Richard Wagner proporcionó influencia significativa para el desarrollo no solo de la música tradición europea, pero también mundial cultura artística generalmente. Wagner no recibió sistemáticamente educación musical y en su desarrollo como maestro de la música le debe a sí mismo un grado decisivo. Los intereses del compositor, totalmente centrados en el género de la ópera, surgieron relativamente pronto.
En mucha mayor medida que todos los compositores europeos del siglo XIX, Wagner veía su arte como una síntesis y una forma de expresar un determinado concepto filosófico. Su esencia se expresa en forma de aforismo en el siguiente pasaje del artículo de Wagner “ Obra de arte futuro”: “Así como una persona no será libre hasta que acepte con alegría los vínculos que la unen con la Naturaleza, así el arte no será libre hasta que ya no tenga ningún motivo para avergonzarse de su conexión con la vida”. De este concepto surgen dos ideas fundamentales: el arte debe ser creado por una comunidad de personas y pertenecer a esta comunidad; La forma más elevada de arte es el drama musical, entendido como la unidad orgánica de la palabra y el sonido. La primera idea se materializó en Bayreuth, donde Teatro de ópera por primera vez empezó a ser tratado como un templo del arte y no como un establecimiento de entretenimiento; la encarnación de la segunda idea es la nueva forma operística “drama musical” creada por Wagner. Fue su creación la que se convirtió en el objetivo de la vida creativa de Wagner. Algunos de sus elementos se plasmaron en las primeras óperas del compositor de la década de 1840: "El holandés errante", "Tannhäuser" y "Lohengrin".
La teoría del drama musical se materializó más plenamente en los artículos suizos de Wagner ("Ópera y drama", "Arte y revolución", "Música y drama", "Obras de arte del futuro") y, en la práctica, en sus óperas posteriores: " Tristán e Isolda”, la tetralogía “El Anillo del Nibelung” y el misterio “Parsifal”. Según Wagner, el drama musical es una obra en la que se realiza la idea romántica de una síntesis de las artes (música y teatro), expresión de la programación en la ópera. Para implementar este plan, Wagner abandonó las tradiciones que existían en ese momento. formas de ópera- principalmente italiano y francés. Criticó al primero por sus excesos, al segundo por su pompa. Criticó ferozmente las obras de los principales representantes de la ópera clásica (Rossini, Meyerbeer, Verdi, Aubert), calificando su música de "aburrimiento confitado". Tratando de acercar la ópera a la vida, se le ocurrió la idea de un desarrollo dramático de principio a fin, de principio a fin, no solo de un acto, sino de toda la obra e incluso de un ciclo de obras (las cuatro). óperas del ciclo Anillo del Nibelung).
En la ópera clásica de Verdi y Rossini, los números individuales (arias, dúos, conjuntos con coros) dividen un único movimiento musical en fragmentos. Wagner los abandonó por completo en favor de grandes escenas vocales-sinfónicas que fluyen entre sí, y reemplazó las arias y dúos por monólogos y diálogos dramáticos. Wagner reemplazó las oberturas con preludios: breves introducciones musicales a cada acto, indisolublemente ligadas a la acción a nivel semántico. Además, a partir de la ópera Lohengrin, estos preludios se representaron no antes de que se abriera el telón, sino ya con el escenario abierto. La acción externa en las últimas óperas de Wagner (especialmente en Tristán e Isolda) se reduce al mínimo, se traslada al lado psicológico, al ámbito de los sentimientos de los personajes; Wagner creía que la palabra no es capaz de expresar toda la profundidad y el significado de las experiencias internas, por lo que es la orquesta, y no la parte vocal, la que juega el papel principal en el drama musical. Este último está totalmente subordinado a la orquestación y Wagner lo considera uno de los instrumentos de la orquesta sinfónica. Al mismo tiempo, la parte vocal en el drama musical representa el equivalente del discurso dramático teatral. Casi no hay canto ni ariosidad en él. Debido a la naturaleza específica de las voces en música de ópera Wagner (duración excepcional, requisito obligatorio dominio dramático, explotación despiadada de los registros extremos de la tesitura vocal) en la práctica interpretativa en solitario, se establecieron nuevos estereotipos de voces cantantes: tenor wagneriano, soprano wagneriano.
Wagner concedió una importancia excepcional a la orquestación y, más ampliamente, al sinfonismo. La orquesta de Wagner se compara con un coro antiguo, que comentaba lo que estaba sucediendo y transmitía el significado "oculto". Reformando la orquesta, el compositor creó un cuarteto de tuba, introdujo una tuba baja, un trombón contrabajo y amplió grupo de cuerdas, utilizó seis arpas. En toda la historia de la ópera antes de Wagner, ningún compositor utilizó una orquesta de tal escala (por ejemplo, "El anillo del Nibelung" es interpretada por una orquesta de cuatro instrumentos con ocho trompas). La innovación de Wagner en el campo de la armonía también es ampliamente reconocida. Amplió enormemente la tonalidad que heredó de los clásicos vieneses y de los primeros románticos intensificando el cromatismo y las alteraciones modales. Al debilitar (directamente entre los clásicos) las conexiones inequívocas entre el centro (tónica) y la periferia, evitando deliberadamente la resolución directa de la disonancia en consonancia, impartió tensión, dinamismo y continuidad al desarrollo de la modulación. Se considera que el sello distintivo de la armonía wagneriana es el “acorde de Tristán” (del preludio de la ópera “Tristán e Isolda”) y el leitmotiv del destino de “El anillo de los Nibelungos”. Wagner introdujo un sistema desarrollado de leitmotivs. Cada uno de estos leitmotiv (característica musical breve) es una designación de algo: un personaje específico o un ser vivo (por ejemplo, el leitmotiv del Rin en “Das Rheingold”), objetos que a menudo actúan como personajes simbólicos (anillo, espada y oro en “The Ring”, una bebida de amor en “Tristán e Isolda”, lugares de acción (leitmotivs del Grial en “Lohengrin” y Valhalla en “Das Rheingold”) e incluso ideas abstractas (numerosos leitmotivs del destino y del destino en el ciclo “El Anillo del Nibelung", anhelo, una mirada amorosa en "Tristán e Isolda")
El sistema wagneriano de leitmotiv recibió el desarrollo más completo en "El Anillo": acumulándose de ópera en ópera, entrelazándose entre sí, recibiendo cada vez nuevas opciones de desarrollo, todos los leitmotiv de este ciclo como resultado se unen e interactúan en el complejo musical. Textura de la ópera final “El crepúsculo de los dioses”. Comprender la música como la personificación del movimiento continuo y el desarrollo de sentimientos llevó a Wagner a la idea de fusionar estos leitmotiv en una sola corriente de desarrollo sinfónico, en una "melodía sin fin" (unendliche Melodie). La falta de apoyo tónico (a lo largo de toda la ópera "Tristán e Isolda"), lo incompleto de cada tema (en todo el ciclo "El anillo del Nibelung", con la excepción de la culminante marcha fúnebre de la ópera "El crepúsculo de los dioses"). ”) contribuyen a un aumento continuo de las emociones que no reciben resolución, lo que permite mantener al oyente en constante suspenso (como en los preludios de las óperas “Tristán e Isolda” y “Lohengrin”). A. F. Losev define la base filosófica y estética de la obra de Wagner como "simbolismo místico".
La clave para comprender el concepto ontológico de Wagner son la tetralogía “El anillo del Nibelung” y la ópera “Tristán e Isolda”. En primer lugar, el sueño de Wagner de un universalismo musical se hizo plenamente realidad en El anillo. “En The Ring esta teoría se materializó mediante el uso de leitmotivs, cuando cada idea y cada imagen poética inmediatamente organizado específicamente con la ayuda de un motivo musical”, escribe Losev. Además, “El Anillo” reflejó plenamente su pasión por las ideas de Schopenhauer. Sin embargo, debemos recordar que los conocimos cuando el texto de la tetralogía estuvo listo y se comenzó a trabajar en la música. Al igual que Schopenhauer, Wagner percibe la disfunción e incluso la falta de sentido de la base del universo. Se cree que el único sentido de la existencia es renunciar a esta voluntad universal y, sumergiéndose en el abismo del intelecto puro y de la inacción, encontrar en la música el verdadero placer estético. Sin embargo, Wagner, a diferencia de Schopenhauer, cree que es posible e incluso predeterminado un mundo en el que la gente ya no vivirá en nombre de la búsqueda constante del oro, que en la mitología de Wagner simboliza la voluntad del mundo. No se sabe nada con seguridad sobre este mundo, pero no hay duda de que llegará después de una catástrofe global. El tema de la catástrofe global es muy importante para la ontología de “El Anillo” y, aparentemente, es un nuevo replanteamiento de la revolución, que ya no se entiende como un cambio. orden social, sino una acción cosmológica que cambia la esencia misma del universo.
En cuanto a “Tristán e Isolda”, las ideas contenidas en él estuvieron significativamente influenciadas por una breve pasión por el budismo y, al mismo tiempo, una dramática historia de amor por Mathilde Wesendonck. Aquí tiene lugar la fusión de la naturaleza humana dividida que Wagner había estado buscando durante tanto tiempo. Esta conexión se produce con la partida de Tristán e Isolda al olvido. Pensado como una fusión completamente budista con el mundo eterno e imperecedero, resuelve, en opinión de Losev, la contradicción entre el sujeto y el objeto en el que se basa. cultura europea. El más importante es el tema del amor y la muerte, que para Wagner están indisolublemente ligados. El amor es inherente al hombre y lo subyuga por completo, así como la muerte es el fin inevitable de su vida. En este sentido debe entenderse la poción de amor de Wagner. "Libertad, dicha, placer, muerte y predestinación fatalista: esto es la poción de amor, tan brillantemente representada por Wagner", escribe Losev. Reforma de la ópera Wagner tuvo una influencia significativa en la música europea y rusa, marcando la etapa más alta del romanticismo musical y al mismo tiempo sentando las bases para el futuro. movimientos modernistas. La asimilación directa o indirecta de la estética operística wagneriana (especialmente la innovadora dramaturgia musical "transversal") marcó una parte importante de las obras operísticas posteriores. El uso del sistema de leitmotiv en las óperas posteriores a Wagner se volvió trivial y universal. No menos significativa fue la influencia de las innovaciones lenguaje musical Wagner, especialmente su armonía, en la que el compositor revisó los “viejos” (anteriormente considerados inquebrantables) cánones de tonalidad.
Entre los músicos rusos, el amigo de Wagner, A. N. Serov, fue un experto y promotor de Wagner. N. A. Rimsky-Korsakov, que criticó públicamente a Wagner, sin embargo experimentó (especialmente en sus últimas obras) la influencia de Wagner en la armonía, la escritura orquestal y la dramaturgia musical. Un destacado ruso dejó valiosos artículos sobre Wagner. crítico musical G. A. Laroche. En general, lo “wagneriano” se siente más directamente en las obras de compositores “prooccidentales”. Rusia XIX siglo (por ejemplo, A.G. Rubinstein) que entre los representantes de la escuela nacional. La influencia de Wagner (musical y estética) se nota en Rusia en las primeras décadas del siglo XX, en las obras de A. N. Scriabin. En Occidente, el centro del culto a Wagner se convirtió en la llamada Escuela de Weimar (autodenominada Nueva Escuela Alemana), que se desarrolló en torno a F. Liszt en Weimar. Sus representantes (P. Cornelius, G. von Bülow, I. Raff, etc.) apoyaron a Wagner, en primer lugar, en su deseo de ampliar el alcance expresividad musical(armonía, escritura orquestal, dramaturgia operística).
Los compositores occidentales influenciados por Wagner incluyen a Anton Bruckner, Hugo Wolf, Claude Debussy, Gustav Mahler, Richard Strauss, Bela Bartok, Karol Szymanowski, Arnold Schoenberg (c. trabajo temprano). La reacción al culto a Wagner fue la tendencia “anti-Wagner” que se opuso a él. mayores representantes cuales fueron el compositor Juan Brahms Y esteticista musical E. Hanslick, que defendió la inmanencia y la autosuficiencia de la música, su desconexión de los “estímulos” externos y extramusicales
En Rusia, los sentimientos anti-Wagner son característicos del ala nacional de compositores, principalmente M. P. Mussorgsky y A. P. Borodin. La actitud hacia Wagner entre los no músicos (que apreciaban no tanto la música de Wagner como sus declaraciones controvertidas y sus publicaciones “estetizantes”) es ambigua. Así, Friedrich Nietzsche escribió en su artículo “El incidente Wagner”:
“¿Era Wagner siquiera músico? En cualquier caso, él era más que otra cosa... Su lugar está en otro ámbito, y no en la historia de la música: no debe confundirse con sus grandes y verdaderos representantes. Wagner y Beethoven son una blasfemia...” Según Thomas Mann, Wagner “veía en el arte un misterio sagrado, una panacea contra todos los males de la sociedad...”.
Las creaciones musicales de Wagner en los siglos XX-XXI siguen viviendo en los lugares más prestigiosos. escenas de ópera, no sólo Alemania, sino el mundo entero (con excepción de Israel).Wagner escribió El anillo del Nibelung con pocas esperanzas de encontrar un teatro capaz de representar toda la epopeya y transmitir sus ideas al oyente. Sin embargo, los contemporáneos pudieron apreciar su necesidad espiritual y la epopeya llegó al espectador. No se puede subestimar el papel del “Anillo” en la formación del espíritu nacional alemán. A mediados del siglo XIX, cuando se escribió El anillo del Nibelung, la nación seguía dividida; Los alemanes recordaron las humillaciones de las campañas napoleónicas y los tratados de Viena; Recientemente, estalló una revolución que sacudió los tronos de los reyes específicos: cuando Wagner abandonó el mundo, Alemania ya estaba unida, se convirtió en un imperio, portador y centro de toda la cultura alemana. “El Anillo del Nibelung” y la obra de Wagner en su conjunto, aunque no sólo ella, fue para el pueblo alemán y para la idea alemana ese impulso movilizador que obligó a los políticos, intelectuales, militares y a toda la sociedad a unirse.
En 1864, tras conseguir el favor del rey bávaro Luis II, que pagó sus deudas y le apoyó aún más, se trasladó a Múnich, donde escribió ópera cómica"Die Meistersinger of Nuremberg" y las dos últimas partes del Anillo de los Nibelungos: "Siegfried" y "Crepúsculo de los dioses". En 1872 se colocó la primera piedra de la Casa de Fiestas en Bayreuth, inaugurada en 1876. Allí tuvo lugar del 13 al 17 de agosto de 1876 el estreno de la tetralogía El anillo del Nibelungo. En 1882 se representó en Bayreuth la ópera misteriosa Parsifal. Ese mismo año, Wagner viajó a Venecia por motivos de salud, donde falleció en 1883 de un infarto. Wagner está enterrado en Bayreuth.
¿Cómo sería nuestra vida sin música? Durante muchos años la gente se ha hecho esta pregunta y ha llegado a la conclusión de que sin los bellos sonidos de la música el mundo sería un lugar muy diferente. La música nos ayuda a sentir más alegría, a encontrar nuestro yo interior y a afrontar las dificultades. Los compositores, trabajando en sus obras, se inspiraron en los más cosas diferentes: amor, naturaleza, guerra, felicidad, tristeza y muchos otros. Algunas de las composiciones musicales que crearon permanecerán para siempre en los corazones y recuerdos de las personas. Aquí hay una lista de diez de los compositores más grandes y talentosos de todos los tiempos. Debajo de cada compositor encontrarás un enlace a una de sus obras más famosas.
10 FOTO (VÍDEO)
Franz Peter Schubert fue un compositor austriaco que vivió sólo 32 años, pero su música perdurará por mucho tiempo. Schubert escribió nueve sinfonías, unas 600 composiciones vocales y un gran número de Música de cámara y piano solo.
"Serenata vespertina"
Compositor y pianista alemán, autor de dos serenatas, cuatro sinfonías, así como conciertos para violín, piano y violonchelo. Actuó en conciertos desde los diez años, actuando por primera vez con concierto en solitario a los 14 años. Durante su vida, ganó popularidad principalmente gracias a los valses y danzas húngaras que escribió.
"Danza húngara nº 5".
George Frideric Handel - alemán y compositor inglés En la época barroca escribió unas 40 óperas, numerosos conciertos de órgano y música de cámara. La música de Handel se toca en las coronaciones de los reyes ingleses desde el año 973, también se escucha en las ceremonias de bodas reales e incluso se utiliza como himno de la Liga de Campeones de la UEFA (con un pequeño arreglo).
"Música en el agua"
Jose Haydn- famoso y prolífico compositor austriaco de la época clásica, se le considera el padre de la sinfonía, ya que hizo importantes contribuciones al desarrollo de esta Genero musical. Joseph Haydn es autor de 104 sinfonías, 50 sonatas para piano, 24 óperas y 36 conciertos.
"Sinfonía nº 45".
Pyotr Ilyich Tchaikovsky es el compositor ruso más famoso, autor de más de 80 obras, entre ellas 10 óperas, 3 ballets y 7 sinfonías. Fue muy popular y conocido como compositor durante su vida, y actuó como director en Rusia y en el extranjero.
"Vals de las Flores" del ballet "El Cascanueces".
Frédéric François Chopin es un compositor polaco que también es considerado uno de los mejores pianistas de todos los tiempos. Escribió muchas piezas musicales para piano, incluidas 3 sonatas y 17 valses.
"Vals de la lluvia".
El compositor y virtuoso violinista veneciano Antonio Lucio Vivaldi es autor de más de 500 conciertos y 90 óperas. Tuvo una gran influencia en el desarrollo del arte del violín italiano y mundial.
"Canción de los elfos"
Wolfgang Amadeus Mozart es un compositor austriaco que asombró al mundo con su talento con NIñez temprana. Ya a la edad de cinco años, Mozart componía obras breves. En total, escribió 626 obras, incluidas 50 sinfonías y 55 conciertos. 9.Beethoven 10.Bach
Johann Sebastian Bach fue un compositor y organista alemán de la época barroca, conocido como un maestro de la polifonía. Es autor de más de 1000 obras, que incluyen casi todo géneros significativos ese momento.
"Broma musical"
Ludwig van Beethoven
Ludwig van Beethoven- El mayor compositor de principios del siglo XIX. Réquiem y Sonata de luz de Luna inmediatamente reconocible para cualquiera. Obras inmortales El compositor siempre ha sido y será popular gracias al estilo único de Beethoven.
- Compositor alemán del siglo XVIII. Sin duda el fundador música moderna. Sus obras se basaron en la versatilidad de las armonías de diversos instrumentos. Creó el ritmo de la música, por lo que sus obras se prestan fácilmente al procesamiento instrumental moderno.
- El compositor austriaco más popular y comprensible de finales del siglo XVIII. Todas sus obras son sencillas e ingeniosas. Son muy melódicos y agradables. Una pequeña serenata, una tormenta y muchas otras composiciones de rock ocuparán un lugar especial en tu colección.
- Compositor austriaco de finales del siglo XVIII y principios del XIX. Un compositor verdaderamente clásico. El violín tenía un lugar especial para Haydn. Es solista en casi todas las obras del compositor. Música muy hermosa y fascinante.
- Compositor italiano de la primera mitad del siglo XVIII nº 1. El temperamento nacional y un nuevo enfoque de organización literalmente hicieron estallar a Europa a mediados del siglo XVIII. Las sinfonías "Seasons" son tarjeta de visita compositor.
- Compositor polaco del siglo XIX. Según algunas informaciones, es el fundador del género combinado de música folclórica y de concierto. Sus polonesas y mazurcas se mezclan a la perfección con la música orquestal. Se consideró que el único inconveniente en la obra del compositor era un estilo demasiado suave (falta de motivos fuertes y ardientes).
- Compositor alemán de finales del siglo XIX. Se habló de él como el gran romántico de su tiempo, y su “Réquiem alemán” eclipsó en popularidad a otras obras de sus contemporáneos. El estilo de la música de Brahms es cualitativamente diferente del estilo de otros clásicos.
- Compositor austriaco de principios del siglo XIX. Uno de los más grandes compositores no reconocidos durante su vida. Muy muerte temprana a los 31 años, no permitió que Schubert desarrollara plenamente su potencial. Las canciones que escribía eran la principal fuente de ingresos cuando las grandes sinfonías acumulaban polvo en las estanterías. Sólo después de la muerte del compositor las obras fueron muy apreciadas por la crítica.
- Compositor austriaco de finales del siglo XIX. El fundador de los valses y las marchas. Decimos Strauss, queremos decir vals, decimos vals, nos referimos a Strauss. Johann Jr. creció en la familia de su padre, un compositor. Strauss el mayor trataba las obras de su hijo con desdén. Creía que su hijo estaba haciendo tonterías y por eso lo humillaba de todas las formas posibles del mundo. Pero Juan el Joven continuó obstinadamente haciendo lo que amaba, y la revolución y la marcha escrita por Strauss en su honor demostraron el genio de su hijo a los ojos de la alta sociedad europea.
- Uno de los más grandes compositores del siglo XIX. Maestro arte de la ópera. Aida y Otelo de Verdi son extremadamente populares hoy en día gracias al verdadero talento del compositor italiano. La trágica pérdida de su familia a los 27 años paralizó al compositor, pero no se rindió y se sumergió en la creatividad, escribiendo varias óperas a la vez. Corto plazo. Alta sociedad El talento de Verdi fue muy apreciado y sus óperas se representaron en los teatros más prestigiosos de Europa.
- Incluso a los 18 años, este talentoso compositor italiano escribió varias óperas que se hicieron muy populares. El mayor logro de su creación fue la obra revisada " barbero de sevilla"Después de presentarlo al público, Gioachino fue literalmente llevado en brazos. El éxito fue embriagador. Después de eso, Rossini se convirtió en un invitado bienvenido en alta sociedad y ganó una sólida reputación.
- Compositor alemán de principios del siglo XVIII. Uno de los fundadores de la ópera y música instrumental. Además de escribir óperas, Handel también escribió música para “el pueblo”, que era muy popular en aquella época. Cientos de canciones y melodías de baile Las canciones del compositor retumbaban en calles y plazas de aquellos tiempos lejanos.
- El príncipe y compositor polaco es autodidacta. Sin ninguna educación musical, me convertí compositor famoso. Su famosa polonesa es conocida en todo el mundo. Durante la época del compositor, se estaba produciendo una revolución en Polonia y las marchas que escribió se convirtieron en los himnos de los rebeldes.
- Compositor judío nacido en Alemania. Su marcha nupcial y "El sueño de una noche de verano" han sido populares durante cientos de años. Las sinfonías y composiciones que escribió son recibidas con éxito en todo el mundo.
- Compositor alemán del siglo XIX. Su idea místicamente antisemita de la superioridad de la raza aria sobre otras razas fue adoptada por los fascistas. La música de Wagner es muy diferente de la música de sus predecesores. Su objetivo principal es conectar al hombre y la naturaleza con una mezcla de misticismo. Sus óperas más famosas “El anillo de los Nibelungos” y “Tristán e Isolda” confirman el espíritu revolucionario del compositor.
- compositor francés mediados del siglo XIX. Creador de "Carmen". Desde que nació fue un niño genio y a los 10 años ya ingresó al conservatorio. Durante su corta vida (murió antes de los 37 años), escribió decenas de óperas y operetas, diversas obras orquestales y odas-sinfonías.
- Compositor y letrista noruego. Sus obras están simplemente llenas de melodía. Durante su vida escribió gran cantidad de canciones, romances, suites y estudios. Su composición "La cueva del rey de la montaña" se utiliza muy a menudo en el cine y en la música pop moderna.
- Compositor estadounidense de principios del siglo XX - autor de "Rhapsody in Blue", que es especialmente popular hasta el día de hoy. A los 26 años ya era el primer compositor de Broadway. La popularidad de Gershwin se extendió rápidamente por todo Estados Unidos gracias a numerosas canciones y programas populares.
- Compositor ruso. Su ópera "Boris Godunov" es el sello distintivo de muchos teatros de todo el mundo. El compositor en sus obras se basó en folklore, contando música folk- música del alma. "Night on Bald Mountain" de Modest Petrovich es uno de los diez bocetos sinfónicos más populares del mundo.
Los más populares y mejor compositor Rusia, por supuesto, lo es. " lago de los cisnes" y "La Bella Durmiente", "Marcha Eslava" y "Cascanueces", "Eugene Onegin" y " reina de Espadas". Estas y muchas más obras maestras. arte musical fueron creados por nuestro compositor ruso. Tchaikovsky es el orgullo de Rusia. En todo el mundo se conoce “Balalaika”, “Matryoshka”, “Tchaikovsky”...
- Compositor soviético. El favorito de Stalin. Mikhail Zadornov recomendó encarecidamente escuchar la ópera "El cuento de un hombre de verdad". Pero sobre todo el trabajo de Sergei Sergeich es serio y profundo. "Guerra y paz", "Cenicienta", "Romeo y Julieta", muchas sinfonías brillantes y obras para orquesta.
- Compositor ruso que creó su propio estilo musical inimitable. Era un hombre profundamente religioso y en su obra le dio un lugar especial a la escritura de música religiosa. Rachmaninov también escribió mucha música de concierto y varias sinfonías. Su último trabajo, “Danzas Sinfónicas”, es reconocido como la obra más importante del compositor.
Las sinfonías de Max Bruch no son tan populares como sus conciertos para violín o la Fantasía escocesa y rara vez se interpretan. Sin embargo, en ellos reina la Armonía, despertando en el alma del oyente la aspiración a la sabiduría y la fuerza, fortaleciendo el espíritu y ayudando a afrontar todas las dificultades. Las grabaciones notables de las obras de Bruch, además de sus principales obras de concierto, incluyen un conjunto de tres de sus sinfonías rara vez interpretadas; un proyecto realizado por el director Kurt Masur. Ahora se reproducirá una de estas grabaciones: un bellísimo Adagio de la Tercera Sinfonía en mi mayor.
Orquesta Gewandhaus de Leipzig
Kurt Masur, director de orquesta
()
La música es el arte de los sonidos y cada sonido tiene su propia designación. Una nota (lat. nōta - "signo", "marca") en música es una designación gráfica de sonido. pieza musical, uno de los principales símbolos de la notación musical moderna. Variaciones en…
El nombre de Max Bruch (1838-1920) no suena tan fuerte en el mundo musical como los nombres de Mendelssohn y Brahms. Pero su Concierto para violín n.° 1 en sol menor, op. 26, ocupa el lugar que le corresponde en el pedigrí de las grandes obras maestras románticas. Max Bruch nació el mismo año en que Mendelssohn hizo los primeros bocetos de su Concierto para violín en mi menor. El Concierto de Bruch se estrenó diez años después de la muerte de Schumann. Una década después, apareció el famoso Concierto para violín de Brahms. Sin embargo hay uno más gran musico, cuyo arte unió los citados conciertos para violín en una tradición ininterrumpida durante un siglo. Su nombre era José Joaquín. En la portada de la partitura del Concierto para violín de Bruch hay una dedicatoria: a Joseph Joachim en señal de amistad.
Los bocetos para el concierto en sol menor probablemente se remontan a 1857, cuando Bruch, de 19 años, se graduó en el Conservatorio de Colonia, donde sus profesores fueron Ferdinand Hiller y Karl Reinecke. A los 20 años, Bruch ya impartía asignaturas teóricas de música en el conservatorio. Se suceden los estrenos de sus óperas, oratorios, sinfonías, conciertos instrumentales, conjuntos de cámara, ciclos vocales... Los coros de Bruch son especialmente populares en Alemania. Dirige representaciones de ópera y conciertos sinfónicos en varias ciudades de Alemania y del extranjero. Entre los estudiantes de Max Bruch se encuentran representantes de las instituciones nacionales. escuelas de compositores, semejante maestros destacados siglo XX, como el italiano Ottorino Respighi, el inglés Ralph Vaughan Williams.
Max Bruch / Max Bruch
()
Johann Philipp Kirnberger (alemán: Johann Philipp Kirnberger; bautizado 24 de abril 1721, Saalfeld - 27 de julio de 1783, Berlín) - Teórico de la música, compositor, violinista y profesor alemán.
Según F. V. Marpurg, Kirnberger en 1739-41 estudió en Leipzig con J. S. Bach, a quien consideraba el compositor alemán más importante. Entre 1741 y 1750 trabajó como profesor de música y director de banda en familias aristocráticas polacas y fue director de banda de un convento en Lviv. Desde 1754, Kirnberger, violinista y director de la capilla de la corte de Berlín, enseñó composición a Anna Amalia de Prusia, la hermana menor del rey de Prusia, Federico el Grande.
Kirnberger solicitó la publicación de los arreglos corales de Bach, sobre los cuales escribió en una carta al editor Breitkopf de Leipzig:
En cuanto a los corales de Bach, que suman más de 400, que C. F. E. Bach recopiló y muchos de los cuales fueron transcritos por su propia mano, es extremadamente importante para mí que estos corales, que ahora están en mi posesión, se conserven para futuros músicos, compositores y amantes de la música .
Kirnberger compró los manuscritos del coral a C. F. E. Bach. Para promover la publicación, Kirnberger donó estos manuscritos de forma gratuita a la editorial Breitkopf (que siguió siendo su propietaria después de la muerte de Kirnberger).
El representante más destacado del violín en Alemania en la primera mitad del siglo XIX fue el famoso Ludwig Spohr.
Spohr, hijo de un médico que vivía en Brunswick, ha sido temprana edad se encontraba en condiciones sumamente favorables para el desarrollo de su talento musical. El padre de Spohr tocaba la flauta (!), y su madre era cantante y bastante buena pianista. El niño escuchaba con especial placer la música casera y se alegró mucho cuando le compraron un pequeño violín: podía tocar de oído las canciones y romances interpretados por su madre. Los talentos del niño fueron notados por el emigrante francés Dufour, que vivía en la ciudad donde se mudaron los padres de Spohr desde Braunschweig. Dufour, que tocaba bastante bien el violín y el violonchelo, supervisó las clases de Spohr y comenzó a escribir sus propias composiciones (dicen que los dúos para violín de Spohr se remontan a esta época).
A esto le siguieron años de estudio, trabajo como solista en la capilla del duque de Brunswick y giras por ciudades europeas. Por ejemplo, en Dinamarca Spohr habló con una señora que era una gran admiradora de su talento. Ella le pidió que le contara algunos detalles de su vida pasada y, entre otras cosas, le preguntó si a Spohr le habría ido mejor si hubiera retomado el oficio de su padre. Spohr respondió a esto de la siguiente manera:
()Christian Kannabich (Alemán: Christian Cannabich; 28 de diciembre 1731 - 20 de enero de 1798, Frankfurt am Main) - director de banda, violinista y compositor alemán, representante de la escuela de Mannheim.
Alumno de J. Stamitz, N. Jommelli (composición). Trabajó en las orquestas de Mannheim y Munich. Violinista de la Capilla de la Corte de Mannheim (desde 1774 su director). Desde 1778 vivió en Munich. Tras la muerte de J. Stamitz, fue reconocido como director de la Escuela de Mannheim. Amigo V.A. Mozart. Kannabikh aplicó nuevos principios de orquestación basados en una distribución uniforme del material temático entre todos. grupos orquestales, uno de los primeros en introducir los clarinetes en la orquesta sinfónica. El género líder de creatividad es la sinfonía. Autor de unas 90 sinfonías, 40 óperas y ballets, conciertos para violín y orquesta, conjuntos de cámara e instrumentales. Mozart en sus cartas elogia el talento de Kannabikh. Sea como fuere, Mozart lo describe como el mejor director musical que jamás haya visto.
Carl Orff (Carl Orff; Carl Heinrich Maria Orff, 10 de julio de 1895, Múnich - 29 de marzo de 1982, Múnich) fue un compositor y profesor alemán, más conocido por la cantata Carmina Burana (1937). Como uno de los principales compositores del siglo XX, también hizo una importante contribución al desarrollo de la educación musical.
El padre de Carl Orff, un oficial, tocaba el piano y varios instrumentos de cuerda. Su madre también era una buena pianista. Fue ella quien descubrió el talento de su hijo para la música y comenzó a enseñarle.
Orff aprendió a tocar el piano a los 5 años. A los nueve años ya escribía piezas musicales largas y cortas para su propio teatro de marionetas.
De 1912 a 1914, Orff estudió en la Academia de Música de Munich. En 1914 continuó sus estudios con Hermann Zilcher. En 1916 trabajó como director en el Teatro de Cámara de Múnich. En 1917, durante la Primera Guerra Mundial, Orff se ofreció como voluntario para el servicio militar en el Primer Regimiento de Artillería de Campaña de Baviera. En 1918 fue invitado al puesto de director de banda en Teatro nacional Mannheim bajo la dirección de Wilhelm Furtwängler, y luego comenzó a trabajar en el Teatro del Palacio del Gran Ducado de Darmstadt.
En 1923 conoció a Dorothea Günther y en 1924 creó junto con ella la escuela de gimnasia, música y danza Günther-Schule en Munich. Desde 1925 hasta el final de su vida, Orff fue el jefe del departamento de esta escuela, donde trabajó con aspirantes a músicos. Al tener contacto constante con los niños, desarrolló su teoría de la educación musical.
()Karl (Heinrich Karsten) Reinecke(Alemán) Carl (Heinrich Carsten) Reinecke ; 23 de junio1824, Altona, ahora parte de Hamburgo - 10 de marzo de 1910, Leipzig) - compositor, director de orquesta y pianista alemán.
Desde los seis años estudió música con su padre, Johann Rudolf Reinecke. EN 1835 debutó en ciudad natal como pianista, luego realizó una gira por Europa, donde ganó fama como un "elegante intérprete de obras mozart " Los ídolos musicales de los jóvenes eran Clara Wieck y Franz Liszt; Debido a su carácter tímido, Reinecke no era muy adecuado para el papel de un virtuoso pianista de gira.
CON 1843 a 1846 Gracias a una beca del rey Cristián VIII de Dinamarca, estudió piano y composición en el Conservatorio de Leipzig. Felix Mendelssohn, entonces director de la Gewandhaus, organizaba actuaciones públicas para él. Durante el mismo período, Reinecke conoció a Robert Schumann. Reinecke quedó muy impresionado por las obras de Mendelssohn y Schumann, que influyeron mucho en sus propios escritos.
(
Schumann Robert Alexander, compositor alemán.
Nacido el 8 de junio de 1810 en la ciudad de Zwickau en la familia de un editor de libros. Comenzó a estudiar música a los siete años.
En su obra, el compositor dedicó gran atención música de piano. La mayoría de las obras para piano de Schumann son ciclos de pequeñas piezas de géneros lírico-dramático, visual y “retrato”, conectadas por una trama interna y una línea psicológica. Además de obras de variación y tipos de sonata, Schumann tiene ciclos de piano construidos según el principio de una suite o un álbum de obras: “Pasajes fantásticos”, “Escenas infantiles”, “Álbum para jóvenes”.
El "Álbum para la Juventud" op.68 fue creado por Robert Schumann en 1848. La historia de su creación está estrechamente relacionada con la experiencia musical personal de mi padre. En octubre, Schumann le escribió a su amigo Karl Reinecke: “Escribí mis primeras obras de teatro para mi cumpleaños”. hija mayor, y luego el resto”. El título original de la colección era “Álbum de Navidad”. Además del material musical, el borrador del manuscrito incluía instrucciones para jóvenes músicos, que revelaban el credo artístico de Schumann en una breve forma aforística. Planeaba colocarlos entre jugadas. Esta idea no se implementó. Por primera vez, los aforismos, cuyo número aumentó de 31 a 68, se publicaron en el New Musical Newspaper en un suplemento especial titulado "Reglas de hogar y vida para los músicos" y luego se reimprimieron en el suplemento de la segunda edición. El éxito de la primera edición del “Álbum para la Juventud” se vio facilitado en gran medida por su pagina del titulo, diseñado por famosos artista alemán, profesor de la Academia de Artes de Dresde Ludwig Richter. El hijo del artista, Heinrich Richter, fue alumno de composición de Schumann en 1848-49. Schumann señaló las diez obras más importantes, en su opinión, para las cuales, según sus explicaciones, el artista creó viñetas para la portada de la publicación. Estas obras son Vintage Time, The First Loss, The Merry Peasant, Round Dance, Spring Song, Song of the Reapers, Mignon, Knecht Ruprecht, Brave Rider y Winter Time. Entre los profesores, contemporáneos del autor, existía la opinión de que el "Álbum" estaba estructurado de forma ilógica y que las obras eran demasiado difíciles de interpretar para los niños. En efecto, las piezas no están ordenadas de dificultad creciente y la amplitud de su complejidad es altísima, pero recordemos que en la época de Schumann, a mediados del siglo XIX, aún no existía una sistematización. materiales educativos. Además, el autor no se esforzó en absoluto por seguir los cánones del repertorio pedagógico moderno. Durante este período, era natural que varias escuelas publicaran material para seis o siete años de estudio. La importancia del Álbum para la pedagogía del piano es que R. Schumann fue el creador de un estilo de piano completamente nuevo y profundamente innovador, por lo que probablemente las piezas resultaron mucho más difíciles que el repertorio que usaban los profesores en ese momento. Surge una analogía con J.S. Bach, quien también se adelantó a su tiempo, creando piezas para estudiantes mucho más difíciles que el nivel de aprendizaje generalmente aceptado. Para apreciar la novedad de esta música, basta prestar atención al repertorio educativo que utilizaban los profesores de aquella época. No se trataba sólo de las populares escuelas de piano de los mejores profesores de la época, sino también de los trabajos de numerosos desertores.