanda, es característico y no accidental que tengan una conexión con fenómenos del arte del siglo XX como el pop art, el neoexpresionismo y el fotorrealismo. Las técnicas de construcción demostrativa del mundo imaginativo, el deseo de resaltar el utilitarismo y los estereotipos del espacio circundante, escapar al mundo de lo imaginario, el uso de alusiones ocultas, el juego libre con imágenes y significados hacen que el trabajo del moderno "mágico". “Artistas similares al surrealismo. Al mismo tiempo, el extremo grado de arte figurativo y la atención al detalle es sin duda una apelación a la tradición realista de los antiguos maestros holandeses.

El objetivo de la exposición "La magia del realismo holandés" es mostrar uno de los fenómenos más brillantes del arte de los Países Bajos del siglo XX: como un diálogo entre pintores de varias generaciones, entre realistas mágicos de la primera mitad del siglo XX. siglo, incluidos Wim Schumacher, Karel Willink, Peike Koch y sus seguidores modernos: Philipp Akkerman, Frans Stuurman, Koos van Koulen y otros, un diálogo que te hace recordar la cultura tradicional de los Países Bajos. La exposición presenta unas cuarenta obras de artistas holandeses de los siglos XX y XXI, que demuestran dominio técnico, una combinación de tradición e innovación.

Jan van Tongeren (1897-1991).Naturaleza muerta con jarra blanca.1967/ Jan van Tongeren.Naturaleza muerta con jarra blanca

Franc Clement (n. 1941).Box.1985/ Franc Clement.Box.

Frans Stuurman "Delfshaven" 1979

Frans Stuurman (g.1952) El Golfo.1994 / Frans Stuurman.Gaviota

Jan Peor "Aventurero" 1993

Kick Sailer "Frente al espejo" 1993

Kick Seiler "Noche" 1992

Pete Sebens "La mesa de Hilda" 1995

Henk Helmantel (nacido en 1945). Bodegón con frutos de granada. 1998. Madera, óleo.

Barend Blankert (n. 1941). El ejercicio. 1991 / Barend Blankert. Ejercicio

Barend Blankert "Dos niños en la naturaleza" 1988-1990

Felipe Ackerman. Auto retrato. 2001

Philip Akkerman (n. 1957) 4 Autorretratos N° 132, N° 51, N° 80, N° 20 / Philip Akerman.4 autorretratos

La luz en las pinturas realistas mágicas a menudo parece artificial, demasiado dura e intermitente. Los artistas utilizaron esta técnica para realizar plenamente los métodos de uso de la perspectiva desarrollados por los cubistas.

Además, en las pinturas de los realistas mágicos apenas se pueden encontrar matices o combinaciones de colores suaves: el primer plano y el fondo a menudo se representan con el mismo grado de detalle. Entre los seguidores modernos del realismo mágico, esta técnica es utilizada por Koos van Koulen.

Koos van Koulen. Olga. 2007

Koos van Keulen "Itier y Pisanello" 2003

Matthijs Roling (n. 1943). Jardín. 2005 / Matthijs Roling. Jardín

Bernard Verkaaik (n. 1946). Olla, cebollas y paño negro.2004/ Bernard Ferkaaik. Maceta, bombillas y tela negra.

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Kenne Gregoire (n. 1951). Descanso. 2003. Lienzo sobre madera, acrílico.

Harry van der Woude "Autorretrato con un cuenco de naranja" 2007

Aparece en Francia en los años 1960. nuevo realismo, y en Estados Unidos y Gran Bretaña el arte pop: la demanda del realismo mágico como movimiento está cayendo drásticamente. En esta época, el neoexpresionismo comenzó a surgir en Europa. Artistas belgas y holandeses, entre otros, participan activamente en este proceso. Alfonso Freimuth Y Roger Rovel. Comienzan a crear pinturas en un "estilo natural", volviendo de vez en cuando a las tradiciones de sus predecesores, quienes descubrieron la dirección del "realismo mágico". Ahora los maestros son más típicos de temas como el amor, la armonía, la muerte, los sentimientos, mientras que el nuevo realismo neurótico a menudo recurre a temas tabú en la sociedad. Los artistas de todos estos movimientos creen firmemente en la necesidad de expresar tanto sus posiciones personales, sus pensamientos como los valores humanos universales que unen estos períodos en el arte.

La exposición en su conjunto no sólo muestra claramente la continuidad de los artistas holandeses contemporáneos con respecto a sus predecesores inmediatos, sino también un diálogo constante con cultura tradicional y una conexión con la época dorada de la pintura holandesa. Encontrar estas intersecciones y referencias mutuas se convierte en una búsqueda fascinante para el espectador. Sin embargo, la magia también funciona con la contemplación pasiva. Aún así, el realismo mágico es un oxímoron y las paradojas y contradicciones siempre se atraen.

PD Lamentablemente no pude asistir a la exposición; recopilé material al respecto en Internet:
Enlaces:
http://pda.mn.ru/culture/20131114/362619469.html

Cerca mitad XVI mesa. entre los pintores holandeses existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte ruso (su angulosidad y sequedad góticas) estudiando artistas italianos el Renacimiento y combinando su manera con las mejores tradiciones de su propia escuela. Este deseo ya es visible en las obras del citado Mostert; pero el principal divulgador del nuevo movimiento hay que considerarlo Jan Schorel (1495-1562), que vivió durante mucho tiempo en Italia y posteriormente fundó en Utrecht la escuela de la que procedía. toda la linea Artistas contagiados por el deseo de convertirse en Rafaeles y Miguel Ángel holandeses. Siguieron sus pasos Maarten van Van, apodado Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, apodado. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) y otros pertenecientes al siguiente período de la escuela italiana, como, por ejemplo, Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), fueron más allá de los Alpes para imbuirse de las perfecciones. de las luminarias de la pintura italiana, pero cayeron, en su mayor parte, bajo la influencia de representantes del declive de esta pintura que se iniciaba en ese momento, regresaron a su tierra natal como manieristas, imaginando que toda la esencia del arte reside en la exageración de los músculos, en la pretensión de los ángulos y el garbo de los colores convencionales. Sin embargo, la pasión de los italianos por la pintura, que a menudo llegó a los extremos en la época de transición de Georgia, trajo una especie de beneficio, ya que aportó a esta pintura un dibujo mejor y más erudito y la capacidad de gestionar la composición con mayor libertad y audacia. Junto con la antigua tradición holandesa y el amor ilimitado por la naturaleza, el italianismo se convirtió en uno de los elementos a partir de los cuales se formó el arte original y altamente desarrollado de la época floreciente. El inicio de esta era, como ya hemos dicho, debe fecharse a principios del siglo XVII, cuando Holanda, tras lograr la independencia, comenzó a vivir una nueva vida. La dramática transformación de un país pobre y oprimido ayer mismo en una unión de estados políticamente importante, cómoda y rica fue acompañada por una revolución igualmente dramática en su arte. De todas partes, casi simultáneamente, surgen innumerables artistas maravillosos, llamados a la actividad por el auge del espíritu nacional y la necesidad de su obra que se ha desarrollado en la sociedad. A los centros artísticos originales, Haarlem y Leiden, se están añadiendo otros nuevos: Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haya, Amsterdam, etc. En todas partes, las antiguas tareas de la pintura se están desarrollando de una manera nueva bajo la influencia de demandas y puntos de vista cambiantes. , y sus nuevas sucursales, cuyos inicios apenas se notaron en el período anterior. La Reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; No había necesidad de decorar palacios y cámaras nobles con imágenes de dioses y héroes antiguos y, por lo tanto, la pintura histórica, que satisfacía los gustos de la rica burguesía, abandonó el idealismo y recurrió a una reproducción fiel de la realidad: comenzó a interpretar acontecimientos del pasado. como los acontecimientos del día que tuvieron lugar en Holanda, y en especial se hizo retrato, perpetuando en él los rasgos de la gente de esa época, ya sea en figuras individuales o en extensas composiciones de varias figuras que representan sociedades de fusileros (schutterstuke), que desempeñaron un papel tan destacado en la lucha por la liberación del país: los directores de sus instituciones caritativas (regentenstuke), capataces y miembros de diversas corporaciones. Si decidiéramos hablar de todos los retratistas talentosos de la época floreciente de la Galia. arte, entonces simplemente enumerar sus nombres con una indicación de sus mejores obras ocuparía muchas líneas; Por ello, nos limitamos a mencionar sólo a aquellos artistas que destacan especialmente dentro del panorama general. Se trata de: Michiel Mierevelt (1567-1641), su alumno Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), predecesores de los tres más grandes retratistas de Holanda: el hechicero del claroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), dibujante incomparable que tenía un sorprendente arte de modelar figuras con luz, pero algo frío en carácter y color, Bartholomew van der Gelst (1611 o 1612-70) y sorprendente con la fuga de su pincel Frans Gols el Viejo (1581-1666). De ellos, el nombre de Rembrandt brilla especialmente en la historia, al principio muy apreciado por sus contemporáneos, luego olvidado por ellos, poco apreciado por la posteridad, y sólo en el siglo actual elevado, con toda justicia, al nivel de mundo. genio. En su característica personalidad artística, todo está concentrado, como si estuviera enfocado. mejores calidades G. la pintura y su influencia se reflejaron en todos sus tipos: retratos, pinturas históricas, escenas cotidianas y paisajes. Los más famosos entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt fueron: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 o 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (c. 1620-54), Salomon y Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († más tarde 1645), Gerard Dou (1613-75) y Samuel van Googstraten (1626-78). Además de estos artistas, para completar la lista de los mejores retratistas y pintores históricos del período que nos ocupa, conviene nombrar a Jan Lievens (1607-30), compañero de estudios de Rembrandt de P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72). ) y Pieter Nazon (1612-91), trabajando, aparentemente, bajo la influencia de V. d. Gelsta, imitador de Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan y Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) y Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). La pintura doméstica, cuyos primeros experimentos aparecieron en la antigua escuela holandesa, se remonta al siglo XVII. suelo especialmente fértil en la Holanda protestante, libre, burguesa y satisfecha de sí misma. Los cuadros pequeños, que representaban ingenuamente las costumbres y la vida de diferentes clases de la sociedad local, a muchas personas les parecían más entretenidos que las grandes obras de pintura seria y, junto con los paisajes, más convenientes para decorar acogedoras casas privadas. Toda una horda de artistas satisface la demanda de este tipo de imágenes, sin pensar mucho en la elección del tema, pero reproduciendo concienzudamente todo lo que se encuentra en la realidad, mostrando al mismo tiempo amor por su familia y luego buen humor, con precisión. caracterizando las posiciones y rostros representados y refinado en el dominio de la tecnología. Mientras algunos se ocupan de la vida de la gente común, escenas de alegría y tristeza campesina, borracheras en tabernas y tabernas, tertulias frente a posadas de carretera, vacaciones rurales, juegos y patinaje sobre el hielo de ríos y canales helados, etc., otros se ocupan de el contenido de sus obras proviene de un círculo más elegante: pintan elegantes damas en su entorno íntimo, el cortejo de caballeros dandys, amas de casa dando órdenes a sus criadas, ejercicios de música y canto en el salón, la juerga de la juventud dorada en las casas de placer, etc. En la larga serie de artistas de la primera categoría destacan Adrian e Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 o 1606-38), Jan Stan (c. 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, apodado Bambocchio en Italia (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, apodado Sorg (1621-82), Claes Molenaar (anteriormente 1630-76), Jan Minse-Molenar (alrededor de 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) y algunos. etc. Del número igualmente significativo de pintores que reprodujeron la vida de la clase media y alta, generalmente suficiente, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francia c. Miris la Vieja (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer de Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony y Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38), etc. La categoría de pintores de género incluye artistas que pintaron escenas de la vida militar, ociosidad de los soldados en las casetas de vigilancia. , campamentos, escaramuzas de caballería y batallas enteras, doma de caballos, así como escenas de cetrería y caza de perros similares a escenas de batalla. El principal representante de esta rama de la pintura es el famoso e inusualmente prolífico Philips Wouwerman (1619-68). Además de él, su hermano de este maestro, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), a quien pronto conoceremos entre los paisajistas, el mencionado Palamedes, Jacob Leduc (1600 - más tarde 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), etc. Para muchos de estos artistas, el paisaje juega un papel tan importante como las figuras humanas; pero paralelamente a ellos, trabaja una masa de pintores, fijándolo como su tarea principal o exclusiva. En general, los holandeses tienen el derecho inalienable de estar orgullosos de que su patria sea la cuna no sólo del género más nuevo, sino también del paisaje en el sentido en que se entiende hoy. De hecho, en otros países, p. En Italia y Francia, el arte tenía poco interés por la naturaleza inanimada, no encontraba en ella ni una vida única ni una belleza especial: el pintor introdujo el paisaje en sus cuadros sólo como un elemento secundario, como decoración, entre los que se encontraban episodios de drama humano o La comedia se representa y, por tanto, subordina las condiciones de la escena, inventando líneas pintorescas y lugares que le son beneficiosos, pero sin copiar la naturaleza, sin dejarse imbuir de la impresión que inspira. Del mismo modo “compuso” la naturaleza en aquellos raros casos en los que intentó pintar un cuadro puramente paisajístico. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en la naturaleza inanimada todo respira vida, todo es atractivo, todo es capaz de evocar el pensamiento y excitar el movimiento del corazón. Y esto era bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon la naturaleza que los rodeaba con sus propias manos, la atesoraban y admiraban, como un padre aprecia y admira su propia creación. Además, esta naturaleza, a pesar de la modestia de sus formas y colores, proporcionó a coloristas como los holandeses abundante material para desarrollar motivos de iluminación y perspectiva aérea debido a las condiciones climáticas del país: su aire saturado de vapor, suavizando los contornos de objetos, produciendo una gradación de tonos en diferentes planos y cubriendo la distancia con una bruma de niebla plateada o dorada, así como la variabilidad de la apariencia de las áreas determinada por la época del año, la hora del día y las condiciones climáticas. Entre los paisajistas del período de florecimiento, los holandeses. Se respetan especialmente las escuelas que fueron intérpretes de su carácter doméstico: Jan V. Goyen (1595-1656), quien, junto con Esaias van de Velde (c. 1590-1630) y Pieter Moleyn el Viejo. (1595-1661), considerado el fundador del Goll. paisaje; luego este estudiante de maestría, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (c. 1600 - más tarde 1679), amante de los efectos de la mejor iluminación del arte. d. Nair (1603-77), el poético Jacob v. Ruisdael (1628 o 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) y Cornelis Dekker († 1678). Entre los holandeses también hubo muchos paisajistas que emprendieron viajes y reprodujeron motivos de carácter extranjero, lo que, sin embargo, no les impidió mantener un carácter nacional en su pintura. Alberto V. Everdingen (1621-75) representó vistas de Noruega; Jan Ambos (1610-52), Dirk v. Bergen († más tarde 1690) y Jan Lingelbach (1623-74) - Italia; Ian V. d. Mayor el Joven (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) y Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) - Alemania y Suiza; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) y un grupo de sus seguidores pintaron paisajes inspirados en la naturaleza italiana, con ruinas de edificios antiguos, ninfas bañándose y escenas de una Arcadia imaginaria. En una categoría especial podemos destacar a los maestros que en sus pinturas combinaron paisajes con imágenes de animales, dando preferencia al primero o al segundo, o tratando ambas partes con la misma atención. El más famoso entre estos pintores del idilio rural es Paulus Potter (1625-54); Además de él, Adrian debería incluirse aquí. d. Velde (1635 o 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) y numerosos artistas que buscaron temas preferente o exclusivamente en Italia, como: Willem Romain († más tarde 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616? -77) Frederic de Moucheron (1633 o 1634-86) y otros Estrechamente relacionada con la pintura de paisajes está la pintura de vistas arquitectónicas, que los artistas holandeses comenzaron a dedicarse como una rama de arte independiente sólo en la mitad del siglo XVII. Algunos de los que desde entonces han trabajado en esta área han representado sofisticadamente las calles y plazas de la ciudad con sus edificios; estos son, entre otros, menos significativos, Johannes Bärestraten (1622-66), Job y Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) y Jacob v. pueblo Yulft (1627-88). Otros, entre los que destacan Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 o 1617-92), pintaron vistas interiores de iglesias y palacios. El mar tenía tal importancia en la vida de Holanda que su arte sólo podía tratarlo con la mayor atención. Muchos de sus artistas que se ocuparon del paisaje, géneros e incluso retratos, rompiendo por un tiempo con sus temas habituales, se convirtieron en pintores marinos, y si decidimos enumerar a todos los pintores holandeses. escuelas que representan un mar en calma o embravecido, barcos meciéndose en él, puertos llenos de barcos, batallas navales, etc., entonces obtendríamos una lista muy larga que incluiría los nombres de Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. y J. Ruisdal, A. Cuyp y otros ya citados en líneas anteriores. Limitándonos a señalar a aquellos para quienes la pintura de especies marinas era una especialidad, debemos nombrar a Willem v. de Velde el Viejo (1611 o 1612-93), su famoso hijo V. v. de Velde el Joven (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) y Julius Parcellis († más tarde 1634). Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón por la que en ella se formó y desarrolló un tipo de pintura que en otras escuelas hasta entonces no se había cultivado como una rama especial e independiente, a saber, la pintura de flores, frutas, verduras, seres vivos, utensilios de cocina, vajillas, etc. - en una palabra, lo que ahora se llama comúnmente "naturaleza muerta" (naturaleza muerta, Stilleben). En esta zona entre el Los artistas más famosos de la época floreciente fueron Jan-Davids de Gem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630). -93), Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - más tarde 1678), Willem Kalf (1621 o 1622-93) y Jan Waenix (1640-1719).

El período brillante de la pintura holandesa no duró mucho: sólo un siglo. Desde principios del siglo XVIII. Su declive se acerca, no porque las costas del Zuiderzee dejen de producir talentos innatos, sino porque En la sociedad, la autoconciencia nacional se debilita cada vez más, el espíritu nacional se evapora y los gustos y puntos de vista franceses de la pomposa época de Luis XIV se están afianzando. En el arte, este giro cultural se expresa en el olvido por parte de los artistas de aquellos principios básicos de los que dependía la originalidad de los pintores de generaciones anteriores y en una apelación a principios estéticos traídos de un país vecino. En lugar de una relación directa con la naturaleza, el amor por lo nativo y la sinceridad, el predominio de las teorías preconcebidas, las convenciones y la imitación de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain y otras luminarias de la escuela francesa. El principal propagador de esta lamentable corriente fue el flamenco Gerard de Leresse (1641-1711), afincado en Amsterdam, artista muy capaz y educado en su época, que ejerció una enorme influencia en sus contemporáneos y en la posteridad inmediata tanto con su amanerado pseudo -pinturas históricas y obras de su propia pluma, entre las cuales una - " Gran libro pintor" ("t groot schilderboec") - sirvió durante cincuenta años como código para los artistas jóvenes. El famoso Adriano también contribuyó al declive de la escuela. de Werff (1659-1722), cuya elegante pintura con figuras frías, como talladas en marfil, con un color apagado e impotente, alguna vez pareció el colmo de la perfección. Entre los seguidores de este artista, Henryk v. gozaba de fama como pintor histórico. Limborg (1680-1758) y Philip V.-Dyck (1669-1729), apodado "el pequeño V.-Dyck". De los otros pintores de la época en cuestión, dotados de indudable talento, pero contagiados del espíritu de la época, cabe señalar Willem y Francia v. Miris la Joven (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) y Carel de Maur (1656-1738). Cornelis Trost (1697-1750), principalmente caricaturista, apodado holandés, dio algo de brillo a la escuela moribunda. Gogarth, el retratista Jan Quincgard (1688-1772), el pintor decorativo e histórico Jacob de Wit (1695-1754) y los pintores de la naturaleza muerta Jan V. Geysum (1682-1749) y Rachel Reisch (1664-1750).

La influencia extranjera pesó sobre la pintura holandesa hasta los años veinte del siglo XIX, habiendo conseguido reflejar más o menos en ella los cambios que experimentó el arte en Francia, empezando por la confección de pelucas en la época del Rey Sol y terminando con el pseudoclasicismo de David. Cuando el estilo de este último quedó obsoleto y en toda Europa occidental, en lugar de la fascinación por los antiguos griegos y romanos, surgió un deseo romántico, dominando tanto la poesía como las artes figurativas, los holandeses, como otros pueblos, volvieron su mirada hacia su antigüedad, y por tanto a su gloriosa pintura pasada. El deseo de devolverle el brillo con el que brilló en el siglo XVII comenzó a inspirar a los artistas más nuevos y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales: a una estricta observación de la naturaleza y a una actitud ingeniosa y sincera hacia las tareas en mano. Al mismo tiempo, no intentaron eliminar por completo la influencia extranjera, sino que se fueron a estudiar a París o Dusseldorf y otros. centros de arte De allí se llevaron a Alemania sólo un conocimiento de los éxitos de la tecnología moderna. Gracias a todo esto, la resucitada escuela holandesa volvió a adquirir una fisonomía original y atractiva y hoy avanza por el camino que conduce a un mayor progreso. Puede contrastar fácilmente muchas de sus figuras más recientes con los mejores pintores del siglo XIX en otros países. La pintura histórica en el sentido estricto de la palabra se cultiva en él, como antaño, de forma muy moderada y no tiene representantes destacados; Pero en términos del género histórico, Holanda puede estar orgullosa de varios maestros recientes importantes, como: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (n. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (n. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) y el talentoso Lawrence Alma-Tadema (n. 1836), que desertó a Inglaterra. En cuanto al género cotidiano, que también estaba incluido en el círculo de actividad de estos artistas (a excepción de Alma-Tadema), se pueden señalar varios pintores excelentes, encabezados por Joseph Israels (n. 1824) y Christoffel. Bisschop (n. 1828); Además de ellos, son dignos de ser nombrados Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (n. 1826), Teresa Schwarze (n. 1852) y Valli Mus (n. 1857). El objetivo más nuevo es especialmente rico. pintura de paisajistas que trabajaron y trabajan de diversas maneras, a veces con esmerada terminación, a veces con la amplia técnica de los impresionistas, pero fieles y poéticos intérpretes de su naturaleza nativa. Entre ellos se incluyen Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (n. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (n. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (n. 1837), Lodewijk Apol (n. 1850) y muchos otros. etc. Herederos directos de Ya. D. Heyden y E. de Witte, aparecieron pintores de opiniones prometedoras, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), etc. Entre los pintores marinos más nuevos de Holanda, el La palma pertenece a Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (n. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) y Henrik Mesdag (n. 1831). Finalmente, los animales se mostraron en pintura. arte grandioso Wouters Verschoor (1812-74) y Johann Gas (n. 1832).

Casarse. Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 volúmenes, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (tomos 2 y 3, 1882-1883); Waagen, "Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen" (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La pintura holandesa" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876); A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890); P. P. Semenov, "Sketches on History pintura holandesa basado en sus muestras ubicadas en San Petersburgo." (suplemento especial de la revista "Vestn. Fine Arts", 1885-90).

Los primeros años del siglo XVII se consideran el nacimiento de la escuela holandesa. Esta escuela pertenece a las grandes escuelas de pintura y es una escuela autónoma e independiente con características e identidad únicas e inimitables.

Esto tiene una explicación en gran medida histórica: surgieron simultáneamente un nuevo movimiento en el arte y un nuevo estado en el mapa de Europa.

Hasta el siglo XVII Holanda no destacó por la abundancia de artistas nacionales. Quizás por eso en el futuro habrá tantos artistas en este país, especialmente artistas holandeses. Si bien este país era un solo estado con Flandes, fue principalmente en Flandes donde se crearon y desarrollaron intensamente los movimientos artísticos originales. En Flandes trabajaron pintores destacados como Van Eyck, Memling y Rogier van der Weyden, que no se encuentran en Holanda. A principios del siglo XVI sólo se pueden observar estallidos aislados de genio en la pintura; se trata del artista y grabador Lucas de Leiden, seguidor de la escuela de Brujas. Pero Lucas de Leiden no creó ninguna escuela. Lo mismo puede decirse del pintor Dirk Bouts de Haarlem, cuyas creaciones apenas destacan en el contexto del estilo y la manera de los orígenes de la escuela flamenca, de los artistas Mostaert, Skorel y Heemskerke, quienes, a pesar de toda su importancia, No son talentos individuales que los caractericen con su originalidad país.

Luego, la influencia italiana se extendió a todos los que crearon con el pincel, desde Amberes hasta Haarlem. Ésta fue una de las razones por las que las fronteras se difuminaron, las escuelas se mezclaron y los artistas perdieron su identidad nacional. No sobrevivió ni un solo alumno de Jan Skorel. El último, el más famoso, el más grande retratista, que junto con Rembrandt es el orgullo de Holanda, un artista dotado de un talento poderoso, excelentemente educado, de estilo variado, valiente y flexible por naturaleza, un cosmopolita que lo ha perdido todo. Hay rastros de su origen e incluso de su nombre: Antonis Moreau (fue el pintor oficial del rey español) murió después de 1588.

Los pintores supervivientes casi dejaron de ser holandeses en el espíritu de su obra; carecían de la organización y la capacidad para renovar la escuela nacional. Eran representantes del manierismo holandés: el grabador Hendrik Goltzius, Cornelis de Haarlem, que imitaba a Miguel Ángel, Abraham Bloemaert, seguidor de Correggio, Michiel Mierevelt, buen retratista, hábil, preciso, lacónico, un poco frío, moderno para su época. , pero no nacional. Curiosamente, él solo no sucumbió a la influencia italiana, que subyugó la mayoría de las manifestaciones en la pintura holandesa de esa época.

A finales del siglo XVI, cuando los retratistas ya habían creado una escuela, comenzaron a aparecer y formarse otros artistas. En la segunda mitad del siglo XVI nacieron un gran número de pintores que se convirtieron en un fenómeno en la pintura; esto fue casi el despertar de la escuela nacional holandesa; La gran variedad de talentos conduce a muchas direcciones y caminos diferentes para el desarrollo de la pintura. Los artistas se prueban en todos los géneros, en diferentes combinaciones de colores: algunos trabajan de manera clara, otros de manera oscura (aquí se sintió la influencia del artista italiano Caravaggio). Los pintores apuestan por los colores claros, y los coloristas por los colores oscuros. Comienza la búsqueda de una manera pictórica y se desarrollan reglas para representar el claroscuro. La paleta se vuelve más relajada y libre, al igual que las líneas y la plasticidad de la imagen. Aparecen los predecesores directos de Rembrandt: sus maestros Jan Pace y Peter Lastman. Los métodos de género también son cada vez más libres: la historicidad ya no es tan obligatoria como antes. Un evento especial, profundamente nacional y casi genero historico- retratos de grupo destinados a lugares públicos: ayuntamientos, corporaciones, talleres y comunidades. Con este acontecimiento, el más perfecto en su forma, finaliza el siglo XVI y comienza el XVII.

Esto es sólo el comienzo, el embrión de la escuela aún no existe; Hay muchos artistas talentosos. Entre ellos se encuentran hábiles artesanos y varios grandes pintores. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape el Viejo y, finalmente, Esayas van de Velde y van Goyen: todos ellos nacieron a finales del siglo XVI. siglo. Esta lista también incluye artistas cuyos nombres han sido preservados por la historia, aquellos que representaron solo intentos individuales de alcanzar la maestría y aquellos que se convirtieron en maestros y predecesores de futuros maestros.

Este fue un momento crítico en el desarrollo de la pintura holandesa. Con un equilibrio político inestable, todo dependía sólo del azar. En Flandes, donde se observó un despertar similar, por el contrario, ya existía una sensación de confianza y estabilidad que aún no existía en Holanda. En Flandes ya había artistas que se habían formado o estaban cerca de esto. Las condiciones políticas y sociohistóricas en este país eran más favorables. Había un gobierno, unas tradiciones y una sociedad más flexibles y tolerantes. La necesidad de lujo dio lugar a una necesidad persistente de arte. En general, Flandes tenía serios motivos para convertirse por segunda vez en un gran centro de arte. Para ello sólo faltaban dos cosas: varios años de paz y un maestro que sería el creador de la escuela.

En 1609, cuando se estaba decidiendo el destino de Holanda (Felipe III acordó una tregua entre España y los Países Bajos), apareció Rubens.

Todo dependía del azar político o militar. Derrotada y subyugada, Holanda tendría que perder completamente su independencia. Entonces, por supuesto, no podría haber dos escuelas independientes: en Holanda y en Flandes. En un país dependiente de la influencia italo-flamenca, tal escuela y artistas originales talentosos no podrían desarrollarse.

Para que naciera el pueblo holandés y para que el arte holandés viera la luz con ellos, era necesaria una revolución profunda y victoriosa. Era especialmente importante que la revolución se basara en la justicia, la razón, la necesidad, que el pueblo mereciera lo que quería lograr, que fuera decidido, convencido de que tenía razón, trabajador, paciente, comedido, heroico y sabio. Todas estas características históricas se reflejaron posteriormente durante la formación de la escuela de pintura holandesa.

La situación resultó ser tal que la guerra no arruinó a los holandeses, sino que los enriqueció; la lucha por la independencia no agotó sus fuerzas, sino que los fortaleció e inspiró; En la victoria sobre los invasores, el pueblo mostró el mismo coraje que en la lucha contra los elementos, contra el mar, contra las inundaciones de tierras, contra el clima. Lo que se suponía iba a destruir al pueblo les sirvió de mucho. Los tratados firmados con España dieron libertad a Holanda y fortalecieron su posición. Todo esto condujo a la creación de su propio arte, que glorificó, espiritualizó y expresó la esencia interior de los holandeses.

Después del tratado de 1609 y el reconocimiento oficial de las Provincias Unidas, hubo una pausa inmediata. Era como si una brisa cálida y benéfica tocara las almas humanas, reviviera la tierra, encontrara y despertara brotes listos para florecer. Es sorprendente cuán inesperadamente y por qué Corto plazo- no más de treinta años - en un pequeño espacio, en un suelo desértico ingrato, en duras condiciones de vida, apareció una maravillosa galaxia de pintores, y grandes pintores, además.

Aparecieron inmediatamente y en todas partes: en Amsterdam, Dordrecht, Leiden, Delft, Utrecht, Rotterdam, Haarlem, incluso en el extranjero, como si provinieran de semillas que cayeron fuera del campo. Los más antiguos son Jan van Goyen y Wijnants, nacidos a principios de siglo. Y además, en el intervalo comprendido entre principios de siglo y finales del primer tercio: Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen. , Jacob Ruisdaël.

Pero la creatividad no se detuvo allí. Luego nació Pieter de Hooch, Hobbema. Los últimos de los grandes, van der Heyden y Adrian van de Velde, nacieron en 1636 y 1637. En ese momento, Rembrandt tenía treinta años. Aproximadamente estos años pueden considerarse la época del primer florecimiento de la escuela holandesa.

Teniendo en cuenta los acontecimientos históricos de esa época, uno puede imaginar cuáles deberían ser las aspiraciones, el carácter y el destino de la nueva escuela de pintura. ¿Qué podrían escribir estos artistas en un país como Holanda?

La revolución, que dio al pueblo holandés libertad y riqueza, al mismo tiempo los privó de lo que constituye la base vital de las grandes escuelas en todas partes. Cambió creencias, cambió hábitos, abolió imágenes de escenas antiguas y evangélicas y detuvo la creación de grandes obras: iglesias y pinturas decorativas. De hecho, cada artista tenía una alternativa: ser original o no serlo en absoluto.

Era necesario crear arte para una nación de burgueses que les atrajera, los representara y fuera relevante para ellos. Eran hombres de negocios prácticos, no propensos a soñar despiertos, con tradiciones rotas y sentimientos antiitalianos. Podemos decir que los holandeses tenían una tarea simple y audaz: crear su propio retrato.

La pintura holandesa era y sólo podía ser una expresión de la apariencia exterior, un retrato fiel, fiel y similar de Holanda. Era un retrato de personas y terrenos, costumbres burguesas, plazas, calles, campos, mar y cielo. Los principales elementos de la escuela holandesa fueron los retratos, los paisajes y las escenas cotidianas. Así fue esta pintura desde el inicio de su existencia hasta su decadencia.

Puede parecer que nada puede ser más sencillo que el descubrimiento de este arte ordinario. De hecho, es imposible imaginar algo igual en amplitud y novedad.

Inmediatamente todo cambió en la manera de entender, ver y transmitir: punto de vista, ideal artístico, elección de naturaleza, estilo y método. La pintura italiana y flamenca en sus mejores manifestaciones todavía nos resulta comprensible, porque todavía se disfrutan, pero ya son lenguas muertas y ya nadie las utilizará.

Hubo un tiempo en que existía la costumbre de pensar con altivez y en general había un arte que consistía en la hábil selección de los objetos. En su decoración, corrección. Le encantaba mostrar la naturaleza como no existe en la realidad. Todo lo representado correspondía más o menos a la personalidad de la persona, dependía de ella y era su semejanza. Como resultado, surgió un arte en el que el hombre está en el centro, y todas las demás imágenes del universo estaban encarnadas en formas humanas o se mostraban vagamente como un entorno secundario del hombre. La creatividad se desarrolló según ciertos patrones. Cada objeto tuvo que tomar prestada su forma plástica del mismo ideal. El hombre tenía que ser representado más a menudo desnudo que vestido, bien formado y guapo, para que pudiera desempeñar con la grandeza adecuada el papel que se le había asignado.

Ahora la tarea de pintar se ha vuelto más sencilla. Era necesario dar a cada cosa o fenómeno su verdadero significado, colocar a una persona en su lugar y, si fuera necesario, prescindir de ella por completo.

Es hora de pensar menos, mirar con atención lo más cercano, observar mejor y escribir de otra manera. Éste es el retrato de la multitud, del ciudadano, del trabajador. Era necesario volverse modesto para todo modesto, pequeño para lo pequeño, discreto para lo discreto, aceptarlo todo sin rechazar ni despreciar nada, penetrar en la vida oculta de las cosas, fusionándose amorosamente con su existencia, era necesario volverse atento. , curioso y paciente. La genialidad consiste ahora en no tener prejuicios. No hay necesidad de embellecer, ni ennoblecer, ni exponer nada: todo esto es mentira y trabajo inútil.

Los pintores holandeses, al crear en algún rincón del país del norte con agua, bosques, horizontes marinos, lograron reflejar todo el universo en miniatura. Un pequeño país, cuidadosamente explorado según los gustos e instintos del observador, se convierte en un tesoro inagotable, tan abundante como la vida misma, tan rico en sensaciones como rico en ellas es el corazón humano. La escuela holandesa lleva un siglo creciendo y funcionando así.

Los pintores holandeses encontraron temas y colores que satisfacían todas las inclinaciones y afectos humanos, para naturalezas ásperas y delicadas, ardientes y melancólicas, soñadoras y alegres. Los días nublados dan paso a otros alegres En días soleados, el mar a veces está en calma y brilla con plata, a veces tormentoso y lúgubre. Hay muchos pastos con granjas y muchos barcos abarrotados a lo largo de la costa. Y casi siempre se siente el movimiento del aire sobre las extensiones y los fuertes vientos del Mar del Norte, que acumulan nubes, doblan árboles, hacen girar las alas de los molinos y generan luces y sombras. A esto hay que sumarle las ciudades, el hogar y vida de calle, festividades en ferias, representaciones de diversas costumbres, las necesidades de los pobres, los horrores del invierno, la ociosidad en las tabernas con su humo de tabaco y sus jarras de cerveza. Por otro lado, un estilo de vida rico, trabajo concienzudo, cabalgatas, descanso vespertino, caza. Además, vida pública, ceremonias civiles, banquetes. El resultado fue un arte nuevo, pero con temas tan antiguos como el tiempo.

Así surgió una unidad armoniosa del espíritu de la escuela y la diversidad más asombrosa que jamás haya surgido dentro de un solo movimiento artístico.

En general, la escuela holandesa se llama escuela de género. Si lo descomponemos en los elementos que lo componen, podemos distinguir en él a paisajistas, maestros del retrato de grupo, pintores marinos, pintores de animales, artistas que pintaron retratos de grupo o naturalezas muertas. Si miras con más detalle, puedes distinguir muchos y variedades de genero- desde los amantes del pintoresquismo hasta los ideólogos, desde los copistas de la naturaleza hasta sus intérpretes, desde los hogareños conservadores hasta los viajeros, desde los que aman y sienten el humor hasta los artistas que evitan la comedia. Recordemos las pinturas del humor de Ostade y la seriedad de Ruisdael, la ecuanimidad de Potter y la burla de Jan Steen, el ingenio de Van de Velde y la sombría ensoñación del gran Rembrandt.

Con la excepción de Rembrandt, que debe considerarse un fenómeno excepcional, tanto para su país como para todos los tiempos, todos los demás artistas holandeses se caracterizan por un estilo y un método determinados. Las leyes de este estilo son la sinceridad, la accesibilidad, la naturalidad y la expresividad. Si se le quita al arte holandés lo que se puede llamar honestidad, dejará de comprender su base vital y no podrá determinar ni su carácter moral ni su estilo. En estos artistas, que en su mayoría se han ganado la reputación de copistas miopes, se siente un alma sublime y bondadosa, lealtad a la verdad y amor por el realismo. Todo ello confiere a sus obras un valor que las propias cosas representadas en ellas no parecen tener.

El comienzo de este estilo sincero y el primer resultado de este enfoque honesto es un dibujo perfecto. Entre los pintores holandeses, Potter es una manifestación de genio en medidas precisas y verificadas y en la capacidad de rastrear el movimiento de cada línea.

En Holanda, el cielo suele ocupar la mitad y, a veces, la totalidad de la imagen. Por lo tanto, es necesario que el cielo de la imagen se mueva, nos atraiga y nos lleve consigo. Para que se sienta la diferencia entre el día, la tarde y la noche, para que se sienta el calor y el frío, para que el espectador sienta frío y lo disfrute y sienta la necesidad de concentrarse. Aunque probablemente sea difícil llamar a un dibujo así el más noble de todos, trate de encontrar artistas en el mundo que pintarían el cielo, como Ruisdael y van der Neer, y dirían tanto y tan brillantemente con su trabajo. En todas partes los holandeses tienen el mismo diseño: sobrio, lacónico, preciso, natural e ingenuo, hábil y nada artificial.

La paleta holandesa es bastante digna de su dibujo, de ahí la perfecta unidad de su método pictórico. Cualquier cuadro holandés es fácil de reconocer por su apariencia. Es de tamaño pequeño y se distingue por sus colores potentes y estrictos. Esto requiere gran precisión, mano firme y profunda concentración por parte del artista para lograr un efecto concentrado en el espectador. El artista debe profundizar en sí mismo para nutrir su idea, el espectador debe profundizar en sí mismo para comprender el plan del artista. Son las pinturas holandesas las que dan la idea más clara de este proceso oculto y eterno: sentir, pensar y expresar. No hay imagen en el mundo más saturada, ya que son los holandeses quienes incluyen tales gran contenido en un espacio tan pequeño. Por eso todo aquí adquiere una forma precisa, comprimida y condensada.

Cada pintura holandesa es cóncava, se compone de curvas descritas alrededor de un punto, que es la encarnación del concepto de la imagen y sombras ubicadas alrededor del punto de luz principal. Una base sólida, una parte superior y esquinas redondeadas que tienden hacia el centro: todo esto está delineado, coloreado e iluminado en un círculo. Como resultado, la pintura adquiere profundidad y los objetos representados en ella se alejan de la vista del espectador. El espectador es, por así decirlo, conducido desde el primer plano hasta el último, desde el encuadre hasta el horizonte. Parecemos habitar el cuadro, movernos, mirar profundamente, levantar la cabeza para medir la profundidad del cielo. El rigor de la perspectiva aérea, la perfecta correspondencia de color y matices con el lugar en el espacio que ocupa el objeto.

Para una comprensión más completa de la pintura holandesa, conviene considerar en detalle los elementos de este movimiento, las características de los métodos, la naturaleza de la paleta y comprender por qué es tan pobre, casi monocromática y tan rica en resultados. Pero todas estas cuestiones, como muchas otras, siempre han sido objeto de especulación por parte de muchos historiadores del arte, pero nunca han sido suficientemente estudiadas y aclaradas. La descripción de las principales características del arte holandés nos permite distinguir esta escuela de otras y rastrear sus orígenes. Una imagen expresiva que ilustra esta escuela es una pintura de Adriaan van Ostade del "Artist's Atelier" del Museo de Ámsterdam. Este tema fue uno de los favoritos de los pintores holandeses. Vemos a un hombre atento, ligeramente encorvado, con una paleta preparada, pinceles finos y limpios y óleo transparente. Escribe en el crepúsculo. Su rostro está concentrado, su mano es cuidadosa. Sólo que, tal vez, estos pintores eran más atrevidos y sabían reír más despreocupadamente y disfrutar de la vida de lo que se puede deducir de las imágenes conservadas. De lo contrario, ¿cómo se manifestaría su genio en una atmósfera de tradiciones profesionales?

Las bases de la escuela holandesa las sentaron van Goyen y Wijnants a principios del siglo XVII, estableciendo algunas leyes de la pintura. Estas leyes se transmitieron de profesores a alumnos y durante todo un siglo los pintores holandeses las vivieron sin desviarse.

Pintura manierista holandesa

La pintura holandesa es la primera rama de la llamada. La "escuela holandesa", como la segunda, la flamenca, surgió como una era separada en las bellas artes después de una revolución brutal que terminó con la victoria de los holandeses sobre los españoles que los oprimieron. A partir de ese momento, la pintura holandesa adquirió inmediatamente un carácter original, completamente nacional y rápidamente alcanzó un florecimiento brillante y abundante. La pintura, en las obras de un gran número de artistas más o menos talentosos que aparecieron casi simultáneamente, tomó aquí inmediatamente una dirección muy versátil y al mismo tiempo completamente diferente de la dirección del arte en otros países. El principal rasgo que caracteriza a estos artistas es su amor por la naturaleza, el deseo de reproducirla en toda su sencillez y verdad, sin el más mínimo adorno, sin subsumirla bajo ninguna condición de un ideal preconcebido. Su segunda propiedad distintiva es un sutil sentido del color y la comprensión de que una impresión fuerte y encantadora puede producirse, además del contenido de la imagen, sólo mediante la transmisión fiel y poderosa de relaciones coloridas determinadas en la naturaleza por la acción de rayos de luz, proximidad o rango de distancias. La pintura holandesa es una pintura donde el sentido del color y de las luces y las sombras se desarrolla hasta tal punto que la luz, con sus innumerables y variados matices, juega en el cuadro, se podría decir, el papel de protagonista principal y otorga un gran interés a la trama más insignificante, las formas e imágenes más poco elegantes... ¡Les presento mi colección personal de pinturas de artistas holandeses! Un poco de historia: la mayoría de los artistas holandeses no buscan durante mucho tiempo material para su creatividad, sino que se contentan con lo que encuentran a su alrededor, en naturaleza nativa y en la vida de su pueblo: la ruidosa diversión de las fiestas comunes, las fiestas campesinas, las escenas de la vida rural o la vida íntima de la gente del pueblo, las dunas nativas, los pólderes y las vastas llanuras atravesadas por canales, los rebaños pastando en exuberantes prados, los pueblos en las orillas. de ríos, lagos y colinas, ciudades con sus casas limpias, puentes levadizos y altas agujas de iglesias y ayuntamientos, puertos atestados de barcos, un cielo lleno de vapores plateados o dorados, todo esto, bajo la maleza de hiel. maestros imbuidos de amor a la patria y orgullo nacional, se convierten en cuadros llenos de aire, luz y atractivo. Incluso cuando algunos de estos maestros recurren a la Biblia en busca de sus temas, historia antigua y mitología, incluso entonces, sin preocuparse por mantener la fidelidad arqueológica, trasladan la acción al entorno holandés, rodeándola de una ambientación holandesa. Es cierto que, junto a la multitud de artistas patrióticos, hay una falange de otros pintores que buscan inspiración fuera de las fronteras de su patria, en el país clásico del arte, Italia; sin embargo, en sus obras también hay rasgos que exponen su nacionalidad. Finalmente, como característica de los pintores holandeses se puede señalar su renuncia a las tradiciones artísticas. Sería en vano buscar entre ellos una estricta continuidad del famoso principios estéticos y reglas técnicas, no sólo en el sentido de estilo académico, sino también en el sentido de la asimilación por parte de los estudiantes del carácter de sus profesores: con la excepción, tal vez, de los únicos estudiantes de Rembrandt, que siguieron más o menos de cerca los pasos. De su brillante mentor, casi todos los pintores de Holanda apenas habían superado sus años de estudiantes y, a veces, incluso durante esos años, comenzaron a trabajar a su manera, de acuerdo con hacia dónde los llevaba su inclinación individual y lo que les enseñaba la observación directa de la naturaleza. . Por tanto, los artistas holandeses no pueden dividirse en escuelas, como hacemos con los artistas de Italia o España. Mientras tanto, ¡en todas las principales ciudades de Holanda había sociedades de artistas organizadas! Sin embargo, tales sociedades, que llevan el nombre de gremios de St. Luke, no eran academias, guardianas de famosas leyendas artísticas, sino corporaciones libres, similares a otros gremios artesanales e industriales, no muy diferentes de ellos en términos de estructura y con el objetivo de apoyarse mutuamente a sus miembros, proteger sus derechos, cuidar de su vejez, cuidar del destino de sus viudas y huérfanos. Todo pintor local que cumpliera con los requisitos de las calificaciones morales era admitido en el gremio previa confirmación de sus habilidades y conocimientos o sobre la base de la fama que ya había adquirido; Los artistas visitantes eran admitidos en el gremio como miembros temporales durante su estancia en una ciudad determinada. Las primeras obras de los pintores holandeses han llegado hasta nosotros sólo en cantidades muy limitadas, ya que la mayoría de ellas perecieron en esa época turbulenta en la que la Reforma devastó iglesias católicas, abolió monasterios y abadías, incitó a los "romptores de iconos" (beeldstormers) a destruir pinturas y esculturas sagradas. imágenes, y el levantamiento popular destruyó por todas partes los retratos de los odiados tiranos. A muchos de los artistas que precedieron a la revolución sólo los conocemos por su nombre; Podemos juzgar a los demás sólo por una o dos muestras de su trabajo. La niebla que nos envuelve de la época inicial de la escuela holandesa comienza a disiparse con la aparición en escena de Dirk Bouts, apodado Stuirbout († 1475), así como de Jan Mostaert (hacia 1470-1556), cuyo deseo de naturalismo es combinado con un toque de leyenda gótica, la calidez del sentimiento religioso con cuidado por la elegancia exterior. Además de estos destacados maestros, de la primera época del arte holandés son dignos de mención: Pieter Aertsen († 1516), apodado “Long Peter” (Lange Pier) por su alta estatura, David Joris (1501-56), un hábil pintor de vidrio que se interesó por las tonterías del anabautismo y se imaginó a sí mismo como el profeta David y el hijo de Dios y Dirk Jacobs (dos pinturas de este último que representan sociedades de fusileros se encuentran en el Hermitage). Hacia mediados del siglo XVI. entre los pintores holandeses existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte nacional (su angulosidad y sequedad góticas) estudiando a los artistas italianos del Renacimiento y combinando sus modales con las mejores tradiciones de su propia escuela. El principal difusor del nuevo movimiento hay que considerarlo Jan van Scorel (1495-1562), que vivió durante mucho tiempo en Italia y más tarde fundó una escuela en Utrecht, de la que procedieron varios artistas contagiados por el deseo de convertirse en Rafaeles holandeses. y Miguel Ángel. Siguieron sus pasos Maarten van Van, apodado Heemskerk (1498-1574), Henrik Goltzius (1558-1616), Cornelis van Haarlem (1562-1638) y otros pertenecientes al siguiente período de la escuela, como, por ejemplo, Abraham Bloemaert (1564 -1651) y Gerard Honthorst (1592-1662), quienes fueron más allá de los Alpes para imbuirse de las perfecciones de las luminarias de la pintura italiana, pero cayeron, en su mayor parte, bajo la influencia de representantes de la decadencia de esta misma pintura que se estaba iniciando en ese momento. Sin embargo, la pasión por los italianos, que a menudo llegó al extremo en la época de transición, trajo una especie de beneficio, ya que aportó a esta pintura un dibujo mejor y más erudito y la capacidad de gestionar la composición con mayor libertad y audacia. Junto con la antigua tradición holandesa y el amor ilimitado por la naturaleza, el italianismo se convirtió en uno de los elementos a partir de los cuales se formó el arte original y altamente desarrollado de la época floreciente. El inicio de esta era, como ya hemos dicho, debe fecharse a principios del siglo XVII, cuando Holanda, tras lograr la independencia, comenzó a vivir una nueva vida. La dramática transformación de un país pobre y oprimido ayer mismo en una unión de estados políticamente importante, cómoda y rica fue acompañada por una revolución igualmente dramática en su arte. ¡De todas partes, casi simultáneamente, están surgiendo innumerables artistas maravillosos! A los centros artísticos originales, Harlem y Leiden, se suman otros nuevos: Delft, Utrecht, Dordrecht, La Haya, Amsterdam, etc. En todas partes las antiguas tareas de la pintura se desarrollan de una manera nueva: sus nuevas ramas, cuyos inicios apenas perceptibles en el período anterior, están floreciendo. La Reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; No era necesario decorar palacios y cámaras nobles con imágenes de dioses y héroes antiguos y, por lo tanto, la pintura histórica, que satisfacía los gustos de la rica burguesía, abandonó el idealismo y se dirigió a una reproducción fiel de la realidad. Si quisieras hablar de todos los retratistas talentosos de esta época floreciente, enumerar sus nombres con una indicación de sus mejores obras ocuparía muchas líneas; Por ello, nos limitaremos a mencionar sólo algunos. Tal es, por ejemplo, Michael Mervelt (1567-1641), predecesor de los tres más grandes retratistas de Holanda: el hechicero del claroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), un dibujante incomparable que poseía el sorprendente arte de modelar figuras en ligero, pero Bartholomew van der era algo frío en carácter y color Helst (1611 o 1612-70) y la sorprendente fuga de su pincel por Frans Hals el Viejo (1581-1666). De ellos, el nombre de Rembrandt brilla especialmente en la historia, al principio muy apreciado por sus contemporáneos, luego olvidado por ellos, poco apreciado por la posteridad, y sólo en el siglo actual elevado, con toda justicia, al nivel de mundo. genio. En su característica personalidad artística se concentran, como si estuvieran enfocadas, todas las mejores cualidades de la pintura holandesa, y su influencia se reflejó en todos sus tipos: retratos, pinturas históricas, escenas cotidianas y paisajes. Los más famosos entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt fueron: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 o 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (c. 1620-54), Pieter de Grebber, Willem de Porter († más tarde 1645), Gerard Dou (1613-75 ) y Samuel van Hoogstraten (1626-78). Además de estos artistas, para que la lista sea más completa, conviene nombrar también a Jan Lievens (1607-30), amigo de Rembrandt en el estudio de P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72) y Pieter Neson (1612-91). ), que trabajó en Al parecer, bajo la influencia de V. d. Helst, imitador de Hals Johannes Verspronck (1597-1662) y Jan de Bray († 1664, † 1697). La pintura doméstica, cuyos primeros experimentos aparecieron en la antigua escuela holandesa, se remonta al siglo XVII. suelo especialmente fértil en la Holanda protestante, libre, burguesa y satisfecha de sí misma. Los cuadros pequeños, que representaban ingenuamente las costumbres y la vida de diferentes clases de la sociedad local, a muchas personas les parecían más entretenidos que las grandes obras de pintura seria y, junto con los paisajes, más convenientes para decorar acogedoras casas privadas. Toda una horda de artistas satisface la demanda de este tipo de pinturas, reproduciendo concienzudamente todo lo que se encuentra en la realidad, mostrando al mismo tiempo amor por su familia y luego humor afable, caracterizando con precisión las posiciones y rostros representados y siendo sofisticados en el dominio. de tecnología. Mientras que algunos se ocupan de la vida de la gente común, escenas de felicidad y tristeza de los campesinos, borracheras en tabernas y tabernas, reuniones frente a posadas al borde de las carreteras, vacaciones rurales, juegos y patinaje sobre el hielo de ríos y canales helados, etc. etc., otros toman el contenido de sus obras de un círculo más elegante: pintan elegantes damas en su entorno íntimo, el cortejo de caballeros dandys, amas de casa dando órdenes a sus doncellas, ejercicios de salón con música y canto, las juergas de la juventud dorada. en casas de placer... En la larga lista de artistas de la primera categoría, Adrian e Isaac van Ostade (1 6 10-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 o 1606-38), Jan Steen (alrededor de 1626). -79), Cornelis Bailly (1620) tienen prioridad -64), Richart Brackenburg (1650-1702), Peter van Laer, apodado Bambocchio en Italia (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Joss Drohslot (1586- 1666), Claes Molener (anteriormente 1630-76), Jan Meins Molenaar (c. 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81). Del número igualmente significativo de pintores, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Pieter de Hooch (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), son famosos Frans van Mieris el Viejo (1635-81), Egon van der Neer (1643-1703), Jan Verkolge (1650-93), Quiring Brekelenkamp (†1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656) y Anthony Palamedes (1601-73). La categoría de pintores de género incluye artistas que pintaron escenas de la vida militar, así como escenas de cetrería y caza de perros. El principal representante de esta rama de la pintura es el famoso e inusualmente prolífico Philips Wouwerman (1619-68). Además de él, se desarrollaron excelentemente su hermano de este maestro, Peter (1623-82), el mencionado Palamedes, Jacob Duke (1600 - más tarde 1660) y Dirk Maas (1656-1717). Para muchos de estos artistas, el paisaje juega un papel tan importante como las figuras humanas; pero paralelamente a ellos, trabaja una masa de pintores, fijándolo como su tarea principal o exclusiva. En general, los holandeses tienen el derecho inalienable de estar orgullosos de que su patria sea la cuna no sólo del género más nuevo, sino también del paisaje en el sentido en que se entiende hoy. De hecho, en otros países, por ejemplo en Italia y Francia, el arte tenía poco interés por la naturaleza inanimada y no encontraba en ella ni una vida única ni una belleza especial. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en la naturaleza inanimada todo respira vida, todo es atractivo, todo es capaz de evocar el pensamiento y excitar el movimiento del corazón. Y esto era bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon la naturaleza que los rodeaba con sus propias manos, la atesoraban y admiraban, como un padre aprecia y admira su propia creación. Entre los paisajistas del florecimiento de la escuela holandesa, son especialmente respetados: Jan van Goyen (1595-1656), quien, junto con Esaias van de Velde (c. 1590-1630) y Peter Moleyne el Viejo. (1595-1661), considerado el fundador del paisaje holandés; luego alumno de este maestro, Salomon van Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (c. 1600 - más tarde 1679), amante de los mejores efectos de iluminación Art van der Neer (1603-77), el poético Jacob van Ruisdael (1628 o 1629-82), Meindert Hobbema (1638-1709) y Cornelis Dekker († 1678). Entre los holandeses también hubo muchos paisajistas que emprendieron viajes y reprodujeron motivos de carácter extranjero, lo que, sin embargo, no les impidió mantener un carácter nacional en su pintura. Allaert van Everdingen (1621-75) representó vistas de Noruega; Jan Ambos (1610-52) - Italia; Hermann Saftleven (1610-85) - Reina; Cornelis Poulenburg (1586-1667) y un grupo de sus seguidores pintaron paisajes inspirados en la naturaleza italiana, con ruinas de edificios antiguos, ninfas bañándose y escenas de una Arcadia imaginaria. En una categoría especial podemos destacar a los maestros que en sus pinturas combinaron paisajes con imágenes de animales, dando preferencia al primero o al segundo, o tratando ambas partes con la misma atención. El más famoso entre estos pintores del idilio rural es Paulus Potter (1625-54); además de él, cabe contar aquí a Adrian van de Velde (1635 o 1636-72), Albert Cuyp (1620 - 91) y numerosos artistas que buscaron temas preferente o exclusivamente en Italia, como: Adam Peinaker (1622-73), Jan -Baptiste Weenix (1621-60), Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), etc. Estrechamente relacionada con la pintura de paisajes está la pintura de vistas arquitectónicas, que los artistas holandeses comenzaron a dedicarse de forma independiente. rama del arte sólo en la mitad del siglo XVII. Algunos de los que desde entonces han trabajado en esta área han representado sofisticadamente las calles y plazas de la ciudad con sus edificios; se trata de Johannes Beerestraten (1622-66) y Jacob van der Ulf (1627-88). Otros, sobre todo Pieter Sanredam († 1666) y Dirk van Delen (1605-71), pintaron vistas interiores de iglesias y palacios. El mar tenía tal importancia en la vida de Holanda que su arte sólo podía tratarlo con la mayor atención. Muchos de sus artistas, que se dedicaron al paisaje, al género e incluso al retrato, rompiendo por un tiempo con sus temas habituales, se convirtieron en pintores marinos, y si se quisiera enumerar a todos los pintores de la escuela holandesa que representaron un mar en calma o embravecido , barcos balanceándose sobre él, puertos llenos de barcos, batallas navales, etc., entonces el resultado sería una lista muy larga, que incluiría los nombres de YA. v. Goyen, S. de Vlieger, S. y J. Ruisdael, A. Cuyp y otros ya citados en líneas anteriores. Limitándonos a señalar a aquellos para quienes la pintura de vistas al mar era una especialidad, debemos nombrar a Willem van de Velde el Viejo (1611 o 1612-93), su célebre hijo Willem van de Velde el Joven (1633-1707), así como como Jan van de Cappelle († 1679). Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón por la que en ella se formó y desarrolló un tipo de pintura que en otras escuelas hasta entonces no se había cultivado como una rama especial e independiente, a saber, la pintura de flores, frutas, verduras, seres vivos, utensilios de cocina, vajillas, etc. - en una palabra, lo que ahora se llama comúnmente "naturaleza muerta" (naturaleza muerta, Stilleben). En esta zona, entre los artistas holandeses de la época floreciente, los más famosos fueron Jan-Davids de Heem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Hondekoeter (1636 -95), Maria Oosterwijk (1630-93), Willem van Aelst (1626-83), Willem Heda (1594 - más tarde 1678), Willem Kalf (1621 o 1622-93) y Jan Weenix (1640-1719). En general, como vemos, probablemente el principal rasgo distintivo del desarrollo del arte holandés durante todos estos años fue su significativo predominio entre todos sus tipos de pintura. Las pinturas decoraban las casas no sólo de representantes de la élite gobernante de la sociedad, sino también de burgueses, artesanos y campesinos pobres; se vendieron en subastas y ferias; a veces los artistas los utilizaban como medio para pagar facturas. La profesión de artista no era rara; había muchos pintores y competían ferozmente entre sí. Pocos de ellos podían mantenerse con la pintura; varias obras : Sten era posadero, Hobbema era funcionario de impuestos especiales, Jacob van Ruisdael era médico.))))) Desde principios del siglo XVIII. en la pintura holandesa se establecen los gustos y puntos de vista franceses de la pomposa época de Luis XIV: imitación de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain y otras luminarias de la escuela francesa. El principal divulgador de esta corriente fue el flamenco Gerard de Leresse (1641-1711), afincado en Ámsterdam, artista muy capaz y culto en su época, que ejerció una enorme influencia en sus contemporáneos y en la posteridad inmediata tanto con sus amanerados pseudo- pinturas históricas y obras de su propia pluma, entre las cuales una, "El gran libro del pintor" ("t groot schilderboec"), sirvió durante cincuenta años como código para los artistas jóvenes, así como para el famoso Adrian van de Werff ( 1659-1722), cuya pintura con figuras frías, como talladas en marfil, parecía entonces el colmo de la perfección. Entre los seguidores de este artista, apodado Henrik van Limborg (1680-1758) y Philip van Dyck (1669-1729). "El pequeño Van Dyck", fueron famosos pintores históricos. Entre otros pintores de la época en cuestión, dotados de indudable talento, pero infectados por el espíritu de la época, cabe destacar a Willem y Frans van Miers el Joven (1662-). 1747, 1689-1763), Nicholas Verkolge (1673-1746), Constantijn Netscher (1668-1722) y Karel de Moor (1656-1738). Cornelis Troost (1697-1750), principalmente caricaturista, apodado el Gogarth holandés, el retratista Jan Quincheed (1688-1772), el pintor de historia decorativa Jacob de Wit (1695-1754) y el pintor de muertos dieron cierto brillo a esta escuela. naturaleza Jan van Huysum (1682) -1749). La influencia extranjera pesó sobre la pintura holandesa hasta los años veinte del siglo XIX, habiendo conseguido reflejar más o menos en ella los cambios que experimentó el arte en Francia, empezando por la confección de pelucas en la época del Rey Sol y terminando con el pseudoclasicismo de David. Cuando el estilo de este último quedó obsoleto y en toda Europa occidental, en lugar de la fascinación por los antiguos griegos y romanos, surgió un deseo romántico, dominando tanto la poesía como las artes figurativas, los holandeses, como otros pueblos, volvieron su mirada hacia su antigüedad, y por tanto a su gloriosa pintura pasada. El deseo de devolverle el brillo con el que brilló en el siglo XVII comenzó a inspirar a los artistas más nuevos y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales: a una estricta observación de la naturaleza y a una actitud ingeniosa y sincera hacia las tareas en mano. Al mismo tiempo, no intentaron excluirse por completo de la influencia extranjera, pero cuando fueron a estudiar a París o Dusseldorf y otros centros artísticos de Alemania, solo se llevaron a casa un conocimiento de los éxitos de la tecnología moderna. Gracias a todo esto, la resucitada escuela holandesa volvió a adquirir originalidad y avanzó hoy por el camino que conduce a un mayor progreso. Puede contrastar fácilmente muchas de sus figuras más recientes con los mejores pintores del siglo XIX en otros países. Holanda puede estar orgullosa de varios maestros recientes importantes: Jacob Eckhout (1793-1861), David Bles (n. 1821), Hermann ten Cate (1822-1891) y el talentoso Lawrence Alma-Tadema (n. 1836), que “desertaron” a Inglaterra Joseph Israels (n. 1824) y Christoffel Bissschop (n. 1828), Anton Mauwe (1838-88) y Jacob Maris (n. 1837), Bartholomeus van Hove (1790-1888) y Johannes Bosboom (. 1817-N), Henrik Mesdag (n. 1831), Wouters Vershuur (1812-74) y muchos otros.....

Mientras tanto, esta es un área especial de la cultura europea digna de un estudio más detallado, que refleja la vida original de los holandeses en ese momento.

Historia de la apariencia

Representantes destacados artes artisticas Comenzó a aparecer en el país en el siglo XVII. Los expertos culturales franceses les dieron un nombre común: "pequeños holandeses", que no está relacionado con la escala del talento y denota un apego a ciertos temas de la vida cotidiana, en contraposición al estilo "grande" con grandes lienzos sobre temas históricos o mitológicos. La historia del surgimiento de la pintura holandesa se describió en detalle en el siglo XIX, y los autores de obras al respecto también utilizaron este término. Los "pequeños holandeses" se distinguían por el realismo secular, se volvían hacia el mundo y las personas que los rodeaban y utilizaban pinturas ricas en tonos.

Principales etapas de desarrollo.

La historia de la pintura holandesa se puede dividir en varios períodos. La primera duró aproximadamente de 1620 a 1630, cuando el realismo se instauró en el arte nacional. La pintura holandesa experimentó su segundo período en 1640-1660. Este es el momento en que el verdadero florecimiento de lo local. escuela de Arte. Finalmente, el tercer período, el momento en que la pintura holandesa comenzó a declinar, desde 1670 hasta principios del siglo XVIII.

Cabe resaltar que centros culturales cambiado durante este tiempo. En el primer período, los principales artistas trabajaron en Haarlem, y el principal representante fue Khalsa. Luego el centro se trasladó a Ámsterdam, donde las obras más importantes fueron realizadas por Rembrandt y Vermeer.

Escenas de la vida cotidiana.

Listando lo más géneros importantes Pintura holandesa, definitivamente debes comenzar con la vida cotidiana, la más vívida y original de la historia. Fueron los flamencos quienes revelaron al mundo escenas de la vida cotidiana de la gente corriente, campesinos y habitantes de la ciudad o burgueses. Los pioneros fueron Ostade y sus seguidores Audenrogge, Bega y Dusart. En las primeras pinturas de Ostade, la gente juega a las cartas, se pelea e incluso pelea en una taberna. Cada cuadro se distingue por un carácter dinámico y algo brutal. La pintura holandesa de esa época también habla de escenas pacíficas: en algunas obras, los campesinos hablan con una pipa y un vaso de cerveza, pasan tiempo en una feria o con sus familias. La influencia de Rembrandt condujo al uso generalizado de claroscuros suaves y dorados. Las escenas urbanas inspiraron a artistas como Hals, Leicester, Molenaar y Codde. A mediados del siglo XVII, los maestros representaban a médicos, científicos en el proceso de trabajo, sus propios talleres, tareas domésticas o Cada trama debería haber sido entretenida, a veces grotescamente didáctica. Algunos maestros se inclinaban a poetizar la vida cotidiana, por ejemplo, Terborch representaba escenas de tocar música o coquetear. Metsu utilizó colores brillantes, convirtiendo la vida cotidiana en una celebración, mientras que De Hooch se inspiró en la simplicidad de la vida familiar, bañada por la luz difusa del día. Los representantes posteriores del género, entre los que se encuentran maestros de la pintura holandeses como Van der Werff y Van der Neer, en su búsqueda de una representación elegante, crearon a menudo temas un tanto pretenciosos.

Naturaleza y paisajes

Además, la pintura holandesa está ampliamente representada en el género del paisaje. Surgió por primera vez en las obras de maestros de Haarlem como van Goyen, de Moleyn y van Ruisdael. Fueron ellos quienes empezaron a representar las zonas rurales con una cierta luz plateada. La unidad material de la naturaleza pasó a primer plano en sus obras. Los paisajes marinos merecen una mención aparte. Los marinistas del siglo XVII incluyeron a Porsellis, de Vlieger y van de Capelle. No se esforzaron tanto en transmitir determinadas escenas marinas, sino en representar el agua misma, el juego de luces sobre ella y en el cielo.

En la segunda mitad del siglo XVII, surgieron en el género obras más emocionales con ideas filosóficas. Jan van Ruisdael reveló al máximo la belleza del paisaje holandés, representándolo en todo su dramatismo, dinámica y monumentalidad. Hobbem, que prefería los paisajes soleados, continuó con sus tradiciones. Koninck pintó panoramas y van der Neer creó paisajes nocturnos y representó la luz de la luna, el amanecer y el atardecer. Varios artistas también se caracterizan por la representación de animales en paisajes, por ejemplo, vacas y caballos pastando, así como caza y escenas con soldados de caballería. Más tarde, los artistas comenzaron a interesarse por la naturaleza extranjera: Van Laar, Wenix, Berchem y Hackert representaron a Italia bañándose en los rayos del sol del sur. El fundador del género fue Sanredam, cuyos mejores seguidores pueden llamarse los hermanos Berkheide y Jan van der Heijden.

Imagen de interiores

Un género aparte que distinguió la pintura holandesa en su apogeo son las escenas con iglesias, palacios y habitaciones de la casa. Los interiores aparecieron en las pinturas de la segunda mitad del siglo XVII de los maestros de Delft: Haukgeest, van der Vliet y de Witte, quienes se convirtieron en el principal representante del movimiento. Utilizando las técnicas de Vermeer, los artistas representaron escenas bañadas por la luz del sol, llenas de emoción y volumen.

Platos y platos pintorescos.

Por último, otro género característico de la pintura holandesa es la naturaleza muerta, especialmente la representación de los desayunos. Fue adoptado por primera vez por los residentes de Haarlem, Claes y Heda, quienes pintaron mesas puestas con platos lujosos. El pintoresco desorden y el carácter especial de un interior acogedor se llenan de la luz gris plateada, característica de la plata y el peltre. Los artistas de Utrecht pintaron exuberantes naturalezas muertas florales, y en La Haya, los artistas fueron especialmente buenos representando peces y reptiles marinos. En Leiden surgió una dirección filosófica del género, en la que calaveras y relojes de arena conviven con símbolos de placer sensual o gloria terrenal, diseñados para recordar la fugacidad del tiempo. Los bodegones de cocina democráticos se convirtieron en un sello distintivo de la escuela de arte de Rotterdam.

pintura holandesa Se originó en los primeros años del siglo XVII. La escuela de pintura holandesa fue una gran escuela independiente con características e identidad únicas e inimitables.
Hasta el siglo XVII Holanda no destacó por la abundancia de artistas nacionales. Si bien este país era un solo estado con Flandes, fue principalmente en Flandes donde se crearon y desarrollaron intensamente los movimientos artísticos originales.
En Flandes trabajaron pintores destacados como Van Eyck, Memling y Rogier van der Weyden, que no se encuentran en Holanda. A principios del siglo XVI sólo se pueden observar estallidos aislados de genio en la pintura; se trata del artista y grabador Lucas de Leiden, seguidor de la escuela de Brujas. Pero Lucas de Leiden no creó ninguna escuela. Lo mismo puede decirse del pintor Dirk Bouts de Haarlem, cuyas creaciones apenas destacan en el contexto del estilo y la manera de los orígenes de la escuela flamenca, de los artistas Mostaert, Skorel y Heemskerke, quienes, a pesar de toda su importancia, No son talentos individuales que los caractericen con su originalidad país.
A finales del siglo XVI, cuando los retratistas ya habían creado una escuela, comenzaron a aparecer y formarse otros artistas. La gran variedad de talentos conduce a muchas direcciones y caminos diferentes para el desarrollo de la pintura. Aparecen los predecesores directos de Rembrandt: sus maestros Jan Pace y Peter Lastman. Los métodos de género también se están volviendo más libres: la historicidad ya no es tan obligatoria como antes. Se está creando un género especial, profundamente nacional y casi histórico: retratos de grupo destinados a lugares públicos: ayuntamientos, corporaciones, talleres y comunidades.
Esto es sólo el comienzo, la escuela en sí aún no existe. Hay muchos artistas talentosos, entre ellos hay artesanos expertos, varios grandes pintores: Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder, finalmente, Esayas van de Velde y van Goyen: todos nacieron a finales del siglo XVI.
En desarrollo pintura holandesa Fue un momento crítico. Con un equilibrio político inestable, todo dependía sólo del azar. En Flandes, donde se observó un despertar similar, por el contrario, ya existía una sensación de confianza y estabilidad que aún no existía en Holanda. En Flandes ya había artistas que se habían formado o estaban cerca de esto.
Las condiciones políticas y sociohistóricas en este país eran más favorables. Había serias razones para que Flandes se convirtiera por segunda vez en un gran centro de arte. Para ello faltaban dos cosas: varios años de paz y un maestro que fuera el creador de la escuela.
En 1609 se decidió el destino de Holanda, tras el tratado de tregua (entre España y Países Bajos) y el reconocimiento oficial de las Provincias Unidas, inmediatamente hubo una pausa. Es sorprendente cómo inesperadamente y en qué corto período de tiempo - no más de treinta años - en un pequeño espacio, en un suelo desértico ingrato, en duras condiciones de vida, apareció una maravillosa galaxia de pintores, y grandes pintores, además.
Aparecieron inmediatamente y en todas partes: en Amsterdam, Dordrecht, Leiden, Delft, Utrecht, Rotterdam, Haarlem, incluso en el extranjero, como si provinieran de semillas que cayeron fuera del campo. Los más antiguos son Jan van Goyen y Wijnants, nacidos a principios de siglo. Y además, en el intervalo comprendido entre principios de siglo y finales del primer tercio: Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen. , Jacob Ruisdaël. El siguiente es Pieter de Hooch, Hobbema. Los últimos grandes fueron van der Heyden y Adrian van de Velde en 1636 y 1637. Aproximadamente estos años pueden considerarse la época del primer florecimiento de la escuela holandesa. Era necesario crear arte para la nación.
pintura holandesa, era y sólo podía ser una expresión de la apariencia exterior, un retrato fiel, fiel y similar de Holanda. Los elementos principales de la escuela de pintura holandesa fueron los retratos, paisajes y escenas cotidianas. La escuela holandesa crece y funciona desde hace un siglo.
Los pintores holandeses encontraron temas y colores que satisfacían todas las inclinaciones y afectos humanos. La paleta holandesa es bastante digna de su dibujo, de ahí la perfecta unidad de su método pictórico. Cualquier cuadro holandés es fácil de reconocer por su apariencia. Es de tamaño pequeño y se distingue por sus colores potentes y estrictos. Esto requiere gran precisión, mano firme y profunda concentración por parte del artista.
Exactamente pintura holandesa da la idea más clara de este proceso oculto y eterno: sentir, pensar y expresar. No hay imagen más rica en el mundo, ya que son los holandeses quienes incluyen tanto contenido en un espacio tan reducido. Por eso todo aquí adquiere una forma precisa, comprimida y condensada.
Para tener una imagen más completa de la pintura holandesa, sería necesario considerar en detalle los elementos de este movimiento, las características de los métodos y la naturaleza de la paleta. La descripción de las principales características del arte holandés nos permite distinguir esta escuela de otras y rastrear sus orígenes.
De manera expresiva ilustrando pintura holandesa, es una pintura de Adrian van Ostade del "Artist's Atelier" del Museo de Ámsterdam. Este tema fue uno de los favoritos de los pintores holandeses. Vemos a un hombre atento, ligeramente encorvado, con una paleta preparada, pinceles finos y limpios y óleo transparente. Escribe en el crepúsculo. Su rostro está concentrado, su mano es cuidadosa.
Sólo que, tal vez, estos pintores fueron más valientes y supieron reír más despreocupadamente y disfrutar de la vida de lo que se puede deducir de las imágenes conservadas.
Las bases de la escuela de pintura holandesa las sentaron Jan van Goyen y Jan van Wijnants a principios del siglo XVII, estableciendo algunas leyes de la pintura.

Arte de Holanda, Países Bajos y Flandes

Frans Hals. Retrato de un hombre. Alrededor de 1635

Jan Van Eyck (1390-1441) La Virgen y el Niño entronizados en el templo. Tríptico 1437. Tablero de roble, óleo. Parte central - 27,5x21,5, lateral - 27,5x8

Esta pequeña obra es una verdadera obra maestra. arte holandés Siglo XV. En la parte central del tríptico se encuentra la Virgen María y el Niño en el lujoso interior de una catedral gótica, sentados en un magnífico trono tallado entre dos filas de columnas multicolores de jaspe y mármol.

La puerta izquierda representa al Arcángel Miguel (“líder del ejército celestial”), vestido con una cota de malla y armado con un escudo, una lanza y una espada. Presenta al donante, cliente del tríptico, a la Virgen y al Niño. Se desconoce el nombre del hombre; se supone que pertenece a la familia genovesa de Giustiniani. En el ala derecha está Santa Catalina de Alejandría con los atributos tradicionales, los “instrumentos” de su martirio: una espada en la mano y una rueda de tormento a sus pies.

El texto que figura en el tríptico es de gran importancia. Estas son citas de la Biblia y otras máximas latinas. El bebé sostiene un mensaje con el texto, el llamado paquete: “Aprended de mí, que soy manso y humilde de corazón”. Hay inscripciones en los marcos originales de todas las partes del cuadro; en la barra inferior del panel central está escrito en latín: “Johannes de Eyck terminó y terminó en el año del Señor 1437. Como lo hice yo”. ¡Estas palabras estuvieron disponibles para lectura recién en 1958, casi 520 años después de la creación del tríptico! Hasta ese momento se creía que la obra pertenece a más período temprano creatividad del maestro.

Las reducidas dimensiones de la obra permitieron al propietario transportarla. La técnica del artista llama la atención por su filigrana: se pintan los detalles más pequeños, que sólo se pueden ver a través de una lupa. Al mismo tiempo, la ampliación no revela ni un solo trazo incierto ni el más mínimo error en el dibujo.

Peter Paul Rubens (1577–1640) El regreso de Diana de la caza alrededor de 1615. Óleo sobre lienzo. 136x184

En 1608, Rubens, al regresar de Italia a Amberes, trajo consigo un interés por el patrimonio del arte y la literatura antiguos, que no se desvaneció en él a lo largo de su vida y se convirtió en la piedra angular de su creatividad y su pensamiento sobre el arte. Usó temas de la mitología griega y romana para muchas de sus pinturas, especialmente las por encargo.

La diosa Diana resultaba sumamente atractiva para Rubens, ya que el mito sobre ella combinaba con la antigüedad otro de sus temas favoritos: la caza. El interés del pintor fue alimentado por sus mecenas reales y aristocráticos: la caza era privilegio exclusivo de estos círculos. El artista creó una serie de pinturas de caza de gran formato, muchas de las cuales se basan en una trama antigua.

A diferencia de otras pinturas en las que el maestro transmite el patetismo de la lucha, en esta pintura su atención se centra en la belleza de la antigua cazadora de diosas. Diana, defensora de la pureza femenina, se encuentra con sus compañeras frente a un grupo de sátiros que, por cierto, representan para Rubens otro polo de intereses: todo lo relacionado con las bacanales. La Lanza de Diana delimita claramente estos dos grupos, dos mundos. Qué diferente es la apariencia de sus participantes: entre los sátiros hay criaturas con patas de cabra salvajes en su pasión, rodeadas por Diana, quien irradia el encanto de la naturaleza femenina, sus compañeras divinamente hermosas. Los sátiros muestran abundante fruta, insinuando el gran vino que elaborarán en el futuro. A su vez, Diana tiene pájaros y una liebre (símbolos de los placeres sensuales), que mató mientras cazaba. En un sentido simbólico expresan su negación de los placeres ofrecidos.

Los artistas holandeses del siglo XVII, a veces con una especialización limitada, a menudo atraían a sus colegas cuando era necesario representar en una pintura algo en lo que no eran lo suficientemente fuertes. Así, las frutas y animales del lienzo presentado fueron pintados por Frans Snyders, famoso por sus naturalezas muertas e imágenes de animales similares.

Peter Paul Rubens Betsabé en la Fuente 1635. Óleo sobre tabla de roble. 175x126

Rubens creó un gran número de pinturas sobre historias bíblicas. Para comprender la obra aquí presentada es necesario conocer la historia bíblica, y el ingenio del artista para transmitir sus detalles es sorprendente. El rey David una vez “caminó sobre el tejado de la casa del rey y vio a una mujer bañándose desde el tejado; y esa mujer era muy hermosa”. Esta era Betsabé, la esposa de Urías el hitita. En la esquina superior izquierda del lienzo, la figura del rey David apenas es visible en el techo del palacio, y Rubens mostró a Betsabé detrás del baño en la plataforma que conduce a la piscina. David la sedujo y Urías la envió a una muerte segura.

Una hermosa joven llama la atención; Rubens fue un gran maestro en la representación del cuerpo femenino y creó su propio canon de belleza. Mientras tanto, no podemos dejar de admirar el ingenio con el que la artista transmite los sutiles momentos emocionales de esta escena: la mirada sorprendida de Betsabé, que no esperaba recibir una carta de manos del chico negro que le envió (está claro que la carta sólo puede ser una carta de amor), la reacción del perro, que le enseñó los dientes al mensajero y sospechó que algo andaba mal (un perro sentado a los pies de una mujer en el sistema de símbolos del retrato renacentista y barroco personificaba la fidelidad conyugal ). ¡Y con qué delicias se representan las figuras femeninas, el agua que fluye, la ropa y el paisaje arquitectónico!

Peter Paul Rubens Caza del jabalí 1615-1620. Madera, óleo. 137x168

En las obras de Rubens sobre el tema de la caza se pueden distinguir dos fases de la creatividad. Las pinturas del primer período, que duró hasta 1620, al que pertenece la "Caza del jabalí" presentada, se caracterizan por un esquema compositivo centrípeto y diagonal, en el que actúan fuerzas desenfrenadas en ambos lados. Obras posteriores desarrollan una composición característica de un friso, es decir, la acción en ellas se muestra en una perspectiva horizontal, paralela al plano del cuadro. En el primer caso, se enfatiza la culminación de la caza, cuando el animal es alcanzado y derrotado, en el segundo, el proceso de captura. Y si las obras del primer período demuestran la victoria de los cazadores sobre un depredador feroz, las pinturas del segundo muestran la persecución de un animal indefenso.

El cuadro de Dresde es, en cuanto a su contenido, mucho más que una simple escena de búsqueda de género. Claramente “brilla a través de” el antiguo mito de la caza de Caledonia, aquel en el que Meleagro mata al jabalí de Calidón con una lanza (este mito es expuesto por Filostrato el Joven en el capítulo 15 de sus “Pinturas”). Todos los participantes en la historia están representados aquí: el jabalí se encuentra debajo de un árbol en un denso círculo de cazadores y perros que ladran enojados. Atalanta acaba de disparar su flecha; La lanza de Meleagro atraviesa a la bestia. Un hombre muerto yace cerca del jabalí. Este tema es utilizado por muchos artistas flamencos para sus pinturas que representan la caza en un paisaje forestal. En Rubens, la furia de la lucha, la tensión física y espiritual se llevan a la máxima intensidad.

Jan Brueghel el Viejo (1568-1625) Paisaje fluvial con leñadores 1608. Óleo sobre tabla. 47x46

Antiguamente era costumbre heredar el trabajo de los padres, especialmente las profesiones creativas. Hay famosas dinastías de artistas, escultores y compositores. La dinastía Bruegel es una de las más importantes de la historia de la pintura. Por lo general, en estas familias la figura principal se eleva por encima de todos: por ejemplo, en la familia Bach, Johann Sebastian, y en la familia Bruegel, Pieter Bruegel el Viejo.

Jan Brueghel el Viejo (el Viejo, ya que posteriormente apareció otro Jan en la familia, respectivamente, el Joven) recibió el sobrenombre de "Velvet" debido al color especial de su pintura. Por extraño que parezca, en Galería de Dresde Hay cinco pinturas del maestro, pero no hay obras ni del jefe de la dinastía ni de sus demás representantes. Esto se explica hasta cierto punto por el hecho de que, aunque Jan era inferior en talento a su padre, su estatus oficial era mayor: era el artista de la corte del archiduque Alberto. En consecuencia, las obras del maestro se guardaron en los aposentos reales, desde donde les resultó más fácil acceder a otras colecciones augustas.

Jan Brueghel el Viejo pintó en diferentes géneros: paisajes, naturalezas muertas (principalmente flores y animales), pinturas de pequeñas figuras sobre temas bíblicos, mitológicos y alegóricos. La pintura presentada es uno de los ejemplos de su pintura de paisaje. La obra demuestra claramente la conexión genética entre la pintura de Jan Brueghel y el arte de su padre. Inevitablemente surge una comparación con el cuadro de Pieter Bruegel “Paisaje con la caída de Ícaro” (hacia 1558, Museo Real de Bellas Artes, Bruselas), pintado 50 años antes de esta obra. Están construidas de forma similar: la línea ondulada de la frontera entre mar y tierra divide las composiciones en dos partes. En ambos casos se elige un punto alto desde el que pintar un paisaje lleno de escenas de género, lo que permite una perspectiva amplia. Aquí es donde quizás terminan las similitudes: la pintura del padre está llena de intensidad dramática, mientras que la del hijo es solo un paisaje. Y la diferencia no está en la trama, sino en la psicología: el arte del padre refleja su espíritu inquieto, mientras que el carácter del hijo está libre de conflictos.

Jan van Goyen (1596-1656) Invierno en el río. B/g. Madera, óleo. 68x90.5

Los investigadores notan un rasgo característico del estilo del artista que atrae la atención del espectador promedio: el horizonte en las pinturas del artista está bastante bajo, por lo tanto, el cielo ocupa aproximadamente dos tercios del área del lienzo. Esto probablemente se explica por el hecho de que el estado del cielo, ya sea despejado o con distintos grados de nubosidad, tiene una influencia extraordinaria en el color visible de la gran extensión de agua que, por regla general, el pintor representaba y ganó fama por ello. Aunque la obra presentada no representa el mar, sino un río invernal cubierto de hielo, el cielo sigue desempeñando un papel muy importante. En las obras de Goyen nunca es azul claro o celeste, sino que siempre está cubierto de nubes. Los lienzos del artista están realizados de forma pictórica monocromática. Generalmente se representan días nublados y con niebla.

Meindert Gobbema (1638-1709) Molino de agua. B/g. Roble, óleo. 59,5x84,5

En el siglo XVII, Jacob van Ruisdael dominó la pintura de paisajes holandesa junto con Rembrandt. De los alumnos de Ruisdael en Ámsterdam, Meindert Gobbema (Hobbema) adquirió casi mayor fama que el profesor.

Meindert Gobbema es el último de los grandes paisajistas holandeses del siglo XVII. Las pinturas de Gobbema se distinguen por su sencillez, naturalidad y cuidada ejecución. El artista se siente atraído por los árboles, el denso bosque, las vistas de los pueblos, las casas campesinas con tejados rojos, el campanario de una iglesia perdido en la bruma del horizonte, iluminado por la luz del sol. tiro medio. A menudo, el motivo principal de estos paisajes es un antiguo molino. Muchas de las variaciones del maestro sobre este tema se conservan en diferentes museos de todo el mundo, el cuadro de Dresde es uno de ellos.

En la mente humana, al menos en la cultura europea, muchas ideas e ideas están asociadas con el molino, que siempre colorean emocionalmente nuestra percepción de él tanto en la realidad como en el arte. Tradicionalmente asociada a ella está la idea de soledad, teñida de experiencias románticas. El agua que fluye sin cesar está asociada con la idea de la inmutabilidad de la existencia, la rueda giratoria, el mecanismo principal del molino, a través de una alusión a la "rueda de la fortuna" introduce la idea de las vicisitudes del destino en el círculo de imágenes generadas.

Anthony van Dyck (1599–1641) Retrato de un caballero con una banda roja 1625–1627. Lienzo, óleo. 90x70

Para definir muy brevemente la diferencia entre holandés y flamenco arte XVII siglo, podemos decir que en el primero predominan las naturalezas muertas, llamadas “blenda” por el realismo de los rasgos y el sorprendente detalle de la imagen, llevada hasta el punto de la ilusión, mientras que en el segundo predominan los retratos ceremoniales. Anthony van Dyck es el representante más brillante del género, un maestro de los retratos ceremoniales y los temas religiosos en estilo barroco.

“Retrato de un caballero con una banda roja” es uno de los mejores ejemplos de la obra de Van Dyck. Compositivamente, está construido de manera hermosa: el rostro del modelo está en el centro horizontal de la imagen, la energía, la fuerza y ​​​​el coraje se sienten en su rotación, atrae la mirada del espectador. La textura y el brillo de la armadura del caballero se transmiten maravillosamente.

El retrato fue pintado en el período de su vida en el que Van Dyck creaba sus obras con extraordinaria facilidad, rapidez y al mismo tiempo lograba una elaboración ideal. Al final de su vida, el maestro en apuros económicos se vio obligado a escribir demasiado para tener tiempo de hacerlo con total perfección artística. De 1621 a 1627 vivió en Italia, pasando la mayor parte de su tiempo en los círculos más altos de la sociedad genovesa. Muchos representantes de la aristocracia se convirtieron en modelos para él. Sin embargo, todavía no ha sido posible identificar al personaje de este cuadro. Incluso es posible que no se trate de un retrato de una persona real, sino de algún tipo de alegoría.

Rembrandt (1606-1669) Retrato de Saskia van Uylenburch 1633. Roble, óleo. 52,5x44,5

Alrededor de 1631-1632 Rembrandt se mudó permanentemente a Ámsterdam. Se instaló en una de las habitaciones del marchante de arte Hendrik van Uylenburch, quien ya tenía viviendo con él a la hija de su pariente, Saskia van Uylenburch. Los jóvenes se enamoraron y se casaron dos años después. La niña provenía de una familia adinerada, así es como Rembrandt ingresó a la alta sociedad. Comenzó el período más feliz de su vida, se convirtió en un artista famoso y de moda.

Varios retratos de su esposa datan de los años treinta. Ella era la modelo favorita del artista. Así, además del cuadro presentado, se puede nombrar “Flora”, en la que Rembrandt representó a Saskia poco antes del nacimiento de su hijo Tito. Saskia también sirvió de modelo para la famosa “Danae” del maestro.

Rembrandt (1606-1669) Autorretrato del artista con su esposa Saskia 1635. Óleo sobre lienzo. 161x131

Durante su vida, Rembrandt pintó numerosos autorretratos. La pintura de Dresde captura la alegría de vivir, el júbilo de tener a un ser querido, componentes del estado emocional del pintor de este período. La mirada abierta de los personajes, dirigida al espectador (parece que te invitan a compartir su alegría de ser), el rostro radiante de Rembrandt, como si hubiera logrado todos los beneficios de la vida: este es el estado de ánimo de este lienzo.

Sin embargo, el retrato también contiene una cierta provocación que era clara para los espectadores de la época: el artista se representa a sí mismo en la imagen de... un hijo pródigo festejando con una cortesana. Es de destacar que en el Evangelio Lucas dice claramente: “... desperdició sus bienes viviendo disolutamente”. Rembrandt, al casarse por amor, por el contrario, exageró la condición de su esposa y ganó un estatus social más alto. ¡Cuán sorprendentemente diferente es este “hijo pródigo” del que regresó con su padre después de largos vagabundeos en el cuadro del Hermitage del mismo nombre!

Si la comparación con el héroe bíblico es bastante obvia, entonces el otro significado semántico de la imagen requiere explicación. Hay aquí una alusión al símbolo de la virtud de la moderación, cuya transgresión llevó al hijo pródigo a un triste final. Este símbolo es un vaso levantado en la mano de un caballero (es decir, Rembrandt) - una "flauta", como se llamaba en el uso holandés de esa época - un recipiente medido, un signo de sabio autocontrol, el emblema de lo cual se destaca por su tamaño desproporcionadamente grande.

Willem Claes Heda (1593/1594-1680/1682) Desayuno con tarta de arándanos 1631. Madera, aceite. 54x82

En el siglo XVII, en Holanda, muchos artistas crearon naturalezas muertas, y entre ellos había una especialización: uno representaba flores, otro, platos y el tercero, instrumentos musicales. Willem Klass Heda pintó naturalezas muertas similares durante varias décadas, al menos se remontan a 1631 (representado por “Desayuno con pastel de arándanos”) y 1651. Durante tanto tiempo trabajando en un género, los artistas lograron una perfección impresionante en la técnica de renderizado de frutas y verduras, texturas de telas, objetos de metal y vidrio, agua en vasos. Los bodegones con comida se llamaban "ontbijtjes" (del holandés - "desayuno").

La demanda de este tipo de naturalezas muertas fue muy grande. A principios de la década de 1630, Heda comenzó a escribirlos, utilizando los cánones bastante conservadores de sus contemporáneos: Floris Klee van Dyck y Nicolaes Gillis. También coloca la mesa estrictamente paralela al plano del cuadro, es decir, a la pared trasera de la habitación. Sin embargo, el artista aportó un cierto renacimiento a la composición de sus naturalezas muertas. Así, su mantel blanco no cubre toda la mesa, sino sólo una parte. Evita así la monotonía del fondo.

Es notable la predilección a largo plazo de Head por los mismos temas. Una taza, un vaso, un vaso de chupito, una hoja de Damasco, un reloj de bolsillo con la tapa abierta y un mecanismo representado con sorprendente precisión (el artista utilizó los mejores pinceles en su obra): todo esto fue reproducido con indudable amor.

Jan Davids de Heem (1606–1684) Flores en un jarrón de cristal y fruta. B/g. Lienzo, óleo. 100x75,5

Jan Davids de Heem es un artista holandés que trabajó durante algún tiempo en Leiden, pero en 1635 se unió al Gremio de San Lucas de Amberes y al año siguiente se convirtió en ciudadano de Amberes. Alrededor de 1667 regresó a su Utrecht natal, pero en 1672 huyó a Amberes de los franceses, que habían capturado la ciudad.

De Heem se hizo famoso por sus magníficos bodegones de flores. Están ejecutados con tanto cuidado que hoy bien podrían servir como una especie de libro de referencia sobre la flora europea. Pero antes que nada, los lienzos atraen con sus cualidades artísticas, la belleza de las combinaciones de colores y pinturas de plantas, la riqueza de su paleta, la complejidad de la composición, que permite imaginar una gama de colores brillantes (coloridos). (plantas).

En gran parte gracias a Jan Davids de Heem, la naturaleza muerta se convirtió en un género pictórico independiente en la obra de los maestros holandeses y flamencos del siglo XVII. Las naturalezas muertas de esta época son en gran medida alegóricas. Entonces, además de las flores mismas, en la imagen presentada se muestran una mariposa y un caracol; en otros lienzos hay orugas y larvas. Se refieren no sólo al ciclo de la vida humana terrenal, sino también a la muerte y la resurrección.

Adrian Brouwer (1606–1638) Lucha campesina mientras jugaba a las cartas. B/g. Roble, óleo. 26,5x34,5

Adrian Brouwer, alumno de Frans Hals, fue uno de los creadores más originales del arte flamenco. El vivió corta vida- Con sólo 32 años, murió de peste. El artista pintó escenas de género de la vida campesina, danzas folclóricas, jugadores de cartas, fumadores, polillas halcones y peleas. Estaba particularmente interesado en los sentimientos, expresiones y expresiones faciales de los personajes. Las pinturas de Brouwer se distinguen por su vivacidad y su ingenio de diseño. Algunas de sus pinturas pueden evocar pensamientos de caricatura. Sin embargo, tras un examen cuidadoso, queda claro que esto es sólo una reproducción de situaciones cotidianas llevadas con gran precisión. En las pinturas del maestro no hay una condena deliberada de los héroes mediante el ridículo. Simplemente escribió sobre la vida que lo rodeaba. El pintor no fue apreciado por sus contemporáneos; siempre estuvo en gran necesidad. Las generaciones posteriores percibieron durante mucho tiempo a Brouwer principalmente como un humorista, pero más bien como una figura trágica.

Una pelea mientras se juega a las cartas es una de las tramas favoritas de Brouwer. La acción se desarrolla en una típica taberna con sus clientes habituales y un entorno pobre. Sin embargo, para representar la pobreza de esta manera, el maestro obviamente tenía que tener una rica imaginación artística.

Adrian van Ostade (1610–1685) Artista en el estudio 1663. Óleo sobre madera. 38x35,5

Adrian van Ostade es un artista holandés de la época barroca, representante del género cotidiano. Estudió con Frans Hals, más tarde en su manera creativa estuvo fuertemente influenciado por Rembrandt, pero el talentoso pintor de género flamenco Adrian Brouwer tuvo una influencia especial. Así Ostade se convirtió en un escritor de la vida cotidiana de los holandeses. Los héroes de sus cuadros, por regla general, son gente corriente, de ahí las tramas correspondientes: escenas en una taberna (a veces con peleas), hermanos borrachos, músicos borrachos (toda una galería: un violinista, un flautista, un gaitero, un destripador ; incluso sorprende cuántos plebeyos sabían tocar instrumentos musicales, especialmente el violín).

En el lienzo presentado la trama es decente. Algunos creen que se trata de un autorretrato del pintor. Sea como fuere, la visión del taller y del artista trabajando desinteresadamente en él evoca una buena sensación: una habitación espaciosa, inundada de luz desde una hermosa ventana con rejas, un desorden que se puede considerar creativo... Todo está hecho en colores cálidos y armoniosos. En una palabra, la imagen crea un ambiente romántico, evoca tristeza por los viejos tiempos y un estado de total inmersión en la creatividad.

Gerard Terborch (1617-1681) Mujer lavándose las manos. Hacia 1655. Óleo sobre tabla. 53x45

Gerard Terborch- maestro destacado Pintura de género de la escuela holandesa del siglo XVII. Al principio de su carrera pintó principalmente escenas de la vida campesina y de soldados, y a partir de finales de la década de 1640 comenzó a especializarse en escenas de interiores con un pequeño número de caracteres- Por regla general, se trataba de parejas, mujeres que leían, escribían y tocaban música. Es posible que la dama aquí representada sea la hermana del artista.

El artista vivía en la pobreza, lo que explica el hecho de que utilizó como modelo a un círculo reducido de personas cercanas, en particular a su hermana Gezina. Lo más probable es que sea ella quien esté representada en el cuadro “La mujer lavándose las manos”.

Por lo general, los investigadores interpretan este tipo de trama como una alegoría de la vida disoluta, pero en este caso el contenido de la obra probablemente representa una alegoría de la virtud. Sus símbolos son las cortinas de la cama descorridas (en muchos otros cuadros están descorridas), la dama lavándose las manos (desde la época del juicio de Cristo por Poncio Pilato, este gesto simboliza la renuencia a participar en algo reprensible), la ausencia de joyas en la mesa (en otras escenas similares, el mismo Terborch, tales decoraciones se “leen” como pago por los placeres amorosos) y, finalmente, un perro, protegiendo la tranquilidad del dueño. La ilustración más clara del significado del símbolo animal se puede ver en el cuadro de Jan van Eyck “Retrato de la pareja Arnolfini”, conservado en la Galería Nacional de Londres (ver volumen 11 de la colección “Grandes museos del mundo”).

Desde un punto de vista pintoresco, Terborch se mostró en esta obra como un maestro insuperable en la interpretación de la materia, en particular el satén blanco (el vestido de la niña) y el mantel multicolor.

David Teniers el Joven (1610-1690) Fiesta campestre en la taberna Crescent. Fragmento 1641. Óleo sobre lienzo. 93x132

David Teniers el Joven (el Joven porque llevaba el mismo nombre que su padre, David Teniers el Viejo) superó a su progenitor y, se cree, maestro. Mejores pinturas Las pinturas del artista fueron creadas en la década de 1640, cuando se convirtió en el pintor de la corte del archiduque Leopoldo Guillermo de Austria. Teniers reunió una colección de arte para el gobernante y se convirtió en su custodio. En este estado, Teniers se mostró muy claramente: no solo compiló un catálogo de la colección, sino que también hizo pequeñas copias de muchas pinturas, incluidas valiosas pinturas de maestros de la escuela veneciana del Renacimiento. Se le atribuyen más de 2.000 obras propias, aunque, por supuesto, no fue tan prolífico. La Galería de Dresde alberga nueve obras del artista.

Una parte importante del legado de Teniers está formada por numerosas obras que representan escenas de la vida del pueblo llano. La imagen presentada es un ejemplo típico del género kermes, popular en el arte holandés: una fiesta en el pueblo con un pequeño conjunto musical indispensable, alegres bailes de los aldeanos y divertidas escenas cotidianas. Víctor Hugo en "La Catedral" Notre Dame de París” escribe lo siguiente sobre Teniers: “La orgía adquirió cada vez un carácter más flamenco. El pincel del propio Teniers sólo podía dar una vaga idea de ello”.

Wermeer de Delft (1632-1675) En el proxeneta 1656. Óleo sobre lienzo. 143x130

Jan Wermeer de Delft es el mayor maestro de la pintura de género y paisaje holandés.

El cuadro "En el proxeneta" es una de las muchas obras del artista en el género de escenas cotidianas. Como casi siempre en el arte de los pequeños holandeses, la escena contiene un significado alegórico. En este caso, como en el autorretrato de Rembrandt con Saskia, la trama se remonta a la parábola evangélica sobre hijo pródigo. En la obra de Vermeer se representa un episodio franco en un burdel con todos los atributos de una vida depravada: una moneda que un caballero ofrece a una dama (pago por vender amor), copas de vino en manos de una mujer y un caballero en a la izquierda, un mástil, probablemente de laúd, que introduce en los matices del contenido semántico del cuadro una alusión a la música, fuertemente asociada al amor. A través de la pintura, el artista transmite el contenido de la puesta en escena, que presenta al espectador, podría decirse, una escena teatral con diálogos vivos y claros. El señor de la izquierda, volviendo la mirada hacia el espectador, parece invitarlo a participar en la fiesta.

Wermeer de Delft (1632-1675) Niña leyendo una carta en la ventana abierta 1657. Óleo sobre lienzo. 83x64,5

El motivo de las letras se encuentra a menudo en las pinturas de Vermeer y siempre está plasmado en la imagen de la heroína leyendo un mensaje de su amante, que está lejos de ella.

Es de destacar que en el lienzo presentado el artista planeó representar a Cupido con una carta. Esto se evidencia en estudios de trabajo en rayos X, que revelaron el patrón de Cupido. De este modo, significado simbolico Toda la escena está fuera de toda duda. El investigador Norbert Schneider incluso vio en la naturaleza muerta y en el mantel arrugado sobre la mesa símbolos de votos rotos de fidelidad conyugal y relaciones extramatrimoniales. Las manzanas y los melocotones son una alusión al relato bíblico de la Caída.

Jacob van Ruisdael (1628–1682) Cementerio judío 1655–1660. Madera, óleo.84x95

Casi al mismo tiempo que Rembrandt, trabajaba otro holandés notable, Jacob van Ruisdael, el mayor maestro del paisaje, cuyas obras se distinguen no solo por su gran habilidad, sino también por su profundo contenido filosófico.

Los paisajes del maestro están llenos de dramatismo y reflexiones filosóficas. Fueron estos rasgos creativos los que se manifestaron con fuerza excepcional en la obra más compleja y trágica, "El cementerio judío". Se basa en una imagen de una de las esquinas de un antiguo cementerio judío real situado cerca de Ámsterdam. Al fondo se encuentran las ruinas de una antigua sinagoga que funcionó hasta 1675 y fue destruida por un rayo. En el frente hay varias lápidas de mármol, una de ellas pertenece al ex médico personal del rey francés Enrique IV, la segunda al rabino principal de Amsterdam y la tercera a algún ciudadano rico.

La pintura está realizada en tonos azul verdoso oscuro; el fondo crea un cielo tormentoso con siniestras nubes bajas. El pesado silencio del cementerio se transmite con precisión, el dolor centenario impregna cada rincón. Existe un sentimiento de la inevitabilidad de la muerte, la corta duración y la inutilidad de la existencia terrenal. Wolfgang Goethe llamó a Ruisdael poeta y pensador. Lo efímero de la vida humana se ve enfatizado por el derroche de vegetación, los árboles imponentes y la eternidad de la naturaleza...

Durante la vida del artista, la pintura se llamaba “Alegoría de la vida humana”. La elección del tema es digna de mención: ¿por qué el autor representó un cementerio judío, y no un cementerio protestante más cercano, para expresar su visión del mundo? ¿Por qué el artista prestó tanta atención a esta obra en particular? Además de numerosos bocetos preparatorios, Ruisdael realizó dos versiones completas de la obra: Dresde (1650-1653) y Detroit (1660). El artista no dejó ninguna explicación al respecto.

Parece que el contenido filosófico del cuadro “Cementerio judío” se inspiró en la lectura del maestro del Eclesiastés. Este libro le causó una impresión muy fuerte. La imagen de un arroyo que corre como un arroyo hirviente entre piedras está asociada con la lectura del Antiguo Testamento. El libro del profeta Isaías dice: “El agua, especialmente el agua “viva”, que fluye en primavera, simboliza la vida y la felicidad”.

Gabriel Metsu (1629–1667) Game Trader 1662. Roble, óleo. 61x45

Gabriel Metsu, artista y dibujante holandés, pintó temas religiosos y mitológicos, naturalezas muertas y retratos. En la década de 1660, el talento de Metsu se manifestó más plenamente en el campo del género cotidiano, que reflejaba, en un grado u otro, la influencia de Steen, Terborch, de Hooch y Vermeer.

Metsyu aparece como un maestro maduro, propenso a la narración y a una presentación íntima y lírica del tema, dominando con confianza las técnicas de pintura de tonos cálidos con fuertes contrastes sonoros de manchas de color y materialidad aparentemente táctil en la representación de telas, pieles, platos, y artículos caros. Sus acogedores interiores suelen estar llenos de dos o tres figuras.

En una de sus pocas obras que representan la vida de la gente corriente, Metsu reprodujo una esquina de una calle. Un anciano, comerciante de juegos, está sentado contra una pared con yeso agrietado, su ropa está rota, su apariencia es lamentable. Con la intención de realzar la impresión de pobreza, pasa una mujer ricamente vestida, a quien el anciano ofrece sus bienes. La imagen, basada en contrastes sociales y que pretende ofrecer una visión profunda de la vida, contiene sólo una simple exposición de los hechos. El espectador no se siente conmovido por el acontecimiento en curso; el propio artista se muestra frío con él y mira al pobre anciano con los ojos de un hombre rico. Metsya es inusual al sentir la injusticia social y la tragedia de la vida.

CAPITULO 6 Arte militar. Arte operacional DOMINIO AÉREO es la superioridad decisiva de la aviación de una de las partes en el espacio aéreo de un teatro de operaciones, un área operativa importante o en un área determinada. Permite a la Fuerza Aérea y a las Fuerzas Terrestres