Francés romanticismo
Movimiento artístico que se formó a finales del siglo XVIII y principios del XIX. primero en literatura (Alemania, Gran Bretaña, otros países de Europa y América), luego en música y otras artes. El concepto de “romanticismo” proviene del epíteto “romántico”; hasta el siglo 18 señaló algunas características obras literarias, escrito en lenguas romances (es decir, no en las lenguas de la antigüedad clásica). Se trataba de romances (romance español), así como poemas y novelas sobre caballeros. En estafa. siglo 18 "Romántico" se entiende de manera más amplia: no sólo como aventurero, entretenido, sino también como folklórico antiguo, original, distante, ingenuo, fantástico, espiritualmente sublime, fantasmal, además de asombroso, aterrador. "Los románticos idealizaron todo lo que les gustaba del pasado reciente y antiguo", escribió F. Blume. Perciben como “suyas” las obras de Dante y W. Shakespeare, P. Calderón y M. Cervantes, J. S. Bach y J. W. Goethe, gran parte de la antigüedad; También se sienten atraídos por la poesía del Dr. Minnesingers orientales y medievales. Basándose en las características señaladas anteriormente, F. Schiller llamó a su "Doncella de Orleans" una "tragedia romántica", y en las imágenes de Mignon y Harper ve el romance de "Los años de la enseñanza de Wilhelm Meister" de Goethe.
El romanticismo como término literario aparece por primera vez en Novalis y como término musical en E. T. A. Hoffmann. Sin embargo, en su contenido no se diferencia mucho del epíteto correspondiente. El romanticismo nunca fue un programa o estilo claramente definido; Se trata de una amplia gama de tendencias ideológicas y estéticas en las que la situación histórica, el país y los intereses del artista crearon ciertos acentos y determinaron diversos objetivos y medios. Sin embargo, el arte romántico de diferentes formaciones también tiene importantes características comunes relacionadas tanto con la posición ideológica como con el estilo.
Habiendo heredado muchos de sus rasgos progresistas del Siglo de las Luces, el romanticismo está al mismo tiempo asociado con una profunda decepción tanto en la Ilustración misma como en los éxitos de toda la nueva civilización en su conjunto. Para los primeros románticos, que aún no conocían los resultados de la Gran Revolución Francesa, el proceso general de racionalización de la vida, su subordinación a la "razón" sobria promedio y la practicidad desalmada fue decepcionante. Posteriormente, especialmente durante los años del Imperio y la Restauración, el significado social de la posición de los románticos -su antiburguesismo- se hizo cada vez más claro. Según F. Engels, “las instituciones sociales y políticas establecidas por la victoria de la razón resultaron ser una caricatura malvada y amargamente decepcionante de las brillantes promesas de la Ilustración” (Marx K. y Engels F., Sobre el arte, vol. 1, M., 1967, pág.
En las obras de los románticos, la renovación de la personalidad, la afirmación de su fuerza y belleza espiritual se combina con la exposición del reino de los filisteos; lo plenamente humano y creativo se contrasta con lo mediocre, insignificante, sumido en la vanidad, la vanidad y los cálculos mezquinos. En la época de Hoffmann y J. Byron, V. Hugo y George Sand, G. Heine y R. Schumann, la crítica social del mundo burgués se había convertido en uno de los principales elementos del romanticismo. En busca de fuentes de renovación espiritual, los románticos a menudo idealizaban el pasado y trataban de insuflar nueva vida a los mitos religiosos. Así nació una contradicción entre la orientación progresista general del romanticismo y las tendencias conservadoras que surgieron en su propia corriente principal. Estas tendencias no jugaron un papel notable en el trabajo de los músicos románticos; se manifestaron principalmente en los motivos literarios y poéticos de algunas obras, pero en la interpretación musical de tales motivos generalmente prevalecía el principio vivo y real-humano.
El romanticismo musical, que se manifestó significativamente en la segunda década del siglo XIX, fue un fenómeno históricamente nuevo y al mismo tiempo reveló vínculos profundos y continuos con los clásicos de la música. Creación compositores destacados de la época anterior (incluidos no sólo los clásicos vieneses, sino también la música de los siglos XVI y XVII) sirvieron de apoyo para el cultivo de un alto rango artístico. Fue este tipo de arte el que se convirtió en modelo para los románticos; según Schumann, “sólo esta fuente pura puede nutrir las fuerzas del nuevo arte” (“Sobre la música y los músicos”, vol. 1, M., 1975, p. 140). Y esto es comprensible: sólo los elevados y perfectos podrían oponerse con éxito a la charla musical del salón secular, al espectacular virtuosismo del escenario y de la ópera y al tradicionalismo indiferente de los músicos artesanos.
Los clásicos musicales de la era posterior a Bach sirvieron de base para el romanticismo musical y en relación con su contenido. A partir de C. F. E. Bach, el elemento sentimiento se manifestó cada vez más libremente, la música dominó nuevos medios que permitieron expresar tanto la fuerza como la sutileza de la vida emocional, el lirismo en su versión individual. Estas aspiraciones unieron a muchos músicos en la segunda mitad del siglo XVIII. con el movimiento literario Sturm und Drang. La actitud de Hoffmann hacia K.V. Gluck, W.A. Mozart y especialmente hacia L. Beethoven como artistas de tipo romántico fue bastante natural. Tales evaluaciones reflejaron no sólo el sesgo de la percepción romántica, sino también la atención a las características del "prerromanticismo" realmente inherentes a grandes compositores Segunda mitad del siglo XVIII - principios del XIX.
El romanticismo musical fue preparado históricamente por el movimiento que lo precedió romanticismo literario en Alemania entre los románticos de “Jena” y “Heidelberg” (W. G. Wackenroder, Novalis, los hermanos F. y A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. Arnim, C. Brentano, etc.), entre un escritor cercano a ellos, Jean Paul, más tarde con Hoffmann, en Gran Bretaña con los poetas de los llamados. La “escuela del lago” (W. Wordsworth, S. T. Coleridge, etc.) ya se ha desarrollado plenamente principios generales romanticismo, que luego fueron interpretados y desarrollados en la música a su manera. Posteriormente, el romanticismo musical estuvo significativamente influenciado por escritores como Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz y otros.
Las áreas más importantes de la creatividad de los músicos románticos incluyen la letra, la fantasía, la originalidad folklórica y nacional, la naturalidad y la característica.
La importancia primordial de las letras en la literatura romántica. el arte, especialmente en la música, se basó fundamentalmente en ello. teóricos R. Para ellos, "romántico" es, ante todo, "musical" (en la jerarquía del arte, a la música se le dio el lugar más honorable), porque en la música reina el sentimiento y, por lo tanto, el trabajo de un artista romántico encuentra su objetivo más alto en él. Por tanto, la música es letra. En el aspecto abstracto-filosófico, según la teoría de la literatura. R., permite a la persona fusionarse con el “alma del mundo”, con el “universo”; En el aspecto de la vida concreta, la música por su naturaleza es la antípoda de lo prosaico. En realidad, ella es la voz del corazón, capaz de contar con la mayor plenitud sobre una persona, su riqueza espiritual, su vida y sus aspiraciones. Por eso en el campo de la música lírica. R. tiene la palabra más brillante. El lirismo, la espontaneidad y expresión, y la individualización del lirismo logrado por los músicos románticos eran nuevos. declaraciones, transmisión de sentimientos psicológicos. el desarrollo de un sentimiento lleno de nuevos detalles preciosos en todas sus etapas.
La ficción como contraste a la prosa. la realidad es similar a la letra y a menudo, especialmente en la música, se entrelaza con esta última. La propia ficción revela caras diferentes, igualmente esencial para R. Actúa como libertad de imaginación, libre juego de pensamientos y sentimientos y al mismo tiempo. como libertad de conocimiento, precipitarse audazmente en el mundo de lo "extraño", maravilloso, desconocido, como desafiando la practicidad filistea, el miserable "sentido común". La fantasía es también un tipo de belleza romántica. Al mismo tiempo, la ciencia ficción permite, de forma indirecta (y por tanto con la máxima generalidad artística), colisionar lo bello y lo feo, el bien y el mal. En artes. R. hizo una gran contribución al desarrollo de este conflicto.
El interés de los románticos por la vida "afuera" está indisolublemente ligado al concepto general de conceptos tales como originalidad popular y nacional, natural y característica. Era un deseo de recrear la autenticidad, la primacía y la integridad perdidas en la realidad circundante; de ahí el interés por la historia, el folklore, el culto a la naturaleza, interpretada como naturaleza primordial, como la encarnación más completa y no distorsionada del “alma del mundo”. Para un romántico, la naturaleza es un refugio de los problemas de la civilización; consuela y cura a una persona inquieta; Los románticos hicieron una enorme contribución al conocimiento y a las artes. renacimiento de la gente poesía y música de épocas pasadas, así como de países “lejanos”. Según T. Mann, R. es “un anhelo por el pasado y al mismo tiempo un reconocimiento realista del derecho a la originalidad de todo lo que alguna vez existió realmente con su propio sabor local y su propia atmósfera” (Obras completas, vol. 10 , M., 1961, p. 322), En Gran Bretaña se inició en el siglo XVIII. reunión de nacional El folclore continuó en el siglo XIX. W. Scott; En Alemania fueron los románticos los primeros en coleccionar y hacer públicos los tesoros del pueblo. creatividad de su país (la colección de L. Arnim y C. Brentano "El cuerno mágico del niño", "Cuentos infantiles y familiares" de los hermanos Grimm), que fue de gran importancia para la música. El deseo de la transmisión fiel de lo nacional-nacional. letras El estilo (“color local”) es una característica común de los músicos románticos de diferentes países y escuelas. Lo mismo puede decirse de la música. paisaje. Creado en esta zona por compositores del siglo XVIII y principios. siglos XIX superado con creces por los románticos. En musica en la encarnación de la naturaleza, R. logró una concreción figurativa previamente desconocida; Esto se debió a las expresiones recién descubiertas. medios musicales, principalmente armónicos y orquestales (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).
"Característica" atrajo a los románticos en algunos casos como distintivo, integral, original, en otros, como extraño, excéntrico, caricaturizado. Notar la característica, exponerla, significa romper el velo gris nivelador de la percepción ordinaria y tocar la vida real, extrañamente colorida y hirviente. En la búsqueda de este objetivo se desarrolló un arte literario típico de los románticos. y musica retrato. Este arte se asoció a menudo con la crítica del artista y condujo a la creación de retratos paródicos y grotescos. De Jean Paul y Hoffmann, la inclinación por los retratos característicos pasó a Schumann y Wagner. En Rusia, no sin la influencia del romanticismo. tradiciones de la musica El retrato se desarrolló entre los compositores nacionales. realista. escuelas: desde A. S. Dargomyzhsky hasta M. P. Mussorgsky y N. A. Rimsky-Korsakov.
R. desarrolló elementos de dialéctica en la interpretación y reflexión del mundo, y en este sentido estaba cerca de su alemán contemporáneo. clásico filosofía. El arte fortalece la comprensión de la relación entre lo individual y lo general. Según F. Schlegel, romántico. la poesía es “universal”, “contiene todo lo poético, desde el más grande sistema de artes, que también incluye sistemas enteros, hasta un suspiro, hasta un beso, tal como se expresan en el sencillo canto de un niño” (“P. Schlegels Jugendschriften”, escrito por von J. Minor, Bd 2, pág. 220). Variedad infinita con partes internas ocultas. la unidad es lo que valoran los románticos, por ejemplo. en Don Quijote de Cervantes; F. Schlegel llama al abigarrado tejido de esta novela “la música de la vida” (ibid., p. 316). Se trata de una novela con “horizontes abiertos”, señala A. Schlegel; según su observación, Cervantes recurre a “infinitas variaciones”, “como si fuera un músico sofisticado” (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Tan artístico. El puesto genera especial atención tanto al departamento. impresiones, y a sus conexiones, a la creación de un concepto común. Directamente en la música. la efusión de sentimiento se vuelve filosófica, el paisaje, la danza, la escena de género, el retrato están imbuidos de lirismo y conducen a generalizaciones. R. muestra un interés especial en el proceso de la vida, en lo que N. Ya. Berkovsky llama "el flujo directo de la vida" ("Romanticismo en Alemania", Leningrado, 1973, p. 31); Esto también se aplica a la música. Para los músicos románticos, es típico luchar por transformaciones infinitas del pensamiento original, por un desarrollo “sin fin”.
Ya que R. veía en todas las reivindicaciones un único significado y un único capítulo. El objetivo es fusionarse con la misteriosa esencia de la vida, la idea de síntesis del arte adquirió un nuevo significado. “La estética de un arte es la estética de otro; sólo el material es diferente”, señala Schumann (“Sobre la música y los músicos”, vol. 1, M., 1975, p. 87). Pero la combinación de “diferentes materiales” aumenta el impresionante poder del conjunto artístico. En la fusión profunda y orgánica de la música con la poesía, con el teatro, con la pintura, se abrieron nuevas oportunidades para el arte. En el campo de las herramientas. En la música, el principio de programaticidad adquiere un papel importante, es decir, la inclusión tanto en el plan del compositor como en el proceso de percepción de la música de la literatura. y otras asociaciones.
R. está especialmente representado en la música de Alemania y Austria. En una etapa temprana: el trabajo de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner; luego la escuela de Leipzig, principalmente F. Mendelssohn-Bartholdy y R. Schumann; en la segunda mitad. Siglo 19 - R. Wagner, J. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. En Francia, R. ya apareció en las óperas de A. Boildieu y F. Aubert, luego en una forma mucho más desarrollada y original en Berlioz. En Italia es romántico. Las tendencias se reflejaron notablemente en G. Rossini y G. Verdi. paneuropeo La creatividad de los ordenadores polacos cobró importancia. F. Chopin, colgado. - F. Liszt, italiano. - N. Paganini (la obra de Liszt y Paganini también mostró la cima de la interpretación romántica), alemán. - J. Meyerbeer.
En las condiciones nacionales. Las escuelas de R. conservaron mucho en común y al mismo tiempo mostraron una notable originalidad en ideas, tramas, géneros favoritos y también en estilo.
en los años 30 Se descubrieron criaturas. desacuerdos entre él. y francés escuelas. Hay diferentes ideas sobre la medida aceptable de estilo estilístico. innovación; También fue controvertida la cuestión de la admisibilidad de la estética. los compromisos del artista para complacer los gustos de la “multitud”. El antagonista de la innovación de Berlioz fue Mendelssohn, quien defendió firmemente las normas del estilo moderado "clásico-romántico". Schumann, que habló ardientemente en defensa de Berlioz y Liszt, todavía no aceptaba lo que le parecían los extremos de los franceses. escuelas; Prefirió al mucho más equilibrado Chopin al autor de la “Sinfonía fantástica”; valoró extraordinariamente a Mendelssohn y a sus allegados, A. Henselt, S. Heller, W. Taubert, W. S. Bennett y otros, y criticó extraordinariamente a Meyerbeer. agudeza, viendo en su espectacular teatralidad sólo la demagogia y la búsqueda del éxito. Heine y Berlioz, por el contrario, aprecian el carácter dinámico del autor de Los hugonotes. música dramaturgia. Wagner desarrolla la crítica. Los motivos de Schumann, sin embargo, en su obra se alejan mucho de las normas del romanticismo moderado. estilo; adhiriendo (a diferencia de Meyerbeer) a estrictos criterios estéticos. selección, sigue el camino de reformas audaces. Todo r. Siglo 19 como oposición a la escuela de Leipzig, la llamada. Nueva escuela alemana o de Weimar; Liszt se convirtió en su centro durante sus años en Weimar (1849-61); entre sus seguidores se encontraban R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff y otros. Los "Weimarianos" eran partidarios de la música programática, musas. dramas del tipo wagneriano y otros tipos de nueva música radicalmente reformados. demanda judicial Desde 1859, las ideas de la nueva escuela alemana estuvieron representadas por el “General German Verein” y la revista creada en 1834 por Schumann. "Neue Zeitschrift für Musik", Crimea estuvo dirigida por K. F. Brendel desde 1844. En el campo opuesto, junto al crítico E. Hanslick, el violinista y compositor J. Joachim y otros, estaba J. Brahms; este último no buscó la controversia y defendió sus principios sólo en su obra (en 1860, Brahms puso su firma por única vez en un artículo polémico, una declaración colectiva contra ciertas ideas de los "Weimarites", publicada en la revista de Berlín " Eco"). Lo que los críticos tendían a considerar conservadurismo en la obra de Brahms era en realidad un arte vivo y original, donde lo romántico. la tradición se renovó, experimentando una nueva y poderosa influencia de lo clásico. música del pasado. Las perspectivas de este camino han quedado demostradas por el desarrollo de Europa. música siguiente décadas (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneyev, etc.). Las ideas de los “weimarianos” resultaron ser igualmente prometedoras. Posteriormente, las disputas entre las dos escuelas quedan históricamente obsoletas.
Ya que se realizó una exitosa búsqueda del nacional en el cauce del río. autenticidad, social y psicológica. Veracidad, los ideales de este movimiento estaban estrechamente entrelazados con la ideología del realismo. Este tipo de conexión es evidente, por ejemplo, en las óperas de Verdi y Bizet. El mismo complejo es típico de varias nacionalidades. música escuelas del siglo XIX En ruso musica romantica Los elementos ya están claramente representados en M.I. Glinka y A.S. Dargomyzhsky, en la segunda mitad. Siglo 19 - de los compositores de "The Mighty Handful" y de P. I. Tchaikovsky, más tarde de S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner. Las jóvenes musas se desarrollaron bajo la fuerte influencia de R. culturas de Polonia, República Checa, Hungría, Noruega, Dinamarca, Finlandia (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I . Sibelius y otros), así como el español. musica 2da mitad 19 - comienzo siglos 20 (I. Albéniz, E. Granados, M. de Falla).
Música R. contribuyó activamente al desarrollo de la ópera y la letra vocal de cámara. De acuerdo con los ideales de R. en la reforma del wok. música cap. La profundización de la síntesis del arte juega un papel importante. Wok. la melodía responde con sensibilidad a la expresividad de lo poético. Las palabras se vuelven más detalladas e individuales. Instr. el partido pierde el carácter de “acompañamiento” neutral y está cada vez más saturado de contenido figurativo. En las obras de Schubert, Schumann, Franz, Wolf se puede rastrear el camino desde una canción basada en una trama hasta la "música". poema." Entre los trabajos. géneros, aumenta el papel de la balada, el monólogo, la escena, el poema; canciones en plural Los casos se combinan en ciclos. en romantico ópera, que se desarrolló en varios direcciones, la conexión entre la música, la palabra y el teatro se fortalece constantemente. comportamiento. Este propósito lo cumple: un sistema de música. características y leitmotivs, desarrollo de las entonaciones del habla, fusionando la lógica de la música. y escenario desarrollo, uso de ricas oportunidades sinfonía. orquesta (las partituras de Wagner pertenecen a los mayores logros del sinfonismo de ópera).
En instrucción. En música, los compositores románticos son especialmente propensos a usar php. miniatura. Una obra breve se convierte en la fijación deseada de un momento para un artista romántico: un rápido esbozo de un estado de ánimo, un paisaje, una imagen característica. Es valorado y respetado. simplicidad, cercanía a las fuentes vitales de la música: al canto, al baile, la capacidad de capturar un sabor fresco y original. Variedades populares de romántico. obras de teatro breves: “canción sin letra”, nocturno, preludio, vals, mazurca, así como obras con títulos de programas. En instrucción. la miniatura logra un alto contenido y una imaginería en relieve; mientras la forma está comprimida, se distingue por su expresión brillante. Como en un wok. letras, aquí hay una tendencia a combinar departamentos. obras de teatro en ciclos (Chopin - Preludios, Schumann - "Escenas infantiles", Liszt - "Años de andanzas", etc.); en algunos casos se trata de ciclos de estructura “de extremo a extremo”, donde entre los individuales son relativamente independientes. Surgen diferentes obras de teatro. tipo de entonación conexiones (Schumann - “Mariposas”, “Carnaval”, “Kreisleriana”). Estos ciclos "de un extremo a otro" ya dan una idea de las principales tendencias del romanticismo. interpretaciones de los instrumentos principales formas. Por un lado, enfatiza el contraste y la diversidad de departamentos. En los episodios, por otra parte, se realza la unidad del conjunto. Bajo el signo de estas tendencias se está dando nueva creatividad. interpretación del clásico sonatas y ciclos de sonatas; Las mismas aspiraciones determinan la lógica de las formas “libres” de un solo movimiento, que generalmente combinan las características de una sonata allegro, un ciclo de sonata y una variación. Las formas "libres" eran especialmente convenientes para la música del programa. En su desarrollo, en la estabilización del género de la “sinfonía” de un solo movimiento. "El gran mérito del poema" se debe a Liszt. El principio constructivo que subyace a los poemas de Liszt -la libre transformación de un tema (monotematismo)- crea una expresión. contrasta y al mismo tiempo asegura la máxima unidad de toda la composición (“Preludios”, “Tasso”, etc.).
Al estilo de la música. R. los medios modales y armónicos adquieren el papel más importante. La búsqueda de una nueva expresividad está asociada a dos procesos paralelos y a menudo interconectados: con el fortalecimiento de la dinámica funcional. lados de armonías y con modo armónico aumentado. colorido. El primero de estos procesos es la creciente saturación de los acordes con alteraciones y disonancias, lo que exacerbó su inestabilidad y aumentó la tensión, lo que requirió una resolución en el futuro de manera armoniosa. movimiento. Tales propiedades de la armonía la mejor manera Expresaban la "languidez" típica de R., una corriente de sentimientos en desarrollo "sin fin", que se encarnó con especial plenitud en "Tristán" de Wagner. Los efectos coloridos ya eran evidentes en el uso de las capacidades del sistema de modo mayor-menor (Schubert). Nuevas combinaciones de colores muy diversas. Los tonos se extrajeron de los llamados. modos naturales, con la ayuda de los cuales se enfatizó lo vernáculo. o arcaico la naturaleza de la música; Se asignó un papel importante, especialmente en la ciencia ficción, a los modos con escalas tonales y "tonales-semitonos". Las propiedades coloridas también se revelaron en acordes cromáticamente complicados y disonantes, y fue en este punto donde los procesos mencionados anteriormente entraron claramente en contacto. También se lograron nuevos efectos de sonido a través de varios. comparaciones de acordes o modos dentro de la diatónica. escala.
en romantico Los siguientes capítulos estaban vigentes en la melodía. tendencias: en la estructura - el deseo de amplitud y continuidad del desarrollo, en parte por la "apertura" de la forma; en ritmo - superando tradiciones. métrica de regularidad acentos y cualquier automático repetición; en entonación composición: detallar, llenar de expresividad no solo los motivos iniciales, sino también toda la melodía. dibujo. El ideal de Wagner de una “melodía sin fin” incluía todas estas tendencias. A ellos también está asociado el arte de los más grandes melodistas del siglo XIX. Chopin y Chaikovski. Música R. enriqueció e individualizó enormemente los medios de presentación (textura), convirtiéndolos en uno de los elementos más importantes de la música. imágenes. Lo mismo se aplica al uso de herramientas. composiciones, especialmente composiciones sinfónicas. orquesta. R. desarrolló el colorismo. Medios de la orquesta y dramaturgia de la orquesta. desarrollo a una altura desconocida para la música de épocas anteriores.
música tardía R. (finales del siglo XIX y principios del XX) todavía daba "brotes ricos" y sus mayores sucesores tenían una actitud romántica. La tradición todavía expresaba las ideas de un progresista y humanista. arte (G. Mahler, R. Strauss, C. Debussy, A. N. Scriabin).
La nueva creatividad está asociada al fortalecimiento y transformación cualitativa de las tendencias de R. logros en la música. Se cultivan imágenes recientemente detalladas, tanto en el ámbito de las impresiones externas (colorido impresionista) como en la transferencia exquisitamente sutil de sentimientos (Debussy, Ravel, Scriabin). Las posibilidades de la música se están ampliando. figuratividad (R. Strauss). El refinamiento, por un lado, y una mayor expresividad, por el otro, crean una escala más amplia de expresividad emocional de la música (Scriabin, Mahler). Al mismo tiempo, a finales del R., que estuvo estrechamente entrelazado con las nuevas tendencias de principios de los siglos XIX y XX. (impresionismo, expresionismo), los síntomas de crisis aumentaron. Al principio. siglo 20 La evolución de R. revela una hipertrofia del principio subjetivo, una degeneración gradual de la sofisticación hacia la amorfa y la inmovilidad. Una reacción polémicamente aguda a estas características de la crisis fue la música. Antiromanticismo de los años 10-20. (I. F. Stravinsky, el joven S. S. Prokofiev, compositores de los "Seis" franceses, etc.); A finales de R. se opuso el deseo de objetividad de contenido y claridad de forma; Surgió una nueva ola de "clasicismo", el culto a los viejos maestros, cap. Arr. época anterior a Beethoven. Mediados del siglo XX mostró, sin embargo, la viabilidad de las tradiciones más valiosas de R. A pesar de las crecientes tendencias destructivas en la música occidental, R. conservó su base espiritual y se enriqueció con nuevas estilísticas. elementos, fue desarrollado por muchos. compositores destacados del siglo XX. (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok, etc.).
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D. V. Zhytomyrsky
Un movimiento ideológico y artístico que se desarrolló en todos los países de Europa y del Norte. América en estafa. 18 - 1er piso. siglos XIX R. expresó el descontento de la sociedad burguesa. cambios, oponiéndose al clasicismo y la ilustración. F. Engels señaló que "... las instituciones sociales y políticas establecidas por la "victoria de la razón" resultaron ser una caricatura malvada y amargamente decepcionante de las brillantes promesas de la Ilustración". Las críticas a la nueva forma de vida, que surgió entre los sentimentales tras la Ilustración, se manifestaron aún más entre los románticos. El mundo les parecía evidentemente irrazonable, lleno de gente misteriosa, incomprensible y hostil. personalidad. Para los románticos, las altas aspiraciones eran incompatibles con el mundo que los rodeaba y la discordia con la realidad resultó ser casi la mayor. característica de R. Humildad y vulgaridad. mundo real R. contrasta religión, naturaleza, historia, fantasía. y exótico esferas, adv. creatividad, pero sobre todo, la vida interior de una persona. Las ideas de R. sobre ella se enriquecieron enormemente. Si el ideal del clasicismo era la antigüedad, entonces R. se guió por el arte de la Edad Media y los tiempos modernos, considerando a A. Dante, W. Shakespeare y J. V. Goethe como sus predecesores. R. afirmó el arte, no proporcionado por modelos, sino creado por el libre albedrío del artista, encarnando su mundo interior. Al no aceptar la realidad circundante, R. de hecho la comprendió más profundamente y más plenamente que el clasicismo. La música, como encarnación del elemento libre de la vida, se convirtió para R. en el arte más elevado. Logró un enorme éxito en ese momento. R. también fue un período de desarrollo inusualmente rápido y significativo del ballet. Los primeros pasos son románticos. Se hicieron ballets en Inglaterra, Italia, Rusia (C. Didelot, A. P. Glushkovsky, etc.). Sin embargo, R. tomó forma de manera más completa y consistente en francés. teatro de ballet, cuya influencia se sintió en otros países. Una de las condiciones para ello fue el alto desarrollo de la tecnología clásica en Francia en aquella época. Danza, especialmente danza femenina. Más claramente romántico. Las tendencias aparecieron en los ballets de F. Taglioni (La Sylphide, 1832, etc.), donde la acción generalmente se desarrollaba en paralelo en el mundo real y fantástico. La ciencia ficción liberó a la danza de la necesidad de justificaciones cotidianas privadas, abrió el campo para el uso de la tecnología acumulada y su desarrollo posterior para revelar en la danza las propiedades esenciales de los personajes representados. En la danza femenina, que pasó a primer plano en el ballet de R., se introdujeron cada vez más los saltos, surgió la danza con zapatillas de punta, etc., que correspondía perfectamente a la aparición de criaturas sobrenaturales: jeeps, sílfides. La danza dominó el ballet de R. Han surgido nuevas formas compositivas clásicas. En la danza, el papel del cuerpo de ballet femenino al unísono aumentó considerablemente. Se desarrollaron danzas en conjunto, a dúo y en solitario. El papel de la bailarina principal ha aumentado, empezando por M. Taglioni. La túnica apareció como traje permanente de bailarina. El papel de la música ha aumentado, antes a menudo un equipo nacional. Comenzó el baile sinfónico. comportamiento. El pináculo del romance ballet - "Giselle" (1841), puesta en escena por J. Coralli y J. Perrault. La obra de Perrault marcó una nueva etapa en el ballet R. La representación ahora dependía en gran medida de la iluminación. la fuente original ("Esmeralda" según Hugo, "Corsair" según Byron, etc.), y en consecuencia, la danza se dramatizó más, aumentó el papel de las composiciones efectivas (pas d'action) y la danza se utilizó más ampliamente. folklore. Similar Las aspiraciones se manifestaron en el trabajo de las fechas más destacadas. ballet. Ago. Bournonville. Se adelantaron los bailarines F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Gran, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya.
tipo romantico La actuación, que se desarrolló en los ballets de Taglioni, Perrot, Bournonville, continuó existiendo hasta el final. Siglo 19 Sin embargo, la estructura interna de estas representaciones se basa principalmente en el trabajo de los ballets. M.I.Petipa, transformada.
El deseo de un renacimiento romántico. El ballet en su forma original apareció en el trabajo de algunos coreógrafos del siglo XX. M. M. Fokin le dio a R. nuevas características del impresionismo al ballet.
Ballet. Enciclopedia, SE, 1981
Durante la era del romanticismo, la música ocupó un lugar primordial en el sistema del arte. Esto se explica por su especificidad, que permite reflejar de la forma más completa las experiencias emocionales utilizando todo el arsenal de medios expresivos.
El romanticismo en la música aparece en el siglo XIX en las obras de F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Un poco más tarde, este estilo se reflejó en las obras de F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi y otros compositores.
El romanticismo se originó en Europa a principios del siglo XIX. Se convirtió en una especie de oposición al clasicismo. El romanticismo permitió al oyente penetrar en el mundo mágico de leyendas, canciones y cuentos. El principio rector de esta dirección es la oposición (sueños y vida cotidiana, mundo ideal y vida cotidiana), creada por la imaginación creativa del compositor. Este estilo era popular entre gente creativa hasta los años cuarenta del siglo XIX.
El romanticismo en la música refleja los problemas del hombre moderno, su conflicto con mundo exterior y su soledad. Estos temas se vuelven centrales para el trabajo de los compositores. Al ser talentosa y diferente de los demás, una persona siente constantemente una incomprensión por parte de los demás. Su talento se convierte en el motivo de su soledad. Es por eso que los héroes favoritos de los compositores románticos son los poetas, músicos y artistas (R. Schumann "El amor de un poeta"; Berlioz - el subtítulo "Un episodio de la vida de un artista" de la "Sinfonía fantástica", etc. ).
El romanticismo en la música, que transmite el mundo de las experiencias internas de una persona, a menudo tiene un tinte de autobiografía, sinceridad y lirismo. Los temas de amor y pasión son muy utilizados. P.ej, compositor famoso R. Schumann dedicó muchas de sus piezas para piano a su amada Clara Wieck.
El tema de la naturaleza también es bastante común en las obras de los románticos. A menudo los compositores lo contrastan con el estado de ánimo de una persona, coloreándolo con matices de falta de armonía.
El tema de la fantasía se convirtió en un verdadero descubrimiento para los románticos. Trabajan activamente en la creación de personajes de cuentos de hadas y fantasía y en la transmisión de sus imágenes a través de diversos elementos del lenguaje musical (La flauta mágica de Mozart, La reina de la noche).
A menudo, el romanticismo en la música también recurre al arte popular. Los compositores en sus obras utilizan una variedad de elementos folclóricos (ritmos, entonaciones, modos antiguos) tomados de canciones y baladas. Esto le permite enriquecer significativamente el contenido de las piezas musicales.
El uso de nuevas imágenes y temas requirió la búsqueda de formas apropiadas, así, en las obras románticas aparecen entonaciones del habla, modos naturales, contrastes de diferentes tonalidades y partes solistas (voces).
El romanticismo en la música encarnaba la idea de una síntesis de las artes. Un ejemplo de esto son las obras programáticas de Schumann, Berlioz, Liszt y otros compositores (la sinfonía "Harold in Italy", el poema "Preludios", el ciclo "Years of Wandering", etc.).
El romanticismo ruso quedó vívidamente reflejado en las obras de M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, Ts. Cui, M. Balakirev, P. Tchaikovsky y otros.
En sus obras A. Dargomyzhsky transmite la multifacética imagenes psicologicas(“Sirena”, romances). En la ópera "Ivan Susanin", M. Glinka pinta cuadros de la vida de la gente común y corriente en Rusia. Las obras de los compositores del famoso "Mighty Handful" se consideran, con razón, la cima. Usaron Medios de expresión y entonaciones características inherentes a las canciones populares rusas, la música cotidiana, discurso coloquial.
Posteriormente, A. Scriabin (preludio "Sueños", poema "A la llama") y S. Rachmaninov (estudios-cuadros, ópera "Aleko", cantata "Primavera") también recurrieron a este estilo.
Ensayo Por disciplina académica"Culturología"
sobre el tema: "Romanticismo en la música".
Plan
1. Introducción.
2. Rasgos característicos de la era del romanticismo en la música.
3. Geografía de la música romántica.
5. Conclusión.
6. Lista de referencias.
1. Introducción.
Romanticismo - nuevo movimiento artístico Siglo XIX. Reemplazó al clasicismo y sus signos comenzaron a aparecer ya a finales del siglo XVIII. La patria del romanticismo es Alemania, pero rápidamente se extendió y penetró en otros países europeos, así como en Rusia y Estados Unidos. El término "romanticismo" apareció por primera vez en la literatura gracias al trabajo del escritor alemán Novalis (1772 - 1801). Fue introducido en la música por E.T. A. Hoffmann (1776 - 1882). El romanticismo se desarrolló en lucha y al mismo tiempo en estrecha interacción con sus predecesores: el clasicismo y el sentimentalismo. Fue en lo más profundo de estos movimientos literarios donde se originó. Los escritores clásicos estaban convencidos de que sólo aquellos que lo entienden claramente, que son capaces de frenar sus pasiones, intereses y aspiraciones personales, pueden cumplir con su deber cívico. Pero creían que esta era la suerte de sólo unas pocas personas "nobles", principalmente nobles. Tenían que estar dispuestos a servir desinteresadamente y con sacrificio a su patria. El deber cívico, en su opinión, consiste, ante todo, en el noble honor y la virtud.
Los románticos buscaron romantizar todo lo que los rodeaba, todos los fenómenos de la vida. Adoptaron algunos principios de la era anterior del clasicismo, pero la esencia misma del romanticismo es una protesta contra los principios de la Ilustración, la decepción por ellos. Los representantes del romanticismo no pudieron aceptar el culto a la razón, el racionalismo, la lógica y la practicidad. Para ellos, el alma y la individualidad de una persona, sus sentimientos eran importantes.
La originalidad del romanticismo también radica en el hecho de que no se esforzó por lograr una división clara del arte en tipos y géneros. Quedaron impresionados por la idea de una síntesis de las artes y la implementaron con éxito. El romanticismo pertenece a una de las épocas culturales más interesantes y fructíferas.
2. Rasgos característicos de la era del romanticismo en la música.
El romanticismo reinó en la cultura musical durante más de cien años (1800 - 1910). Fue en este arte donde resultó ser un hígado largo, mientras que en la literatura y la pintura solo pudo durar cincuenta años. Esto no se puede llamar un accidente. En opinión de los románticos, la música es el arte más espiritual y tiene la mayor libertad. Una de las características más importantes de la música de la época romántica es su síntesis con otras formas de arte. Además, los románticos no eran partidarios de una división de géneros estricta y clara.
Las categorías estéticas también fueron mixtas. La tragedia coexistía fácilmente con la comedia; lo feo con lo bello; lo mundano con lo sublime. Tales contrastes no parecían poco convincentes ni antinaturales. El recurso artístico más importante, la ironía romántica, permitió conectar lo incompatible. Gracias a ella surgió una imagen especial del mundo, inherente al romanticismo.
A pesar de la tendencia a mezclar géneros, muchos de ellos, por supuesto, tuvieron derecho a una existencia independiente y lograron desarrollarse significativamente durante este período; También surgieron géneros específicos. En primer lugar, este es el género del poema musical romántico y la balada (el representante más destacado es F. Schubert); canciones; miniaturas de piano.
Mención especial merece la miniatura del piano. Se pretendía transmitir alguna imagen que impresionara al autor, o su estado de ánimo. Una miniatura de piano podría tener una especificación de género: vals, canción, canción sin letra, mazurca, nocturno. Los compositores a menudo recurrían a la música programada y combinaban sus obras en ciclos.
Una característica de la era del romanticismo es el famoso ciclo de piano de R. Schumann “Carnaval”, que refleja la naturaleza libre de la estética del romanticismo. "Carnaval" contiene veintiún números. Se trata de bocetos que se reemplazan entre sí, que se diferencian entre sí en estado de ánimo, fotografías, retratos, pero muchos de ellos están unidos por una única trama. El compositor pinta una fiesta imaginaria a la que se invita a invitados enmascarados. Entre ellos se encuentran los personajes habituales del carnaval: el tímido Pierrot, el travieso Arlequín, Columbine y Pantalone quejándose entre sí (todo esto se transmite magníficamente por medios musicales).
"Carnaval" está plagado de un concepto muy original. El propio compositor llamó a su ciclo “escenas en miniatura de 4 notas”, ya que sobre ellas se construye toda la melodía. El compositor tomó cuatro notas en varias secuencias y combinaciones y como resultado formaron una apariencia de un tema subyacente a cada pieza.
Desde el punto de vista compositivo, Carnival demuestra el más alto grado de habilidad compositiva. Todas las canciones del ciclo se distinguen por su perfecto acabado, brillantez y virtuosismo. En general, todo el ciclo es un ejemplo de combinación armoniosa e integridad.
Si hablamos con más detalle de la música programática, aquí podemos resaltar una característica como la conexión con otros géneros: literatura, pintura. La forma del ensayo depende de la trama. En este sentido surgen poemas sinfónicos, conciertos de un solo movimiento y sonatas; Sinfonías de múltiples movimientos. Así, en la era del romanticismo se desarrolló tanto la música de cámara vocal como la música de cámara instrumental.
La ópera también se volvió especial durante este período. Ella comienza a gravitar hacia el sinfonismo; existe una conexión estrecha y justificable entre texto y música; La acción escénica tenía para ellos la misma importancia.
Los románticos tenían temas favoritos. La mayoría de las tramas se basaban en el tema de la soledad y el amor, porque en el centro de la estética del romanticismo se encontraba una persona orgullosa y solitaria, en cuya alma ardía pasiones fuertes. El héroe romántico siempre se ha opuesto a la sociedad, al mundo entero. Por lo tanto, es bastante lógico que durante el período del romanticismo los autores recurrieran a temas cercanos a la imagen de tal héroe: el tema de la muerte, el tema del camino y las peregrinaciones, el tema de la naturaleza. En las obras románticas se dedicó mucho espacio a elementos de fantasía que invaden el aburrido mundo material.
Los compositores que trabajaron en la era del romanticismo tenían su propio lenguaje musical. Prestaron gran atención a la melodía, enfatizando el significado de la palabra, expresión artística(la última observación también se aplica al acompañamiento).
La armonía se transformó y enriqueció notablemente. A través de la armonía se transmitieron pasiones, languidez, contraste de estados de ánimo, tensión y el comienzo fantástico de las obras. Por tanto, la melodía, la textura y la armonía tienen la misma importancia.
Así, las principales características de la música de la época romántica pueden denominarse una síntesis de artes y géneros; especial expresividad y estrecha relación entre melodía, acompañamiento y armonía; contraste; fantástico; aumento de la emocionalidad y la expresión.
3. Geografía de la música romántica.
El romanticismo cubrió un área bastante amplia: desde Europa y Rusia hasta América, y en todas partes su desarrollo se llevó a cabo de manera específica. En Europa, el arte de la música durante este período en algunos países tenía tanto puntos en común como diferencias culturales. Por ejemplo, la música de Austria y Alemania se desarrolló aproximadamente en la misma dirección. El romanticismo musical de estos países fue influenciado por Viena. Escuela de Musica, literatura poderosamente manifestada. Un idioma común también los unió. El romanticismo germano-austriaco se distinguió no sólo por obras avanzadas de diversos géneros, sino también por una ilustración activa. La característica definitoria del romanticismo alemán y austriaco es la canción.
El romanticismo en Polonia es una combinación de vocalidad e instrumentalidad, un rasgo característico de la música folclórica polaca. Así, en las entonaciones de F. Chopin, ecos de género épico Música popular polaca - Duma polaca. Este género en el período maduro de su desarrollo se caracteriza por un coro épico lento, a menudo de tono lúgubre. Y episodios posteriores de dramática intensidad, alternándose con el regreso de la melodía del estribillo inicial. No hay duda de que fueron las dumas eslavas occidentales las que sirvieron de prototipo para las baladas de Chopin y obras similares. Así, la base del romanticismo polaco reside arte popular.
El romanticismo italiano es un florecimiento sin precedentes. arte de la ópera; Despegue del Bel Canto. Así, la ópera italiana se convirtió en líder en esta dirección en todo el mundo. También en Francia la ópera adquiere uno de los significados principales. Gran parte del crédito por esto pertenece a G. Berlioz (1803 - 1869), quien es el creador de tales fenómeno interesante, como una ópera cómica que refleja directamente las particularidades nacionales de este país.
En Rusia, el romanticismo se desarrolló bajo la influencia de las ideas de los decembristas, los grandes. revolución Francesa, la guerra con Napoleón de 1812, es decir, estuvo asociada a acontecimientos sociales globales. Los principios de ciudadanía y servicio a la patria fueron trasladados al arte de la música, en el que se escuchaba claramente la idea de conciencia nacional. Así, el romanticismo musical de todos los países estaba unido por rasgos comunes: el deseo de una alta espiritualidad, sueños de belleza y un reflejo de la esfera sensual del hombre.
4. Grandes compositores y músicos de la época romántica.
El romanticismo dio a la cultura musical muchos compositores magníficos: F. Liszt (1811 - 1886, Hungría), R. Schumann (1810 - 1856, Alemania), F. Schubert (1797 - 1828, Austria), K. Weber (1786 - 1826, Alemania) ), R. Wagner (1813 - 1883, Alemania), J. Bizet (1838 - 1875, Francia), N. Paganini (1782 - 1840, Italia), E. Grieg (1843 - 1907, Noruega), G. Verdi ( 1813 - 1901, Italia), F. Chopin (1810 - 1849), L. van Beethoven ( etapa final creatividad, Alemania), etc. Caractericemos brevemente la creatividad de algunos de ellos.
Franz Liszt, como W.A. Mozart, era un joven virtuoso y desde muy temprano dio de qué hablar en Europa, actuando ante el público como pianista. Su don como compositor se manifestó también temprano. Posteriormente, F. Liszt combinó actividades de gira y composición. También realizó transcripciones de música sinfónica para piano y, con razón, se le puede considerar un gran pedagogo.
Las obras originales de F. Liszt se caracterizan por el virtuosismo y la profundidad, la expresión y el frenesí. Estas son sus famosas obras cíclicas: "Años de andanzas", "Estudios de interpretación trascendental", "Grandes estudios después de los caprichos de Paganini", "Rapsodias húngaras". F. Liszt hizo una enorme contribución a la popularización y desarrollo de la cultura musical húngara.
Franz Schubert es considerado el primer compositor de la época romántica clasificado entre los grandes compositores. Su música es pura, alegre, poética y al mismo tiempo triste, fría, desesperada. Como es típico de los románticos, la música de F. Schubert contrasta, pero sorprende por su libertad y facilidad, la belleza de las melodías.
F. Schubert escribió una gran cantidad de canciones que son verdaderas obras maestras. Esto es especialmente cierto para las obras escritas sobre poemas de V.I. Goethe (“El rey del bosque”, “Gretchen en la rueca”) y muchos otros.
El compositor también trabajó en otros géneros: óperas, obras vocales de cámara e instrumentales. Y, sin embargo, en primer lugar, el nombre de F. Schubert está asociado a sus canciones y a varios ciclos: "La bella molinera", "Winter Reise", "Swan Song".
El compositor francés Georges Bizet entró en la historia de la cultura mundial como autor de la insuperable ópera Carmen. Ya a los diez años ingresó en el Conservatorio de París. El joven compositor al inicio de su camino creativo Se probó en diferentes géneros, pero la ópera se convirtió en su verdadera pasión. Además de Carmen, escribió óperas como The Pearl Fishers, The Beauty of Perth y Jamile. Destaca también la música que escribió para el drama homónimo de A. Daudet “Arlesian”. J. Bizet es considerado legítimamente un destacado compositor de Francia.
Edvard Grieg es el compositor más famoso de Noruega, uno de los símbolos de este país. Su música es un fenómeno distintivo y original, que demuestra la individualidad única del pensamiento creativo de este compositor. Las obras de E. Grieg, incluido el "Concierto para piano", los romances, las "Piezas líricas", la "Segunda sonata para violín" y, por supuesto, "Peer Gynt", la música de la obra de G. Ibsen, pasaron a ser propiedad de no sólo música noruega, sino también música del mundo.
Una de las personificaciones del romanticismo es el violinista y compositor italiano Niccolo Paganini. Las definiciones más precisas de su arte son brillo, brillantez, frenesí, rebelión. Escribió obras virtuosas y apasionadas, que todavía están presentes en el repertorio de violinistas famosos de la actualidad. Estamos hablando del Primer y Segundo Conciertos para violín, “24 Capricci”, “Carnaval de Venecia” y “Perpetual Motion”. Además, N. Paganini fue un excelente improvisador y realizó arreglos y variaciones de fragmentos de óperas para violín solo. Fue una inspiración para muchas figuras de la época romántica.
Hablando de la música del destacado compositor polaco Fryderyk Chopin (1810 - 1849), primero hay que decir que se trata del "alma del pueblo polaco", que encontró variadas expresiones en el arte de Chopin. Su música contiene páginas de grandeza épica y ascenso heroico. En los trágicos episodios de la música de Chopin se puede escuchar el dolor de un corazón valiente. El arte de Chopin es un arte profundamente popular de un artista patriótico, un artista humanista, inspirado en los ideales progresistas de la época en la que le tocó vivir y crear.
La carrera de Chopin como compositor comenzó con la composición de danzas cotidianas polacas (mazurka, polonesa, vals). También recurrió a los nocturnos. Su “Balada en sol menor”, “Scherzo en si menor” y “Etude en do menor” resultaron revolucionarios para la música para piano. Los estudios y preludios de F. Chopin (junto con los estudios de F. Liszt) son el pináculo de la técnica pianística de la era romántica.
El romanticismo se ha arraigado muy bien en suelo ruso. La nueva cosmovisión encontró una respuesta en las mentes y las almas de la intelectualidad. Su concepto de resistencia al mal que ha envuelto al mundo entero resultó estar muy cerca del arte y la literatura rusos.
Una de las manifestaciones del romanticismo fue la prosa romántica rusa. Surgió en la primera mitad del siglo XIX y se convirtió en sí mismo en un fenómeno único. Se presentan los nombres no sólo de grandes escritores rusos, sino también de autores de segundo nivel. Algunas obras de estos autores demuestran claramente una tendencia hacia la fantasía, una atmósfera inusual y surrealista, un giro mágico de la trama y personajes extraños. En estas obras se puede sentir la huella de Hoffmann, pero refractada a través de la realidad rusa. Como en Alemania, la música rusa de este período estuvo estrechamente relacionada con la literatura. Esto se puede ver en el ejemplo del trabajo de V.F. Odoevsky (1804 - 1869), que triunfó en ambas áreas.
Generalmente, era romantica produjo toda una galaxia de compositores destacados. Estos son P. I. Tchaikovsky (1840 - 1893), A. A. Alyabyev (1787 - 1851), A. P. Borodin (1833 - 1887), M. I. Glinka (1804 - 1857), A. S. Dargomyzhsky (1813 - 1869), M.P. Mussorgsky (1839 - 1881), M. A. Balakirev (1837 - 1910), N. A. Rimsky-Korsakov (1844 - 1908), A. N. Scriabin (1872 - 1915), Ts.A.
Cui (1835 - 1915), S.V.
Rajmáninov (1873 - 1943). Por supuesto, la mayoría de los compositores enumerados eran sólo románticos. Hicieron una gran contribución al desarrollo del realismo en la cultura rusa, pero ciertos períodos de su obra cayeron en el escenario del romanticismo.
El exponente de la idea rusa en la música fue M.I. Glinka. Su aparición en la cultura musical rusa la obligó a tomar un camino diferente. En su obra logró combinar las tradiciones nacionales europeas y rusas. El período romántico de la creatividad de M.I. Los de Glinka son hermosos romances llenos de armonía, lirismo y pasión, perfectos en forma y contenido.
En primer lugar, intentaron reactivar el interés por el arte popular ruso. Dando gran importancia a la originalidad nacional de la música, creían con razón que ésta sólo podría lograrse si el compositor recurría a los orígenes de las canciones populares. Cualquiera que haya crecido únicamente con composiciones de salón, incluso las mejores, no podrá crear nada que valga la pena. Hasta ahora, creían los miembros del círculo de Balakirev, la música profesional, con raras excepciones (es decir, M.I. Glinka, 1804 - 1857), estaba lejos del arte popular. Según los kuchkistas, el compositor está obligado a imbuirse del espíritu de la música folclórica. Por tanto, el romanticismo ruso es el arte nacional ruso.
5. Conclusión.
Una visión nueva y romántica del mundo en el arte europeo de finales de los siglos XVIII y XIX. En el romanticismo mundo cotidiano adyacente al mundo fantástico, donde corre el héroe dramático, con la esperanza de escapar de la vida cotidiana. Los románticos creían que el arte es uno; La poesía y la música están especialmente cerca. La música es capaz de "volver a contar" el pensamiento del poeta, de pintar la imagen de un héroe literario, y la poesía a menudo sorprende por su musicalidad. La tendencia del nuevo arte también se reflejó en la obra de los grandes compositores románticos.
El romanticismo musical tenía sus propios héroes, sus propios temas, sus propios principios estéticos y su lenguaje artístico. Su objetivo era la forma libre, no limitada por fronteras de género o tipo. El romanticismo musical existió durante mucho tiempo y dio ricos frutos.
Sin embargo, ha llegado el momento de su crisis. Esto sucedió en un momento en que la llegada del siglo XX, con sus tendencias peculiares, comenzó a destruir los ideales del romanticismo. Y aunque finalmente fue reemplazado por el modernismo, el romanticismo no se hundió en la eternidad y sus tradiciones continuaron viviendo en el arte del nuevo siglo e incluso en nuestros tiempos modernos.
6. Lista de referencias.
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3. Gordeeva E.M. Grupo poderoso/E.M. Gordeeva. - M.: Música. - 270 s.
4. Solovtsov A.A. Federico Chopin. Vida y arte. - Editorial Estatal de Música/A.A. Solovtsov. - Moscú, 1960. - 504 p.
La música ocupó un lugar especial en la estética del romanticismo. Fue declarado modelo y norma para todos los ámbitos del arte, ya que, por su especificidad, es capaz de expresar de la forma más plena los movimientos del alma.“La música comienza cuando terminan las palabras” (G. Heine).
El romanticismo musical como movimiento surgió en sus inicios.XIXsiglo y se desarrolló en estrecha conexión con diversos movimientos de la literatura, la pintura y el teatro. Primera etapa el romanticismo musical está representado por las obras de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; la etapa posterior (1830-50): obra de F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi. El romanticismo tardío se extiende hasta el finalXIXsiglo. Así, si en la literatura y en la pintura el movimiento romántico básicamente completa su desarrollo a mediadosXIXsiglo, entonces la vida del romanticismo musical en Europa es mucho más larga.
En el romanticismo musical, así como en otras formas de arte y literatura, la oposición del mundo de los ideales bellos e inalcanzables y la vida cotidiana, impregnada del espíritu del filisteísmo y el filisteísmo, dio lugar, por un lado, a un conflicto dramático, el predominio de motivos trágicos de soledad, desesperanza, deambulación, etc., por otro lado, la idealización y poetización del pasado lejano, la vida popular y la naturaleza. Haciendo eco con estado mental Hombre, la naturaleza en las obras de los románticos suele estar teñida de un sentimiento de falta de armonía.
Como otros románticos, los músicos estaban convencidos de que los sentimientos constituyen una capa más profunda del alma que la razón:“La mente se extravía, los sentimientos nunca” (R.Schumann).
El especial interés por la personalidad humana inherente a la música romántica se expresó en el predominio en ella.tono personal . La revelación de un drama personal a menudo adquiría la connotación deautobiográfico, quien aportó especial sinceridad a la música. Por ejemplo, muchas de las obras para piano de Schumann están relacionadas con la historia de su amor por Clara Wieck. Berlioz escribió la autobiográfica Sinfonía fantástica. Wagner destacó de todas las formas posibles el carácter autobiográfico de sus óperas.
Muy a menudo entrelazado con el tema de la “confesión lírica”.tema de la naturaleza .
Un verdadero descubrimiento de los compositores románticos fuetema de fantasía. Por primera vez, la música aprendió a encarnar imágenes fabulosas y fantásticas a través de medios puramente musicales. en óperasXVII - XVIIIDurante siglos, personajes "sobrenaturales" (como la Reina de la Noche de "La flauta mágica" de Mozart) hablaban en un lenguaje musical "generalmente aceptado", destacando poco del contexto de las personas reales. Los compositores románticos aprendieron a transmitir mundo de fantasía como algo completamente específico (usando colores orquestales y armónicos inusuales). Un ejemplo sorprendente es la "Escena en Wolf Gorge" en "The Magic Shooter" de Weber.
Si XVIIIEl siglo fue la era de los virtuosos improvisadores de tipo universal, igualmente competentes en cantar, componer y tocar varios instrumentos, luegoXIXEl siglo fue una época de pasión sin precedentes por el arte de los pianistas virtuosos (K.M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, J. Brahms).
La era del romanticismo cambió por completo la “geografía musical del mundo”. Bajo la influencia del despertar activo. identidad nacional pueblos de Europa, jóvenes escuelas de composición de Rusia, Polonia, Hungría, República Checa y Noruega han entrado en el ámbito musical internacional. Compositores de estos países, que encarnan las imágenes de la literatura nacional, la historia, naturaleza nativa, se basó en las entonaciones y ritmos del folclore nativo.
EN el grado más alto Una característica del romanticismo musical es el interés porarte popular . Como los poetas románticos, que a través del folclore enriquecieron y actualizaron lenguaje literario, los músicos recurrieron ampliamente al folclore nacional. Canciones folk, baladas, epopeyas (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, J. Brahms, B. Smetana, E. Grieg, etc.). Encarnando imágenes de la literatura nacional, la historia y la naturaleza nativa, se basaron en las entonaciones y ritmos del folclore nacional y revivieron antiguos modos diatónicos.Bajo la influencia del folclore, el contenido de la música europea se transformó dramáticamente.
Nuevos temas e imágenes requirieron el desarrollo de los románticos.nuevos medios del lenguaje musical y principios de construcción de formas, individualización de la melodía e introducción de entonaciones del habla, expansión del timbre y paleta armónica de la música (trastes naturales, comparaciones coloridas de mayor y menor, etc.).
Dado que los románticos ya no se centran en la humanidad en su conjunto, sino en una persona específica con su sentimiento único, en consecuenciay en los medios de expresión, lo general va dando paso cada vez más a lo individual, a lo individualmente único. La proporción de entonaciones generalizadas en la melodía, progresiones de acordes de uso común en armonía, patrones típicos en la textura disminuye: todos estos medios están individualizados. En la orquestación, el principio de los grupos conjuntos dio paso a los solos de casi todas las voces orquestales.
El punto más importanteestética El romanticismo musical fueidea de síntesis del arte , que encontró su expresión más llamativa en creatividad operística Wagner yprograma de musica Berlioz, Schumann, Liszt.
Géneros musicales en las obras de compositores románticos.
En la música romántica emergen claramente tres grupos de géneros:
- géneros que ocuparon un lugar subordinado en el arte del clasicismo (principalmente canción y miniatura para piano);
- géneros adoptados por los románticos de la época anterior (ópera, oratorio, ciclo sonata-sinfónico, obertura);
- Géneros poéticos libres (baladas, fantasías, rapsodias, poemas sinfónicos). El interés por ellos se explica por el deseo de los compositores románticos de libre expresión y de transformación gradual de las imágenes.
En la cultura musical el romanticismo pasa a primer plano.canción como el género más adecuado para expresar los pensamientos más íntimos del artista (mientras que en el trabajo profesional de los compositoresXVIIIDurante siglos, a la canción lírica se le asignó un papel modesto: sirvió principalmente para llenar el tiempo libre). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg y otros trabajaron en el campo de la canción.
Un típico compositor romántico crea de forma muy directa, espontánea, a instancias de su corazón. La comprensión romántica del mundo no es una aceptación filosófica consistente de la realidad, sino un registro instantáneo de todo lo que tocó el alma del artista. En este sentido, el género floreció en la era del romanticismo.miniaturas (independiente o combinado con otras miniaturas en un ciclo). Esto no es solo una canción y un romance, sino también composiciones instrumentales.momentos musicales, improvisados, preludios, estudios, nocturnos, valses, mazurcas (debido a la dependencia del arte popular).
Muchos géneros románticos deben su origen a la poesía y sus formas poéticas. Son sonetos, canciones sin letra, cuentos, baladas.
Una de las ideas principales de la estética romántica, la idea de una síntesis de las artes, naturalmente puso el problema de la ópera en el centro de atención. Casi todos los compositores románticos recurrieron al género operístico, con raras excepciones (Brahms).
El tono de expresión personal y confidencial inherente al romanticismo transforma por completo géneros clásicos sinfonías, sonatas, cuartetos. Ellos recibieronInterpretación psicológica y lírico-dramática. El contenido de muchas obras románticas está relacionado consoftware (Ciclos de piano de Schumann, "Años de andanzas" de Liszt, sinfonías de Berlioz, oberturas de Mendelssohn).