La palabra "orquesta" ahora es familiar para todos los escolares. Este es el nombre de un gran grupo de músicos que interpretan conjuntamente una pieza musical. mientras tanto en Antigua Grecia El término "orquesta" (a partir del cual se formó más tarde la palabra moderna "orquesta") denotaba el área frente al escenario donde se encontraba el coro, un participante indispensable en la tragedia griega antigua. Posteriormente, en el mismo sitio se empezó a ubicar un grupo de músicos, al que se le llamó “orquesta”.
Han pasado siglos. Y ahora la palabra "orquesta" en sí misma no tiene un significado específico. Hoy en día existen diferentes orquestas: metales, folk, orquestas de acordeón, orquestas de cámara, pop-jazz, etc. Pero ninguna de ellas puede resistir la competencia del “milagro sonoro”; Así se llama a menudo y, por supuesto, con razón, una orquesta sinfónica.
Las posibilidades de una orquesta sinfónica son realmente infinitas. Tiene a su disposición todos los matices de sonoridad, desde vibraciones y crujidos apenas audibles hasta poderosos repiques atronadores. Y la cuestión no está ni siquiera en la amplitud misma de los matices dinámicos (están disponibles para cualquier orquesta), sino en esa expresividad cautivadora que siempre acompaña el sonido de verdaderas obras maestras sinfónicas. Aquí vienen al rescate combinaciones de timbres, poderosas subidas y bajadas en forma de ondas, señales solistas expresivas y capas fusionadas de sonidos de "órgano".
Escuche algunos ejemplos de música sinfónica. Recuerde la imagen de cuento de hadas del famoso compositor ruso A. Lyadov, "El lago mágico", sorprendente por su silencio conmovedor. El tema de la imagen aquí es la naturaleza en su estado estático e intacto. El compositor también lo destaca en su declaración sobre el “Lago Mágico”: “¡Qué pintoresco, limpio, con estrellas y misterio en las profundidades! Y lo más importante: sin gente, sin sus peticiones y quejas, simplemente naturaleza muerta, fría, malvada, pero fantástica, como en un cuento de hadas”. Sin embargo, la puntuación de Lyadov no puede considerarse muerta o fría. Por el contrario, lo calienta un cálido sentimiento lírico: reverente, pero comedido.
El famoso musicólogo soviético B. Asafiev escribió que en este “cuadro musical poético contemplativo... la obra de Lyadov domina la esfera del paisaje sinfónico lírico”. La paleta de colores de “Magic Lake” se compone de sonidos velados y amortiguados, crujidos, crujidos, salpicaduras y vibraciones apenas perceptibles. Aquí predominan los finos toques calados. Las acumulaciones dinámicas se mantienen al mínimo. Todas las voces orquestales llevan una carga visual independiente. No hay desarrollo melódico en el verdadero sentido de la palabra; como reflejos parpadeantes, frases-motivos cortos individuales brillan... Lyadov, que supo "escuchar el silencio" con sensibilidad, pinta con asombrosa habilidad el cuadro de un lago encantado: un cuadro lleno de humo, pero inspirado, lleno de un aroma fabuloso y puro. , casta belleza. Un paisaje así sólo podría “pintarse” con la ayuda de una orquesta sinfónica, porque ningún instrumento ni ningún otro “organismo orquestal” es capaz de representar una imagen tan visual y encontrarle colores y matices de timbre tan sutiles.
Pero he aquí un ejemplo del tipo opuesto: el final del famoso "Poema del éxtasis" de A. Scriabin. El compositor muestra en esta obra la diversidad de estados y acciones humanas en un desarrollo constante y lógicamente pensado; la música transmite constantemente la inercia, el despertar de la voluntad, el enfrentamiento con fuerzas amenazadoras, la lucha contra ellas. El clímax sigue al clímax. Hacia el final del poema, la tensión crece, preparando un nuevo ascenso, aún más grandioso. El epílogo de “El poema del éxtasis” se convierte en una imagen deslumbrante de alcance colosal. Sobre un fondo resplandeciente de todos los colores (a la enorme orquesta también hay un órgano conectado), ocho trompas y una trompeta proclaman alegremente el tema principal. tema musical, cuya sonoridad alcanza una fuerza sobrehumana hacia el final. Ningún otro conjunto puede alcanzar tal potencia y majestuosidad de sonido. Sólo una orquesta sinfónica es capaz de expresar de manera tan rica y al mismo tiempo colorida el deleite, el éxtasis y un frenético estallido de sentimientos.
"El lago mágico" de Lyadov y el epílogo de "El poema del éxtasis" son, por así decirlo, los polos sonoros y dinámicos extremos de la rica paleta sonora de la orquesta sinfónica.
Veamos ahora un ejemplo de otro tipo. La segunda parte de la Undécima Sinfonía de D. Shostakovich tiene el subtítulo "9 de enero". En él, el compositor narra los terribles acontecimientos del “Domingo Sangriento”. Y en ese momento, cuando los gritos y gemidos de la multitud, las salvas de armas, el ritmo férreo del paso de un soldado se funden en una imagen sonora de una fuerza y un poder asombrosos, el bombardeo ensordecedor termina de repente... Y en el silencio que sigue, en se escucha claramente el susurro de los instrumentos de cuerda y el canto tranquilo y lúgubre del coro. Según la acertada definición del musicólogo G. Orlov, uno tiene la impresión de "como si el aire de la Plaza del Palacio gimiera de dolor al ver la atrocidad que había tenido lugar". Poseyendo un excepcional sentido del timbre y un brillante dominio de la escritura instrumental, D. Shostakovich pudo crear la ilusión de un sonido coral por medios puramente orquestales. Incluso hubo casos en los que, durante las primeras interpretaciones de la Undécima Sinfonía, los oyentes se levantaban continuamente de sus asientos, pensando que había un coro en el escenario detrás de la orquesta...
Una orquesta sinfónica es capaz de transmitir una amplia variedad de efectos naturalistas. Si, sobresaliente compositor alemán Richard Strauss en el poema sinfónico “Don Quijote”, que ilustra un famoso episodio de la novela de Cervantes, describió sorprendentemente “visualmente” el balido de un rebaño de ovejas en la orquesta. en la suite compositor francés El "Carnaval de los animales" de C. Saint-Saëns transmite ingeniosamente los gritos de los burros, el andar torpe de un elefante y el inquieto pasar lista de gallinas y gallos. El francés Paul Dukas en el scherzo sinfónico "El aprendiz de brujo" (escrito a partir de la balada homónima de V. Goethe) pintó brillantemente un cuadro del elemento agua salvaje (en ausencia del viejo mago, el estudiante decide convierte la escoba en una sirvienta: la obliga a acarrear agua, que poco a poco inunda toda la casa). Ni siquiera es necesario decir cuántos efectos onomatopéyicos se encuentran dispersos en la música de ópera y ballet; aquí también se transmiten a través de una orquesta sinfónica, pero son impulsados por la situación escénica inmediata y no por un programa literario, como en las obras sinfónicas. Basta recordar óperas como "El cuento del zar Saltan" y "La doncella de las nieves" de N. Rimsky-Korsakov, el ballet "Petrushka" de I. Stravinsky y otros. En conciertos sinfónicos a menudo se interpretan extractos o suites de estas obras. .
¿Y cuántas pinturas magníficas, casi visuales? elementos marinos¡Se puede encontrar en la música sinfónica! Suite "Scheherazade" de N. Rimsky-Korsakov, "El mar" de C. Debussy, la obertura "El silencio del mar y la feliz navegación" de F. Mendelssohn, fantasías sinfónicas "La tormenta" de P. Tchaikovsky y "El mar" de A. Glazunov: la lista de obras de este tipo es muy larga. Se han escrito muchas obras para la orquesta sinfónica, que representan imágenes de la naturaleza o contienen adecuados bocetos de paisajes. Llamemos, por ejemplo, la Sexta Sinfonía (“Pastoral”) de L. Beethoven con la imagen de una tormenta repentina, sorprendente por su poder de imagen, la imagen sinfónica de A. Borodin “En Asia Central”, la fantasía sinfónica de A. Glazunov “Bosque”, la “escena en el campo” de Sinfonías fantásticas de G. Berlioz. Sin embargo, en todas estas obras, la representación de la naturaleza siempre está asociada con el mundo emocional del propio compositor, así como con la idea que determina la naturaleza de la obra en su conjunto. Y en general, los momentos descriptivos, naturalistas, onomatopéyicos ocupan una proporción muy pequeña en los lienzos sinfónicos. Además, la música de programa en sí, es decir, la música que transmite consistentemente una trama literaria, tampoco ocupa un lugar destacado entre los géneros sinfónicos. Lo principal de lo que puede estar orgullosa una orquesta sinfónica es su rica paleta de diversos medios de expresión, estas son posibilidades colosales, aún no agotadas. varias combinaciones y combinaciones de instrumentos, estos son los recursos tímbricos más ricos de todos los grupos que componen la orquesta.
Una orquesta sinfónica se diferencia marcadamente de otros grupos instrumentales en que su composición siempre está estrictamente definida. Tomemos, por ejemplo, los numerosos conjuntos de pop-jazz que ahora existen en abundancia en casi todos los rincones del mundo. No se parecen en nada entre sí: varía el número de instrumentos (de 3 a 4 a dos docenas o más) y el número de participantes. Pero lo más importante es que estas orquestas no se parecen en su sonido. En algunos predominan las cuerdas, en otros los saxofones y los metales; en algunos conjuntos el papel principal lo desempeña el piano (apoyado por batería y contrabajo); las orquestas pop de diferentes países incluyen instrumentos nacionales, etc. Por lo tanto, casi todas las orquestas de pop o jazz no se adhieren a una composición instrumental estrictamente definida, sino que utilizan libremente combinaciones de varios instrumentos. Por tanto, una misma pieza suena diferente en distintos grupos de pop-jazz: cada uno de ellos ofrece su tratamiento específico. Y esto es comprensible: después de todo, el jazz es un arte fundamentalmente de improvisación.
Hay diferentes bandas de música. Algunos se componen exclusivamente de instrumentos de metal (con la inclusión obligatoria de percusión). Y la mayoría de ellos no pueden prescindir de instrumentos de viento: flautas, oboes, clarinetes, fagotes. Las orquestas de instrumentos folclóricos también se diferencian entre sí: la orquesta folclórica rusa no se parece a la de Kirguistán y la italiana no se parece a la de Kirguistán. orquestas folklóricas Paises escandinavos. Y sólo una orquesta sinfónica, el organismo musical más grande, tiene una composición establecida desde hace mucho tiempo y estrictamente definida. Por tanto, una obra sinfónica escrita en un país puede ser interpretada por cualquier conjunto sinfónico de otro país. Por tanto, el lenguaje de la música sinfónica es verdaderamente un lenguaje internacional. Se ha utilizado durante más de dos siglos. Y él no envejece. Además, en ningún lugar se producen tantos cambios “internos” interesantes como en los países modernos. Orquesta Sinfónica. Por un lado, a menudo repuesta con nuevos colores tímbricos, la orquesta se enriquece cada año; por otro lado, su esqueleto principal, formado en el siglo XVIII, emerge cada vez con mayor claridad. Y a veces los compositores de nuestro tiempo, recurriendo a una composición tan “anticuada”, demuestran una vez más cuán grandes son aún sus capacidades expresivas...
¡Quizás ningún otro grupo musical haya creado tanta música maravillosa! En la brillante galaxia de compositores sinfónicos, destacan los nombres de Haydn y Mozart, Beethoven y Schubert, Mendelssohn y Schumann, Berlioz y Brahms, Liszt y Wagner, Grieg y Dvorak, Glinka y Borodin, Rimsky-Korsakov y Tchaikovsky, Rachmaninov y Scriabin, Glazunov. y Taneyev, brillan Mahler y Bruckner, Debussy y Ravel, Sibelius y R. Strauss, Stravinsky y Bartok, Prokofiev y Shostakovich. Además, la orquesta sinfónica es conocida por ser un participante indispensable en las representaciones de ópera y ballet. Por eso, a los cientos de obras sinfónicas hay que añadir aquellos fragmentos de óperas y ballets en los que la orquesta (y no los solistas, el coro o simplemente la acción escénica) desempeña un papel primordial. Pero eso no es todo. Vemos cientos de películas y la mayoría de ellas están “sonorizadas” por una orquesta sinfónica.
La radio, la televisión, los CD y, a través de ellos, la música sinfónica han entrado firmemente en nuestras vidas. En muchos cines, pequeñas orquestas sinfónicas tocan antes de las proyecciones. Estas orquestas también se crean en actuaciones de aficionados. En otras palabras, del enorme, casi inmenso océano de música que nos rodea, una buena mitad está relacionada de una forma u otra con el sonido sinfónico. Sinfonías y oratorios, óperas y ballets, conciertos y suites instrumentales, música para teatro y cine: todos estos (y muchos otros) géneros simplemente no pueden prescindir de una orquesta sinfónica.
Sin embargo, sería erróneo suponer que cualquier composicion musical puede interpretarse en una orquesta. Después de todo, parecería que, conociendo los principios y leyes de la instrumentación, todo músico competente puede orquestar un piano o alguna otra pieza, es decir, vestirlo con un brillante conjunto sinfónico. Sin embargo, en la práctica esto ocurre relativamente raramente. No es casualidad que N. Rimsky-Korsakov dijera que la instrumentación es “uno de los aspectos del alma de la composición misma”. Por tanto, ya pensando en la idea, el compositor cuenta con una determinada composición instrumental. Por lo tanto, para una orquesta sinfónica se pueden escribir tanto piezas ligeras y sin pretensiones como lienzos grandiosos y de gran escala.
Sin embargo, hay casos en los que una composición recibe una segunda vida en una nueva versión sinfónica. Esto sucedió con el brillante ciclo para piano de M. Mussorgsky “Cuadros de una exposición”: fue magistralmente orquestado por M. Ravel. (Hubo otros intentos menos exitosos de orquestar Cuadros de una exposición.) Las partituras de las óperas de M. Mussorgsky “Boris Godunov” y “Khovanshchina” volvieron a cobrar vida bajo las manos de D. Shostakovich, quien llevó a cabo su nueva edición orquestal. . A veces, en la herencia creativa del compositor coexisten pacíficamente dos versiones de la misma obra: solista-instrumental y sinfónica. Hay pocos ejemplos de este tipo, pero son bastante interesantes. La Pavana de Ravel existe tanto en versión para piano como para orquesta, y ambas viven la misma vida de concierto. Prokofiev orquestó el movimiento lento de su Cuarta Sonata para piano, convirtiéndola en una obra independiente y puramente sinfónica. El compositor de Leningrado S. Slonimsky escribió el ciclo vocal "Canciones de los hombres libres" basado en textos populares; Esta composición también tiene dos versiones de igual significado artístico: una acompañada de piano y la otra con acompañamiento orquestal. Sin embargo, la mayoría de las veces, cuando un compositor se pone a trabajar, tiene una buena idea no solo de la idea de la composición, sino también de su encarnación tímbrica. Y géneros como la sinfonía, el concierto instrumental, el poema sinfónico, la suite, la rapsodia, etc. siempre están estrechamente relacionados con el sonido de una orquesta sinfónica, incluso se podría decir, inseparables de ella.
Instrumentos de viento de madera
Flauta (flauto italiano, flauta francesa, Flote alemán, flauta inglesa)
La flauta es uno de los instrumentos más antiguos del mundo, conocido en la antigüedad, en Egipto, Grecia y Roma. Desde la antigüedad, la gente ha aprendido a extraer sonidos musicales de cañas cortadas y cerradas por un extremo. Este primitivo instrumento musical fue, aparentemente, un ancestro lejano de la flauta. En Europa, en la Edad Media, se generalizaron dos tipos de flautas: rectas y transversales. La flauta recta, o "flauta con punta", se sostenía recta frente a usted, como un oboe o un clarinete; oblicuo o transversal - en ángulo. La flauta transversal resultó ser más viable, ya que era fácil de mejorar. A mediados del siglo XVIII finalmente sustituyó a la flauta directa de la orquesta sinfónica. Al mismo tiempo, la flauta, junto con el arpa y el clavecín, se convirtió en uno de los instrumentos favoritos para tocar música en casa. La flauta, por ejemplo, la tocaban el artista ruso Fedotov y el rey de Prusia Federico II.
La flauta es el instrumento más ágil del grupo de viento de madera: en términos de virtuosismo supera a todos los demás instrumentos de viento. Un ejemplo de esto es la suite de ballet “Dafnis y Cloe” de Ravel, donde la flauta actúa como instrumento solista.
La flauta es un tubo cilíndrico, de madera o metal, cerrado por un lado, en la cabeza. También hay un orificio lateral para inyección de aire. Tocar la flauta requiere un gran consumo de aire: al soplar, una parte se rompe contra el borde afilado del agujero y se escapa. Esto da lugar a un silbido característico, especialmente en el registro grave. Por la misma razón, las notas sostenidas y las melodías amplias son difíciles de tocar con la flauta.
Rimsky-Korsakov describió la sonoridad de la flauta de la siguiente manera: "El timbre es frío, más adecuado para melodías de naturaleza elegante y frívola en mayor, y con un toque de tristeza superficial en menor".
A menudo los compositores utilizan un conjunto de tres flautas. Un ejemplo es la danza de las pastoras de "El Cascanueces" de Tchaikovsky..
Oboe (alemán: oboe)
El oboe rivaliza con la flauta en su antigüedad de origen: su ascendencia se remonta a la flauta primitiva. De los antepasados del oboe, el más extendido fue el aulos griego, sin el cual los antiguos helenos no podían imaginar ni una fiesta ni una representación teatral. Los antepasados del oboe llegaron a Europa desde Oriente Medio.
En el siglo XVII se creó el oboe a partir de la bombarda, un instrumento parecido a una flauta, que inmediatamente se hizo popular en la orquesta. Pronto se convirtió en un instrumento de concierto. Desde hace casi un siglo, el oboe es el ídolo de músicos y melómanos. Los mejores compositores de los siglos XVII y XVIII (Lully, Rameau, Bach, Handel) rindieron homenaje a esta afición: Handel, por ejemplo, escribió conciertos para oboe, cuya dificultad puede confundir incluso a los oboístas modernos. Sin embargo, a principios del siglo XIX, el “culto” al oboe en la orquesta se desvaneció un poco y el papel principal en el grupo de instrumentos de viento pasó al clarinete.
En su estructura, el oboe es un tubo cónico; en un extremo hay una pequeña campana en forma de embudo, en el otro un bastón que el intérprete sostiene en la boca.
Gracias a algunas características de diseño, el oboe nunca pierde su afinación. Por lo tanto, se ha convertido en una tradición afinar a toda la orquesta. Antes de una orquesta sinfónica, cuando los músicos se reúnen en el escenario, a menudo se puede escuchar al oboísta tocar La de la primera octava, mientras otros intérpretes afinan sus instrumentos.
El oboe tiene una técnica flexible, aunque es inferior en este sentido a la flauta. Es más un instrumento cantante que un instrumento virtuoso: su dominio, por regla general, es la tristeza y la elegancia. Así suena en el tema de los cisnes desde el intermedio hasta el segundo acto de El lago de los cisnes y en la sencilla melodía melancólica del segundo movimiento de la cuarta sinfonía de Tchaikovsky. De vez en cuando, al oboe se le asignan “papeles cómicos”: en “La bella durmiente” de Tchaikovsky, por ejemplo, en la variación “El gato y el minino”, el oboe imita de manera divertida el maullido de un gato.
Fagot (fagotto italiano, fagott alemán, fagot francés, fagot inglés)
Se considera que el antepasado del fagot es una antigua flauta de bajo: la bombarda. El fagot que lo reemplazó fue construido por el canónigo Afranio degli Albonesi en la primera mitad del siglo XVI. El gran tubo de madera, doblado por la mitad, parecía un haz de leña, lo que se refleja en el nombre del instrumento (la palabra italiana fagotto significa "maricón"). El fagot cautivó a sus contemporáneos con la eufonía del timbre, quienes, en contraste con la voz ronca de las bombardas, comenzaron a llamarlo "dolcino", dulce.
Posteriormente, manteniendo su forma exterior, el fagot sufrió importantes mejoras. A partir del siglo XVII ingresó en la orquesta sinfónica y, desde el siglo XVIII, en la orquesta militar. El cañón cónico de madera del fagot es muy grande, por lo que se “dobla” por la mitad. En la parte superior del instrumento se fija un tubo metálico curvo sobre el que se coloca un bastón. Mientras toca, el fagot se suspende de una cuerda del cuello del intérprete.
En el siglo XVIII, el instrumento gozó de un gran cariño entre sus contemporáneos: algunos lo llamaban "orgulloso", otros lo llamaban "tierno, melancólico, religioso". Rimsky-Korsakov definió el color del fagot de una manera muy singular: “El timbre es senilmente burlón en mayor y dolorosamente triste en menor”. Tocar el fagot requiere mucha respiración y el forte en un registro bajo puede causar fatiga extrema al intérprete. Las funciones de la herramienta son muy diversas. Es cierto que en el siglo XVIII a menudo se limitaban a apoyar los bajos de cuerda. Pero en el siglo XIX, con Beethoven y Weber, el fagot se convirtió en la voz individual de la orquesta, y cada uno de los maestros posteriores encontró en él nuevas propiedades. Meyerbeer en “Robert the Devil” hizo que los fagots retrataran “una risa mortal, de la cual la escarcha se desliza por la piel” (palabras de Berlioz). Rimsky-Korsakov en “Scheherazade” (la historia de Kalender el zarevich) descubrió en el fagot a un narrador poético. El fagot actúa especialmente en este último papel, razón por la cual Thomas Mann llamó al fagot "sinsonte". Se pueden encontrar ejemplos en el Scherzo humorístico para cuatro fagotes y en Pedro y el lobo de Prokofiev, donde al fagot se le asigna el "papel" del abuelo, o al comienzo del final de la Novena Sinfonía de Shostakovich.
contrafagot
Las variedades de fagot hoy en día se limitan a un solo representante: el contrafagot. Este es el instrumento más bajo de la orquesta. Sólo el bajo de pedal del órgano suena más bajo que los sonidos extremos del contrafagot.
La idea de continuar la escala del fagot hacia abajo apareció hace mucho tiempo: el primer contrafagot se construyó en 1620. Pero era tan imperfecto que hasta finales del siglo XIX, cuando se mejoró el instrumento, se utilizó muy poco: ocasionalmente por Haydn, Beethoven, Glinka.
Un contrafagot moderno es un instrumento curvado tres veces: su longitud desplegada es de 5 m 93 cm (!); en técnica se parece a un fagot, pero es menos ágil y tiene un timbre denso, casi parecido al de un órgano. Los compositores del siglo XIX (Rimsky-Korsakov, Brahms) solían recurrir al contrafagot para realzar el bajo. Pero a veces se le escriben solos interesantes, por ejemplo, en "Conversación entre la bella y la bestia" (ballet "Mi madre ganso") le asignó la voz del monstruo.
Clarinete (clarineto italiano, Klarinette alemán, clarinete francés)
Mientras que el oboe, la flauta y el fagot forman parte de la orquesta desde hace más de cuatro siglos, el clarinete no se consolidó hasta el siglo XVIII. El antepasado del clarinete fue un instrumento popular medieval: la flauta Chalumeau. Se cree que en 1690 el maestro alemán Denner logró mejorarlo. El registro superior del instrumento asombró a los contemporáneos con su timbre agudo y penetrante: inmediatamente les recordó el sonido de una trompeta, que en ese momento se llamaba "clarino". El nuevo instrumento se llamó clarinete, que significa “trompeta pequeña”.
En apariencia, el clarinete se parece a un oboe. Es un tubo cilíndrico de madera con una campana en forma de corola en un extremo y una punta de bastón en el otro.
De todos los instrumentos de viento de madera, sólo el clarinete puede cambiar de forma flexible la intensidad del sonido. Ésta y muchas otras cualidades del clarinete hicieron de su sonido una de las voces más expresivas de la orquesta. Es curioso que dos compositores rusos, al tratar la misma trama, actuaran exactamente de la misma manera: en ambas "Las doncellas de nieve", de Rimsky-Korsakov y Tchaikovsky, las melodías del pastor de Lel están confiadas al clarinete.
El timbre del clarinete se asocia a menudo con situaciones dramáticas oscuras. Esta zona de expresividad fue “descubierta” por Weber. En la escena "Wolf Valley" de "The Magic Shooter" adivinó por primera vez qué efectos trágicos se ocultaban en el registro grave del instrumento. Más tarde, Tchaikovsky utilizó el espeluznante sonido de los clarinetes bajos en La dama de espadas cuando aparece el fantasma de la condesa.
Pequeño clarinete.
El pequeño clarinete pasó a la orquesta sinfónica procedente de la orquesta de metales militar. Berlioz lo utilizó por primera vez, confiándole el distorsionado “tema amado” en el último movimiento de la Sinfonía Fantástica. Wagner, Rimsky-Korsakov y R. Strauss recurrieron a menudo al clarinete pequeño. Shostakóvich.
Espino.
A finales del siglo XVIII, la familia del clarinete se enriqueció con un miembro más: apareció el corno basset en la orquesta. variedad antigua clarinete alto. Era más grande que el instrumento principal y su timbre, tranquilo, solemne y mate, ocupaba una posición intermedia entre un clarinete regular y un bajo. Permaneció en la orquesta sólo unas pocas décadas y le debió su apogeo a Mozart. Fue para dos cornos de basset con fagot que se escribió el comienzo del "Réquiem" (ahora los cornos de basset son reemplazados por clarinetes).
R. Strauss intentó revivir este instrumento bajo el nombre de clarinete alto, pero desde entonces parece que no se ha vuelto a repetir. Hoy en día, los cuernos de basset se incluyen en las bandas militares.
Clarinete bajo.
El clarinete bajo es el representante más “impresionante” de la familia. Construido a finales del siglo XVIII, ha adquirido una fuerte posición en la orquesta sinfónica. La forma de este instrumento es bastante inusual: su campana está doblada hacia arriba, como una pipa, y la boquilla está montada sobre una varilla curva, todo esto para reducir la longitud exorbitante del instrumento y facilitar su uso. Meyerbeer fue el primero en “descubrir” el enorme poder dramático de este instrumento. Wagner, empezando por Lohengrin, lo convierte en el bajo permanente de los instrumentos de viento.
Los compositores rusos utilizaron a menudo el clarinete bajo en sus obras. Así, los sonidos lúgubres del clarinete bajo se escuchan en la quinta escena de “La dama de picas” mientras Herman lee la carta de Lisa. Ahora el clarinete bajo es miembro permanente de una gran orquesta sinfónica y sus funciones son muy diversas.
Avance:
Latón
Saxofón
El creador del saxofón es el destacado maestro instrumental franco-belga Adolphe Sax. Sax partió de un supuesto teórico: ¿es posible construir un instrumento musical que ocupe una posición intermedia entre los instrumentos de viento de madera y de metal? Un instrumento así, capaz de combinar los timbres del cobre y la madera, era muy necesario para las imperfectas bandas militares de música de Francia. Para implementar su plan, A. Sachs utilizó un nuevo principio de construcción: conectó un tubo cónico con una caña de clarinete y un mecanismo de válvula de oboe. El cuerpo del instrumento estaba hecho de metal, el contorno externo se parecía a un clarinete bajo; un tubo ensanchado en el extremo, fuertemente curvado hacia arriba, al que se une un bastón con una punta de metal doblada en forma de “S”. La idea de Sax fue un éxito brillante: el nuevo instrumento realmente se convirtió en un vínculo entre los metales y los instrumentos de viento de madera en las bandas militares. Además, su timbre resultó tan interesante que atrajo la atención de muchos músicos. El color del sonido del saxofón recuerda al corno inglés, el clarinete y el violonchelo al mismo tiempo, pero el poder del sonido del saxofón es mucho mayor que el poder del sonido del clarinete.
Habiendo comenzado su existencia en las bandas de música militares de Francia, el saxofón pronto se introdujo en las orquestas de ópera y sinfónicas. Durante mucho tiempo, varias décadas, sólo los compositores franceses recurrieron a él: Thomas ("Hamlet"), Massenet ("Werther"), Bizet ("Arlesienne"), Ravel (instrumentación de "Katrinok en una exposición" de Mussorgsky) . Luego también creyeron en él compositores de otros países: Rachmaninov, por ejemplo, confió al saxofón una de sus mejores melodías en la primera parte de las Danzas sinfónicas.
Es curioso que en su insólito camino el saxofón también tuvo que enfrentarse al oscurantismo: en Alemania durante los años del fascismo fue prohibido como instrumento de origen no ario.
En los décimos años del siglo XX, los músicos de conjuntos de jazz llamaron la atención sobre el saxofón, y pronto el saxofón se convirtió en el "rey del jazz".
Muchos compositores del siglo XX apreciaron este interesante instrumento. Debussy escribió una Rapsodia para saxofón y orquesta, Glazunov escribió un Concierto para saxofón y orquesta, Prokofiev, Shostakovich y Khachaturian se dirigieron repetidamente a él en sus obras.
Cuerno (corno italiano, Waldhorn alemán, cor francés, corno francés inglés)
El antepasado del cuerno moderno fue el cuerno. Desde la antigüedad, la señal de la bocina anunciaba el inicio de una batalla en la Edad Media y posteriormente, hasta principios del siglo XVIII, se escuchaba durante la caza, competiciones y ceremonias solemnes de la corte. En el siglo XVII, el cuerno de caza comenzó a introducirse ocasionalmente en la ópera, pero no fue hasta el siglo siguiente que se convirtió en un miembro permanente de la orquesta. Y el mismo nombre del instrumento, cuerno, recuerda su función pasada: esta palabra proviene del alemán "Waldhorn", "cuerno de bosque". En checo este instrumento todavía se llama cuerno de bosque.
El tubo de metal del cuerno antiguo era muy largo: cuando estaban desplegados, algunos alcanzaban los 5 m 90 cm. Era imposible sostener un instrumento de este tipo con las manos; Por lo tanto, el tubo del cuerno se dobló y se le dio una forma elegante, similar a una concha.
El sonido del cuerno antiguo era muy hermoso, pero el instrumento resultó tener capacidades sonoras limitadas: solo se podía extraer la llamada escala natural, es decir, aquellos sonidos que surgen al dividir una columna de aire encerrada. en un tubo en 2, 3, 4, 5, 6, etc. partes. Según cuenta la leyenda, en 1753 el trompetista de Dresde, Gampel, metió accidentalmente la mano en la campana y descubrió que la afinación de la trompeta había bajado. Desde entonces, esta técnica ha sido ampliamente utilizada. Los sonidos obtenidos de esta forma se denominaron "cerrados". Pero eran aburridos y muy diferentes de los abiertos y brillantes. No todos los compositores se arriesgaron a recurrir a ellos con frecuencia, y generalmente se conformaban con motivos de fanfarria breves y bien sonoros construidos sobre sonidos abiertos.
En 1830 se inventó el mecanismo de válvulas, un sistema permanente de tubos adicionales que permite a la bocina producir una escala cromática completa y con buen sonido. Después de varias décadas, la bocina mejorada finalmente reemplazó a la antigua bocina natural, que ultima vez Fue utilizado por Rimsky-Korsakov en la ópera "La noche de mayo" en 1878.
La trompa es considerada el instrumento más poético del grupo de metales. En el registro grave el timbre de la trompeta es algo sombrío, en el registro superior es muy tenso. La trompeta puede cantar o narrar lentamente. El cuarteto de trompetas suena muy suavemente; se puede escuchar en el "Vals de las flores" del ballet "El cascanueces" de Tchaikovsky.
Trompeta (tromba italiana, trompeta alemana, trompeta francesa, trompeta inglesa)
Desde la antigüedad, en Egipto, en Oriente, en Grecia y Roma, no han prescindido de una trompeta ni en la guerra ni en las solemnes ceremonias religiosas o cortesanas. La trompeta forma parte de la orquesta de ópera desde sus inicios; El Orfeo de Monteverdi ya contaba con cinco trompetas.
En el siglo XVII y la primera mitad del XVIII se escribieron partes muy virtuosas y de alta tesitura para trompeta, cuyo prototipo fueron las partes de soprano en las obras vocales e instrumentales de esa época. Para interpretar estas partes más difíciles, los músicos de la época de Purcell, Bach y Handel utilizaron instrumentos naturales comunes en esa época con un tubo largo y una boquilla especial que permitía extraer fácilmente los armónicos más altos. La trompeta con dicha boquilla se llamaba “clarino”; su estilo de escritura recibió el mismo nombre en la historia de la música.
En la segunda mitad del siglo XVIII, con cambios en la escritura orquestal, el estilo clarino fue olvidado y la trompeta se convirtió principalmente en un instrumento de fanfarria. Estaba limitado en sus capacidades como la bocina, y se encontraba en una posición aún peor, ya que en él no se utilizaron “sonidos cerrados” que amplían la escala debido a su mal timbre. Pero en los años treinta del siglo XIX, con la invención del mecanismo de válvula, comenzó una nueva era en la historia de la pipa. Se convirtió en un instrumento cromático y al cabo de unas décadas sustituyó a la trompeta natural de la orquesta.
El timbre de la trompeta no es típico del lirismo, pero logra el heroísmo de la mejor manera posible. Entre los clásicos vieneses, las trompetas eran puramente un instrumento de fanfarria. A menudo desempeñaban las mismas funciones en la música del siglo XIX, anunciando el inicio de procesiones, marchas, fiestas solemnes y cacerías. Wagner utilizó las pipas más que otros y de una manera nueva. Su timbre casi siempre se asocia en sus óperas con el romance y el heroísmo caballerescos.
La trompeta es famosa no sólo por su potencia de sonido, sino también por su excepcionalcualidades virtuosas.
Tuba (tuba italiana)
A diferencia de otros representantes del grupo de instrumentos de viento de metal, la tuba es un instrumento bastante joven. Fue construido en el segundo cuarto del siglo XIX en Alemania. Las primeras tubas eran imperfectas y al principio sólo se utilizaban en orquestas militares y de jardín. Sólo cuando llegó a Francia, de la mano del maestro instrumental Adolphe Sax, la tuba empezó a satisfacer las altas exigencias de la orquesta sinfónica.
La tuba es un instrumento bajo que puede cubrir el rango más bajo de la banda de música. En el pasado, sus funciones las desempeñaban la serpiente, un instrumento de extraña forma que le debe su nombre (en todas las lenguas romances, serpiente significa “serpiente”), luego los trombones bajo y contrabajo y el oficleide con su timbre bárbaro. Pero las cualidades sonoras de todos estos instrumentos eran tales que no proporcionaban a la banda de música un bajo bueno y estable. Hasta que apareció la tuba, los maestros buscaron persistentemente un nuevo instrumento.
Las dimensiones de la tuba son muy grandes, su tubo es el doble de largo que el tubo del trombón. Mientras toca, el intérprete sostiene el instrumento frente a él con la campana hacia arriba.
La tuba es un instrumento cromático. El consumo de aire en el tubo es enorme; A veces, especialmente en el registro grave, el intérprete se ve obligado a cambiar su respiración con cada sonido. Por tanto, los solos de este instrumento suelen ser bastante cortos. Técnicamente, el tubo es móvil, aunque pesado. En una orquesta, suele actuar como bajo en un trío de trombón. Pero a veces la tuba actúa como instrumento solista, por así decirlo, en roles de personajes. Así, al orquestar los “Cuadros de una exposición” de Mussorgsky en la obra “Cattle”, Ravel asignó la tuba baja a una imagen humorística de un carro que traquetea arrastrándose por la carretera. La parte de tuba se escribió aquí en un registro muy alto.
Trombón (trombón italiano, inglés, francés)
Trombón debe su nombre al nombre italiano de la trompeta, tromba, con el sufijo magnificador "uno": trombón significa literalmente "trompeta". Y efectivamente: el tubo del trombón es dos veces más largo que la trompeta. Ya en el siglo XVI el trombón recibió su forma moderna y desde el momento de sus inicios fue un instrumento cromático. La escala cromática completa no se logra a través de un mecanismo de válvula, sino mediante el llamado backstage. El eslabón es un tubo adicional largo, con forma de letra U. Se inserta en el tubo principal y lo alarga si se desea. En este caso, el tono del instrumento disminuye en consecuencia. El intérprete empuja la corredera hacia abajo con la mano derecha y sostiene el instrumento con la izquierda.
Los trombones han sido durante mucho tiempo una “familia” formada por instrumentos de varios tamaños. No hace mucho tiempo, la familia del trombón estaba formada por tres instrumentos; cada uno de ellos correspondía a una de las tres voces del coro y recibía su nombre: trombón alto, trombón tenor, trombón bajo.
Tocar el trombón requiere un gran consumo de aire, ya que mover la corredera lleva más tiempo que presionar las válvulas de una trompeta o una trompeta. Técnicamente, el trombón es menos ágil que sus vecinos del grupo: su escala no es tan rápida y clara, el fuerte es un poco pesado, el legato es difícil. Cantilena en el trombón requiere mucho esfuerzo por parte del intérprete. Sin embargo, este instrumento tiene cualidades que lo hacen indispensable en una orquesta: el sonido del trombón es más potente y masculino. Monteverdi, en la ópera "Orfeo", quizás sintió por primera vez el carácter trágico inherente al sonido del conjunto de trombón. Y a partir de Gluck, tres trombones se hicieron obligatorios en la orquesta de la ópera; a menudo aparecen en clímax dramas.
El trío de trombón es bueno para las frases oratorias. Desde la segunda mitad del siglo XIX, el grupo de trombón se complementó con un instrumento bajo: la tuba. Juntos, tres trombones y una tuba forman un cuarteto de “metales pesados”.
En el trombón es posible un efecto único: el glissando. Se logra deslizando el backstage en una posición de los labios del intérprete. Esta técnica ya era conocida por Haydn, quien en su oratorio “Las estaciones” la utilizó para imitar los ladridos de los perros. En la música moderna, el glissando se utiliza bastante. Es curioso el aullido deliberado y el glissando áspero del trombón en la “Danza del sable” del ballet “Gayane” de Khachaturian. También es interesante el efecto del trombón con sordina, que le da al instrumento un sonido siniestro y extraño.
fliscorno (Fliscorno alemán, de Flugel - "ala" y Horn - "cuerno", "cuerno")
Instrumento musical de latón. Exteriormente recuerda mucho a una trompeta o una corneta con pistón, pero se diferencia de ellas por su escala más amplia y su diámetro cónico, que comienza inmediatamente en la parte de la boquilla del tubo. Tiene 3 o 4 válvulas. Se utiliza en conjuntos de jazz, a veces en orquestas sinfónicas y con menos frecuencia en bandas de música. Los trompetistas suelen tocar los fliscornos, interpretando los pasajes necesarios en este instrumento.
Avance:
Violín (violín italiano, violín francés, violín inglés, violín alemán, Geige)
Al violín se le considera, con razón, descendiente de otros instrumentos de cuerda anteriores.
El primer instrumento de arco, el fidel, apareció en Europa en los siglos X y XI.el otro - zhiga - se convirtióInstrumento musical favorito de los juglares, cantantes viajeros y músicos franceses de los siglos XII y XIII. Después de un tiempo, los fidels, rebecs y gigas dieron paso a las violas antiguas: viol da gamba, viol da bardone, viol quinton, cuyo lugar, a su vez, lo ocuparon los violines. Aparecieron en Francia e Italia ya a principios del siglo XVI, y poco después el arte de hacer arcos se extendió por toda Europa. Comenzaron a fabricarse en Tirol, Viena, Sajonia, Holanda e Inglaterra, pero Italia era famosa por los mejores violines. En Brescia y Cremona, dos pequeñas ciudades del noreste del país, se trabajaba hace más de cinco siglos maestros destacados: Gasparo Bertolotti (apodado de Salo) en Brescia y Andrea Amati en Cremona. El arte de fabricar violines se ha transmitido de generación en generación y durante doscientos años las familias Amati, Guarneri y Stradivari han creado instrumentos que todavía se consideran entre los mejores.
La forma del violín se determinó en el siglo XVI y desde entonces sólo ha cambiado en detalles.
Todo lo dicho sobre la técnica de cuerdas se aplica específicamente al violín: es el instrumento másun instrumento móvil y flexible entre los instrumentos de arco. Sus capacidades técnicas crecieron junto con el arte de virtuosos como Vitali, Torelli y Corelli en el siglo XVII.y más tarde - Tartini,Viotti, Spohr, Vietan, Berio, Wieniawski, Sarasate, Ysaï y, por supuesto, N. Paganini. Dominó el asombroso arte de tocar notas dobles, acordes, pizzicato y armónicos. Cuando se le rompieron las cuerdas durante un concierto, continuó tocando las restantes.
Un efecto irresistible se consigue con un violín solista interpretando el tema principal; como ejemplo podemos citar la "Scheherazade" de Rimsky-Korsakov.
A pesar de todas sus cualidades, el violín, junto con el piano, ha desempeñado durante mucho tiempo un papel destacado entre los instrumentos solistas de concierto.
Avance:
Batería
Tímpanos (timbales italianos, timbales franceses, pauken alemán)
Los timbales son uno de los instrumentos más antiguos del mundo. Desde la antigüedad, estaban muy extendidos en muchos países: en Oriente y África, en Grecia, Roma y entre los escitas. La gente tocaba los timbales para acompañar acontecimientos importantes de sus vidas: vacaciones y guerras.
En Europa se utilizan desde hace mucho tiempo timbales pequeños de mano. Los caballeros medievales los usaban mientras montaban a caballo. Los grandes timbales llegaron a Europa recién en el siglo XV, a través de Turquía y Hungría. En el siglo XVII los timbales entraron en la orquesta.
Los timbales modernos parecen grandes calderos de cobre sobre un soporte, cubiertos de cuero. La piel se fija firmemente sobre la caldera mediante varios tornillos. Golpean la piel con dos palos con puntas de fieltro suaves y redondas.
no como los otros instrumentos de percusión con cuero, los timbales producen un sonido de cierto tono. Cada tímpano está afinado cierto tono Por ello, para conseguir dos sonidos, la orquesta empezó a utilizar un par de timbales del siglo XVII. Los timbales se pueden reconstruir: para ello, el intérprete debe apretar o aflojar la piel con tornillos: cuanto mayor es la tensión, mayor es el tono. Sin embargo, esta operación requiere mucho tiempo y es arriesgada durante su ejecución. Por lo tanto, en el siglo XIX, los maestros inventaron los timbales mecánicos, que podían ajustarse rápidamente mediante palancas o pedales.
El papel de los timbales en una orquesta es bastante variado. Sus ritmos enfatizan el ritmo de otros instrumentos, formando figuras rítmicas simples o intrincadas. La rápida alternancia de golpes de ambas baquetas (trémolo) produce un aumento efectivo del sonido o la reproducción del trueno. Haydn también representó truenos usando timbales en Las cuatro estaciones. Shostakovich en la Novena Sinfonía hace que los timbales imiten un cañoneo. A veces a los timbales se les asignan pequeños solos melódicos, como, por ejemplo, en el primer movimiento de la Undécima Sinfonía de Shostakovich.
Caja (tamburo italiano (militar), tambor francés (militar), trommel alemán, tambor lateral inglés)
El tambor es básicamente un instrumento militar. Es un cilindro plano recubierto de cuero por ambos lados. Las cuerdas se estiran debajo de la piel en la parte inferior; respondiendo a los golpes de las baquetas, dan al sonido del tambor un característico crujido. El redoble de tambores suena muy interesante: un trémolo con dos baquetas que se pueden llevar a una velocidad extrema. La fuerza del sonido en un trémolo de este tipo varía desde un susurro hasta un crujido atronador. La obertura de "La urraca ladrona" de Rossini comienza con el redoble de dos tambores; el golpe sordo del tambor se escucha en el momento de la ejecución de Till Eulenspiegel en el poema sinfónico de Richard Strauss.
A veces las cuerdas debajo de la piel inferior del tambor se bajan y dejan de responder a los golpes de las baquetas. Este efecto equivale a introducir una sordina: la caja pierde la potencia del sonido. Así suena en la sección de danza “El zarevich y la princesa” de “Scheherazade” de Rimsky-Korsakov.
El tambor apareció por primera vez en óperas pequeñas en el siglo XIX, y al principio sólo se introdujo en episodios militares. Meyerbeer fue el primero en introducir el tambor más allá de los episodios militares en las óperas "Los hugonotes" y "El profeta".
En algunos casos, la caja se convierte en el “personaje principal” no sólo en grandes episodios sinfónicos, sino también en toda la obra. Los ejemplos incluyen el “episodio de invasión” de la Séptima Sinfonía de Shostakovich y el “Bolero” de Ravel, donde uno y luego dos tambores mantienen todo el pulso rítmico de la música.
Bombo (gran casso italiano, grosse caisse francés, grobe trommel alemán, bombo inglés).
Hoy en día existen dos tipos de bombo. Uno de ellos es un cilindro metálico de gran diámetro, hasta 72 cm, recubierto de cuero por ambos lados. Este tipo de bombo es común en bandas militares, bandas de jazz y orquestas sinfónicas en Estados Unidos. Otro tipo de tambor es un aro con piel en un lado. Se originó en Francia y rápidamente se extendió a las orquestas sinfónicas de Europa. Para golpear la piel del bombo se utiliza un palo de madera con un mazo suave cubierto de fieltro o corcho.
Muy a menudo, los golpes del bombo van acompañados del repique de los címbalos o se alternan con él, como en el baile rápido “En la cueva del rey de la montaña” de Peer Gynt de Grieg. En un bombo también es posible una rápida alternancia de golpes (trémolo). Para ello se utiliza una baqueta con dos mazos en ambos extremos o baquetas de timbales. Rimksy-Korsakov utilizó con gran éxito el trémolo del bombo en la instrumentación de la película sinfónica de Mussorgsky "Night on Bald Mountain".
Al principio, el tambor grande apareció sólo en la “música turca”, pero desde principios del siglo XIX comenzaron a usarse a menudo con fines de representación del sonido: para imitar cañonazos y truenos. Beethoven incluyó tres grandes tambores en la "Batalla de Vittoria" para representar los disparos de cañón. Con el mismo propósito, Rimsky-Korsakov utilizó este instrumento en "El cuento del zar Saltan", Shostakovich en la Undécima Sinfonía y Prokofiev en la octava escena de la ópera "Guerra y paz" (el comienzo de la Batalla de Borodino). Al mismo tiempo, el bombo también suena allí donde no hay onomatopeyas y, sobre todo, en lugares ruidosos y ruidosos.
Xilófono (xilófono italiano, xilófono francés)
El xilófono aparentemente nació en el momento en que el hombre primitivo golpeó con un palo un bloque de madera seca y escuchó el sonido de un determinado tono. Se han encontrado muchos xilófonos de madera primitivos de este tipo en América del Sur, África y Asia. En Europa, a partir del siglo XV, este instrumento cayó en manos de músicos viajeros y recién a principios del siglo XIX se convirtió en instrumento de concierto. Su perfeccionamiento se lo debe al músico de Mogilev, el dulcimerista autodidacta Mikhail Iosifovich Guzikov.
El cuerpo sonoro de un xilófono es bloques de madera de diferentes tamaños (xylon - en griego "árbol", teléfono - "sonido"). Están dispuestos en cuatro filas sobre hebras de estera. El artista puede enrollarlos y colocarlos en una mesa especial durante el juego; Tocan el xilófono con dos palos de madera, "patas de cabra". El sonido del xilófono es seco, chasqueante y agudo. Tiene un color muy característico, por lo que su aparición en una pieza musical suele asociarse a una situación argumental especial o a un estado de ánimo especial. Rimsky-Korsakov en "El cuento del zar Saltan" confía al xilófono la canción "Ya sea en el jardín o en el huerto" en el momento en que una ardilla roe nueces doradas. Lyadov utiliza los sonidos de un xilófono para representar el vuelo de Baba Yaga en un mortero, tratando de transmitir el crujido de las ramas rotas. A menudo, el timbre de un xilófono evoca un estado de ánimo sombrío y crea imágenes extrañas y grotescas. Las breves frases del xilófono en el “episodio de invasión” de la Séptima Sinfonía de Shostakovich suenan melancólicas.
El xilófono es un instrumento muy virtuoso. Permite una mayor fluidez en pasajes rápidos, trémolo y un efecto especial - glissando: movimiento rápido de la baqueta a lo largo de los compases.
Platillos (piatti italiano, platillos franceses, Becken alemán, platillos ingleses)
Las placas ya eran conocidas en el mundo antiguo y en el antiguo Oriente, pero los turcos eran famosos por su amor especial y su excepcional arte de fabricarlas. En Europa, los platos se hicieron populares en el siglo XVIII, después de la guerra con los otomanos.
Los platos son grandes platos de metal fabricados con aleaciones de cobre. Los platillos son ligeramente convexos en el centro; aquí se unen correas de cuero para que el intérprete pueda sostener el instrumento en sus manos. Los platillos se tocan de pie para que nada interfiera con su vibración y para que el sonido viaje libremente en el aire. La forma habitual de tocar este instrumento es un golpe oblicuo y deslizante de un platillo contra otro; después de esto se produce un sonido metálico que flota en el aire durante mucho tiempo. Si el intérprete quiere detener la vibración de los platillos, los acerca a su pecho y las vibraciones cesan. A menudo los compositores acompañan el ruido de los platillos con el trueno de un bombo; Estos instrumentos a menudo suenan juntos, como, por ejemplo, en los primeros compases del final de la cuarta sinfonía de Tchaikovsky. Además del golpe oblicuo, existen otras formas de tocar los platillos: cuando, por ejemplo, se golpea un platillo que cuelga libremente con una baqueta de timbal o con baquetas de madera.
Una orquesta sinfónica suele utilizar un par de platillos. En casos raros, como, por ejemplo, en la "Sinfonía funeraria-triunfal" de Berlioz, se utilizan tres pares de platos.
Triángulo (triahgalo italiano, triángulo francés, Triangel alemán, triángulo inglés)
El triángulo es uno de los instrumentos más pequeños de una orquesta sinfónica. Es una varilla de acero doblada en forma de triángulo. Lo cuelgan de una cuerda de tripa y lo golpean con un pequeño palo de metal: se escucha un sonido muy claro.
Las formas de jugar al triángulo no son muy diversas. A veces solo se produce un sonido, a veces se producen patrones rítmicos simples. Suena bien en un triángulo de trémolo.
El triángulo fue mencionado por primera vez en el siglo XV. En el siglo XVIII fue utilizado en la ópera por el compositor Grétry. Entonces el triángulo se convirtió en un participante invariable en el "turco", es decir. música exótica, apareciendo junto con un bombo y platillos. Este grupo de percusión fue utilizado por Mozart en “El rapto del serrallo”, Beethoven en la “Marcha turca” de “Las ruinas de Atenas” y algunos otros compositores que buscaban reproducir la imagen musical de Oriente. El triángulo también es interesante en piezas de danza elegantes: en “Anitra’s Dance” de “Peer Gynt” de Grieg, en “Waltz-Fantasy” de Glinka.
Campanas (campanelli italiano, carillón francés, Glockenspiel alemán)
Las campanas son probablemente el instrumento más poético del grupo de percusión. Su nombre proviene de su antigua variedad, donde el cuerpo sonoro eran pequeñas campanas afinadas en un tono determinado. Posteriormente fueron sustituidas por un conjunto de placas metálicas de distintos tamaños. Están dispuestas en dos filas, como las teclas de un piano, y montadas en una caja de madera. Las campanas se tocan con dos mazos de metal. Existe otra variedad de este instrumento: las campanas de teclado. Disponen de un teclado de piano y martillos que transmiten las vibraciones de las teclas a las placas metálicas. Sin embargo, esta cadena de mecanismos no refleja muy bien su sonido: no es tan brillante ni resonante como las campanas normales. Sin embargo, aunque son inferiores a las campanas de martillo en cuanto a la belleza del sonido, los teclados son técnicamente superiores. Gracias al teclado del piano, son posibles pasajes bastante rápidos y acordes polifónicos. El timbre de las campanas es plateado, suave y resonante. Suenan en "La flauta mágica" de Mozart durante la entrada de Papageno, en el aria con campanas de "Lakmé" de Delibes, en "La doncella de las nieves" de Rimsky-Korsakov, cuando Mizgir, persiguiendo a la Doncella de las Nieves, ve las luces de las luciérnagas, en "El Gallo de Oro" cuando entra el Astrólogo.
Campanas (campane italiana, campanas francesas, Glocken alemana)
Desde la antigüedad, el repique de las campanas convocaba a la gente a ceremonias y fiestas religiosas, y también anunciaba desgracias. Con el desarrollo de la ópera, con la aparición de temas históricos y patrióticos en ella, los compositores comenzaron a introducir campanas en la ópera. Los sonidos de las campanas en la ópera rusa están especialmente representados: el repique solemne en "Ivan Susanin", "El cuento del zar Saltan", "La mujer de Pskov" y "Boris Godunov" (en la escena de la coronación), la alarma alarmante campana en “Príncipe Igor”, el repique fúnebre en “Boris Godunov”. En todas estas óperas se presentaron campanas de iglesia reales, que en los grandes teatros de ópera se colocan detrás del escenario. Sin embargo, no todos los teatros de ópera podían permitirse el lujo de tener su propio campanario, por lo que los compositores sólo ocasionalmente introdujeron pequeñas campanas en la orquesta, como hizo Tchaikovsky en la Obertura de 1812. Mientras tanto, con el desarrollo de la música programática, surgió cada vez más la necesidad de imitar el repique de campanas en una orquesta sinfónica; así, después de un tiempo, se crearon campanas orquestales, un conjunto de tubos de acero suspendidos de un marco. En Rusia estas campanas se llaman italianas. Cada uno de los tubos está afinado con un tono específico; golpéelos con un martillo de metal con junta de goma.
Las campanas orquestales fueron utilizadas por Puccini en la ópera "Tosca" y Rachmaninov en el poema vocal-sinfónico "Las campanas". Prokofiev en "Alexander Nevsky" reemplazó las tuberías con largas barras de metal.
Pandereta
La pandereta, uno de los instrumentos más antiguos del mundo, apareció en la orquesta sinfónica en el siglo XIX. El diseño de este instrumento es muy simple: generalmente es un aro de madera con cuero tensado en un lado. Se colocan baratijas de metal en la ranura del aro (en el lateral) y en el interior se ensartan pequeñas campanas con una cuerda en forma de estrella. Todo esto suena al menor movimiento de la pandereta.
La parte de la pandereta, al igual que otros tambores que no tienen un tono determinado, generalmente no está escrita en un pentagrama, sino en una regla separada, que se llama "hilo".
Las técnicas para tocar la pandereta son muy diversas. En primer lugar, se trata de golpes bruscos en la piel y golpes sobre ella con patrones rítmicos complejos. En estos casos, tanto la piel como las campanas emiten sonido. Cuando se golpea con fuerza, la pandereta suena con fuerza; cuando se toca débilmente, se escucha un ligero tintineo de campanas. Hay muchas formas en las que el intérprete hace solo un sonido de campana. Se trata de una sacudida rápida de la pandereta: produce un trémolo penetrante; ésta es una sacudida suave; y finalmente, se escucha un trino espectacular cuando el intérprete pasa el pulgar mojado por la piel: esta técnica provoca un animado repique de campanas.
La pandereta es un instrumento característico, por lo que no se utiliza en todas las obras. Suele aparecer allí donde Oriente o España deberían cobrar vida en la música: en “Scheherazade” y en “Capriccio español” de Rimsky-Korsakov, en la danza de los niños árabes en el ballet “Raymonda” de Glazunov, en las danzas temperamentales de los polovtsianos en "El príncipe Igor" de Borodin, en "Carmen" de Bizet.
Castañuelas (español: castañuelas)
El nombre "castañuelas" significa "castañas" en español. España, muy probablemente, era su patria; allí las castañuelas se convirtieron en reales instrumento nacional. Las castañuelas están hechas de madera dura: ébano o boj; las castañuelas tienen forma de concha.
En España se utilizaban dos pares de castañuelas para acompañar el baile y el canto; cada par se mantenía unido mediante un cordón que se tensaba alrededor del pulgar. Los dedos restantes, que permanecían libres, golpeaban ritmos intrincados en las conchas de madera. Cada mano necesitaba su propio tamaño de castañuelas: en la mano izquierda el intérprete sostenía conchas de gran volumen, emitían un tono más bajo y debían marcar el ritmo principal. Castañuelas para mano derecha eran de menor tamaño; su tono era más alto. Los bailarines y bailarinas españolas dominaban este complejo arte, que les habían enseñado desde pequeños. El seco y juguetón chasquido de las castañuelas siempre acompañó a los temperamentales bailes españoles: bolero, seguidillo, fandango.
Cuando los compositores quisieron introducir las castañuelas en la música sinfónica, se diseñó una versión simplificada de este instrumento: las castañuelas orquestales. Se trata de dos pares de conchas montadas en los extremos de un mango de madera. Cuando se agitan, se escucha un chasquido, una copia débil de las castañuelas españolas reales.
En la orquesta, las castañuelas comenzaron a utilizarse principalmente en música de carácter español: en las oberturas españolas de Glinka "La caza aragonesa" y "Noche en Madrid", en el "Capriccio español" de Rimsky-Korsakov, en baile español de los ballets de Tchaikovsky y de la música occidental: en "Carmen" de Bizet, en las obras sinfónicas "Iberia" de Debussy, "Alborada del Gracioso" de Ravel. Algunos compositores llevaron las castañuelas más allá de la música española: Saint-Saëns las utilizó en la ópera Sansón y Dalida, Prokofiev, en el tercer concierto para piano.
Tam-tam (tam-tam francés e italiano, Tam-Tam alemán)
El tam-tam, instrumento de percusión de origen chino, tiene forma de disco con bordes engrosados. Está hecho de una aleación especial cercana al bronce. Cuando se juega tam-tam, el tam-tam se cuelga de un marco de madera y se golpea con un mazo con punta de fieltro. El sonido tam-tam es bajo y denso; después del impacto se propaga durante mucho tiempo, ahora fluyendo hacia adentro, ahora alejándose. Esta característica del instrumento y la naturaleza misma de su timbre le confieren una especie de expresividad siniestra. Dicen que a veces un solo golpe de tam-tam a lo largo de toda la pieza es suficiente para causar una fuerte impresión en el público. Un ejemplo de esto es el final de la Sexta Sinfonía de Tchaikovsky.
En Europa, el tam-tam apareció durante la Revolución Francesa. Después de un tiempo, este instrumento fue llevado a la orquesta de la ópera y desde entonces, por regla general, se ha utilizado en situaciones trágicas y "fatales". El golpe tam-tam significa muerte, catástrofe, presencia de poderes mágicos, una maldición, un presagio y otros eventos “fuera de lo común”. En "Ruslan y Lyudmila", el tam-tam suena en el momento del secuestro de Lyudmila por Chernomor, en "Robert the Devil" de Meyerberg - en la escena de la "resurrección de las monjas", en "Scheherazade" de Rimsky-Korsakov - en el momento en que el barco de Sinbad se estrella contra las rocas. Los ritmos de tam-tam también se escuchan en el trágico clímax del primer movimiento de la Séptima Sinfonía de Shostakovich.
Claves.
Las claves son un instrumento de percusión de origen cubano: son dos palos redondos, de entre 15 y 25 cm de largo cada uno, tallados en madera muy dura. El artista sostiene de manera especial uno de ellos en su mano izquierda, de modo que la palma apretada actúa como resonador, y lo golpea con otro palo.
El sonido de la clave es agudo, agudo, fuerte, como un xilófono, pero sin un tono determinado. El tono del sonido depende del tamaño de las baquetas; A veces, una orquesta sinfónica utiliza dos o incluso tres pares de estos palos, de diferente tamaño.
Frusta.
Frusta consta de dos tablas de madera, una de las cuales tiene un mango y la segunda está fijada en el extremo inferior sobre el mango con una bisagra; cuando se gira bruscamente o con la ayuda de un resorte apretado, hace un ruido con su extremo libre. contra el otro. Como regla general, de la frustración solo se extraen pops individuales fuertes y fortissimo, que rara vez se suceden uno tras otro.
Frusta es un instrumento de percusión que no tiene una altura determinada, por lo que su parte, al igual que la parte de pandereta, no está escrita en un pentagrama, sino en una “cuerda”.
Frusta es bastante común en las partituras modernas. El tercer movimiento de “Lorelei” de la Decimocuarta Sinfonía de Shostakovich comienza con dos palmadas en este instrumento.
Bloque de madera.
El bloque de madera es un instrumento de percusión de origen chino. Antes de su aparición en la sección de percusión de una orquesta sinfónica, el bloque de madera era muy popular en el jazz.
Un bloque de madera es un pequeño bloque rectangular de madera dura con un corte profundo y estrecho en la parte frontal. La técnica de tocar el bloque de madera es la percusión: el sonido se produce golpeando el plano superior del instrumento con baquetas, mazos de madera y baquetas con parches de goma. El sonido resultante es agudo, agudo, característico de chasquido y de tono indefinido.
Como instrumento de percusión de tono indefinido, el bloque de madera se anota en una “cuerda” o una combinación de reglas.
Manzana del templo, Tartaruga.
El bloque del templo es un instrumento de origen coreano o del norte de China, un atributo del culto budista. El instrumento tiene forma redonda, hueco por dentro, con un corte profundo en el medio (como una boca risueña) y está hecho de madera dura.
Como la mayoría de los otros instrumentos de percusión “exóticos”, el temple block se difundió por primera vez en el jazz, de donde pasó a la orquesta sinfónica.
El sonido del bloque del templo es más oscuro y profundo que el del bloque de madera estrechamente relacionado, tiene un tono bastante definido, por lo que, utilizando un conjunto de bloques del templo, se pueden obtener frases melódicas en ellos, por ejemplo, S. Slonimsky. Usó estos instrumentos en "Concert buffé".
Tocan bloques de templo golpeando la cubierta superior con baquetas con cabezas de goma, mazos de madera y baquetas.
A veces, una orquesta sinfónica utiliza conjuntos de caparazones de tortuga, que en principio son similares a tocar bloques de plantillas, pero suenan más secos y débiles. S. Slonimsky utilizó un conjunto de caparazones de tortuga llamado Tartaruga en su "Concert Buff".
Güiro, reko-reko, sapo.
Estos instrumentos son de origen latinoamericano; son similares tanto en su principio de diseño como en la forma de tocarlos.
Están hechos de un segmento de bambú (reco-reco), de una calabaza seca (güiro) o de otro objeto hueco que sirve como resonador. En un lado de la herramienta se realizan una serie de muescas o muescas. En algunos casos, se monta una placa con una superficie ondulada. Se pasa un palo de madera especial a lo largo de estas muescas, lo que produce un sonido agudo y agudo con un característico crujido. La variedad más común de estos instrumentos relacionados es el güiro. I. Stravinsky fue el primero en introducir este instrumento en la orquesta sinfónica, en La consagración de la primavera. El reco-reco se encuentra en el "Concert-bouffe" de Slonimsky, y el sapo, un instrumento similar al reco-reco, se utiliza en la partitura de "Tres poemas de Henri Michaud" de W. Lutoslawski.
Trinquete.
en instrumentos musicales varios pueblos Hay muchos trinquetes de diversas formas y dispositivos. En una orquesta sinfónica, el trinquete es una caja que el intérprete hace girar sobre un mango alrededor de una rueda dentada. Al mismo tiempo, una placa de madera elástica, al saltar de un diente a otro, produce un crujido característico.
Maracas, chocalo (tubo), camezo.
Todos estos instrumentos son de origen latinoamericano. Una maraca es un sonajero de madera redondo o con forma de huevo, con mango y lleno de perdigones, granos, guijarros u otros materiales a granel. Estos instrumentos folclóricos suelen estar hechos de coco o de una calabaza seca hueca con mango natural. Las maracas son muy populares en las orquestas de música bailable y en el jazz. S. Prokofiev fue el primero en utilizar este instrumento como parte de una orquesta sinfónica ("Danza de las muchachas antillanas" del ballet "Romeo y Julieta", cantata "Alexander Nevsky"). Hoy en día se suele utilizar un par de instrumentos: el intérprete los sostiene con ambas manos y, agitándolos, produce un sonido. Al igual que otros instrumentos de percusión sin un tono específico, la maraca está anotada en una "cuerda". Según el principio de producción de sonido, las maracas están cercanas a los chocalos y camezos. Se trata de cilindros de cameso de metal, a cuadros, o de madera, llenos, como maracas, con algún tipo de sustancia granular. Algunos modelos tienen una pared lateral cubierta con una membrana de cuero. Tanto la cecala como el camezo suenan más fuertes y agudos que las maracas. También se sostienen con ambas manos, se agitan vertical u horizontalmente o se giran.
Kabatsa.
Inicialmente, este instrumento de origen afrobrasileño fue popular en las orquestas musicales latinoamericanas, de donde recibió su distribución posterior. Externamente, la kabatsa se asemeja a una maraca dos veces agrandada, cubierta con una malla con grandes cuentas ensartadas. El intérprete sostiene el instrumento en una mano y simplemente lo golpea con los dedos de la otra, o con un movimiento tangencial de la palma se desplaza a través de una red de cuentas. En este último caso se produce un susurro más largo, que recuerda al sonido de las maracas. Slonimsky fue uno de los primeros en utilizar kabatsu en Concert Buff.
Bongs.
Este instrumento es de origen cubano. Después de la modernización, los bongs comenzaron a utilizarse ampliamente en orquestas de música dance, jazz e incluso en obras de música seria. Los bongs tienen la siguiente estructura: el cuero se tensa sobre un cuerpo cilíndrico de madera (de 17 a 22 cm de altura) y se fija con un aro de metal (su tensión se ajusta desde el interior con tornillos). El borde de metal no se eleva por encima del nivel de la piel: esto es lo que determina un toque tan característico del bong con las palmas, con le mani o con los dedos, con le dita. Dos bongs de diferentes diámetros suelen estar unidos entre sí mediante un soporte común. Un bong más pequeño suena aproximadamente un tercio más alto que uno más ancho. El sonido del bong es agudo, concretamente “vacío” y cambia según el lugar y el método de impacto. Debido a esto, en cada instrumento se pueden obtener dos sonidos agudos diferentes: un golpe alargado dedo índice en el borde o grande hacia el centro - y más bajo (en algún lugar dentro de la segunda o tercera mayor) - al golpear con toda la palma o la yema del dedo más cerca del centro.
Avance:
Piano (piano-forte italiano, piano francés; Fortepiano alemán, Hammerklavier; piano inglés)
La fuente del sonido en un piano son las cuerdas de metal, que comienzan a sonar cuando se golpean con martillos de madera cubiertos de fieltro, y los martillos se activan presionando las teclas con los dedos.
Los primeros instrumentos de teclado, conocidos ya a principios del siglo XV, fueron el clavecín y el clavicordio (clavicembalo en italiano). En el clavicémbalo, las cuerdas se hacían vibrar mediante palancas de metal (tangentes), en el clavecín, mediante plumas de cuervo y, más tarde, mediante ganchos de metal. El sonido de estos instrumentos era dinámicamente monótono y se desvanecía rápidamente.
El primer piano de martillo, llamado así porque tocaba sonidos fuertes y de piano, probablemente fue construido por Bartolomeo Cristofori en 1709. Este nuevo instrumento rápidamente ganó reconocimiento y, después de muchas mejoras, se convirtió en el piano de cola de concierto moderno. En 1826 se construyó un piano para tocar música en casa.
El piano es ampliamente conocido como instrumento de concierto solista. Pero a veces también actúa como un instrumento de orquesta común y corriente. Los compositores rusos, empezando por Glinka, comenzaron a introducir un piano en la orquesta, a veces junto con un arpa, para recrear la sonoridad del gusli. Así se utiliza en las canciones de Bayan en “Ruslan y Lyudmila” de Glinka, en “Sadko” y en “May Night” de Rimsky-Korsakov. A veces el piano reproduce el sonido de una campana, como en Boris Godunov de Mussorgsky con instrumentación de Rimsky-Korsakov. Pero no siempre se limita a imitar otros timbres. Algunos compositores lo utilizan en la orquesta como instrumento decorativo, capaz de introducir sonoridad y nuevos colores en la orquesta. Así, Debussy escribió una parte de piano a cuatro manos en la suite sinfónica “Primavera”. Finalmente, a veces se lo ve como una especie de instrumento de percusión con un tono fuerte y seco. El conmovedor y grotesco scherzo de la primera sinfonía de Shostakovich es un ejemplo de esto.
Avance:
Clave
Instrumento musical de cuerda de teclado. Un clavecinista es un músico que interpreta obras musicales tanto con clavecín como con sus variedades. La primera mención de un instrumento tipo clavecín aparece en una fuente de Padua (Italia) de 1397; la imagen más antigua conocida se encuentra en un altar en Minden (1425). El clavecín se siguió utilizando como instrumento solista hasta finales del siglo XVIII. Durante un tiempo se utilizó para tocar el bajo digital, para acompañar recitativos en óperas. DE ACUERDO. 1810 está prácticamente fuera de uso. El resurgimiento de la cultura de tocar el clavecín comenzó a principios del siglo XIX y XX. Los clavecines del siglo XV no han sobrevivido. A juzgar por las imágenes, estas fueron herramientas cortas con un cuerpo pesado. La mayoría de los clavecines del siglo XVI que se conservan se fabricaron en Italia, donde Venecia era el principal centro de producción. Una copia del clavecín flamenco. Tenían un registro de 8` (menos a menudo dos registros, 8` y 4`) y se distinguían por su gracia. Su cuerpo solía estar hecho de ciprés. El ataque de estos clavecines era más claro y el sonido más abrupto que el de los instrumentos flamencos posteriores. El centro de producción de clavecín más importante del norte de Europa fue Amberes, donde trabajaron representantes de la familia Ruckers desde 1579. Sus clavecines tienen cuerdas más largas y cuerpos más pesados que los instrumentos italianos. A partir de la década de 1590 se produjeron en Amberes clavecines con dos manuales. Los clavecines franceses, ingleses y alemanes del siglo XVII combinan las características de los modelos flamencos y holandeses. Clavicémbalo francés Han sobrevivido algunos clavecines franceses de dos manuales con cuerpo de nogal. A partir de la década de 1690 se produjeron en Francia clavecines del mismo tipo que los instrumentos de Ruckers. Entre los maestros del clavecín franceses destacó la dinastía Blanchet. En 1766, Taskin heredó el taller de Blanchet. Los fabricantes ingleses de clavecín más importantes del siglo XVIII fueron los Shudy y la familia Kirkman. Sus instrumentos tenían un cuerpo de roble revestido de madera contrachapada y se distinguían por un sonido fuerte con un timbre rico. En la Alemania del siglo XVIII, el principal centro de producción de clavecín era Hamburgo; entre los fabricados en esta ciudad se encuentran instrumentos con registros de 2` y 16`, así como con 3 manuales. El modelo de clavecín inusualmente largo fue diseñado por J.D. Dulken, un destacado maestro holandés del siglo XVIII. En la segunda mitad del siglo XVIII. El clavicémbalo empezó a ser sustituido por el piano. DE ACUERDO. 1809 La compañía Kirkman lanza su último clavicémbalo. El iniciador del resurgimiento del instrumento fue A. Dolmech. Construyó su primer clavecín en 1896 en Londres y pronto abrió talleres en Boston, París y Haslemere. Clavicémbalo moderno La producción de clavecín también fue iniciada por las compañías parisinas Pleyel y Erard. Pleyel comenzó a producir un modelo de clavecín con una estructura de metal que sostenía cuerdas gruesas y tensas; Wanda Landowska formó a toda una generación de clavecinistas con instrumentos de este tipo. Los maestros de Boston Frank Hubbard y William Dowd fueron los primeros en copiar clavecines antiguos..
Avance:
Órgano (órgano italiano, orgue francés, Orgel alemán, órgano inglés)
El instrumento de viento de teclado, el órgano, se conoce desde la antigüedad. En los órganos antiguos, el aire se bombeaba manualmente mediante fuelles. En la Europa medieval, el órgano se convirtió en un instrumento de culto en la iglesia. Fue en el ambiente espiritual del siglo XVII donde surgió el arte polifónico para órgano, cuyos mejores representantes fueron Frescobaldi, Bach y Handel.
El órgano es un instrumento gigantesco con muchos tonos diferentes.
"Esta es toda una orquesta que en manos hábiles puede transmitirlo todo, expresarlo todo", escribió Balzac sobre él. De hecho, el rango del órgano excede el rango de todos los instrumentos de la orquesta combinados. El órgano incluye fuelles para suministrar aire, un sistema de tubos de varios diseños y tamaños (en los órganos modernos el número de tubos llega a 30.000), varios teclados manuales y un pedal. Los tubos más grandes alcanzan una altura de 10 metros o más, la altura de los más pequeños es de 8 milímetros. Este o aquel color de sonido depende de su dispositivo.
Un conjunto de tubos de un solo timbre se llama registro. Los grandes órganos de catedral tienen más de cien registros: en el órgano de la catedral de Notre Dame su número llega a 110. El color de los sonidos de los registros individuales se asemeja al timbre de una flauta, oboe, cor inglés, clarinete, clarinete bajo, trompeta y violonchelo. Cuanto más ricos y variados son los registros, mayores son las oportunidades que recibe el intérprete, porque el arte de tocar el órgano es el arte del buen registro, es decir. Uso hábil de todos los recursos técnicos del instrumento.
En la música orquestal moderna (especialmente en la música teatral), el órgano se utilizaba principalmente con fines sonoros y visuales, donde era necesario reproducir la atmósfera de la iglesia. Liszt, por ejemplo, en el poema sinfónico “La batalla de los hunos”, utilizó el órgano para contrastar el mundo cristiano con el de los bárbaros.
Avance:
Arpa - instrumento musical de cuerda pulsada. Tiene forma de triángulo y consta de: en primer lugar, un cuerpo de caja resonante de aproximadamente 1 metro de largo que se expande hacia abajo; su forma anterior era cuadrangular, pero la actual es redondeada en un lado; está equipado con una tapa armónica plana, generalmente de madera de arce, en medio de la cual, a lo largo del cuerpo, se fija una tira estrecha y delgada de madera dura, en la que se perforan agujeros para perforar las cuerdas de tripa; en segundo lugar, desde la parte superior (en forma de un cuello grande), curvado en forma de serpiente, adherido a la parte superior del cuerpo, formando un ángulo agudo con él; A esta parte se unen clavijas para fortalecer las cuerdas y afinarlas; en tercer lugar, a partir de una viga frontal con forma de columna, cuya finalidad es resistir la fuerza producida por las cuerdas tensadas entre el diapasón y el cuerpo resonante. Como el arpa ya tenía en el pasado un volumen sonoro importante (cinco octavas) y el espacio para las cuerdas de la escala cromática completa no es suficiente, las cuerdas del arpa se tensan sólo para producir los sonidos de la escala diatónica. En un arpa sin pedal, sólo puedes tocar una escala. Para los aumentos cromáticos en épocas anteriores, las cuerdas debían acortarse presionando los dedos contra el diapasón; posteriormente este prensado comenzó a realizarse con la ayuda de ganchos accionados a mano. Estas arpas resultaron extremadamente incómodas para los intérpretes; Estas deficiencias fueron eliminadas en gran medida por un mecanismo de pedal inventado por Jacob Hochbrucker en 1720. Este maestro colocó siete pedales en el arpa, actuando sobre los conductores que pasaban a través del espacio vacío de la viga hasta el diapasón y allí colocaba los ganchos en una posición tal que ellos, adheridos firmemente a las cuerdas, producían realces cromáticos a lo largo de todo el volumen del instrumento.
Orquesta Sinfónica
Orquesta(de la orquesta griega): un gran grupo de músicos instrumentales. A diferencia de los conjuntos de cámara, en una orquesta algunos de sus músicos forman grupos que tocan al unísono, es decir, tocan las mismas partes.
La idea misma de tocar música simultáneamente por parte de un grupo de intérpretes instrumentales se remonta a la antigüedad: allá por Antiguo Egipto Pequeños grupos de músicos tocaron juntos en varios días festivos y funerales.
La palabra "orquesta" ("orquesta") proviene del nombre de la plataforma redonda frente al escenario del teatro griego antiguo, que albergaba al coro griego antiguo, participante en cualquier tragedia o comedia. Durante el Renacimiento y más allá XVII siglo, la orquesta se transformó en un foso de orquesta y, en consecuencia, dio su nombre al grupo de músicos que se alojaban en él.
Hay muchos tipos diferentes de orquesta: orquesta militar formada por instrumentos de viento y metal, orquestas de instrumentos folclóricos y orquestas de cuerda. La más grande en composición y más rica en capacidades es la orquesta sinfónica.
SinfónicoSe llama orquesta compuesta por varios grupos heterogéneos de instrumentos: familias de cuerdas, vientos y percusión. El principio de tal unificación se desarrolló en Europa en XVIII siglo. Inicialmente, la orquesta sinfónica incluía grupos de instrumentos de arco, de viento y de metal, a los que se sumaban algunos instrumentos musicales de percusión. Posteriormente, la composición de cada uno de estos grupos se amplió y diversificó. Actualmente, entre una serie de variedades de orquestas sinfónicas, se acostumbra distinguir entre una orquesta sinfónica pequeña y grande. Una pequeña orquesta sinfónica es una orquesta de composición predominantemente clásica (que toca música de finales del siglo XVIII y principios del XIX, o estilizaciones modernas). Consta de 2 flautas (rara vez una flauta pequeña), 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 (raramente 4) trompas, a veces 2 trompetas y timbales, un grupo de cuerdas de no más de 20 instrumentos (5 primeros y 4 segundos violines , 4 violas, 3 violonchelos, 2 contrabajos). La Gran Orquesta Sinfónica (BSO) incluye trombones obligatorios en el grupo de metales y puede tener cualquier composición. A menudo los instrumentos de madera (flautas, oboes, clarinetes y fagotes) alcanzan hasta 5 instrumentos de cada familia (a veces hay más clarinetes) e incluyen variedades (flautas pequeñas y contralto, oboe de Cupido y oboe inglés, clarinetes pequeños, alto y bajo, contrafagot). ). El grupo de metales puede incluir hasta 8 trompas (incluidas las tubas especiales de Wagner), 5 trompetas (incluidas caja, contralto y bajo), de 3 a 5 trombones (tenor y tenorbajo) y tuba. Los saxofones se utilizan con mucha frecuencia (en una orquesta de jazz, los 4 tipos). El grupo de cuerdas llega a 60 o más instrumentos. Existen numerosos instrumentos de percusión (aunque su columna vertebral son timbales, campanas, tambores pequeños y grandes, triángulos, platillos y el tam-tom indio), a menudo se utilizan el arpa, el piano y el clavicémbalo.
Para ilustrar el sonido de la orquesta, utilizaré la grabación del concierto final de la Orquesta Sinfónica de YouTube. El concierto tuvo lugar en 2011 en la ciudad australiana de Sydney. Fue visto en vivo por televisión por millones de personas en todo el mundo. La Orquesta Sinfónica de YouTube se dedica a fomentar el amor por la música y mostrar la vasta diversidad creativa de la humanidad.
El programa del concierto incluyó obras conocidas y poco conocidas de compositores famosos y poco conocidos.
Aquí su programa:
Hector Berlioz - Carnaval romano - Obertura, op. 9 (con Android Jones - artista digital)
Conoce a Maria Chiossi - Arpa
Percy Grainger - Llegada a una plataforma Humlet en pocas palabras - Suite
Johan Sebastian Bach - Toccata en fa mayor para órgano (con Cameron Carpenter)
Conoce a Paulo Calligopoulos - Guitarra eléctrica y violín
Alberto Ginastera - Danza del trigo y Danza final (Malambo) del ballet Estancia (dirigido por Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bell"idol mio" - Canon a tres voces, K562 (con el Coro de Niños de Sydney y la soprano Renee Fleming vía vídeo)
Conoce a Xiomara Misa - Oboe
Benjamin Britten - La guía de orquesta para jóvenes, op.
William Barton - Kalkadunga (con William Barton - Didgeridoo)
Timothy Constable - Suna
Conoce a Roman Riedel - Trombón
Richard Strauss - Fanfarria para la Filarmónica de Viena (con Sarah Willis, Trompa, Filarmónica de Berlín y dirigida por Edwin Outwater)
*ESTRENO* Mason Bates - Mothership (compuesto especialmente para la Orquesta Sinfónica de YouTube 2011)
Conoce a Su Chang - Guzheng
Felix Mendelssohn - Concierto para violín en mi menor, op. 64 (Final) (con Stefan Jackiw y dirigida por Ilyich Rivas)
Conoce a Ozgur Baskin - Violín
Colin Jacobsen y Siamak Aghaei - Ascending Bird - Suite para orquesta de cuerdas (con Colin Jacobsen, violín, Richard Tognetti, violín y Kseniya Simonova, artista de arena)
Conoce a Stepan Grytsay - Violín
Igor Stravinsky - El pájaro de fuego (Danza infernal - Berceuse - Final)
*BIS* Franz Schubert - Rosamunde (con Eugene Izotov - oboe y Andrew Mariner - clarinete)
La orquesta sinfónica se ha formado a lo largo de los siglos. Su desarrollo durante mucho tiempo tuvo lugar en las entrañas de la ópera y los conjuntos de iglesias. Tales grupos en XV-XVII siglos eran pequeños y heterogéneos. Incluían laúdes, violas, flautas y oboes, trombones, arpas y tambores. Poco a poco, los instrumentos de cuerda frotada ganaron una posición dominante. Los violines sustituyeron a las violas con su sonido más rico y melodioso. Volver arriba XVIII v. Ya reinaban en la orquesta. También se unieron un grupo separado e instrumentos de viento (flautas, oboes, fagotes). Las trompetas y los timbales pasaron de la orquesta de la iglesia a la orquesta sinfónica. El clavecín era un participante indispensable en los conjuntos instrumentales.
Esta composición era típica de J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi.
desde el medio XVIII v. Los géneros de la sinfonía y concierto instrumental. El alejamiento del estilo polifónico llevó a los compositores al deseo de una diversidad tímbrica y una clara identificación de las voces orquestales.
Las funciones de las nuevas herramientas están cambiando. El clavicémbalo, con su sonido débil, va perdiendo paulatinamente su protagonismo. Pronto los compositores lo abandonaron por completo, confiando principalmente en la sección de cuerdas y vientos. Al terminar XVIII v. Se formó la llamada composición clásica de la orquesta: unas 30 cuerdas, 2 flautas, 2 oboes, 2 fagotes, 2 trompetas, 2-3 trompas y timbales. Pronto el clarinete se unió a los vientos. J. Haydn y W. Mozart escribieron para tal composición. Esta es la orquesta de las primeras obras de L. Beethoven. EN XIX v.
El desarrollo de la orquesta se desarrolló principalmente en dos direcciones. Por un lado, al crecer en composición, se enriqueció con instrumentos de muchos tipos (en esto radica el gran mérito de los compositores románticos, principalmente Berlioz, Liszt, Wagner), por otro lado, se desarrollaron las capacidades internas de la orquesta. : los colores sonoros se volvieron más puros, la textura se volvió más clara, los recursos expresivos son más económicos (como la orquesta de Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov). Muchos compositores tardíos también enriquecieron significativamente la paleta orquestal. XIX - 1.ª mitad del XX v. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich, etc.).
Una orquesta sinfónica moderna consta de 4 grupos principales. La base de la orquesta es un grupo de cuerdas (violines, violas, violonchelos, contrabajos). En la mayoría de los casos, las cuerdas son las principales portadoras del principio melódico en la orquesta. El número de músicos que tocan las cuerdas es aproximadamente 2/3 de todo el conjunto. El grupo de instrumentos de viento de madera incluye flautas, oboes, clarinetes y fagotes. Cada uno de ellos suele tener un partido independiente. Inferiores a los instrumentos de arco en riqueza tímbrica, propiedades dinámicas y variedad de técnicas de ejecución, los instrumentos de viento tienen una gran fuerza, un sonido compacto y tonos de colores brillantes. El tercer grupo de instrumentos de orquesta son los metales (trompa, trompeta, trombón, trompeta). Aportan nuevos colores brillantes a la orquesta, enriqueciendo sus capacidades dinámicas, añadiendo potencia y brillo al sonido y también sirviendo como bajo y soporte rítmico.
Todo valor mas alto Adquirir instrumentos de percusión de una orquesta sinfónica. Su función principal es rítmica. Además, crean un fondo sonoro y ruidoso especial, complementan y decoran la paleta orquestal con efectos de color. Según la naturaleza de su sonido, los tambores se dividen en 2 tipos: algunos tienen un tono determinado (timbal, campanas, xilófono, campanas, etc.), otros no tienen un tono preciso (triángulo, pandereta, caja y bombo, platillos). De los instrumentos no incluidos en los grupos principales, el papel más importante es el arpa. Ocasionalmente, los compositores incluyen celesta, piano, saxofón, órgano y otros instrumentos en la orquesta.
Puede leer más sobre los instrumentos de una orquesta sinfónica: sección de cuerdas, instrumentos de viento, metales y percusión en sitio web.
No puedo ignorar otro sitio útil, “Niños sobre la música”, que descubrí mientras preparaba esta publicación. No hay necesidad de dejarse intimidar por el hecho de que este es un sitio para niños. Hay algunas cosas bastante serias en él, sólo que contadas en un lenguaje más simple y comprensible. Aquí enlace en él. Por cierto, también contiene una historia sobre una orquesta sinfónica.
Fuentes:
Marina Razheva
Sinopsis de NOD “Orquesta Sinfónica”
notas de la lección
« Orquesta Sinfónica»
para niños de 5 a 6 años
Preparado: director de musica
Razheva Marina Anatolyevna
Teykovo 2015
Objetivo: introducir a los niños en edad preescolar a la música clásica
Tareas. Formar en los niños una percepción estética del mundo que les rodea.
Introducirse en la cultura musical.
Formar la necesidad de la percepción de la música.
Desarrollar habilidades cognitivas y creativas.
Enriquece tu vocabulario.
Área educativa - "Educación artística y estética"
Forma de organización – Trabajo en equipo maestra con niños.
Tipo de actividad infantil: educativo, comunicativo, musical y artístico.
Materiales y equipamiento: centro musical para escuchar música, instrumentos musicales infantiles, presentación.
Trabajo preliminar: en las clases de música los niños deben familiarizarse con los instrumentos básicos Orquesta Sinfónica, su sonido real, coloración tímbrica. Distinguir entre grupos de instrumentos.: cuerdas, vientos, percusión, singles.
Contenido del programa.
1. Ampliar el conocimiento de los niños sobre las características sonoras de los instrumentos musicales.
2. Cultivar el interés y el deseo de escuchar el sonido de los instrumentos.
3. Continuar desarrollando habilidades para jugar al DMI. (instrumentos musicales para niños)
4. Desarrollar la audición del timbre de los niños.
Resultado planificado.
Formar una idea sobre Orquesta Sinfónica.
Fortalecer la capacidad de distinguir los sonidos de los instrumentos. Orquesta Sinfónica.
Participe activamente en el juego en DMI.
Siente la necesidad de percibir la música tal como se interpreta. Orquesta Sinfónica.
Progreso de la lección.
Los niños entran al salón y realizan el conjunto habitual de movimientos musicales y rítmicos, luego caminan tranquilamente hacia las sillas.
Señor. saluda a los niños cantando "¡Hola!", autor…
Señor. Llama la atención de los niños hacia la pantalla, donde los niños ven un gran grupo de músicos.
Señor. Chicos, ¿qué ven en esta foto?
Las respuestas de los niños.
Señor. sí eso orquesta - grupo de músicos que interpretan juntos una pieza musical. Cada músico interpreta su parte según las notas, lo que se llama partitura. Las partituras se colocan en soportes especiales: consolas.
Y ahora quiero contarte un acertijo. Intenta adivinarlo.
Él dirige la orquesta,
Trae alegría a la gente.
Él simplemente agita su varita,
La música comenzará a reproducirse.
No es médico ni conductor.
¿Quién es? (Conductor)
Niños. Conductor.
Señor. A orquesta sonaba coherente y armoniosamente: está controlado por el director. Se enfrenta a los músicos. El conductor puede forzar orquesta toca rápido, y despacio, en silencio y en voz alta, ¡lo que quieras! Pero al mismo tiempo no pronuncia una sola palabra. Sólo usa su bastón mágico. Delante del director hay partituras muy, muy gruesas, en las que están escritas las partes de todos los músicos. Estas notas se llaman clave.
El violín es un instrumento de arco de 4 cuerdas, el más alto en sonido de su familia y el más importante en orquesta.
El violonchelo es un violín de gran tamaño que se toca sentado. El violonchelo tiene un sonido grave rico.
El contrabajo es el más grave en sonido y el de mayor tamaño. (hasta 2 metros) dentro de la familia de los instrumentos de cuerda frotada. Lo juegan de pie o en una silla especial. Esta es la base del bajo. (la base) Total orquesta.
La flauta pertenece al grupo de los instrumentos de viento madera. Pero las flautas modernas rara vez se fabrican de madera, más a menudo de metal, a veces de plástico y vidrio. El instrumento más virtuoso y técnicamente ágil de la familia de viento. A menudo se confía la flauta solo orquestal.
Señor. Chicos, ¿por qué los instrumentos se llaman instrumentos de viento?
Las respuestas de los niños.
Señor. Sí, realmente explotan. Sería más correcto decir que los instrumentos de viento suenan cuando se les sopla aire.
Y ahora ves y escuchas una trompeta de un grupo de instrumentos de metal. La trompeta tiene un sonido alto y claro, muy adecuado para fanfarrias. La fanfarria se utiliza para dar señales, solemnes o guerreras, en celebraciones festivas y desfiles militares.
Frente a ti hay un trombón. El trombón toca más una línea de bajo que una línea melódica. Se diferencia de otros instrumentos de metal por la presencia de una corredera móvil, al moverla hacia adelante y hacia atrás, el músico cambia el sonido del instrumento.
Cuerno - cuerno. Originalmente derivado de un cuerno de caza. El cuerno puede ser suave y expresivo o áspero y ronco.
Señor. Por favor nombra los instrumentos de percusión.
Niños. Tambor, pandereta, maracas, triángulo, metalófono, castañuelas, cascabeles, cascabeles, cascabeles.
Señor. Así es, muchachos. Hay muchos instrumentos de percusión, pero no todos pueden servir. Orquesta Sinfónica.
Nombra las herramientas que ves en la diapositiva.
Baterías, platillos, xilófono.
Diapositiva 14,15.
Y también chicos orquesta Se utilizan instrumentos individuales. Y debes averiguar y nombrar
ellos correctamente.
Niños. Piano. Arpa.
Señor. Bien. Este es un piano de cola de concierto y instrumento antiguo– arpa.
¿Quieren sentirse como grandes músicos? orquesta? Entonces te sugiero que tomes tus instrumentos y toques una pieza musical muy hermosa.
Realizado "Rondo al estilo turco"- W. Mozart o
"Polca traviesa"- A. Filippenko.
Señor. Gracias chicos. Me gusta.
¿Qué opinan ustedes? Se pueden tocar instrumentos como la balalaika o el saxofón. orquesta. ¿Cuál? El hecho es que estas herramientas son parte de otras orquestas.
Mire atentamente estas ilustraciones. Excepto Orquesta Sinfónica hay otros tipos orquestas: metales, folk, pop, jazz. Se diferencian en la composición de los instrumentos y el número de músicos. EN Orquesta Sinfónica En promedio, entre 60 y 70 personas, pero a veces 100 o más. Los músicos están dispuestos en un orden determinado. Se combinan en grupos de instrumentos de timbre similar.:
cuerdas, instrumentos de viento, metales y percusión. Los músicos del mismo grupo se sientan uno al lado del otro para escucharse mejor. Y esto crea un sonido consistente.
Y ahora quiero invitarte a jugar un juego.
Descubra el instrumento.
Diapositiva 17, 18, 19.
Señor. Pasamos un tiempo maravilloso juntos. ¿Te gustó? Cual es el nombre de orquesta¿A quién conocimos hoy? ¿Qué instrumento te gustó? (Los niños responden uno a la vez a su antojo). Te he preparado tarjetas con un acertijo que intentarás resolver con tu mamá o tu papá y sacarás la respuesta. (silueta en la espalda - puntos).
Por favor ven a mí, quiero agradecerte y despedirte. (los niños cierran los ojos, el director musical les acaricia la cabeza)
A lo largo de su historia, miles y miles de años, la humanidad ha creado instrumentos musicales y los ha combinado en diversas combinaciones. Pero sólo hace unos cuatrocientos años estas combinaciones de instrumentos se desarrollaron hasta alcanzar una forma ya cercana a la de una orquesta moderna.
Antiguamente, cuando los músicos se reunían para tocar, utilizaban cualquier instrumento que tuvieran a mano. Si había tres intérpretes de laúd, dos de arpa y flauta, así tocaban. A principios del siglo XVI, época conocida como Renacimiento, la palabra "conjunto" se utilizaba para referirse a un grupo de músicos, a veces cantantes, que interpretaban música juntos o "en conjunto".
Los compositores del Renacimiento temprano no solían especificar para qué instrumento escribían la pieza. Esto significaba que las partes podían tocarse en cualquier instrumento disponible. Pero a principios del siglo XVII en Italia, el compositor Claudio Monteverdi eligió qué instrumentos acompañarían su ópera Orfeo (1607), e indicó con precisión para qué instrumentos estaban escritas las partes: quince violas de distintos tamaños, dos violines, cuatro flautas ( dos grandes y dos medianos), dos oboes, dos cornetas (pequeñas trompetas de madera), cuatro trompetas, cinco trombones, un arpa, dos clavecines y tres pequeños órganos.
Como se vio, " orquesta renacentista" Monteverdi ya era similar a lo que imaginamos que debería ser una orquesta: instrumentos organizados en grupos, muchos instrumentos de cuerda frotada, gran variedad.
En el siglo siguiente (hasta 1700, época de J.S. Bach), la orquesta se desarrolló aún más. La familia de los violines (violín, viola, violonchelo y bajo) sustituyó a las violas; en la orquesta barroca la familia de los violines era mucho más representativa que las violas en la orquesta renacentista. El liderazgo musical en la orquesta barroca correspondía a los instrumentos de teclado; los músicos que tocaban el clavicémbalo o, a veces, el órgano actuaban como líderes. Cuando J. S. Bach trabajaba con una orquesta, se sentaba al órgano o al clavicémbalo y dirigía la orquesta desde su asiento.
En la época barroca, el director musical a veces dirigía la orquesta estando de pie, pero ésta aún no era la dirección que conocemos hoy. Jean-Baptiste Lully, que estaba a cargo de la música en la corte del rey francés en el siglo XVII, estaba acostumbrado a marcar el ritmo de sus músicos en el suelo con un palo largo, pero un día se lastimó accidentalmente la pierna y desarrolló gangrena. , ¡y él murió!
El siguiente siglo XIX, la época de Haydn y Beethoven, vio cambios aún más profundos en la orquesta. Los instrumentos de cuerda frotada se han vuelto más importantes que nunca, mientras que los instrumentos de teclado se han desvanecido en la oscuridad. Los compositores comenzaron a escribir para un instrumento musical específico. Esto significó conocer la voz de cada instrumento, entender qué música sonaría mejor y sería más fácil de interpretar en el instrumento elegido. Los compositores se volvieron más libres e incluso aventureros a la hora de combinar instrumentos para producir sonidos y matices más ricos y variados.
El primer violinista (o acompañante) dirigía la orquesta desde su silla, pero a veces tenía que dar instrucciones con gestos y, para ser mejor visible, utilizaba primero una hoja normal de papel blanco enrollada en forma de tubo. Esto llevó al desarrollo del bastón de mando moderno. A principios del siglo XIX, compositores y directores como Carl Maria von Weber y Felix Mendelssohn fueron pioneros en la práctica de dirigir a los músicos desde un podio central frente a la orquesta.
A medida que las orquestas se hicieron cada vez más grandes, no todos los músicos podían ver y seguir al acompañante. A finales del siglo XIX, la orquesta había alcanzado el tamaño y las proporciones que conocemos hoy e incluso superó las actuales. Algunos compositores, como Berlioz, comenzaron a componer música sólo para orquestas tan grandes.
El diseño, construcción y calidad de los instrumentos musicales se han mejorado constantemente, creado nuevos instrumentos musicales, que encontraron su lugar en la orquesta, como el flautín (flauta pequeña) y la trompeta. Muchos compositores, entre ellos Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler y Richard Strauss, se convirtieron en directores. Sus experimentos con la orquestación (el arte de la distribución) material musical entre los instrumentos de la orquesta para aprovechar al máximo cada instrumento) abrió el camino hacia el siglo XX.
Wagner fue aún más lejos; diseñó y fabricó la trompeta baja ( trompeta wagner), combinando elementos de la corneta y la trompeta para introducir un sonido nuevo y especial en su inmortal ópera "El anillo del Nibelung". Fue el primer director que dio la espalda al público para controlar mejor la orquesta. En una de sus sinfonías Strauss escribió Parte del cuerno alpino, de madera instrumento folklórico 12 pies de largo. Ahora el cuerno alpino está siendo sustituido por una trompeta. Arnold Schoenberg creó su obra "Songs of Gurrelieder" para una orquesta de 150 instrumentos.
El siglo XX fue un siglo de libertad y de nuevos experimentos con la orquesta. Los directores de orquesta se convirtieron en personas completamente individuales y entre ellos surgieron sus propias superestrellas. La responsabilidad ha aumentado muchas veces, pero también el reconocimiento de la audiencia.
La base de la orquesta era la que se formó a finales del siglo XIX, y los compositores a veces añadían o eliminaban instrumentos según el efecto que deseaban. A veces se trataba de un grupo extremadamente ampliado de instrumentos de percusión o instrumentos de viento y metal. Pero la composición de la orquesta se ha solidificado y permanece en gran medida constante: un gran grupo de instrumentos de arco y pequeños grupos de vientos, percusión, arpas y teclados.
¡Después de todos estos años todavía funciona!