artista italiano Miguel Ángel Merisi de Caravaggio glorificó el famoso claroscuro. Las figuras de sus cuadros parecen emerger de la oscuridad, atrapadas por brillantes rayos de luz. Este método fue adoptado por numerosos seguidores tras la muerte del artista.
Tomando a Cristo bajo custodia, 1602
El arte de Caravaggio tuvo una gran influencia en el trabajo no solo de muchos italianos, sino también de los principales Maestros de Europa occidental Siglo XVII: Rubens, Jordaens, Georges de Latour, Zurbarán, Velázquez, Rembrandt. Los caravaggistas aparecieron en España (José Ribera), Francia (Trofime Bigot), Flandes y Países Bajos (los caravaggistas de Utrecht, Gerrit y Willem van Honthorst, Hendrik Terbruggen, Judith Leyster) y otros países europeos, por no hablar de la propia Italia (Orazio Gentileschi, su hija Artemisia Gentileschi).
"Entierro" (1603)
Miguel Ángel Merisi de Caravaggio (29 de septiembre de 1571, Milán - 18 de julio de 1610, Porto Ercole) - Artista italiano, reformador de la pintura europea del siglo XVII, fundador del realismo en la pintura, uno de los más grandes maestros del barroco. Fue uno de los primeros en utilizar el estilo de pintura de claroscuro: un marcado contraste de luces y sombras. No se encontró ni un solo dibujo o boceto; el artista realizó inmediatamente sus complejas composiciones sobre lienzo.
Milán 1571-1591
Hijo del arquitecto Fermo Merisi y su segunda esposa Lucia Aratori, hija de un terrateniente de la localidad de Caravaggio, cerca de Milán. Su padre se desempeñó como gerente del marqués Francesco Sforza da Caravaggio. En 1576, durante la peste, el padre y el abuelo murieron, la madre y los hijos se trasladaron a Caravaggio.
.jpg!Large.jpg)
David y Goliat 1599
Los primeros mecenas del futuro artista fueron el duque y la duquesa de Colonna.En 1584, Miguel Ángel Merisi llegó a Milán al taller de Peterzano, considerado alumno de Tiziano. En ese momento, el manierismo dominaba el mundo artístico de Italia, pero en Milán la posición del realismo lombardo era fuerte.
Las primeras obras del artista, pintadas en Milán, escenas de género y retratos, no han sobrevivido hasta nuestros días.
Ya a finales de la década de 1580, la vida del irascible Merisi se vio ensombrecida por escándalos, peleas y encarcelamientos que lo acompañarían durante toda su vida.
En 1589, el artista regresa a casa para vender su terreno, aparentemente necesitado de dinero. La última vez que visita la casa es tras la muerte de su madre en 1590. En el otoño de 1591, se vio obligado a huir de Milán tras una disputa por un juego de cartas que acabó en asesinato. Tras detenerse primero en Venecia, se dirige a Roma.
"La vocación del apóstol Mateo" (1600)
Roma 1592-1594
En la capital, según la costumbre de los artistas italianos de la época, recibió un apodo asociado a su lugar de nacimiento, como, por ejemplo, lo fue con Veronese o Correggio. Así Miguel Ángel Merisi se convirtió en Caravaggio.
En 1593, Caravaggio ingresó al taller de Cesari d'Arpino, quien le encargó que pintara flores y hojas en los frescos. En el estudio de d'Arpino conoció a mecenas y artistas, en particular a Jan Brueghel el Viejo.
.jpg!PinterestLarge.jpg)
.jpg!PinterestLarge.jpg)
Las primeras obras de Caravaggio fueron escritas bajo la influencia de Leonardo da Vinci (conoció a La Virgen de las Rocas y La Última Cena en Milán), Giorgione, Tiziano, Giovanni Bellini y Mantegna.El primer cuadro que nos ha llegado es “Niño pelando fruta” (1593).En el taller de d'Arpino, Caravaggio conoció a Mario Minniti, quien se convirtió en su alumno y modelo para varias pinturas, la primera de las cuales fue "Joven con una cesta de frutas" (1593-1594).
"Niño con una cesta de frutas", 1593-94, Galería Borghese
Después de la pelea, Caravaggio termina en la prisión de Tor di Nona, donde conoce a Giordano Bruno.Pronto rompe con Cesari d'Arpino; el vagabundo Caravaggio invitó a Antiveduto Grammatica a su casa.
En 1593 enfermó de fiebre romana (uno de los nombres de la malaria) y durante seis meses estuvo en el hospital al borde de la vida o la muerte. Quizás, bajo la impresión de estar enfermo, pintó el cuadro "Baco enfermo" (1593), su primer autorretrato.
"Baco enfermo" (detalle) (1593), Galería Borghese
Las primeras pinturas de varias figuras se crearon en 1594: se trata de "Sharpies" y "Fortune Teller" (Museos Capitolinos). Georges de La Tour escribiría más tarde su “Adivino” con una composición idéntica.
"Ronders" (1594)
"Adivino" (1594)
En el otoño de 1594, Caravaggio comenzó a trabajar para el cardenal Francesco del Monte y se mudó a su Villa Madama, donde se reunió con Galileo, Campanella, Della Porta y los poetas Marino y Milesi.
Roma 1595-1599
Este período de su vida, transcurrido en Villa Madama, resultó muy fructífero para Caravaggio, además, casi todas las pinturas creadas en esta época han sobrevivido hasta el día de hoy.En el cuadro “Músicos” (1595), Mario Minniti está representado en el centro, y junto a él el artista se colocó con un cuerno.
"Músicos" (1595). Caravaggio se pintó con una trompeta entre dos músicos
En la imagen de Cupido con uvas, algunos investigadores ven un indicio erótico de una relación con Minniti. Minniti también aparece representado en el cuadro “El niño mordido por un lagarto” (1596, Londres), vendido al marchante de arte Valentino.
"El niño mordido por un lagarto"
En 1595, a pesar de las recomendaciones de Gentileschi, Gramática y Prospero Orsi, a Caravaggio se le negó la admisión en la Academia de San Lucas. El principal opositor a la admisión de Caravaggio en la Academia fue su presidente, Federico Zuccaro. Creía que los efectos de las pinturas de Caravaggio eran consecuencia de su carácter extravagante, y que el éxito de sus pinturas se debía únicamente a su "tono de novedad", que era muy valorado por los mecenas adinerados.
En 1596, Caravaggio creó la primera naturaleza muerta en la historia de la pintura italiana: "Cesta de frutas".
"Cesta de frutas" (1596), Pinacoteca Ambrosiana, Milán
En “El laudista” (1596, Hermitage), la partitura resultó fácil de leer; es un madrigal de Jacob Arkadelt “Sabes que te amo”. Se desconoce a quién va dirigido este mensaje.
Pinta cuadros como:
"Baco" (1596)
Y también “La cortesana Phyllida” (1597), “Retrato de Maffeo Barberini” (1598).En 1597, el cardenal del Monte recibió el encargo de pintar el techo de su residencia. Así apareció el único fresco de Caravaggio, “Júpiter, Neptuno y Plutón”.
Las pinturas de Caravaggio se están volviendo populares.Las pinturas de Caravaggio le dieron verdadera fama. historias bíblicas— “Descanso en la huida a Egipto” (1597) tiene una ejecución innovadora. “La principal ventaja de la pintura es el ambiente luminoso recreado magistralmente, que crea una atmósfera de poesía y paz, complementado por un paisaje modesto, claramente inspirado en los recuerdos de su Lombardía natal con sus juncos, juncos cerca de la superficie del agua, álamos plateados. con el telón de fondo de una cresta montañosa y el cielo azul del atardecer”.
"Descanso en la huida a Egipto" (1597)
También escribió “El éxtasis de St. Francisco" (1595), "Sacrificio de Isaac" (1598).
.jpg)
Éxtasis de San Francisco, 1595
"El sacrificio de Isaac"
La primera imagen femenina de la obra de Caravaggio, “La Penitente María Magdalena” (1597), muestra la capacidad del artista para proporcionar una interpretación profunda y poéticamente significativa de la imagen. La pintura fue vendida al banquero y mecenas del arte Vincenzo Giustignani.
"María Magdalena penitente"
ellos la siguieron
"Santa Catalina de Alejandría" (1598)
"Marta y María" (1598)
“Judith decapitando a Holofernes” (1598) demuestra que Caravaggio, en su realismo, no rehuye efectos deliberadamente naturalistas.
En “Juan Bautista” (1598) se nota la influencia de Miguel Ángel:
Caravaggio se hizo famoso. Deja Villa Madama y se traslada a la casa del banquero y coleccionista Ciriaco Mattei, quien compró el Adivino. Después de una pelea con Caravaggio, Mario Minniti se casó y se fue a Sicilia.
Roma 1600-1606
Durante varios meses, Caravaggio se escondió en la finca Colonna. Allí pintó varios cuadros, pero su estilo se volvió lúgubre: “San Francisco en meditación” (1606), “Cena en Emaús” (1606). La figura de Cristo recuerda al fresco de Leonardo "La Última Cena".
Caravaggio se trasladó a Nápoles, donde pintó más de diez cuadros, aunque no todos sobrevivieron:
"El éxtasis de la Magdalena" (1606)
.jpg)
"Cristo en la columna" (1607)
.jpg)
"Salomé con la cabeza de Juan Bautista" (1607)
Por encargo de la iglesia de Pio Monte della Misericordia, pintó con gran energía pictórica las Siete Obras de la Misericordia (1607), que aún se encuentran en esta iglesia.
Inesperadamente, en julio de 1607, Caravaggio se dirigió a Malta, a La Valeta.
.jpg)
"Calle. Jerónimo" (1608)
norte Lo pintó para la Catedral de San Giovanni dei Cavalieri y gustó al Gran Maestre de la Orden de Malta, Alof de Vignacourt. Caravaggio pinta retratos de: Alof de Vignacourt, más tarde muy apreciado por Delacroix, y el colega del maestro Antonio Martelli.
El 14 de julio de 1608, Caravaggio se convirtió en Caballero de la Orden de Malta sin derecho a llevar la cruz de Malta, ya que no era un noble.
En el siglo XVII, Italia ya no era el país avanzado que había sido durante el Renacimiento. El país estaba fragmentado en pequeños principados, envueltos en constantes conflictos civiles, capturados por la dominación extranjera. Al haberse mantenido alejada de los principales centros económicos como resultado de grandes descubrimientos geográficos, Italia en el siglo XVII atravesaba una profunda crisis. Sin embargo, el nivel, podría decirse el grado, de la vida artística, el intenso trabajo espiritual de la nación, el tono de la cultura, no siempre dependen del nivel de desarrollo económico y político. A menudo, de alguna manera inexplicable, en las condiciones más crueles e inadecuadas, en el suelo más rocoso y desfavorable, florece una hermosa flor de alta cultura y arte deslumbrante. Esto sucedió en Italia a finales del siglo XVI y principios del XVII, cuando Roma, basándose en una tradición cultural centenaria, reaccionó entre 30 y 40 años antes que otros países europeos a los cambios de la era histórica, a la nueva problemas que la nueva era planteó a la cultura europea. Durante un corto período de tiempo, Italia revivió su influencia en la vida artística del continente, y fue aquí donde aparecieron las primeras obras del nuevo estilo barroco. Aquí se forma su carácter y espíritu. El barroco en Italia se convirtió en una continuación lógica de los logros del arte de épocas anteriores, por ejemplo creatividad tardía Miguel Ángel o arquitectura italiana del último cuarto del siglo XVI. Los principios del arte barroco se formaron por primera vez en la arquitectura de Roma, que fue el centro de desarrollo del pensamiento arquitectónico a principios de siglo y atrajo a un gran número de maestros de diferentes países.
La imagen de la Iglesia de Il Gesu resultó ser tan relevante, cercana al espíritu de la época y reflejando nuevas características de la cosmovisión, que se convirtió en el prototipo de muchas iglesias católicas en Italia, así como en toda Europa.
Iglesia del Gesù
Un ejemplo es la iglesia de Santa Susanna, construida a principios de siglo por el arquitecto Carl Moderna. Su fachada es algo más compacta que la de Il Gesu; todas las formas y detalles están unidos por un ritmo ascendente común, que no se ve interrumpido por el entablamento que separa las gradas. Por el contrario, el frontis del primer piso parece repetirse en el enérgico ascenso del frontón principal. El ritmo, que comienza al pie de las columnas del primer nivel, es retomado activamente por el ritmo de las pilastras del segundo piso. Esta unificación de toda la fachada en un único ritmo energético se ve acentuada por la repetición de elementos de orden en diferentes escalas, así como por dos volutas que se han convertido en detalles icónicos de la época. La riqueza de la fachada se ve realzada por la plasticidad activa de los capiteles corintios, que florecen con exuberantes hojas y flores de acanto. Gracias a las cartelas volumétricas y relieves, así como a las estatuas colocadas en los nichos de la fachada, se potencia la plasticidad.
Santa Susana
Todos estos detalles, su compleja interacción dinámica, tensión superficial y contrastes de luces y sombras realzan la expresividad decorativa de la fachada. El muro se convierte en una única masa arquitectónica dotada de plasticidad y dinámica, y como si estuviera subordinada a las leyes de la existencia orgánica. No es casualidad que ahora nos detengamos con tanto detalle en el análisis de la arquitectura de estos monumentos de la arquitectura barroca. Cristalizan ya en su totalidad los rasgos y detalles característicos que se desarrollarían en la arquitectura europea del siglo XVII, manifestándose en mayor o menor medida en diferentes escuelas nacionales. El monumento clave de esta época, que por un lado resume los resultados del desarrollo anterior y, por otro, marca el comienzo de una nueva etapa posrenacentista, es la iglesia de Il Gesú, construida según el diseño. de Vignola en 1568. La parte más llamativa de la iglesia, la fachada, se completó diez años más tarde según el proyecto del arquitecto Jacom della Porta (Fig. 1). La planta basilical de la iglesia se modifica ligeramente de acuerdo con las necesidades y exigencias del culto católico. La nave central, presidida por un espacio semi abovedado y un altar acentuado, está enmarcada a los lados por pequeñas capillas en las que se convierten las naves laterales. Tales divisiones del espacio interior no afectan en modo alguno al exterior del templo, ni a la organización de su fachada, en la que se concentran todos los medios de diseño arquitectónico y decoración. Los dos niveles de la fachada están unidos por enormes volutas, uno de los elementos favoritos de la arquitectura barroca. El orden de la fachada no refleja la división interna del interior. Más bien, simplemente organiza rítmicamente la pared: está saturado de sus ritmos y energía interna. Esta energía sobria y rica también la transmite el frontón semicircular sobre el portal central, que recuerda en su contorno a un arco curvo, listo para ser disparado o enderezado, así como los semicírculos enmarcados por las ventanas.
Veremos la plasticidad, actividad y dinamismo característicos de la fachada que examinamos en el templo en una versión aún más pronunciada en otras obras de la arquitectura del templo barroco italiano del siglo XVII, por ejemplo en la Iglesia de San Ignacio, construida en mediados del siglo XVII siglo del arquitecto Allegradi, en la Iglesia de Santa Inés de mediados de siglo y la Iglesia de Santa María en Compitelli de los arquitectos Carlo Rainaldi y Borromini. Me gustaría destacar especialmente la actividad espacial de la arquitectura barroca y su conexión con el espacio circundante de la plaza, la calle y la ciudad.
Santa María en Compitelli
Además de la expresividad de la plasticidad de la propia fachada, la escalera juega un papel importante en la comunicación del edificio con el entorno, como la escalera de la fachada oriental de la Iglesia de Santa María la Mayor, construida en 1673 por el arquitecto Carlo Rainaldi, ya mencionado por nosotros. Esta famosa escalera, que se eleva en tres escalones hasta los muros del templo, parece continuar hacia afuera el saliente semicircular del ábside oriental, conectando el edificio con el espacio que lo rodea.
Santa María la Mayor
La arquitectura barroca amaba las formas detalladas, semicirculares, curvas y elásticas, cercanas a su ritmo que se transmite activamente hacia afuera, como por ejemplo en la iglesia de Santa Maria della Pace, de mediados del siglo XVII, del arquitecto Pietro de Cortona, donde se encuentra el nivel inferior de la fachada curva hacia el exterior con un arco elástico el espacio de la calle, el pórtico adquiere una forma semicircular.
Santa María de la Paz.
Este enérgico arco se repite en el gran ventanal central del segundo piso y en el frontón semicircular, inscrito en el frontón triangular que corona el edificio. Otra escalera famosa de la arquitectura barroca es la Escalera Real o la llamada "Scala Regia", construida por Lorenzo Bernini en 1663-1666, que conecta la Catedral de San Petersburgo. San Pedro y el Palacio del Vaticano. Bernini recurre en este edificio a un truco de perspectiva, a un juego con la arquitectura barroca generalmente característica. A medida que nos alejamos del rellano inferior, la escalera se estrecha y las columnas colocadas en sus escalones se acercan y disminuyen de altura. Los propios escalones también recibieron diferentes alturas. Todo esto crea un efecto especial. La escalera parece mucho más alta de lo que realmente es.
Da la impresión de una escala enorme y una gran longitud, lo que a su vez hace que la entrada del Papa y su aparición en la catedral durante el servicio sean especialmente impresionantes.
Construido en forma en su expresión más extrema, los principios barrocos se plasmaron en las obras del arquitecto Francesco Borromini. En las obras de este maestro la expresión de las formas alcanza su máxima fuerza, y la plasticidad del muro adquiere una actividad casi escultórica. Una excelente ilustración de estas palabras se puede encontrar en la fachada de la iglesia de San Carlo alle Cuatro Fontane en Roma, construida entre 1634 y 1667. Este templo está situado en la esquina de dos calles que convergen en la plaza de las cuatro fuentes, y al mismo tiempo Borromini no lleva la fachada principal de la iglesia a la plaza, sino que la gira hacia una de las calles estrechas.
San Carlo alle Cuatro Fontane
Esta técnica crea un punto de vista muy interesante de la iglesia, en diagonal, desde un lado, con un juego de claroscuro potenciado. Además, esta disposición de la fachada en relación con el espacio interior del edificio confunde completamente al espectador. El exterior no dice nada del interior; existe como por sí solo, independientemente de la organización del espacio interior. Esto representa un cambio significativo en la arquitectura del siglo XVII. A diferencia de la arquitectura renacentista, donde la estructura del edificio siempre fue clara y distinta. El orden también deja de desempeñar un papel constructivo en la arquitectura barroca. Se convierte sólo en un detalle decorativo que sirve para expresar el aspecto arquitectónico del edificio. Esto se ve claramente en el ejemplo de la fachada de la iglesia de San Carlo alle Cuatro Fontane, donde el orden pierde la lógica de la arquitectura. Tanto en el primer como en el segundo nivel de la fachada vemos columnas redondas, en lugar de las tradicionales pilastras del segundo piso. En esta fachada en realidad no vemos la pared; está toda llena de diversos elementos decorativos. La pared se disuelve, como si todo jugara con ondas, ahora sobresaliendo como columnas-protuberancias redondas, ahora doblándose, como si se adentrara más profundamente en el interior con nichos-ventanas semicirculares y rectangulares. Los entablamentos se curvan hacia adentro y hacia afuera, las divisiones no están completas, el entablamento del segundo piso está rasgado en el centro, donde se coloca una cartela ovalada, sostenida por dos ángeles voladores. La compleja dinámica de las fachadas y la intensa plasticidad de los exteriores de las iglesias de Borromini continúan en los interiores de sus templos, por ejemplo en la Iglesia de Sant'Ivo (1642-1660). En planta es un rectángulo, donde se alternan nichos de diferentes formas entre los salientes triangulares de los muros. Parece que el interior carece de lógica interna; no es simétrico, impetuoso y dirigido hacia arriba, donde está coronado por una compleja cúpula en forma de estrella.
Las cúpulas de las iglesias barrocas solían tener un diseño arquitectónico y decorativo complejo, combinando casetones de diversas formas y tamaños y decoración escultórica, que realzaba la impresión de movimiento y formas elevadas. Veremos tal síntesis de artes, característica del Barroco, donde la arquitectura, la escultura y la pintura cumplen el mismo propósito de expresividad de la obra, en las mejores obras de la arquitectura barroca. En Italia, los arquitectos barrocos crearon notables monumentos de la arquitectura secular: palacios, palacios de la nobleza, residencias urbanas y rurales, villas.
Quizás el ejemplo más sorprendente de tal estructura sea el Palacio Barberini en Roma de 1625 a 1663, en cuya construcción participaron los mejores arquitectos de la Italia del siglo XVII: Carlo Moderno, Lorenzo Bernini, Francesco Borromini, Pietro de Cortona. La distribución exterior e interior del palacio es espacial barroca. Desde el lado de la calle, las alas extendidas forman un patio delantero frente a la fachada principal del palacio, que está diseñado según las mejores tradiciones sobrias de la arquitectura barroca. En el interior, gracias a la estructura enfilada del espacio, se abre paulatinamente al espectador, como escenas solemnes de una representación teatral. El barroco hereda de épocas anteriores la tipología de villa de campo, residencia de la nobleza, que se convierte en. un sólido conjunto barroco con un parque escalonado en la ladera conectado por escaleras y rampas. La querida dinámica barroca también se expresa en el uso frecuente de superficies de agua que fluyen en conjuntos: cascadas, estanques, grutas, fuentes, en combinación con pequeñas formas arquitectónicas escultóricas, con vegetación natural y recortada. Por ejemplo, esta es la Villa Aldobrandini en Foscatti, de los arquitectos Giacoma della Porta y Carlo Moderno.
Villa Borghese
Villa Pamphili, creada a mediados del siglo XVII por el arquitecto Alegardi, y Villa Borghese, construida en la primera mitad del siglo XVII por el arquitecto Vasanzio Frimi. Este carácter conjunto de la arquitectura barroca resultó ser muy popular y necesario en el siglo XVII, cuando comenzaron a reconstruirse las ciudades medievales, cuando surgieron proyectos de remodelación. partes individuales espacios urbanos. Por ejemplo, según el plan de Domenico Fontano, la entrada principal a Roma desde el norte estaba conectada con los conjuntos más importantes de la ciudad. Tres calles rectas divergían radialmente desde la Piazza del Popollo, y el espacio de la plaza estaba unido por dos iglesias con cúpulas idénticas diseñadas por Rainaldi, colocadas simétricamente en las esquinas, así como por obeliscos y fuentes. El detallado sistema de planificación urbana de tres rayos, que apareció por primera vez en Italia, se haría popular en Europa en los siglos XVII y XVIII. Podemos ver su encarnación incluso en el trazado de San Petersburgo.
No es casualidad que la Plaza de San Pedro en Roma, diseñada por Lorenzo Bernini en 1657-1663, sea reconocida como el mejor conjunto arquitectónico de Italia del siglo XVII.
Plaza de St. petra
En este proyecto, el arquitecto resolvió varios problemas a la vez. En primer lugar, se trata de la creación de un acceso solemne a la catedral, el principal templo del mundo católico, así como el diseño del espacio frente a ella, destinado a ceremonias y celebraciones religiosas. En segundo lugar, se logra la impresión de unidad compositiva de la catedral, un edificio construido durante dos siglos por diferentes arquitectos. diferentes estilos. Y Bernini afronta brillantemente ambas tareas. Desde la fachada, construida a principios del siglo XVII por el arquitecto Carlo Moderna, se extienden dos galerías que luego se convierten en una columnata que, según Bernini, “abraza la plaza como si fueran brazos abiertos”. La columnata se convierte en una continuación de la fachada Moderna, desarrollando sus motivos. En el centro de la enorme plaza hay un obelisco, y las fuentes a los lados fijan su eje transversal. Al moverse por la plaza, el espectador percibe la catedral como una serie cambiante de vistas y perspectivas en un complejo movimiento y desarrollo de impresiones. La fachada aparece ante el espectador en el momento de aproximación inmediata a él, cuando se encuentra frente a una plaza trapezoidal frente a la fachada de la propia catedral. De esta manera, la impresionante grandeza de la catedral se prepara mediante el aumento gradual de la dinámica del movimiento a medida que se avanza por la plaza.
La arquitectura del Barroco tardío en Italia no produjo monumentos equivalentes a las obras del Barroco temprano y maduro en su calidad artística y altura de estilo. Los arquitectos del último tercio del siglo XVII y principios del XVIII variaron las técnicas de la arquitectura barroca de muchas maneras, a menudo exagerando las formas, sobrecargando, complicando demasiado la plasticidad y los ritmos. Uno de los mejores ejemplos de la arquitectura barroca posterior es la obra del arquitecto Guarino Guarini, que trabajó principalmente en el norte de Italia. La Iglesia de San Lorenzo en Turín, que sorprende por la pretensión y redundancia de sus formas, es una de sus obras más típicas.
Sant Lorenzo de Turín.
La arquitectura barroca en Italia creó obras impresionantes que tuvieron un gran impacto en todo el mundo. cultura europea Siglo XVII.
PINTURA DE ITALIA
En Italia, donde finalmente triunfó la reacción católica en el siglo XVII, el arte barroco se formó muy temprano, floreció y se convirtió en el movimiento dominante.
La pintura de esta época se caracterizó por espectaculares composiciones decorativas, retratos ceremoniales que representaban a nobles arrogantes y damas con una postura orgullosa, ahogadas en lujosas ropas y joyas.
En lugar de una línea, se dio preferencia a un punto pintoresco, masa y contrastes de luces y sombras, con la ayuda de los cuales se creó la forma. El barroco violó los principios de dividir el espacio en planos, los principios de la perspectiva lineal directa para realzar la profundidad, la ilusión de ir al infinito.
El origen de la pintura barroca en Italia está asociado con el trabajo de los hermanos Carracci, fundadores de una de las primeras escuelas de arte en Italia: la "Academia de los que caminan por el camino correcto" (1585), la llamada Academia de Bolonia. un taller en el que se formaron maestros novatos según un programa especial.
Aníbal Carracci (1560-1609) Era el más talentoso de los tres hermanos Carracci. En su obra son claramente visibles los principios de la Academia de Bolonia, que fijó como objetivo tarea principal el resurgimiento del arte monumental y las tradiciones del Renacimiento durante su apogeo, que los contemporáneos de Carracci veneraban como un ejemplo de perfección inalcanzable y una especie de "absoluto" artístico. Por lo tanto, Carracci percibe las obras maestras de sus grandes predecesores más como una fuente de la que se pueden extraer soluciones estéticas encontradas por los titanes del Renacimiento, y no como un punto de partida para sus propias búsquedas creativas. Lo plásticamente bello, el ideal no es para él el “grado más alto” de lo real, sino sólo una norma artística obligatoria: el arte se opone así a la realidad, en la que el maestro no encuentra un nuevo ideal fundamental. De ahí el convencionalismo y la abstracción de sus imágenes y soluciones pictóricas.
Al mismo tiempo, el arte de los hermanos Carracci y el academicismo boloñés resultaron sumamente aptos para ser puestos al servicio de la ideología oficial, no en vano su trabajo recibió rápidamente el reconocimiento en las más altas esferas (estatales y católicas); .
La obra más importante de Annibale Carracci en el campo de la pintura monumental es la pintura de la galería del Palazzo Farnese en Roma con frescos que cuentan la vida de los dioses, basados en escenas de las "Metamorfosis" del antiguo poeta romano Ovidio (1597-1604). , realizado junto a su hermano y asistentes).
La pintura consta de paneles individuales que gravitan hacia una gran composición central que representa "El triunfo de Baco y Ariadna", que introduce un elemento de dinámica en el conjunto pictórico. Las figuras masculinas desnudas colocadas entre estos paneles imitan la escultura, siendo al mismo tiempo los protagonistas de las pinturas. El resultado fue una obra impresionante a gran escala, de apariencia espectacular, pero sin ninguna idea significativa unida, sin la cual los conjuntos monumentales del Renacimiento eran impensables. En el futuro, estos principios encarnados por Carracci (el deseo de una composición dinámica, efectos ilusionistas y una decoración autosuficiente) serán característicos de toda la pintura monumental del siglo XVII.
Annibale Carracci quiere llenar los motivos tomados del arte del Renacimiento con un contenido vivo y moderno. Pide estudiar la naturaleza; en los primeros tiempos de su creatividad incluso recurre a la pintura de género. Pero, desde el punto de vista del maestro, la naturaleza misma es demasiado tosca e imperfecta, por lo que en el lienzo debería aparecer ya transformada, ennoblecida de acuerdo con las normas del arte clásico. Por lo tanto, motivos de vida específicos podrían existir en la composición sólo como un fragmento separado diseñado para animar la escena. Por ejemplo, en el cuadro "El comedor de frijoles" (década de 1580), se puede sentir la actitud irónica del artista hacia lo que está sucediendo: enfatiza el primitivismo espiritual del campesino que come frijoles con avidez; Las imágenes de figuras y objetos se simplifican deliberadamente. Otras pinturas de género del joven pintor tienen el mismo espíritu: “La carnicería”, “Autorretrato con mi padre”, “La caza” (todas de la década de 1580) - adj., fig. 1.
Muchas de las pinturas de Annibale Carracci tienen temas religiosos. Pero la fría perfección de las formas deja poco lugar para la manifestación de sentimientos en ellas. Sólo en casos excepcionales un artista crea obras de otro tipo. Esta es la “Lamentación de Cristo” (c. 1605). La Biblia cuenta cómo los santos adoradores de Cristo fueron a adorar a su tumba, pero la encontraron vacía. De un ángel sentado en el borde del sarcófago, se enteraron de su milagrosa resurrección y quedaron felices y conmocionados por este milagro. Pero las imágenes y emociones del texto antiguo no encuentran mucha respuesta en Carracci; sólo podía contrastar las ropas ligeras y fluidas del ángel con las figuras masivas y estáticas de las mujeres. El color de la imagen también es bastante común, pero al mismo tiempo se distingue por su fuerza e intensidad.
Un grupo especial lo forman sus obras sobre temas mitológicos, que reflejaban su pasión por los maestros de la escuela veneciana. En estas pinturas, que glorifican la alegría del amor, la belleza del cuerpo femenino desnudo, Annibale se revela como un maravilloso artista colorista, vivaz y poético.
Entre las mejores obras de Annibale Carracci se encuentran sus obras de paisajes. Carracci y sus alumnos crearon, basándose en las tradiciones del paisaje veneciano del siglo XVI, un tipo de paisaje llamado clásico o heroico. El artista también transformó la naturaleza en un espíritu artificialmente sublime, pero sin patetismo externo. Su trabajo marcó el comienzo de una de las direcciones más fructíferas en el desarrollo. pintura de paisaje de esta época (“Huida a Egipto”, ca. 1603), que luego encontró su continuación y desarrollo en las obras de maestros de generaciones posteriores, en particular Poussin.
Miguel Ángel Caravaggio (1573-1610). El pintor italiano más importante de este período fue Miguel Ángel Caravaggio, quien puede considerarse uno de los más grandes maestros del siglo XVII.
El nombre del artista proviene del nombre de la ciudad del norte de Italia en la que nació. Desde los once años ya trabajó como aprendiz de uno de los pintores milaneses, y en 1590 partió hacia Roma, que a finales del siglo XVII se había convertido en el centro artístico de toda Europa. Fue aquí donde Caravaggio logró su mayor éxito y fama.
A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, que percibían sólo un conjunto más o menos familiar de valores estéticos, Caravaggio logró abandonar las tradiciones del pasado y crear su propio estilo profundamente individual. Esto fue en parte el resultado de su reacción negativa a los sellos artísticos de la época.
Nunca pertenecí a cierto escuela de arte, ya en sus primeras obras contrastó la expresividad individual del modelo, simples motivos cotidianos con la idealización de imágenes y la interpretación alegórica de la trama característica del arte del manierismo y el academicismo (“El pequeño Baco enfermo”, “Joven con un Cesta de Frutas”, ambos - 1593).
Aunque a primera vista pueda parecer que se alejó de los cánones artísticos del Renacimiento, además los derrocó, en realidad el patetismo de su arte realista fue su continuación interna, que sentó las bases del realismo del siglo XVII. Esto se evidencia claramente en sus propias declaraciones. “Cada cuadro, sin importar lo que represente y sin importar quién fue pintado”, argumentó Caravaggio, “no sirve de nada si todas sus partes no están ejecutadas desde el natural; Nada podría preferirse a este mentor”. Esta declaración de Caravaggio, con su característica sencillez y categórica, encarna todo el programa de su arte.
El artista hizo una gran contribución al desarrollo del género cotidiano (“Rounders”, 1596; “Boy Bitten by a Lizard”, 1594). Los héroes de la mayoría de las obras de Caravaggio son gente del pueblo. Los encontró en la abigarrada multitud de la calle, en tabernas baratas y en ruidosas plazas de la ciudad, y los llevó a su estudio como modelos, prefiriendo precisamente este método de trabajo al estudio de estatuas antiguas, como lo demuestra el primer biógrafo del artista. D. Bellori. Sus personajes favoritos son soldados, jugadores de cartas, adivinos, músicos (“Adivino”, “Laudista” (ambos 1596); “Músicos”, 1593) - adj., fig. 2. Son ellos quienes “habitan” las pinturas de género de Caravaggio, en las que afirma no sólo el derecho a existir, sino también el significado artístico de un motivo cotidiano privado. Si en sus primeras obras la pintura de Caravaggio, a pesar de su plasticidad y persuasión sustantiva, todavía era algo tosca, luego se deshace de este defecto. Las obras de madurez del artista son lienzos monumentales con un poder dramático excepcional (“La vocación del apóstol Mateo” y “El martirio del apóstol Mateo” (ambos de 1599-1600); “Entierro”, “Muerte de María” (ambos ca. 1605 -1606 )). Estas obras, aunque cercanas en estilo a las anteriores escenas de genero, pero ya lleno de un drama interno especial.
El estilo pictórico de Caravaggio durante este período se basó en poderosos contrastes de luces y sombras, simplicidad expresiva de gestos, escultura enérgica de volúmenes, riqueza de color, técnicas que crean tensión emocional y enfatizan la aguda afectación de los sentimientos. Generalmente el artista representa varias figuras tomadas de cerca, cercano al espectador y escrito con toda plasticidad, materialidad y autenticidad visible. El medio ambiente, los interiores cotidianos y la naturaleza muerta comienzan a jugar un papel importante en sus obras. Así, por ejemplo, en el cuadro "La vocación de Mateo", el maestro muestra el surgimiento de lo sublime y espiritual en el mundo de la vida cotidiana "baja".
La trama de la obra se basa en la historia del Evangelio sobre cómo Cristo llamó al publicano Mateo, despreciado por todos, para que se convirtiera en su discípulo y seguidor. Los personajes están representados sentados a una mesa en una habitación incómoda y vacía, y los personajes se presentan en tamaño natural, vestidos con trajes modernos. La entrada inesperada de Cristo y el apóstol Pedro en la sala provoca una variedad de reacciones entre los allí reunidos, desde el asombro hasta la cautela. El chorro de luz que entra desde arriba en el cuarto oscuro organiza rítmicamente lo que está sucediendo, resaltando y conectando sus elementos principales (el rostro de Mateo, la mano y el perfil de Cristo). Arrebatando figuras de la oscuridad y empujando bruscamente luz brillante y sombras profundas, el pintor da una sensación de tensión interior y excitación dramática. La escena está dominada por el elemento de los sentimientos, pasiones humanas. Para crear una atmósfera emocional, Caravaggio utiliza con maestría colores intensos. Desafortunadamente, muchos de sus contemporáneos, partidarios del "gran arte", no comprendieron el duro realismo de Caravaggio. Después de todo, incluso cuando creaba obras sobre temas mitológicos y religiosos (la más famosa de ellas es "El descanso en la huida a Egipto", 1597), invariablemente se mantuvo fiel a los principios realistas de su pintura cotidiana, por lo que incluso las obras bíblicas más tradicionales Los sujetos recibieron de él una interpretación psicológica íntima completamente diferente a la tradicional. Y la apelación a la naturaleza, que hizo objeto directo de la representación de sus obras, y la veracidad de su interpretación provocaron muchos ataques contra el artista por parte del clero y los funcionarios.
Sin embargo, entre los artistas del siglo XVII quizás no hubo uno solo de importancia que no hubiera experimentado, de una forma u otra, la poderosa influencia del arte de Caravaggio. Es cierto que la mayoría de los seguidores del maestro, llamados caravaggistas, copiaron diligentemente sólo sus técnicas externas y, sobre todo, sus famosos contrastes de claroscuro, intensidad y materialidad de la pintura.
Peter Paul Rubens, Diego Velázquez, Jusepe de Ribera, Rembrandt van Rijn, Georges de La Tour y muchos otros pasaron por la etapa de fascinación por el caravaggismo. artistas famosos. Es imposible imaginar el desarrollo posterior del realismo en el siglo XVII sin la revolución que hizo Miguel Ángel Caravaggio en la pintura europea.
Alejandro Magnasco (1667-1749). Su obra está asociada al movimiento romántico del arte italiano del siglo XVII.
El futuro artista nació en Génova. Estudió primero con su padre y luego, después de su muerte, en Milán con uno de los maestros locales, quien le enseñó las técnicas de la pintura veneciana y le enseñó el arte del retrato. Posteriormente, Magnasco trabajó durante muchos años en Milán, Génova, Florencia, y sólo en sus últimos años, en 1735, finalmente regresó a su ciudad natal.
Este artista talentoso pero extremadamente controvertido estaba dotado de una personalidad extremadamente brillante. La obra de Magnasco desafía cualquier clasificación: a veces profundamente religiosa, a veces blasfema; en sus obras se muestra como un decorador corriente o como un pintor de alma trémula. Su arte está imbuido de una elevada emotividad, al borde del misticismo y la exaltación.
Personaje primeros trabajos Las obras del artista, realizadas durante su estancia en Milán, determinaron las tradiciones de la escuela de pintura genovesa, que gravitaba hacia lo pastoral. Pero ya sus obras, como varias "Bacanal", "El descanso de los bandidos" (todas de la década de 1710), que representan figuras humanas inquietas con el telón de fondo de majestuosas ruinas antiguas, tienen una carga emocional completamente diferente a las serenas pastorales de sus predecesores. Están realizados en colores oscuros, con trazos entrecortados y dinámicos, que indican la percepción del mundo en un aspecto dramático (agregar, Fig. 3).
La atención del artista se dirige a todo lo inusual: escenas de los tribunales de la Inquisición, torturas que pudo observar en Milán bajo el dominio español ("Cámara de Torturas"), un sermón en una sinagoga ("Sinagoga", finales de los años 1710-1720), nómadas. vida gitana (“Comida gitana”), etc.
Los temas favoritos de Magnasco son varios episodios de la vida monástica (“El funeral de un monje”, “Comida de las monjas”, ambos de la década de 1720), celdas de ermitaños y alquimistas, ruinas de edificios y paisajes nocturnos con figuras de gitanos, mendigos y músicos errantes. , etc. Bastante reales los personajes de sus obras - bandidos, pescadores, ermitaños, gitanos, comediantes, soldados, lavanderas (Paisaje con lavanderas, década de 1720) - actúan en un ambiente fantástico. Están representados con el telón de fondo de ruinas lúgubres, un mar embravecido, un bosque salvaje y gargantas escarpadas. Magnasco pinta sus figuras exageradamente alargadas, como retorciéndose y en constante y continuo movimiento; sus siluetas alargadas y curvas se subordinan al ritmo nervioso de la pincelada. Las pinturas están impregnadas de un sentimiento trágico de insignificancia humana frente a las fuerzas ciegas de la naturaleza y la dureza de la realidad social.
La misma dinámica inquietante distingue sus bocetos de paisajes, con su subjetividad y emocionalidad enfatizadas, empujando la transferencia a un segundo plano. pinturas reales naturaleza (“Paisaje marino”, década de 1730; “Paisaje de montaña”, década de 1720). En algunas de las obras posteriores del maestro se nota la influencia de los paisajes del italiano Salvatore Rosa y los grabados del artista manierista francés Jacques Callot. Esta faceta difícil de distinguir de la realidad y el extraño mundo creado por la imaginación del artista, que sintió agudamente todos los acontecimientos trágicos y alegres de la realidad que sucedía a su alrededor, siempre estará presente en sus obras, dándoles el carácter. ya sea de una parábola o de una escena cotidiana.
El expresivo estilo pictórico de Magnasco anticipó en cierto modo las búsquedas creativas de los artistas del siglo XVIII. Pinta con trazos fluidos y rápidos, utilizando inquietos claroscuros, dando lugar a inquietos efectos de iluminación, lo que confiere a sus cuadros un deliberado carácter esbozado y, en ocasiones, incluso decorativo. Al mismo tiempo, la coloración de sus obras carece de colorido multicolor; por lo general, el maestro se limita a una paleta sombría de color marrón grisáceo o verdoso, aunque a su manera es bastante refinada y refinada. Reconocido en vida y olvidado por sus descendientes, este artista único no recuperó popularidad hasta principios del siglo XX, cuando fue considerado un precursor del impresionismo e incluso del expresionismo.
José María Crespi (1665-1747), natural de Bolonia, comenzó su carrera pictórica copiando diligentemente pinturas y frescos de maestros famosos, incluidos sus compatriotas los hermanos Carracci. Posteriormente viajó por el norte de Italia, conociendo la obra de los maestros del Alto Renacimiento, principalmente venecianos (Tiziano y Veronés).
A principios del siglo XVIII. Crespi ya es bastante famoso, en particular, por sus imágenes de altar. Pero la obra principal del primer período de su obra es la pintura monumental de las pantallas de las lámparas del Palazzo Count Pepoli (1691-1692) en Bolonia, cuyos personajes mitológicos (dioses, héroes, ninfas) en su interpretación parecen extremadamente terrenales y animados. y convincente, en contraste con las tradicionales imágenes abstractas del Barroco.
Crespi trabajó en varios géneros. Pintó sobre temas mitológicos, religiosos y cotidianos, creó retratos y naturalezas muertas, y aportó una visión nueva y sincera del mundo contemporáneo a cada uno de estos géneros tradicionales. El compromiso del artista con la naturaleza, visualización precisa la realidad circundante entró en una contradicción irreconciliable con las decrépitas tradiciones del academicismo boloñés, que en ese momento se había convertido en un obstáculo para el desarrollo del arte. Por ello, una lucha constante contra las convenciones de la pintura académica por el triunfo del arte realista recorre como un hilo rojo toda su obra.
A principios del siglo XVIII. Crespi pasa de escenas mitológicas a representar escenas de la vida campesina, tratándolas primero con un espíritu pastoralista y luego dándoles el carácter cada vez más convincente de la pintura cotidiana. Uno de los primeros maestros del siglo XVIII, comenzó a representar la vida de la gente común: lavanderas, lavaplatos, cocineros, así como episodios de la vida campesina.
El deseo de dar mayor autenticidad a sus pinturas lo obliga a recurrir a la técnica de la luz "funeral" de Caravaggio: una iluminación nítida de parte del espacio oscuro del interior, gracias a la cual las figuras adquieren claridad plástica. La sencillez y sinceridad de la narración se complementa con la inclusión de elementos folclóricos en la representación interior, siempre pintados por Crespi con gran habilidad artística (“Escena en el sótano”; “Familia campesina”).
El mayor logro de la pintura cotidiana de esa época fueron sus lienzos “Feria en Poggio a Caiano” (c. 1708) y “Feria” (c. 1709), que representan escenas folclóricas abarrotadas.
Mostraron el interés del artista por los gráficos de Jacques Callot, así como su estrecho conocimiento de las obras de los maestros holandeses de la pintura de género del siglo XVII. Pero las imágenes de campesinos de Crespi carecen de la ironía de Callot, y no es tan hábil para caracterizar el entorno como lo eran los pintores de género holandeses. Las figuras y objetos en primer plano están dibujados con más detalle que los demás, lo que recuerda el estilo de Magnasco. Sin embargo, las obras del pintor genovés, ejecutadas con bravura, siempre contienen un elemento de fantasía. Crespi se esforzó en dar un relato detallado y certero de la colorida y alegre escena. Distribuyendo claramente luces y sombras, dota a sus figuras de una especificidad vital, superando gradualmente las tradiciones del género pastoral.
La obra más significativa del maestro maduro fue una serie de siete pinturas "Siete Sacramentos" (década de 1710), el mayor logro de la pintura barroca de principios del siglo XVIII (agregado, Fig. 4). Se trata de obras completamente nuevas en espíritu, que marcaron un alejamiento de la interpretación abstracta tradicional de las escenas religiosas.
Todas las pinturas (“Confesión”, “Bautismo”, “Matrimonio”, “Comunión”, “Sacerdocio”, “Confirmación”, “Unción”) están pintadas en la cálida tonalidad marrón rojiza de Rembrandt. El uso de una iluminación intensa añade una cierta nota emocional a la narrativa de los sacramentos. La paleta de colores del artista es bastante monocromática, pero al mismo tiempo sorprendentemente rica en varios tonos y matices de colores, unidos por un claroscuro suave, a veces como si brillara desde dentro. Esto le da a todos los episodios representados un toque de misteriosa intimidad de lo que está sucediendo y al mismo tiempo enfatiza el plan de Crespi, quien se esfuerza por contar las etapas más significativas de la existencia de cada persona de esa época, que se presentan en forma de escenas. de la realidad, adquiriendo el carácter de una especie de parábola. Además, esta historia se distingue no por la didáctica característica del barroco, sino por la edificación secular.
Casi todo lo que escribió el maestro después de esto presenta una imagen del desvanecimiento gradual de su talento. Utiliza cada vez más en sus pinturas clichés familiares, esquemas compositivos y poses académicas, que antes evitaba. No es sorprendente que poco después de su muerte la obra de Crespi fuera rápidamente olvidada.
Como maestro brillante y original, no fue descubierto hasta el siglo XX. Pero en su calidad, profundidad y riqueza emocional, la pintura de Crespi, que completa el arte del siglo XVII, en sus mejores manifestaciones es superada, quizás, solo por Caravaggio, con cuya obra el arte italiano de esta época comenzó de manera tan brillante e innovadora.
Este texto es un fragmento introductorio. Del libro Broken Life, o el cuerno mágico de Oberon. autor Kataev Valentin PetrovichPintando Mamá me compró algo así como un álbum que se desdoblaba como una armónica, en zigzags; En sus páginas de cartón muy grueso estaban impresas con pintura muchas imágenes de diversos artículos del hogar esparcidos al azar: una lámpara, un paraguas, un maletín,
Del libro Tamerlán por Roux Jean-PaulPintura Del hecho de la creación de la Academia del Libro en Herat por Shahrukh y su hijo, el filántropo Bai Shungkur (m. 1434), queda claro que a principios del siglo XV, un libro escrito con elegante letra caligráfica, bellamente encuadernado e ilustrado con miniaturas, se utilizó
Del libro Cuadernos Kolyma. autor Shalamov VarlamPintar retrato es una disputa del ego, una disputa, no una queja, sino un diálogo. La batalla de dos verdades diferentes, la batalla de pinceles y líneas. Una corriente donde las rimas son colores, donde cada Malyavin es Chopin, donde la pasión, sin miedo a la publicidad, destruyó el cautiverio de alguien. En comparación con cualquier paisaje, donde la confesión está en
Del libro Reflexiones sobre la escritura. mi vida y mi era por Henry Miller Del libro Mi vida y mi época. por Henry MillerPintura Es importante dominar los conceptos básicos de la habilidad y, en la vejez, ganar coraje y pintar lo que dibujan los niños, sin estar cargados de conocimientos. Mi descripción del proceso de pintura es que estás buscando algo. Creo que cualquier trabajo creativo es algo así. en la musica
Del libro de Renoir. por Bonafou PascalCapítulo Siete Los remeros de Chatou, la pintura de Italia Sus amigos trataron a Renoir, que expuso en el Salón, con condescendencia, sin considerarlo un “traidor”. El caso es que Cezanne y Sisley también fueron “renegados”, ya que decidieron no participar en la cuarta exposición de “artistas independientes”
Del libro matisse por Raymond EscolierJUICIO Y PINTURA Nada, al parecer, impidió a Henri Matisse, que recibió una educación clásica, realizar los planes de su padre, y su padre quería que se convirtiera en abogado. Habiendo aprobado fácilmente el examen en París en octubre de 1887, que le permitió dedicarse a
Del libro Churchill sin mentiras. ¿Por qué lo odian? por Bailey BorisChurchill y la pintura En 1969, Clementine le dijo a Martin Gilbert, autor de la biografía más fundamental de Churchill en ocho volúmenes (los dos primeros volúmenes fueron escritos por Randolph, el hijo de Churchill): “El fracaso en los Dardanelos persiguió a Winston toda su vida. después de salir
Del libro Grandes hombres del siglo XX. autor Vulf Vitaly YakovlevichCuadro
Del libro Hojas de diario. Volumen 2 autor Roerich Nikolai KonstantinovichPintura En primer lugar, me atraían las pinturas. Todo empezó con el petróleo. Los primeros cuadros estaban pintados con mucha densidad. Nadie pensó que se podía cortar perfectamente con un cuchillo afilado y obtener una superficie de esmalte densa. Por eso “The Elders Converge” salió tan áspero e incluso nítido. alguien en
Del libro de Rachmaninov autor Fedyakin Serguéi Románovich5. Pintura y música “La isla de los muertos” es una de las obras más oscuras de Rachmaninov. Y el más perfecto. Comenzará a escribirlo en 1908. Terminaría a principios de 1909. Érase una vez, en el lento movimiento de un cuarteto inacabado, anticipó la posibilidad de tal música. Largo,
Del libro de Jun. Soledad del sol autor Sávitskaya SvetlanaPintura y gráfica Para aprender a dibujar, primero debes aprender a ver. Cualquiera puede dibujar; tanto una cámara como teléfono móvil, pero, como se cree en la pintura, el “rostro del artista” es difícil de conseguir.
Juna dejó su huella en la pintura. Sus pinturas Del libro Historia arte XVII sigloautor Khammatova V.V. PINTURA DE ESPAÑA Arte de España, como todos cultura española
en general, se distinguió por una originalidad significativa, que consiste en que el Renacimiento en este país, apenas habiendo alcanzado la etapa de alta prosperidad, entró inmediatamente en un período de decadencia y crisis, que fueronDel libro del autor
en general, se distinguió por una originalidad significativa, que consiste en que el Renacimiento en este país, apenas habiendo alcanzado la etapa de alta prosperidad, entró inmediatamente en un período de decadencia y crisis, que fueronPINTURA DE FLANDES El arte flamenco, en cierto sentido, puede considerarse un fenómeno único. Nunca antes en la historia un país tan pequeño en superficie, que además se encontraba en una posición tan dependiente, había creado por sí solo un país tan original y significativo.
en general, se distinguió por una originalidad significativa, que consiste en que el Renacimiento en este país, apenas habiendo alcanzado la etapa de alta prosperidad, entró inmediatamente en un período de decadencia y crisis, que fueronPINTURA DE LOS PAÍSES BAJOS La revolución holandesa convirtió a Holanda, en palabras de K. Marx, “en un país capitalista ejemplar del siglo XVII”. Conquista de la independencia nacional, destrucción de los restos feudales, rápido desarrollo de las fuerzas productivas y el comercio.
PINTURA DE FRANCIA Francia ocupó un lugar especial entre los principales países europeos en el campo de la creatividad artística en el siglo XVII. En la división del trabajo entre las escuelas nacionales de pintura europea en la resolución de problemas de género, temáticos, espirituales y formales, la participación de Francia
Resumen sobre la historia del arte.
Arte italiano del siglo XVII.
Terminado:
estudiante por correspondencia
33 grupos de la Facultad de Bellas Artes y Ciencias
Minakova Evgenia Yurievna.
Comprobado:
Moscú 2009
- Italia en el siglo XVII.
- Arquitectura. Estilo barroco en la arquitectura.
- Arquitectura. Barroco temprano.
- Arquitectura. Barroco alto o maduro.
- Arquitectura. Arquitectura barroca en las afueras de Roma.
- Bellas Artes. Características generales.
- Bellas Artes. Barroco temprano.
- Bellas Artes. Flujo realista.
- Bellas Artes. La segunda generación de artistas de la escuela boloñesa.
- Bellas artes. Barroco alto o maduro.
- Bellas artes. Barroco tardío.
Ya desde mediados del siglo XVI, el desarrollo histórico de Italia se caracterizó por el avance y la victoria de la reacción feudal-católica. Italia, económicamente débil y fragmentada en estados independientes separados, no puede resistir el ataque de países más poderosos: Francia y España. La larga lucha de estos estados por el dominio en Italia terminó con la victoria de España, asegurada por el tratado de paz de Cateau Cambresi (1559). A partir de ese momento, el destino de Italia estuvo estrechamente relacionado con el de España. Con la excepción de Venecia, Génova, Piamonte y los Estados Pontificios, Italia fue efectivamente una provincia española durante casi dos siglos. España involucró a Italia en guerras devastadoras, que a menudo tuvieron lugar en el territorio de los estados italianos, y contribuyeron a la difusión y fortalecimiento de la reacción feudal en Italia, tanto en la economía como en la vida cultural.
La posición dominante en la vida pública de Italia la ocupaban la aristocracia y el más alto clero católico. En las condiciones de profunda decadencia económica del país, sólo los grandes señores feudales seculares y eclesiásticos todavía tenían una riqueza material significativa. El pueblo italiano, campesinos y habitantes, se encontraba en una situación extremadamente difícil, condenado a la pobreza e incluso a la extinción. La protesta contra la opresión feudal y extranjera se expresa en numerosos levantamientos populares que estallaron a lo largo del siglo XVII y que en ocasiones adquirieron una escala formidable, como el levantamiento de Masaniello en Nápoles.
El carácter general de la cultura y el arte de Italia en el siglo XVII estuvo determinado por todas las características de su desarrollo histórico. Es en Italia donde se origina y recibe. mayor desarrollo Arte barroco. Sin embargo, siendo dominante en el arte italiano del siglo XVII, esta dirección no fue la única. Además y paralelamente, se están desarrollando movimientos realistas, asociados a la ideología de los estratos democráticos de la sociedad italiana y que están recibiendo un desarrollo significativo en muchos centros artísticos de Italia.
La arquitectura monumental de la Italia del siglo XVII satisfizo casi exclusivamente las necesidades de la Iglesia católica y de la más alta aristocracia secular. Durante este período se construyeron principalmente iglesias, palacios y villas.
La difícil situación económica de Italia no permitió construir estructuras muy grandes. Al mismo tiempo, la iglesia y la más alta aristocracia necesitaban fortalecer su prestigio e influencia. De ahí el deseo de soluciones arquitectónicas inusuales, extravagantes, ceremoniales y nítidas, el deseo de una mayor decoración y sonoridad de las formas.
La construcción de edificios impresionantes, aunque no tan grandes, contribuyó a la creación de la ilusión del bienestar social y político del estado.
El barroco alcanza su mayor tensión y expresión en los lugares de culto y en las iglesias; sus formas arquitectónicas correspondían perfectamente a los principios religiosos y al lado ritual del catolicismo militante. Con la construcción de numerosas iglesias, la Iglesia católica buscó fortalecer y fortalecer su prestigio e influencia en el país.
El estilo barroco, desarrollado en la arquitectura de esta época, se caracteriza, por un lado, por el deseo de monumentalidad, por otro, por el predominio de los principios decorativos y pintorescos sobre los tectónicos.
Al igual que las obras de arte, los monumentos de la arquitectura barroca (especialmente las iglesias) fueron diseñados para mejorar el impacto emocional en el espectador. El principio racional que subyacía en el arte y la arquitectura del Renacimiento dio paso al principio irracional, la estática, la calma, la dinámica, la tensión.
El barroco es un estilo de contrastes y distribución desigual de elementos compositivos. Importancia especial Produce formas arqueadas, curvilíneas, grandes y jugosas. Los edificios barrocos se caracterizan por la frontalidad y la construcción de fachadas. Los edificios se perciben en muchos casos desde un lado: desde la fachada principal, que a menudo oscurece el volumen de la estructura.
El barroco presta gran atención a los conjuntos arquitectónicos: la ciudad y el parque, pero los conjuntos de esta época se basan en principios diferentes a los conjuntos del Renacimiento. Los conjuntos barrocos en Italia se basan en principios decorativos. Se caracterizan por el aislamiento y la relativa independencia del sistema de planificación general del área urbana. Un ejemplo es el conjunto más grande de Roma: la plaza frente a la Catedral de San Petersburgo. Petra.
Columnatas y muros decorativos que cerraban el espacio frente a la entrada de la catedral cubrían los desordenados y aleatorios edificios ubicados detrás de ellos. No existe conexión entre la plaza y la compleja red adyacente de callejones y casas aleatorias. Los edificios individuales que forman parte de conjuntos barrocos parecen perder su independencia, subordinados por completo al plan compositivo general.
El barroco planteó de una manera nueva el problema de la síntesis de las artes. La escultura y la pintura, que juegan un papel muy importante en los edificios de esta época, entrelazadas entre sí y a menudo oscureciendo o deformando ilusoriamente las formas arquitectónicas, contribuyen a la creación de esa impresión de riqueza, esplendor y esplendor que invariablemente producen los monumentos barrocos.
La obra de Miguel Ángel fue de gran importancia para la formación de un nuevo estilo. En sus obras desarrolló una serie de formas y técnicas que luego se utilizaron en la arquitectura barroca. El arquitecto Vignola también puede considerarse uno de los predecesores inmediatos del barroco; en sus obras se pueden observar una serie de signos tempranos de este estilo.
Un nuevo estilo, el barroco en la arquitectura italiana, reemplazó al Renacimiento en los años 80 del siglo XVI y se desarrolló a lo largo del siglo XVII y la primera mitad del XVIII.
Convencionalmente, dentro de la arquitectura de esta época se pueden distinguir tres etapas: el Barroco temprano, desde la década de 1580 hasta finales de la de 1620, el Barroco alto o maduro, hasta finales del siglo XVII y posteriormente, la primera mitad del siglo XVII. Siglo XVIII.
Se considera que los primeros maestros del barroco fueron los arquitectos Giacomo della Porta y Domenico Fontana. Pertenecían a la siguiente generación en relación con Vignola, Alessi, Ammanati, Vasari y terminaron su actividad a principios del siglo XVII. Al mismo tiempo, como se señaló anteriormente, las tradiciones del último Renacimiento continuaron vivas en las obras de estos maestros.
Giacomo della Porta. Giacomo della Porta (1541-1608) fue alumno de Vignola. Su primera construcción, la Iglesia de la Vista Catarina en Funari (1564), pertenece al estilo renacentista. Sin embargo, la fachada de la Iglesia del Gesù, que este arquitecto completó después de la muerte de Vignola (a partir de 1573), es mucho más barroca que el proyecto original de su maestro. La fachada de esta iglesia, con su característica división en dos niveles y volutas laterales, y el plano de construcción sirvieron de modelo para numerosas iglesias católicas en Italia y otros países. Tras la muerte de Miguel Ángel, Giacomo della Porta completó la construcción de la gran cúpula de la Catedral de San Pedro. Petra. Este maestro fue también el autor de la famosa Villa Aldobrandini en Frascati, cerca de Roma (1598-1603). Como es habitual, el edificio principal de la villa se encuentra en la ladera de la montaña; Una rampa redondeada de doble sentido conduce a la entrada principal. En el lado opuesto del edificio hay un jardín. Al pie de la montaña hay una gruta semicircular con arcos; encima de ella hay una cascada de agua enmarcada por escaleras. El edificio en sí tiene una forma prismática muy sencilla y se completa con un enorme frontón roto.
En la composición de la villa, en las estructuras del parque que la componen y en la naturaleza de los detalles plásticos, se manifiesta claramente el deseo de belleza deliberada y refinamiento de la arquitectura, tan característico del barroco en Italia.
En el momento que nos ocupa, el sistema de parques italiano finalmente estaba tomando forma. Se caracteriza por la presencia de un único eje del parque, situado en la ladera de la montaña con numerosos taludes y terrazas. El edificio principal se ubica en el mismo eje. Un ejemplo típico de un complejo de este tipo es Villa Aldobrandini.
Doménico Fontana. Otro importante arquitecto del barroco temprano fue Domenico Fontana (1543-1607), uno de los sucesores romanos de Miguel Ángel y Vignola. Su obra más importante es el Palacio de Letrán en Roma. El palacio, tal como le dio Fontana, es una plaza casi regular con un patio cuadrado cerrado en su interior. El diseño de la fachada del palacio se basa íntegramente en la arquitectura del Palacio Farnese de Antonio Sangallo el Joven. En general, la construcción de palacios en la Italia del siglo XVII se basa en mayor desarrollo ese tipo compositivo de palacio-palacio, que fue desarrollado por la arquitectura del Renacimiento.
Junto con su hermano Giovanni Fontana, Domenico construyó en Roma la fuente Acqua Paolo en 1585-1590 (sin el ático, que luego fue realizado por Carlo Maderna). Su arquitectura se basa en la reelaboración de las formas de los antiguos arcos triunfales.
Carlos Maderna. El alumno y sobrino de Domenico Fontana, Carlo Maderna (1556-1629), finalmente fortaleció el nuevo estilo. Su obra es de transición al período del Barroco desarrollado.
La primera obra de Maderna es la fachada de la basílica paleocristiana de Susana en Roma (c. 1601). Inspirándose en el diseño de la fachada de la Iglesia del Gesù, la fachada de la Iglesia de Susanna está claramente dividida por órdenes, decorada con estatuas en nichos y numerosas decoraciones ornamentales.
En 1604 Maderna fue nombrado arquitecto jefe de la Catedral de San Petersburgo. Petra. Por orden del Papa Pablo V, Maderna elaboró un proyecto para ampliar la catedral añadiendo la parte de entrada principal. El clero insistió en alargar la cruz griega a la forma latina, lo que estaba de acuerdo con la tradición de la arquitectura de la iglesia. Además, las dimensiones de la catedral de Miguel Ángel no cubrían completamente el área donde se encontraba la antigua basílica, lo que era inaceptable desde el punto de vista de los ministros de la iglesia.
Como resultado, al construir la nueva fachada frontal de la catedral, Maderna cambió por completo el plan original de Miguel Ángel. Este último concibió la catedral para que estuviera en el centro de una gran plaza, lo que permitiría caminar alrededor del edificio y verlo desde todos los lados. Maderna, con su ampliación, cerró los lados de la catedral al espectador: el ancho de la fachada excede el ancho de la parte longitudinal del templo. La ampliación del edificio llevó a que la cúpula de St. Petra se percibe plenamente sólo a una gran distancia; a medida que nos acercamos al edificio, desaparece gradualmente detrás del muro de la fachada.
El segundo período de la arquitectura barroca, el período de madurez y florecimiento del estilo, está asociado con la obra de los más grandes maestros: L. Bernini, F. Borromini, C. Rainaldi - en Roma, B. Longhena - en Venecia, F. . Ricchini - en Milán, Guarino Guarini - en Turín.
Lorenzo Bernini. La figura central del Barroco maduro es Lorenzo Bernini (1598-1680). No sólo fue arquitecto, sino también el escultor más grande del siglo XVII en Italia.
Desde 1629, Bernini, tras la muerte de Maderna, continuó la construcción de la Catedral de San Pedro. Petra. En 1633, construyó un gran dosel de bronce en la catedral sobre la cúpula principal, sostenido por cuatro columnas retorcidas y deconstructivas en su base. Según la tradición, este palio está considerado como la primera obra del barroco maduro. La decoración interior de la catedral de Bernini se inspiró en el diseño de Miguel Ángel. Esta decoración es un maravilloso ejemplo del interior de una iglesia barroca.
el mas grande obra arquitectónica Bernini diseñó la plaza frente a St. Pedro (1655-1667). El arquitecto creó dos cuadrados: uno grande elíptico, enmarcado por columnas, y un cuadrado trapezoidal inmediatamente adyacente, limitado en el lado opuesto por la fachada principal de la catedral. Dentro de la plaza ovalada se instalaron un obelisco y dos fuentes ubicadas simétricamente.
Bernini continuó y desarrolló el plan de Maderna: las columnatas no permiten acercarse a la catedral desde los lados. Sólo la fachada principal permanece accesible al espectador.
La majestuosa arquitectura de la Piazza Bernini sirvió de digno telón de fondo para la ceremonia del congreso de la nobleza para el solemne servicio celebrado en la catedral. En los siglos XVII y XVIII, este congreso fue un espectáculo magnífico y solemne. Plaza de la Catedral de St. Petra es el conjunto barroco italiano más grande.
En el Vaticano, Bernini creó la Escalera Real ceremonial - "Scala Regia" ("Roca del Sitio"), en la que utilizó la técnica de mejorar artificialmente la reducción de la perspectiva. Debido al estrechamiento gradual de la marcha y la reducción de las columnas, se crea la impresión de una mayor profundidad de la habitación y un aumento en el tamaño de la propia escalera.
Entre las obras más características de Bernini se encuentra la pequeña iglesia de San Andrea in Quirinale (1678), cuya fachada principal parece un portal con pilastras y frontón triangular. Este portal está, por así decirlo, unido mecánicamente al volumen principal del edificio, que tiene planta ovalada.
La principal obra de Bernini en el campo de la arquitectura civil es el Palacio Odescalchi de Roma (1665), diseñado según el diseño renacentista habitual. El centro compositivo del edificio es, como es habitual, el patio, delimitado por arcadas en la planta baja. La distribución de las ventanas en las fachadas y su decoración decorativa también recuerdan a un palacio del siglo XVI. Sólo la parte central de la fachada principal se ha desarrollado de una manera nueva: los dos pisos superiores están cubiertos por un gran orden en forma de pilastras corintias, el primer piso en relación con este orden desempeña el papel de un pedestal. Una rotura similar del muro de la fachada se generalizaría más tarde en la arquitectura clasicista.
Bernini también continuó la construcción del Palacio Barberini, iniciada por Maderna. El edificio no tiene patio cerrado, como es habitual en los palacios italianos. El edificio principal está delimitado a ambos lados por alas que sobresalen hacia adelante. La parte central de la fachada principal se percibe como un aplique aplicado, con fines decorativos, a la superficie del muro. El risalit central tiene ventanas arqueadas muy amplias y altas, con medias columnas colocadas en los espacios entre ellas; En la planta baja hay una logia profunda. Todo esto distingue claramente la parte central de la fachada de las partes laterales más masivas, diseñadas según las tradiciones de la arquitectura del siglo XVI. Una técnica similar también estuvo muy extendida en la arquitectura barroca italiana.
Es interesante la escalera ovalada del Palacio Barberini con tramos de caracol sostenidos por columnas toscanas dobles.
Francesca Borromsh. No menos importante para el barroco italiano es la obra de Francesco Borromini (1599-1667), colaborador de Bernini y más tarde su rival y enemigo. Las obras de Borromini se distinguen por su particular esplendor y sus formas "dinámicas". Borromini llevó el estilo barroco a su máxima intensidad.
La principal obra de Borromini en el campo de la arquitectura de templos es la Iglesia de San Carlo "en las cuatro fuentes" (1638-1667). Su fachada se percibe como una composición arquitectónica independiente del edificio. Se le dan formas curvas y onduladas. Dentro de esta fachada se puede ver todo el arsenal de formas barrocas: cornisas arqueadas rotas, cartelas ovaladas y otros detalles decorativos. La iglesia en sí tiene una forma compleja, que recuerda a dos campanas colocadas juntas con sus bases. El techo es una cúpula ovalada. Como en muchos otros edificios de esta época, la composición de la iglesia se basa en el contraste de volúmenes arquitectónicos externos e internos, en la sorpresa del efecto que se produce al ingresar al edificio.
Una de las obras más significativas del arquitecto es la iglesia románica de San Ivo, incluida en el edificio de la Sapienza (universidad, 1642-1660). Cabe señalar los complejos contornos del plano de la iglesia y la completa discrepancia entre las capas exterior e interior de la cúpula. Desde el exterior da la impresión de un tambor alto y una cúpula plana que lo cubre. Al entrar, estará convencido de que las partes traseras de la cubierta del domo están ubicadas directamente en la base del tambor.
Borromini diseñó la Villa Falconieri en Frascati. Además, reconstruyó el Palacio Spada y trabajó antes que Bernini en el Palacio Barberini (ver arriba).
Carlos Rainaldi. Carlo Rainaldi (1611-1691) es uno de los principales constructores del apogeo del barroco. Las obras más importantes de Rainaldi son las iglesias de San Agnese y Sita Maria en Campitelli.
La Iglesia de San Inés (iniciada en 1651) está situada en el eje de la Piazza Navona, que conserva las formas del antiguo Circo de Domiciano que anteriormente se encontraba aquí. La plaza está decorada con fuentes barrocas de Bernini, típicas de esta época. La iglesia es de planta céntrica y está rematada con una gran cúpula; su fachada arqueada y cóncava está delimitada a ambos lados por campanarios. A diferencia de la mayoría de las iglesias romanas de esta época, la cúpula no queda oculta por el plano de la fachada, sino que actúa como el principal centro compositivo de toda la zona.
La Iglesia de Sita María en Campitelli fue construida más tarde, en 1665-1675. Su fachada de dos niveles, diseñada según el sistema de la Iglesia del Gesù, y su diseño interior son un ejemplo típico de la arquitectura barroca madura.
Rainaldi también fue propietario de la fachada trasera de la iglesia románica de Santa Maria Maggiore (1673).
En el siglo XVII, la arquitectura romana se enriqueció con varias villas nuevas ubicadas en las cercanías de la ciudad. Además de la Villa Doria Pamphilj, construida por los arquitectos Algardi y Grimaldi (c. 1620), se crearon, entre otras, Villa Mandragone y Villa Torlonia, ambas ubicadas en Frascati, así como la Villa d'Este en Tívoli. Tienen hermosos estanques, hileras de cipreses, arbustos de hoja perenne, terrazas decoradas de diversas formas con balaustradas, grutas y numerosas esculturas. La sofisticación y el esplendor de la decoración decorativa se combinaban a menudo con elementos de la naturaleza salvaje introducidos en el paisaje creado artificialmente.
El barroco fuera de Roma produjo varios arquitectos importantes. Bartolomeo Bianco trabajó en Génova en el siglo XVII. Su obra principal es el edificio de la Universidad de Génova (de 1623) con un maravilloso patio delimitado por arcadas de dos pisos y hermosas escaleras adyacentes. Debido al hecho de que Génova está situada en la ladera de una montaña, como un anfiteatro que desciende al mar, y los edificios individuales están construidos en parcelas con una gran pendiente, en estos últimos predomina la ubicación de edificios y patios en diferentes niveles. En el edificio de la Universidad, el vestíbulo frontal, el patio central y, finalmente, las escaleras ubicadas detrás de la arcada calada de dos niveles que conduce al jardín se disponen en un eje compositivo horizontal en orden ascendente.
En Venecia trabajó el arquitecto Baltassare Longhena (1598-1682). Su obra principal es la de mayor tamaño, junto con la Catedral de St. Marcos, Iglesia de Venecia Santa Maria delle Salute (1631-1682); Está situado en la flecha entre el Canal Giudecca y el Canal Grande. Esta iglesia tiene dos cúpulas. Detrás del volumen principal, octogonal, rematado con una cúpula, se encuentra un segundo volumen que contiene el altar; también está equipado con una cúpula, pero de menor tamaño. La entrada al templo está diseñada en la forma. arco triunfal. El tambor de la cúpula principal se combina con los muros principales de la iglesia mediante 16 volutas en espiral con esculturas instaladas en ellas. Enriquecen la silueta del edificio y le confieren un carácter especial. A pesar del esplendor de la decoración, el aspecto exterior de la iglesia está marcado por una cierta fragmentación de la arquitectura y sequedad de los detalles. En el interior, la iglesia, revestida de mármol gris claro, es espaciosa pero fría y formal.
En el Gran Canal de Venecia se encuentran los dos palacios más importantes construidos por Longhena: el Palazzo Pesaro (c. 1650) y el Palazzo Rezzonico (1680). En cuanto a la estructura de sus fachadas, estos últimos son en muchos aspectos similares a los palacios de Venecia durante el Renacimiento, en particular al Palazzo Corner Sanso-Vino, pero al mismo tiempo se diferencian de ellos en una riqueza incomparablemente mayor y decorativa. formas.
En Turín trabajó el arquitecto Guarino Guarini (1624-1683), antiguo monje de la orden Teatina. Guarino Guarini - "el más barroco de todos los arquitectos barrocos" - sólo puede compararse en su temperamento creativo con Francesco Borromini. En sus obras, además de las formas convencionales, utilizó a menudo motivos reciclados de la arquitectura árabe y gótica con fines decorativos. Erigió muchos edificios en Turín, incluido el Palazzo Carignano (1680), ceremonial y majestuoso, pero de diseño puramente decorativo. La solución del edificio principal del palacio es típica. Su volumen rectangular principal parece tener una parte central insertada en él con una escalera frontal de intrincado diseño. Los muros que lo bordean y las marchas tienen planta arqueada. Todo esto se refleja en la fachada. Si sus secciones laterales conservan contornos rectangulares, entonces el centro es un plano curvado en direcciones opuestas con una ranura en el medio, en la que se inserta un motivo completamente diferente como aplique: una logia de dos niveles, también de forma curva. Los marcos de las ventanas de las fachadas tienen una configuración cartilaginosa rota. Las pilastras están salpicadas de pequeñas formas gráficas.
Entre las iglesias construidas por Guarini, cabe destacar la iglesia de la Madonna della Consolata con una nave ovalada detrás de la cual se encuentra un altar hexagonal. Las iglesias construidas por Guarini tienen formas aún más caprichosas y complejas que sus edificios civiles.
En las bellas artes, como en la arquitectura de Italia, en el siglo XVII el estilo barroco adquirió una importancia dominante. Surge como reacción contra el “manierismo”, descabellado y formas complejas lo que contrasta, en primer lugar, por la gran sencillez de las imágenes, extraídas tanto de las obras de los maestros del Alto Renacimiento, como debido a autoestudio naturaleza. Mirando atentamente la herencia clásica, a menudo tomando prestados elementos individuales de ella, la nueva dirección se esfuerza por lograr la mayor expresividad posible de las formas en su rápida dinámica. Las nuevas técnicas pictóricas también corresponden a las nuevas búsquedas del arte: la calma y la claridad de las composiciones son reemplazadas por su libertad y, por así decirlo, aleatoriedad. Las figuras están desplazadas de su posición central y están construidas en grupos principalmente a lo largo de líneas diagonales. Esta construcción es importante para el barroco. Realza la impresión de movimiento y contribuye a una nueva transferencia de espacio. En lugar de dividirlo en capas separadas, como es habitual en el arte del Renacimiento, se cubre con una sola mirada, creando la impresión de un fragmento aleatorio de un todo inmenso. Esta nueva comprensión del espacio pertenece a los logros más valiosos del Barroco, que desempeñó un cierto papel en el desarrollo posterior del arte realista. El deseo de expresividad y dinámica de las formas da lugar a otra característica, no menos típica del barroco: el uso de todo tipo de contrastes: contrastes de imágenes, movimientos, contrastes de planos iluminados y de sombras, contrastes de color. Todo esto se complementa con un pronunciado deseo de decoración. Al mismo tiempo, la textura pictórica también está cambiando, pasando de una interpretación lineal-plástica de las formas a una visión pintoresca cada vez más amplia.
Las características destacadas del nuevo estilo adquirieron características cada vez más específicas con el tiempo. Esto justifica la división del arte italiano del siglo XVII en tres etapas de duración desigual: el barroco “temprano”, “maduro” o “alto” y el “tardío”, cuyo dominio dura mucho más que los demás. Estas características, así como los límites cronológicos, se señalarán a continuación.
El arte barroco de Italia sirve principalmente a la Iglesia católica dominante, establecida después del Concilio de Trento, a las cortes principescas y a la numerosa nobleza. Las tareas planteadas a los artistas eran tanto ideológicas como decorativas. La decoración de iglesias, así como los palacios de la nobleza, las pinturas monumentales de cúpulas, pantallas de lámparas y paredes en la técnica del fresco están experimentando un desarrollo sin precedentes. Este tipo de pintura se convirtió en la especialidad de los artistas italianos que trabajaron tanto en su tierra natal como en Alemania, España, Francia e Inglaterra. Mantuvieron una prioridad innegable en este ámbito de la creatividad hasta finales del siglo XVIII. Los temas de las pinturas de las iglesias son escenas exuberantes que glorifican la religión, sus dogmas o los santos y sus hazañas. alegórico y historias mitologicas, sirviendo como una glorificación de las familias gobernantes y sus representantes.
Las pinturas de altares de gran tamaño siguen siendo muy comunes. En ellos, junto con las imágenes solemnemente majestuosas de Cristo y la Virgen, son especialmente comunes las imágenes que tuvieron el impacto más poderoso en el espectador. Se trata de escenas de ejecuciones y torturas de santos, así como de sus estados de éxtasis.
La pintura de caballete secular adoptó de buena gana temas de la Biblia, la mitología y la antigüedad. El paisaje, el género de batalla y la naturaleza muerta se desarrollan como tipos independientes.
Al borde de los siglos XVI y XVII, como reacción contra el manierismo, surgieron dos direcciones, a partir de las cuales se desarrolló toda la pintura posterior en Italia: el academicismo boloñés y el caravaggismo.
Escuela de equilibrio. hermanos Carracci. El academicismo boloñés se transformó en un sistema artístico coherente ya a mediados de la década de 1580. Tres artistas boloñeses, Ludovico Carracci (1555-1609) y sus primos Agostino (1557-1602) y Annibale (1560-1609), que ocupa el primer lugar entre los hermanos, desarrollan las bases de un nuevo estilo, apoyándose principalmente en el estudio. de la herencia clásica del siglo XVI. La influencia de la escuela veneciana, la obra de Correggio y el posterior arte romano del siglo XVI determina un giro decisivo del manierismo hacia la sencillez y al mismo tiempo hacia la majestuosidad de las imágenes.
Los primeros trabajos de los hermanos Carracci en la pintura de los palacios de Bolonia (Palazzo Fava, Palazzo Magnani) aún no permiten diferenciar claramente sus rasgos estilísticos. Pero las pinturas de caballete de Annibale Carracci, en las que inicialmente eran fuertes las reminiscencias de la escuela de Parma, indican la brillante individualidad artística emergente. En 1587 y 1588 creó dos pinturas de altar, que son como las primeras obras de un nuevo estilo: “La Ascensión de la Virgen” y “La Virgen con San Pedro”. Matthew" (ambos en la Galería de Dresde). Si en el primero todavía hay mucho manierismo en el movimiento de las figuras y en su expresión, entonces “Madonna con St. Matvey" se caracteriza por una tranquila majestuosidad de imágenes, indicativas del comienzo de una nueva etapa en la pintura italiana.
En la década de 1580, los hermanos Carracci abrieron una Academia en Bolonia, a la que llamaron "Academia dei Incaminati" (Academia que emprende un nuevo camino). En lugar de la formación previa de los futuros artistas, que preveía la adquisición de las habilidades necesarias mediante trabajos auxiliares en los talleres de los pintores, los Carracci propugnaban la enseñanza sistemática de las materias necesarias en la práctica del artista. Además de enseñar dibujo y pintura, dicha Academia enseñaba anatomía, perspectiva, así como disciplinas como historia, mitología y literatura. El nuevo método estaba destinado a desempeñar un papel importante en la historia del arte europeo, y la Academia de Bolonia fue el prototipo de todas las academias posteriores abiertas desde el siglo XVII.
En 1595, los hermanos Carracci, que ya habían adquirido gran fama, fueron invitados a Roma por el cardenal Farnesio para pintar su palacio. Sólo Annibale respondió a la invitación, abandonando Bolonia para siempre. En Roma, el estrecho contacto con las tradiciones de la escuela local y la influencia de la antigüedad abrieron una nueva fase en el arte del maestro. Después de una pintura relativamente insignificante de una de las salas del Palacio Farnese (“Camerino”, mediados de la década de 1590), Annibale Carracci creó allí el famoso techo de la galería, que fue, por así decirlo, la culminación de su obra y el punto de partida de su Pinturas más decorativas del siglo XVII. Annibale divide el espacio de la galería (de unos 20x6 m), cubierta con una bóveda de cajón baja, en varias secciones independientes. La estructura compositiva de la pantalla se asemeja a un cuadro. Capilla Sixtina Miguel Ángel, de quien toma prestado, además de la rotura del plano, también el carácter ilusionista de la interpretación de esculturas, figuras humanas vivas y pinturas. El tema general son las historias de amor de los dioses del Olimpo. En el centro del techo se encuentra la concurrida y ruidosa “Procesión Triunfal de Baco y Ariadna”. A los lados hay otras dos composiciones mitológicas, y debajo hay una franja diseccionada por Herms y Atlantes de mármol, a cuyos pies se sientan jóvenes aparentemente vivos. Estas figuras están enmarcadas por medallones redondos, imitando medallones de bronce, con escenas antiguas, o por composiciones narrativas puramente pictóricas. En las esquinas, este friso parece estar roto por la imagen de balaustradas, sobre las cuales se escriben cupidos contra el cielo. Este detalle es importante como un intento temprano, todavía tímido, de romper el espacio real, una técnica que más tarde se volvió especialmente característica de las pantallas de lámparas barrocas. El poder plástico de las figuras, la variedad de formas decorativas y la riqueza cromática crearon un conjunto de extraordinario esplendor.
Las pinturas de caballete creadas por Annibale Carracci durante el período de creatividad romana están dedicadas principalmente a temas religiosos. La fría perfección de las formas deja poco espacio al sentimiento en ellas. La excepción es “Lamentación de Cristo” (1599, Nápoles, Galería Nacional), donde ambas son igualmente altas. El estilo pictórico de la mayoría de las pinturas está dominado por el deseo de una clara identificación lineal-plástica de las figuras. “Las mujeres portadoras de mirra ante la tumba de Cristo” (c. 1605, Hermitage) pertenece a los ejemplos más característicos de este tipo de obras del artista.
A menudo recurriendo al género del paisaje, Annibale Carracci se convirtió en el fundador del llamado paisaje "clásico", que se generalizó en el futuro. La esencia de este último radica en el hecho de que sus representantes, utilizando a veces motivos de la naturaleza muy sutilmente observados, se esfuerzan ante todo por "ennoblecer" sus formas. Los paisajes se construyen en el estudio del artista utilizando esquemas desarrollados, en los que el papel más importante lo juega el equilibrio de masas, las suaves líneas de contorno y el uso de grupos de árboles o ruinas como escenarios. El “Paisaje con la Adoración de los Magos” de Annibale Carracci en la Galería Doria de Roma puede considerarse uno de los primeros ejemplos estilísticamente completos de este tipo.
Caravaggismo. Unos años después de la formación del academicismo boloñés, surgió otro movimiento artístico, aún más opuesto al manierismo, caracterizado por una marcada búsqueda de imágenes realistas y de carácter ampliamente democrático. Este movimiento, sumamente importante en la historia general del desarrollo del realismo, suele denominarse con el término “caravaggismo”, derivado del nombre de su líder, Michelangelo Merisi da Caravaggio (1574-1610). Ampliamente conocido por el nombre del lugar de su tierra natal, Caravaggio se desarrolló como pintor bajo la influencia del arte del norte de Italia. De joven acaba en Roma, donde llama la atención con una serie de pinturas de género. Las medias figuras representadas de niñas y niños, gitanos y ladrones están dotadas de una materialidad hasta ahora desconocida. Los detalles de las composiciones están representados de la misma forma material: cestas de flores y frutas, instrumentos musicales. El cuadro "El laudista" (1594-1595, Hermitage), que pertenece a las mejores obras de este círculo, da una idea del tipo de tales obras. Es característico del Caravaggio temprano y tiene un estilo de pintura claro y lineal.
Una imagen simple, desprovista de cualquier idealización, decisivamente diferente de las imágenes ennoblecidas de Carracci, la ofrece Caravaggio en su “Baco” (1596-1597, Florencia, Uffizi),
A finales de la década de 1590, Caravaggio recibió su primer encargo importante: crear tres pinturas para la Iglesia de San Luigi dei Francesi en Roma. En el retablo “El apóstol Mateo escribiendo, cuya mano es guiada por un ángel” (1597-1598, el cuadro fue destruido durante la Segunda Guerra Mundial), Caravaggio abandonó cualquier idealización del apóstol, retratándolo con absoluta veracidad como un hombre de pueblo. Esta imagen provocó una dura condena por parte de los clientes, quienes exigieron que la pintura fuera reemplazada por otra opción más aceptable para ellos. En una de las siguientes composiciones del mismo orden, que representa “La vocación del apóstol Mateo” (1598-1599), Caravaggio dio el primer ejemplo de la llamada pintura “funeraria”. En esta imagen predomina una tonalidad oscura, que contrasta con detalles intensamente iluminados, especialmente importantes para la composición: cabezas, contornos de figuras, gestos de las manos. Esta técnica tuvo una influencia particularmente marcada en la pintura europea del primer tercio del siglo XVII.
Una de las obras maestras de la pintura de Caravaggio, “El Entierro” (Roma, Pinacoteca Vaticana), se remonta a los primeros años del siglo XVII (1601-1603). Construida en altura diagonal, esta composición se distingue por la extrema expresividad y vitalidad de las imágenes; en particular, la figura de un discípulo inclinado que sostiene los pies de Cristo muerto se transmite con sumo realismo. El mismo realismo, que no permite ninguna idealización, caracteriza la “Asunción de María” (1605-1606, Louvre), realizada algunos años después. Sobre el cuerpo yacente de la Virgen, apenas tocado por la descomposición, los discípulos de Cristo se encuentran en profunda tristeza. La naturaleza genérica de la pintura, en la que el artista se apartó decisivamente de la presentación tradicional del tema, volvió a provocar críticas por parte de la iglesia.
El temperamento rebelde de Caravaggio lo puso constantemente en conflicto con el medio ambiente. Sucedió que durante una pelea mató a su oponente en un juego de pelota y se vio obligado a huir de Roma. Se abrió una nueva etapa en la biografía del maestro, marcada por un constante cambio de lugar. Después de una corta estancia en Nápoles, se encuentra en la isla de Malta, donde obtiene un gran éxito al servicio del Gran Maestre de la Orden de Malta, es elevado al rango de noble, pero poco después, tras una nueva riña, termina en prisión. Luego aparece nuevamente en Nápoles, tras lo cual recibe permiso para regresar a Roma, pero debido a un error de las autoridades, confundiéndolo con otra persona, es privado de sus bienes, termina en una playa desierta y muere de fiebre.
Durante este último período de creatividad, el maestro creó varias obras maravillosas. Entre los más destacados se encuentran el “Retrato del Gran Maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt” (1608), que destaca por su realismo, así como “La Adoración de los pastores” (1609, Messina), que es excepcional por la simplicidad de su historia y su profunda humanidad.
La obra del maestro, caracterizada por la novedad de su representación de la vida y la originalidad de sus técnicas pictóricas, tuvo una fuerte influencia en muchos artistas, tanto italianos como extranjeros, que trabajaron en Roma. Por tanto, fue el estímulo más importante para el desarrollo del realismo en la pintura paneuropea del siglo XVII. Entre los italianos, Orazio Dschentileschi (1565-1647) pertenece a los seguidores más destacados de Caravaggio.
Domenichino. En cuanto a los estudiantes y sucesores más cercanos del arte de Carracci, Domenichino destaca especialmente entre ellos. Domenico Zampieri, apodado Domenichino (1582-1641), es conocido como el mayor representante del arte narrativo monumental del siglo XVII. pintura al fresco. Combina la majestuosidad de las formas idealizadas pero naturales con la seriedad de transmitir el contenido. Estas características se reflejan más plenamente en la pintura de la iglesia romana de Sant'Andrea della Valle (1624-1628), donde al final del ábside, entre adornos de estuco, blanco y oro, Domenichino representó escenas de la narración del evangelio. de la vida de los apóstoles Andrés y Pedro, y en las velas de la cúpula, cuatro evangelistas rodeados de ángeles. De las pinturas de caballete del maestro, la más famosa es “La última comunión de San Jerónimo” (1614, Roma, Vaticano). El clasicismo de las formas, provocado en parte por su fascinación por Rafael, se combina en la interpretación de los rostros con un profundo sentimiento religioso. Las obras de Domenichino suelen estar marcadas por el carácter lírico de las imágenes. En este sentido, es indicativo su temprana "La muchacha con el unicornio", pintada sobre la puerta de entrada de la galería del Palazzo Farnese, y especialmente el cuadro llamado convencionalmente "La caza de Diana" (1620, Roma, Galería Borghese). La pintura representa una competición de tiro con arco entre los compañeros de Diana y la aparición de Acteón entre ellos. La naturalidad de la puesta en escena se ve potenciada por la frescura de la interpretación de las imágenes.
Francesca Albani. Francesco Albani (1578-1660) fue principalmente pintor de caballete y es interesante, entre otras cosas, por la introducción de un nuevo tipo de lienzos: pequeños cuadros, llamados "de gabinete", destinados a decorar habitaciones de volumen limitado. En ellos, Albani suele representar paisajes idílicos, en cuyo contexto figuras de cupidos retozan y bailan.
Guado Reni. Guido Reni (1575-1642), quien se convirtió en el director de la escuela boloñesa después de Carracci, fue influenciado por el arte de Caravaggio en el período inicial de su obra. Se manifiesta en la ausencia de idealización de las imágenes y un marcado contraste de claroscuros (“Crucifixión del apóstol Pedro”, ca. 1605, Roma, Vaticano). Sin embargo, pronto Reni desarrolla su propio estilo, que representa la expresión más sorprendente de una de las tendencias observadas en el arte de la Italia del siglo XVII. Este movimiento llamado “clasicista” del Barroco temprano se caracteriza por la moderación del lenguaje artístico, así como por la severidad de las formas idealizadas. El estilo de Guido Reni se revela íntegramente por primera vez en la famosa “Aurora” (1613-1614, Palacio Rospigliosi), pintada al fresco en el techo del Palacio Romano Rospigliosi. Sobre el fondo de un cielo amarillo dorado, rodeado por una danza circular de gracias, Apolo corre en un carro. Aurora volando frente a él esparce flores sobre el suelo y el mar plomizo, que aún no ha sido tocado por los rayos del sol. La interpretación lineal-plástica de las formas, una composición equilibrada construida como una pintura de caballete, así como el contraste de colores diferentes, pero tenues, hacen que este fresco sea extremadamente indicativo de la etapa inicial del desarrollo de la pintura decorativa barroca. Los mismos rasgos, pero con poses más elaboradas, aparecen en la pintura de caballete posterior: “Atalanta e Hipómenes” (c. 1625, Nápoles). Reni introduce a menudo rasgos de sentimentalismo y dulzura en sus pinturas religiosas. El cuadro del Hermitage “La juventud de la Virgen” (década de 1610) atrae por la intimidad de su representación de hermosas muchachas cosiendo. En varias otras obras, la idealización de las imágenes no excluye su naturalidad y profundidad de sentimiento (Lamentación de Cristo, Bolonia, Pinacoteca, 1613-1614; Madonna y el Niño, Nueva York, colección privada, finales de la década de 1620).
La tercera década del siglo XVII abre una nueva etapa del arte barroco, amparada por el concepto de “barroco alto o maduro”. Sus características más significativas son el mayor dinamismo y expresividad de las formas, el pintoresquismo de su interpretación y el aumento extremo de la decoración. En la pintura, se añade color intenso a los rasgos señalados.
Giovanni Lanfranco. Uno de los maestros que afirmó el dominio del nuevo estilo, Giovanni Lanfranco (1580-1641), basándose principalmente en el arte monumental de Correggio, ya en 1625 creó su pintura de la cúpula de San Andrea della Valle, que representa el "Paraíso". . Disponiendo innumerables figuras en círculos concéntricos: la Virgen, santos, ángeles, lleva la mirada del espectador a un espacio infinito, en cuyo centro está representada la luminosa figura de Cristo. Este artista también se caracteriza por la combinación de figuras en amplias masas que forman pintorescos rayos de luces y sombras. Las mismas técnicas pictóricas se repiten en los cuadros de caballete de Lanfranco, entre los que uno de los más significativos es “La visión de Santa Margarita de Cortona” (Florencia, Palacio Pitti). El estado de éxtasis y la formación de grupos diagonales son muy característicos del arte barroco.
Guercino. Común a la fase desarrollada del arte barroco monumental, la ilusión de una explosión de espacio sobre las cabezas de los espectadores se expresa aún más claramente que en Lanfranco por su contemporáneo Francesco Barbieri, apodado Guercino (1591-1666). En el techo del Palacio Ludovisi de Roma (1621-1623), así como en el techo antes mencionado de Guido Reni, se representa a Aurora, esta vez corriendo en un carro entre un cielo nublado. Las cimas de las paredes y los imponentes cipreses representados a lo largo del borde de la composición, vistos desde cierto punto de vista, crean la ilusión de una continuación de la arquitectura real de la habitación. Guercino, que es como un vínculo entre modales artísticos Carracci y Caravaggio, toma prestado del primero el carácter de sus figuras, y del segundo, las técnicas de su pintura de claroscuro. “El entierro de Santa Petronila” (1621, Roma, Galería Capitolina) es uno de los claros ejemplos de la pintura temprana de Guercino, en el que la naturalidad de las imágenes se combina con la amplitud y energía de la ejecución pictórica. En "La ejecución de St. Catherine" (1653, Hermitage), como en otras obras tardías del maestro, la veracidad de las imágenes da paso a la elegancia de la composición.
Doménico Fetti. Entre otros artistas de esta época cabe mencionar también a Domenico Fetti (1589-1624). En sus composiciones conviven elementos del género realista cotidiano con una rica paleta de colores, influenciada por el arte de Rubens. Sus pinturas “Madonna” y “La curación de Tobit” (década de 1620, Hermitage). distinguidos por su sonoridad y suavidad de color, nos permiten hacernos una cierta idea de la búsqueda colorística del artista.
Lorenzo Bernini. La figura central del alto arte barroco es el brillante arquitecto y escultor Lorenzo Bernini (1599-1680). La escultura del maestro representa una combinación única de todos los rasgos característicos del estilo barroco. Fusionó orgánicamente la extrema nitidez de una imagen realista con la inmensa amplitud de la visión decorativa. A esto se suma un dominio insuperable de las técnicas de procesamiento del mármol, el bronce y la terracota.
Hijo de un escultor, Lorenzo Bernini pertenece a los maestros que muy temprano encontraron su lenguaje artístico y alcanzaron la madurez casi desde los primeros pasos. Ya alrededor de 1620, Bernini creó varias esculturas de mármol que pertenecen a obras maestras indiscutibles. Su estatua “David” data de 1623 (Roma, Galería Borghese). Se distingue por su extraordinaria habilidad para transmitir de manera realista la tensión de las fuerzas físicas y espirituales del héroe bíblico, representado en el momento de arrojar una piedra con una honda. Dos años más tarde, se representa el grupo "Apolo persiguiendo a Dafne" (década de 1620, Roma, Galería Borghese). Las formas pintorescas de las figuras que corren y la excepcional perfección del tratamiento de las superficies se complementan con la rara sutileza de expresión en los rostros de Dafne, que aún no siente la metamorfosis (su transformación en laurel), y Apolo, que comprende que la víctima que ha alcanzado está irremediablemente perdida.
Los años veinte y treinta del siglo XVII, la época del pontificado de Urbano VIII, fortalecieron la posición de Bernini como el principal artista de Roma. Además de numerosas obras arquitectónicas, durante el mismo período creó una serie de esculturas monumentales, retratos y obras de carácter puramente decorativo. De estas últimas, la más perfecta es la “Fuente de Tritón” (1637), que se eleva en una de las plazas de Roma. Los extraños contornos de un enorme caparazón sostenido por delfines y un tritón que se eleva sobre él están en armonía con las corrientes de agua que caen en cascada.
El carácter fuertemente decorativo de la mayoría de las obras del maestro se puede contrastar con los retratos de Constance Buonarelli (Florencia, Museo Nacional) y el cardenal Scipione Borghese (Roma, Galería Borghese) de la misma etapa de la actividad de Bernini, que sorprenden por su nitidez realista. de características de la década de 1630.
El ascenso de Inocencio X al trono papal en 1640 supuso la destitución temporal de Bernini de su papel principal en la construcción y decoración de Roma. En el corto período que lo separó del posterior reconocimiento oficial, Bernini realizó una serie de nuevas obras notables. Teniendo en mente el no reconocimiento temporal de sus méritos artísticos, crea el grupo alegórico “La verdad que el tiempo revela”. La figura del tiempo quedó incumplida, pero la figura femenina alegórica sentada sorprende por la extrema expresividad de sus formas realistas.
Una obra maestra de la escultura barroca monumental fue el famoso grupo “Éxtasis de San Pedro”. Teresa”, que adorna la Capilla Cornaro de la Iglesia Romana de Santa Maria della Vittoria (1645-1652), un ángel con una flecha en la mano aparece sobre la santa inclinada en estado de éxtasis. Los sentimientos de Teresa se expresan con toda la inexorabilidad de una interpretación realista. La interpretación de su amplia túnica y la figura de un ángel contiene elementos decorativos. El color blanco del grupo de mármol, colocado sobre un fondo de rayos dorados, se fusiona con los tonos coloridos del mármol coloreado del entorno arquitectónico en un elegante conjunto cromático. La temática y la ejecución son muy características del estilo barroco italiano.
Otra de las creaciones más importantes de Bernini se remonta a 1628-1647: la lápida del Papa Urbano VIII en la Catedral de San Petersburgo. Pedro en Roma. Por la majestuosa expresividad de su diseño y la maestría de su diseño plástico, este monumento pertenece a las obras más destacadas de la escultura funeraria. Sobre el fondo de un nicho revestido de mármol de colores se eleva un pedestal blanco con una expresiva figura de bronce del Papa. Su mano levantada en señal de bendición confiere una grandeza formidable a la figura. Debajo, a los lados del sarcófago de mármol verde, hay figuras blancas que encarnan las virtudes de Urbano VIII: la sabia Justicia y Misericordia. Una media figura de bronce de un esqueleto alado que se eleva desde detrás del sarcófago sujeta al pedestal un tablero con el nombre del difunto inscrito.
El período de no reconocimiento temporal de Bernini pronto es reemplazado por el mismo Inocencio X con el reconocimiento de él como director oficial de la escuela romana, y casi con mayor gloria que antes. Entre las obras escultóricas de la segunda mitad de la carrera de Bernini, se puede destacar el grandioso púlpito de bronce de la Catedral de San Pedro. Pedro en Roma, la figura del emperador Constantino galopando a caballo (ibid.), y en particular la creación de un nuevo tipo de retrato, cuya mejor imagen es el busto de mármol de Luis XIV, realizado por el maestro durante su estancia en 1665 (por invitación de la corte francesa) en París. Manteniendo la expresividad de los rasgos faciales, la atención principal se centra ahora en el carácter decorativo del conjunto, logrado mediante una interpretación pintoresca de los rizos sueltos de una peluca enorme y cortinas ondeantes, como atrapadas por el viento.
Dotado de una expresividad y originalidad excepcionales. buen estilo y la perfección de la habilidad técnica, el arte de Bernini encontró innumerables admiradores e imitadores que influyeron en el arte plástico de Italia y otros países.
Pietro da Nortona. De los pintores, el más representativo del estilo Alto Barroco es Pietro Berrettini da Nortona (1596-1669). Inicialmente se distinguió por sus pinturas de caballete de múltiples figuras (“La victoria de Alejandro Magno sobre Darío”, “El rapto de las sabinas” - década de 1620, ambas - Museo Capitolino, Roma), en las que descubrió un profundo conocimiento. cultura material Antigua Roma, adquirida como resultado del estudio de monumentos antiguos. Pero los principales logros de Norton se refieren al campo de la pintura monumental y decorativa. Entre 1633 y 1639 pintó una grandiosa pantalla de lámpara en el Palazzo Barberini (Roma), que es un sorprendente ejemplo de pintura decorativa barroca. El plafón glorifica al jefe de la casa Barberini, el Papa Urbano VIII. En el espacio cerrado por un pesado marco rectangular, se representa la figura de la Divina Sabiduría rodeada de numerosos personajes alegóricos. A la izquierda, encima de ella, una chica esbelta con una corona de estrellas en las manos levantadas vuela hacia el cielo, personificando la Inmortalidad. Aún más altas, las poderosas figuras de las Musas, que sirven como recordatorio de la actividad poética de Urbano VIII, llevan una enorme corona, en el centro de la cual vuelan tres abejas del escudo de Barberini. A los lados del marco, en la curva de la transición a las paredes, se representan escenas mitológicas que, en forma alegórica, cuentan las actividades del Papa. La riqueza de motivos pictóricos, la diversidad y vitalidad de las imágenes corresponde al colorido sonoro del conjunto.
La fusión orgánica, característica del estilo monumental de Norton, en un único sistema decorativo de arquitectura de composiciones, pintura y ornamentación plástica encontró su expresión más completa en la pintura de varias salas del Palazzo Pitti de Florencia (década de 1640), designadas por el Nombres de los dioses del Olimpo. Esta vez la glorificación de la casa de los Medici se distingue por una extraordinaria variedad de composiciones. Lo más interesante es la pantalla que decora el “Salón de Marte” y habla de las virtudes militares de los propietarios del Palazzo. La dinámica inherente a esta imagen, la asimetría de la construcción, así como la irracionalidad de la composición, expresada en el hecho de que ligeras figuras de cupidos sostienen el enorme escudo de piedra de los Medici, pertenecen a las expresiones extremas del estilo barroco. , que ha alcanzado la plenitud de su desarrollo.
Al mismo tiempo, las tendencias realistas encuentran su desarrollo en la obra de varios maestros italianos, que trabajan principalmente fuera de Roma.
Salvator Rosa. Entre los artistas más originales de mediados del siglo XVII se encuentra Salvator Rosa (1615-1673), que no sólo fue pintor, sino también poeta, panfletista y actor. Originario de Nápoles, donde la influencia de la escuela de Caravaggio fue especialmente persistente, Rosa se acerca a esta última en la realidad de sus imágenes y en su estilo de pintar con sombras oscuras. La temática de la obra de este artista es muy variada, pero lo más importante para la historia del arte son sus numerosas escenas de batallas y paisajes. El temperamento tormentoso del artista se reveló plenamente en las composiciones de batalla. Un género de batalla similar, adoptado por imitadores, se generalizaría en todo el arte europeo. Los paisajes del maestro que representan costas rocosas del mar, debido a los motivos de la naturaleza representada, la dinámica de la composición, el fuerte contraste de iluminación y emotividad. solución general Se puede llamar romántico. Así, pueden contrastarse con los paisajes clásicos de la escuela de Carrachi y los paisajes altamente realistas de las escuelas del norte. Entre los cuadros de grandes figuras de Rosa destacan "Odiseo y Nausicaä" (década de 1650) y "El demócrata sorprende por la destreza de Protágoras" (de la misma época), conservados en el Hermitage. Sirven como excelentes ejemplos del estilo narrativo y la técnica pictórica del maestro.
En los años sesenta del siglo XVII comenzó la última y más larga fase del desarrollo del arte barroco en Italia, el llamado “barroco tardío”. Se caracteriza por un menor rigor en la construcción de las composiciones, una mayor ligereza de las figuras, especialmente notable en las imágenes femeninas, una creciente sutileza de color y, finalmente, un mayor aumento de la decoración.
Giovanni Battista Gauli. El principal exponente de las nuevas tendencias en pintura es Giovanni Battista Gauli (1639-1709), conocido como pintor de caballete y como artista que creó numerosos frescos. Su arte está estrechamente relacionado con el arte del difunto Bernini. Entre las mejores obras de Gauli se encuentran sus primeras pinturas en colores claros de las velas de la iglesia de Sant'Agnese en Piazza Navona en Roma (c. 1665). En lugar de los evangelistas, la arquitectura eclesiástica más común en estos lugares, Gauli representó escenas alegóricas de las virtudes cristianas, que se distinguen por su ligereza de formas. Particularmente atractivo es aquel en el que se presentan dos jóvenes, una de las cuales coloca una corona de flores sobre la otra. Las obras del estilo maduro de Gauli son las pinturas del techo, la cúpula y la caracola del ábside de la iglesia principal de la orden jesuita Il Gesu en Roma (década de 1670-principios de 1680). Esta lámpara, conocida como la Adoración del Nombre de Jesús, es muy indicativa del estilo barroco tardío. Entre la arquitectura pintada, que continúa las formas reales de la iglesia, se presenta un espacio celestial que se extiende hasta las profundidades, lleno de innumerables figuras, como olas que brillan de oscuridad a oscuridad cada vez mayor. grupos de luz. Otro tipo de pinturas del maestro son los retratos de sus contemporáneos, desprovistos de adornos decorativos y psicológicamente magníficamente caracterizados (“Papa Clemente IX”, Roma, Galería de San Lucas; “Retrato de Bernini”, Roma, Galería Corsini).
Andrea Pozo. La búsqueda del carácter ilusorio de las estructuras arquitectónicas alcanza su máximo desarrollo en la obra de Andrea Pozzo (1642-1709). Su obra principal es el fresco del techo de la Iglesia de San Ignacio en Roma, visto desde la nave central, representado con gradas de terrazas, arcadas, columnatas de muros altísimos, sobre los cuales Ignacio de Loyola se destaca entre las muchas figuras - crea la ilusión del espacio arquitectónico. Al igual que otras pantallas similares, la armonía y la corrección de la construcción se alteran inmediatamente en cuanto el espectador se aleja del punto para el que fue diseñada.
a la mayoria maestros famosos El napolitano Luca Giordano (1632-1705) también perteneció a la pintura decorativa. Maestro talentoso y extremadamente prolífico, carecía sin embargo de fuerza interior y originalidad y, a menudo, imitaba a otros artistas. Entre sus mejores obras se encuentra el techo que glorifica a la familia Medici del florentino Palazzo Ricardi.
en la zona pintura de caballete Entre los contemporáneos de estos artistas destaca Carlo Maratta (1625-1713), perteneciente a la escuela romana de finales del siglo XVII. Ocupó el lugar del mayor representante del barroco tardío. Sus pinturas de altar se distinguen por sus líneas suaves y sus majestuosas y tranquilas composiciones. Descubrió que era un artista igualmente fuerte en el campo del retrato. Entre sus obras destaca el “Retrato del Papa Clemente IX” del Hermitage (1669), de caracterización aguda y magnífica en pintura. Francesco Solimena (1657-1749), que trabajó en Nápoles, en sus pinturas bíblicas y alegóricas, recuerda las técnicas de Caravaggio con marcados contrastes de luces y sombras, pero las utiliza en composiciones puramente decorativas. El difunto boloñés Giuseppe Maria Crespi (1664-1747), uno de los artistas más talentosos del período que se examina, tuvo una fuerte influencia en la pintura del siglo XVIII. El maestro se caracteriza por una orientación realista fuertemente expresada. Se manifiesta tanto en composiciones religiosas como aún más claramente en sus pinturas cotidianas (“La muerte de San José”, ca. 1712, Hermitage; “Serie de los Sacramentos”, década de 1710, Galería de Dresde).
La victoria de la reacción feudal-católica, los trastornos económicos y políticos que sobrevinieron en el siglo XVI. Italia, puso fin al desarrollo de la cultura renacentista. El ataque del catolicismo militante a los logros del Renacimiento estuvo marcado por la persecución más severa de personas de ciencia avanzada y un intento de subordinar el arte al poder de la Iglesia Católica. La Inquisición trató sin piedad a todos los que directa o indirectamente se oponían a los principios de la religión, el papado y el clero. Fanáticos en túnica envían a Giordano Bruno a la hoguera y persiguen a Galileo. El Concilio de Trento (1545-1563) toma decisiones especiales que regulan pintura religiosa y la música, destinados a erradicar el espíritu secular en el arte. Fundada en 1540, la orden de los jesuitas interviene activamente en materia de arte, poniendo el arte al servicio de la propaganda religiosa.
A principios del siglo XVII. La nobleza y la iglesia en Italia consolidan sus posiciones políticas e ideológicas. La situación en el país sigue siendo difícil. La opresión de la monarquía española, que capturó el Reino de Nápoles y Lombardía, se intensifica aún más, y el territorio de Italia, como antes, sigue siendo escenario de continuas guerras y robos, especialmente en el norte, donde los intereses de los españoles y Los Habsburgo austríacos y Francia chocaron (como lo demuestra, por ejemplo, la captura y el saqueo de Mantua por las tropas imperiales en 1630). La fragmentada Italia en realidad está perdiendo su independencia nacional, ya que hace mucho que dejó de desempeñar un papel activo en la vida política y económica de Europa. En estas condiciones, el absolutismo de los pequeños principados adquirió rasgos de comportamiento extremadamente reaccionario.
La ira popular contra los opresores estalla en levantamientos espontáneos. A finales del siglo XVI. El notable pensador y científico Tommaso Campanella se convirtió en el jefe de una conspiración antiespañola en Calabria. Como resultado de la traición, se evitó el levantamiento y el propio Campanella, después de terribles torturas, fue condenado a cadena perpetua. En su famoso ensayo “La ciudad del sol”, escrito en prisión, expone las ideas del comunismo utópico, reflejando el sueño de un pueblo oprimido de una vida feliz. En 1647 estalló un levantamiento popular en Nápoles y en 1674 en Sicilia. Especialmente formidable fue el levantamiento napolitano, encabezado por el pescador Masaniello. Sin embargo, el carácter fragmentado de las acciones revolucionarias las condenó al fracaso y la derrota.
La difícil situación del pueblo contrasta marcadamente con el lujo desbordante de la aristocracia terrateniente y monetaria y del clero de alto rango. Exuberantes festividades, carnavales, construcción y decoración de palacios, villas e iglesias llegaron hasta el siglo XVII. alcance sin precedentes. Toda la vida y cultura de Italia en el siglo XVII. tejido a partir de fuertes contrastes y contradicciones irreconciliables, reflejadas en las contradicciones de la ciencia progresista, en el choque cultura secular y la reacción católica, en la lucha entre las tendencias convencionalmente decorativas y realistas en el arte. Un interés renovado por la antigüedad coexiste con la predicación de ideas religiosas; el racionalismo sobrio del pensamiento se combina con un anhelo por lo irracional y lo místico. Junto con los logros en el campo de las ciencias exactas, florecen la astrología, la alquimia y la magia.
Los Papas, que dejaron de reclamar el papel de fuerza política líder en los asuntos europeos y se convirtieron en los primeros soberanos soberanos de Italia, utilizan las tendencias hacia la unificación nacional del país y la centralización del poder para fortalecer el dominio ideológico de la Iglesia y la nobleza. La Roma papal se convierte en el centro no solo de la cultura feudal-católica italiana, sino también de la europea. Aquí se formó y floreció el arte barroco.
Una de las principales tareas de los artistas barrocos era rodear a las autoridades seculares y eclesiásticas de un aura de grandeza y superioridad de casta, y promover las ideas del catolicismo militante. De ahí el típico deseo barroco de júbilo monumental, gran alcance decorativo, patetismo exagerado e idealización deliberada en la interpretación de las imágenes. En el arte barroco, existen agudas contradicciones entre su contenido social, diseñado para servir a la élite gobernante de la sociedad, y la necesidad de influir en las grandes masas, entre la convencionalidad de las imágenes y su forma enfáticamente sensual. Para realzar la expresividad de las imágenes, los maestros barrocos recurrieron a todo tipo de exageraciones, hipérboles y efectos naturalistas.
El ideal armonioso del arte renacentista fue reemplazado en el siglo XVII. un intento de revelar imágenes a través de un conflicto dramático, profundización psicológica. Esto condujo a una ampliación de la gama temática en el arte, al uso de nuevos medios de expresión figurativa en la pintura, la escultura y la arquitectura. Pero los logros artísticos del arte barroco se lograron a costa de abandonar la integridad e integridad de la cosmovisión de la gente del Renacimiento, a costa de abandonar el contenido humanista de las imágenes.
La autonomía de cada forma de arte inherente al arte del Renacimiento, su relación igualitaria entre sí, ahora está siendo destruida. Objetos de arquitectura, escultura y pintura se fusionan orgánicamente en un todo decorativo común. La pintura busca ampliar ilusoriamente el espacio del interior; la decoración escultórica, que surge de la arquitectura, se convierte en una decoración pintoresca; La arquitectura misma se vuelve cada vez más plástica, perdiendo su arquitectura estricta o, formando dinámicamente el espacio interno y externo, adquiere características pintorescas.
En la síntesis barroca de las artes no sólo hay una fusión de tipos individuales de arte, sino también una fusión de todo el complejo artístico con el espacio circundante. Figuras escultóricas aparecen como vivas en nichos, colgando de cornisas y frontones; El espacio interior de los edificios continúa con la ayuda de pantallas de lámparas interpretadas de forma ilusionista. Las fuerzas internas inherentes a los volúmenes arquitectónicos parecen encontrar su salida en las columnatas, escaleras, terrazas y enrejados adyacentes al edificio, en esculturas decorativas, fuentes y cascadas, en las perspectivas que se alejan de los callejones. La naturaleza, transformada por la hábil mano del decorador del parque, se convierte en parte integral del conjunto barroco.
Este deseo del arte por una amplia gama y una transformación artística universal de la realidad circundante, limitada, sin embargo, a la solución de tareas externamente decorativas, está en cierta medida en consonancia con la cosmovisión científica avanzada de la época. Las ideas de Giordano Bruno sobre el universo, su unidad e infinito abrieron nuevos horizontes al conocimiento humano y plantearon de una manera nueva el eterno problema del mundo y del hombre. A su vez, Galileo, continuando las tradiciones de la ciencia empírica del Renacimiento, pasa del estudio de los fenómenos individuales al conocimiento. leyes generales física y astronomía.
El estilo barroco tenía análogos en la literatura y la música italianas. Un fenómeno típico de la época fueron las letras pomposas, galantes y eróticas de Marine y todo el movimiento poético que engendró, el llamado "marinismo". La gravedad de la cultura artística del siglo XVII. a la unificación sintética varios tipos El arte recibió una respuesta con el brillante florecimiento de la ópera italiana y el surgimiento de nuevos géneros musicales: la cantata y el oratorio. En la ópera romana de la década de 1630, es decir, el período del Barroco maduro, el espectáculo decorativo adquirió gran importancia, subordinando tanto el canto como el arte. musica instrumental. Incluso intentan escenificar óperas puramente religiosas, llenas de patetismo extático y milagros, cuando la acción cubre la tierra y el cielo, tal como ocurría en la pintura. Sin embargo, al igual que la literatura, donde el marinismo enfrentó la oposición clasicista y fue ridiculizado por poetas satíricos avanzados, la ópera muy pronto traspasó los límites de la cultura cortesana y expresó gustos más democráticos. Esto se reflejó en la penetración de motivos de canciones populares en la ópera y en el alegre entretenimiento de la trama en el espíritu de la commedia dell'arte (comedia de máscaras).
Así, aunque el barroco es el movimiento dominante en Italia en el siglo XVII, no cubre toda la diversidad de fenómenos culturales y artísticos de esta época. El arte realista de Caravaggio, que revela la pintura del siglo XVII, actúa como lo opuesto a toda la estética barroca. A pesar de las condiciones sociales desfavorables para el desarrollo del realismo, las tendencias realistas de género en la pintura se hicieron sentir a lo largo del siglo XVII.
En todas las bellas artes italianas del siglo XVII. Sólo se pueden nombrar dos grandes maestros de importancia paneuropea: Caravaggio y Bernini. En varias de sus manifestaciones, el arte italiano del siglo XVII. lleva una huella específica del declive de la vida social, y es muy significativo que Italia, antes que otros países, ideó un nuevo programa realista en pintura, pero resultó incapaz de implementarlo de manera consistente. La arquitectura italiana tiene un significado histórico incomparablemente más brillante que la pintura, que, junto con la francesa, ocupa un lugar destacado en la arquitectura europea del siglo XVII.