¿Qué es el solfeo? En un sentido amplio, solfeo - Este cantando de notas , cantar y nombrar notas. Por cierto, la palabra solfeo se forma añadiendo los nombres de las notas. sal y fa, por eso esta palabra suena tan musical. En un sentido más estricto, solfeo - Este disciplina académica que se estudia en escuelas de música, colegios y conservatorios.
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Por cierto, se lanzarán muy pronto. una serie de lecciones en vídeo sobre los conceptos básicos de la alfabetización musical y el solfeo, que se distribuirá de forma gratuita, pero sólo por primera vez y únicamente entre los visitantes de este sitio. Por tanto, si no quieres perderte esta serie... Suscríbete a nuestra newsletter ahora mismo(formulario en el lado izquierdo), para recibir una invitación personal para estas lecciones.
Al final, un regalo musical. Hoy escucharemos a Yegor Strelnikov, un gran intérprete de guslar. Cantará “Cossack Lullaby” basada en poemas de M.I. Lermontov (música de Maxim Gavrilenko).
E. Strelnikov "Canción de cuna cosaca" (poemas de M.I. Lermontov)
El solfeo se puede definir en términos generales como cantar a partir de notas. Por cierto, vale la pena señalar que esta palabra se forma sumando los nombres de dos notas: G y F, por eso suena tan musical. ¿Por qué son necesarias las clases de solfeo en las escuelas? En primer lugar, para la educación. oído musical, para entrenarlo desde una simple habilidad hasta una poderosa herramienta profesional. ¿Cómo se convierte la audición ordinaria en audición musical?- con la ayuda de prácticas y ejercicios especiales - esto es exactamente lo que hacen en solfeo.
Los padres cuyos hijos asisten a una escuela de música suelen plantear la pregunta de qué es el solfeo. Desafortunadamente, no todos los niños están encantados con las lecciones de solfeo (esto es natural: los niños suelen asociar esta materia con las lecciones de matemáticas en las escuelas secundarias). Dado que el proceso de aprendizaje del solfeo es muy intensivo, los padres deben controlar la asistencia de sus hijos a esta lección.
A diferencia de otras disciplinas musicales, el resultado práctico de un curso de solfeo no se nota tan claramente. Resultado de la lección piano o voz visible casi de inmediato - esto capacidad para tocar el piano o cantar. El resultado del curso. solfeo No es tan obvio, ya que el contenido de este tema es muy multifacético. El solfeo generalmente desarrolla muchas habilidades musicales: oído para la música, sentido del ritmo, memoria, lo que ayuda a dominar a los demás. artículos musicales. También en solfeo estudian los fundamentos de la teoría musical.
Pero además de esto, el resultado del curso de solfeo son varias habilidades muy necesarias, prácticas y aplicables en la vida.
Entonces, ¿qué habilidades se pueden y se deben adquirir como resultado de un curso de solfeo?
1)La capacidad de cantar limpiamente cualquier melodía a la vista.. Una habilidad muy útil para la vida, una vez dominada podrás cantar la melodía de cualquier canción de la colección musical. Y la capacidad de cantar con claridad en sí misma le brindará placer a usted y a quienes lo rodean.
2) La capacidad de imaginar mentalmente, seleccionar un instrumento y escribir con notas correctas cualquier melodía escuchada. En el curso de solfeo, este tipo de actividad se denomina dictado musical. ¿Realmente una habilidad útil? Tan pronto como escuchamos una hermosa melodía, inmediatamente pudimos captarla en el instrumento.
3) La capacidad de seleccionar y tocar un acompañamiento para cualquier melodía. Creo que nadie duda de la utilidad de este punto; por cierto, los estudiantes piden que se les enseñe esto con especial frecuencia.
teoría musical, solfeo Y notación musical- Estos son conceptos similares, pero también tienen diferencias significativas.
La teoría musical y la notación son una teoría, mientras que El solfeo es una práctica..
El solfeo se puede describir como:
- disciplina académica diseñada para desarrollar oído musical Y memoria musical, incluido solfeo (solmización),dictado musical, prueba de escucha.
- colecciones de ejercicios para solfeo o análisis de escucha de una o varias voces;
- especial ejercicios vocales para el desarrollo de la voz, también llamado vocalizaciones;
Como cualquier materia, el solfeo implica primero pasar por la parte teórica, sin embargo, en las escuelas de música la teoría es inseparable de la práctica, por lo que, poco después de estudiar notación musical, comienza la parte práctica. aprender y cantar escalas, y también actuaciones y ejercicios de dirección.
Al cantar una melodía en solfeo, se llama cada nota. Los ejercicios de solfeo están organizados en una colección con una transición gradual de más fácil a más difícil. Solfeo está escrito en todos. importante Y menor llaves y en todas las tonalidades para diferentes voces, tanto femeninas como masculinas. Se escriben principalmente solfeos a una sola voz, pero los hay a dos y tres voces, cuyo objetivo es enseñar al cantante a cantar su parte de forma independiente, sin confundirse por la interpretación de otras partes por otras voces.
En los conservatorios se presta especial atención al solfeo como la forma más segura de desarrollar la audición y la capacidad de leer notación musical de forma rápida y sin errores.
Muchos padres se topan con el solfeo por primera vez cuando sus hijos ingresan a una escuela de música. Y, por supuesto, las madres y los padres modernos que se esfuerzan activamente por ayudar a sus hijos, pero que no tienen una educación musical, quieren descubrir cuál es este tema. Hablamos del contenido de esta difícil disciplina.
Sobre la parte teórica de las clases.
El solfeo consta de teorico y practico regiones.
La parte teórica es conceptos básicos de la alfabetización musical.
El caso es que el lenguaje musical, como cualquier otro, conlleva una variedad de estructuras. Entonces, en el idioma ruso estudiamos sonidos y letras, sílabas, palabras, frases, oraciones, signos de puntuación, el papel de las palabras en una oración... En un lenguaje musical, por analogía, estudiamos sonidos individuales, combinaciones de dos sonidos. (intervalos), de tres (acordes), de cuatro (acordes de séptima), pausas (signos de silencio), formas de las obras musicales, relaciones entre sonidos y acordes.
El conocimiento puramente musical incluye los modos mayor y menor (su encarnación visual son las escalas) y elementos más complejos.
Gran parte del lenguaje musical se mide con números.
Ya en la antigua Grecia, Pitágoras utilizó cálculos para encontrar hermosas combinaciones de sonidos y calculó la escala musical natural (arco iris de sonidos). La música conserva su conexión con las matemáticas hasta el día de hoy.
Usando números, medimos distancias entre sonidos (intervalos), grados (números ordinales de sonidos en escalas), unidades rítmicas, compases de obras musicales y mucho más.
Sobre la parte práctica de las clases.
En primer lugar, desarrollamos activamente la audición: le enseñamos a reconocer esos mismos elementos. lenguaje musical, a partir del cual se compone la música.
En cada lección, la maestra pide un deseo a los niños al piano. acertijos musicales sobre el material tratado: reproduce sonidos individuales y se mueve desde la escala, combinaciones de dos, tres sonidos (intervalos y acordes), construye cadenas a partir de ellos.
La siguiente etapa es reproducción, es decir, cantar y tocar los mismos elementos musicales en el piano por parte de los propios alumnos.
no lo olvidemos habilidad gráfica- la capacidad de escribir estos elementos en un pentagrama musical. Y aquí hay un objetivo principal: aprender a ver todos los elementos tratados en las notas.
Así como en un libro aprendemos a ver palabras, así en un texto musical aprendemos a ver grupos de notas unidas según diferentes principios.
Esto ya es acrobacia aérea, más cerca del examen final.
Un tema de estudio aparte: ritmo. Así como el esqueleto sostiene nuestra carne, los sonidos se sustentan en una base rítmica.
Dominar la duración de notas y grupos rítmicos. De lo simple a lo elegante es uno de los principales objetivos de las lecciones de solfeo.
Los ritmos se aprenden contando, con la ayuda de sílabas especiales (ta, ti, tu) y simplemente golpeando y aplaudiendo.
También aprendemos a conducir– “encadenar” cualquier melodía en una escala de tiempo uniforme, representada con gestos claros.
Sobre el solfeo
Una de las formas de desarrollar todas las habilidades es el solfeo: cantar melodías con notas mientras se dirige. Por regla general, se trata de música folclórica de varios países y obras maestras clásicas.
En la escuela secundaria se añade la interpretación de música: la interpretación de canciones y romances con el propio acompañamiento. Por supuesto, para aquellos que ya conocen un poco el instrumento.
Se considera que la forma más elevada de consolidación de todas las habilidades es el dictado musical: una grabación de una melodía desconocida tocada por el profesor varias veces en el piano.
Los dictados suelen aprenderse de memoria; los niños los escriben en diferentes claves para memorizarlos.
También ahora es común en las escuelas una forma simplificada de grabar el dictado en cuadernos que ya están medio llenos.
A muchas personas les preocupa si en el solfeo les enseñan a seleccionar melodías y acordes. La selección de oído es una habilidad innata o el resultado de un serio entrenamiento en solfeo, cuando el oído ya reconoce esos mismos elementos del lenguaje musical, escuchado, cantado y grabado muchas veces.
Sobre la brecha entre teoría y práctica y qué hacer al respecto
Desafortunadamente, casi siempre existe una brecha entre el conocimiento del solfeo y su aplicación en la práctica. En primer lugar, el repertorio del juego en sí se selecciona en función del nivel técnico y de los objetivos artísticos del alumno, y no del programa de solfeo.
En segundo lugar, el solfeo escolar es difícil de dominar sin un piano, porque Sólo en este instrumento cada sonido puede verse como una clave específica..
Lo que se practica en solfeo en el piano es difícil o imposible de reproducir en la trompeta, la balalaika, la ocarina y algunos otros instrumentos. Esto crea dificultades adicionales para los niños.
Es por eso piano o incluso el más simple sintetizador necesario y te ayudará a la hora de hacer tu tarea.
Poco a poco, en la escuela secundaria, la brecha entre la especialidad y el solfeo disminuye cuando comienzan a aparecer conexiones interdisciplinarias internas.
Sobre el mayor problema
El principal problema que se presenta en la práctica es que los padres empiezan a realizar tareas para sus hijos. Estoy seguro de que entienden que no se puede comer por un niño. No puedes aprender a nadar para él. También es imposible aprender una pieza de instrumento... Pero puedes escribir una tarea en un cuaderno de solfeo. La pregunta es: ¿tiene esto algún significado aparte del momentáneo: obtener una buena nota? Por desgracia, a veces es simplemente el perfeccionismo de mamá (o incluso de papá) lo que lleva a los complejos de los niños: "Soy malo en eso, pero el de mamá es bueno, así que no lo haré..."
Sobre las principales cualidades que es importante que tenga un estudiante de una escuela de música
En general, aprender solfeo, como aprender a tocar un instrumento, como hacer crecer un árbol, es un proceso largo. Esta es la verdadera maduración musical. Y las etapas de este proceso a veces no son visibles en la superficie.
Las conexiones que surgen durante las clases se esconden en lo más profundo de nuestro cerebro. Pero con el cuidado adecuado, los frutos terminados nutrirán a una persona por el resto de su vida. Incluso si estos conocimientos no son necesarios en la profesión, será posible recuperarlos si es necesario.
¡Lo principal es no dejar nada incomprensible, tener paciencia, no perderse lecciones y mantenerse en contacto con el profesor!
Los estudiantes y graduados de escuelas de música tienen la idea de que el solfeo es una ciencia demasiado compleja que no todos pueden dominar. Muchos creen que no es necesario dominarlo en absoluto, ya que en la práctica el resultado no es tan evidente como en otras disciplinas musicales. Tales juicios están asociados con una comprensión insuficiente de qué es el solfeo y qué enseña, cómo aplicarlo en la vida.
El resultado de las lecciones sobre cómo tocar cualquier instrumento musical es inmediatamente visible: esta es la capacidad de tocar. El resultado de este curso no es nada obvio, aunque desarrolla habilidades musicales básicas: el sentido del ritmo y la memoria, lo que, a su vez, contribuye a un mejor dominio de otras materias musicales.
¿Qué es el solfeo?
La palabra "solfeo" es un término italiano y literalmente significa "cantar a partir de notas". Esta es una disciplina cuyo objetivo es desarrollar el oído musical en músicos y vocalistas. Es esto lo que le permite disfrutar plenamente del arte de los sonidos: componer e interpretar música.
Para cualquier cantante y músico es muy importante la percepción activa de los sonidos, que se puede desarrollar mediante lecciones de solfeo. No puedes reproducir música si no tocas las notas. La percepción activa es garantía de dominar nuevas habilidades en términos cortos. Por eso no se puede subestimar la importancia de las lecciones de solfeo para los aspirantes a cantantes y músicos.
¿Qué incluye esta disciplina musical?
Como cualquier disciplina, el solfeo incluye varias secciones importantes.
- Solfeo es un canto en el que se nombra cada nota. Es importante pronunciarlos correctamente entonacional y rítmicamente.
- Dictados musicales. El principio de su implementación es similar a escribir dictados en la escuela, solo que en lugar de letras es necesario grabar, el maestro toca una melodía (secuencia de sonidos), y los estudiantes escriben todo con notas, observando su tono y duración, como así como pausas musicales (pausas entre sonidos).
- Análisis auditivo. Es muy importante que todo músico pueda determinar de oído la naturaleza de la música que escucha, su modo, tempo, características rítmicas y estructura.
¿Qué habilidades se adquieren a través de las lecciones de solfeo?
Puedes comenzar directamente a estudiar esta disciplina solo después de dominarla, al menos por eso el solfeo para músicos y cantantes principiantes consiste en estudiar notas y otros signos musicales.
Las lecciones de solfeo te ayudan a dominar una habilidad tan importante como la capacidad de cantar cualquier melodía con claridad sin ensayo previo. Gracias a los dictados musicales se desarrolla la capacidad de imaginar mentalmente, seleccionar un instrumento y escribir correctamente las notas de una melodía escuchada. También puedes aprender una habilidad tan útil como la capacidad de seleccionar y tocar el acompañamiento de cualquier melodía.
¿Por qué el solfeo no es popular entre los principiantes?
Sin lugar a dudas, las lecciones de "cantar a partir de notas" dan excelentes resultados, pero esta disciplina no es particularmente popular entre los músicos principiantes. Puede haber varias razones para esto.
En primer lugar, no todo el mundo comprende qué es el solfeo y qué importantes habilidades se pueden adquirir en el proceso de aprendizaje de esta disciplina musical.
En segundo lugar, es necesario hacer ejercicios especiales con regularidad y durante mucho tiempo antes de poder lograr resultados notables, y no todos los estudiantes tienen la paciencia.
La tercera razón son las características del programa en esta disciplina musical. Está enfocado a la formación de cantantes y músicos profesionales. Por lo tanto, las clases no se limitan a dictados y canto a primera vista. Construcción y canto de escalas, acordes a partir de notas determinadas, intervalos, tonalidades, tríadas, monofonía: el solfeo estudia muchos conceptos de los que ningún músico profesional puede prescindir.
¿Los guitarristas necesitan “cantar por notas”?
Por supuesto, puedes enseñarle a una persona a tocar la guitarra sin conocer las notas. Sin embargo, las clases de solfeo ayudarán a intensificar el proceso de comprensión profunda y conciencia de la música. ¿Cómo entender qué es el solfeo en la guitarra? Se trata, ante todo, de la formación en la mente del músico de patrones estables de diversas combinaciones de sonidos que, a medida que aprenda, serán cada vez más fáciles de usar, mezclarlos y tener la oportunidad de escribir nueva música.
El solfeo forma en el guitarrista una visión del mástil completamente nueva y de mayor calidad, lo que le permite percibir de manera diferente el proceso de escribir nuevas composiciones musicales, partes solistas y acompañamientos. La forma de tocar de los jóvenes guitarristas que no han estudiado solfeo se vuelve unilateral y primitiva. Es prácticamente imposible volver a capacitar a estos músicos y su técnica de ejecución es inelástica.
¿Necesitas un profesor a la hora de enseñar?
Está claro que el componente principal del solfeo son las notas. Parece que puedes aprender la designación de las notas, su duración, claves y tamaño por tu cuenta. Sin embargo, no todo es tan simple como parece: el control es necesario en todo, especialmente en las etapas iniciales del entrenamiento.
Por supuesto, gracias a los modernos programas informáticos, puedes aprender lecciones de solfeo en casa, pero el control en vivo será mucho más efectivo, ya que una persona, a diferencia de una máquina, puede empatizar, sentir y disfrutar de la melodía.
Comprender qué es el solfeo y por qué es necesario es un punto muy importante para todo cantante y músico. Después de todo, el solfeo no son solo clases aburridas, es un conjunto completo de conocimientos y habilidades específicos, llevados al punto del automatismo, que le permiten crear sus propias obras maestras musicales brillantes.
Introducción
El solfeo (la capacidad de leer música, el dominio de la notación musical) es una disciplina básica en la enseñanza en una escuela de música para niños. Las lecciones de solfeo desarrollan una serie de habilidades necesarias para un futuro músico: oído musical, capacidad de entonación correcta, capacidad de determinar la métrica, el ritmo y el tempo de una pieza en particular, etc. El solfeo como asignatura está directamente relacionado con todas las disciplinas que se incluyen en el curso de la Escuela de Música Infantil, incluida la especialidad.
La formación en solfeo comienza desde el primer año de admisión del niño en la escuela de música infantil y va en paralelo con la formación en otras disciplinas musicales, tanto teóricas como prácticas. Al mismo tiempo, aprender solfeo a veces resulta ser un “obstáculo” para un niño, provocando ciertas dificultades de comprensión y asimilación, lo que se debe igualmente a las peculiaridades del solfeo como disciplina académica, que se caracteriza por la precisión en la formulación. , la abstracción y otras características que la hacen similar a las ciencias exactas (por ejemplo, las matemáticas), que también causan una serie de dificultades a los estudiantes, y la psicología específica y la fisiología relacionada con la edad de los niños en edad preescolar mayores y los escolares más jóvenes (pensamiento lógico insuficientemente desarrollado , etc.). La enseñanza de la alfabetización musical tiene muchas similitudes con la enseñanza de tipos básicos de actividad del habla en una lengua extranjera.
Los métodos modernos de enseñanza del solfeo tienen como objetivo principalmente ayudar al alumno a superar las dificultades que surgen durante el proceso de aprendizaje, tanto de carácter puramente metodológico como psicofisiológico. Gracias al enfoque sincrético que domina los métodos modernos de enseñanza del solfeo, el proceso de aprendizaje implica varias áreas Actividad psicofísica y espiritual del alumno.
ObjetoLa investigación de este trabajo es una metodología para la enseñanza de la notación musical a estudiantes de primaria de escuelas infantiles de música.
tema de trabajo- habilidades necesarias para que un músico domine los elementos básicos del lenguaje musical y su reflejo en los libros de texto para las clases inferiores de las escuelas de música para niños.
ObjetivoEste trabajo es un análisis comparativo de varios métodos de enseñanza de la alfabetización musical en las clases inferiores de las escuelas de música para niños. En relación con este objetivo, en el trabajo se establece lo siguiente: tareas:
análisis de los principales aspectos del solfeo como disciplina académica;
análisis de las características de la psicología de los niños de primaria relacionadas con la edad;
selección de métodos para análisis comparativo;
análisis de ejercicios destinados a que los estudiantes dominen los elementos básicos del lenguaje musical en los libros de texto seleccionados para comparar;
análisis de ejercicios destinados a entrenar y consolidar las habilidades de solfeo, redacción de dictados musicales, etc., en libros de texto comparables;
Análisis de juegos y tareas creativas en material didáctico comparado.
Pertinenciade este trabajo se explica por el hecho de que en mundo moderno Se reconoce la importancia de dominar los conceptos básicos de la alfabetización musical, las habilidades para escuchar música y comprender el lenguaje musical para la formación de un desarrollo armonioso. personalidad humana. Poco a poco, disciplinas como el solfeo, la armonía e incluso la interpretación de instrumentos musicales (por ejemplo, flautas dulces) están traspasando los límites de los programas de las escuelas de música y se están introduciendo en los programas de las escuelas de educación general (aún especializadas, pero en las que se imparte educación musical). no es mayor). Al mismo tiempo, es obvio que en una escuela de música, el grado de éxito en el dominio de la alfabetización musical por parte de un estudiante depende del grado de éxito en la aprobación de otras disciplinas previstas por el programa (en primer lugar, es necesario dominar la notación musical). para clases de la especialidad, en las que el niño aprende a trabajar con el texto de una obra musical).
Importancia teóricaLa idea del trabajo es que sus resultados puedan utilizarse para mejorar la técnica de enseñanza de la notación musical en las clases inferiores de las escuelas de música infantiles, lo que puede ayudar a optimizar todo el proceso educativo.
Importancia prácticade este trabajo es que sus resultados pueden utilizarse tanto en la enseñanza de un curso de solfeo en una escuela de música, como en la enseñanza de alfabetización musical o los fundamentos de la teoría musical en escuelas “no musicales”. instituciones educativas(escuela de arte, escuela desarrollo creativo, Escuela secundaria).
El trabajo consta de una introducción, tres capítulos y una conclusión. La introducción expone los principales problemas analizados en el trabajo. El primer capítulo está dedicado a los aspectos teóricos y psicológico-pedagógicos generales de la enseñanza del solfeo, así como a los principales aspectos del solfeo como disciplina. El segundo capítulo examina los componentes principales de una lección de solfeo. El tercer capítulo está dedicado a un análisis comparativo de dos importantes libros de texto sobre solfeo para estudiantes de 1º a 2º grado ("Solfegio" de A.V. Baraboshkina y "Tocamos, componemos y cantamos" de J. Metallidi y A. Pertsovskaya), escritos en diferentes tiempos y basado en diversas técnicas.
1. Enseñanza de solfeo en escuelas de música infantiles: características comunes
.1 Solfeo: contenido del concepto. La conexión entre el solfeo y otras disciplinas de la escuela de música infantil.
El concepto mismo de “solfeo” como disciplina académica en un curso de escuela de música para niños puede interpretarse en un sentido amplio y estricto. Solfeo en el sentido estricto de la palabra es la capacidad de leer música, dominio de la notación musical. Al mismo tiempo, el programa de solfeo en una escuela de música para niños (una "escuela de música para niños" en este caso puede entenderse como cualquier institución de educación musical primaria, incluso para estudiantes adultos) incluye introducir a los estudiantes en los conceptos básicos de la teoría musical (modo , tríada, sonidos estables e inestables, escalas, acompañamiento, etc.).
Existen 4 formas principales de trabajo en la metodología de enseñanza del solfeo:
) ejercicios de entonación-audición, en los que el alumno reproduce con su voz lo que escucha con su oído interno;
) análisis de oído de la música percibida o de sus elementos individuales, o conciencia de lo que escucha el alumno;
) canto a partir de notas, que incluye tanto el canto a partir de notas de melodías aprendidas como la lectura a primera vista;
) dictado musical, es decir, una grabación independiente de una obra musical (o cualquier parte de ella), realizada específicamente para grabar o sonar en la memoria.
Todas estas formas, que realizan la misma tarea, están interconectadas y se complementan entre sí. Los dos últimos son especialmente importantes: cantar a partir de notas y dictado musical.
La principal tarea a la que se enfrentan quienes ingresan a una escuela de música es aprender a tocar un instrumento musical. Aprender a tocar un instrumento en las escuelas de música para niños desde las primeras lecciones está relacionado con el estudio de la notación musical y, en ocasiones, las particularidades de tocar un instrumento obligan al alumno a estar algo por delante del curso de solfeo que se imparte en año dado capacitación. Por lo tanto, las particularidades de aprender a tocar instrumentos de registro bajo (violonchelo, clarinete) desde las primeras lecciones requieren dominar momentos tan difíciles para un estudiante, especialmente el primer año de estudio, como la clave de fa o las notas en las líneas adicionales inferiores. ; Los ejercicios de producción de sonido en la etapa inicial a menudo se escriben utilizando notas completas, mientras que, según algunos libros de texto, las notas completas se tratan un poco más adelante en el curso de solfeo.
Los estudiantes también practican las habilidades de cantar a partir de notas, entonación y tocar melodías de oído en las clases de coro. Asimismo, es en el coro donde se inicia la formación a dos voces, que ocupa un lugar imprescindible en el programa de formación del solfeo. Al mismo tiempo, el canto de intervalos y tríadas (incluso en un determinado ritmo) en las lecciones de solfeo desarrolla la voz de los estudiantes y desarrolla las habilidades de entonación correcta necesarias para el canto coral. En los niños de 6 a 7 años, las cuerdas vocales aún no están lo suficientemente desarrolladas y, por lo tanto, incluso con oído musical, el niño no siempre puede reproducir correctamente las notas con su voz; en las lecciones de solfeo, adquiere gradualmente esta habilidad y también (especialmente cuando canta intervalos e inversiones de tríadas) amplía el rango de su voz (que es relativamente pequeño para un niño de 6 a 7 años; por lo tanto, para cantar ejercicios en En los libros de texto de solfeo, el estudiante debe tener un rango desde “si” o incluso “a” de la octava pequeña hasta “mi” de la segunda).
En la etapa inicial de formación en las escuelas de música para niños no existe una asignatura llamada literatura musical; se reemplaza por la escucha periódica de música, que ocurre precisamente durante las lecciones de solfeo. Aunque en el curso de las escuelas de música para adultos (formación de 5 años), la literatura musical está presente desde el primer año de estudio, e incluso existen libros de texto de solfeo basados en el material del curso de literatura musical (por ejemplo). Al mismo tiempo, la enseñanza de literatura musical en los grados superiores de las escuelas de música para niños es imposible sin las habilidades adquiridas en el curso de solfeo, por ejemplo, cantar a partir de notas (incluso visuales) o descifrar la notación musical mediante el oído interno.
Finalmente, muchas habilidades de solfeo se refuerzan en la práctica en las disciplinas estudiadas en la escuela secundaria: teoría elemental, armonía, análisis.
Así, todas las materias incluidas en el curso de la Escuela de Música Infantil están relacionadas con el solfeo, y el programa de solfeo, por un lado, ayuda a dominar otras disciplinas, por otro lado, se basa en estas disciplinas.
2 Aspecto psicológico de la enseñanza del solfeo: características de la psicología y el pensamiento infantil y su impacto en el proceso de aprendizaje
Como regla general, los niños ingresan a las escuelas de música para niños a la misma edad en que van a la escuela secundaria, de 6 a 7 años, aunque la admisión al primer grado del departamento de viento (debido a las características específicas de tocar estos instrumentos, que requiere mayor entrenamiento físico) se realiza entre los 9 y 10 años. Este grupo de edad tiene sus propias características psicofisiológicas que inciden en las particularidades del proceso de aprendizaje.
El pensamiento de un niño se desarrolla en el proceso de crianza; En el desarrollo del pensamiento, la familia juega un papel importante (y quizás incluso primario). Detalles de senior up edad escolar relacionado con el llamado problema preparación para la escuela: requisitos para que el niño tenga una serie de habilidades y destrezas, incl. pensamiento. No importa la preparación general del niño para la escuela, para una actividad física y mental deliberada. último papel y cuando estudian en escuelas de música para niños.
El solfeo como disciplina teórica está asociado a la formación del pensamiento abstracto, la capacidad de operar con conceptos abstractos cercanos a funciones matemáticas (tónica, dominante, de intervalo, etc.), lo que no siempre es posible para los escolares más jóvenes debido a las características de edad de su psique y su intelecto. Además, enseñar solfeo en algunos puntos puede equipararse a enseñar tipos de actividad del habla: leer (leer notas), hablar (cantar con notas), escuchar (escuchar y reproducir con precisión lo que se escucha) y escribir (la capacidad de escribir notas). Ciertas dificultades también pueden deberse al hecho de que muchos estudiantes de primer grado de las escuelas de música para niños (también son estudiantes de primer grado de una escuela integral) aún no saben leer ni escribir en letras alfabéticas comunes. Además, sucede que un niño con talento musical puede sufrir trastornos de ciertos tipos de actividad del habla (dislexia, disgrafía), y al aprender a leer música se enfrenta a los mismos problemas que al aprender a escribir o leer.
Para un desarrollo normal, los niños necesitan comprender que hay determinados signos (dibujos, dibujos, letras o números) que parecen sustituir a los objetos reales. Poco a poco, estos dibujos se vuelven cada vez más convencionales, ya que los niños, al memorizar este principio, ya pueden, por así decirlo, dibujar estas designaciones (palos, diagramas) en su mente, en su conciencia, es decir, tienen una función de signo de conciencia. . La presencia de estos soportes internos, signos de objetos reales, permite a los niños resolver mentalmente problemas bastante complejos, mejorar la memoria y la atención, lo cual es necesario para el éxito de las actividades educativas. El alumno necesita ser capaz de comprender y aceptar la tarea del profesor, subordinando a él sus deseos e impulsos inmediatos. Para ello, es necesario que el niño pueda concentrarse en las instrucciones que recibe del adulto.
El desarrollo motor a menudo se considera uno de los componentes de la preparación física de un niño para la escuela, pero también es de gran importancia para la preparación psicológica. De hecho, los músculos de la mano deben ser lo suficientemente fuertes, la motricidad fina debe estar bien desarrollada para que el niño pueda sostener correctamente el bolígrafo y el lápiz y no cansarse tan rápidamente al escribir. También debe haber desarrollado la capacidad de examinar cuidadosamente un objeto, una imagen y resaltar sus detalles individuales. Es necesario prestar atención no a los movimientos individuales de las manos o de los ojos, sino a su coordinación entre sí, es decir, a la coordinación visomotora, que también es uno de los componentes (ya el último) preparación escolar. En el proceso de estudio, un niño a menudo necesita mirar simultáneamente un objeto (por ejemplo, una pizarra) y copiar o copiar lo que está estudiando. en este momento está considerando. Por eso son tan importantes las acciones coordinadas del ojo y la mano; es importante que los dedos parezcan escuchar la información que les da el ojo;
Y YO. Kaplunovich cree que para cada persona, dependiendo del sexo, la edad y características individuales, predomina una de las cinco subestructuras del pensamiento, que se establecen en la infancia. Entonces, las niñas tienen más desarrollo. topológico(centrándose en las propiedades de coherencia, aislamiento, compacidad de un objeto; los portadores de este tipo de pensamiento no tienen prisa y se esfuerzan por lograr la coherencia en las acciones) y ordinal(caracterizado por el cumplimiento de normas, reglas, lógica) tipos de pensamiento, en los niños - descriptivo(concentrarse en - posible aplicación uno u otro tema) y compositivo(la atención se centra en la posición del objeto en relación con otros en el espacio) ; métrico(centrarse en la cantidad de objetos) es característico de los niños de ambos sexos.
En la edad preescolar y primaria, podemos encontrar los rudimentos del desarrollo del pensamiento verbal y lógico. Prueba de ello son los datos sobre el nivel de su desarrollo en la edad preescolar. Si la interpretación de la trama por parte de los niños no causa ninguna dificultad particular para la gran mayoría de los niños, entonces la capacidad de generalizar se vuelve prácticamente accesible solo a la edad de seis años. Se observan dinámicas positivas en el desarrollo de las habilidades micromotoras, la percepción visual y la memoria, el pensamiento verbal y lógico. Las dinámicas positivas espasmódicas son características del desarrollo de la actividad visual-constructiva y del pensamiento espacial. No existe dinámica en el desarrollo de la percepción auditiva y táctil, así como de la memoria auditivo-verbal. Sin embargo, por regla general, los escolares más jóvenes ya han desarrollado la motricidad fina, las funciones cognitivas y las funciones de la memoria, pero persisten bajas tasas de desarrollo de la memoria verbal auditiva a corto plazo y de la memoria visual a corto plazo poco desarrollada.
Todas estas características deben tenerse en cuenta a la hora de enseñar solfeo, en cuyo proceso de enseñanza se pone especial énfasis en la motricidad y la memoria.
Momento de juego en la enseñanza.
Uno de los muy métodos efectivos enseñando a los niños edad más joven- juego: a través de un juego, por ejemplo, en kindergarten Se estudian lenguas extranjeras. Un juego es una acción sincrética (ver más abajo sobre sincretismo), implica actividad mental, acciones físicas y de habla (por ejemplo, en respuesta a una determinada orden del conductor (operación mental), es necesario practicar un determinado deporte o movimiento de danza(actividad física) y al mismo tiempo pronunciar un comentario especial). El aprendizaje del solfeo también se puede realizar a través del juego, a través del movimiento con la música (para una mejor asimilación, por ejemplo, del concepto de pulsación o ciertos patrones rítmicos; por ejemplo, en el manual de L. Abelyan, al presentar material con un ritmo complejo). por ejemplo, la canción de blues "River Cool" (se propone no solo cantar este texto a partir de notas, sino también bailarlo), a través de juegos en equipo (tipo clásico "quién es más grande" o "quién es mejor"). ”), juegos en los que se imita la actividad real de los músicos (orquestas de ruido, etc.)
Un niño pequeño aún no está preparado para el aprendizaje académico y teórico (lo que a veces es el problema de los programas escolares de educación general para los grados inferiores); Además, en el juego el niño puede realizar mejor su potencial creativo, cuyo desarrollo es tan importante en la enseñanza de la música (y no sólo: el niño necesitará la capacidad de pensar y actuar creativamente en los años siguientes). la vida cotidiana).
.3 Solfeo y formación de habilidades necesarias para un músico. El concepto de oído musical.
Las principales leyes de la estructura de una melodía son el modo, las relaciones tonales de los sonidos y su organización metro-rítmica. En su unidad determinan la idea principal de la melodía, sus rasgos expresivos. Por tanto, cuando se trabaja la conciencia auditiva de estos patrones, no se pueden separar unos de otros.
Se requiere que el profesor trabaje en todos estos patrones simultáneamente, manteniendo una estricta coherencia en su estudio.
Sensación de inquietud. Audiencia arquitectónica
Desde las primeras lecciones se debe enseñar a los estudiantes a considerar la melodía como una cierta conexión significativa de sonidos y a comprender su estructura (arquitectónica).
Al escuchar una melodía, el alumno debe determinar inmediatamente en qué modo está escrita. Como regla general, en la etapa inicial de la formación se dan mayor o menor natural o armónico; menor melódico ocurre con menos frecuencia, la armónica mayor aparece solo en la tercera edad; En algunos métodos experimentales, a los estudiantes se les presenta la escala pentatónica menor ya en las primeras lecciones, y la escala pentatónica mayor y los modos no clásicos se incluyen en el programa solo en los cursos superiores y no siempre. Los métodos para determinar el modo pueden ser muy diferentes: desde puramente intuitivos (se pide a los estudiantes que determinen si una determinada melodía o acorde suena "feliz" o "triste") hasta "académicos", asociados con distinguir de oído los intervalos que aparecen en un melodía o acorde.
A partir de las relaciones modales de los sonidos, de la sensación de giros estables e inestables, el alumno debe ser consciente de la melodía como un todo.
El estudiante debe ser capaz de comprender la estructura de la melodía, el número de construcciones, su modo y tonalidad (lo que ayuda al estudiante a especificar los sonidos de la melodía, por ejemplo, al grabar, en función de su significado modal). Al memorizar (o escribir) una melodía, el estudiante debe ser consciente de las conexiones modales dentro de la melodía y no perder la sensación de apoyo a los sonidos estables de la tonalidad (principalmente la tónica).
Audición melódica (tono, entonación)
No menos importante y estrechamente relacionada con el modo y la estructura es la conciencia de la dirección del movimiento de la melodía. Habiendo entendido la estructura de la melodía por construcción, el estudiante también debe imaginar la naturaleza del movimiento de los sonidos de la melodía: arriba, abajo, en un lugar, marcar los límites superior e inferior de la melodía y determinar el lugar de culminación. Al tomar conciencia de la línea melódica, los estudiantes podrán distinguir entre movimientos suaves y progresivos y “saltos” basados en escalas y relaciones modales, lo que les permitirá grabar series de sonidos o patrones de entonación. Esto es especialmente importante en las primeras etapas del entrenamiento, al registrar melodías simples.
Cultivar la atención a la línea de movimiento de la melodía también es de gran importancia para la futura conciencia de los intervalos (o más bien, la amplitud del paso del intervalo). El movimiento a través de intervalos debe ser el resultado de ejercicios de conciencia del movimiento a lo largo de los pasos de la escala y total claridad del diseño gráfico de la melodía. Se debe recurrir a la ayuda de intervalos en los casos en que durante un salto el valor modal del sonido superior no está claro y es necesario aclarar la amplitud del salto.
Las observaciones del desarrollo auditivo de los estudiantes muestran que los intervalos amplios se perciben con mayor precisión y se recuerdan más rápido que los estrechos. Quizás esto suceda porque en un intervalo amplio la diferencia en el sonido de cada sonido es mayor, más brillante y por lo tanto más fácil de percibir, mientras que en intervalos estrechos (segundos, tercios) esta diferencia es muy pequeña y se requiere una audición precisa para percibirla.
Por el momento, el principal problema de la metodología es la cuestión de la educación auditiva en relación con las nuevas entonaciones y características armónicas modal de la música moderna, mientras que los sistemas modales y escalonados se orientan hacia las obras clásicas (lo que conduce, como dicen los profesores, a la inercia de la audición). Por lo tanto, es necesario ampliar el material musical que se estudia en las lecciones de solfeo, y no sólo a expensas de la música folclórica (que a veces también termina en los libros de texto de solfeo después de procesarla y adaptarla a los movimientos melódicos clásicos, por ejemplo, la pentatónica mayor). la escala y los medidores variables están completamente excluidos del material de canciones rusas, etc.). Por tanto, existe un número suficiente de libros de texto sobre solfeo de jazz (pero están diseñados para estudiantes no menores de 3-4 grados, es decir, que ya tienen una formación musical básica); Además, durante las clases de su especialidad, desde el principio los niños interpretan obras de compositores del siglo XX (Bartok, Shostakovich, Myaskovsky, Prokofiev) (y los niños que estudian saxofón o clarinete aprenden a tocar jazz desde las primeras lecciones, lo que Esto se debe a las características específicas de sus instrumentos (cómo los guitarristas principiantes aprenden a tocar piezas en estilo flamenco bastante temprano, lo cual también está relacionado con las características específicas del instrumento).
Audición de timbre. Sensación de fonismo
Los timbres distinguen sonidos de la misma altura y volumen, pero ejecutados en diferentes instrumentos, por diferentes voces o en el mismo instrumento. de diferentes maneras, trazos.
El timbre está determinado por el material, la forma del vibrador, las condiciones de sus vibraciones, el resonador y la acústica de la habitación. En las características del timbre, los armónicos y su relación en altura y volumen son de gran importancia, los armónicos del ruido, el ataque (momento inicial del sonido), los formantes, el vibrato y otros factores.
Al percibir timbres, generalmente surgen varias asociaciones: la calidad tímbrica del sonido se compara con sensaciones visuales, táctiles, gustativas y de otro tipo de ciertos objetos o fenómenos (los sonidos son brillantes, brillantes, mate, cálidos, fríos, profundos, plenos, agudos, suaves , rico, jugoso, de metal, de cristal, etc.); Las definiciones auditivas reales (sonoras, sordas) se utilizan con menos frecuencia.
Aún no se ha desarrollado una tipología de timbre con base científica. Se ha establecido que la audición del timbre tiene un carácter zonal. 3 define las relaciones entre elementos sonido musical como fenómeno físico (frecuencia, intensidad, composición del sonido, duración) y sus cualidades musicales (tono, volumen, timbre, duración) como reflejos en la mente humana de estas propiedades físicas del sonido.
El timbre se utiliza como un medio importante de expresividad musical: con la ayuda del timbre, se puede resaltar uno u otro componente del todo musical, se pueden fortalecer o debilitar los contrastes; Los cambios en los timbres son uno de los factores de la dramaturgia musical.
Al aprender solfeo, es importante enseñar comprensión auditiva no sólo de melodías de una sola voz, sino también de consonancias (intervalos y acordes). La percepción de consonancias está asociada al siguiente fenómeno: audición armónica. En los estudiantes de la etapa inicial todavía está bastante poco desarrollado, pero ya en la etapa inicial es necesario introducir ejercicios destinados a entrenarlo.
Percepción del ritmo del compás.
Los métodos para comprender la organización metrorítmica de los sonidos durante la grabación representan un área específica de percepción y requieren técnicas especiales para la asimilación.
Las relaciones tonal y métrica-rítmica en una melodía son inseparables y sólo su combinación forma la lógica y el pensamiento de la melodía.
Muy a menudo, los estudiantes tienen 2 tipos de talento musical. El primer tipo incluye estudiantes que tienen buen oído para la entonación, que reaccionan bruscamente a las relaciones tonales, pero que tienen un sentido débil y poco claro de la organización metro-rítmica. El segundo tipo incluye estudiantes de naturaleza más consciente, pero con un oído para la entonación poco desarrollado. En primer lugar, sienten y se dan cuenta de la organización metrorítmica. Para ellos, los acentos métricos suelen estar asociados con cambios de tono.
La organización metrorítmica de una melodía es percibida por una persona no sólo a través del oído; Todo el cuerpo humano participa en su percepción. Las habilidades rítmicas en los humanos aparecen antes que la audición; también pueden manifestarse en movimiento con música (danza, plástica). Muchos géneros musicales influyen en los oyentes principalmente a través de su lado metro-rítmico; algunas fórmulas rítmicas constantes son el criterio principal para determinar el género musical (especialmente varios bailes). En música, el principio rítmico es un reflejo de los patrones rítmicos de la vida. Las habilidades rítmicas están asociadas con la psique humana (las personas equilibradas son más rítmicas que aquellas que ceden fácilmente a las fluctuaciones emocionales).
Una de las propiedades de un sonido musical es su duración. Una definición clara de la duración de un sonido, la relación entre las duraciones de los diferentes sonidos y la totalidad de todas las duraciones son un requisito previo para la organización de los sonidos en la música.
Al mismo tiempo, el sentido del ritmo es muy difícil de desarrollar y educar (por lo tanto, el "flagelo" de casi todos los intérpretes principiantes es la aceleración injustificada del ritmo de la obra durante la interpretación); Un error muy común entre los profesores es sustituir el ritmo por contar.
Es recomendable presentar cada nuevo patrón metrorítmico a los estudiantes principalmente desde su lado emocional. Debe aprenderse de oído, reproducirse mediante movimientos, palmas, en forma de solmización rítmica, realizarse con instrumentos de percusión accesibles, cantar sílabas con sonidos de la misma altura, pronunciar sílabas sin cantar ( ti-ti, ta, don, dilietc.). Luego el ritmo es asimilado en la grabación, durante la cual el profesor se asegura de que los alumnos finalmente comprendan la relación de los sonidos según su duración dentro de diferentes metros. Finalmente, el ritmo estudiado se incluye en melodías para canto de solfeo, con texto, de vista, en ejercicios creativos y dictado.
Un medio importante para desarrollar las habilidades métricos es la interpretación de música en conjunto (en la etapa inicial del aprendizaje, las orquestas de ruido, populares en los métodos modernos de enseñanza del solfeo, son especialmente útiles).
Audición interior. memoria musical
Una propiedad especial de la audición musical, basada en la imaginación y la representación, es la audición interna. La audición interna es secundaria, ya que se basa en la experiencia auditiva, en la información que recibió de la audición externa. Por eso, en los trabajos dedicados a la audición interior se presta mucha atención a la memoria musical como “depósito” de toda esta información. La audición interna puede actuar tanto de forma involuntaria como voluntaria. La audición interna ayuda a la hora de leer notas con los ojos, sin la participación de un instrumento (lo que puede ser útil no solo en las clases de disciplinas teóricas, sino también en el aprendizaje del repertorio de su especialidad).
Una de las formas más efectivas de desarrollar la audición interior es escuchar música con una partitura en la mano.
El desarrollo de la audición interna no es menos importante que un entrenamiento. memoria.La memoria musical es un componente necesario de la capacidad musical; Al mismo tiempo, la memoria musical por sí sola no puede garantizar el desarrollo de las habilidades musicales. En este caso, la memoria musical es sólo uno de los tipos de memoria, y las leyes generales de la memoria se aplican a su variedad musical.
La memoria consta de tres etapas: recordar, almacenar y reproducir. La memorización, como la percepción, tiene una cierta selectividad, que depende de la dirección del individuo. La memorización involuntaria de música es una parte integral de la musicalidad; sin embargo, para un músico principiante, lo más importante es el entrenamiento de la memorización voluntaria (consciente) asociada con el desarrollo de la inteligencia. Otra dirección a la hora de trabajar la memoria musical es la capacidad de utilizar diferentes tipos de memoria musical.
Se distinguen los siguientes tipos de memoria musical: auditivo(la base para la audición interna; le permite reconocer tanto obras completas como elementos individuales del discurso musical; importante no solo para los músicos, sino también para personas de otras profesiones), visual(la capacidad de memorizar un texto musical escrito y reproducirlo mentalmente mediante la audición interna; en la etapa inicial de aprendizaje suele estar muy poco desarrollado y, por tanto, requiere una atención especial); motor (motor) (también un movimiento de juego; importante en la práctica escénica; asociado no solo con los movimientos de los músculos del brazo, sino también con los movimientos de los músculos faciales (para los intérpretes de un instrumento de viento), músculos abdominales, aparato vocal (para vocalistas), etc.); emocional y mixto.
Audición absoluta y relativa.
Fenómeno tono absoluto radica en el hecho de que una persona puede determinar su nombre y ubicación a partir de un sonido de una nota (por ejemplo, "E de una octava pequeña"), y también cantar con precisión una nota determinada sin afinar primero un instrumento o un diapasón. Una persona con audición relativa no tiene tales habilidades, pero aún puede reproducir un movimiento basándose en un intervalo o acorde particular. Quizás el fenómeno de la audición absoluta y relativa esté asociado con las características específicas del desarrollo de uno u otro tipo de memoria musical: el portador del tono absoluto recuerda el sonido de todas las notas, el portador del tono relativo recuerda el sonido de una u otra entonación. patrón (es decir, fenómenos más abstractos). Al mismo tiempo, los profesores conocen desde hace mucho tiempo la llamada paradoja del tono absoluto: a pesar de que una persona con tono absoluto puede reproducir con precisión el sonido de una nota, tiene dificultades para reconocer movimientos por acordes o intervalos; además, al reconocer una nota en particular, ésta puede verse interferida por los armónicos que crean el timbre del instrumento (en la mente de una persona con tono absoluto, la “A” de un piano y la “A” de, por ejemplo , un oboe puede actuar como notas diferentes). Así, al aprender solfeo en la etapa inicial, son aquellos con relativa audición los que experimentan menos dificultades.
2. Componentes principales de una lección de solfeo
.1 Estudiar la alfabetización musical
Completar tareas escritas sobre alfabetización musical..
La alfabetización musical implica la capacidad de escribir textos musicales y reproducirlos, así como el conocimiento de términos musicales básicos.
El alcance de los conocimientos y habilidades sobre este tema incluye la capacidad de escribir y reproducir textos musicales en varias octavas, en claves de sol y fa, en varios patrones rítmicos y con todos los signos accidentales posibles. Pero el aprendizaje de la lectura musical también se da en las clases de la especialidad; Además, en las clases de la especialidad, el alumno aprende algunas duraciones antes que en las clases de solfeo (por ejemplo, notas enteras o semicorcheas, que se encuentran en estudios y ejercicios técnicos ya en el primer grado, y en solfeo se estudian solo en el segundo), designaciones de matices dinámicos (forte, piano, crescendo, diminuendo, sforzando), así como designaciones de trazos que en el curso de solfeo tampoco se enseñan en la etapa inicial (legato, staccato, non-legato) o no enseñado en absoluto (detache, portato).
Aprender a leer y escribir música es similar a aprender a leer y escribir en un idioma nativo o extranjero: al aprender a leer música, es necesario que una imagen auditiva específica se adjunte a una imagen visual específica (signo de nota) en la mente del estudiante. . Ni siquiera estamos hablando de entrenar el tono absoluto de los estudiantes, cuya presencia, como se mencionó anteriormente, a veces es incluso un obstáculo al aprender música, sino de desarrollar ideas sobre la ubicación de las notas en el pentagrama, sobre la conexión entre el símbolo de la nota. , su sonido y la ubicación de esta nota, por ejemplo, en el teclado de un piano. Es importante que el estudiante recuerde que la notación de una nota refleja simultáneamente su longitud en el tiempo (duración) y su tono, que el tono de una nota puede cambiar gracias a signos accidentales (que en algunos casos se escriben en la clave, en otros, cerca de la nota misma). Los estudiantes presentan dificultades especiales para dominar las pausas, leer notas en clave de fa y el ritmo con puntillo.
Sin embargo, el concepto de "alfabetización musical" incluye no solo la capacidad de distinguir notas, sino también el conocimiento de una serie de términos y conceptos (escala, escala, tonalidad, modo, tempo, tamaño, tiempo, tiempo, frase, intervalo, tríada). , sonidos estables e inestables, etc.d.). Al dominar la alfabetización musical, un estudiante debe poder determinar el tamaño de la melodía propuesta, distinguir entre un ritmo fuerte y débil y dirigir en un tamaño u otro (en la etapa inicial de formación, la dirección se limita a tamaños 2/4 , 3/4 y 4/4); En este sentido, la capacidad de elegir la pulsación correcta (qué duración se considera una unidad de ritmo) es muy importante. Además, al final de la etapa inicial de formación, el estudiante debe conocer los principios para determinar la tonalidad (mediante los signos tónicos y clave), la correspondencia de notas y grados en una determinada tonalidad (que, cuando se aprende según el principio de La relativa solmización puede causar algunas dificultades al principio, por lo que es difícil para el estudiante entender por qué. a,que suele asociar exclusivamente con la tónica, quizá tercera, quinta e incluso segunda según la tonalidad), los intervalos entre los sonidos de escalas mayores y menores, tríadas mayores y menores, etc.
En los manuales de solfeo se le da un papel importante al trabajo escrito: copiar notas de un libro de texto a un cuaderno, transposición escrita (grabar una melodía en un tono diferente), construir intervalos y acordes y, finalmente, dictados (los dictados se discutirán más adelante). . El proceso de redacción de notas en sí, al ser una habilidad relativamente independiente, requiere un desarrollo sistemático y, por tanto, debe ser objeto de planificación en la etapa inicial de formación. Son útiles los ejercicios especiales para la velocidad, corrección y exactitud de la grabación de motivos determinados de oído y repetidos por la voz; realizar un dictado oral y su posterior grabación, registrar el tiempo de escritura y evaluar la exactitud y alfabetización de lo escrito; aprender una melodía con la voz, en un piano u otro instrumento y grabarla rápidamente de memoria, etc. (cm. ).
Las tareas escritas son especialmente importantes para los niños pequeños, ya que debido a las características psicofisiológicas del cuerpo, los niños de esta edad comprenden mejor el material no de oído ni de vista, sino a través del trabajo de sus manos. Parte del obstáculo en este aspecto es distribución masiva editores de música por ordenador: dado que los niños ahora dominan el ordenador a una edad bastante temprana, un niño de 7 a 8 años puede dominar fácilmente un editor de música; sin embargo, presionar las teclas de la computadora le resulta menos útil que escribir notas a mano.
Solfato. canto a la vista
El solfeo, es decir, cantar a partir de notas, es un concepto central en el curso de solfeo, independientemente de la etapa de formación. En principio, todo el curso de solfeo tiene como objetivo enseñar a tocar música sin la ayuda de un instrumento, utilizando la audición interna y el conocimiento del sonido de determinados movimientos melódicos, movimientos en determinados intervalos.
En primer grado, el canto a primera vista comienza al final de la primera mitad del año. Para aprender a cantar a primera vista es necesario conocer ya los conceptos básicos de notación musical, tener comprensión auditiva del movimiento ascendente y descendente de la melodía, pausas, duraciones, etc.
Al cantar desde la vista, primero es necesario analizar la melodía, determinar su tonalidad, tamaño, estructura de la melodía (frases, su repetición o variación), señalar las peculiaridades del movimiento de la melodía (paso a paso, tríada, etc.) , preste atención al tempo y sombras dinámicas. Antes del canto a primera vista, en la etapa inicial son necesarios ejercicios preparatorios: sintonizar la tonalidad en la que suena la melodía destinada a la lectura a primera vista, cantar sonidos estables y cantarlos (ascendente y descendente), cantar en la tonalidad especificada los intervalos que son presente en esta melodía (como del sonido inferior al superior, y del superior al inferior). En este caso, no estamos hablando en absoluto de entrenar el tono absoluto: al cantar de vista, el profesor da al piano la tónica de la melodía o (en grupos débiles) su primer sonido (no necesariamente la tónica), y los alumnos La tarea es centrarse en la notación musical y tener presente el sonido de la tónica, reproducir la melodía escrita con su voz, utilizando los conocimientos que ya tienen sobre el movimiento de la melodía, el sonido de los intervalos, el patrón rítmico y el tamaño. , etc. La dirección es muy útil cuando se canta a primera vista.
El canto a primera vista permite comprobar el nivel de entonación y capacidad auditiva de cada alumno, por lo que es una de las formas de trabajo necesarias en una lección de solfeo.
Dictado musical.
El dictado musical es un momento “fijador” en el curso de solfeo. Para grabar una pieza musical que se está interpretando en el momento, es necesario tener un oído bien desarrollado y suficientes conocimientos teóricos. El dictado musical (como el dictado ordinario) fortalece ante todo la conexión entre lo audible y lo visible; El dictado también favorece el desarrollo de la audición interna y la memoria musical, así como el desarrollo práctico y la consolidación de los conceptos teóricos y la experiencia acumulada como resultado de la actividad musical práctica del estudiante.
Las metas y objetivos del dictado musical son poder analizar un pasaje musical grabado, comprender su forma, la dirección del movimiento de la melodía, los saltos escalonados o interválicos, la estabilidad o inestabilidad de las paradas rítmicas, es decir, todos los elementos de discurso musical que los estudiantes conocen en este momento, y luego presentarlo correctamente, todo está en notación musical. En muchos sentidos, los ejercicios preparatorios para escribir un dictado se acercan a los ejercicios preparatorios para el canto a primera vista, solo que el proceso de escribir un dictado musical es el espejo opuesto al proceso de canto a primera vista: en el primer caso, la tarea del estudiante es transformar el fragmento melódico escuchado en notación musical, y en el segundo, reproducir en voz alta el fragmento melódico, presentado en forma de notas musicales.
Se suele creer que el dictado musical desarrolla la memoria musical en general. Sin embargo, la función del dictado es principalmente desarrollar la memorización consciente, es decir, aumentar la eficiencia de la memoria. Análisis conjunto con los alumnos del texto propuesto para dictado, ajuste preliminar de los movimientos melódicos del dictado propuesto (movimiento a lo largo de un determinado intervalo, a lo largo de una tríada, canto de sonidos estables e inestables, etc.) e incluso cantándolos (individualmente o en grupo). grupo) ayuda a los estudiantes a aprender a escribir dictados, desarrolla la memoria de trabajo y las habilidades de memorización consciente y voluntaria y proporciona conocimientos sobre patrones musicales. Desventajas importantes son la costumbre de los estudiantes de confiar en el grado de tensión de las cuerdas vocales, en la memoria imitativa pasiva, en la “taquigrafía” de la melodía tal como suena, etc. Los ejercicios que acompañan a la redacción de un dictado también deben tener como objetivo erradicar estas deficiencias.
ejercicios de piano
Desde un punto de vista metodológico, es recomendable reforzar con ejercicios de piano aspectos del aprendizaje del solfeo como la construcción de tríadas y sus inversiones, la selección del acompañamiento de una melodía, etc. Tanto en los materiales didácticos tradicionales como en muchos “no tradicionales”, tocar el piano desempeña un papel central en la enseñanza de la alfabetización musical. Desde las primeras lecciones se compara la escritura de notas y el pentagrama con el teclado del piano; También se muestra en el piano la construcción de acordes e intervalos.
Sin embargo, este enfoque puede causar ciertas dificultades a muchos estudiantes. Por lo tanto, puede existir el peligro de que los estudiantes se acostumbren a reconocer intervalos y acordes de oído sólo en el sonido del piano, mientras que construir y distinguir intervalos y acordes de oído en otro instrumento les resultará difícil o incluso prácticamente imposible (lo cual se debe a algunas características de la audición musical). El concepto de tono y semitono en el piano se ve reforzado por la conciencia visual de las teclas blancas y negras y se aprende fácilmente, mientras que la capacidad de identificar un tono o semitono de oído o cantando es más difícil. Finalmente, proporcionado por el programa. curso general El piano (para estudiantes que no son pianistas) comienza, por regla general, no antes del tercer año de estudio, y en las clases de solfeo, cuando surge la necesidad de ejercicios de piano, los estudiantes que estudian instrumentos de cuerda o de viento pierden frente a sus "colegas". pianistas en conocimiento del teclado y fluidez de los dedos. Para los violinistas o violonchelistas, cuando practican piano, su mano derecha trabaja peor (ya que sostienen el arco con la mano derecha y los dedos derecha durante el juego prácticamente no se mueven; Quienes tocan instrumentos punteados (guitarristas o arpistas) se encuentran a este respecto en una posición más ventajosa desde el punto de vista metodológico y técnico). A los estudiantes de instrumentos de viento también, desde las primeras lecciones de su especialidad, se les enseñan principios de digitación diferentes a los de piano (al extraer un sonido, se utilizan varios dedos a la vez, y al extraer sonidos en un registro bajo, los dedos ambas manos se utilizan simultáneamente). Estos estudiantes pueden experimentar malestar psicológico debido a su propia torpeza o incluso ser objeto de burla por parte de estudiantes pianistas más hábiles y experimentados, lo que a menudo ocurre en un grupo de niños de primaria, con su propia jerarquía, etiqueta y sistema de valores.
Así, el docente se enfrenta a la tarea adicional de superar estos obstáculos técnicos y naturaleza psicológica.
Este tipo de dificultades se pueden superar si a los estudiantes se les da tareas creativas, en el que todos pueden igualmente demostrar sus habilidades y capacidades, independientemente de cuál sea su técnica para tocar el piano; por ejemplo, el uso en la enseñanza de otros instrumentos con los que se pueden demostrar ciertos elementos musicales (metalófono, etc.). También se puede utilizar en el proceso de aprendizaje la escucha de grabaciones musicales interpretadas con otros instrumentos (violín, etc.), y dar tareas para reconocer en el sonido de estas grabaciones aquellos movimientos melódicos (por tríada, por intervalos, etc.) que los estudiantes Ya se escuchó interpretada al piano. Esta tarea es bastante difícil, pero puede resultar útil.
Tareas creativas.
Los métodos modernos de enseñanza del solfeo en la etapa inicial se caracterizan por la atención a actividad creativa estudiante (una tendencia común a la pedagogía reciente). Los estudiantes no solo deben reproducir el material del texto musical de los ejercicios, sino también crear sus propios textos musicales. Los tipos más comunes de tareas creativas son completar el final de la melodía propuesta, crear un acompañamiento o una segunda voz para la melodía y componer una canción basada en el texto propuesto. Este tipo de tareas ayudan a asimilar mejor el material tratado y a aprender a utilizar los conocimientos adquiridos no de forma pasiva, sino activa. La atención de los estudiantes se centra en el texto musical; este método de enseñanza de música podría llamarse centrado en el texto, por analogía con la metodología de enseñanza de idiomas extranjeros, en la que el idioma se adquiere no memorizando reglas y listas de palabras, sino trabajando. con el texto. Muchas de estas tareas creativas se centran en la conexión entre el texto musical y el verbal (al componer una melodía para un texto determinado y su acompañamiento, se recomienda llamar la atención de los estudiantes sobre la trama y la dramaturgia del texto, su ritmo, etc.).
.2 Libro de texto de solfeo y su papel en la lección.
En la práctica mundial de la enseñanza del solfeo coexisten dos escuelas opuestas: la solmización absoluta y relativa. El primero toma como base el tono de los sonidos en una u otra notación y estudia primero el do mayor y luego la alteración de los sonidos que conducen a otras tonalidades. El segundo se basa en el estudio de la proporción de pasos en un traste a cualquier altura relativa.
La historia del desarrollo del solfeo en Rusia está estrechamente relacionada con las actividades de las capillas corales y los coros de iglesias, donde durante mucho tiempo coexistieron dos formas de escribir notas: pancartas (ganchos) y notas lineales (notación moderna). Los primeros libros de texto de solfeo ruso aparecieron en el siglo XVII: "ABC" de A. Mezenets y "Music Grammar" de N. Diletsky [ver. 29, pág. 24].
Actualmente, varios sistemas y métodos de enseñanza del solfeo también se basan en 2 direcciones: absoluta y relativa.
Básicamente, todos los libros de texto de solfeo se pueden agrupar en 2 áreas principales. Uno incluye sistemas basados en el estudio de elementos individuales del lenguaje musical. Otra dirección son los sistemas que estudian las conexiones de los sonidos (escalonados, modales, armónicos). Según E.V. Davydova, con quien es imposible estar en desacuerdo, la segunda dirección es más eficaz, ya que permite desarrollar el oído escuchando música y desarrolla la capacidad de comprender el contenido de una obra.
Algunos autores se esfuerzan por desarrollar integralmente el oído musical de los estudiantes, otros, por que los estudiantes desarrollen rápidamente una habilidad, etc. Uno de los sistemas más extendidos a finales del siglo XIX y XX fue el llamado interválico (el estudio de la melodía como suma de intervalos). Los intervalos se aprenden utilizando motivos de canciones familiares. La base de este sistema es el estudio de los sonidos en do mayor, que se denominan “sonidos simples”, en diversas combinaciones, sin tener en cuenta su posición modal y valor tonal. En un sistema así no se cultiva un sentido de armonía; Este enfoque está demasiado simplificado. Ahora este enfoque se considera obsoleto, aunque un elemento como aprender el sonido de intervalos basados en motivos de canciones populares se usa bastante en la etapa actual de capacitación (por ejemplo, prácticamente una plantilla: enseñar el sonido de una cuarta perfecta usando el ejemplo de los compases iniciales de una marcha de “Aida” o el Himno Ruso). Cerca del sistema de intervalos se encuentran los sistemas basados en el estudio de los grados de una escala mayor o menor en diferentes tonalidades. Este enfoque también hace que sea algo más fácil comprender la escala y organizar la melodía. Cerca de este sistema están los llamados. Sistemas manuales (el movimiento de la mano muestra los grados del traste). Sin embargo, la base aquí vuelve a ser diatónica. Cerca de este sistema se encuentra el sistema relativo húngaro, creado por Z. Kodaly basado en la música folclórica húngara (una combinación de signos con las manos, entonación, etc.). Una modificación de este sistema realizada por el profesor estonio Kaljuste (el uso de signos con las manos y designación silábica de pasos - e, le, vi, na, zo, ra, ti(en el que se adivinan nombres tradicionales distorsionados de notas)), o mejor dicho, sus elementos, todavía se utilizan hoy en día. La principal desventaja de este sistema es que en la mente de los estudiantes surge una conexión entre el concepto de tónica exclusivamente y la nota. a(lo que crea dificultades al trabajar con otras claves).
Profesor de Leningrado años 1950-60. A. Baraboshkina [ver. 4, 5, 6] desarrolló su propio sistema (que se ha vuelto clásico y se utiliza desde hace varias décadas) también sobre la base del húngaro, pero le hizo cambios significativos (rechazo de las señales con las manos, negativa a trabajar únicamente en do mayor, etc.). Vinculando estrechamente la entonación con los patrones modales básicos, con el concepto de estabilidad e inestabilidad de los sonidos, tónicas mayores y menores, frases, etc., comienza con chistes sobre un sonido, luego pasa a dos notas y gradualmente expande el rango musical de el material ofrecido a los estudiantes; el material se presenta de forma sincrética (el mismo canto se convierte en material para ejercicios para desarrollar diversas habilidades), y lo aprendido se repite constantemente. El manual, escrito por la propia Baraboshkina, sirvió de material para la parte práctica de este trabajo.
Actualmente, los métodos basados en escuchar música y trabajar con textos musicales son cada vez más populares. Por ejemplo, el complejo educativo y metodológico de T. Pervozvanskaya y el manual de S.B. se basan en escuchar música. Privalov (para estudiantes adultos) y muchos otros (etc.). Esto facilita la comprensión de muchos elementos del lenguaje musical, porque algunos puntos son más fáciles de asimilar no memorizando fórmulas escolásticas abstractas, sino interpretando un texto musical escuchado (preferiblemente clásico).
.3 Ayudas visuales para enseñar a los niños pequeños
La visualización juega un papel importante en la enseñanza del solfeo a niños en edad escolar primaria, lo que está asociado con las características de su psique (ver párrafo 1.2.).
AV. Zaporozhets escribió que las formas de pensamiento de los niños son visual-efectivo, visual-figurativo, verbal-lógico- no representan etapas de edad de su desarrollo. Estas son, más bien, etapas de dominio de algún contenido, algunos aspectos de la realidad. Por tanto, aunque generalmente corresponden a determinadas grupos de edad, y aunque el pensamiento visual-efectivo aparece antes que el pensamiento visual-figurativo, estas formas no están relacionadas únicamente con la edad.
La transición del pensamiento visual-efectivo al visual-figurativo y verbal, como se muestra en los estudios experimentales de A.V. Zaporozhets, N.N. Poddyakova, LA. Wenger, se produce sobre la base de un cambio en la naturaleza de la actividad de investigación de orientación, debido a la sustitución de la orientación basada en prueba y error por una motora más enfocada, luego visual y, finalmente, mental.
Visualmente efectivoEl pensamiento, realizado a través de la acción real con objetos, asociado a la actividad objetiva y orientado a su mantenimiento, es primario y surge a una edad temprana. Pero un niño de seis años puede recurrir a él si se enfrenta a una tarea para la que no tiene la experiencia y los conocimientos suficientes.
Utilizado con mayor frecuencia por niños. figurativopensando cuando, al resolver un problema, no utiliza objetos específicos, sino sus imágenes. El hecho mismo del surgimiento del pensamiento visual-figurativo es muy importante, ya que en este caso el pensamiento se separa de las acciones prácticas y de la situación inmediata y actúa como un proceso independiente. En el curso del pensamiento visual-figurativo se reproduce más plenamente la diversidad de aspectos del tema, que hasta ahora no aparecen en conexiones lógicas, sino fácticas. Otra característica importante del pensamiento figurativo es la capacidad de representar de forma sensorial el movimiento y la interacción de varios objetos a la vez. Contenido figurativoEl pensamiento de un niño de primaria no se limita a imágenes específicas, sino que avanza gradualmente a un nivel superior de pensamiento visual-esquemático (ver). Con su ayuda, ya no se reflejan las propiedades individuales de los objetos, sino las conexiones más importantes en la relación entre los objetos y sus propiedades.
Como se mencionó anteriormente, el solfeo se acerca en muchos aspectos a las ciencias exactas y contiene muchos conceptos abstractos (modo, tono, duración, ritmo, tempo, intervalo, etc.). Para que los estudiantes asimilen mejor este material de difícil comprensión, es necesario presentarlo de forma visual, para mostrar lo abstracto a través de lo concreto.
Aplicación muy amplia y específica en entrenamiento musical métodos visuales recibidos. Funciones de visibilidad: “aumentar el interés en materias academicas, hacer más inteligible su contenido, facilitar la asimilación de conocimientos y métodos de actividad”. Escuchar música es una forma de visibilidad; Si los objetos de estudio no son directamente observables, los estudiantes obtienen una idea indirecta sobre ellos con la ayuda de ilustraciones, diseños, diagramas, tablas y mapas. La visualización en las escuelas de música para niños se puede utilizar en la enseñanza de todas las disciplinas. Así, en un curso de especialidad, la visibilidad se manifiesta en las formas de demostración (por ejemplo, demostración de la estructura de un instrumento, digitación, producción de sonido, etc.) y orientación (demostración, cuyo propósito es enseñar al alumno a actuar de forma independiente).
Las bellas ilustraciones se utilizan cada vez más en la educación musical primaria. En algunos casos, las ilustraciones ayudan a sentir el estado de ánimo de la música o a visualizar su contenido de manera más figurativa, en otros, a comprender algunas características de género de las obras, etc. Finalmente, unas ilustraciones bien elegidas (una reproducción, una fotografía, una diapositiva) pueden ampliar la comprensión de los niños sobre las conexiones entre la música y el entorno vital: dar una idea de la época en que se creó la música, el momento y las condiciones de su interpretación. y algunos fenómenos y acontecimientos de la vida musical moderna. Como ayuda visual en las materias teóricas musicales se utiliza una pizarra, en la que el profesor dibuja diversos diagramas (diagrama del círculo de quintas de tonalidad, diagrama de la construcción de una obra musical, etc.). Estos diagramas contienen información de forma concentrada y "colapsada" y, a veces, permiten comprender conceptos bastante complejos.
Entre los complejos educativos y metodológicos modernos, se puede distinguir todo un grupo de manuales (, etc.), que son precisamente ayudas visuales. En el manual también se presenta un rico material ilustrativo (más bien de carácter iconográfico) de T. Pervozvanskaya o L. Abelyan; Esto se nota especialmente en el manual de T. Pervozvanskaya, en el que los términos musicales presentados en el texto van acompañados de una imagen que representa a una persona o un animal en cada mención. Por lo tanto, los grados del modo se representan en forma de rey, reina y sus cortesanos, aunque, quizás, el héroe llamado Mediant (el tercer grado del modo), debido a la variabilidad de su personaje según el modo, debería haberse hecho reina, no rey, y el sonido estable debería haberse presentado a la tónica simplemente en forma de rey; intervalos: en forma de figuras masculinas y femeninas con ropas renacentistas, cuya apariencia indica bastante bien la naturaleza del sonido del intervalo; en este caso, las consonancias se presentan en la forma personajes femeninos(la tercera es una niña bastante sencilla, la quinta es una niña con rostro de Virgen, las sextas son mujeres con trajes teatrales de heroínas de una tragedia clásica) y las disonancias son masculinas (el cuarto es un joven caballero valiente, las séptimas mayores y menores son dos caballeros ridículos y larguiruchos, parecidos al personaje G . Vitsina de la película “Noche de Reyes”, Tritón es un bufón travieso, etc.); grupo - en forma de gato enojado, etc.
Los métodos tradicionales de enseñanza del solfeo no siempre reconocen el uso de ayudas visuales, lo que a veces resulta justificado. Por lo tanto, la representación de las duraciones presentadas en el manual de L. Abelyan (y que tiene una historia bastante larga) en forma de trozos de una manzana cortada (entera, mitades, cuartos, octavos) se considera unánimemente infructuosa, ya que interfiere con el aprendizaje de los niños. pulsaciones en cuartos u octavos; Sin embargo, las duraciones principales utilizadas al grabar música, especialmente en textos musicales para educación primaria, son cuartos, y la pulsación generalmente ocurre en cuartos (un cuarto = dos octavos, la mitad = dos cuartos, entero = cuatro cuartos), con menos frecuencia - en octavos. (sin embargo , metros con octavas - 6/8, 3/8 - aparecen en material didáctico no antes del tercer grado, aunque en trabajos de la especialidad pueden aparecer antes). Con base en la figura descrita anteriormente, el niño puede pensar que siempre es necesario pulsar en números enteros (ya que ellos son la base y los demás son derivados de ellos), lo cual es prácticamente imposible.
2.4 Formas lúdicas de educación, su papel en el trabajo con niños en edad escolar primaria.
En la pedagogía moderna, hay un rechazo cada vez más decisivo del sistema tradicional de aula-lecciones para organizar el proceso educativo, optimizando el proceso educativo (especialmente para los escolares más pequeños) recurriendo a nuevos métodos, incluidos los juegos.
Los métodos de enseñanza basados en juegos tienen como objetivo enseñar a los estudiantes a ser conscientes de los motivos de su aprendizaje, su comportamiento en el juego y en la vida, es decir, formular metas y programas para las propias actividades independientes y anticipar sus resultados inmediatos. La teoría psicológica de la actividad identifica tres tipos principales de actividad humana: trabajo, juego y aprendizaje. Todos los tipos están estrechamente relacionados entre sí. Un análisis de la literatura psicológica y pedagógica sobre la teoría del surgimiento del juego en su conjunto nos permite imaginar la variedad de sus propósitos para el desarrollo y la autorrealización de los niños. El juego es objetivamente una escuela primaria espontánea, cuyo aparente caos brinda al niño la oportunidad de familiarizarse con las tradiciones de comportamiento de las personas que lo rodean. Los niños repiten en los juegos aquello a lo que prestan toda su atención, lo que pueden observar y lo que pueden comprender. Sólo por esta razón, el juego, según muchos científicos, es un tipo de actividad social y de desarrollo, una forma de dominar la experiencia social y una de las habilidades complejas de una persona. D. B. Elkonin cree que el juego es de naturaleza social y de saturación inmediata y se proyecta para reflejar el mundo de los adultos. Al llamar al juego "la aritmética de las relaciones sociales", Elkonin interpreta el juego como una actividad que surge en una etapa determinada, como una de las principales formas de desarrollo de las funciones mentales y formas para que el niño aprenda sobre el mundo de los adultos. El juego es el regulador de todos. posiciones de vida niño. La escuela del juego es tal que en ella el niño es al mismo tiempo alumno y maestro. La teoría de la enseñanza educativa que surgió en el sistema educativo soviético intensificó el uso de juegos en la didáctica de los sistemas preescolares, pero prácticamente no introdujo los juegos a estudiantes, adolescentes y jóvenes. Sin embargo, en la práctica social de los últimos años en la ciencia, el concepto de juego se interpreta de una manera nueva, el juego se extiende a muchas áreas de la vida, el juego se acepta como una categoría científica general y seria. Quizás por eso los juegos empiezan a formar parte de la didáctica de forma más activa. A partir de la divulgación del concepto de juego por parte de profesores y psicólogos de diversas escuelas científicas, han surgido una serie de disposiciones generales:
El juego es un tipo de actividad de desarrollo independiente para niños de diferentes edades.
El juego de los niños es la forma más libre de su actividad, en la que se dan cuenta y estudian el mundo que los rodea, abriendo un amplio campo para la creatividad personal, la actividad de autoconocimiento y autoexpresión.
El juego es la primera etapa de la actividad de un niño en edad preescolar, la escuela inicial de su comportamiento, la actividad normativa e igualitaria de los escolares de primaria, adolescentes y jóvenes, que cambian sus objetivos a medida que los estudiantes crecen.
El juego es una práctica de desarrollo. Los niños juegan porque se desarrollan y se desarrollan porque juegan.
El juego es la libertad de autodescubrimiento, autodesarrollo basado en el subconsciente, la mente y la creatividad.
El juego es el principal ámbito de comunicación de los niños; resuelve problemas de relaciones interpersonales y adquiere experiencia en las relaciones humanas.
Muchos investigadores escriben que los patrones de formación de acciones mentales basados en el material didáctico escolar se encuentran en actividad de juego niños. En él, de formas únicas, se lleva a cabo la formación procesos mentales: procesos sensoriales, abstracción y generalización de la memorización voluntaria, etc.
El juego no está condicionado por habilidades especiales de aprendizaje (atención, disciplina, capacidad de escucha); un juego es una forma más activa de trabajar con los estudiantes. Permite que los jugadores se sientan sujetos del proceso. El juego conecta todos los canales de percepción de información (lógica, emociones y acciones) y no se basa únicamente en la memoria y la reproducción. Finalmente, el juego es más. manera confiable asimilación de conocimientos. .
El juego motiva al alumno de forma muy eficaz, porque no está dirigido al resultado, sino al proceso. Incluso un estudiante pasivo se involucra rápidamente en el juego. A todo el mundo le encanta jugar, incluso a aquellos a quienes no les gusta estudiar. El juego también activa acciones cognitivas. Las propias reglas del juego determinan el marco disciplinario. Los jugadores y equipos las cumplen cuando juegan. Al crear un juego, el profesor no tiene que preocuparse por popularizar el contenido del material, porque el juego es tan significativo como cualquiera puede entenderlo. Los juegos en el aula permiten que algunos aprendan el material a nivel de acciones objetivas, otros a nivel de conocimientos, otros a nivel conclusiones lógicas. Evaluar los conocimientos y acciones de un alumno en una lección es un elemento obligatorio, pero en un juego es deseable. Pero es preferible la forma de evaluación en el juego a jugar.
Vale la pena señalar que la forma del juego no siempre encaja en el espacio de la lección. En primer lugar, el algoritmo del juego no coincide con el algoritmo de la lección. La lección se basa en 4 etapas: actualizar los conocimientos adquiridos (cuestionar sobre material anterior), transferir conocimientos (explicar material nuevo), consolidar (entrenar y hacer deberes) y evaluación. El juego se desarrolla de diferentes maneras: organización del espacio de juego (explicación de las reglas, organización de equipos), acciones del juego (durante el juego se actualizan los conocimientos necesarios, se entrenan las habilidades necesarias y la cognición activa), resumiendo los resultados ( organizar una situación de éxito) y analizar el juego (conclusiones teóricas).
En segundo lugar, el mecanismo mismo para adquirir conocimiento es diferente. En la lección, los estudiantes adquieren conocimientos teóricos para luego convertirlos en experiencia, y en el juego adquieren experiencia para derivar conocimientos teóricos de ella.
En tercer lugar, el marco de tiempo de la lección corresponde claramente a la configuración mental: 5 a 10 minutos para organizar la atención sostenida durante la encuesta, 15 a 20 minutos de atención sostenida para explicar cosas nuevas y 10 a 15 minutos de atención residual al entrenamiento; y el marco del juego corresponde a su lógica interna y al momento de fatiga fisiológica. En cada juego la intensidad de los procesos fisiológicos y mentales es diferente y, por tanto, el tiempo para su implementación es diferente.
El aprendizaje lúdico no puede ser lo único en el trabajo educativo con los niños. No crea la capacidad de aprender, pero ciertamente la desarrolla. actividad cognitiva escolares. Además del desarrollo y corrección de los datos reales procesos cognitivos(pensamiento, imaginación, memoria como tal) es necesario asegurar la formación de una cualidad tan importante como la soltura, la emancipación.
La importancia de desarrollar la liberación cognitiva en los escolares surge en relación con la siguiente situación bastante típica. A menudo resulta que los niños, que son bastante inteligentes e incluso astutos en un entorno extracurricular normal (en los juegos, en la comunicación entre ellos), de repente resultan ser lentos en un entorno educativo y cognitivo (en clase, en la práctica). clases, al hacer los deberes). Un diagnóstico psicológico completo de estos niños, por regla general, no revela ningún otro defecto en la estructura de los procesos cognitivos, lo que indica lagunas importantes en su desarrollo, sin embargo, se identifican dificultades emocionales y de comunicación personal que impiden que el niño se involucre plenamente; en actividades educativas y cognitivas. En muchos casos resulta que lagunas individuales, a veces bastante significativas, en el desarrollo de los propios procesos cognitivos se combinan con dificultades pronunciadas del tipo indicado: los procesos cognitivos parecen verse afectados por bloqueos emocionales y personal-comunicativos. Les impiden manifestarse y desarrollarse no sólo en las lecciones, sino también en las clases de entrenamiento lúdico de los procesos cognitivos: estos niños prefieren permanecer en silencio, se comportan de forma bastante pasiva y, a menudo, se niegan a completar las tareas del juego. En este caso, el principal obstáculo es su esclavitud cognitiva (es decir, la limitación en el funcionamiento de sus procesos cognitivos mientras la estructura operativa está relativamente intacta). En cambio, es necesario desarrollar la cualidad opuesta: la emancipación cognitiva.
El término “emancipación cognitiva” se refiere a la posibilidad de que los procesos cognitivos del niño funcionen libre y activamente utilizando el máximo de su potencial. Esto requiere, en primer lugar, la eliminación de las barreras emocionales y personal-comunicativas del niño asociadas con la implementación de los procesos cognitivos y, en segundo lugar, la adquisición de una experiencia plena y emocionalmente segura del funcionamiento de los procesos cognitivos utilizando sus máximas habilidades: cuando el niño Puede expresar libremente diversas hipótesis, buscar libremente formas de resolver ciertos problemas cognitivos y así recibir apoyo emocional positivo, comunicarse con sus compañeros y expresarse como individuo.
Las clases destinadas a desarrollar la emancipación cognitiva se llevan a cabo mejor de manera lúdica, utilizando material simple, cotidiano y accesible, en el que se puede enseñar a los niños a aislar un problema, analizar la forma de resolver un problema, buscar diferentes enfoques para completar tareas, reconocer las razones de posibles fracasos, compare su decisión con el trabajo de sus compañeros, presente su decisión de manera razonada. Luego, el niño transfiere las habilidades adquiridas de soltura cognitiva a material educativo más complejo.
2.5 El sincretismo como característica dominante de los métodos modernos de enseñanza del solfeo
Los métodos modernos de enseñanza de diversas materias (tanto de educación general como de escuelas de música) se caracterizan por un enfoque integrado de la enseñanza o sincretismo. El sincretismo debe entenderse como el deseo de practicar y desarrollar en cada lección varias habilidades, y no solo una, así como combinar varios tipos de actividades en las clases.
Al enseñar solfeo, es eficaz combinar varias secciones de este curso a la vez, utilizando formas combinadas de trabajo, por ejemplo, desarrollando la percepción musical (análisis auditivo) y las habilidades de entonación vocal; determinar de oído los pasos de escalas de tonalidades de escala, cantos, intervalos, acordes y consonancias de sus cadenas, y luego repetirlos en voz con el nombre de los sonidos, interpretándolos en un instrumento musical en la tonalidad original y en transposición; educación de la percepción y el dictado musical; grabación de lo que escuchaste; utilizar el material percibido para la composición, etc.
Cada lección debe involucrar todas las secciones principales del solfeo: análisis auditivo, diversos ejercicios con fines de entrenamiento (entonación, rítmico, etc.), diversas formas de trabajo de canto y creatividad (interpretación y composición), dictado, trabajo para dominar los principios teóricos básicos. .
Si un maestro omite al menos una de las secciones principales de una lección, entonces se produce un estancamiento en el desarrollo de habilidades o habilidades musicales. Es necesario tener en cuenta que las lecciones de solfeo de acuerdo con el plan de estudios se imparten en la mayoría de los casos una vez por semana. Si se elimina una u otra sección del solfeo de varias lecciones seguidas, puede existir el peligro de perder las habilidades adquiridas.
El uso de métodos de enseñanza tan eficaces como formas combinadas de trabajo, transposición, secuenciación, interpretación de memoria, etc. intensifica las lecciones y promueve el rápido desarrollo de los estudiantes. Las técnicas de entrenamiento, antes de comenzar a trabajar en el desarrollo de habilidades y destrezas, también deben enseñarse de manera sistemática. Por ejemplo, la técnica del cronometraje resulta útil para desarrollar el ritmo y el tempo sólo desde el momento en que se convierte en una acción refleja libre como resultado de un entrenamiento metódicamente sistematizado.
La intensificación de una lección de solfeo moderno se ve facilitada por el uso generalizado de instrumentos musicales (piano, instrumentos musicales especializados, varios instrumentos orquestales, de conjunto y de acompañamiento independientes y grupos de huelga), equipos musicales (metrónomo, diapasón), material didáctico técnico (luz, sonido y pizarras didácticas combinadas, magnetófonos y reproductores, y ahora también reproductores de CD, retroproyectores, filmoscopios, epidiascopios, etc.), ayudas visuales, folletos, en los grados inferiores, también juegos.
En la etapa actual cobra aún más importancia la capacidad del docente para realizar conexiones interdisciplinarias, especialmente con su especialidad. El solfeo crea los requisitos previos necesarios para la interpretación y composición creativa, y para ello es necesario desarrollar el pensamiento musical, la musicalidad y la actividad creativa, todos los aspectos de la audición musical, la memoria, las ideas auditivas internas, así como el desarrollo de todo el complejo de habilidades. necesarios para la actividad musical, y la profundización de conocimientos teóricos. Todo esto debería plantearse ya en la etapa inicial de formación.
3. Características específicas de la enseñanza del solfeo en las clases inferiores de las escuelas de música para niños.
Este capítulo está dedicado a un análisis comparativo de una serie de aspectos de la enseñanza del solfeo en la etapa inicial basado en el libro de texto "Solfegio" de A. Baraboshkina para los grados 1 y 2 de la escuela de música infantil (, ) y el libro de texto "Nosotros jugamos, componer y cantar” para los grados 1 y 2 de la escuela de música Zh Metallidi y A. Pertsovskaya (,).
Ambos manuales fueron creados por profesores de Leningrado - San Petersburgo y ambos se utilizan activamente en el proceso de aprendizaje.
El manual de A. Baraboshkina, cuya primera edición se publicó en la década de 1960, ya se ha convertido en un clásico (la enseñanza sobre esta base todavía se lleva a cabo en varias escuelas de música para niños), se caracteriza por un enfoque tradicional de la enseñanza. este tema, una cantidad relativamente pequeña de material teórico y al mismo tiempo muy competente y precisa en su presentación y estructuración.
El manual de Zh Metallidi y A. Pertsovskaya, cuya primera edición apareció a finales de los años 80 y 90, está diseñado para un curso más intensivo en el estudio del solfeo y, además, aparentemente, para niños que tienen. alguna formación musical preescolar. Además, sus compiladores no son tanto profesores como compositores, lo que dejó su huella en la presentación del material educativo y en la especificidad de la formulación de tareas.
.1 Introducción a los elementos básicos del lenguaje musical
Duración
En el libro de texto de Baraboshkina, el conocimiento de las duraciones comienza desde la primera lección. Estas son las duraciones más fáciles de entender y percibir: cuartos y octavos. Las ilustraciones que representan estas duraciones se encuentran directamente en el texto. La percepción de las duraciones por parte de los estudiantes pasa por ejercicios especiales: recitación de poemas de canciones infantiles (por ejemplo, “Little Little Lambs”) al ritmo de palmas. A los estudiantes se les enseña que el ritmo se compone de secuencias de sonidos (o, en este caso, sílabas) de diferente duración: algunos más cortos, otros más largos. Los octavos se colocan encima de las sílabas más cortas del texto y los cuartos, encima de las más largas. Este movimiento metodológico es muy inteligente, ya que ayuda a los estudiantes a aprender conceptos desconocidos a través de algo familiar ( duraciones musicales a través del sonido de las sílabas de un poema, que el niño quizás ya conozca en los libros). Sin embargo, los estudiantes no se familiarizan inmediatamente con la agrupación de octavos (solo hasta el párrafo 12). Las blancas (y las blancas con puntillo) se introducen incluso más tarde, y las negras con puntillo y las enteras se introducen sólo en el programa de segundo grado. El estudio de las duraciones está estrechamente relacionado con el estudio del ritmo y los metros.
En el libro de texto Metallidi, en el primer grado, el cuarto, el octavo y la mitad se estudian en una lección; poco después se introducen las semicorcheas (en las que se pone el énfasis principal en el programa de segundo grado), hasta ahora sólo como un ejercicio para tocar el piano, porque la percepción y ejecución de estas duraciones requiere ciertas habilidades técnicas y causa dificultades ( incluso en clases especializadas). En la segunda clase también se introducen duraciones con punto y notas enteras. El estudio de las duraciones también procede de lo familiar a lo desconocido (percibir las duraciones a partir de la melodía de canciones familiares para el niño), de aplaudir o marcar el ritmo (que se discutirá en el siguiente párrafo).
Las pausas en el libro de texto de Baraboshkina se introducen casi en paralelo con las duraciones; en el libro de texto de Metallidi, ya cuando se han aprendido las duraciones a las que estas pausas son iguales. Es decir, en el libro de texto de Baraboshkina, primero hay una introducción a las pausas de octava y cuarta y solo luego (cuando las blancas ya han sido cubiertas), con blancas; En la segunda clase se introduce una pausa completa en paralelo con una nota completa. En el libro de texto de Metallidi, la media pausa se introduce junto con las pausas de cuarto y octava (ya que la media duración ocurre junto con la cuarta y la octava); entero y decimosexto, tampoco antes del segundo grado. En el libro de texto de Baraboshkina, a través del texto se introducen pausas: musicales y poéticas (la canción "Chatterboxes", imitando un diálogo, donde una pausa marca un cambio de línea). En el libro de texto de Metallidi, las pausas se estudian en paralelo con el tiempo optimista, y se supone que cuando se estudian las pausas el estudiante ya tiene habilidades de dirección (en el libro de texto de Baraboshkina, los ejercicios de dirección se introducen más adelante); La asimilación de pausas también se produce a través del material musical (pero de forma aislada del acompañamiento). texto poético).
Ritmo y metro
El tema del patrón rítmico y el tema de la métrica están estrechamente relacionados con el tema de las duraciones.
En Baraboshkina, el patrón rítmico se introduce desde el segundo párrafo (la cuarta lección). Un ejemplo de cambio en el patrón rítmico se da en los textos de canto, que consisten en los mismos sonidos, pero con un patrón rítmico diferente. Al mismo tiempo, en los ejemplos, el compás no se indica durante mucho tiempo y no se coloca la línea de compás.
En el libro de texto de Metallidi, la línea de compás está presente desde las primeras lecciones, porque el manual está diseñado para niños más preparados, pero durante bastante tiempo los ejercicios conservan "duraciones en las cuerdas", un patrón rítmico escrito por separado debajo del pentagrama.
En ambos manuales, de acuerdo con los requisitos del programa, solo se introducen tres tamaños (y los 3 en primer grado): 2/4, 3/4 y 4/4.
El concepto de ritmo se introduce a través de ejercicios físicos: se pide a los estudiantes que primero aplaudan al ritmo de la melodía que se está reproduciendo o que utilicen un movimiento de la mano para mostrar los tiempos fuertes y débiles (los conceptos también se introdujeron bastante temprano).
Partitura
El libro de texto de Baraboshkina está diseñado para niños que no saben música; El libro de texto de Metallidi es para quienes ya conocen las notas. Por tanto, en el libro de texto de Metallidi no hay ejercicios destinados a enseñar a escribir notas, aunque se dan tareas para copiar tal o cual ejemplo musical en un cuaderno (lo que no está asociado a la práctica de la escritura, sino al entrenamiento de la memoria).
Aprender a leer y escribir notas en el libro de texto de Baraboshkina es uno de los aspectos más importantes de la enseñanza de la alfabetización musical. Cada lección está acompañada de ejercicios para reescribir textos musicales; Cabe destacar la observación "escribe notas bellamente, como en un libro", que está relacionada no solo con el deseo de enseñar al estudiante a escribir notas correctamente, sino también con el culto a la caligrafía que dominaba en los años 60 en las escuelas primarias (ahora irrelevante). debido a la informatización generalizada, tal vez debido a la difusión (para los editores musicales entre los músicos que usan computadoras personales, el llamado a “escribir notas bellamente” pronto se volverá irrelevante).
La enseñanza de las notas según el manual de Baraboshkina comienza gradualmente, el material se presenta en pequeñas dosis (con la expectativa de que en los niños pequeños de 6 a 7 años que aún no saben leer ni escribir, dominar la notación musical causará las dificultades correspondientes asociadas con habilidades motoras finas poco desarrolladas de la mano, etc).
Desde el segundo párrafo del libro de texto para el primer grado, se introducen el pentagrama y la clave de sol (para enseñar a los niños a representar este símbolo bastante complejo, se introducen ejercicios separados que recuerdan a trabajar en un cuaderno).
Las primeras notas que pasan - salY Fprimera octava . Esto se debe no solo al hecho de que los nombres de estas notas están contenidos en la palabra solfeoy por eso son las más fáciles de recordar, pero también con el hecho de que ambas notas están en el registro medio y son fáciles de cantar tanto para agudos como para alto. La presentación de las notas también está relacionada con la altura de las voces de los niños: por cada nota aprendida, no sólo hay que saber escribir, sino también saber leer (es decir, cantar correctamente). Además, la familiaridad con la nota. salestá directamente relacionado con el conocimiento de la clave de sol (clave de sol): ambas están escritas en la misma regla. Usando notas como ejemplo salY Fel alumno aprende que se pueden escribir notas tanto en las reglas como entre ellas.
Inmediatamente después de las notas salY F(o prácticamente junto con ellas) se introducen notas mi, reY la. Esta cantidad de notas es suficiente para aprender melodías sencillas, y además, en su escritura se practican y consolidan las mismas habilidades que en la escritura de notas. salY F- por ejemplo, el principio "en la línea o entre líneas". Las raíces de estas notas todavía están dirigidas hacia arriba y su ortografía es más o menos uniforme. Al familiarizarse con este pequeño número de notas, los estudiantes pueden hacer subconscientemente una observación útil que es importante para familiarizarse mejor con la alfabetización musical: el tono de una nota está relacionado con su posición en el pentagrama (cuanto más alta esté la nota, más alta suena).
En la cuarta parte del párrafo 2 del libro de texto para primer grado, se introducen notas que son más difíciles de entender. siY aprimera octava. La dificultad para escribirlos y recordarlos es que sila calma ya mira hacia abajo, no hacia arriba, pero aescrito en una regla adicional debajo del bastón.
La clave de fa en el manual de Baraboshkina se introduce cuando los estudiantes tienen suficientes habilidades para leer notas en clave de sol y cuando el programa comienza a considerar los temas de sonidos sostenidos y acompañamiento. Inmediatamente se pide a los estudiantes que comprendan que en la clave de fa, por regla general, se escriben notas de acompañamiento, notas para la mano izquierda.
Los conceptos de mayor y menor se introducen en ambos libros de texto en primer grado y bastante temprano. El primer contacto con estos modos en ambos casos está asociado con la naturaleza de la música (más enérgica - mayor, más tierna y triste - menor). Además, en el manual de Baraboshkina hay suficientes ejercicios útiles- ejemplos musicales emparejados que consisten en casi los mismos sonidos, pero que difieren en la altura de una de las notas (tercer grado) en un semitono. Esto ilustra la principal diferencia entre menor y mayor.
En ambos manuales, el concepto de armónico menor se introduce en el segundo grado (porque solo en el segundo grado los estudiantes captan más o menos firmemente los conceptos de escala, modo, sonidos estables e inestables; ya que en el armónico menor un papel importante es asignado al séptimo grado inestable, realmente es más recomendable realizarlo con aquellos que ya conocen los sonidos introductorios y conocen bien los pasos). Pero en el manual de Metallidi la armónica menor no es un tema aparte: todas las tonalidades menores que se enseñan en segundo grado se dan en tres formas a la vez (natural, armónica y melódica menor). Quizás esto también se deba a las características específicas del programa de especialidad: como regla general, al estudiar escalas en una especialidad, el estudiante debe tocar tres tipos de escalas menores a la vez.
En relación con el traste surge el problema de los sonidos estables e inestables. Si en el manual de Baraboshkina los conceptos mismos de "gamma", "pasos", "sonidos estables e inestables" se introducen sólo al final del primer grado, y los conceptos de sonidos introductorios aparecen sólo en el segundo grado, en el libro de texto de Metallidi todos esto también se da de forma más intensiva. Tanto Baraboshkina como Metallidi introducen el concepto de tónico bastante temprano.
En el manual de Metallidi se da gran importancia al trabajo con sonidos estables, en particular su canto (que prepara al alumno para comprender las relaciones entre sonidos estables e inestables, la gravedad de uno respecto del otro, su resolución, etc.).
Llaves
El concepto de tonalidad en el libro de texto de Baraboshkina se introduce en el primer grado después de los párrafos dedicados a los signos modales, tónicos y de alteración. A través del concepto de modo se introduce el concepto de tonalidad: “Todos los sonidos que están en armonía con la tónica forman una tonalidad”. Por lo tanto, hay una atención notable principalmente en las asociaciones auditivas de los estudiantes.
La primera tonalidad introducida en el libro de texto de Baraboshkina es Sol mayor (en el libro de texto de Metallidi es Do mayor, es decir, una tonalidad sin signos). En el libro de texto de Metallidi, las tonalidades se introducen de la siguiente manera: en el primer grado - Do mayor, Re mayor, Sol mayor y Fa mayor, en el segundo - menor paralelo al anterior (primero sin signos, luego con uno, luego con dos, y primero con sostenidos, luego con bemoles). En segundo grado, ambos libros de texto (el de Baraboshkina y el de Metallidi) introducen el concepto de tonalidades paralelas, pero mientras en el de Baraboshkina este es el tema de un párrafo, en el de Metallidi las tonalidades analizadas en el segundo grado se dan en pares (sol mayor - mi menor, fa mayor - re menor, si bemol mayor - sol menor).
El estudio de cada tonalidad en el manual de Metallidi está asociado a la designación de pasos, tríadas, sonidos introductorios y el canto de sonidos estables. El material musical que representa cada tono se basa en el desarrollo incidental del material tratado (lo cual también es típico del manual de Baraboshkina).
Ambos libros de texto implican tareas de reconocimiento de tonalidades basadas en los signos tónicos y clave.
Tríada
En el libro de texto de Baraboshkina para primer grado, la preparación para el estudio de las tríadas comienza en el párrafo dedicado al concepto de tonalidad (una tarea para afinar el oído, donde se utilizan notas dispuestas según tríadas). Al final de las canciones de ejemplo se dan las notas de la tríada tónica de la tonalidad en la que está escrito tal o cual ejemplo, y se recomienda al alumno cantarlas y recordarlas.
El concepto de acorde resulta estar asociado con las tríadas en el libro de texto de Baraboshkina (aunque un acorde no es necesariamente una tríada); el acorde se demuestra en el acompañamiento de los ejemplos musicales dados en el párrafo. El concepto de "sonidos sostenidos" está asociado con las tríadas en el libro de texto de Baraboshkina.
Ni el libro de texto de Baraboshkina ni el de Metallidi proporcionan ejemplos de tríadas aumentadas y disminuidas.
Las inversiones de tríadas se estudian en tercer grado, porque Es en tercer grado cuando los estudiantes se familiarizan con el sexto (el intervalo que forman los sonidos extremos al invertir las tríadas). De la misma manera, no es hasta tercer grado que se introduce a los estudiantes en las tríadas de otros niveles. En las escuelas con educación de cinco años (para adultos), las tríadas subdominantes y dominantes, las tríadas de otros niveles de la escala, las inversiones de tríadas y la conexión entre inversiones de tríadas de diferentes niveles se enseñan inmediatamente en el primer y segundo grado, y a veces incluso se introduce a los estudiantes en los conceptos de “frases plagales”, “giros auténticos”, “tríada en posición tert”, “tríada en quinta posición”, “tríada en posición fundamental”, que normalmente se estudian en los cursos de secundaria en armonía. y teoría musical, o incluso más allá del alcance del plan de estudios de la escuela de música para niños. Esto se explica por el hecho de que a los estudiantes adultos les resulta más fácil estudiar teoría que a los niños debido a una mayor formación de su intelecto.
Al mismo tiempo, en el manual de Metallidi, ya en el libro de texto de 1er grado, en la tercera tonalidad que los estudiantes deben pasar (sol mayor), hay una tarea para seleccionar un acompañamiento para la melodía propuesta (ejercicio 114) de la acordes dados (que componen la secuencia T 5/3 -S 6/4- D 6). Al finalizar este ejercicio, los estudiantes ya están familiarizados con los sonidos estables (grados I, IV, V de la escala), pero aún no se ha dicho nada sobre la conexión de estos acordes con los sonidos estables. Se asignan tareas similares (seleccionar un acompañamiento para la melodía a partir de los acordes de la secuencia anterior) a medida que los estudiantes avanzan en las tonalidades (fa mayor, re mayor, etc.) (tareas 152, 157, 179). De esta forma los estudiantes entrenan su audición armónica.
Intervalos
Tanto en el libro de texto de Metallidi como en el de Baraboshkina, el estudio de intervalos de acuerdo con el programa ocurre en el segundo año de estudio, pero la preparación para el estudio de intervalos comienza ya en el primer grado.
En el manual de primer grado de Baraboshkina, la preparación para el canto y la percepción de los intervalos comienza en el párrafo 10 (“Saltar dos notas”). Hasta este punto, el material musical presentado en párrafos se basaba en el movimiento a lo largo de la escala (ascendente y descendente); sin embargo, el concepto mismo de "escala" se introduce en este manual al final del primer grado. Sin embargo, el canto, que contiene movimiento en terceras, ya está contenido en el párrafo 8, donde aparece una melodía construida sobre tres sonidos adyacentes (el canto en sí está estructurado de tal manera que contiene todo el material cubierto en ese momento - un cambio en el patrón rítmico, pausas, y a esto se le agrega un nuevo movimiento melódico: un salto a la tercera (al mismo tiempo, el concepto de "tercera" aún no se ha introducido); El material es el ya clásico. canción popular“Familia”, que aparece, además, en varios manuales, incluido el manual de Metallidi.
Ambos libros de texto asocian intervalos con sonidos en modo estable e inestable. Ya se ha hecho clásica la explicación de dos tipos de terceras mediante tríadas tónicas. homónimo mayor y quintas menores, a través de la distancia entre los sonidos extremos de la tríada o de la distancia entre la tónica y la dominante. El cuarto intervalo generalmente se introduce no antes de que los estudiantes dominen el concepto de subdominante o el cuarto grado de un modo. Los intervalos de sexta y séptima se estudian en los grados superiores debido a la conexión del primer intervalo con la inversión de la tríada (acorde de sexta y cuarta de sexta), y el segundo con el concepto de acorde de séptima (que es difícil de percibir y recordar en los grados inferiores porque consta de cuatro sonidos, mientras que en los grados elementales los estudiantes todavía son capaces de distinguir de oído sólo los acordes de tres sonidos) y sus inversiones (cuya asimilación requiere más conocimientos sólidos intervalos del segundo al sexto). El concepto de octava entre los estudiantes de primaria, por regla general, no está asociado con un intervalo, sino con un registro (primera octava, menor, etc.); pero si, al estudiar las tríadas, se informa de una tríada expandida, hay que hablar de la octava como un intervalo.
Intervalos de nona, décima, etc. se estudian en la escuela secundaria (aunque, por ejemplo, los niños que aprenden a tocar el clarinete reciben el concepto de intervalo duodecime durante las clases de su especialidad debido a la especificidad del cambio de registro en este instrumento).
En el libro de texto de Metallidi para segundo grado, la introducción a los intervalos es muy intensiva. Los autores del libro de texto probablemente creen que si en segundo grado los estudiantes ya tienen experiencia tocando música a dos voces (tanto en el curso de solfeo como durante las clases de coro), entonces ya están suficientemente preparados para percibir los intervalos. Aunque las recomendaciones metodológicas del libro de texto (p. 77 y siguientes) dicen que es aconsejable explicar primero el significado de la palabra “intervalo” utilizando ejemplos de la vida cotidiana; Los autores del manual presentan los intervalos como “ladrillos” a partir de los cuales se construyen melodías y acordes. Inmediatamente se introducen los conceptos de intervalos "melódicos" y "armónicos", basándose en ejemplos musicales. En relación con los intervalos armónicos (cuando dos sonidos suenan simultáneamente), los conceptos de "disonancias" y "consonancias" se introducen utilizando el ejemplo de dos obras, una de las cuales, una canción lírica georgiana a dos voces, se basa en consonancias (sextos y terceras), y la segunda es una breve canción grotesca para piano compositor moderno“Un bulldog camina por la acera” - sobre disonancias (segundos y tritonos). Se requiere que los estudiantes desarrollen inmediatamente las habilidades para construir intervalos a partir de cualquier sonido hacia arriba y hacia abajo.
A los estudiantes se les muestran intervalos de prima a octava. Cada uno de los intervalos está ilustrado con material musical. El procedimiento para estudiar intervalos es el siguiente. Los primeros intervalos con los que se familiarizan los niños son la prima y la octava (aunque la octava es bastante difícil de cantar, se reconoce fácilmente de oído). Luego se presenta a los estudiantes la segunda y la quinta: la segunda es fácil de recordar debido a su sonido específico y la quinta es uno de los intervalos sobre los que se construye la tríada. Las terceras y cuartas se cubren después de dominar la quinta, y ambos intervalos (tercera y cuarta) se explican a través de la estructura de la tríada (desde la tercera hasta el comienzo de la tríada, desde el cuarto hasta el quinto y el primer grado de la tríada expandida). Usando el tercero como ejemplo, el alumno se familiariza con el concepto de intervalos mayores y menores. El manual de Metallidi, al igual que el de Baraboshkina, supone que el alumno tiene estos intervalos ya grabados en la memoria musical gracias al material estudiado y, posiblemente, a las clases de la especialidad.
Las ilustraciones musicales para cada intervalo se seleccionan con el objetivo de familiarizar a los estudiantes no solo con el sonido del intervalo en sí, sino también con sus capacidades estilísticas y expresivas (qué estado de ánimo de la melodía imparte el carácter sonoro de un intervalo particular en un armónico). o posición melódica).
En el manual de Baraboshkina para segundo grado, los conceptos de "armónico" y "intervalos melódicos" no se introducen, y el estudio de la teoría asociada con los intervalos en sí ocupa un lugar bastante modesto. Sin embargo, el material musical del libro de texto contiene muchos ejercicios que preparan gradualmente al alumno para la percepción y entonación de determinados intervalos. En el libro de texto de segundo grado de Baraboshkina, se supone que el trabajo sólo debe realizarse con intervalos de tríada (quintos y tercios) y cuartos.
3.2 Ejercicios para desarrollar las habilidades musicales básicas de los estudiantes
Enseñanza de la lectura a primera vista. Transposición
Los ejercicios preparatorios para la lectura a primera vista y los ejercicios para la lectura a primera vista ocupan un lugar importante en el curso de solfeo y se les asigna un espacio importante en ambos manuales.
En el libro de texto de Baraboshkina para primer grado, el concepto de solfeo, es decir, cantar con notas, se introduce desde las primeras lecciones (cuando el alumno ya está familiarizado con cinco notas, suficientes para componer las melodías más simples). Además, se dedican muchos ejercicios a garantizar que los estudiantes desarrollen una conexión mental entre la posición de una nota en el pentagrama y el tono de su sonido.
Todos los ejercicios de canto a primera vista de ambos manuales están diseñados para este propósito. de modo que en el material musical presentado en estos ejemplos se practica y refuerza el material teórico tratado en las lecciones (movimiento en tríadas, pasos de canto, etc.). Además, según una larga tradición, los ejemplos de canto a primera vista incluyen música folclórica de diferentes países (melódicos cuyos movimientos, sin embargo, no se alejan demasiado de los principios clásicos). El material para el canto visual debe aprenderse de memoria, lo que entrena la memoria musical.
Desde las primeras lecciones, ambos manuales introducen el concepto de transposición (se sugiere cantar tal o cual melodía más grave o más aguda, y también seleccionarla en el piano entre diferentes teclas). La tarea que se plantea en el libro de texto de Baraboshkina casi desde las primeras lecciones (selección de melodías de cualquier tonalidad) parece útil, gracias al comentario que incluye: “Si una tecla blanca en un lugar u otro de la melodía suena feo , intenta usar el negro más cercano ". De esta manera, el estudiante entrena su oído (incluso a través del autocontrol) y aprende a manejar el teclado del piano, aunque el manual de Baraboshkina no implica el tipo de interpretación centrada en el piano que contiene el manual de Metallidi.
Entrenamiento del oído musical. Dictados musicales
En el manual de Baraboshkina (tanto para el primer como para el segundo grado), se presta especial atención al ajuste de la audición. Cada párrafo, empezando por el 6, va precedido de una recomendación de “afinar los oídos”. La sintonización de tu audición comienza desde el momento en que en los ejercicios, junto con el movimiento a través de escalas, también aparece el movimiento a través de intervalos. Según el autor del libro de texto, las tríadas también deben aprenderse afinando el oído (es decir, memorizando el sonido de determinadas notas). Además, a través del canto y ejercicios auditivos en la práctica, este manual brinda, por ejemplo, algunos características importantes acompañamiento clásico (progresión de tónica - dominante - tónica). El manual de Baraboshkina dedica menos espacio a las dos voces que el manual de Metallidi, pero los ejercicios preparatorios para dos voces se presentan bastante bien. Quizás el manual de Baraboshkina se base en el principio de que las dos voces serán más fáciles de aprender y memorizar si el estudiante tiene un oído bien afinado, es decir, si recuerda con bastante firmeza cómo suenan las notas.
Los dictados musicales están fuera del alcance de este manual; se supone que su elección depende de las preferencias del propio docente.
En el manual Metallidi-Pertsovskaya para segundo grado, también se presta especial atención a los ejercicios de entonación (se supone que se les debe asignar de 5 a 7 minutos en cada lección). Al estudiar tonalidades, se recomienda cantar un grupo de escalas de igual duración en diferentes tamaños, cantando en cadena (cada alumno canta uno de los sonidos de la escala), cantando en voz alta y en silencio (por ejemplo, cantando solo en voz alta sonidos estables o solo inestables), cantar escalas a lo largo de tetracordios, cantar sonidos estables en diferentes órdenes, otros pasos en diferentes órdenes.
También hay ejercicios de entonación para dominar los intervalos (intervalos de canto como la proporción de grados de escala, intervalos de canto de sonidos hacia arriba y hacia abajo, interpretación de intervalos puros, pequeños y grandes) y tríadas.
Los ejercicios auditivos proporcionados por el manual de Metallidi para segundo grado también incluyen determinar de oído el modo de una melodía particular, el tipo de menor, reconocer un patrón rítmico particular y el intervalo al tocar ejemplos musicales.
De los dictados del manual de Metallidi, sólo se recomienda la variedad rítmica: es necesario formular una melodía escrita rítmicamente en la pizarra con un ritmo no marcado después de escucharla. También se propone identificar de oído los tetracordes de una determinada escala, los sonidos de tríadas en diferentes órdenes, etc.
§ 3.3. Juego y tareas creativas.
El manual de A. Baraboshkina no incluye tareas creativas y de juego, ya que en el momento en que se publicó este manual por primera vez, técnicas de juego No se prestó la debida atención a la formación.
En el manual de J. Metallidi y A. Pertsovskaya, por el contrario, las tareas lúdicas y creativas se presentan como parte integral del proceso educativo. A través del juego y la creatividad independiente, los estudiantes dominan mejor los conceptos y reglas básicos del lenguaje musical.
Por eso se presta mucha atención a que los estudiantes toquen música, y no sólo el piano. Quizás fue precisamente el deseo de evitar esas dificultades psicológicas que aguardan a un joven músico que aún no sabe tocar el piano durante los ejercicios del instrumento en el aula, lo que fue dictado por la introducción de los autores del libro de texto al solfeo. Curso de música tocando en una orquesta de ruido. Los instrumentos de ruido (cucharas, pandereta, metalófono) no requieren prácticamente ninguna técnica de interpretación y, al mismo tiempo, resultan igualmente desconocidos para los estudiantes de cualquier especialidad (especialidad " instrumentos de percusión"existe en muy cantidades limitadas escuelas). Tocar música en una orquesta de ruido (acompañamiento según la partitura adjunta de la parte de piano, dirigido por el profesor) ayuda a desarrollar el sentido del ritmo (las partes de los instrumentos de ruido a veces representan un ritmo bastante complejo, algo diferente en patrón de la parte de la instrumento solista), pero también desarrolla habilidades para tocar en un conjunto (siguiendo su parte y al mismo tiempo escuchando a sus compañeros), lo que en el futuro puede ser útil en lecciones especializadas en los últimos años (donde el programa incluye música de conjunto y orquestal jugando).
También un papel importante en proceso educativo Se tocan elementos de la composición musical (la tarea es escribir una “respuesta” a un tema propuesto por el profesor - “pregunta”, componer una melodía para los versos propuestos). Al realizar estas tareas, los estudiantes podrán poner en práctica todos los conocimientos teóricos (sobre intervalos, movimiento melódico, etc.) que adquirieron en las clases de solfeo.
Basándonos en el análisis de los dos manuales, podemos decir lo siguiente.
El manual de Baraboshkina, que es más pobre en material, pero más "suave" en términos de trabajar con los estudiantes y presentar más a fondo el material estudiado, puede recomendarse para su uso en grupos de estudiantes con habilidades musicales promedio, o estudiantes por alguna razón (miedo de errores, debilidad física, fatiga, timidez o similares) que no pueden soportar la presentación intensiva de material que caracteriza a los libros de texto más modernos.
El manual Metallidi-Pertsovskaya debe utilizarse en grupos donde se enseña a niños que son más fuertes o que tienen una formación musical preescolar, así como a niños que no temen pensar creativamente y participar en la creatividad. El programa que brinda este beneficio, bastante intensivo, les permitirá trabajar a su máximo potencial y demostrar habilidades creativas. La incapacidad de trabajar a su máximo potencial en el aula a menudo lleva a que los niños superdotados y enérgicos pierdan interés en las clases, se vuelvan letárgicos y perezosos porque aprender les resulta demasiado fácil y no ven el sentido de prestar la debida atención a dicho aprendizaje; La pérdida de habilidades para trabajar con material educativo puede llevar al hecho de que estos niños ya no puedan trabajar con material verdaderamente complejo.
Conclusión
La enseñanza del solfeo en las clases inferiores de las escuelas de música para niños es un proceso complejo, que requiere mucho tiempo y que tiene sus propias características específicas. Es importante entender el solfeo como una disciplina fundamental que sienta las bases para el desarrollo del pensamiento musical en los estudiantes.
Al enseñar solfeo, es necesario tener en cuenta varios parámetros a la vez. En primer lugar, estas son las características de la psicología infantil: el grado de desarrollo de uno u otro tipo de pensamiento, métodos de cognición y características de percepción del mundo. En segundo lugar, las habilidades musicales reales de los niños de un grupo en particular. Finalmente, en tercer lugar, el grado de preparación de los niños para estudiar un tema en particular (la presencia o ausencia de determinadas habilidades y destrezas).
Todas las materias incluidas en el curso de la Escuela de Música Infantil están relacionadas con el solfeo, y el programa de solfeo, por un lado, ayuda a dominar otras disciplinas y, por otro lado, se basa en estas disciplinas.
Las características psicofisiológicas de la edad de los escolares más jóvenes son una fuente de dificultad para aprender solfeo. Por tanto, la tarea del docente es optimizar el proceso de aprendizaje a partir de esta especificidad psicofisiológica.
En una lección de solfeo (como en una lección de lengua extranjera o nativa), deben participar todo tipo de actividades: escuchar, cantar, ejercicios de escritura, lectura a primera vista, trabajar con un instrumento. Las habilidades en la enseñanza del solfeo se desarrollan mejor utilizando un enfoque sincrético: el desarrollo del oído musical (el tema principal de las clases de solfeo) se entrena mediante el trabajo no solo de los órganos auditivos, sino también de otros órganos: las cuerdas vocales (que se ve facilitado por ejercicios de entonación), motricidad fina de la mano (ejercicios escritos, trabajo con un instrumento), otros músculos (tareas de sincronización, determinación del ritmo, que en los grados inferiores pueden parecerse a estudios plásticos). El desarrollo de la memoria musical tiene una gran importancia en la enseñanza del solfeo.
Para un niño de 6 a 8 años que ingresa a una escuela de música, gran parte del programa del curso de solfeo es difícil debido a su pensamiento abstracto poco desarrollado y al desarrollo insuficiente del oído musical. Por supuesto, en las escuelas de música para niños solo se inscriben niños con oído para la música, pero esta capacidad, con raras excepciones, está prácticamente subdesarrollada: carecen de un sentido modal, de audición armónica, a menudo tienen dificultades para percibir el ritmo del compás, los niños No siempre sé entonar correctamente (desde -debido al desarrollo insuficiente de las cuerdas vocales). Finalmente, a la hora de enseñar alfabetización musical, los niños se enfrentan al mismo problema que cuando aprenden a leer y escribir en una escuela secundaria: dificultades para asociar una imagen visual y auditiva en un texto musical. Además, las dificultades aquí son incluso mayores que cuando se aprende a leer: si al leer una letra en particular no nos interesa su altura y duración, entonces al leer notas es necesario tener en cuenta ambos parámetros. Además, a los niños con audición relativa (de los cuales la gran mayoría están en la escuela de música) les resulta difícil reproducir notas con precisión sin afinar primero su oído y su voz. Los libros de texto que analizamos en el Capítulo 3 contienen tareas para afinar el oído y la voz, desarrollar habilidades básicas que deben desarrollarse al cantar a primera vista en las clases más jóvenes de las escuelas de música para niños, la capacidad de distinguir diferentes tipos de movimientos melódicos en un texto musical (por escala , por tríada, por intervalos), determinar sonidos y tonalidades estables e inestables (mediante signos en la clave y tónica), navegar por el patrón rítmico y ser capaz de pulsar durante ciertas duraciones al interpretar el texto en el tamaño especificado.
Las habilidades requeridas se desarrollan mejor en estudiantes más jóvenes a través de un enfoque sincrético (cuando varias habilidades se desarrollan simultáneamente y en estrecha interrelación). Al mismo tiempo, el aspecto del juego es importante, ya que los niños pequeños aún no están preparados para los métodos de enseñanza "académicos" y, al mismo tiempo, les resulta más fácil aprender utilizando métodos sincréticos que a los adultos, ya que su actividad del habla es más estrechamente relacionado con la plasticidad corporal que en los adultos y el gesto. Y como se mencionó anteriormente, enseñar solfeo tiene mucho en común con enseñar tipos de actividades del habla.
Los juegos y las tareas creativas son útiles cuando se enseña solfeo a niños de primaria, porque corresponden al principio de sincretismo (todo tipo de actividades están involucradas en el juego) y ayudan al niño a desarrollar las habilidades que necesita como futuro artista escénico: creatividad, imaginación. pensamiento, la capacidad de penetrar en el carácter texto musical y representar un personaje o estado de ánimo particular en la música.
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lección de enseñanza de solfeo música
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