Por irónico que pueda parecer, debemos admitir la verdad de la afirmación de que Inglaterra es un país donde el público es muy musical, ¡pero no hay músicos!

Este problema es tanto más interesante cuanto que sabemos bien cuán elevada era la cultura musical de Inglaterra en la época de la reina Isabel. ¿Dónde desaparecieron los músicos y compositores en Inglaterra en los siglos XVIII y XIX?

No es difícil dar una respuesta superficial. Gran Bretaña se dedicaba al comercio, adquirió colonias, realizó transacciones financieras gigantescas, creó industrias, luchó por una constitución, jugó una partida de ajedrez en el enorme tablero del globo y no tuvo tiempo de preocuparse por la música.

La respuesta es tentadora, pero no cierta. Después de todo, esta misma Inglaterra le dio a la humanidad grandes poetas: Byron, Shelley, Burns, Coleridge, Browning, Crabbe, Keats, Tennyson, y ¿puedes nombrar a todos los que figuran en esta lista de fama? La Inglaterra mercantil dio origen a artistas maravillosos: Hogarth, Constable y Turner. El tamaño del capítulo no nos permite enumerar aquí los nombres de todos los maestros de la prosa en Inglaterra en los siglos XVIII y XIX. Mencionemos sólo a Defoe, Fielding, Sterne, Goldsmith, Walter Scott, Dickens, Thackeray, Stevenson, Meredith, Hardy, Lamb, Ruskin, Carlyle.

Por tanto, el argumento anterior es insostenible. Resulta que la Inglaterra mercantil se encontraba en su mejor momento en todas las formas de arte, con excepción de la música.

Quizás nos acerquemos más a la verdad si seguimos la línea de pensamiento del musicólogo Goddard. En su libro The Music of Britain in Our Time, escribe: “La música inglesa vive primero con la admiración de Handel, luego de Haydn, Era Victoriana esta admiración dio paso a la adoración por Mendelssohn, y esta adoración hizo de las obras de Mendelssohn no sólo el criterio, sino el único caldo de cultivo para la música. Simplemente no había ninguna organización, asociación o clase que estuviera dispuesta a apoyar la música inglesa”.

Aunque esta explicación suena algo burda e improbable, si se piensa detenidamente, es bastante aceptable. La aristocracia inglesa, como es bien sabido, sólo por esnobismo exigía directores y cantantes italianos, bailarines franceses, compositores alemanes, porque no consideraba que escuchar a sus músicos fuera algo suficientemente secular, del mismo modo que viajaba no a Escocia o Irlanda, sino a Italia o España, a la jungla africana o al mundo helado de los fiordos. Así, la música nacional inglesa sólo pudo escucharse cuando la burguesía en ascenso y victoriosa se sintió lo suficientemente fuerte como para no imitarla en el campo del teatro, la música y la ópera ". alta sociedad”, sino ir donde la lleven su mente, su corazón y su gusto. Pero ¿por qué la burguesía inglesa pudo encontrar literatura y poesía de su agrado y por qué no sucedió lo mismo con la música?

Sí, porque el burgués en ascenso trajo consigo los ideales de los puritanos y rechazó con piadoso horror el esplendor del escenario de la ópera, como si fuera un fenómeno nacido por instigación del diablo. El siglo XIX tuvo que llegar con su racionalismo, su pensamiento más libre, más alejado de la religión, una visión de la vida más secular y, podría decirse, de alta sociedad, para que los burgueses ingleses se volcaran hacia la música, para que llegara la era que garantiza el derecho a una vida llena de bailes animados, chispeantes de risas alegres en la ópera buffa de Arthur Sullivan (1842-1900), para despertar la comprensión de las cantatas de Hubert Parry (1848-1924), descubrieron a Edward Elgar ( 1857-1934), quien, todavía mirando de reojo las tradiciones bíblicas, regaló al público inglés una serie de oratorios: “Los Apóstoles”, “La Luz de Cristo”, “El Rey Olaf”, “Los Sueños de Geroncio”. Elgar ya goza de popularidad y reconocimiento. Es el músico de la corte del rey. Sólo él recibe tantos premios como no han recibido todos los músicos ingleses famosos en la historia de la música desde el Renacimiento hasta nuestros días.

Pero la influencia de la música del continente sigue siendo fuerte. Así, siguiendo los pasos de Elgar Federico Delius(1863-1934) los estudios en Leipzig y París lo liberan de la influencia de Mendelssohn, donde conoce a Strindberg y Gauguin y lo que, quizás, significó para él aún más que conocer a estos grandes personajes, fue conocer la propia ciudad a orillas del río. Sena, con el pueblo francés, con el ingenio galo.

Delius escribió las siguientes óperas: Koanga (1904), Romeo y Julieta rústicas (1907), Fennimore y Gerda (1909).

Delius vivía en un ambiente francés y, a pesar de un respetable deseo de libertad creativa, no pudo liberarse por completo de la influencia de la música del continente.

El primer verdadero compositor inglés del siglo XIX fue Ralph Vaughan Williams(1872), cantante de naturaleza inglesa, ingleses, experto en inglés canción folklore. Recurre al antiguo poeta Banayen y al compositor Tellis del siglo XVI. Escribe una sinfonía sobre el mar y Londres. Pinta un retrato musical de los Tudor, pero lo más fácil es que suene inglés. Canciones folk.

En el campo de los compositores ingleses del siglo XIX, ocupa un lugar especial, no sólo por su excelente técnica, su asombroso gusto y su fecundidad, sino también porque tiene cualidades que sólo les fueron dadas a Dickens o Mark Twain: sabe cómo Sonríe con indulgencia, algo irónicamente, con los ojos entrecerrados, pero de forma humana, como lo hicieron los grandes escritores antes mencionados.

Escribió las siguientes obras para teatro:

Preciosas pastoras, Las montañas (1922), Hugh el jinete (1924), Sir John enamorado (1929), Servicio (1930), El beso envenenado (1936), Ladrones de mar (1937), El éxito del peregrino (1951).

Los contemporáneos de Vaughan-Williams, músicos ingleses innovadores, están intentando desarrollar el estilo de una nueva ópera inglesa. No faltan tradiciones: los compositores de esta época reviven las tradiciones de las antiguas baladas-óperas, resucitan el espíritu de Gay y Pepusha: mezcla sentimientos sublimes con burlesco, patetismo con ironía; pero, sobre todo, inspira la poesía inglesa: un tesoro de belleza poética, un mundo de pensamientos.

Entre los compositores ingleses de finales del siglo XIX y principios del XX, mencionaremos sólo aquellos que contribuyeron a la formación de la música escénica moderna.

Arnold Bax (1883-1953) se hizo famoso como autor de ballet.
William Walton (1902) logró un gran éxito con la ópera Troilus and Cressida (1954).
Arthur Bliss (1891) llamó la atención con su ópera “The Olympians” (1949) basada en el libreto de Priestley.
Eugene Goossens (1893-1963) habló en inglés escenario de ópera con las óperas “Judith” (1929) y “Don Giovanni de Manara” (1937).

Pero las obras de Benjamin Britten trajeron el éxito mundial a la ópera inglesa.

Los compositores más grandes del mundo de todos los tiempos: listas en orden cronológico y alfabético, libros de referencia y obras

100 grandes compositores del mundo

Lista de compositores en orden cronológico

1. Josquin Despres (1450-1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525 –1594)
3. Claudio Monteverdi (1567-1643)
4. Heinrich Schütz (1585 –1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632 –1687)
6. Henry Purcell (1658-1695)
7. Arcángel Corelli (1653 –1713)
8.Antonio Vivaldi (1678-1741)
9. Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
10. George Händel (1685 –1759)
11. Domenico Scarlatti (1685-1757)
12. Juan Sebastián Bach (1685-1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713-1787)
14. José Haydn (1732 –1809)
15.Antonio Salieri (1750 –1825)
16. Dmitri Stepánovich Bortnyansky (1751 –1825)
17. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 –1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 –1837)
20. Nicollo Paganini (1782 –1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 –1864)
22. Carl María von Weber (1786 –1826)
23. Gioachino Rossini (1792 –1868)
24. Franz Schubert (1797-1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 –1848)
26. Vincenzo Bellini (1801-1835)
27. Héctor Berlioz (1803 –1869)
28. Mijaíl Ivánovich Glinka (1804 –1857)
29. Félix Mendelssohn-Bartholdy (1809 –1847)
30. Federico Chopin (1810 –1849)
31. Robert Schumann (1810-1856)
32. Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813 –1869)
33. Franz Liszt (1811-1886)
34. Richard Wagner (1813-1883)
35. Giuseppe Verdi (1813 –1901)
36. Carlos Gounod (1818 –1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 –1872)
38. Jacques Offenbach (1819 –1880)
39. Alejandro Nikoláievich Serov (1820 –1871)
40. César Frank (1822 –1890)
41. Bedrich Smetana (1824 –1884)
42. Antón Bruckner (1824 –1896)
43. Johann Strauss (1825-1899)
44. Antón Grigorievich Rubinstein (1829 –1894)
45. Johannes Brahms (1833-1897)
46. ​​​​Alejandro Porfirievich Borodin (1833 –1887)
47. Camille Saint-Saëns (1835 –1921)
48. León Delibes (1836 –1891)
49. Mily Alekseevich Balakirev (1837 –1910)
50. Georges Bizet (1838 –1875)
51. Modesto Petrovich Mussorgsky (1839 –1881)
52. Piotr Ilich Tchaikovsky (1840 –1893)
53. Antonin Dvořák (1841 –1904)
54. Julio Massenet (1842 –1912)
55. Edvard Grieg (1843-1907)
56. Nikolái Andréievich Rimski-Kórsakov (1844 –1908)
57. Gabriel Fauré (1845 –1924)
58. Leos Janáček (1854 –1928)
59. Anatoli Konstantinovich Lyadov (1855 –1914)
60. Sergei Ivanovich Taneyev (1856 –1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 –1919)
62. Giacomo Puccini (1858 –1924)
63. Hugo Lobo (1860 –1903)
64. Gustav Mahler (1860-1911)
65. Claude Debussy (1862 –1918)
66. Richard Strauss (1864-1949)
67. Alexander Tikhonovich Grechaninov (1864 –1956)
68. Alejandro Konstantinovich Glazunov (1865 –1936)
69. Juan Sibelius (1865 –1957)
70. Franz Lehár (1870 –1945)
71. Alejandro Nikoláievich Scriabin (1872 –1915)
72. Serguéi Vasilievich Rachmaninov (1873 –1943)
73. Arnold Schönberg (1874 –1951)
74. Mauricio Ravel (1875 –1937)
75. Nikolái Karlovich Medtner (1880 –1951)
76. Bela Bartók (1881 –1945)
77. Nikolai Yakovlevich Myaskovsky (1881 –1950)
78. Ígor Fedorovich Stravinsky (1882 –1971)
79. Antón Webern (1883 –1945)
80. Imre Kalman (1882-1953)
81. Alban Berg (1885-1935)
82. Serguéi Serguéievich Prokófiev (1891 –1953)
83. Arthur Honegger (1892-1955)
84. Darío Milhaud (1892 –1974)
85. Carl Orff (1895-1982)
86. Paul Hindemith (1895-1963)
87. George Gershwin (1898-1937)
88. Isaac Osipovich Dunaevsky (1900 –1955)
89. Aram Ilich Khachaturian (1903 –1978)
90. Dmitri Dmítrievich Shostakóvich (1906 –1975)
91. Tikhon Nikolaevich Khrennikov (nacido en 1913)
92. Benjamín Britten (1913 –1976)
93. Georgy Vasilievich Sviridov (1915 –1998)
94. Leonard Bernstein (1918 –1990)
95. Rodion Konstantinovich Shchedrin (nacido en 1932)
96. Krzysztof Penderecki (nacido en 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 –1998)
98. Bob Dylan (n. 1941)
99. John Lennon (1940-1980) y Paul McCartney (n. 1942)
100. Sting (nacido en 1951)

OBRAS MAESTRAS DE LA MÚSICA CLÁSICA

Los compositores más famosos del mundo.

Lista de compositores en orden alfabético

Introducción

El destino de la música inglesa resultó complejo y paradójico. Desde el siglo XV hasta finales del siglo XVII, en el momento de la formación y florecimiento de la tradición musical clásica inglesa, su desarrollo fue continuo. Este proceso se desarrolló intensamente gracias a la dependencia del folclore, que se determinó antes que en otras escuelas de composición, así como a la formación y preservación de géneros únicos y distintivos a nivel nacional (himno, máscara, semiópera). Música inglesa antigua arte europeo impulsos importantes, incluida la polifonía, principios de desarrollo variacional-figurativo, suite orquestal. Al mismo tiempo, refractaba de forma original los estímulos procedentes del exterior.

En el siglo XVII se produjeron acontecimientos que asestaron duros golpes a la cultura musical inglesa. Se trata, en primer lugar, del puritanismo, que se estableció durante la revolución de 1640-1660, con su deseo fanático de abolir los valores espirituales anteriores y los tipos y formas antiguos de cultura secular, y en segundo lugar, la restauración de la monarquía (1660). que cambió drásticamente la orientación cultural general del país, fortaleciendo la influencia externa (de Francia).

Sorprendentemente, paralelamente a los síntomas evidentes de la crisis, surgen fenómenos que indican un mayor aumento arte musical. En un momento difícil para la música inglesa apareció Henry Purcell (1659-1695), cuyas obras marcaron el apogeo de la música nacional. escuela de compositores, aunque no tuvieron un impacto directo en la creatividad de las generaciones posteriores. George Frideric Handel (1685-1759), trabajando en Inglaterra, con sus oratorios estableció la primacía de la tradición coral en el espectro de géneros de la música inglesa, que influyó directamente en ella. mayor desarrollo. En el mismo período, "La ópera del mendigo" de Gay y Pepusch (1728), cuyo carácter paródico atestigua el advenimiento de una era de cambio cultural, se convirtió en el antepasado de muchos ejemplos de la llamada ópera balada.

Ella era una de las cimas. artes teatrales Inglaterra y al mismo tiempo evidencia del derrocamiento del arte musical - más precisamente, el movimiento de su "energía creadora de cultura" (A. Schweitzer) - de la esfera profesional a la amateur.

Una tradición musical consta de muchos factores, como la composición, la interpretación y el estilo de vida. vida musical. Regulados por pautas ideológicas, estéticas y artísticas generales, estos factores no siempre actúan en una unidad coordinada y a menudo, bajo ciertas condiciones históricas, su interacción se ve perturbada; Esto puede ser confirmado por el período de cien años desde aproximadamente mediados del siglo XVIII hasta mediados del 19 siglo en Inglaterra.

Música de Inglaterra

Alto nivel de rendimiento, amplia distribución y profundo arraigo en la vida cotidiana. diversas formas La creación musical -instrumental, vocal-ensemble y coral- creó entonces un terreno propicio para la brillante vida concertística a gran escala de Londres, que atrajo a músicos continentales a la capital del imperio: Chopin, Berlioz, Tchaikovsky, Glazunov... Los músicos alemanes llevaron consigo nuevos vientos de modernidad, camino al que las Islas Británicas estaban ampliamente abiertas desde el reinado de la dinastía Hannoveriana (de 1714 a 1901); recordemos, por ejemplo, los conciertos semanales de Bach - Abel y los conciertos de Haydn - Zalomon. Así, Inglaterra participó en el intenso proceso de formación de las sinfonías clásica y preclásica, pero no hizo una contribución creativa al mismo. En general, en ese momento la rama de la creatividad nacional en los géneros de ópera y sinfonía, que eran relevantes en el continente, estaba poco desarrollada; en otros géneros (por ejemplo, el oratorio), el canal a veces se volvía superficial; Fue esta época la que dio a Inglaterra el ahora poco convincente nombre de “el país sin música”.

Es paradójico que la "era del silencio" se produjo en la llamada era victoriana, el período del reinado de la reina Victoria (de 1837 a 1901). El estado estaba en el cenit de su fuerza y ​​gloria. Una poderosa potencia colonial, el "taller del mundo", dio a su nación un sentimiento de confianza en sí misma y la convicción de que "está destinada a ocupar el primer lugar en el mundo hasta el fin de sus días" (J. Aldridge). La época victoriana fue el apogeo de todas las áreas de la cultura inglesa: la prosa y la poesía, el drama y el teatro, la pintura y la arquitectura y, finalmente, la estética, y una época de notable declive en el campo de la composición.

Al mismo tiempo, fue precisamente a partir de mediados del siglo XIX, cuando la crisis de la escuela nacional de composición ya era evidente, cuando comenzaron a acumularse impulsos de auge, que se hicieron evidentes a mediados del siglo XIX y se manifestaron claramente. mismo en principios del siglo XIX y siglos XX.

El movimiento coral, amateur y profesional, se expandió y creció. La tradición coral fue percibida como verdaderamente nacional. Los maestros ingleses le juraron lealtad: Hubert Parry (1848-1918), Edward Elgar (1857-1934), Frederick Dilius (1862-1934), Gustav Holst (1874-1934), Ralph Vaughan Williams (1872-1958).

Se desarrolló un movimiento folclórico paralelo, cuya figura principal fue Cecil J. Sharp (1859-1924). Incluía una dirección científica (colección de campo, comprensión teórica) y una práctica (introducción a la escuela y la vida cotidiana). Esto fue acompañado por una reevaluación crítica de la asimilación de los géneros folclóricos en los salones de entretenimiento y la penetración del material folclórico en la creatividad de los compositores. Todos estos lados del movimiento folclórico interactuaron, complementándose entre sí y, a veces, oponiéndose de manera conflictiva.

Hasta mediados del siglo XIX, por extraño que parezca a primera vista, en realidad Canciones en inglés Rara vez llegaron a formar parte de las colecciones, mucho menos que las canciones de Escocia, Gales y, especialmente, Irlanda. No sin ironía, Ralph Vaughan Williams escribió en el ensayo introductorio al libro del mayor folklorista del país, Cecil Sharp, “English Folk Song”: “Hasta ahora sabíamos por fuentes autorizadas que la música folklórica era “mala o irlandesa”.

El movimiento para el resurgimiento de la música antigua (Purcell, Bach, madrigalistas y virginalistas ingleses) contribuyó a despertar un profundo interés entre los intérpretes y fabricantes. instrumentos musicales y científicos (como A. Dolmetsch y su familia), así como compositores

"edad de oro" de la escuela profesional inglesa. La herencia de los siglos XV-XVII, animada por la práctica escénica, sublime pensamiento crítico, apareció como una fuerza inspiradora de la artesanía original nacional.

Las tendencias enumeradas, al principio apenas perceptibles, gradualmente ganaron fuerza y, acercándose unas a otras, finales del siglo XIX Los siglos han explotado el suelo. Su unificación marcó el comienzo de una nueva resurgimiento musical Inglaterra. Después de una larga pausa, este país no está separado personalidades creativas, pero entró en la cultura musical europea como escuela nacional. Por entonces, en el continente se hablaba de compositores ingleses; Brahms predijo Musica en ingles futuro interesante, R. Strauss lo apoyó en la persona de E. Elgar. La intensidad de su evolución a finales del siglo XIX y XX fue grande.

La tradición del romanticismo austro-alemán ha encontrado desde hace tiempo un terreno fértil en Inglaterra. Se trata de una influencia históricamente determinada, reforzada por el sistema educación musical y la práctica de mejorar a los jóvenes compositores en las ciudades de Alemania se reflejó en el estilo (principalmente en Parry, Standford, Elgar). Los músicos ingleses entendieron que la afirmación de la identidad nacional presuponía la liberación de una influencia tan poderosa. Sin embargo, a diferencia de las declaraciones, en la creatividad este proceso fue lento y difícil, ya que los propios géneros principales, incluidos los conceptuales como la sinfonía o el poema sinfónico, se basaron en la fructífera experiencia de la escuela austro-alemana. En consecuencia, el alcance de la influencia alemana y el grado en que fue superada sirvió como criterio para la identidad nacional y la importancia de la obra del compositor. Indicativas, por ejemplo, son las siguientes valoraciones de uno de los críticos ingleses: “Mientras la música de Parry y Stanford hablaba alemán con inglés y acento irlandés… La música de Elgar hablaba inglés con acento alemán”.

A principios de siglo, en Gran Bretaña, como en toda Europa, existía el deseo de crear un lenguaje musical que correspondiera a la estética moderna. La “nueva palabra” vino de Francia. El interés que surgió entre los músicos ingleses por Oriente los impulsó a prestar atención a los logros del impresionismo francés. Esto fue especialmente evidente en las obras de Cyril Scott (1879-1970), Grenville Bantock (1868-1946) y Gustav Holst. Es cierto que en Scott y Bantock el mundo de las imágenes y estados de ánimo orientales no afecta los fundamentos del pensamiento del compositor. Su imagen de Oriente es convencional y en su encarnación no es difícil detectar muchos rasgos tradicionales.

La implementación de este tema en la obra de Holst, que gravitaba hacia la cultura india, alcanzó un nivel diferente. Intentó encontrar un contacto espiritual más profundo entre Occidente y culturas orientales, que es generalmente característico del arte del siglo XX. Y llevó a cabo este deseo a su manera, incompatible con lo que hacía su contemporáneo Debussy. Al mismo tiempo, los descubrimientos del impresionismo, asociados con una nueva idea del espacio musical, el timbre, la dinámica, con una nueva actitud hacia el sonido, ingresaron a la paleta de medios de expresión utilizados por los compositores en Inglaterra, la patria de “paisaje y puerto deportivo” (C. Nodier).

A pesar de todas sus diferencias estilísticas individuales, los compositores ingleses de ese período estaban unidos por el deseo de fortalecer los fundamentos folklóricos y nacionales de su música. El descubrimiento del folclore campesino y la creatividad de los maestros de la antigua escuela inglesa como dos fuentes interrelacionadas pertenece a G. Holst y R. Vaughan-Williams. Apelación al legado de la “edad de oro” arte ingles Era la única manera posible de revivir la tradición nacional. Folclore y viejos maestros, que establecen conexiones con la cultura musical europea moderna: la interacción de estas tendencias en el arte de Holst y Vaughan Williams trajo una renovación tan esperada a la música inglesa del siglo XX. Los temas, tramas e imágenes de la prosa, la poesía y el teatro ingleses sirvieron como un apoyo importante en el establecimiento de los ideales nacionales. Para los músicos, las baladas rurales de Robert Burns y los poemas impíos de John Milton, las elegías pastorales de Robert Herrick y los poemas de John Donne, ricos en tensión apasionada, adquieren un sonido moderno; fue redescubierto William Blake. Una comprensión cada vez más profunda de la cultura nacional se ha convertido el factor más importante la formación y florecimiento de la escuela de composición inglesa del siglo XX, la formación del ideal estético de los compositores.

Primero mayores representantes Hubert Parry (1848-1918) y Charles Stanford (1852-1924) aparecieron en el nuevo renacimiento musical inglés. Compositores, eruditos, intérpretes, músicos y profesores, ellos, al igual que los fundadores de muchas escuelas nacionales, fueron figuras destacadas cuyo trabajo multifacético tuvo como objetivo desinteresado crear una nueva escuela nacional de composición, capaz de revivir la tradición del glorioso pasado de la música inglesa. . Sus propias actividades sociales y creativas sirvieron alto ejemplo para los contemporáneos y para los compositores ingleses de generaciones más jóvenes y posteriores.

La formación de una nueva escuela inglesa de composición tuvo lugar durante el largo reinado (1837-1901) de la reina Victoria. Durante esta época se desarrollaron plenamente diversas áreas de la cultura inglesa. el gran nacional tradición literaria. Si las actividades de Parry y Stanford están estrechamente relacionadas, relativamente hablando, con el período protorrenacentista de la época considerada, entonces el nombre de Elgar abre el período creativo real del nuevo renacimiento.

Al igual que sus contemporáneos, la escuela de composición inglesa se enfrentó, en primer lugar, a los problemas de la cultura europea. romanticismo musical en su totalidad. Y, naturalmente, el arte de Wagner se convirtió en su foco de atención. La poderosa influencia de la música de Wagner en Inglaterra sólo puede compararse con su influencia entonces en Francia o con la influencia de Handel en Inglaterra en el siglo XVIII.

Ya a principios de siglo, los compositores ingleses intentaron persistentemente romper con la influencia de las tradiciones clásicas-románticas alemanas, que tan profundamente habían echado raíces en suelo inglés. Recordemos que Parry quería crear -a diferencia del de Mendelssohn- una variedad nacional de oratorio filosófico. Un logro importante fue la trilogía de pequeñas cantatas de Elgar, El espíritu de Inglaterra (1917).

El primer verdadero compositor que ha producido Inglaterra desde Purcell se llama Edward Elgar (1857-1934). Estuvo muy asociado con la cultura musical provincial inglesa. En fases iniciales su vida creativa Se desempeñó como compositor y arreglista para la orquesta de su Worcester natal, también escribió para músicos de Birmingham y trabajó para sociedades corales locales. Sus primeras canciones corales y cantatas están en la línea de la gran tradición coral inglesa que surgió en los años 80 y 90. siglo XIX -es decir, precisamente cuando Elgar creó sus primeras obras corales- hasta la fase culminante. El oratorio de Elgar El sueño de Geroncio (1900), que dio fama a la música inglesa en el continente, fue un logro tan significativo para el compositor que en general suplantó a Elías de Mendelssohn y se convirtió en el segundo oratorio favorito del público inglés después de Los Mesías de Handel.

La importancia de Elgar para la historia de la música inglesa está determinada principalmente por dos obras: el oratorio "El sueño de Gerontius" (1900, sobre la pieza de J. Newman) y la sinfónica "Variaciones sobre un tema misterioso" ("Enigma" - variaciones (Enigma (lat.) - acertijo. ), 1899), que se convirtió en la cima del romanticismo musical inglés. El oratorio "El sueño de Gerontius" resume no solo el largo desarrollo de los géneros de cantata-oratorio en la obra del propio Elgar (4 oratorios, 4 cantatas, 2 odas), sino en muchos sentidos todo lo que precedió al camino de los ingleses. musica coral. Otro rasgo importante también se reflejó en el oratorio. renacimiento nacional- interés por el folclore. No es casualidad que, después de escuchar "El sueño de Gerontius", R. Strauss propusiera un brindis "por la prosperidad y el éxito del primer progresista inglés Edward Elgar, el maestro de la joven escuela progresista de compositores ingleses". A diferencia del oratorio Enigma, las variaciones pusieron la primera piedra en la base de la sinfónica nacional, que antes de Elgar era el área más vulnerable de la cultura musical inglesa. “Las variaciones de Enigma indican que en la persona de Elgar el país ha encontrado un compositor orquestal de primera magnitud”, escribió uno de los investigadores ingleses. El “misterio” de las variaciones es que en ellas están cifrados los nombres de los amigos del compositor, ocultos a la vista y tema musical ciclo. (Todo esto recuerda a las "Esfinges" del "Carnaval" de R. Schumann.) Elgar también escribió la primera sinfonía inglesa (1908).

La obra de Elgar es uno de los fenómenos más destacados del romanticismo musical. Sintetizando influencias nacionales y europeas occidentales, principalmente austro-alemanas, tiene características de direcciones lírico-psicológicas y épicas. El compositor utiliza ampliamente el sistema de leitmotiv, en el que se siente claramente la influencia de R. Wagner y R. Strauss.

El establecimiento de nuevas posiciones en la música inglesa se produjo en un momento de inflexión en la vida espiritual de Gran Bretaña. Fueron años de grandes pruebas y cambios. La Primera Guerra Mundial obligó a muchos artistas de este país, que se consideraba un bastión de inviolabilidad en Europa, a reaccionar con sensibilidad ante las contradicciones de la realidad circundante en una escala sin precedentes. La música inglesa de posguerra está dominada por una necesidad centrífuga de mirar el mundo con una visión amplia. La generación más joven entró decisivamente en contacto con las búsquedas innovadoras de los maestros europeos: Stravinsky, Schoenberg. Los orígenes de "Facade" de William Walton (1902-1983) son ideas compositivas extraídas de "Pierrot Lunaire" de Schoenberg, pero la base del estilo de la obra es el antiromanticismo proclamado por Stravinsky y los "Seis" franceses. Constant Lambert (1905-1951) sorprendió a sus compatriotas al comenzar a trabajar en el género del ballet desde los primeros pasos de su trayectoria creativa, cuyas tradiciones fueron interrumpidas en Inglaterra en la segunda mitad del siglo XVIII; de hecho, es bastante natural que el compositor se sintiera atraído por este género, que en Europa en los años 20 del siglo XX se había convertido en un símbolo de la búsqueda artística moderna. El ballet de Lambert Romeo y Julieta (1925) fue una especie de respuesta a Pulcinella de Stravinsky. Al mismo tiempo, con su otra composición, Elegiac Blues para pequeña orquesta (1927), Lambert respondió al jazz que asombró a los europeos. Alan Bush (1900-1995) relacionó sus actividades con la posición creativa de Eisler y el movimiento obrero; no sólo adoptó las correspondientes ideas sociopolíticas y filosóficas, sino que también desarrolló fructíferamente su técnica compositiva, apoyándose en la experiencia de la Nueva Escuela de Viena. refractado por Eisler.

En la primera mitad de los años 30 se determinó finalmente el cambio de generaciones de compositores que se había producido en la década anterior. En 1934, Inglaterra perdió a tres grandes maestros: Elgar, Dilius y Holst. De ellos, sólo Holst trabajó activamente hasta sus últimos días. Elgar, después de una década de silencio, sólo cobró vida para la creatividad a principios de los años 30. Al mismo tiempo, afectado por una grave enfermedad y por la ceguera, Dilius, que vivía en Francia, se inspiró en el inesperado éxito de su música en su tierra natal, en Londres, donde se celebró el festival de su autor en 1929, y en una oleada de Con fuerza dictó sus últimas obras.

A finales de los años 30, la generación joven entra en una época de madurez creativa. Atrás queda el tiempo de la experimentación, se determinan los intereses principales, la creatividad se incorpora a la corriente principal de las tradiciones establecidas, aparece el dominio y el rigor en relación con las propias ideas. Así, William Walton escribe un monumental oratorio bíblico (“Belshazzar’s Feast”, 1931) y lo sigue con grandes obras orquestales (Primera Sinfonía, 1934; Concierto para violín, 1939). Michael Tippett (n. 1905) rechaza sus trabajos anteriores; Declara nuevas obras en el género de cámara (Primera Sonata para piano, 1937) y obras de concierto orquestal (Concierto para orquesta de doble cuerda, 1939; Fantasía sobre un tema de Handel para piano y orquesta, 1941) el comienzo de su camino creativo, cuya primera culminación fue el oratorio “Niño de nuestro tiempo” (1941). En esos años, Lambert (la máscara “La última voluntad y testamento del verano” para solista, coro y orquesta, 1936), Berkeley (Primera sinfonía, 1940), Bush (Primera sinfonía, 1940) estaban trabajando en composiciones a gran escala en esos años.

Entre las muchas personalidades artísticas brillantes y originales con las que es rica la escuela inglesa de compositores del siglo XX, destaca Benjamin Britten. Fue él quien estaba destinado a encontrar en su obra una interacción armoniosa de tendencias multidireccionales (y para la generación anterior de compositores ingleses, casi mutuamente excluyentes): la encarnación de las ideas de la modernidad y la implementación de la originalidad del arte nacional.

conjunto vocal de música británica

En 1904, el crítico alemán Oscar Adolf Hermann Schmitz publicó un libro sobre Gran Bretaña, tildándolo (tanto al libro como al país mismo) “La tierra sin música” (Das Land Ohne Musik). Quizás tuviera razón. Después de la muerte de Handel en 1759, Gran Bretaña hizo contribuciones insignificantes al desarrollo de la música clásica. Es cierto que Schmitz formuló su condena en el momento equivocado: el siglo XX fue testigo de un resurgimiento de la música británica, que se manifestó en la formación de un nuevo estilo nacional. Esta época también dio al mundo cuatro grandes compositores británicos.

Eduardo Elgar

Nunca estudió formalmente el arte de la composición, pero logró desde un modesto director de orquesta de Worcester y director de banda del hospital psiquiátrico de Worcester convertirse en el primero en doscientos años. compositor británico, que ha alcanzado el reconocimiento internacional. Su primera obra orquestal importante, "Variaciones sobre un tema misterioso" (Variaciones Enigma, 1899), le dio fama: misteriosa porque cada una de las catorce variaciones fue escrita sobre un tema único que nadie había escuchado nunca. La grandeza de Elgar (o su inglés, como dicen algunos) radica en su uso de atrevidos temas melódicos que transmiten un estado de ánimo de melancolía nostálgica. Su mejor ensayo llamado el oratorio “El sueño de Geroncio” (1900), y su Primera Marcha del ciclo “Marchas Solemnes y Ceremoniales” (Marcha de Pompa y Circunstancia No. 1, 1901), también conocida como “La Tierra de la Esperanza y la Gloria”, Nunca deja de provocar un gran deleite entre los oyentes en los “conciertos de paseo” anuales.

Gustavo Holst

Holst, sueco nacido en Inglaterra, fue un compositor excepcionalmente extraordinario. Maestro de la orquestación, en su trabajo se basó en tales diferentes tradiciones, como las canciones populares inglesas y los madrigales, el misticismo hindú y el vanguardismo de Stravinsky y Schoenberg. También estaba interesado en la astrología, y su estudio inspiró a Holst a crear su obra más famosa (aunque no la mejor), la suite sinfónica de siete movimientos "Los planetas" (1914-1916).

Ralph Vaughan Williams

Ralph Vaughan Williams es considerado el más inglés de los compositores británicos. Rechazó las influencias extranjeras, imbuyendo su música del estado de ánimo y los ritmos del folclore nacional y la obra de los compositores ingleses del siglo XVI. Sus melodías ricas y tristes evocan imágenes de la vida rural. Stravinsky incluso comentó que escuchar su Sinfonía Pastoral (1921) era como "mirar una vaca durante mucho tiempo", y, sin duda, lo expresó incluso suavemente en comparación con la compositora Elizabeth Lutyens, quien llamó a la "Sinfonía Pastoral" " musica para vacas" Vaughan Williams es mejor conocido como el autor de A Sea Symphony (1910), A London Symphony (1913) y el delicioso romance para violín y orquesta, The Lark Ascending (1914).

Benjamín Britten

Britten fue, y sigue siendo hasta el día de hoy, el último gran compositor británico. Su habilidad e ingenio, especialmente como compositor vocal, le valieron un reconocimiento internacional comparable al de Elgar. Entre sus mejores obras se encuentran la ópera Peter Grimes (1945), la obra orquestal The Young Person's Guide to the Orchestra, 1946, y la importante obra orquestal y coral War Requiem (War Requiem, 1961) basada en poemas de Wilfred Owen. No es un gran admirador del “tradicionalismo inglés” característico de los compositores de la generación anterior, aunque arregló canciones populares para su compañero, el tenor Peter Pears. Durante su vida, Britten era conocido como homosexual y pocas personas sabían de su existencia. Pasión, aunque inocente, por chicos de trece años.

En 1904, el crítico alemán Oscar Adolf Hermann Schmitz publicó un libro sobre Gran Bretaña, tildándolo (tanto al libro como al país mismo) “La tierra sin música” (Das Land Ohne Musik). Quizás tuviera razón. Después de la muerte de Handel en 1759, Gran Bretaña hizo contribuciones insignificantes al desarrollo de la música clásica. Es cierto que Schmitz formuló su condena en el momento equivocado: el siglo XX fue testigo de un resurgimiento de la música británica, que se manifestó en la formación de un nuevo estilo nacional. Esta época también dio al mundo cuatro grandes compositores británicos.

Eduardo Elgar

No estudió formalmente el arte de la composición en ninguna parte, pero logró pasar de ser un modesto director de orquesta de Worcester y director de banda del hospital psiquiátrico de Worcester a convertirse en el primer compositor británico en doscientos años en lograr reconocimiento internacional. Después de pasar su infancia en la tienda de su padre en la calle principal de Worcestershire, rodeado de partituras, instrumentos musicales y libros de texto de música, el joven Elgar aprendió por sí mismo teoría musical. En clima cálido días de verano Comenzó a llevarse manuscritos fuera de la ciudad para estudiar (desde los cinco años se volvió adicto al ciclismo). Así, para él se sentó el comienzo de una fuerte relación entre la música y la naturaleza. Más tarde dirá: “La música está en el aire, la música nos rodea, el mundo está lleno de ella y puedes tomar tanta como necesites”. A la edad de 22 años, aceptó un puesto como director de banda en el Worcester Mental Hospital for the Poor en Pawick, tres millas al suroeste de Worcester, una institución progresista que creía en el poder curativo de la música. Su primera obra orquestal importante, "Variaciones sobre un tema misterioso" (Variaciones Enigma, 1899), le dio fama: misteriosa porque cada una de las catorce variaciones fue escrita sobre un tema único que nadie había escuchado nunca. La grandeza de Elgar (o su inglés, como dicen algunos) radica en su uso de atrevidos temas melódicos que transmiten un estado de ánimo de melancolía nostálgica. Su mejor obra se llama el oratorio. “El sueño de Geroncio” (1900), y su Primera Marcha de la Pompa y las Circunstancias No. 1 de 1901, también conocida como “La Tierra de la Esperanza y la Gloria”, invariablemente causa gran deleite entre los oyentes en los “conciertos de paseo” anuales.

Elgar - El sueño de Geroncio

Gustavo Holst

Holst, sueco nacido en Inglaterra, fue un compositor excepcionalmente excepcional. Maestro de la orquestación, su trabajo se basó en tradiciones tan diversas como las canciones populares inglesas y los madrigales, el misticismo hindú y el vanguardismo de Stravinsky y Schoenberg. También estaba interesado en la astrología, y su estudio inspiró a Holst a crear su obra más famosa (aunque no la mejor), la suite sinfónica de siete movimientos (Los planetas, 1914-1916).

Gustavo Holst. "Planetas. Venus"

Ralph Vaughan Williams

Ralph Vaughan Williams es considerado el más inglés de los compositores británicos. Rechazó las influencias extranjeras, imbuyendo su música del estado de ánimo y los ritmos del folclore nacional y la obra de los compositores ingleses del siglo XVI. Vaughan Williams es uno de los grandes compositores la primera mitad del siglo XX, que jugó un papel importante en el resurgimiento del interés por la música académica británica. Su legado es muy extenso: seis óperas, tres ballets, nueve sinfonías, cantatas y oratorios, obras para piano, órgano y conjuntos de cámara, arreglos. Canciones folk y muchas otras obras. En su trabajo, se inspiró en las tradiciones de los maestros ingleses de los siglos XVI y XVII (revivió el género de la máscara inglesa) y música folk. Las obras de Williams se destacan por su diseño a gran escala, melodicismo, interpretación vocal magistral y orquestación original. Vaughan Williams es uno de los fundadores de la nueva escuela de composición inglesa, el llamado "renacimiento musical inglés". Vaughan Williams es mejor conocido como el autor de A Sea Symphony (1910), "Una sinfonía de Londres" (1913) y el delicioso romance para violín y orquesta” (The Lark Ascending, 1914).

Vaughan Williams. "Sinfónica de Londres"

Benjamín Britten

Britten fue, y sigue siendo hasta el día de hoy, el último gran compositor británico. Su habilidad e ingenio, especialmente como compositor vocal, le valieron un reconocimiento internacional comparable al de Elgar. Entre sus mejores obras se encuentra la ópera Peter Grimes (1945), una obra orquestal "La guía de orquesta para jóvenes, 1946) y una gran obra orquestal y coral “War Requiem” (War Requiem, 1961) basada en poemas de Wilfred Owen. Uno de los temas principales de la obra de Britten: la protesta contra la violencia, la guerra, la afirmación del valor del mundo humano frágil y desprotegido, recibió su máxima expresión en "War Requiem" (1961). Britten habló sobre lo que lo llevó al War Requiem: “Pensé mucho en mis amigos que murieron en las dos guerras mundiales. No pretendo afirmar que este ensayo esté escrito en tono heroico. Hay mucho arrepentimiento por el terrible pasado. Pero es precisamente por eso que Réquiem se dirige al futuro. Viendo ejemplos del terrible pasado, debemos prevenir catástrofes como las guerras”. Britten no era un gran admirador del “tradicionalismo inglés” característico de los compositores de la generación anterior, aunque arregló canciones populares para su socio, el tenor Peter Pears. Ni en primeros años Pero no en las últimas etapas de su evolución creativa Britten se propuso las tareas de un pionero de lo nuevo. técnicas composición o justificación teórica de su estilo individual. A diferencia de muchos de sus pares, Britten nunca se dejó llevar por la búsqueda de “lo más nuevo”, ni trató de encontrar apoyo en las técnicas de composición establecidas heredadas de los maestros de generaciones anteriores. Lo guía, ante todo, el libre vuelo de la imaginación, la fantasía, la conveniencia realista y no la pertenencia a una de las muchas “escuelas” de nuestro siglo. Britten valoraba más la sinceridad creativa que el dogma escolástico, por muy ultramoderno que estuviera disfrazado. Permitió que todos los vientos de la época penetraran en su laboratorio creativo, penetrarlo, pero no desecharlo.

Britten. "Guía de orquesta para jóvenes"

Desde que Britten fue enterrado en Aldborough, Suffolk, en 1976, la música clásica británica ha luchado por mantener su ilustre reputación. John Taverner, descendiente directo del compositor del siglo XVI John Taverner, y Peter Maxwell Davies crean obras que han sido recibidas favorablemente por la crítica, pero todavía no ha aparecido nada realmente sobresaliente. La música clásica ocupa un cierto nicho en la cultura británica, pero quizás no tanto como les gustaría a sus fans. Aparece en anuncios de televisión y en varios eventos deportivos, y los británicos comunes y corrientes pueden ver la última noche de los Proms en la televisión (si no hay nada mejor que hacer), pero en realidad la música clásica es escuchada por una parte muy pequeña de la nación. , principalmente gente de clase media. Música respetable para gente respetable.

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