Obra de arte decorativo popular: tipos. Arte popular Creación de obras de arte popular.

29.06.2020

artístico, arte popular, folklore, artístico actividad creativa gente trabajadora; poesía, música, teatro, danza, arquitectura, bellas artes y artes decorativas creadas por el pueblo y existentes entre las masas. En la creatividad artística colectiva, las personas reflejan sus actividades laborales, vida social y cotidiana, conocimientos de la vida y la naturaleza, cultos y creencias. El N. t., formado en el curso de la práctica del trabajo social, encarna las opiniones, ideales y aspiraciones del pueblo, su fantasía poética, mundo mas rico pensamientos, sentimientos, vivencias, protesta contra la explotación y la opresión, sueños de justicia y felicidad. Habiendo absorbido la experiencia centenaria de las masas, N. t se distingue por la profundidad del dominio artístico de la realidad, la veracidad de las imágenes y el poder de la generalización creativa.

Las imágenes, temas, motivos y formas más ricas del arte literario surgen en la compleja unidad dialéctica de la creatividad individual (aunque, por regla general, anónima) y la conciencia artística colectiva. Durante siglos, el colectivo popular ha seleccionado, mejorado y enriquecido las soluciones encontradas por los maestros individuales. La continuidad y estabilidad de las tradiciones artísticas (en cuyo marco, a su vez, se manifiesta la creatividad personal) se combinan con la variabilidad y la implementación diversa de estas tradiciones en obras individuales.

La colectividad de la literatura científica, que constituye su base constante y su tradición eterna, se manifiesta durante todo el proceso de formación de las obras o de sus tipos. Este proceso, incluyendo la improvisación, su consolidación por la tradición, posterior mejora, enriquecimiento y en ocasiones renovación de la tradición, resulta extremadamente prolongado en el tiempo. Es característico de todo tipo de obra literaria que los creadores de una obra son simultáneamente sus intérpretes, y la interpretación, a su vez, puede ser la creación de variantes que enriquezcan la tradición; También es importante el estrecho contacto de los artistas con personas que perciben el arte, quienes a su vez pueden actuar como participantes en el proceso creativo. Las principales características del folclore también incluyen la indivisibilidad conservada durante mucho tiempo y la unidad altamente artística de sus tipos: poesía, música, danza, teatro y artes decorativas fusionadas en acciones rituales populares; en la casa del pueblo, la arquitectura, la talla, la pintura, la cerámica y el bordado formaban un todo inseparable; poesía popular

Está estrechamente relacionado con la música y su rítmica, musicalidad y la naturaleza de la interpretación de la mayoría de las obras, mientras que los géneros musicales suelen estar asociados con la poesía, los movimientos laborales y las danzas. Las obras y conocimientos de la literatura científica se transmiten directamente de generación en generación. N. T. apareció base histórica de toda la cultura artística mundial. Sus principios originales, las formas, tipos y en parte imágenes más tradicionales se originaron en la antigüedad en las condiciones de una sociedad preclasista, cuando todo el arte era creación y propiedad del pueblo (ver Arte primitivo). CON desarrollo social

La ciencia de la tecnología de diferentes pueblos, a menudo muy alejados unos de otros, tiene muchas características y motivos comunes que surgieron en condiciones similares o fueron heredados de una fuente común. Al mismo tiempo, la literatura nacional ha absorbido durante siglos las peculiaridades de la vida y la cultura nacionales de cada pueblo. Ha conservado su vivificante base laboral, sigue siendo un tesoro de la cultura nacional, un exponente de la autoconciencia nacional. Esto determinó la fuerza y la fecundidad de la influencia de la crítica literaria en todo el arte mundial, como lo demuestran las obras de F. Rabelais y W. Shakespeare, A. S. Pushkin y N. A. Nekrasov, P. Bruegel y F. Goya, M. I. Glinka y M. P. Mussorgsky. A su vez, N. t adoptó muchas cosas del arte "alto", que encontró diversas expresiones, desde frontones clásicos hasta chozas campesinas Ah, a las canciones populares basadas en palabras de grandes poetas. N. t. ha conservado valiosas pruebas de los sentimientos revolucionarios del pueblo, de su lucha por su felicidad.

En condiciones capitalistas, al haber caído en la esfera de las relaciones socioeconómicas burguesas, la ciencia y la tecnología se desarrollan de manera extremadamente desigual. Muchas de sus ramas se están degradando, desapareciendo por completo o corren peligro de ser reemplazadas; otros pierden sus valiosos rasgos al industrializarse o adaptarse a las demandas del mercado. En el siglo XIX altura identidad nacional, los movimientos democráticos y de liberación nacional y el desarrollo del romanticismo despertaron el interés en N. t. A finales de los siglos XIX y XX. La influencia del folclore en la cultura mundial va en aumento, se están restaurando algunas ramas perdidas del folclore y se están organizando museos y sociedades para su protección. Al mismo tiempo, el mecenazgo público y privado de las artes a menudo subyuga a N. t. fines comerciales, los intereses de la “industria turística”, para la cual cultiva en ella los rasgos más arcaicos y restos religioso-patriarcales.

En una sociedad socialista se han creado las condiciones para la preservación y el desarrollo de la tecnología científica; heredar y establecer nacional tradiciones populares, está imbuido de las ideas del socialismo, el patetismo de reflejar una realidad nueva y transformada; N. t. goza del apoyo sistemático del Estado y de las organizaciones públicas, y sus maestros reciben premios y títulos honoríficos. Se ha creado una red de instituciones de investigación: institutos y museos que estudian la experiencia de la tecnología científica y contribuyen a su desarrollo. Muchos géneros tradicionales de no ficción están desapareciendo (por ejemplo, folklore ritual, conspiraciones, dramas populares), pero otros encuentran un nuevo lugar en la vida. También están naciendo nuevas formas de cultura artística de masas. Se están desarrollando intensamente representaciones artísticas de aficionados (coros, grupos coreográficos, teatros folclóricos, etc.), que tienen un carácter diferente al N. t., pero que utilizan en parte su patrimonio. Los altos ejemplos de N. t creados a lo largo de muchos siglos conservan el significado de una vida eterna. herencia cultural, un tesoro de experiencia artística de masas.

La poesía popular es la creatividad artística verbal masiva de un pueblo en particular; la totalidad de sus tipos y formas, denotados en la ciencia moderna por este término, tiene otros nombres: literatura popular, literatura oral, poesía popular, folklore. La creatividad artística verbal surgió en el proceso de formación del habla humana. En una sociedad preclasista, está estrechamente relacionado con otros tipos de actividad humana, reflejando los inicios de su conocimiento e ideas religiosas y mitológicas. En el proceso de diferenciación social de la sociedad surgieron diversos tipos y formas de creatividad verbal oral, expresando los intereses de diferentes grupos y estratos sociales. El papel más importante en su desarrollo lo jugó la creatividad de las masas trabajadoras. Con la llegada de la escritura surgió la literatura que históricamente estuvo asociada a la literatura oral.

La colectividad de la literatura oral (es decir, no sólo la expresión de los pensamientos y sentimientos de un grupo, sino sobre todo el proceso de creación y difusión colectiva) determina la variabilidad, es decir, la variabilidad de los textos en el proceso de su existencia. Al mismo tiempo, los cambios podrían ser muy diferentes: desde pequeñas variaciones estilísticas hasta importantes modificaciones del plan. En la memorización, así como en la variedad de textos, las fórmulas estereotipadas peculiares desempeñan un papel importante: los llamados lugares comunes asociados con determinadas situaciones de la trama, que pasan de un texto a otro (por ejemplo, en las epopeyas, la fórmula para ensillar un caballo, etc. .).

En el proceso de existencia, los géneros de ficción literaria verbal experimentan períodos ("edades") "productivos" e "improductivos" de su historia (aparición, distribución, entrada en el repertorio masivo, envejecimiento, extinción), y esto se asocia en última instancia con Social y cultural: cambios cotidianos en la sociedad. La estabilidad de la existencia de textos folclóricos en la vida popular se explica no solo por su valor artístico, sino también por la lentitud de los cambios en el estilo de vida, la cosmovisión y los gustos de sus principales creadores y guardianes: los campesinos. Los textos de obras folclóricas de diversos géneros son modificables (aunque en distintos grados). Sin embargo, en general, el tradicionalismo tiene una fuerza inmensamente mayor en la ficción literaria que en la creatividad literaria profesional.

La colectividad de la literatura verbal no significa su impersonalidad: maestros talentosos influyeron activamente no solo en la creación, sino también en la difusión, mejora o adaptación de los textos a las necesidades del colectivo. En las condiciones de la división del trabajo, surgieron profesiones únicas de artistas de producción. N. t. (antiguos rapsodas y aeds griegos, skomorokhs rusos, kobzars ucranianos (ver Kobzar), Akyns kazajos y kirguís, etc.). En algunos países de Oriente Medio y Asia Central, y en el Cáucaso, se desarrollaron formas transitorias de literatura verbal: las obras creadas por determinadas personas se distribuían oralmente, pero el texto cambiaba relativamente poco; introducido en el texto (por ejemplo, Toktogul Satylganov en Kirguistán, Sayat-Nova en Armenia).

La riqueza de géneros, temas, imágenes y poéticas de la música folclórica verbal se debe a la variedad de sus funciones sociales y cotidianas, así como a los métodos de interpretación (solista, coro, coro y solista), la combinación de texto con melodía, entonación y movimientos (cantar, cantar y bailar, contar historias, actuar, dialogar, etc.). A lo largo de la historia, algunos géneros sufrieron cambios importantes, desaparecieron y aparecieron otros nuevos. En la antigüedad, la mayoría de los pueblos tenían tradiciones tribales, canciones rituales y de trabajo y conspiraciones. Más tarde, surgieron cuentos mágicos y cotidianos, cuentos sobre animales y formas de epopeya preestatales (arcaicas). Durante la formación de la estadidad, un clásico. epopeya heroica, luego surgieron las canciones históricas (Ver Canción) y las baladas (Ver Balada). Incluso más tarde se formaron canciones líricas no rituales, romances, chastushkas y otros pequeños géneros líricos y, finalmente, el folclore obrero (canciones revolucionarias, cuentos orales, etc.).

A pesar del brillante colorido nacional de las obras del literario N. t. diferentes naciones, muchos motivos, imágenes e incluso tramas son similares en ellos. Por ejemplo, alrededor de dos tercios de las tramas de los cuentos de hadas de los pueblos europeos tienen paralelos con los cuentos de hadas de otros pueblos, lo que se debe al desarrollo de una fuente, o a la interacción cultural, o al surgimiento de fenómenos similares basados en patrones generales de desarrollo social.

Hasta finales de la era feudal y el período del capitalismo, la literatura científica verbal se desarrolló de manera relativamente independiente de literatura escrita. Más tarde, las obras literarias penetran más activamente que antes en el entorno popular (por ejemplo, "El prisionero" y "El chal negro" de A. S. Pushkin, "Los vendedores ambulantes" de N. A. Nekrasov; ver también sobre esto en el artículo Poesía rusa libre, literatura popular) . Por otro lado, la obra de los narradores populares adquiere algunos rasgos de la literatura (individualización de personajes, psicologismo, etc.). En una sociedad socialista, la accesibilidad a la educación brinda igualdad de oportunidades para descubrir los talentos y la profesionalización creativa de las personas más talentosas. En estrecho contacto con el arte socialista profesional se desarrollan diversas formas de cultura verbal y artística de masas (el trabajo de compositores, cancioneros, composición de interludios y parodias satíricas, etc.); Entre ellos, las formas tradicionales de ficción literaria verbal siguen desempeñando un cierto papel. Los siglos de existencia han garantizado su perdurabilidad. valor artístico y la existencia a largo plazo de canciones, cuentos de hadas, leyendas, etc., que reflejan más claramente las características de la estructura espiritual del pueblo, sus ideales, esperanzas, gustos artísticos y forma de vida. Esto también determina la profunda influencia de la teoría literaria verbal en el desarrollo de la literatura. M. Gorky dijo: “... El comienzo del arte de la palabra está en el folklore” (“Sobre la literatura”, 1961, p. 452). Para conocer el registro del folclore, su estudio y los principios metodológicos de estudio, consulte Folclore.

música folklórica ( folklore musical) - creatividad colectiva vocal (principalmente canción), instrumental y vocal-instrumental del pueblo; Existe, por regla general, en forma no escrita y se transmite a través de tradiciones escénicas. Al ser propiedad de todo el pueblo, el teatro musical existe principalmente gracias al arte escénico de talentosos pepitas. Estos son entre diferentes pueblos Kobzar, guslar (ver Gusli), bufón (ver bufones), Ashug, Akyn, kuishi (ver Kuy), Bakhshi, gusan (ver Gusans), Hafiz, olonkhosut (ver Olonkho), aed (ver Aeds) , Malabarista, Juglar, Shpilman, etc. Los orígenes de la música folclórica, como otras artes, se remontan al pasado prehistórico. Las tradiciones musicales de diversas formaciones sociales son extremadamente estables y tenaces. Cada era historica Conviven obras más o menos antiguas y transformadas, así como obras de nueva creación basadas en ellas. Juntos forman el llamado folklore musical tradicional. Su base es la música del campesinado, que durante mucho tiempo conserva las características de relativa independencia y, en general, se diferencia de la música asociada con tradiciones escritas más jóvenes. Los principales tipos de folclore musical son canciones (ver Canción), cuentos épicos (por ejemplo, epopeyas rusas, Yakut olonkho), melodías de baile, coros de danza (por ejemplo, cancioncillas rusas (ver Chastushka)), piezas instrumentales y melodías (señales). . , baile). Cada pieza de folclore musical está representada por un sistema completo de variantes relacionadas estilística y semánticamente que caracterizan los cambios en la música folclórica en el proceso de su interpretación.

La riqueza de géneros de la música folclórica es el resultado de la diversidad de sus funciones vitales. La música acompañó toda la vida laboral y familiar del campesino: días festivos del círculo agrícola anual (villancicos (ver villancicos), canciones de Vesnyanka, Maslenitsa, Kupala), trabajo de campo (cantos de siega, cosecha), nacimiento, boda (canciones de cuna y bodas). canciones), muerte (lamentos fúnebres). Entre los pueblos pastores, las canciones se asociaban con domar un caballo, arrear ganado, etc. Más tarde mayor desarrollo En el folclore de todos los pueblos, han aparecido géneros líricos, donde melodías breves y simples de canciones laborales, rituales, danzas y épicas o melodías instrumentales son reemplazadas por improvisaciones musicales detalladas y, a veces, complejas: vocales (por ejemplo, una canción rusa prolongada, Doina rumana y moldava) e instrumental (por ejemplo, piezas programáticas de violinistas transcarpáticos, caballeros búlgaros, dombras kazajos, komuz kirguís, dutaristas turcomanos, conjuntos y orquestas uzbekos, tayikos, indonesios, japoneses y otros instrumentos).

En varios géneros de música folclórica, se han desarrollado varios tipos de Melos, desde el recitativo (Carelia, Runas, epopeyas rusas, epopeyas eslavas del sur) hasta ricamente ornamentales (canciones líricas de las culturas musicales del Cercano y Medio Oriente), polifonía (ver polifonía) (polirítmica una combinación de campañoles en conjuntos de pueblos africanos, acordes corales alemanes, polifonía subvocal de cuarto segundo georgiano y ruso medio, sutartinas canónicas lituanas), rítmicas (ver Rítmica) (en particular, fórmulas rítmicas que generalizaron el ritmo del trabajo típico y movimientos de baile), sistemas de escala de modo (desde modos primitivos y estrechos y voluminosos hasta una “estructura melódica libre” diatónica desarrollada). También son variadas las formas de las estrofas, las coplas (parejas, simétricas, asimétricas, etc.) y las obras en su conjunto. La música musical existe en formas de una sola voz (solista), antifonal (ver Antífona), de conjunto, coral y orquestal. Los tipos de polifonía coral e instrumental son variados: desde heterofonía (ver Heterofonía) y bourdon (un fondo de bajo que suena continuamente) hasta complejas formaciones polifónicas y de acordes. Cada cultura musical popular nacional, incluido un sistema de dialectos del folclore musical, forma un todo musical y estilístico y al mismo tiempo se une con otras culturas en comunidades folclóricas y etnográficas más grandes (por ejemplo, en Europa: escandinava, báltica, de los Cárpatos, de los Balcanes, Mediterráneo y etc.).

La grabación de música folclórica (en el siglo XX con la ayuda de equipos de grabación de sonido) se lleva a cabo mediante una disciplina científica especial: la etnografía musical, y su estudio, la etnomusicología (folclorística musical).

Sobre la base de la música folclórica surgieron casi todas las escuelas profesionales nacionales, cada una de las cuales contiene ejemplos de diversos usos del patrimonio folclórico, desde los arreglos más simples de melodías populares hasta la creatividad individual, que implementa libremente el folclore. pensamiento musical, leyes específicas de una tradición musical popular particular. En la práctica musical moderna, la música es una fuerza fertilizante tanto para el arte profesional como para diversas formas de arte amateur.

En Rusia, los dramas "El zar Maximiliano y su hijo rebelde Adolf", "El barco" (variantes: "El barco", "La banda de ladrones", "Stepan Razin", "El cuervo negro") estaban más extendidos entre los campesinos, soldados, y entorno de fábrica; También se representaron los dramas "El rey Herodes" y "Cómo el francés tomó Moscú". Por su tipo, pertenecen a los dramas de lucha contra tiranos, heroicos o los llamados dramas de ladrones, conocidos en muchas naciones. El "zar Maximiliano" tiene una fuente literaria: el drama escolar "La corona de Demetrio" (1704), basado en "La vida de San Demetrio"; “The Boat” (finales del siglo XVIII) es una dramatización de la canción popular “Down the Mother Volga”. La formación final de estas obras está asociada a la inclusión en su texto de fragmentos de obras de poetas de finales del siglo XVIII y primera mitad del XIX. - G. R. Derzhavin, K. N. Batyushkov, A. S. Pushkin, M. Yu. Lermontov, motivos e imágenes de novelas impresas populares. En Rusia también hubo obras satíricas "El barín", "El barín desnudo", "Petrushka".

El rasgo más característico teatro folklórico(como en el arte popular en general) es la convención abierta de disfraces y accesorios, movimientos y gestos; Durante las actuaciones, los actores se comunicaban directamente con el público, quien podía dar pistas, intervenir en la acción, dirigirla y, en ocasiones, participar en ella (cantar con el coro de artistas, representar personajes secundarios en escenas de multitudes). El teatro popular, por regla general, no tenía escenario ni decoración. El principal interés en él no se centra en la profundidad de la revelación de los personajes de los personajes, sino en la naturaleza trágica o cómica de situaciones y situaciones. De gran importancia son los monólogos de salida de los personajes, la interpretación por parte de los personajes de canciones (populares o compuestas especialmente para la representación) y arias de óperas. Hay dos tipos de personajes en el drama popular: dramáticos (heroicos o románticos) y cómicos. Los primeros se distinguen por un estilo muy solemne de discursos, monólogos y diálogos, los segundos por técnicas cómicas, de parodia y juegos de palabras. La representación tradicional en el teatro folclórico determinó posteriormente la aparición de un tipo especial. representaciones teatrales, obtuvo una forma estable. Estas representaciones en muchos países se denominan teatro tradicional. Las representaciones de pantomima de danza folclórica están muy extendidas en los países asiáticos desde la antigüedad. Sobre esta base se formó el teatro tradicional de los pueblos de Asia: los teatros wayang topeng en Indonesia, los teatros kolam en la isla. Sri Lanka (Ceilán), Kathakali en India, etc.

La originalidad de las técnicas artísticas y escénicas del teatro popular atrajo a figuras del teatro profesional y fue utilizada por ellos (W. Shakespeare, Moliere, C. Goldoni, A. N. Ostrovsky, E. De Philippe, etc.).

La danza folclórica es uno de los tipos más antiguos de danza folclórica. La danza formaba parte de representaciones folclóricas en fiestas y ferias. La aparición de danzas circulares y otras danzas rituales está asociada con los rituales populares (danza del fuego ceilán, danza de la antorcha noruega, danzas circulares eslavas asociadas con los rituales de rizar un abedul, tejer coronas y encender fuegos). Alejándose gradualmente de las acciones rituales, las danzas circulares se llenaron de nuevos contenidos que expresaban nuevas características de la vida cotidiana. Los pueblos dedicados a la caza y la cría de animales reflejaban sus observaciones del mundo animal en sus danzas. El carácter y las costumbres de los animales, pájaros y animales domésticos se transmitían de forma figurativa y expresiva: la danza del búfalo. Indios norteamericanos, Pencak indonesio (tigre), danza del oso Yakut, Pamir - águila, chino, indio - pavo real, finlandés - gobio, grulla rusa, ganso, pelea de gallos noruego, etc. Surgen danzas sobre el tema del trabajo rural: danza letona de los segadores, hutsul - leñadores, estonios - zapateros, lyank bielorruso, poame de Moldavia (uvas), gusano de seda uzbeko, suero de leche (algodón). Con la llegada de la artesanía y el trabajo fabril, surgieron nuevas danzas folclóricas: el tonelero ucraniano, la danza de los sopladores de vidrio alemanes, el "Cómo se teje la tela" de Carelia, etc. Las danzas folclóricas a menudo reflejan el espíritu militar, el valor, el heroísmo, las escenas de batalla son reproducidas danzas (“pírricas” de los antiguos griegos, que combinaban arte de la danza con técnicas de esgrima, khorumi georgiano, berikaoba, danza de espadas escocesa, danzas cosacas, etc.). Gran lugar en la danza N. se ocupa el tema del amor; Inicialmente estos bailes eran abiertamente eróticos; Posteriormente aparecieron bailes que expresaban la nobleza de los sentimientos, una actitud respetuosa hacia una mujer (Kartuli georgiano, Cuadrilla rusa Baynovskaya, Masur polaco).

Cada nación ha desarrollado sus propias tradiciones de danza, lenguaje plástico, coordinación especial de movimientos, métodos de relacionar el movimiento con la música; Para algunos, la construcción de una frase de baile es sincrónica con la musical, para otros (entre los búlgaros) no es sincrónica. Las danzas de los pueblos de Europa Occidental se basan en el movimiento de las piernas (los brazos y el cuerpo parecen acompañarlos), mientras que en las danzas de los pueblos de Asia Central y otros países del Este la atención principal se presta al movimiento de los brazos y el cuerpo. En la danza folclórica siempre domina el principio rítmico, que es enfatizado por el bailarín (golpes, palmas, repique de timbres, campanas). Se realizan numerosos bailes con el acompañamiento de instrumentos folklóricos que los bailarines suelen tener en la mano (castañuelas, pandereta, tambor, doira, acordeón, balalaika). Algunos bailes se realizan con complementos del hogar (bufanda, gorro, plato, cuenco, cuenco). El traje tiene una gran influencia en la naturaleza de la actuación: por ejemplo, los bailarines rusos y georgianos ayudan a la suavidad de sus movimientos. vestido largo cubriendo los pies; Un movimiento característico de la danza masculina rusa y húngara son los golpes en la parte superior de las botas duras.

El florecimiento y la popularidad de la danza folclórica en la URSS contribuyeron al surgimiento de una nueva forma escénica: los conjuntos de danza folclórica. En 1937 se creó el Conjunto de Danza Folclórica de la URSS, que estableció la danza folclórica escénica en la coreografía profesional. Los elementos de la danza folclórica también se utilizan en el ballet clásico. En todas las repúblicas unión soviética Se han creado conjuntos profesionales de danza folclórica y conjuntos de canto y danza. Los grupos de danza folclórica profesional y amateur son comunes en países de todo el mundo (ver Danza).

La arquitectura popular, las bellas artes y las artes decorativas incluyen herramientas, edificios (ver Arquitectura de madera, Vivienda), utensilios y muebles para el hogar (ver Madera en el arte, Hierro, Cerámica, Barnices artísticos, Muebles, Cobre, Vasijas artísticas, Vidrio), ropa y telas. (ver Bordado, Kilim, Alfombras, Encajes, Telas estampadas, Ropa, Telas artísticas), juguetes (Ver Juguete), Lubok, etc. Entre los procesos artísticos y técnicos más importantes comunes en la ciencia y la tecnología se encuentran la alfarería, el tejido, el tallado artístico, la pintura decorativa, la forja, la fundición artística, el grabado, el repujado, etc. La arquitectura popular y las artes decorativas pertenecen a la producción material y son directamente creativas por naturaleza; de ahí la unidad en ellos de funciones estéticas y utilitarias, pensamiento imaginativo e ingenio técnico.

Al crear y diseñar un entorno basado en objetos y dar expresión estética de objetos a los procesos laborales, la vida cotidiana, el calendario y los rituales familiares, N. t. desde tiempos inmemoriales fue una parte integral de la estructura de la vida de las personas que cambia lentamente. En algunas características del Nuevo Testamento se pueden rastrear normas de trabajo y vida, cultos y creencias que se remontan al Neolítico y la Edad del Bronce. El elemento más común del diseño artístico es el ornamento, que nació en la antigüedad, que ayuda a lograr la unidad orgánica de la composición y está profundamente interconectado con la técnica de ejecución, el sentimiento del tema, la forma plástica y la belleza natural. del material. Los motivos ornamentales individuales, la mayoría de los cuales originalmente tenían un significado mitológico ("árbol del mundo", "gran diosa" con los venideros, símbolos solares), capturaron las características de la conciencia primitiva, las formas mitológicas y mágicas de comunicarse con la naturaleza. Estas raíces antiguas aparecen, por ejemplo, en los juguetes populares, en los que se pueden rastrear las características del arte plástico de culto primitivo. Las obras de N. t. a menudo se caracterizan por una conexión específica con una u otra costumbre, que persiste incluso cuando se pierde el recuerdo del carácter cultual o la condicionalidad mitológica de esta costumbre. Esto también explica la fragilidad y lo efímero de muchos objetos N. t (dibujos de arena, huevos pintados), diseñados para una reproducción periódica en un ritual que se repite regularmente.

A diferencia del arte "alto" de la élite social, N. t. no conoce cambios contrastantes en los estilos artísticos. En el curso de su evolución, aparecen nuevos motivos individuales, pero el grado de estilización y la naturaleza de la comprensión de los motivos antiguos cambian más; Las imágenes que alguna vez estuvieron asociadas con ideas indígenas sobre el mundo adquirieron gradualmente un significado estrictamente utilitario (por ejemplo, en varios amuletos y signos de hechizos que decoraban objetos cotidianos) o comenzaron a desempeñar un papel puramente decorativo, mientras que la forma del objeto a menudo se sometió solo a cambios estructurales y funcionales menores. La idea de una cosa en el arte científico no suele estar fijada en un modelo o dibujo preparatorio, sino que vive en la mente y la mano del maestro; al mismo tiempo, los resultados de su ingenio individual, que conducen al desarrollo de los métodos de trabajo más racionales, deben ser aceptados por el colectivo popular. Debido a esto, la tradición fijada por siglos de selección sufre cambios constantes, pero sólo parciales y específicos. Objetos antiguos(por ejemplo, los cucharones de madera para patos) pueden estar muy cerca de la vida; Las interpretaciones posteriores de estas formas en la literatura científica, si bien conservan la tipología original y la base figurativa, las combinan con técnicas centenarias de generalización, estilización decorativa y uso racional de medios y materiales técnicos.

A medida que la sociedad se diferencia por clases, surgen las condiciones previas para el surgimiento de una producción artística que atienda las necesidades de los estratos más bajos de la sociedad y que inicialmente se limite al trabajo artístico doméstico para uno mismo y a la artesanía rural. La presencia de una rama popular especial ya se revela en el arte antiguo (por ejemplo, en los objetos votivos (ver Objetos votivos) del círculo italo-etrusco, que recuerdan a la escultura neolítica). Los monumentos originales de la arquitectura palaciega e incluso religiosa están claramente relacionados con los ejemplos antiguos más simples de la arquitectura popular de madera y piedra (Megaron del Egeo, Halle alemana), viviendas portátiles de nómadas, etc., pero luego los caminos de la construcción urbana y inmobiliaria divergen marcadamente. y arquitectura popular, al servicio principalmente de la vida campesina (vivienda, era, granero, cobertizo, establo, etc.).

En la Europa medieval, a la cultura de la iglesia feudal se oponía el deseo de preservar la tradición cultural del sistema de clanes, el aislamiento económico y político y el culto a los dioses locales; una expresión de esto se convirtió en la corriente popular en el arte medieval, generalmente saturada de imágenes del estilo animal (ver Estilo animal). La cosmovisión popular, expresada con especial pureza en las joyas-amuletos paganos, también aparece en monumentos que son ejemplos de la influencia de la cultura popular en la corte y la iglesia (como los relieves de la escuela Vladimir-Suzdal (ver Escuela Vladimir-Suzdal) , la grotesca plasticidad de las iglesias románicas y góticas, ornamentación de los manuscritos). Sin embargo, el subdesarrollo de las relaciones entre mercancías y dinero, la débil diferenciación de las formas de vida, así como el anonimato fundamental del arte medieval y la proximidad de sus maestros al pueblo no contribuyeron al completo aislamiento del arte en los países que más tarde. Entraron en la etapa inicial de desarrollo capitalista, en particular en la Rusia medieval, situación que persistió hasta finales del siglo XVII y principios del XVIII. En los países del Este, que conservaron el modo de vida medieval durante mucho tiempo (hasta los siglos XIX y XX), todas las artes decorativas y aplicadas están profundamente imbuidas de habilidades artesanales populares, y las artes y oficios altamente desarrollados no son fundamentalmente diferente de las artesanías de los estratos privilegiados; En las bellas artes de varios países existe una fuerte corriente folclórica (grabados populares chinos, japoneses, indios). Finalmente, en los países que experimentaron la colonización, la base de la cultura nacional solía ser la antigua cultura nativa, aunque absorbió muchas características de las culturas introducidas.

Con la descomposición del feudalismo y el sistema gremial, surgió una artesanía popular que trabajaba para el mercado; Gracias a esto, N.T., manteniendo una estrecha conexión con la vida popular, domina nuevos tipos de productos, nuevas formas y temas. Por otro lado, la identificación de la individualidad artística y el culto al arte antiguo, establecido durante el Renacimiento, lleva a que el arte literario surja cada vez más claramente como algo local, aislado, ligado a la antigüedad nativa. Cultura del arte popular - obras arte religioso(pintura votiva, iconos pintados sobre vidrio, escultura pintada), que se desarrolló rápidamente entre los siglos XVI y XVII. (especialmente en países de culto católico), el diseño de celebraciones, lubok, con su ingenuo arcaísmo de formas, ya tiene un sistema figurativo completamente diferente al refinado, a veces innovador obras inusuales arte "alto"; Una discrepancia similar surge en el estilo de los artículos del hogar. Esta brecha es menos notoria allí donde los elementos folclóricos penetran profundamente en la cultura de los estratos privilegiados y de la iglesia. En Rusia esto se manifestó, por ejemplo, en la arquitectura del palacio del pueblo. Kolomenskoye (siglo XVII), con su abundancia de formas de arquitectura popular de madera, y en países América Latina- en la decoración de las iglesias barrocas, que absorbieron las características del arte de las civilizaciones precolombinas. En los siglos XVII-XVIII. en N. t. el principio ideográfico se debilita notablemente. En los motivos vegetales, que ahora sustituyen por todas partes a los patrones geométricos simbólicos, la estructura decorativa se vuelve más libre y diversa. Cada vez más observaciones nuevas e historias cotidianas están penetrando en el folclore, y crece el deseo de una comprensión de la vida basada en un cuento de hadas. estratos superiores sociedad, a tomar prestadas las formas de los estilos dominantes, simulando la textura de materiales costosos y que requieren mucha mano de obra. Sin embargo, los nuevos motivos y formas (renacentista, barroco, imperio), que penetran en el estilo literario, conservan sólo un parecido muy lejano con el modelo, simplificándose y congelándose en un esquema decorativo rítmicamente claro. En general, para el siglo XVII y principios del XIX. Esta es la era del apogeo del Nuevo Testamento, que dio una extraordinaria variedad de tipos y formas. Esto se vio facilitado por el equipamiento de N.T. con materiales y herramientas que antes le eran inaccesibles, la aparición de nuevas capacidades técnicas y la ampliación de sus horizontes. artistas folklóricos, desarrollo de letras folklóricas y sátiras.

En el siglo XIX la producción artesanal artística, que se desarrolla intensamente, está cada vez más incorporada al sistema de la economía capitalista; En la mayoría de los países, la artesanía comercial finalmente se separa de la artesanía casera conservadora. En Rusia, después de 1861, las artes y oficios populares adquirieron el carácter de talleres privados que trabajaban para el mercado de toda Rusia. La estrecha especialización de la artesanía, la creciente división del trabajo y la estandarización de los motivos dan lugar a patrones y formas extremadamente fusionados con técnicas virtuosas de ejecución técnica (que a veces alcanzan casi la velocidad de una máquina); al mismo tiempo, la habilidad artesanal y mecánicamente impecable está desplazando cada vez más la creatividad. Al imitar ejemplos de producción urbana en masa, a menudo aleatorios y antiartísticos, los maestros destruyen la unidad de los principios técnicos y estéticos típicos del folclore. Las composiciones que antes estaban estrictamente organizadas y ricas en asociaciones semánticas se vuelven más libres, pero menos lógicas. En pintura, las pinturas al temple están siendo sustituidas por pinturas al óleo, y más tarde por pinturas anilina; el icono folklórico y el grabado popular son sustituidos por la oleografía; En el plástico, la forma del objeto tridimensional pierde su carácter arquitectónico. La imagen y el adorno, antes fusionados con la cosa, ahora se vuelven como una imagen pegada a la superficie. Algunas industrias, incapaces de resistir la competencia con productos de fábrica baratos, declinan o desaparecen, pero otras emergen y se expanden, utilizando principalmente técnicas, estilísticas e incluso ejemplos de arte de caballete profesional y de la industria del arte comercial. En varios países que anteriormente tenían el patrimonio cultural más rico (Inglaterra, Dinamarca, Países Bajos), desaparece casi por completo, pero se está desarrollando intensamente en áreas industrialmente atrasadas que han conservado poderosas capas de cultura medieval (las provincias del norte de Rusia, Bretaña en Francia, Tirol en Austria, Eslovaquia, países balcánicos, España, Sicilia en Italia).

Desde mediados del siglo XIX, tras el reconocimiento del valor del folclore verbal, surgió en varios países el interés por el arte decorativo popular. Desde entonces, la estética del arte nacional (tanto nacional como exótico), su colorido y ritmo han influido cada vez más en la arquitectura profesional y en las bellas artes y las artes decorativas. Comienza la recolección de colecciones de arte, organizaciones públicas y círculos filantrópicos reviven una serie de artesanías extintas y organizan otras nuevas. Esta actividad adquirió un alcance particular a finales del siglo XIX y XX. con la difusión del estilo "moderno" y los movimientos nacional-románticos relacionados. Sin embargo, al imponer soluciones de caballete a los artesanos populares, los artistas y teóricos del "modernismo" a menudo mostraron una falta de comprensión de las características específicas de la pintura artística. Se cometieron errores similares más tarde (incluso en la práctica soviética de los años 1930-50); en varios países capitalistas, por el contrario, se intentó acercar la escultura y la ornamentación populares al arte abstracto.

Las obras de arte popular moderno son principalmente artículos decorativos y recuerdos, que indican en sentido figurado la singularidad de la cultura popular de un área en particular; Gracias a su apariencia claramente hecha a mano, imparten características de tradición nacional y humanidad inmediata a un entorno creado en gran medida por medios industriales estandarizados. Las artes y artesanías populares desempeñan un papel importante en las economías de los países en desarrollo. En muchos países (principalmente en la URSS y otros estados socialistas) se buscan fondos para proteger la artesanía popular y su originalidad artística, se fomentan las actividades de los artesanos populares mediante concursos y exposiciones, las escuelas y universidades vocacionales capacitan a artistas e intérpretes. Con la participación de institutos de investigación y museos, se estudian cuidadosamente las tradiciones y se recogen muestras de arte, en particular, para resaltar productos y técnicas decorativas que estén en sintonía con el estilo de vida moderno. N. t. tiene una influencia constante en la industria del arte, ayudando a encontrar las formas y la decoración más expresivas de los artículos para el hogar; Algunas características del arte popular viven en las obras de artistas aficionados, así como de artistas profesionales que utilizan la experiencia del arte popular. En la URSS se han revivido varias artesanías populares extintas, muchas de ellas han recibido un nuevo desarrollo y están asociadas con vida soviética orientación (así, los antiguos centros de pintura de iconos se convirtieron en centros de miniaturas de laca de fama mundial). En los diversos tipos y géneros de la literatura soviética, la cuidadosa preservación de las tradiciones populares se combina con una amplitud de intereses y una percepción activa de la realidad soviética.

Para obtener información sobre la literatura de varios pueblos, consulte las secciones Literatura, Arquitectura y Bellas Artes, Música, Ballet, Teatro Dramático y Circo en artículos sobre países individuales y las repúblicas de la URSS.

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100% +

Artes y oficios populares. Artesanías artísticas de Rusia.
Parte 1

Compilado por Tatiana Kosntantinova

ISBN 978-5-4485-5649-4

Creado en el sistema de publicación intelectual Ridero.

Prefacio

Los procesos de erosión de la identidad espiritual de la cultura nacional que se intensifican actualmente están conduciendo gradualmente a la pérdida de la identidad histórica y cultural de los territorios, ciudades y regiones individuales. La comercialización de la vida cultural unifica continuamente costumbres populares y tradiciones basadas en modelos extranjeros, lo que resulta en la pérdida de la identidad nacional y cultural y la destrucción de la individualidad cultural. Problemas actuales Hoy en día también hay una disminución en el nivel de cultura artística de la población, una falta de demanda de decoración tradicional. artes aplicadas como un medio desarrollo artístico personalidad, disminución del interés tanto por la creatividad artística como por el arte en general. Todo lo anterior conduce a la pérdida de tecnologías de artesanías y artesanías populares, formas tradicionales. creatividad artística, la transformación de productos de arte popular en una especie de souvenirs masivos.

El autor del manual propuesto intenta solucionar los problemas anteriores sistematizando numerosos materiales sobre artes decorativas y aplicadas. Esta publicación tiene como objetivo desarrollar varias categorias población de cultura artística utilizando el ejemplo de los mejores ejemplos de artes decorativas y aplicadas mundiales, alimentando la conciencia histórica y un sentido de identidad con la imagen de la cultura tradicional. Gran cantidad informacion educativa y las numerosas ilustraciones presentadas en el libro familiarizarán al lector con los conceptos básicos del arte decorativo y aplicado, a través del cual en diferentes períodos históricos las personas expresaron sus ideas sobre la belleza, tratando de transformar el espacio circundante de acuerdo con las leyes de la armonía y la belleza.

Petriakov Petr Anatolievich,

Doctor en Ciencias Pedagógicas, Profesor, Jefe del Departamento de Pedagogía

tecnologías y artesanías, NovSU.

1. Artes y oficios populares en el sistema de valores culturales.

palabra latinadecorar traducido como"decorar". Esta es la raíz del concepto."decorativo" , eso es"decorado" . Por lo tanto el término"artes decorativas" literalmente significa"la capacidad de decorar" .

Artes y oficios populares (NDPA) Son parte integral de la cultura artística, que se desarrolla según sus propias leyes. Las obras creadas por maestros de artes y oficios populares reflejan las tradiciones artísticas, la comprensión del mundo, la cosmovisión y la experiencia artística del pueblo, preservan la memoria histórica y tienen valor espiritual y material, se distinguen por su belleza y utilidad.

Los maestros de artes y oficios populares crean sus obras a partir de una variedad de materiales. Transmiten habilidades técnicas de generación en generación. Por ello, una tradición consolidada durante siglos selecciona sólo los mejores logros creativos.

Los tipos más comunes de artes y artesanías populares son la cerámica artística, el tejido, la confección de encajes, el bordado, la pintura, el tallado en madera o piedra, la forja, la fundición, el grabado, el repujado, etc. Todo esto, en su mayor parte, se crea para que puedes usar en la vida diaria.

En la decoración de obras del impuesto de extracción de minerales se le da gran importancia al adorno, que no sólo decora el objeto (cosa) o es su elemento estructural, pero también lleva una carga semántica que tiene raíces mitológicas antiguas. Pintar una jarra con patrones, decorar una tabla de cortar con tallas, tejer una servilleta de encaje, tejer patrones en tela: todo esto requiere una gran habilidad. Estos productos ornamentados tienen gran valor, y es que para crear esta increíble belleza necesitas poner tus manos en ella.

¿Cómo se puede determinar si un producto determinado es una obra de arte decorativa? A veces argumentan así: si un jarrón tiene una forma hermosa, pero no está decorado con nada, entonces no es una obra de arte decorativo, pero si le pones algún tipo de patrón, inmediatamente se convertirá en una obra. . Esto está mal. A veces, los adornos que decoran un jarrón lo convierten en una falsificación de mal gusto y lo convierten en kitsch. Por el contrario, una vasija hecha de arcilla pura o de madera puede ser tan sorprendente por su perfección que su valor artístico se vuelve obvio.

¿Cuáles son las similitudes y diferencias entre las obras de artes y oficios populares y profesionales? ¿Cómo saber si un jarrón o una alfombra es una obra de arte decorativo popular o profesional?

A veces, basándose en el método de fabricación de una cosa, la participación del trabajo manual en este proceso y la circulación masiva, las obras de arte aplicado intentan atribuirse a artes decorativas populares o profesionales. Esto es extremadamente difícil de hacer, ya que los productos de arte popular a veces se crean en fábricas y las obras decorativas de artistas profesionales a veces se crean en una sola copia.

Hoy en día, como hace cien años, un artista popular realiza principalmente una obra artística a mano. Al mismo tiempo, el maestro puede trabajar solo o en equipo, así como en talleres organizados e incluso en fábricas en los centros de artes y oficios populares tradicionales.

Como regla general, las obras de artes decorativas y aplicadas son creadas por artistas de empresas o talleres de la industria del arte. Participan tanto en la producción de artículos decorativos producidos en grandes cantidades como en la creación de diseños de diseñadores individuales. Los artistas profesionales en su trabajo pueden confiar en imágenes de la cultura artística mundial, refractar las tradiciones del arte popular a su manera o seguir completamente solo su individualidad e imaginación.

Lo más importante a la hora de determinar qué tipo de arte clasificar tal o cual cosa es determinar en el marco de qué tradición artística se creó, si las características del tipo de imagen de una artesanía en particular y la tecnología de procesamiento del material son observado.

Las creaciones de artesanos populares y artistas aplicados están unidas por la consideración, la conveniencia y la unidad estilística de todos los elementos.

Capacidad de analizar medios de expresión la imagen de un objeto artístico en las artes populares y decorativas es necesaria para sentir y aprender a comprender mejor lo general y especial de cada una de ellas.

Es muy interesante rastrear cómo todos los principales medios artísticos del lenguaje. bellas artes adquieren un nuevo significado y una especificidad propia en las artes populares y decorativas. En este sentido, una de las más importantes es la cuestión de la relación entre lo pictórico y lo gráfico en las obras decorativas, si en ellas predomina la figuratividad o plasticidad. Por ejemplo, en las joyas de Khokhloma y Zhostovo lo principal es el principio pintoresco, mientras que las joyas de los maestros Kubachi y Balkhar son básicamente gráficas.

Cabe decir sobre la compleja interacción de los principios plásticos y pictóricos en las artes decorativas. En algunos productos, el plástico lleva el comienzo de lo pintoresco: Skopinskaya, Kargopol, Filimonovskaya, juguetes dymkovskaya. En otros, lo pintoresco lleva en sí el comienzo de lo plástico: los cuadros de Zhostovo, Gorodets y Polkhov-Maidan, los chales de Pavlovo Posad, los encajes de Vologda.

La síntesis de la parte y el todo es obligatoria para un artista popular, sin importar cómo se expanda su paleta, sin importar lo que predomine: el principio pictórico u ornamental.

La expresividad de la línea, la silueta, el ritmo, el color, las proporciones, la forma, el espacio en cada tipo de arte decorativo depende en gran medida de los materiales utilizados y la tecnología de su procesamiento.

Un artesano popular o artista de artes decorativas y aplicadas se esfuerza por mostrar en su trabajo. de la mejor manera posible Cualidades estéticas de los materiales: madera, textiles, metal, cerámica, vidrio, papel, hueso, cuero, piedra, etc.

Decorativa en las artes y oficios populares es el principal medio de expresión de la belleza, al mismo tiempo es una característica de las obras de otros tipos de arte. (fotos 1, 2).

Es necesario tener en cuenta que en cada tipo de arte la imagen artística tiene su propia estructura, determinada, por un lado, por las peculiaridades de la expresión del contenido espiritual, y por otro lado, por la tecnología, la naturaleza de el material en el que se materializa este contenido. La imagen artística en las artes populares y decorativas tiene rasgos comunes y distintivos.

La imagen decorativa no expresa lo individual, sino lo general: “específico”, “genérico” (hoja, flor, árbol, pájaro, caballo, etc.). Una imagen decorativa requiere un pensamiento artístico-imaginativo, una actitud mitopoética ante la realidad.

Por lo tanto, en el arte popular se acostumbra resaltar imágenes-tipos de productos de la artesanía artística tradicional, que reflejan las ideas mitológicas y estéticas del pueblo. Por ejemplo, la imagen de un pájaro, un caballo, el árbol de la vida, una mujer, los signos-símbolos de la tierra, el agua, el sol se pueden ver en diferentes materiales de arte: bordados, tejidos, encajes, pintura sobre madera y metal, tallado en madera, cerámica, etc. La estabilidad y el carácter tradicional de estas imágenes determinan en gran medida el alto valor artístico y estético de las obras de arte popular.

Al mismo tiempo, la universalidad de los tipos de imágenes en el arte de diferentes pueblos del mundo muestra su unidad, asociada con la comunidad de enfoques del proceso de cognición estética de los fenómenos naturales y sociales.

Las imágenes en el arte decorativo profesional también reflejan las ideas de un pueblo en particular sobre la belleza. También suelen crearse a partir de motivos naturales o geométricos, pero aquí se permite una gran libertad en la interpretación de las imágenes. En las obras de artes aplicadas se utilizan activamente temas históricos o temas de la vida moderna.

Ahora veamos las similitudes y diferencias en los conceptos de "imagen artística", "símbolo" y "signo" usando el ejemplo de obras de arte decorativo popular. El concepto más amplio y multifacético será el de "imagen artística". En algunos casos, un símbolo es un signo dotado de la naturaleza orgánica y la inagotable ambigüedad de la imagen. En otros, un símbolo no equivale a una imagen artística, pero, lo que es especialmente importante, siempre debe tener valor artístico. Por tanto, una imagen artística no siempre tiene un significado simbólico y un símbolo no siempre es figurativamente expresivo. Una imagen simbólica, por regla general, no tiene ningún significado figurativo y simbólico, aunque en el arte popular muy a menudo todos los signos son símbolos y, a veces, incluso imágenes.

Figura 3. Símbolos del sol, un campo sembrado y vegetación en la hoja de una rueca tallada.

Por ejemplo, un pájaro en la pintura de Gorodets o en la cerámica de Gzhel tiene una imaginería diferente. Si hablamos de pájaros en general, entonces esta no será una imagen de un pájaro específico o incluso una imagen de un pájaro en las tradiciones de alguna artesanía, sino una imagen cercana al signo. (fotos 3, 4). Al mismo tiempo, una imagen decorativa de un gallo puede ser un símbolo del sol. Por otra parte, una serie de símbolos pueden tener más de un significado. Entonces, no solo un gallo, sino también un caballo puede ser un símbolo del sol. Este sistema simbólico-poético tiene su origen en signos y símbolos asociados al culto a deidades naturales.

Al analizar los méritos artísticos de una u otra obra de arte decorativo popular o profesional, es necesario prestar atención a su solución figurativa, teniendo en cuenta las características del material, la expresividad de la forma y las proporciones, la combinación de colores, la conexión de el ornamento con la forma del producto, los méritos plásticos, pictóricos o gráficos de la cosa. Es importante notar cómo las repeticiones rítmicas características compositivas El enjambre posterior del adorno y de la cosa en su conjunto influye en su solución figurativa.

Si aprende a analizar bien una imagen en cualquiera de los sistemas artísticos, se le abrirán ricas oportunidades para identificar las interrelaciones entre los medios artísticos y expresivos.

Las artes y oficios populares y profesionales se interpretan como artes que satisfacen las necesidades del hombre y al mismo tiempo satisfacen sus necesidades estéticas, dando vida a la belleza.

Sin embargo, es necesario ser consciente de las diferencias significativas entre estos tipos de artes. El arte popular, que transforma la realidad, es considerado por los historiadores del arte moderno como un tipo especial de creatividad artística, cuyas características distintivas son: el principio colectivo y las tradiciones, la estabilidad de temas e imágenes, la universalidad de un lenguaje comprensible para todos los pueblos. del mundo, la universalidad de los valores espirituales. Todas estas características del arte están determinadas por una percepción holística del mundo.

El arte popular es un fenómeno holístico, ya que su base es la vida y la forma de vida de las personas, sus ideas sobre el universo, la actividad laboral, los rituales y las vacaciones. Materializado en objetos de arte popular. pensamiento imaginativo gente.

Los resultados de la actividad artística y creativa de un pueblo reflejan su vida, puntos de vista e ideales, por lo tanto, las obras de arte popular contienen la experiencia de sentimientos, conocimientos y comportamientos morales. La experiencia, única y rica en contenido, confiere al arte popular un valor único como medio de educación moral y estética de una persona. Por eso constituye un área tan importante vida social como pedagogía popular. La versatilidad del arte popular nos permite considerarlo como enorme poder que afectan al individuo y a la sociedad.

El arte popular es, ante todo, un enorme mundo de experiencia espiritual del pueblo, sus ideas artísticas son una parte integral de la cultura. El arte popular se basa en la actividad creativa del pueblo, reflejando su autoconciencia y memoria histórica. La comunicación con el arte popular, con sus ideales morales y estéticos desarrollados durante siglos, juega un papel importante. papel educativo. El atractivo del arte popular para las personas y el impacto en sus esferas intelectual, emocional y sensorial abre grandes oportunidades para el uso de las artes y artesanías populares tradicionales en el sistema educativo.

La formación y desarrollo de las tradiciones artísticas populares de un área en particular se llevó a cabo bajo la influencia de factores natural-geográficos, culturales y socioeconómicos. La tradición llevada a través de los siglos no impide que aparezca el sentimiento de modernidad. En el arte popular se expresa no tanto en los signos externos de la época, aunque, por supuesto, también tienen su lugar, sino en la capacidad de responder a las exigencias de hoy de forma tradicional. Esto se refleja principalmente en la percepción del mundo, en la idea de belleza.

Es muy importante que el arte popular con su metáfora y simbolismo - vivir la creatividad (Figura 5) y al mismo tiempo memoria histórica viva , memoria de los orígenes de la cultura. Aporta la experiencia de conocer el mundo. La integridad del arte popular como estructura artística es la clave para su comprensión. Tradición en este caso - método creativo .

Lo tradicional aparece en el arte popular. como un sistema, para lo cual son importantes los siguientes aspectos: la conexión entre el hombre y la naturaleza, la expresión de lo nacional, escuelas de arte popular (nacional, regional, regional, escuela de oficios individuales).

Figura 5. Imagen del pájaro Sirin en las pinturas del norte de Dvina.

La continuidad de las tradiciones da forma a la cultura artística popular de la región y respalda la alta profesionalidad de la artesanía popular. Es esta cualidad la que nos permite resaltar las características de una escuela en particular como comunidad creativa. Sólo la escuela como continuidad cultural determinada por la existencia de la tradición es capaz de proporcionar tal base artística, que da vida al arte popular en el tiempo, permite que se desarrollen las artesanías artísticas.

La persona principal en el oficio artístico es un maestro folclórico, una personalidad creativa especial, conectada espiritualmente con el pueblo, la cultura, la naturaleza de la región, portador de tradiciones y experiencia colectiva.

En cada toque de las manos del maestro sobre lo que crea, vive un sentimiento de belleza, orgánico a la estructura interna de la percepción popular. El temperamento nacional y el carácter nacional se expresan en el arte popular. Determinan en gran medida la variedad de formas de arte popular.

En el arte popular, la habilidad artística, la destreza técnica, los métodos de trabajo y los motivos se transmiten de maestro a alumno. El sistema artístico se desarrolla colectivamente.

La base del arte campesino era la artesanía. El laconismo de los medios expresivos, la economía y el refinamiento de las técnicas interpretativas caracterizan la obra del maestro. El sentido del material, el conocimiento de sus propiedades expresivas, el procesamiento manual con las herramientas más simples conducen a una generalización artística de la forma. A menudo, un artista popular crea sus obras basándose en formas naturales. (Figura 6).

Figura 6. A - CON kopkar (Pintura sobre madera de Permogorsk); b - Utitsa (Pintura de Khokhloma sobre madera).

para crear imagen artística Lo que importa es el material, los métodos y la naturaleza de su procesamiento. El uso de materiales naturales es una de las principales tradiciones del arte popular.

Cada escuela contaba con un sistema de técnicas laborales comprobadas, tecnología basada principalmente en las propiedades del material que se procesaba. El arte del maestro consistía en transformar incluso las propiedades de un material que eran inconvenientes para el procesamiento en méritos artísticos de una cosa. Por ejemplo, las diferentes propiedades de la arcilla determinaron la singularidad de sus técnicas de procesamiento y la solución estética de la imagen. La arcilla blanca, demasiado blanda y plástica, ayudó a crear la silueta alargada especial del juguete Filimonov.

El concepto de “artesanía” incluye la presencia de habilidades creativas y la capacidad de organizar adecuadamente el trabajo, observando una determinada secuencia en la creación de un objeto artístico: concepto, desarrollo de tecnología, producción de materiales, acabado, autoestima. Las habilidades creativas del maestro están determinadas en gran medida por la capacidad de variar e improvisar dentro del marco de la tradición de la escuela. Es importante el conocimiento de las propiedades de los materiales que se procesan, un alto nivel de dominio de herramientas y técnicas de procesamiento.

El dominio de la habilidad se produce sobre la base de los principios fundamentales del arte popular: repetición, variación e improvisación. Por ejemplo, el estudio de la pintura, por regla general, se lleva a cabo de la siguiente manera: primero, el maestro sienta a los estudiantes a su alrededor y los obliga a repetir estrictamente los elementos del adorno.

Una vez dominados, los estudiantes tienen la oportunidad de variar sus motivos pictóricos favoritos. Y sólo a partir de la experiencia adquirida pasan a la improvisación a base de pintar y componer sus propias composiciones. Si todos pasan por la etapa de repetición y variación sin falta, entonces solo los estudiantes más talentosos que puedan convertirse en verdaderos maestros en su oficio podrán trabajar en el nivel de improvisación.

Las obras de arte decorativo popular y profesional decoran y transforman la vida.

2. Decoración en las artes espacio-temporales

2.1. Esencia estética. La decoratividad como técnica del pensamiento artístico y figurativo.

Término "decorativo" Actualmente, se utiliza ampliamente en bellas artes y artes decorativas, en arquitectura y diseño, en estudios de problemas modernos de síntesis del arte, en la teoría de la organización estética del medio ambiente.

Sin embargo, el término "decorativo" a menudo significa varios conceptos, en un grado u otro, reflejando su esencia. Algunos investigadores identifican la decoratividad sólo con la función de decoración, reconocen la decoratividad como una propiedad adicional de una obra de arte, otros generalmente rechazan la decoratividad basándose en que la convención decorativa supuestamente eclipsa el contenido de una obra de arte y complica su comprensión, mientras que otros ven el uso activo de técnicas decorativas como prometedor mayor desarrollo Bellas artes, en particular pintura decorativa.

Concepto "decorativo" viene de la palabra latina "decoración"- belleza, encanto, gracia, a veces se traduce como decoración. palabra latina "decorar" significa - decorar, limpiar, vestirse. La vestimenta, la vestimenta y la decoración se indican con otra palabra latina: "ornamento".

Así, etimológicamente, el concepto de “decoratividad” significa decoración, que está indisolublemente ligada a la calidad de la propia decoración, a la belleza.

La decoratividad es una característica específica del arte decorativo y aplicado, que puede interpretarse como una forma de expresión de la belleza.

La decoratividad como cualidad positiva de los productos de las artes decorativas y aplicadas, como valor estético, se fija en su forma significativa. La decoración orgánica interna se diferencia de la decoración externa, la "decoración" como decoración y una propiedad adicional que no tiene un significado estético independiente debido a su presencia opcional en una cosa determinada.

La decoración puede actuar como base constructiva para productos de artesanía. La decoratividad es una técnica de pensamiento artístico y figurativo, cuyo rasgo característico es la creación de un modelo compositivo especial. La decoratividad como técnica sirve para revelar la consistencia interna de una obra, la proporcionalidad y el orden de todos sus detalles y formas y se utiliza no solo en las artes decorativas y aplicadas, sino también en todas las artes espacio-temporales.

Así, la decoratividad no es sólo una característica específica del arte decorativo y aplicado, indisolublemente ligada a la expresividad, ya que el arte decorativo y aplicado en estética se clasifica como un “tipo expresivo” de arte, sino también una técnica de pensamiento artístico y figurativo en todo el espacio. -Artes del tiempo, en inclusión en la pintura decorativa.

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“hombre-naturaleza-cultura”

"Nivel cultura de la época,

así como un individuo

determinado por la relación

al pasado."

A. S. Pushkin

Arte popular: el pasado en el presente. Una tradición viva que preserva invariablemente la cadena de continuidad de generaciones, pueblos y épocas. El siglo de conquista espacial, progreso científico y tecnológico y crisis ambiental ha llevado el arte popular a un nuevo nivel de problemas modernos.

A lo largo de la historia de la humanidad, el arte popular ha sido una parte esencial de la cultura nacional y mundial. M. Gorky escribió: “El pueblo no es sólo la fuerza que crea todos los valores materiales, es la única e inagotable fuente de valores espirituales, el primer filósofo y poeta en términos de tiempo, belleza y genio creativo, que creó todos los grandes. poemas, todas las tragedias de la tierra y la más grande de ellas: la historia de la cultura mundial"1.

Los artistas profesionales nunca dejan de recurrir al arte popular, extrayendo ideas e inspiración de él. Sin embargo, la profundidad de la conciencia de este llamamiento está determinada por la historia, los cambios sociales y las necesidades espirituales. El espíritu de las ideas en el arte revive las formas populares, la poética popular, pero cada vez de una manera nueva al nivel de las aspiraciones ideológicas y artísticas del siglo.

En la misma conexión actitud diferente El propio arte popular está experimentando una transformación.

La era de declive del interés público por él, cuando a menudo se volvía “despreciable”, da paso a épocas de mayor atención, que siempre tuvo sus propias razones históricas y que es un hecho de la vitalidad no disminuida del arte popular. Al tener oponentes feroces, siempre tuvo defensores ardientes.

De ahí el problema del arte popular; su producción presenta su propia historia. Pero lo decisivo no fue tanto el desarrollo científico del concepto de tema y las cuestiones de su teoría, sino más bien la visión de éste como parte del problema general de la tradición y la innovación. Esto dificultó la evaluación del arte popular desde la perspectiva de sus propios valores. Y si el folclore oral y musical era un área de estudio de ciencias especiales, entonces el folclore visual, al ser objeto de la historia general del arte, se estudió durante mucho tiempo utilizando métodos desarrollados sobre el material del arte profesional y permaneció sin teoría.

Su ausencia se ha sentido agudamente en las últimas dos décadas, cuando la ciencia y el público se enfrentaron al hecho del resurgimiento del arte popular, un hecho inesperado para aquellos que creían que el arte popular era una página del pasado que se había pasado hace mucho tiempo. encima. La vida ha demostrado que el arte popular no sólo vive y se desarrolla, sino que su necesidad en todo el mundo crece cada año. El interés por el arte popular está creciendo rápidamente en relación con los problemas del campo en la era del urbanismo desarrollado, en el aspecto de cuestiones generales de la cultura espiritual en el mundo moderno, la conservación de la naturaleza y el medio ambiente humano.

La histórica resolución del Comité Central del PCUS "Sobre la artesanía popular" (1974) y la Constitución (Ley Básica) de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (1977) trazaron una línea decisiva en relación con el arte popular en nuestro país. Sin embargo, los problemas de la práctica artística y el estudio científico aún no han recibido una solución adecuada, y principalmente cuestiones de teoría.

La Resolución del Comité Central del PCUS establece: “El arte popular, decorativo y aplicado, que forma parte de la cultura socialista soviética... influye activamente en la formación de los gustos artísticos, enriquece el arte profesional y los medios expresivos de la estética industrial” 2.

El problema así planteado requiere que el investigador combine los aspectos artísticos, culturales, históricos del estudio del arte popular, ya que éste se establece en la cultura no en un contenido individual-subjetivo, sino de valor espiritual, está formado por principios colectivos, ya que es cognitivo en las cualidades de histórico y espiritual, moral y nacional -psicológico. Por qué y no puede limitarse únicamente al ámbito estético, así como no puede entenderse en un análisis formal que no tenga en cuenta el contenido y la dialéctica del desarrollo.

El arte popular es un enorme mundo de experiencia espiritual de la gente, ideas artísticas, nutriendo constantemente la cultura profesional y artística.

Sin embargo, durante mucho tiempo se consideró erróneamente sólo un paso en el camino hacia un nivel superior: el arte de los artistas individuales. La obra del artista popular, valorada desde estas posiciones, quedó relegada al papel de apéndice del arte decorativo y aplicado moderno. Esta situación trajo muchas cosas negativas a las actividades de las artes y oficios populares y creó direcciones defectuosas en el desarrollo del pensamiento y la práctica. La raíz de todos los errores fue la sustitución de valores, que hasta el día de hoy no ha sido eliminada. Ésta es la razón de muchos fenómenos dolorosos en la práctica del arte popular hasta el día de hoy.

La visión de él como una reliquia del pasado, sujeta a todo tipo de modernizaciones y modificaciones, se ha arraigado tanto que se ha vuelto habitual no sólo para los jefes de los oficios, artistas que vienen a trabajar allí, sino también para algunas artes. críticos que siguen esta línea en las páginas de la prensa. Esto explica las entonaciones polémicas en el enunciado de disposiciones fundamentales y en la formulación teórica de preguntas en las páginas de nuestro libro. En el transcurso de numerosas discusiones que recientemente llenaron las páginas de las revistas de historia del arte, fue necesario defender lo que, negando, a veces estaba cortado del hombro. Es significativo que ahora, en la discusión sobre el destino del arte popular, surja la pregunta recientemente debatida: “¿Es posible el arte popular en la era de la revolución científica y tecnológica?” reemplazada por otra pregunta: "¿Qué es el arte popular?" La teoría de su extinción encontró una nueva expresión en la proclamación del arte popular en escenario moderno como creatividad individual amateur. En general, esta sentencia conecta el arte popular con el pasado y se reduce a las siguientes tres disposiciones. El primero afirma la fusión del arte popular con la industria del arte. Por inercia, esta actitud sigue siendo considerada teórica por algunos críticos de arte, mientras que el arte última década Elevó mucho la estética de las cosas hechas por el hombre y el folclore en general. Al mismo tiempo, el interés por el contenido espiritual y valorativo del arte popular y su carácter tradicional adquiere un nuevo significado.

La segunda posición, repetida en artículos individuales, se reduce a equiparar la creatividad en la artesanía popular con el arte de artistas individuales, negando al mismo tiempo las características locales del primero, su orientación hacia la tradición. Esto no sólo socava la continuidad - fuerza principal desarrollo, pero también rompe la colectividad de la creatividad, la cultura de la artesanía.

La tercera posición, que ya hemos mencionado anteriormente, identifica el arte popular con la creatividad de los artistas aficionados. Y ésta es esencialmente también su negación.

Los tres puntos señalados también corresponden a algunas tendencias negativas en la práctica. La nivelación de las características locales condujo a una impersonalidad creativa masiva de los productos creados en el oficio, a la ruptura de la continuidad cultural y a la destrucción del sistema ornamental del arte popular. Esto requiere un estudio cuidadoso, aunque sólo sea para evitar repetir los errores del pasado.

De hecho, la mayoría de las veces sucede exactamente lo contrario. En busca de una novedad imaginaria y para la aprobación de estas tesis, se busca refuerzo en las autoridades, en las declaraciones de V.S Voronov, A.V Bakushinsky de hace cincuenta años y en declaraciones obsoletas, a menudo dictadas por la situación de la época y no relacionadas con la época. concepto científico de los científicos en general. Sin un intento de comprensión crítica, estas afirmaciones, a menudo aleatorias, se repiten como si fueran originales; se intenta hacerlas pasar por una posición teórica que de ninguna manera hace avanzar el pensamiento ni ayuda a la práctica. El fuerte arraigo de opiniones erróneas puede explicarse por el hecho de que hasta los años 60 el arte decorativo soviético estaba representado con mayor frecuencia por obras de artesanía popular, de las que se originó la industria del arte. Todo esto enseñó a la gente a considerar el arte popular como una forma dependiente de creatividad y no permitió ver su verdadero valor. Se adaptó artificialmente a métodos de creatividad individual ajenos a su sistema.

Por supuesto, todas estas circunstancias no nos dan ahora el derecho a suponer que el arte popular no tiene lugar en la cultura moderna. Mientras tanto, tal conclusión, científicamente injustificada, existió durante mucho tiempo. Al permanecer teóricamente sin fundamento, dio lugar a muchas tendencias negativas en el arte de la artesanía, desde la pintura de caballete en los años 40 y 50 hasta la negación de la ornamentación y la decoración en la primera mitad de los años 60, que se discutirán específicamente.

Ahora todo comienza a clasificarse como arte popular: desde obras de vidrio y cerámica de artistas profesionales hasta productos de fábrica: telas y porcelana. El concepto de “arte popular” sigue siendo no sólo poco claro, sino incluso inexistente en la práctica de la historia del arte como categoría estética. Se equipara al concepto de “propiedad nacional” en el sentido más amplio. A menudo se puede escuchar: “¿El arte de la artesanía es popular?”, “¿Es el arte popular necesario en la era del progreso tecnológico?”, “¿No es sólo el pasado?” Y estas cuestiones se discuten en las páginas de las revistas, se proponen todo tipo de teorías falsas que, por regla general, no están científicamente fundamentadas. Sin embargo, el hecho mismo de que surjan tales preguntas se explica por el hecho de que todavía no existe una posición teórica en la formulación y solución de los problemas del arte popular moderno, a pesar de algunas obras serias. Mucho de lo que se escribe sobre arte popular no está debidamente nivel científico, a menudo está determinado por consideraciones de mercado. De lo contrario, es imposible explicar la sorprendente brecha entre las declaraciones en las obras impresas y las realidades de la práctica misma,3 entre las dificultades que experimenta el arte popular, por un lado, y, por el otro, la creciente necesidad de sus obras cada día. .

Cabe señalar que una posición errónea en la visión del arte popular dificulta su estudio y conduce a conclusiones arbitrarias e improductivas en los trabajos científicos. Muchas cuestiones se plantean y resuelven, como antes, por analogía con el arte artístico profesional.

En realidad, el arte popular, tan rico en nuestro país, se presenta como un anacronismo y aún no se comprende en toda su plenitud y necesidad como parte de la cultura espiritual. A menudo se oye o se lee que el entorno que rodea a una persona en el mundo tecnificado tecnifica el arte a su manera. En este caso, la propia persona no se tiene en cuenta en absoluto. Mientras tanto, el estándar de pensamiento en la era del tecnicismo, que produce "bloques prefabricados", los hace caer no sólo sobre el espectador de las exposiciones, sino también sobre la persona en su entorno cotidiano. Y detrás de esto se esconde el peligro de la tecnificación de la percepción misma, de toda la estructura del sentimiento, de la visión, que inevitablemente corroe el tejido vivo del arte, mata su inquietud espiritual y, finalmente, destruye la humanidad del entorno mismo. Y luego no existe ni lo propio ni lo ajeno, ni lo personal ni lo común, en honor del cual se hacen tantas declaraciones vacías.

En la comprensión del arte lo primero no es lo que se expresa, sino cómo se hace; Esto a menudo se presenta como un fin en sí mismo. Pero, ¿vale la pena demostrar que nuestra época, como cualquier otra de su época, introdujo en el arte nuevos ritmos, nuevas formas, nuevos medios e incluso un nuevo mundo de creatividad: la estética técnica? Esto es obvio y natural. Sin embargo, no es esto lo que determina la finalidad interna del arte, de la cultura espiritual en general. En el camino principal de su desarrollo, la comprensión de la verdad, la verdad y la belleza no puede desaparecer. ¿Puede un artista, si es artista, percibir el alcance visual de su entorno sin verse perturbado por el movimiento de ideas que excita a la sociedad? Consciente o inconscientemente, esto, de una forma u otra, refleja las tendencias existentes en la cosmovisión de la época.

Si hasta hace poco los artistas y poetas buscaban introducir el mundo de la tecnología en el mundo del hombre e incluso tecnificar su imagen, hoy, lo cual es significativo, surge un deseo diferente: encontrar lo humano en el hombre mismo y, a través de él, influir en el mundo tecnificado. . Y esto plantea la cuestión de los valores y la integridad del arte, así como de la cultura misma, de una manera completamente diferente. Nos obliga a mirar más de cerca y más profundamente el arte popular, en su conexión con la naturaleza y la historia, no sólo dentro de un grupo étnico, sino también a escala planetaria.

El problema del “hombre y el mundo”, en cualquier aspecto que se le tome en el arte, naturalmente no puede resolverse desvinculado de la esencia humana, en última instancia de ese “ objetivo más alto", que, según Kant, tiene en sí misma la existencia del hombre. De lo contrario, esto significaría adoptar la posición de los escritores occidentales de ciencia ficción que profetizan un “planeta de los simios” en el futuro.

Como saben, uno de los problemas agudos del Occidente moderno es la alienación de una persona, equiparándola con una cosa. Pero no importa cuán encadenado esté vida humana en lo antinatural, lo artificial, la naturaleza, al final, sigue dictando sus leyes naturales, las leyes de la vida misma. ¡La conexión entre el hombre y la tierra no puede desaparecer!

En las vastas extensiones de nuestro vasto país, el arte popular vive y se desarrolla en una variedad inusualmente amplia de escuelas de arte popular nacionales, regionales, regionales y regionales, en la continuidad de las tradiciones. Y cualquier intento de ver en el arte popular sólo un anacronismo ajeno a la época moderna, el deseo de demostrar que no se está desarrollando y que ha sido completamente destruido por el capitalismo, es refutado por la vida misma. En los últimos años se ha ampliado la actividad de los aficionados, descubriendo nuevos artesanos talentosos y nuevas escuelas de artesanía popular.

Los centros de arte popular repartidos por todo el país y, en muchos casos, en Rusia, dan testimonio del gran potencial creativo del pueblo. Después de todo, cada centro tiene sus propios talentos, sus propias tradiciones, sus propios sistemas y métodos artísticos, verificados en la experiencia de muchas generaciones de artesanos populares. Y esta experiencia crea una cultura de tradición que fortalece el arte popular de los artistas profesionales. Así, lo tradicional no sólo alimenta lo nuevo, sino que encaja orgánicamente en el contexto de la época. Los años 70 marcaron un hito especialmente significativo en la cultura artística. El papel del arte decorativo en la organización del medio ambiente aumentó, la estética industrial adquirió el alcance más amplio y el arte decorativo en sí se determinó en su valor espiritual y ocupó un lugar igual a la pintura y la escultura.

En tal situación, el arte popular también está llamado a ocupar su lugar en el sistema de la cultura moderna, correspondiente a su esencia. La responsabilidad científica en la solución de sus problemas debe aumentar. Responsabilidad personal y responsabilidad general ante la historia. Sólo desde una posición de tal responsabilidad se puede abordar una solución productiva, en primer lugar, a las cuestiones de las condiciones e incentivos para su desarrollo. Muchos juicios superficiales, una comprensión directa de la confusión de las fronteras entre la ciudad y el campo, en relación con la cual se plantea incorrectamente la desaparición supuestamente natural del arte popular, deberían ser objeto de críticas fundamentales, ya que traen un daño irreparable al arte vivo de las aldeas. y contribuir a la destrucción de los altos valores espirituales del pueblo.

No debemos olvidar que el acercamiento del pueblo a la ciudad es un proceso complejo, largo, nada inequívoco, en el que se producen excesos de diversa índole, acompañados de la negación del patrimonio cultural4.

Desde hace tiempo está claro que el trabajador rural, por mucho que cambien las formas mecanizadas de su trabajo, conserva las características del trabajo determinadas por el hecho mismo: el cultivo de la tierra, todas las particularidades de la producción agrícola. “Esta característica del trabajo agrícola será cada vez más atractiva y socialmente valiosa, influyendo en las condiciones de asentamiento, trabajo y descanso de toda la población” 5 .

“El hombre vive por naturaleza. Esto significa que la naturaleza es su cuerpo, con el que la persona debe permanecer en constante comunicación, “para no morir” 6.

“Así como la humanidad se reproduce continuamente en el nacimiento y la infancia de un niño, así se reproduce continuamente en el cultivo de la tierra, “para no morir” 7.

Y esto significa que siempre se conserva la conexión directa del hombre con la tierra, con la naturaleza, siempre permanece la base del arte popular, que continúa llevando la plenitud de su contenido espiritual y no se convierte en absoluto en un juego de formas, líneas. y colores, accesibles sólo a la admiración estética y destinados, como algunos piensan, a la libre estilización de un artista profesional, al “play out”, como les gusta decir. Tal comprensión del propósito del arte popular ya lo coloca en las filas de algo secundario en relación con el arte genuino, afirma la singularidad del contenido. Y cualquier formalización de las cualidades y medios artísticos priva a la creatividad de un sentido de vida, dando lugar en última instancia a un arte impersonal, dirigido a sí mismo.

Por otro lado, la reproducción masiva de obras de arte popular convertidas en industria del souvenir es la misma incomprensión de sus principios sustantivos.

La tesis sobre la fusión del arte popular con la industria se convierte en una industria popular, aportando unificación y estandarización al arte popular. El modelo del artista en este entorno se vuelve decisivo. En este caso, los hilos de continuidad de la artesanía popular se rompen y ésta cae catastróficamente. Como resultado, los sistemas artísticos en el arte de la artesanía popular se están derrumbando, las escuelas de tradiciones populares están desapareciendo, que sufrieron daños importantes durante los períodos de predominio de los estilos del arte de caballete en los años 50 y la falta de decoración en los años 60, cuando La ornamentalidad se colocó más allá de lo moderno. En esos períodos, el arte popular estaba despersonalizado en sus características regionales, nacionales, regionales y promediado en su arte. Fuimos testigos de con qué frecuencia, en lugar de arte verdaderamente vivo, se propusieron fenómenos internamente defectuosos y artísticamente poco prometedores.

En tal situación, hubo una clara sustitución de valores tanto en la ciencia como en la práctica misma, lo que inevitablemente resultó en un estancamiento del pensamiento científico y problemas para el arte popular. Pero ¿dónde están, en este caso, los criterios que nos permitan comprender y gestionar correctamente el arte popular?

¿Dónde están las fuentes ocultas de su interminable poder creativo? Hay que buscarlos en el arte popular mismo, en sus conexiones con lo que es eternamente valioso para la humanidad: la naturaleza y la cultura. Es necesario captar la dinámica histórica, en otras palabras, comprender el desarrollo cultural.

Hay que decir que la ciencia del arte popular, debido a su juventud, sigue siendo un área de conocimiento poco estudiada. Esto es lo que, en primer lugar, puede explicar la proliferación de juicios aleatorios y superficiales, puntos de vista que actualmente pretenden ser una dirección científica, pero que siguen siendo sólo una visión que las tendencias de la moda pueden cambiar fácilmente.

Esta situación se creó debido a la falta de desarrollo de muchos problemas fundamentales del arte popular. Hasta hace poco, en numerosas discusiones que llenaban las páginas de nuestras revistas, era necesario defender el arte popular no sólo como cultura espiritual, sino también como un tipo independiente de creatividad artística.

Fue precisamente este enfoque de la formulación del problema lo que faltaba en las obras de V. S. Voronov y A. V. Bakushinsky (del que hablaremos con más detalle más adelante). En los años 50, A. B. Saltykov, que sentó las bases para comprender las características específicas del arte decorativo, al mismo tiempo no abordó la formulación teórica de los problemas del arte popular en sí. En la etapa actual, está separada de su pasado por una línea infranqueable. Fue en esta dirección que se desarrolló el pensamiento científico, queriendo ver todo en el arte popular moderno, pero no lo que realmente es. Hasta ahora, al abordar cuestiones de teoría y práctica, no se tienen en cuenta los resultados de la investigación sobre el arte popular prerrevolucionario en las obras de los años 60 y 70 de B. A. Rybakov, G. K. Wagner y V. M. Vasilenko. Por tanto, la pregunta misma es: ¿qué pasa por arte popular? – es de profunda importancia fundamental y ahora se está volviendo muy grave.

En este sentido, el problema de la integridad cobra relevancia8. Es especialmente importante conocer los orígenes del arte popular, sus fuentes vivas de creatividad, que enriquecen toda la cultura, en la integridad de la vida, en los complejos de la vida rural y la naturaleza que rodea a las personas y la continuidad cultural de las tradiciones9. No sólo son diferentes entre los pueblos, sino también diferentes en cada región. Pero, ¿cómo se puede, en este caso, superar la inercia del pensamiento que sigue confiando en actitudes refutadas por el tiempo, como la eliminación de rasgos locales y signos de escuelas de artesanía popular? Al fin y al cabo, esta actitud todavía se hace sentir en los infructuosos llamamientos a la creatividad sin tradiciones.

¿Cómo encontrar una unidad de teoría y práctica que sea real y no imaginaria? Estas preguntas quedan por responder.

Si el arte popular es una cultura espiritual, de lo que, presumiblemente, ahora no hay duda, si es una parte viva de la cultura moderna (muchas exposiciones lo atestiguan elocuentemente, y en particular la Exposición de Arte Popular de toda la Unión en 1979, el primero después de una pausa de 15 años), finalmente, si el interés por el arte popular está creciendo (esto es obvio tanto en nuestro país como en el extranjero), entonces, en primer lugar, es necesario reconocer las características del arte popular como una integridad cultural y resolver en consecuencia sus problemas científicos, artísticos, creativos y organizativos.

¿Contribuimos a tal esclarecimiento del asunto o lo obstaculizamos? Esta pregunta no puede dejar de enfrentarse a todos los que de una forma u otra están relacionados con el arte popular.

En condiciones de agudas contradicciones entre los logros técnicos modernos de la humanidad y el nivel de su moralidad, cuando el planeta Tierra estaba bajo amenaza de destrucción, surgió la necesidad de buscar nuevos contactos con la naturaleza y revivir los perdidos. En este entorno, los valores eternos de la cultura empezaron a resonar con extraordinaria fuerza. El anhelo por ellos aumenta junto con el anhelo por la naturaleza, por la tierra. Al mismo tiempo, el valor de la naturaleza está reviviendo en el arte. Hasta hace poco, el tema del hombre como conquistador de la naturaleza absorbía todos los demás aspectos de la relación con ella. Pero el conquistador a menudo se convierte en un consumidor, un despilfarrador de su riqueza. Un hombre, un robot de hierro, ¿quién es: un guardián de la naturaleza o su sepulturero?

Muchos artistas modernos buscan la unidad del hombre con la naturaleza; se alejan del camino rígidamente trazado de representar al héroe conquistador. En el arte de los años 60 y 70 se refuerza notablemente el principio natural y, sobre todo, en el arte decorativo y aplicado con su giro decisivo de las cosas utilitario-técnicas a las singularmente artísticas, a la imaginería y la plasticidad. Así, en la obra de los Shushkanov, la conexión entre los principios naturales y populares, que se había desvanecido notablemente en el arte de años anteriores, se encontró en una forma nueva e inesperada. Algo similar ocurre en la cerámica y el vidrio artístico. La búsqueda de conexiones con la tradición popular es inseparable del interés por las artes nacionales y, en general, por la cultura del pasado. En el folclore, la naturaleza es siempre un exponente de la Belleza y la Bondad; está fusionada con el mundo moral. Por tanto, lo natural actúa como criterio de los valores humanos. Y esto lleva el problema del arte popular en el contexto de capacidades técnicas en crecimiento ilimitado a un nuevo nivel de problemas ambientales del mundo moderno.

La ecología de la naturaleza, la ecología de la cultura no puede dejar de incluir la ecología del arte popular como parte de la cultura, como parte de la naturaleza con la que el hombre está inicialmente conectado.

Al plantear la cuestión de esta manera, determinamos la forma de resolverla en el sistema hombre-naturaleza-cultura.

Semejante nueva producción los problemas del arte popular lo elevan a un nivel de gran relevancia, nos permiten penetrar más profundamente en el contenido de las imágenes y nos ayudan a comprender su esencia como una integridad independiente. Hemos emprendido una comprensión teórica de los problemas del vasto ámbito del arte popular para determinar su carácter artístico, valor espiritual y, en consecuencia, su lugar en la cultura.

Como parte de la cultura, el arte popular es a la vez la naturaleza misma y memoria historica personas, una conexión inquebrantable de tiempos. La unidad estética y la integridad del arte popular son prueba de sus fundamentos altamente morales. Es desde estas posiciones, reflejadas en la serie ilustrativa de nuestro libro, que se examina el arte popular y se resuelven cuestiones de su teoría.

Éste es el problema de lo general y lo especial, que determina la interacción del arte profesional y el arte popular, también es la cuestión de la propia especificidad del arte popular como un tipo especial de creatividad artística, las formas de su desarrollo y sus conexiones con naturaleza. Finalmente, las principales preguntas son sobre los valores, la esencia, la naturaleza del colectivo, sobre el contenido de los conceptos de “arte popular” y “maestro popular”. El estudio de cuestiones clave de la teoría permitirá, según las particularidades de la asignatura, profundizar en los principios metodológicos del estudio del arte popular. Ayudará a comprender su lugar en el sistema cultural, su enorme papel -histórico, moral, estético- en la vida humana, en desarrollo espiritual La cultura, su construcción en el presente para el futuro. El material de nuestro libro será el arte popular de muchas nacionalidades de nuestro país, principalmente de las últimas dos décadas.

Entonces, consideraremos el arte popular, en primer lugar, como un mundo de valores espirituales.

Hoy en día, muchos están preocupados por la búsqueda de la autoidentificación nacional, los vínculos espirituales del pueblo, una idea común, y en estas búsquedas las miradas suelen dirigirse a cumbres culturales, principios éticos fundamentales y mecanismos económicos. Mientras tanto, los valores buscados se abren paso en nuestras vidas, como la hierba sobre el asfalto, con hechos, acontecimientos y tramas de la práctica cultural cotidiana apenas perceptibles. En relación con problemas tan grandiosos como la autoidentificación nacional, ¿quién recordará una pequeña cosa: un juguete popular? ¿Cuándo fue la última vez que la viste? ¿Y dónde? ¿En el museo? ¿En la exposición? ¿En la cómoda de la abuela? ¿O recuerdas cómo jugabas con él cuando eras pequeño? ¿Y qué relación puede tener esta pequeña y absolutamente insignificante cosa de tu vida cotidiana con los problemas espirituales fundamentales? hombre moderno¿Y, además, toda la sociedad?

Silbatos y pipas

La historia de los juguetes de arcilla se remonta a miles de años y continúa hasta el día de hoy. Y entre toda la variedad de tipos de figuras de arcilla, el silbato merece especial atención. En la antigüedad, los objetos sonoros de cerámica se utilizaban en rituales y tenían una finalidad de culto. La figura de arcilla sirvió como talismán; se le atribuyeron propiedades mágicas. Se creía que silbar podía ahuyentar a los espíritus malignos y protegerse del mal. El viento y la lluvia fueron causados por sonidos y silbidos. Con el olvido de las creencias paganas, los silbatos perdieron su función sagrada y casi en todas partes se convirtieron en juegos de niños, aunque el uso culto de juguetes, incluidos los silbatos, se mantuvo (hasta hace poco) junto con el juego. En Rusia, el evento más famoso en el que se utiliza el silbato es el festival del panhandle o silbador de Vyatka.

Maestro de Gorodets

Tras dedicarse profesionalmente al tallado en madera, Sergei Sokolov comenzó a estudiar las tradiciones de este arte de Gorodets. Se interesó por las posibilidades del tallado ciego de Nizhny Novgorod. Se llama ciego porque en la tabla que se estaba procesando no se perforaron agujeros; el maestro formó un patrón en relieve en su superficie con la ayuda de cinceles. Así, según la tradición, se decoraban la popa y los costados de los barcos del Volga y el tablero frontal de las chozas campesinas, donde el tablero cubre el punto de contacto entre el frontón del techo y la corona superior de la casa de troncos.

El maestro cortó el contorno necesario con una sierra de calar eléctrica y pintó la parte frontal. Además, aplicó pintura (acuarela) directamente sobre la madera sin imprimación y luego la cubrió con aceite secante. Más tarde, Sergei Fedorovich comenzó a imprimar sus cosas con aceite secante natural y pasó de la acuarela al temple, que da un color más saturado.

El arte popular en los paradigmas de la historia y la modernidad

Los enfoques para comprender el arte popular tradicional entre críticos de arte, etnógrafos, sociólogos, historiadores, psicólogos, economistas y expertos culturales difieren, pero sólo juntos nos permiten acercarnos a la comprensión de un fenómeno que aún continúa eludiendo el análisis en su totalidad 1 .

Artes y oficios populares

El uso de materiales naturales es una de las tradiciones generales y fundamentales del arte popular. Es en el material donde radican sus características artísticas. Tallado y pintado en madera, tejido, bordado, tejido de encaje, procesamiento de cortezas y raíces de abedul, alfarería, forja de metales: con toda la variedad de técnicas y materiales, los artesanos populares modernos de estas artes antiguas se adhieren a elementos, formas y temas tradicionales.

La Casa Pólénov, cuyo sucesor es la Casa Estatal Rusa de Arte Popular, cumple 100 años. El 29 de diciembre de 1915 tuvo lugar la gran inauguración en Moscú de una institución única en la historia de la cultura mundial: la Casa Polenovsky. El hecho de su creación está asociado con una tradición centenaria con la historia del desarrollo del amateurismo en Rusia. La Casa contaba con: una sala para 300 asientos con un escenario para la puesta en escena de espectáculos ejemplares, folclóricos y escolares; salas de ensayo, biblioteca, talleres de escenografía y vestuario y exposición instructiva. El edificio fue construido según el diseño original del destacado artista ruso, gran educador y académico de pintura Vasily Dmitrievich Polenov.

El hombre ha inventado muchos métodos de procesamiento artístico del cuero: estampado, aplicación, bordado, pintura e incluso incrustaciones de metal. Se destaca entre ellos técnica original cosiendo zapatos de cuero con estampado de Kazán. Esta técnica se puede llamar mosaico de cuero, porque según el principio del mosaico, las piezas hechas de cuero coloreado se combinan en un patrón complejo utilizando un método único de costura y bordado.

Teatro Plaza del Este

Una característica sorprendente del Cáucaso, que podría llamarse inmortalidad. la memoria de la gente o conservadurismo poético: la capacidad de preservar durante miles de años lo que una vez dio origen a la mente o la imaginación de la gente. En la vida cotidiana, las tradiciones populares se conservan especialmente en algunas regiones, en particular en el Cáucaso. Se ha escrito mucho sobre esta característica del Cáucaso.

Sin embargo, ya a principios del siglo pasado, los investigadores creían que “No es tan fácil distinguir entre toda una serie de influencias culturales entrelazadas y cruzadas, bajo cuya influencia estaba el Cáucaso, qué es local, qué es asirio-babilónico o bizantino, o mongol-turco, o ruso, o Islámico con sus refracciones árabe, persa y turca." A pesar de entrelazamientos tan complejos, el concepto sigue siendo de uso común. "cultura oriental" , con toda la riqueza de este concepto, su única certeza, como hace muchas décadas, es el concepto "cultura oriental" aproximadamente equivalente al concepto "cultura no europea"