Biografía de Vivaldi. Antonio Vivaldi: biografía, datos interesantes, creatividad Obras similares a - Interpretación del género de concierto instrumental en la obra de Antonio Vivaldi

El destacado violinista y compositor Antonio Vivaldi (1678-1741) es uno de los más destacados representantes del violín italiano. arte XVIII siglo. Su importancia, especialmente en la creación del concierto para violín solo, va mucho más allá de las fronteras de Italia.

A. Vivaldi nació en Venecia, en la familia de un excelente violinista y profesor, miembro de la capilla de la Catedral de San Marco Giovanni Battista Vivaldi. CON primera infancia su padre le enseñó a tocar el violín y lo llevó a los ensayos. A partir de los 10 años, el niño empezó a sustituir a su padre, que también trabajaba en uno de los conservatorios de la ciudad.

El director del coro, G. Legrenzi, se interesó por el joven violinista y estudió órgano y composición con él. Vivaldi asistió a los conciertos en casa de Legrenzi, donde se escucharon nuevas obras del propio propietario, de sus alumnos: Antonio Lotti, el violonchelista Antonio Caldara, el organista Carlo Polarolli y otros. Lamentablemente, Legrenzi murió en 1790 y cesaron los estudios.

En ese momento, Vivaldi ya había comenzado a componer música. Su primera obra que nos ha llegado es una obra espiritual que data de 1791. El padre consideró mejor darle a su hijo una educación espiritual, ya que su rango y voto de celibato le daban a Vivaldi el derecho a enseñar en el conservatorio de mujeres. Así comenzó la formación espiritual en el seminario. En 1693 fue ordenado abad. Esto le proporcionó acceso al conservatorio más respetado, el Ospedale della Pieta. Sin embargo, las órdenes sagradas resultaron más tarde ser un obstáculo para el desarrollo del enorme talento de Vivaldi. Después del abad, Vivaldi ascendió en las filas del clero y finalmente, en 1703, fue ordenado al último rango inferior: sacerdote, lo que le dio el derecho a realizar un servicio independiente: la misa.

Su padre preparó plenamente a Vivaldi para la docencia, habiendo hecho él mismo lo mismo en el Conservatorio de los “Mendigos”. La música era la materia principal en el conservatorio. A las niñas se les enseñó a cantar, tocar varios instrumentos y dirigir. El conservatorio contaba con una de las mejores orquestas de Italia en aquella época, en la que participaban 140 estudiantes. B. Martini, C. Burney, K. Dittersdorf hablaron con entusiasmo de esta orquesta. Junto con Vivaldi, aquí enseñó el alumno de Corelli y Lotti, Francesco Gasparini, un experimentado violinista y compositor cuyas óperas se representaron en Venecia.

En el conservatorio, Vivaldi enseñó violín y “viola inglesa”. La orquesta del conservatorio se convirtió para él en una especie de laboratorio donde realizar sus planes. Ya en 1705 se publicó su primera obra de sonatas en trío (sonatas de cámara), en la que todavía se siente la influencia de Corelli. Es característico, sin embargo, que en ellos no se note ningún signo de aprendizaje. estos son maduros escritos artísticos, atrayendo con la frescura y la imaginación de la música.

Como si enfatizara el homenaje al genio de Corelli, concluye la Sonata n.° 12 con las mismas variaciones sobre el tema de Folia. El año que viene se lanzará la segunda obra: concerti grossi “Harmonic Inspiration”, que apareció tres años antes que los conciertos de Torelli. Es entre estos conciertos donde se encuentra el famoso La menor.

El servicio en el conservatorio fue un éxito. A Vivaldi se le confía la dirección de la orquesta y luego del coro. En 1713, debido a la marcha de Gasparini, Vivaldi pasó a ser el compositor principal con la obligación de componer dos conciertos al mes. Trabajó en el conservatorio casi hasta el final de su vida. Llevó la orquesta del conservatorio a la máxima perfección.

La fama del compositor Vivaldi se está extendiendo rápidamente no sólo en Italia. Sus obras se publican en Amsterdam. En Venecia conoce a Handel, A. Scarlatti, su hijo Domenico, que estudia con Gasparini. Vivaldi también ganó fama como violinista virtuoso, para quien no había dificultades imposibles. Su habilidad se hacía evidente en las cadencias improvisadas.

En una de esas ocasiones, alguien que estaba presente en una representación de la ópera de Vivaldi en el Teatro San Angelo recordó su actuación: “Casi al final, acompañando a un magnífico solista, Vivaldi finalmente realizó una fantasía que realmente me asustó, porque era algo increíble, como el que nadie ha tocado y no puede tocar, porque con los dedos subió tan alto que ya no quedaba lugar para el arco, y con esto en las cuatro cuerdas realizó una fuga con una velocidad increíble”. Los registros de varias de estas cadencias permanecen en manuscritos.

Vivaldi se compuso rápidamente. Se publican sus sonatas solistas y conciertos. Para el conservatorio creó su primer oratorio, "Moisés, dios del faraón", y preparó su primera ópera, "Ottone en la Villa", que se representó con éxito en 1713 en Vicenza. Durante los siguientes tres años, crea tres óperas más. Luego viene un descanso. Vivaldi escribió con tanta facilidad que incluso él mismo lo notó a veces, como en el manuscrito de la ópera "Tito Manlio" (1719): "trabajó en cinco días".

En 1716, Vivaldi creó uno de sus mejores oratorios para el conservatorio: “Judit triunfante, derrotando a Holofernes de los bárbaros”. La música atrae por su energía y alcance y al mismo tiempo por su sorprendente colorido y poesía. Ese mismo año, durante las celebraciones musicales en honor a la llegada del duque de Sajonia a Venecia, se invitó a actuar a dos jóvenes violinistas: Giuseppe Tartini y Francesco Veracini. El encuentro con Vivaldi tuvo un profundo impacto en su obra, especialmente en los conciertos y sonatas de Tartini. Tartini decía que Vivaldi era un compositor de conciertos, pero pensaba que era un compositor de ópera por vocación. Tartini tenía razón. Las óperas de Vivaldi están hoy olvidadas.

Las actividades docentes de Vivaldi en el conservatorio fueron cosechando éxitos gradualmente. Otros violinistas también estudiaron con él: J.B. Somis, Luigi Madonis y Giovanni Verocai, que sirvieron en San Petersburgo, Carlo Tessarini, Daniel Gottlob Troy, director de orquesta en Praga. Estudiante del conservatorio, Santa Tasca se convirtió en concertista de violín y luego en músico de la corte de Viena; También actuó Hiaretta, con quien estudió el destacado violinista italiano G. Fedeli.

Además, Vivaldi resultó ser un buen profesor de canto. Su alumna Faustina Bordoni recibió el sobrenombre de “Nueva Sirena” por la belleza de su voz (contralto). El alumno más famoso de Vivaldi fue Johann Georg Pisendel, concertino de la Capilla de Dresde.

En 1718, Vivaldi aceptó inesperadamente una invitación para trabajar como director de la capilla del Landgrave en Mantua. Aquí representó sus óperas, creó numerosos conciertos para la capilla y dedicó una cantata al Conde. En Mantua conoció a su antigua alumna, la cantante Anna Giraud. Se comprometió a desarrollarlo. habilidades vocales, lo logró, pero se interesó seriamente en ello. Giraud se convirtió cantante famoso y cantó en todas las óperas de Vivaldi.

En 1722, Vivaldi regresó a Venecia. En el conservatorio, ahora debe componer dos conciertos instrumentales al mes y realizar 3 o 4 ensayos con los estudiantes para aprenderlos. En caso de salida, debía enviar los conciertos por mensajería.

Ese mismo año creó Doce Conciertos, que comprendía el op. 8 - “Una Experiencia de Armonía y Fantasía”, que incluye las famosas “Estaciones” y algunos otros conciertos programados. Fue publicado en Amsterdam en 1725. Los conciertos se extendieron rápidamente por toda Europa y el Four Seasons ganó una enorme popularidad.

Durante estos años, la intensidad de la creatividad de Vivaldi fue excepcional. Sólo para la temporada 1726/27 creó ocho nuevas óperas, decenas de conciertos y sonatas. A partir de 1735 comenzó la fructífera colaboración de Vivaldi con Carlo Goldoni, en cuyo libreto creó las óperas “Griselda”, “Aristide” y muchas otras. Esto también afectó a la música del compositor, en cuya obra se manifiestan más claramente los rasgos de la ópera buffa y los elementos folclóricos.

Poco se sabe sobre el intérprete Vivaldi. Como violinista, actuó muy raramente, solo en el Conservatorio, donde a veces tocaba sus conciertos y, a veces, en la ópera, donde actuaba solos de violín o cadencias. A juzgar por las grabaciones conservadas de algunas de sus cadencias, sus composiciones, así como por los testimonios fragmentarios de sus contemporáneos sobre su forma de tocar que han llegado hasta nosotros, fue un violinista destacado que controlaba magistralmente su instrumento.

Como compositor pensaba como un violinista. El estilo instrumental también brilla en sus obras operísticas y composiciones de oratorio. El hecho de que fue un violinista destacado también lo demuestra el hecho de que muchos violinistas en Europa quisieron estudiar con él. Las características de su estilo interpretativo ciertamente se reflejan en sus composiciones.

El legado creativo de Vivaldi es enorme. Ya se han publicado más de 530 de sus obras. Escribió alrededor de 450 conciertos diferentes, 80 sonatas, alrededor de 100 sinfonías, más de 50 óperas y más de 60 obras espirituales. Muchos de ellos aún permanecen manuscritos. La editorial Ricordi ha publicado 221 conciertos para violín solo, 26 conciertos para 2-4 violines, 6 conciertos para viola de amor, 11 conciertos para violonchelo, 30 sonatas para violín, 19 sonatas para trío, 9 sonatas para violonchelo y otras obras, incluidas para instrumentos de viento.

En cualquier género que tocara el genio de Vivaldi, se abrían posibilidades nuevas e inexploradas. Esto ya era evidente en su primera obra.

Las doce sonatas en trío de Vivaldi se publicaron por primera vez como op. 1, en Venecia en 1705, pero fueron compuestos mucho antes; Esta obra probablemente incluyó obras seleccionadas de este género. En estilo se acercan a Corelli, aunque también revelan algunos rasgos individuales. Es interesante que, tal como ocurre en el op. 5 Corelli, la colección de Vivaldi termina con diecinueve variaciones sobre el entonces popular tema de la folia española. Cabe destacar la diferente presentación (melódica y rítmica) del tema en Corelli y Vivaldi (este último es más estricto). A diferencia de Corelli, que solía distinguir entre estilos de cámara y de iglesia, Vivaldi ya en su primera obra ofrece ejemplos de su entrelazamiento e interpenetración.

En términos de género, siguen siendo más bien sonatas de cámara. En cada uno de ellos se destaca la parte del primer violín y se le da un carácter virtuoso y más libre. Las sonatas se abren con exuberantes preludios de carácter lento y solemne, a excepción de la Décima Sonata, que comienza baile rapido. Las partes restantes son casi todas de género. Aquí hay ocho allemandes, cinco jigs, seis campanadas, que se reinterpretan instrumentalmente. La gavota solemne de la corte, por ejemplo, la utiliza cinco veces como final rápido en tempo Allegro y Presto.

La forma de las sonatas es bastante libre. La primera parte da un tono psicológico al conjunto, tal como lo hizo Corelli. Sin embargo, Vivaldi rechaza además la parte de fuga, la polifonía y la elaboración, y se esfuerza por lograr una dinámica movimiento de danza. A veces, todas las demás partes transcurren casi al mismo tempo, violando así el antiguo principio de tempos contrastantes.

Ya en estas sonatas se puede sentir la imaginación más rica de Vivaldi: ninguna repetición de fórmulas tradicionales, melodía inagotable, deseo de protagonismo, entonaciones características, que luego serían desarrolladas por el propio Vivaldi y otros autores. Así, el comienzo de la Tumba de la segunda sonata aparecerá luego en las “Estaciones”. La melodía del preludio de la undécima sonata quedará reflejada en el tema principal del Concierto para dos violines de Bach. Características También hay amplios movimientos de figuración, repetición de entonaciones, como si fijaran el material principal en la mente del oyente, y una implementación consistente del principio de desarrollo secuencial.

La fuerza y ​​la inventiva del espíritu creativo de Vivaldi se demostraron especialmente en el género de concierto. Es en este género donde se escribieron la mayoría de sus obras. Al mismo tiempo, en el patrimonio del concierto. maestro italiano obras escritas en forma de concierto grosso y en forma de concierto en solitario. Pero incluso en aquellos de sus conciertos que gravitan hacia el género del concerto grosso, la individualización de las partes del concierto se siente claramente: a menudo adquieren un carácter de concierto, y entonces no es fácil trazar la línea entre un concerto grosso y un concierto para solista. .

compositor violín vivaldi

Detalles Categoría: Música clásica europea de los siglos XVII-XVIII Publicado el 14/12/2018 18:21 Vistas: 524

Las obras de Antonio Vivaldi son populares en todo el mundo. Pero no siempre fue así.

Durante la vida (durante la primera mitad del siglo XVIII c.) el compositor era ampliamente conocido, era conocido como el creador de un solo concierto instrumental. Sus contemporáneos lo llamaron "un gran, insuperable y encantador escritor". Los conciertos de Vivaldi sirvieron de modelo incluso para compositores como J.S. Bach, P. Locatelli, D. Tartini, J.-M. Leclerc y otros en la era del barroco musical estos fueron. nombres famosos. Bach incluso arregló 6 conciertos para violín de Vivaldi para clavier, hizo conciertos para órgano a partir de 2 de ellos y reorganizó uno para 4 clavieres; era tan admirado por su claridad y armonía de armonía, su perfecta técnica de violín y la melodía de la música de Vivaldi.

Presunto retrato de Vivaldi
Pero pasó un tiempo y Vivaldi casi quedó en el olvido. Sus obras dejan de representarse, incluso los rasgos de su apariencia pronto se olvidan: hasta el día de hoy se considera que sus retratos sólo supuestamente le pertenecen. Y recién a mediados del siglo XX. De repente surgió el interés por su obra, incluida su biografía, de la que se sabe poco. ¿Cuál fue el motivo de este renovado interés? Aparentemente, el verdadero arte, incluso si se olvida temporalmente, no puede permanecer escondido por mucho tiempo: el oro seguirá brillando. Pero quizás Vivaldi simplemente se adelantó a su tiempo y, después de su muerte, sus contemporáneos no pudieron aceptar su música a su nivel. El científico austriaco Walter Collender argumentó exactamente esto: Vivaldi estaba varias décadas por delante del desarrollo de la música europea en el uso de la dinámica y la música pura. técnicas tocando el violín. Así, hoy su arte ha recibido una segunda vida.

Vanessa May, violinista británica de origen chino-tailandés, interpreta con maestría las obras de Vivaldi en un arreglo moderno

De la biografía de Antonio Vivaldi.

Vivaldi pasó su infancia en Venecia, donde en la Catedral de St. El padre de Mark trabajaba como violinista. Antonio era el hijo mayor de una familia de 6 hijos. Sobre la infancia del compositor se han conservado muy pocos detalles, pero se sabe que aprendió a tocar el violín de su padre. Luego estudió tocar el clavecín. También se sabe que Antonio tenía mala salud desde pequeño y padecía asma bronquial. Pero a pesar de esto, Vivaldi fue una persona y un músico extremadamente activo. Le encantaba viajar, estaba constantemente de viaje sin cesar, pero al mismo tiempo logró dirigir producciones de sus óperas, discutir papeles con cantantes, mantener una extensa correspondencia, dirigir orquestas, enseñar y, lo más importante, escribir. gran cantidad obras. En marzo de 1703, Vivaldi fue ordenado clero y se convirtió en sacerdote. Lo apodaron el "monje rojo" por el color de su cabello. Se cree que debido a su salud, Vivaldi celebró sólo unas pocas misas y pronto abandonó esta actividad, aunque continuó componiendo música sacra.
En septiembre de 1703, Vivaldi comenzó a trabajar como profesor en el orfanato veneciano para niñas huérfanas “Pio Ospedale delia Pieta”.

Conservatorio "Piedad" en Venecia

Los refugios para niños (hospitales) situados en las iglesias se denominaron entonces conservatorios. Aquí enseñó a las niñas a tocar el violín y la viola de amor y también supervisó la seguridad. instrumentos de cuerda y comprar violines nuevos. Los conciertos de sus pupilos fueron muy populares entre el público ilustrado veneciano. El famoso viajero francés de Brosses dejó la siguiente descripción de los conservatorios venecianos: “Aquí la música de los hospitales es excelente. Son cuatro y están llenos de niñas ilegítimas, así como de huérfanas o de aquellas cuyos padres no pueden criarlas. Se crían a expensas del estado y se les enseña principalmente música. Cantan como ángeles, tocan el violín, la flauta, el órgano, el oboe, el violonchelo, el fagot, en fin, no existe instrumento tan engorroso que les dé miedo; En cada concierto participan 40 chicas. Os juro que no hay nada más atractivo que ver a una monja joven y hermosa, con una túnica blanca, con ramos de flores de granado en las orejas, marcando el compás con toda gracia y precisión”.
Los conciertos para violín de Vivaldi se han hecho ampliamente conocidos en Europa occidental y especialmente en Alemania. Como ya hemos dicho, J. S. Bach “por placer e instrucción” arregló personalmente los conciertos para violín para clave y órgano de Vivaldi. Durante estos mismos años, Vivaldi escribió sus primeras óperas “Ottone” (1713), “Orlando” (1714), “Nero” (1715). En Mantua en 1718-1720. Escribe principalmente óperas para la temporada de carnaval, así como obras instrumentales para la corte ducal.
En 1717 Vivaldi ya era artista famoso, compositor y profesor, algunos de sus alumnos se convirtieron músicos famosos, una de ellas es Anna Giraud.
En 1725 se publicó una de las obras más famosas del compositor, “Una experiencia de armonía e invención” (op. 8). La colección consta de 12 conciertos para violín. Los primeros 4 conciertos llevan el nombre del compositor “Primavera”, “Verano”, “Otoño” e “Invierno”. Posteriormente lo combinaron en la serie "Seasons" (este no es el nombre del autor). Los cuatro conciertos para violín “Las Estaciones”, que forman parte del ciclo “La controversia de la armonía con la invención”, se consideran las obras más famosas e interpretadas.
En 1740, poco antes de su muerte, Vivaldi fue a su último viaje a Viena, donde murió en casa de la viuda de un talabartero vienés y fue enterrado como mendigo. Tampoco se conoce la fecha exacta de la muerte de Vivaldi; la mayoría de las fuentes indican 1743. Y luego su nombre fue olvidado.

La herencia musical de Antonio Vivaldi

Casi 200 años después, el musicólogo italiano A. Gentili descubrió una colección única de manuscritos del compositor, que constaba de 300 conciertos, 19 óperas y obras vocales sacras y profanas. Ha comenzado un verdadero renacimiento de la antigua gloria de Vivaldi
En Rusia, Vivaldi es uno de los compositores más queridos. Se representa con frecuencia y el legado creativo de Vivaldi es enorme: más de 700 títulos. De ellos, hay alrededor de 500 conciertos, incluidos 230 para violín, el instrumento favorito del compositor. También escribió conciertos para viola d'amour, violonchelo, mandolina, flautas longitudinales y transversales, oboe y fagot. Creó más de 60 conciertos para. orquesta de cuerdas y continúan el bajo, sonatas para varios instrumentos y más de 40 óperas (de las cuales sólo se conservan las partituras de la mitad). Además, existen numerosas obras vocales de Vivaldi: cantatas, oratorios, obras sacras. Muchas de las obras instrumentales de Vivaldi tienen subtítulos programáticos. Ya durante su vida, Vivaldi se hizo famoso como un destacado experto en orquesta, inventor de muchos efectos colorísticos e hizo mucho para desarrollar la técnica de tocar el violín.
De los cinco supuestos retratos del gran compositor, el más antiguo, realizado por P. Ghezzi en 1723, se considera el más fiable.

P.L. Ghezzi "El Sacerdote Rojo" (caricatura de Vivaldi, 1723)
Su alumno Pencherl termina así su descripción del maestro: “Así nos aparece Vivaldi cuando combinamos toda la información individual sobre él: creado a partir de contrastes, débil, enfermo y, sin embargo, vivo como la pólvora, dispuesto a irritarse e inmediatamente. cálmate, pasa de la vanidad mundana a la piedad supersticiosa, testarudo y al mismo tiempo complaciente cuando es necesario, místico, pero dispuesto a bajar a la tierra cuando se trata de sus intereses, y nada tonto a la hora de organizar sus asuntos. "
Lo mismo se puede decir de su música: en ella, la alta espiritualidad se combina con la sed de experiencias de vida, la euforia se mezcla con la vida cotidiana: el canto de los pájaros, el canto de los campesinos, el murmullo de un arroyo de primavera, el estruendo. del trueno... Su música se distingue por la sinceridad, la frescura, la espontaneidad y el especial lirismo. Esto es lo que ha atraído a numerosos intérpretes y oyentes a su música durante más de 200 años.

Obras del destacado compositor y violinista italiano. A. Corelli Tuvo una gran influencia en la música instrumental europea de finales del siglo XVII y la primera mitad del XVIII, y se le considera legítimamente el fundador de la escuela italiana de violín. Muchos de los más grandes compositores de la época posterior, incluidos J. S. Bach y G. F. Handel, valoraron mucho las obras instrumentales de Corelli. Demostró ser no sólo un compositor y un excelente violinista, sino también un maestro (la escuela Corelli incluye toda una galaxia de brillantes maestros) y un director de orquesta (fue el líder de varios conjuntos instrumentales). La creatividad de Corelli y sus diversas actividades abrieron nueva pagina en la historia de la música y los géneros musicales.

Poco se sabe sobre los primeros años de vida de Corelli. Recibió sus primeras lecciones de música de un sacerdote. Después de cambiar varios profesores, Corelli finalmente acaba en Bolonia. Esta ciudad fue la cuna de varios compositores italianos notables y su estancia allí aparentemente tuvo una influencia decisiva en el destino futuro del joven músico. En Bolonia, Corelli estudió bajo la dirección del famoso maestro G. Benvenuti. El hecho de que ya en su juventud Corelli logró un éxito sobresaliente en el campo del violín se evidencia en el hecho de que en 1670, a la edad de 17 años, fue admitido en la famosa Academia de Bolonia. En la década de 1670. Corelli se traslada a Roma. Aquí toca en varios conjuntos orquestales y de cámara, dirige algunos conjuntos y se convierte en director de banda de la iglesia. De las cartas de Corelli se sabe que en 1679 entró al servicio de la reina Cristina de Suecia. Como músico de orquesta, también se dedica a la composición, componiendo sonatas para su patrona. La primera obra de Corelli (12 sonatas en trío de iglesia) apareció en 1681. A mediados de la década de 1680. Corelli entró al servicio del cardenal romano P. Ottoboni, donde permaneció hasta el final de su vida. Después de 1708, se retiró de la oratoria y concentró todas sus energías en la creatividad.

Las obras de Corelli son relativamente pocas: en 1685, tras su primera obra, sus sonatas en trío de cámara op. 2, en 1689 - 12 sonatas en trío de iglesias op. 3, en 1694 - sonatas en trío de cámara op. 4, en 1700 - sonatas en trío de cámara op. 5. Finalmente, en 1714, tras la muerte de Corelli, se publicó en Amsterdam su concerti grossi op. 6. Estas colecciones, así como varias obras individuales, constituyen el legado de Corelli. Sus composiciones están destinadas a instrumentos de cuerda frotada (violín, viola da gamba) con la participación del clavecín o del órgano como instrumentos de acompañamiento.

La obra de Corelli incluye 2 géneros principales: sonatas y conciertos. Fue en la obra de Corelli donde se formó el género de la sonata en la forma que es característico de la era preclásica. Las sonatas de Corelli se dividen en 2 grupos: de iglesia y de cámara. Se diferencian tanto en la composición interpretativa (en la sonata de iglesia el órgano acompaña, en la sonata de cámara, el clavecín) como en el contenido (la sonata de iglesia se distingue por su rigor y profundidad de contenido, la de cámara está cerca de la suite de danza). ). La composición instrumental para la que se compusieron dichas sonatas incluía 2 voces melódicas (2 violines) y acompañamiento (órgano, clavecín, viola da gamba). Por eso se llaman sonatas en trío.

Los conciertos de Corelli también se convirtieron en un fenómeno destacado en este género. El género del concerto grosso existió mucho antes que Corelli. Fue uno de los precursores de la música sinfónica. La idea del género era una especie de competición entre un grupo de instrumentos solistas (en los conciertos de Corelli este papel lo desempeñan dos violines y un violonchelo) con una orquesta: el concierto se estructuró así como una alternancia de solo y tutti. 12 conciertos de Corelli escritos en últimos años La vida del compositor se convirtió en una de las páginas más brillantes de la música instrumental de principios del siglo XVIII. Quizás todavía sean la obra más popular de Corelli.

Uno de los mayores representantes de la época barroca. A. Vivaldi entró en la historia de la cultura musical como creador del género de concierto instrumental, fundador de la música de programa orquestal. La infancia de Vivaldi está relacionada con Venecia, donde su padre trabajaba como violinista en la Catedral de San Marcos. La familia tuvo 6 hijos, de los cuales Antonio era el mayor. Casi no se ha conservado ningún detalle sobre la infancia del compositor. Sólo se sabe que estudió violín y clavecín. El 18 de septiembre de 1693, Vivaldi fue tonsurado monje y el 23 de marzo de 1703 fue ordenado sacerdote. Al mismo tiempo, el joven siguió viviendo en casa (presuntamente debido a una grave enfermedad), lo que le dio la oportunidad de no abandonar sus estudios musicales. Vivaldi fue apodado el “monje rojo” por el color de su cabello. Se cree que ya en estos años no era demasiado celoso en sus deberes como clérigo. Muchas fuentes cuentan una historia (posiblemente apócrifa, pero reveladora) de cómo un día, durante un servicio, el “monje pelirrojo” abandonó apresuradamente el altar para escribir un tema de fuga que de repente se le ocurrió. En cualquier caso, las relaciones de Vivaldi con los círculos clericales continuaron tensas y pronto él, alegando su mala salud, se negó públicamente a celebrar misa.

En septiembre de 1703, Vivaldi comenzó a trabajar como profesor (maestro di violino) en el orfanato benéfico veneciano "Pio Ospedale delia Pieta". Sus deberes incluían enseñar violín y viola de amor, además de supervisar la conservación de instrumentos de cuerda y comprar violines nuevos. Los "servicios" en la "Piedad" (con razón se les puede llamar conciertos) fueron el centro de atención del ilustrado público veneciano. Por razones de economía, Vivaldi fue despedido en 1709, pero en 1711-16. Reinstalado en el mismo cargo, y desde mayo de 1716 ya era concertino de la orquesta Pietà. Incluso antes de su nuevo nombramiento, Vivaldi se había consolidado no sólo como profesor, sino también como compositor (principalmente autor de música sacra). Paralelamente a su trabajo en Pieta, Vivaldi buscaba oportunidades para publicar sus obras seculares. 12 sonatas en trío op. 1 se publicaron en 1706; en 1711 se publicó la colección más famosa de conciertos para violín “Inspiración armónica” op. 3; en 1714 - otra colección llamada "Extravagancia" op. 4. Los conciertos para violín de Vivaldi pronto se hicieron ampliamente conocidos en Europa occidental y especialmente en Alemania. I. Quantz, I. Mattheson mostraron gran interés en ellos, el gran J. S. Bach "para el placer y la instrucción" arregló personalmente 9 conciertos para violín de Vivaldi para clave y órgano. Durante estos mismos años, Vivaldi escribió sus primeras óperas “Ottone” (1713), “Orlando” (1714), “Nero” (1715). En 1718-20 Vive en Mantua, donde escribe principalmente óperas para la temporada de carnaval, así como obras instrumentales para la corte ducal de Mantua. En 1725 se publicó una de las obras más famosas del compositor, con el subtítulo “Una experiencia de armonía e invención” (op. 8). Como las anteriores, la colección está compuesta por conciertos para violín (son 12). Los primeros 4 conciertos de esta obra llevan el nombre del compositor, respectivamente, “Primavera”, “Verano”, “Otoño” e “Invierno”. En la práctica escénica moderna, a menudo se combinan en el ciclo "Estaciones" (no existe tal título en el original). Al parecer, Vivaldi no estaba satisfecho con los ingresos procedentes de la publicación de sus conciertos, y en 1733 anunció a un tal viajero inglés E. Holdsworth su intención de abandonar nuevas publicaciones, ya que, a diferencia de las copias impresas, las copias manuscritas eran más caras. De hecho, desde entonces no ha aparecido ninguna nueva obra original de Vivaldi.

Entre 20 y 30 años. a menudo llamados “años de viaje” (anteriormente a Viena y Praga). En agosto de 1735, Vivaldi volvió al puesto de director de la orquesta Pieta, pero al comité de dirección no le gustó la pasión de su subordinado por los viajes y en 1738 el compositor fue despedido. Al mismo tiempo, Vivaldi continuó trabajando duro en el género de la ópera (uno de sus libretistas fue el famoso C. Goldoni), mientras prefería participar personalmente en la producción. Sin embargo, las representaciones de ópera de Vivaldi éxito especial no tuvo, sobre todo después de que el compositor se vio privado de la oportunidad de actuar como director de sus óperas en el teatro de Ferrara debido a la prohibición del cardenal de entrar a la ciudad (el compositor fue acusado de tener una historia de amor con Anna Giraud, su ex alumna , y la negativa del “monje rojo” a servir misa ). Como resultado, el estreno de la ópera en Ferrara fue un fracaso.

En 1740, poco antes de su muerte, Vivaldi realizó su último viaje a Viena. Los motivos de su repentina salida no están claros. Murió en casa de la viuda de un guarnicionero vienés llamado Waller y fue enterrado en la pobreza. Poco después de su muerte, el nombre del destacado maestro quedó en el olvido. Casi 200 años después, en los años 20. Siglo XX El musicólogo italiano A. Gentili descubrió una colección única de manuscritos del compositor (300 conciertos, 19 óperas, obras vocales sacras y profanas). A partir de ese momento comienza un verdadero renacimiento de la antigua gloria de Vivaldi. La editorial musical Ricordi comenzó a publicar las obras completas del compositor en 1947, y recientemente la compañía Philips comenzó a implementar un plan igualmente grandioso: publicar "todo" Vivaldi en grabaciones. En nuestro país, Vivaldi es uno de los compositores más interpretados y queridos. El legado creativo de Vivaldi es grandioso. Según el autorizado catálogo temático y sistemático de Peter Riom (designación internacional - RV), cubre más de 700 títulos. El lugar principal en la obra de Vivaldi lo ocupó el concierto instrumental (en total se conservan unos 500). El instrumento favorito del compositor era el violín (unos 230 conciertos). Además, escribió conciertos para dos, tres y cuatro violines con orquesta y bajo continuo, conciertos para viola d'amore, violonchelo, mandolina, flautas longitudinales y transversales, oboe y fagot. Son más de 60 conciertos para orquesta de cuerdas y bajo, además de sonatas para diversos instrumentos. De más de 40 óperas (se ha establecido con precisión la autoría de Vivaldi), sólo se han conservado las partituras de la mitad de ellas. Menos populares (pero no menos interesantes) son sus numerosas obras vocales: cantatas, oratorios, obras sobre textos espirituales (salmos, letanías, “Gloria”, etc.).

Muchas de las obras instrumentales de Vivaldi tienen subtítulos programáticos. Algunos de ellos se refieren al primer intérprete (Concierto de Carbonelli, RV 366), otros a la fiesta durante la cual se interpretó por primera vez tal o cual composición (“Para la fiesta de San Lorenzo”, RV 286). Varios subtítulos indican algún detalle inusual de la técnica interpretativa (en el concierto titulado “L’ottavina”, RV 763, todos los violines solistas deben tocarse en la octava superior). Los títulos más típicos son aquellos que caracterizan el estado de ánimo predominante: "Descanso", "Ansiedad", "Sospecha" o "Inspiración armónica", "Cítara" (los dos últimos son nombres de colecciones de conciertos para violín). Al mismo tiempo, incluso en aquellas obras cuyos títulos parecen indicar momentos pictóricos externos ("Tormenta en el mar", "Jilguero", "Caza", etc.), lo principal para el compositor siempre sigue siendo la transferencia del carácter lírico general. ánimo. La partitura de “The Seasons” cuenta con un programa relativamente extenso. Ya durante su vida, Vivaldi se hizo famoso como un destacado experto en orquesta, inventor de muchos efectos colorísticos e hizo mucho para desarrollar la técnica de tocar el violín.

Giuseppe Tartini Pertenece a las luminarias de la escuela italiana de violín del siglo XVIII, cuyo arte conserva su importancia artística hasta el día de hoy. D. Oistrakh

El destacado compositor, profesor, virtuoso violinista y teórico musical italiano G. Tartini ocupó uno de los lugares más importantes en la cultura del violín en Italia en la primera mitad del siglo XVIII. Su arte fusionó tradiciones provenientes de A. Corelli, A. Vivaldi, F. Veracini y otros grandes predecesores y contemporáneos.

Tartini nació en una familia perteneciente a la clase noble. Los padres querían que su hijo se convirtiera en clérigo. Por lo tanto, primero estudió en la escuela parroquial de Pirano y luego en Capo d'Istria. Allí Tartini comenzó a tocar el violín.

La vida de un músico se divide en 2 períodos muy opuestos entre sí. Inconstante, de carácter intemperante, que busca el peligro: así es en años de adolescencia. La obstinación de Tartini obligó a sus padres a abandonar la idea de enviar a su hijo por el camino espiritual. Se va a Padua a estudiar derecho. Pero Tartini prefiere la esgrima y sueña con ser maestro de esgrima. Paralelamente a la esgrima, continúa dedicándose cada vez más a la música.

Un matrimonio secreto con su alumna, la sobrina de un destacado clérigo, cambió drásticamente todos los planes de Tartini. El matrimonio provocó la indignación de los parientes aristocráticos de su esposa; Tartini fue perseguido por el cardenal Cornaro y se vio obligado a esconderse. Su refugio fue el monasterio minorita de Asís.

A partir de este momento comenzó la segunda etapa de la vida de Tartini. El monasterio no sólo acogió al joven libertino y se convirtió en su refugio durante los años de exilio. moral y renacimiento espiritual Tartini, aquí comenzó su verdadero desarrollo como compositor. En el monasterio estudió teoría musical y composición bajo la dirección del compositor y teórico checo B. Chernogorsky; Practicó el violín de forma independiente, logrando una verdadera perfección en el dominio del instrumento, que, según sus contemporáneos, incluso superó la interpretación del famoso Corelli.

Tartini permaneció en el monasterio durante 2 años, luego durante otros 2 años actuó en la ópera de Ancona. Allí el músico conoció a Veracini, quien tuvo una importante influencia en su obra.

El exilio de Tartini terminó en 1716. Desde entonces hasta el final de su vida, salvo breves descansos, vivió en Padua, dirigiendo la orquesta de la capilla de la Basílica de San Antonio y actuando como violinista en varias ciudades de Italia. En 1723, Tartini recibió una invitación para visitar Praga y participar en las celebraciones musicales con motivo de la coronación de Carlos VI. Esta visita, sin embargo, duró hasta 1726: Tartini aceptó una oferta para ocupar el puesto de músico de cámara en la capilla praguense del Conde F. Kinsky.

Al regresar a Padua (1727), el compositor organizó allí una academia de música, dedicando mucha energía a la enseñanza. Los contemporáneos lo llamaron "maestro de naciones". Entre los alumnos de Tartini se encuentran violinistas destacados del siglo XVIII como P. Nardini, G. Pugnani, D. Ferrari, I. Naumann, P. Lausset, F. Rust y otros.

La contribución del músico al desarrollo del arte del violín fue enorme. Cambió el diseño del arco, alargándolo. Las propias habilidades con el arco de Tartini y su extraordinario canto con violín comenzaron a considerarse ejemplares. El compositor creó una gran cantidad de obras. Estos incluyen numerosas sonatas en trío, alrededor de 125 conciertos y 175 sonatas para violín y platillo. Este último recibió un mayor desarrollo de género y estilo en la obra de Tartini.

Las vívidas imágenes del pensamiento musical del compositor se manifestaron en su deseo de dar subtítulos programáticos a sus obras. Las sonatas "Abandoned Dido" y "Devil's Trill" se hicieron especialmente famosas. El último crítico musical ruso notable, V. Odoevsky, consideró el comienzo de una nueva era en el arte del violín. Junto a estas obras, cobra gran importancia el ciclo monumental “El arte del arco”. Compuesto por 50 variaciones sobre el tema de la gavota de Corelli, es un conjunto único de técnicas técnicas que no sólo tiene importancia pedagógica, sino también un alto valor artístico. Tartini fue uno de los músicos-pensadores curiosos del siglo XVIII; sus opiniones teóricas se expresaron no sólo en varios tratados de música, sino también en correspondencia con los principales científicos musicales de la época, siendo los documentos más valiosos de su época.

20. La idoneidad como principio del pensamiento musical en la música de los siglos XVII-XVIII. La estructura de una suite clásica. (Tome cualquier suite y desmóntela); (Lea el trabajo de Yavorsky).

Suite (suite francesa, “secuencia”). El nombre implica una secuencia de piezas instrumentales (danzas estilizadas) o fragmentos instrumentales de ópera, ballet, música dramática, etc.

El estilo único de Vivaldi revolucionó el mundo musical europeo de principios del siglo XVIII. Este brillante italiano hizo que toda Europa hablara de “gran música italiana”.

Antonio Vivaldi nació en Venecia el 4 de marzo de 1678. Su padre Giovanni Battista (apodado "Rojo" por su color de pelo intenso), hijo de un panadero de Brescia, se mudó a Venecia hacia 1670. Allí trabajó durante algún tiempo como panadero y luego dominó la profesión de barbero. En su tiempo libre para ganarse el pan de cada día, Giovanni Battista tocaba el violín. Y resultó ser un músico tan talentoso que

En 1685, el famoso Giovanni Legrenzi, director de orquesta de la Catedral de St. Mark, lo aceptó en su orquesta.

Nació el primero y más famoso de los seis hijos de Giovanni Battista Vivaldi y Camilla Calicchio, Antonio Lucio. antes de lo previsto debido a un terremoto repentino. Los padres del niño vieron el nacimiento de una nueva vida en circunstancias tan extrañas como una señal de lo alto y decidieron que Antonio debería convertirse en sacerdote.

Cuando el futuro gran compositor tenía 15 años, le afeitaron la tonsura (símbolo de la corona de espinas) y el 23 de marzo de 1703 fue ordenado sacerdote Antonio Vivaldi, de veinticinco años. Sin embargo, no sintió un deseo sincero de ser sacerdote y pronto dejó de celebrar misa. Aunque, como testifica Carlo Goldoni, Vivaldi leyó su libro de oraciones todos los días a lo largo de su vida.

De su padre, Antonio heredó no solo el color de su cabello (bastante raro entre los italianos), sino también un gran amor por la música, especialmente por tocar el violín. El propio Giovanni Battista dio a su hijo sus primeras lecciones y lo llevó a su puesto en la orquesta de la Catedral de San Pedro. Marca. Antonio estudió composición y aprendió a tocar el clavecín y la flauta. En septiembre de 1703, Vivaldi comenzó a enseñar música en el orfanato para niñas Ospe Dale della Pietà.

El refugio "Ospedale della Pietà" (literalmente "hospital de la compasión") existe desde 1348 y siempre fue famoso por la educación integral (incluida la musical) que recibían sus alumnos.

F. Guardi. Vista del Puente de Rialto desde el Gran Canal. Siglo XVIII.

Vivaldi estuvo asociado a esta institución durante casi toda su vida. También hay que decir que la actividad docente del compositor no se limitó a trabajar como “maestro di violino”, es decir, profesor de violín. Vivaldi dio clases privadas a cantantes y les enseñó a tocar la viola. Además, dirigió la orquesta en ensayos y conciertos cuando el director titular no estaba presente. Y escribía música incansablemente.

Primeras publicaciones

En 1705, el editor veneciano Giuseppe Sala publicó la primera colección de sonatas para tres instrumentos (dos violines y bajo) de Antonio Vivaldi. La siguiente “parte” de las sonatas para violín de Vivaldi fue publicada cuatro años después por Antonio Bortoli.

Pronto las obras del “sacerdote rojo” (como apodaron a Vivaldi el Joven los mismos bromistas venecianos que antes le habían dado el sobrenombre)

"Rojo" para su padre) ganó una popularidad extraordinaria.

En tan sólo unos años, Antonio Vivaldi se convirtió en el compositor para violín más famoso de Europa. Su fama y su increíble éxito se evidencian en el siguiente hecho: en 1711-1729. En Ámsterdam se publicaron doce colecciones de música instrumental de Vivaldi, entre ellas Ligo archoso ("Inspiración armónica"), La piçaranga ("Caprichos") y II skhyanno oeP"archosha e oeP"tueshupe ("Experiencia de armonía y fantasía"), una obra , que incluye el famoso Le quattro 81a§yush (“Cuatro estaciones” o simplemente “Estaciones”). Posteriormente, las obras de Vivaldi fueron publicadas en

Londres y París, los entonces centros editoriales de Europa.

compositor secular

En 1713, en Vicenza, Vivaldi presentó al público su primera ópera.

Arriba: Antonio Vivaldi. Caricatura de P. L. Ghezzi. 1723

Abajo: G. Bella. Fiesta de la Ascensión en la Plaza de San Marcos en Venecia.

Cronología de la vida

1693 Recibe tonsura.

1703 Se ordena. Ingresa en el Ospedale della Pietà como profesora de violín y compositora.

1711 El editor de Amsterdam E. Roger publica el primer concierto de Vivaldi del ciclo C^go armonico. El nombre del compositor se hace ampliamente conocido.

1713 Vivaldi debuta en Vicenza como compositor de ópera (con la ópera “Disciplina en la Villa”).

1718 Se traslada a Mantua y entra al servicio del príncipe Felipe.

1720 Regresa a Venecia.

1727 Publicación de II Ytpepkz sSeN"ag-gtyusha e sSeSht/enEyupe, que contiene las famosas "Cuatro estaciones".

1730-38 Vivaldi viaja extensamente por Europa dirigiendo sus obras.

1740 Abandona finalmente el Ospedale della Pietà y parte hacia Viena.

1741 enfermedad repentina y la muerte del compositor.

Tras su muerte, Vivaldi fue casi olvidado. Su herencia creativa fue verdaderamente descubierta en el siglo XX. De los 450 conciertos que conocemos hoy, sólo unos 80 vieron la luz durante la vida del compositor.

La gran cantidad de obras de Vivaldi que nos han llegado manuscritas incluye no solo conciertos instrumentales (para violín, violonchelo, flauta, trompa, oboe, mandolina, trompa, etc.), sino también sonatas, cantatas y 48 óperas.

"Escapar a la villa." Durante los siguientes cinco años publicó cinco óperas más, que conquistaron los mayores teatros venecianos. Vivaldi se estaba transformando rápidamente de un “sacerdote pelirrojo” completamente modesto a un brillante compositor secular.

A principios de 1718 recibió una invitación para servir como director de orquesta en la corte de Mantua. El compositor permaneció aquí hasta 1720, es decir, hasta la muerte de la esposa de su patrón, el príncipe Felipe. Y aquí, en Mantua, Vivaldi conoció a la cantante Anna Giraud, propietaria de una preciosa contralto. Al principio fue su alumna, luego la intérprete principal de sus óperas y, finalmente, ante la indignación de todos, se convirtió en su amante.

Al regresar a Venecia, Vivaldi se dedicó por completo a las actividades teatrales. Probó suerte como autor y como empresario. En 1720-1730 Vivaldi es conocido en toda Italia. Su fama alcanzó tales proporciones que incluso fue invitado a dar un concierto delante del mismísimo Papa.

Da la impresión de que Vivaldi estaba en constante movimiento y escribió sus obras invariablemente talentosas en algún lugar del camino de Verona a Mantua. Él, sin embargo, no se vio agobiado por la vida nómada y siempre fue tranquilo. Así, en 1738, el compositor vino a Amsterdam sólo para dirigir la orquesta en la celebración del centenario del teatro, y un año más tarde viajó con Anna Giraud a Graz, donde el cantante recibió un contrato para toda la temporada.

Atardecer en Viena

En 1740, Vivaldi finalmente abandonó su trabajo en el Ospedale della Pietà y se fue a Viena, a la corte del emperador Carlos VI, su antiguo y, sobre todo, poderoso admirador.

Obras destacadas

Ciclos de conciertos:

L "estro armonico op. 3 La stravaganza op. 4 II cimento dell"armonia e dell"inven-

sión op. 8 La cetra op. 9

Seis conciertos para flauta

y cuerda op. 10 Seis conciertos para violín

y cuerda op. 11 Seis conciertos para violín

y cuerda op. 12

Obras para orquesta:

Al Santo Sepolcro RV 169 Concierto madrigalesco RV 129

Conciertos instrumentales solistas:

La pastorella para flauta RV 95 II sospetto para violín RV 199 L"inquietudine para violín RV 234 II ritiro para violín RV 256 L"amoroso para violín RV 271 II rosignuolo para violín RV 335 L"ottavina para violín RV 763 II Carbonelli para violín RV 366 Concierto para mandolina RV425 Concierto para oboe RV 447 La notte para fagot RV 501

Conciertos dobles:

Concierto para dos mandolinas RV 532 Concierto para dos trompetas RV 537 Concierto para dos oboes

y dos clarinetes RV 559 Concierto fúnebre RV 579

Música sacra:

Gloria (para solistas)

instrumentos, coro y orquesta)

RV589 Judit Triunfante

(para instrumentos solistas,

coro y orquesta) RV 644

Otto en la Villa RV 729 La verdad en la prueba RV 739

Pero, por desgracia, los planes color de rosa del gran compositor no estaban destinados a hacerse realidad. Al llegar a Viena, ya no encontró vivo al monarca. Además, en ese momento la popularidad de Vivaldi había comenzado a declinar. Las preferencias del público cambiaron y la música barroca rápidamente se encontró en la periferia de la moda.

El músico de sesenta y tres años, que nunca había gozado de buena salud, no pudo recuperarse de estos golpes del destino y enfermó de una enfermedad desconocida.

Vivaldi murió el 28 de julio de 1741 en Viena a causa de una “inflamación interna” (como estaba escrito en el protocolo del funeral), en brazos de su alumna y amiga Anna Giraud. Funeral del P. Longhi. Concierto. fueron modestos: sólo sonaron unas pocas campanas y la procesión estaba formada únicamente por personas contratadas para transportar el ataúd.

Nos han llegado testimonios de contemporáneos sobre la muerte de Vivaldi. Uno de ellos es: “Padre Don Antonio

Vivaldi, el incomparable violinista, apodado “el sacerdote rojo”, muy apreciado por sus conciertos y otras composiciones, ganó 50 mil ducados durante su vida, pero debido a una extravagancia inconmensurable murió en la pobreza en Viena.

cuatro estaciones

Vivaldi escribió sus cuatro famosos conciertos para violín, cuerdas y bajo continuo, incluidos en el ciclo II seto con!eІІ"agggupia e Seii"ipunegiope (publicado en 1722 en Ámsterdam), inspirados en cuatro sonetos de un poeta desconocido, que llevan el nombre de las estaciones. .

El enérgico Allegro con el que comienza “Primavera” ilustra las siguientes líneas del soneto correspondiente: “Ha llegado la primavera, y los pájaros la saludan con alegres cantos, y los ríos llevan sus aguas, murmurando suavemente. Las nubes cubren el cielo con un manto negro, los truenos y relámpagos presagian una tormenta, pero pronto los pájaros, como si la detuvieran, comienzan de nuevo su encantador canto”.

La segunda parte, Largo, cautiva al oyente con una imagen pastoral (“Y luego, en un prado florido, en el dulce susurro de las hojas y la hierba, duerme un pastor, y a sus pies hay un perro fiel”), y el Allegro final se parece a un baile de pueblo trepidante ("Las ninfas bailan al son de las gaitas, y el pastor baila, y sobre ellas el cielo despejado de la primavera cobra fuerza").

N. Poussin. Estaciones: Primavera o Paraíso Terrenal.

N. Poussin. Estaciones: Otoño o la Tierra Prometida.

Allegro non molto, la primera parte de “Verano”, pinta el cuadro de un día caluroso y una tormenta que se avecina: “Bajo los crueles rayos del sol abrasador, un hombre se debilita, el rebaño se dispersa. El cuco canta, la tórtola canta, sopla una ligera brisa... y el pastor llora, porque tiene miedo del cruel Bóreas y de su destino. El Adagio también está lleno de esta atmósfera de anticipación: “El miedo a los relámpagos y a los fuertes truenos, y el furioso zumbido de las moscas y los mosquitos, no da descanso al cansado”. Finalmente estalló una tormenta en Presto: “Ah, ay, no en vano tuvo miedo: el cielo amenazador retumba, centellea, la lluvia azota y la hierba de los campos se dobla”.

Adagio molto describe el “sueño de borrachera” de los aldeanos: “El aire es tan relajante que todos dejan de cantar y bailar... El otoño trae dulces sueños”. Y en el Allegro final ya se escuchan ecos de la caza: “Al amanecer sale el cazador con cuerno y perros. El animal salvaje se asusta con el ruido de los disparos y los ladridos de los perros; se cansa, se agota de tanto correr y, perseguido, muere”.

El último concierto del ciclo, “Invierno”, es el más expresivo. Allegro non molto representa al oyente a un viajero solitario: “En un escalofrío helado, entre la nieve fría, arrastrado por un fuerte viento, deambula, con los dientes castañeteando por el frío”. En Largo aparece el calor de un hogar cálido; Esta parte evoca pensamientos sobre lo agradable que es “pasar días tranquilos y dulces junto a la chimenea cuando la lluvia fuera de la ventana empapa al mundo entero”. Pero la paz y el confort en el hogar no duran para siempre. Los personajes principales de Allegro son el hielo y el viento. Rápidos pasajes del violín solista concluyen dramáticamente el concierto y todo el ciclo: “La gente camina lentamente sobre el hielo, con miedo de caerse, pisando con cuidado. Resbalan, caen, se levantan y vuelven a caminar... Un feroz siroco sopla detrás de las puertas de hierro. Esto es invierno".

Conciertos para instrumentos de viento

Antes de Vivaldi instrumentos de viento fueron considerados primitivos, “ingratos” para el compositor. El brillante “sacerdote rojo” demostró que no es así.

Vivaldi fue uno de los primeros en dedicarse a componer música seria para instrumentos de viento. El oboe, la trompa, la trompeta y la flauta sonaron en sus conciertos de una manera completamente nueva, tan plena y armoniosa como nadie podría haber esperado. Vivaldi probablemente escribió su concierto para dos trompetas (publicado en 1729 en Ámsterdam) a petición de dos trompetistas que querían demostrar al público que se puede interpretar música brillante con la trompeta. Este concierto realmente requiere una habilidad notable por parte del intérprete. Por cierto, sigue siendo una especie de medida del virtuosismo de un trompetista.

Vivaldi también escribió mucho para fagot: solo se han conservado más de treinta conciertos para fagot y orquesta. Además, el compositor lo utilizó en casi todos los conciertos de cámara.

Pero entre los instrumentos de viento, Vivaldi dio la mayor preferencia a la flauta, una flauta delicada y "femenina", como la llamaban. Poseedor de una imaginación creativa inagotable, el compositor asignó a la flauta en sus composiciones precisamente aquellas partes en las que podía sonar con toda su voz y demostrar todos sus méritos.

Esto se ve especialmente claramente en dos conciertos para flauta y orquesta, publicados en Ámsterdam en 1728. En la primera parte del concierto II dags!eshpo (“El jilguero”), la flauta, haciéndose eco de la orquesta, imita con sorprendente precisión los trinos del jilguero, y en el concierto 1_a pope (“La noche”) sumerge al oyente en una atmósfera inestable. , brumoso mundo de sueños.

F. Guardi. Damas bailando en el Casino dei Filarmonici.

Los conciertos para violín y orquesta son el punto fuerte de Vivaldi. Sorprendieron y cautivaron a sus contemporáneos. Algunos vieron en ellos una manifestación de lo Divino, otros, un encanto diabólico.

No sería exagerado decir que fue Vivaldi quien creó el género del concierto. Por supuesto, existió antes que él, pero fue en su obra donde se moldeó hasta obtener una forma acabada, que posteriormente fue tomada como modelo por más de una generación de compositores europeos. "Marca de marca"

Vivaldi dispuso de tres acordes orquestales al inicio del concierto. El mordaz público veneciano los llamó “martillazos de Vivaldi”.

El ciclo 1_"evp-o aggtyupyuo (Inspiración armónica), publicado en 1711-1717 en Amsterdam, es uno de los ciclos de conciertos más famosos del legado de Vivaldi. Los doce conciertos de este ciclo se hicieron ampliamente conocidos incluso antes de su publicación. Y con Con la salida de I_"evp-o agtopiso el nombre del compositor se hizo famoso en toda Europa. El propio J. S. Bach realizó transcripciones para clavecín de varios conciertos.

El ciclo contiene cuatro conciertos para cuatro violines solistas, cuatro para dos y cuatro para uno. Por cierto, posteriormente Vivaldi ya no escribió (con una excepción) conciertos para cuatro violines solistas.

Los primeros oyentes de “Harmonic Inspiration” sintieron deleite y asombro. El deleite y el asombro todavía experimentan quienes escuchan І_ "еigo агtopіso por primera vez. Ya en nuestros días, un investigador escribió sobre este ciclo: “Parece que en una lujosa sala de la época barroca se abrieron ventanas y puertas, y la naturaleza libre entró con un saludo; la música suena con un patetismo orgulloso y majestuoso, aún no familiar siglo XVII: el grito de un ciudadano del mundo."

A. Visentini. Concierto en un pequeño palacio (fragmento).

Antonio Luciano Vivaldi es un compositor, director, profesor, violinista virtuoso italiano, autor de 500 conciertos para instrumentos solistas y orquesta, 90 óperas, un genio cuyas obras quedaron olvidadas durante 200 años.

Antonio nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia en la familia del barbero y músico Giovanni Battista Vivaldi y su esposa Camilla. Giovanni era originario de Brescia y a los 10 años se instaló en Venecia con su madre. En aquella época, los barberos afeitaban, cortaban, rizaban y ungían a los clientes, y también los entretenían tocando música.

Vivaldi Sr. compaginaba la peluquería con el violín. Giovanni se convirtió en violinista en la capilla de la Catedral de San Marcos y su nombre también figura en la lista de fundadores. sociedad musical e incluso en pagina de titulo una ópera fechada en 1689.

El director de dicha sociedad fue el compositor y autor de óperas Giovanni Legrenzi. A partir de estos hechos, los compiladores de la biografía de Vivaldi llegaron a la conclusión de que el compositor debe su talento y sus primeros pasos en el campo musical a su padre, quien inculcó en su hijo el amor por el violín y le transmitió sus propias habilidades, tono perfecto. y dominio del juego. También existe una versión que el joven Antonio estudió con Giovanni Legrenzi.

Las circunstancias del nacimiento de Vivaldi Jr. permitieron averiguarlo. fecha exacta su nacimiento. El caso es que el niño nació prematuro, al séptimo mes. La partera que dio a luz al bebé aconsejó que el niño fuera bautizado inmediatamente en caso de muerte súbita. Un par de horas después del nacimiento, el bebé ya estaba bautizado, como lo demuestra la entrada en el libro de la iglesia.

Iglesia de San Juan en Bragor, donde Antonio Vivaldi fue bautizado en 1678

Según la leyenda, ese día hubo un terremoto en Venecia y el niño nació prematuro. Camilla supuestamente hizo la promesa de entregar a su hijo al clero si sobrevivía. Sorprendentemente, Antonio sobrevivió, aunque tenía mala salud y una complexión delgada.

Debido al asma, al niño le resultaba difícil moverse y también se prohibieron los instrumentos de viento. Pero el violín, amado desde la infancia, estaba a completa disposición del futuro maestro, y desde los 10 años Antonio reemplazó a su padre, tocando en la Capilla de San Marcos.

Desde los 13 años, Vivaldi Jr. se desempeñó como “portero” en la catedral, abriendo las puertas del templo. Luego tuvieron lugar varias iniciaciones más del joven ministro de la iglesia a puestos más altos. Antonio celebró misa sólo una vez; se le concedió una exención por problemas de salud y se le dio al joven la oportunidad de dedicarse a la música.

En aquellos días, los sacerdotes venecianos combinaban la escritura de conciertos y música sacra con el servicio a Dios. Esto se consideraba tan natural como tener instrumentos musicales en cada barbería. En el siglo XVII, la República de Venecia era uno de los países más ilustrados y culturales del mundo y, en el campo de la ópera, la música profana y sacra, marcó la pauta para el resto de Europa.

Música

A la edad de 25 años, Vivaldi comenzó a enseñar el arte del violín en el Ospedale della Pietà de Venecia. Los conservatorios se llamaban entonces escuelas refugio en los monasterios, donde se educaba a los huérfanos y a los niños cuyos padres no podían mantenerlos. Estas escuelas fueron financiadas con fondos de la república.

Los albergues para niñas especializados en humanidades, atención especial se dedicaba al canto, la música y la interpretación de melodías espirituales, salmos e himnos. A los niños, que fueron formados como comerciantes y artesanos, se les enseñaron ciencias exactas.

Antonio Vivaldi se convirtió en maestro de violín para los jóvenes alumnos del orfanato y luego en profesor de viola. Sus funciones incluían la redacción mensual de conciertos, cantatas, obras vocales para solistas y coros, así como la creación de nuevos oratorios y conciertos para cada festividad de la iglesia. Además, la maestra enseñó personalmente a las huérfanas música, instrumentos y canto, ensayó y perfeccionó las habilidades de las niñas.

Vivaldi trabajó en la Piedad de 1703 a 1740, sin contar una pausa de ocho años entre 1715 y 1723, y desde 1713 se convirtió en director del conservatorio. Todos estos años, el compositor trabajó incansablemente; escribió más de 60 obras solo para el refugio, entre cantatas y conciertos para solistas, corales y orquestales.

En 1705 y 1709, las editoriales venecianas publicaron dos obras de Vivaldi de 12 sonatas y, en 1711, 12 conciertos bajo el título "Inspiración armónica". En esos mismos años, el joven y talentoso compositor fue escuchado por primera vez fuera de Italia. En 1706, Vivaldi actuó en la embajada de Francia y tres años más tarde su oratorio fue escuchado por el rey danés Federico IV, a quien Antonio dedicó posteriormente 12 sonatas.

En 1712, el músico conoció. compositor alemán Gottfried Stölzel y cinco años más tarde Vivaldi se trasladaron a Mantua durante tres años por invitación del príncipe Felipe de Hesse-Darmstadt.

Desde 1713, el compositor se interesó por una nueva forma de arte musical- ópera profana. La primera ópera escrita por Vivaldi fue Ottone en la Villa. El talentoso joven fue notado por empresarios y mecenas de las artes, y pronto Antonio recibió un pedido del propietario del Teatro San Angelo para una nueva ópera.

Según el compositor, en el período de 1713 a 1737 escribió 94 óperas, pero hasta el día de hoy sólo han sobrevivido 50 partituras con autoría confirmada del gran Vivaldi. El autor de las óperas disfrutó de un éxito sorprendente, pero la fama secular de Vivaldi duró poco. El público veneciano musicalmente sofisticado pronto encontró nuevos ídolos y las óperas de Antonio pasaron de moda.

En 1721, el maestro visitó Milán, donde presentó el drama Sylvia, y al año siguiente regresó con un oratorio sobre un tema bíblico. De 1722 a 1725, Vivaldi vivió en Roma, donde escribió nuevas óperas y actuó ante el Papa por invitación personal. Para el músico-clérigo este evento fue un gran honor.

En 1723-1724, Vivaldi escribió los famosos conciertos, erróneamente llamados "Las Estaciones" en la CEI (el nombre correcto es "Las Cuatro Estaciones"). Cada uno de los conciertos para violín está dedicado a la primavera, el invierno, el verano y el otoño. Según la mayoría de críticos e investigadores, estos conciertos son el pináculo de la creatividad del maestro.

El carácter revolucionario de las obras de genio radica en el hecho de que el oído humano capta claramente en la música el reflejo de los procesos y fenómenos característicos de una determinada época. Así, en el canto del violín se puede escuchar el sonido de una tormenta y los ladridos de perros, el chirrido de los mosquitos y el burbujeo de los arroyos, las voces de los niños, los trinos de pájaros de razas reconocibles, e incluso la caída de un patinador. sobre el hielo.

Giras y viajes llevaron al maestro a conocer al emperador de Austria Carlos VI. El rey era un gran admirador de la obra de Vivaldi y entre ellos comenzaron relaciones amistosas. Sorprendentemente, a medida que la popularidad de la música del compositor decayó en su tierra natal, Venecia, su fama creció en Europa, en las cortes de los reyes de Francia y Austria.

Al final de su vida, la suerte abandonó al brillante compositor y se vio obligado a vender sus sonatas por unos centavos, para no vegetar en la pobreza. Desilusionado de los venecianos, que dejaron de amar sus creaciones, Antonio Vivaldi decidió trasladarse a Viena, “bajo el ala” del real admirador de su talento, Carlos VI.

Desafortunadamente, poco después de que el compositor se mudara a Viena, el emperador murió, luego comenzó la guerra y el maestro fue olvidado.

vida personal

Como clérigo, Antonio Vivaldi hizo voto de celibato, que observó durante toda su vida. Y, sin embargo, los malvados pudieron discernir una violación de la decencia en su estrecha relación con una de las alumnas del Conservatorio Pietà, Anna Giraud y su hermana Paolina.

Vivaldi fue la maestra y mentora de Anna, quien, según los recuerdos de sus contemporáneos, atrajo la atención del público no por la fuerza y ​​​​el alcance de su voz, sino por su talento actoral. Para esta niña, el compositor escribió las mejores óperas, compuso arias y pasaron tiempo juntos en casa y de viaje.

La hermana de Anna, Paolina, idolatraba al maestro y se convirtió en enfermera y cuidadora voluntaria con él, ayudándolo a afrontar dolencias congénitas y debilidades corporales. Durante mucho tiempo, el alto clero hizo la vista gorda ante la pasión del maestro por la música y las óperas profanas, pero no podían perdonarlo por estar constantemente rodeado de dos chicas jóvenes.

En 1738, el cardenal arzobispo de Ferrara, donde se suponía que tendría lugar el próximo carnaval con las mismas óperas, no permitió la entrada de Vivaldi y sus compañeros a la ciudad, y también ordenó que se celebrara una misa en vista de la caída en desgracia del compositor. .

Muerte

El brillante compositor murió en la pobreza y la soledad en tierra extranjera, en Viena. La vida de Antonio Vivaldi terminó truncada el 28 de julio de 1741. Su propiedad fue descrita y vendida por deudas, y su cuerpo fue enterrado en un cementerio para los pobres de la ciudad. Sólo un mes después de la muerte de Antonio, sus hermanas menores recibieron una triste noticia.

Composición escultórica en Viena, dedicada a Antonio Vivaldi

Después de su muerte, el nombre de Vivaldi cayó inmerecidamente en el olvido. Quizás sólo amaba sincera y profundamente la música del italiano, siendo durante mucho tiempo su único fiel admirador. Bach transcribió diez conciertos de Vivaldi para diversos instrumentos y orquesta, y el legado del compositor veneciano tuvo una influencia tangible en la obra del virtuoso organista.

• Gran parte del crédito por la investigación y el descubrimiento de las obras maestras de Vivaldi para la posteridad pertenece al musicólogo italiano Alberto Gentili, quien descubrió 14 volúmenes de las obras del compositor a principios del siglo XX.
• Antonio Vivaldi es el primer compositor que creó conciertos para violín y orquesta, dos, cuatro violines y dos mandolinas.
• El único retrato en color de Vivaldi, que todos conocemos por las fotografías de los libros de texto, bien puede ser la imagen de una persona completamente diferente (las iniciales no están indicadas en la imagen y el retrato en sí no se parece a otros retratos del compositor). ).

• El maestro recibió el sobrenombre de “sacerdote rojo” por su color de cabello cobrizo, poco común entre los venecianos.
• Vivaldi también se hizo famoso por poder escribir una ópera en tres actos y docenas de variaciones musicales sobre un tema en cinco días.
• El famoso "Tango de la Muerte", atribuido a Vivaldi, es en realidad una composición llamada Palladio. compositor moderno de Karl Jenkins, y "Elf Night (Song)" es una canción de Secret Garden.
• La composición interpretada “Summer Thunderstorm (Storm)” del ciclo “Seasons” es una de las melodías más populares del mundo.

Discografía

Óperas:

• "Ottone en el campo", 1713;
• "Roland, el loco imaginario", 1714;
• "Arsilda, Reina del Ponto", 1716;
• "Coronación de Darío", 1717;
• "Artabán", 1718;
• "Teuzona", 1719
• "Tito Manlio", 1719;
• "Farnace", 1727 y otros.

Música coral y vocal:

• Sacro (masa);
• Laudate Dominum omnes gentes;
• Stabat Mater y otros.
• Salmos:
• Beato vir;
• Confitebor tibi Domine;
• Dixit Dominus;
• Lauda Jerusalén y otros.

Oratorios:

• “Judit Triunfante”, 1716;
• “La Adoración de los Tres Reyes Magos al Niño Jesús”, 1722;
• “Gran cantata “Gloria y Himeneo”, 1721.
• Cantatas para voz con acompañamiento:
• “Bajo la copa de un hermoso haya”;
• “Mi mirada se dirige hacia él”;
• “Cupido, ganaste”;
• “Habéis desaparecido, días dorados”;
• “Así que llorad, fuentes de lágrimas” y otros.

Conciertos instrumentales y sonatas, que incluyen:

• "Tormenta en el mar";
• "Placer";
• "Caza";
• "Estaciones";
• "Noche";
• "Jilguero";
• "Preludio".