Cualquier análisis trabajo literario comienza con la definición de su tema e idea. Existe una estrecha conexión semántica y lógica entre ellos, gracias a la cual un texto literario se percibe como una unidad integral de forma y contenido. Comprensión correcta del significado. términos literarios el tema y la idea permiten establecer con qué precisión el autor pudo realizar su concepto creativo y si su libro merece la atención del lector.
El tema de una obra literaria es una definición semántica de su contenido, que refleja la visión del autor del fenómeno, evento, personaje u otra realidad artística representados.
Una idea es el plan de un escritor, que persigue un objetivo específico al crear imágenes artísticas, utilizando los principios de la construcción de la trama y logrando la integridad compositiva de un texto literario.
¿Cuál es la diferencia entre un tema y una idea?
En sentido figurado, un tema puede considerarse cualquier motivo que impulsó al escritor a tomar la pluma y transferirla a Hoja en blanco papel, la percepción de la realidad circundante reflejada en imágenes artísticas. Puedes escribir sobre cualquier cosa; Otra pregunta: ¿con qué propósito, qué tarea debo proponerme?
El objetivo y la tarea determinan la idea, cuya divulgación es la esencia de una obra literaria estéticamente valiosa y socialmente significativa.
entre la diversidad temas literarios Hay varias direcciones principales que sirven como guía para el vuelo de la imaginación creativa del escritor. Se trata de temas históricos, sociales, cotidianos, de aventuras, detectivescos, psicológicos, morales y éticos, líricos, filosóficos. La lista continua. Incluirá notas originales del autor, diarios literarios y extractos estilísticamente refinados de documentos de archivo.
El tema, sentido por el escritor, adquiere un contenido espiritual, una idea, sin la cual la página del libro seguirá siendo sólo un texto coherente. La idea puede reflejarse en un análisis histórico de problemas importantes para la sociedad, en la descripción de momentos psicológicos complejos de los que depende el destino humano, o simplemente en la creación de un boceto lírico que despierte una sensación de belleza en el lector.
La idea es el contenido profundo de la obra. Un tema es un motivo que permite realizar una idea creativa dentro de un contexto específico y definido con precisión.
La diferencia entre un tema y una idea.
El tema determina el contenido real y semántico de la obra.
La idea refleja las tareas y objetivos del escritor, que se esfuerza por lograr mientras trabaja en un texto literario.
El tema tiene funciones formativas: puede revelarse en pequeños géneros literarios o convertirse en una obra épica importante.
La idea es el núcleo principal del contenido de un texto literario. Corresponde al nivel conceptual de organización de la obra como un todo estéticamente significativo.
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Sujeto(del gr. thema significa literalmente algo subyacente): este es un objeto de conocimiento. Asignaturas- Estos son aquellos fenómenos de la vida que se reflejan en la obra.
En la antigüedad se creía que la integridad de una obra literaria estaba determinada por la unidad del personaje principal. Pero Aristóteles también llamó la atención sobre la falacia de tal visión, señalando que las historias sobre Hércules siguen siendo historias diferentes, aunque dedicadas a una sola persona, y la Ilíada, que habla de muchos héroes, no deja de ser una obra integral.
Lo que da a una obra su carácter holístico no es el héroe, sino la unidad del problema que en ella se plantea, la unidad de la idea que se revela.
El tema de representación en las obras literarias puede ser una variedad de fenómenos. vida humana, vida natural, flora y fauna, así como cultura material (edificios, mobiliario, vistas de las ciudades, etc.).
Pero el principal tema de conocimiento en la ficción son los rasgos característicos de la vida humana. Estos son los personajes sociales de las personas tanto en sus manifestaciones externas, relaciones, actividades como en su vida mental interna.
Si en: Sujeto -“el objeto de la reflexión artística, aquellos personajes y situaciones de la vida que parecen pasar de la realidad a la obra de arte y forman el lado objetivo de su contenido”.
Tomashevsky:“Unidad de significados de elementos individuales de una obra. Reúne los componentes de un diseño artístico”.
La trama puede ser la misma, pero el tema es diferente. En la literatura popular, la trama pesa mucho sobre el tema. La vida se convierte muy a menudo en objeto de representación.
El tema suele estar determinado por las preferencias literarias del autor y su pertenencia a un grupo determinado.
El concepto de tema interno son temas que son transversales para el escritor; esta es la unidad temática que une todas sus obras.
El tema es el comienzo organizador del trabajo..
Problema - este resaltado de algún aspecto, el énfasis en él, que se resuelve a medida que se desarrolla la obra, es la comprensión ideológica del escritor de los personajes sociales que describió en la obra. El escritor resalta y realza aquellas propiedades, aspectos y relaciones de los personajes representados que considera más significativos.
La problemática, incluso en mayor medida que el tema, depende de la visión del mundo del autor. Por lo tanto, la vida en un mismo entorno social puede ser percibida de manera diferente por escritores que tienen diferentes visiones ideológicas del mundo.
Moliere en la comedia "Tartufo", retratando al personaje principal como un sinvergüenza e hipócrita que engaña a personas sencillas y honestas, describió todos sus pensamientos y acciones como manifestaciones de este rasgo de carácter negativo principal. El nombre Tartufo se convirtió en un sustantivo común para los hipócritas.
Idea- Esto es lo que quiere decir el autor, por qué se escribió este trabajo.
Es gracias a la expresión de ideas en imágenes que las obras literarias tienen un efecto tan fuerte en los pensamientos, sentimientos, voluntad de lectores y oyentes, en todo su mundo interior.
La actitud ante la vida expresada en una obra, o su valoración ideológica y emocional, depende siempre de la comprensión que el escritor tenga de los personajes que retrata y de la que siga desde su cosmovisión.
La idea de una obra literaria es la unidad de todos los aspectos de su contenido; Este es un pensamiento figurativo, emocional y generalizador del escritor.
El lector suele ser sincero.cede a la ilusión de que todo lo representado en la producciónel conocimiento es la vida misma; el es adicto a la accionel destino de los héroes, experimenta sus alegrías, simpatiza con ellossufrimiento o lo condena internamente. Dondeel lector a menudo no se da cuenta inmediatamente de lo esencialLas características están incorporadas en los héroes y en todo el curso del arte.de los eventos que se describen y qué importancia tienen los detallessus acciones y experiencias.
Pero estos detallesson creados por el escritor para, a través de ellos, elevar los personajes de algunos héroes en la mente del lector y reducir los personajes de otros.
Con sólo releer las obras yAl pensar en ellos, el lector puede llegar a la conclusión¿Qué propiedades generales de la vida están incorporadas en ciertos?Otros héroes y cómo son comprendidos y evaluados por el escritor.tel. La crítica literaria a menudo le ayuda en esto.
Introducción…………………………………………………………………………………………...2
1. Ideas. Concepto artístico. Sujeto. La trama en la composición coreográfica………………………………………………………………………………..5
2. Tema de los bailes de cuento…………………………………………………………..13
3. Proceso creativo……………………………………………………...17
4. Vínculos dramáticos en una obra coreográfica……………….19
Conclusión…………………………………………………………………………………….25
Referencias………………………………………………………………27
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1. Ideas. Concepto artístico. Sujeto. La trama en la composición coreográfica………………………………………………………………………………..5
2. Tema de los bailes de cuento…………………………………………………………..13
3. Proceso creativo…………………………………………………………...17
4. Vínculos dramáticos en una obra coreográfica……………….19
Conclusión…………………………………………………………………………………….25
Referencias………………………………………………………………27
Introducción
El arte del ballet hoy ha adquirido un significado universal como género y como ciencia. El ballet para la sociedad en su conjunto es un beneficio revestido de una forma especial de belleza” cuerpo parlante"La originalidad del idioma. danza clasica, no transmitir palabras, sino pensamientos, conceptos, hace que la dramaturgia del ballet no forma literaria, pero psicológico. La psicología del ballet dramático está asociada con las esferas de pensamiento espirituales y filosóficas que influyen en una persona de manera figurativa, creativa, asociativa, artística y estética.
Para potenciar el impacto en las emociones y sentimientos del espectador, el autor-director dispone de medios expresivos auxiliares como la música, la escenografía, la luz, etc., es decir. Todo un arsenal de factores y técnicas adicionales que potencian la dramaturgia. El dramaturgo de un ballet (obra), a diferencia de otros autores de artes escénicas, puede, al demostrar una pose o gesto expresivo, inspirar o evocar toda una gama de pensamientos, todo un concepto figurativo, revelar el significado de un fenómeno, evento, reemplace un enorme "monólogo" con una "réplica".
El ballet es una sinfonía de pensamientos visibles, expresados a través de la danza, el movimiento, la composición, la dirección y la edición de todos los componentes en una combinación infinitamente variada de estas fuerzas.
Cualquier obra de arte en todos sus tipos y géneros debe crear una imagen holística de lo que se representa.
El tema de la imagen en una obra dramática es conflicto social(de una escala u otra), personificada en los héroes de la obra. Para que una obra dramática tenga un impacto artístico, debe crear una imagen completa, una imagen completa del evento.
El drama crea una imagen de un acontecimiento conflictivo, una imagen de un choque social. Esta imagen debe tener tres elementos obligatorios que determinan su integridad. En primer lugar, es necesario explicar qué está sucediendo, dónde, por qué y por qué ocurrió la colisión, para describir su comienzo. Sin esto no quedará claro.
Es necesario mostrar el desarrollo de la colisión, su esencia. Y, por último, es necesario mostrar a qué ha conducido este desarrollo. “A qué condujo” no es equivalente al concepto “cómo terminó”.
Cualquier evento en la vida, y especialmente bajo la pluma del autor, terminará completamente por accidente, y no como resultado de un desarrollo determinado, no como resultado de la lucha de contradicciones que se manifestaron en un conflicto determinado. Creación imagen completa eventos es obligatorio requisito artístico a una obra de teatro.
Al mismo tiempo, la composición incluye la organización de la acción de la obra, la divulgación del material a través de la trama, que es una especie de “ropa del conflicto”, es decir, un medio para concretarlo.
La serie de acontecimientos, es decir, el desarrollo secuencial del proceso de la vida en el drama, las etapas de su conflicto, también tiene su relación con el todo, los detalles con lo general. El flujo de acción es consecuencia del desarrollo del conflicto. El concepto de composición se asocia así a la construcción de la acción dramática.
Objetivo trabajo de prueba es: estudiaruna obra coreográfica en cuanto a tema e idea.
Objetivos de la prueba:
Considerar los conceptos de “idea”, “concepto artístico”, “tema”, “trama” e identificar su significado en el proceso de una obra coreográfica;
Considere el tema de los bailes de cuentos;
Ampliar el concepto de “proceso creativo”;
Estudiar los elementos dramáticos de una obra coreográfica.
Los conceptos de “idea”, “concepto artístico”, “trama” y su significado en el proceso de una obra coreográfica fueron tomados de la fuente:
Bogdanova G.F. "Fundamentos de la dramaturgia coreográfica". El tema de las danzas narrativas se trató en el libro: Zaripova R.S., Valyaeva A.R. "Del concepto a la trama." El proceso creativo fue estudiado en el libro: Zakharova R.V. "Componer una danza". Los vínculos dramáticos en las obras coreográficas fueron tomados de la fuente: Bogdanova G.F. "Fundamentos de la dramaturgia coreográfica".
La prueba, cuya estructura está determinada por las tareas asignadas, incluye una introducción, una conclusión y una lista de referencias.
1. Ideas. Intención artística. Sujeto. La trama en la composición coreográfica.
Mientras no haya un tema, el trabajo del autor sobre la obra no puede comenzar. El tema es un problema que plantea la vida y anima al autor a crear.
Una idea es una solución a algún problema, algún tema. Todo el proceso de creación de una obra es un proceso de revelar y resolver un tema y transformarlo en una idea.
Una idea nunca es abierta ni estática. Muere tan pronto como deja de desarrollarse o se vuelve banal y dañino.
Una idea fructífera puede vivir milenios; no desaparece al final de la obra, sino que se va con la persona y aparece cada vez que se vuelve a abordar la obra.
Las ideas establecidas por los autores antiguos de Egipto, Grecia, China y otros han perdurado durante más de tres milenios.
Hay ideas prometedoras y otras que no tienen desarrollo. Hay ideas que pierden temporalmente su relevancia y parecen congelarse en el olvido histórico, para luego volver a cobrar vida. Así, en relación con el surgimiento de fuerzas centrífugas en Rusia, las ideas de "La campaña de Igor" se están volviendo muy modernas.
Las ideas pueden ser subjetivas u objetivas. Una idea subjetiva se verifica mediante leyes objetivas. Hay casos en que un autor, con la intención de exponer un fenómeno, en realidad lucha contra otro, ya que la idea original es insignificante o falsa y no resiste la prueba de la ley objetiva, es decir, la vida.
A veces aparecen obras con una idea falsa, aparecen con mayor frecuencia en sociedades no libres. Una idea falsa suele ir acompañada de una forma falsa. Las ideas, al igual que los temas, pueden ser principales o secundarias.
EN trabajo genuino hay una lucha de ideas, durante la cual la idea principal gana o muere si era falsa.La idea de una actuación, obra de teatro o guión suele denominarse supertarea de la obra.
Una idea artística es una especie de “llave” de una obra o de partes separadas, componentes, elementos, hasta imágenes.
La idea en una representación de ballet refleja un patrón. Período histórico, la ideología de la época. Influye en la vida social a través de imágenes artísticas.
La idea de un coreodramaturgo siempre está sujeta a la ley de la dramaturgia y a sus cinco apartados: exposición, argumento, desarrollo, clímax y desenlace. Impregna toda la obra, todos sus componentes, tanto externos como internos - psicológicos. Incluye una serie de conceptos sin los cuales un ensayo es prácticamente imposible: tema, trama, tipo, tipo, método, estilo, etc.
Una representación de ballet es un pensamiento que se desarrolla en un proceso dialéctico y artístico, desarrollando una idea.
La idea impregna todas las partes de la obra y es un subtexto en las colisiones argumentales. Ésta es la esencia del ballet, el problema, su significado, significado, el concepto del autor.
Una idea es un principio de cosmovisión que expresa aspectos, posiciones, pensamientos y actitudes filosóficas, sociales, morales, políticas hacia el mundo.
Una idea es la unidad de pensamiento, un sentimiento: conocimiento e intuición, anticipación, previsión y anticipación. La idea se transmite a través del psicologismo del comportamiento de las imágenes y el choque de sus personajes.
Se revela en el proceso de desarrollo del tema y la trama. EN forma pura Una idea artística es de naturaleza abstracta y no tiene valor artístico. Cuanto más distinta sea la lucha entre fuerzas opuestas, mayor será el valor de una idea. La verdad de una idea está en el proceso, en el desarrollo de la trama de una obra de arte.
La idea permite al autor sacar conclusiones morales y psicológicas, presentar sus pensamientos y sentimientos al tribunal público del espectador y, al mismo tiempo, evocar, provocar en el espectador ciertas emociones, sentimientos, pensamientos, evocar empatía, compasión, a través de la complicidad (del espectador directo).
En una obra, la idea se difunde en todas sus partes y elementos y, por así decirlo, cimenta la composición con su energía.
Una idea tiene la capacidad de autodesarrollarse, porque diferenciados en las cosmovisiones del autor, intérpretes, espectadores y su actitud ante la obra y el mundo.
Concepto artístico.
La idea del coreodramaturgo está relacionada con su cosmovisión. Y la elección de un tema o trama es sólo una búsqueda de forma, intención, plan, idea, idea para expresar la propia actitud, la propia visión de los problemas de la vida.
Un plan es una representación, imaginación, anticipación de una idea en forma figurada. Cierto prototipo de obra, evocado por la imaginación “del futuro”.
La idea es el comienzo del proceso creativo. Y externamente, esto se puede expresar en forma de bocetos, planos, programas, aplicaciones, bocetos, bocetos, pruebas, reflexiones, etc. La idea y su implementación están relacionados con el "subtexto" de la obra, es decir. con ideas que son los motores, conductores, guías de la “acción de principio a fin” en la trama.
Una idea puede nacer espontáneamente, por accidente, pero puede nutrirse durante años, como si el tiempo la hubiera probado.
El impulso de un plan puede ser varios factores: un pensamiento brillante, un fenómeno o acción imaginativa, un objeto que evoca asociaciones, estrés emocional, un encuentro con una persona interesante y otros factores energéticos impulsivos que influyen en la conciencia, el subconsciente y la psique.
En el curso del trabajo en la implementación de un plan, este se concreta, se aclara, se pule y, en ocasiones, puede cambiar fundamentalmente, lo que, sin embargo, no cambia su valor original en la enorme actividad heurística del proceso creativo.
El coreógrafo, el autor, en el proceso de implementación del plan, tiene la oportunidad de aclarar por sí mismo las principales direcciones de la búsqueda, predecir los movimientos tácticos y estratégicos de la trama, verificar los próximos resultados en el proceso de práctica y seguir lógicamente. el plan planeado.
La capacidad del director para construir y guiar su idea a través de laberintos de todo tipo de obstáculos, y su desarrollo profundo e integral, expresa la cultura, la cosmovisión, el profesionalismo del autor y su habilidad.
Sujeto
Para expresar sus ideas y planes, un coreógrafo busca y encuentra temas que puedan interesar al público.
Lo relevante no es lo que es moderno en tema o trama, sino lo que conlleva ideas actuales, ideas de hoy.
La elección del tema depende de la cosmovisión, la actitud del autor ante los fenómenos sociales, la inteligencia, la perspectiva, la cultura, el profesionalismo, la forma de pensar, la ciudadanía, las convicciones morales y estéticas, las opiniones filosóficas y jurídicas, las posiciones ideológicas, políticas y de otro tipo.
Tema y plataforma ideológica. teatro de ballet, su repertorio debe estar en unidad con la tendencia de la estética en el arte de la sociedad, tanto en su país como en todo el mundo.
El valor estético de los temas de las obras de ballet radica en la unidad de los eventos evaluados de manera realista que tienen lugar en el escenario y su interpretación y presentación artística (forma).
El tema se puede expresar conceptualmente (el tema de la revolución, la inteligencia, la personalidad); metafóricamente (el tema de “padres e hijos”, el tema de las personas “humilladas e insultadas”, “superfluas”, etc.); nombre familiar (Hamlet, Don Quijote, Demonio, Don Juan, Khlestakov).
En el arte existen los llamados "temas eternos" en los que vive y se realiza la psicología del comportamiento de los personajes, temperamentos y pasiones humanas inherentes a todos los siglos, pueblos y países: el amor, el bien y el mal, la vida y la muerte, el dinero, el poder. , la libertad, la voluntad, la belleza, la búsqueda del sentido de la vida y mucho más. etc.
« Temas eternos"es una memoria viva de la moral humana, de la ética, de las relaciones humanas, una memoria que la humanidad consolida en las imágenes del arte.
Los "temas eternos" en el arte pasan de una época a otra y llevan los rasgos más generalizados y estables del carácter de una persona en el proceso de desarrollo histórico.
El hombre siempre ha estado interesado en sí mismo y en las manifestaciones de su carácter en determinadas circunstancias. EN ballets clasicos una persona se enfrenta, como en la vida, a conceptos tan eternos como el deber, el honor, la conciencia, las cenizas, el pecado, el heroísmo, el patriotismo, los celos, la envidia, la calumnia, la traición, la venganza, la libertad y muchos otros. etc.
En el ballet, todas estas cualidades se transmiten a través de su lenguaje, su sistema no verbal y sus técnicas coreográficas. “La verdadera, única y eterna trama del ballet es la danza” (T. Gautier).
Al contemplar y empatizar con los personajes de la obra, en el alma, la mente y el corazón de los espectadores se produce una especie de selección de cualidades morales internas, autoestima, autodesarrollo, superación personal.
Los “Temas Eternos” están diseñados para espiritualizar, mejorar, purificar y elevar lo humano en el hombre con la belleza de la forma del arte del ballet.
Los temas, tramas, giros y colisiones en varias producciones de ballet pueden ser muy diversos, tomados de diferentes épocas, países, géneros (cuentos de hadas, leyendas, mitos, parábolas) y trasladados hasta el día de hoy.
Pero la "eternidad de los temas" siempre excitará a una persona, siempre influirá en su alma viviente. La moralidad de los "temas eternos", su función cognitiva y educativa, la espiritualidad pasan de generación en generación y son la base de las obras clásicas.
Esto revela la conexión entre tradición e innovación, como una de las leyes básicas de la estética.
Trama. Fábula. Contenido y significado.
La trama de una representación de ballet es su contenido, es decir. un conjunto de eventos a través de los cuales se revelan los caracteres de los personajes.
La trama de una composición coreográfica está asociada al tipo de pensamiento artístico, a una época cultural e histórica específica, método creativo, posición cívica, normas éticas y gustos estéticos del coreógrafo.
La trama se revela a través de la trama de la obra, a través de las principales situaciones conflictivas, choques, vicisitudes, conectadas en un único sistema figurativo y artístico.
En la trama, a través de los acontecimientos, a través de acciones, choques de personajes, a través del escenario, se manifiestan imágenes.
La trama es un plan determinado, arquitectónico, resumen, libreto. La trama se puede volver a contar brevemente, pero es casi imposible volver a contarla, porque... su significado se acerca más a un guión que a una composición.
La trama es la base estructural del ensayo, la columna vertebral, una historia sobre hechos y detalles. Elementos de una trama: inicio, conflicto, desarrollo, clímax y resolución. Cada coreógrafo, trabajando sobre un mismo tema, desarrolla la trama a su manera, utilizando su propio argumento.
La trama es una forma de existencia y desarrollo de la trama, es una colisión que se mueve según sus propias leyes internas, todo está subordinado a una única "línea pasante": una idea.
La trama de una representación de ballet es su contenido, un conjunto de eventos, fenómenos, formas que ayudan a revelar la personalidad de los personajes. Hay un dicho filosófico; “... cada crisis, incluso cada punto de inflexión en el desarrollo, conduce inevitablemente a una discrepancia entre la antigua forma y el nuevo contenido”.
El concepto de contenido incluye: tema, trama, imágenes, colisiones, forma, etc. El concepto de contenido incluye; orientación ideológica, significado social, cosmovisión del autor, significado social y valor de la obra, su relevancia, arte, impacto de la belleza, estética, psicologismo, subtexto, orientación filosófica, etc. Por lo tanto, la estética del ballet distingue deliberadamente entre dos conceptos: "contenido" y "significado", porque el primero tiende a los medios, las técnicas técnicas, y el segundo tiene que ver con la comprensión ideológica y estética de la obra en su conjunto.
Así, la idea de una obra es su “preimagen”, “prototipo”, “prototipo”. Para expresar sus ideas y planes, un coreógrafo busca y encuentra temas que puedan interesar al público. Los temas, tramas, giros y colisiones en varias producciones de ballet pueden ser muy diversos, tomados de diferentes épocas, países y géneros.
2. Tema de los bailes de cuentos.
El arte coreográfico refleja tanto muchos aspectos de la realidad moderna como el pasado de diferentes pueblos.
Ya en la antigüedad, la gente expresaba diversos estados emocionales con movimientos plásticos.
A lo largo de los años, la complicación de las relaciones entre las personas, el deseo de explicar los fenómenos naturales ha dado lugar a una variedad de temas y tramas resueltas con la ayuda del arte plástico.
El contenido de las danzas y las técnicas escénicas desarrolladas. Se ampliaron y profundizaron los procesos de interpenetración de diferentes culturas, que no sólo desdibujaron sus fronteras, sino que también seleccionaron y perfeccionaron las técnicas del arte nacional de cada pueblo.
Tema del trabajo. “El proceso laboral reveló la importancia del ritmo. Los movimientos subordinados al ritmo dieron origen a la danza, una de las primeras manifestaciones de la cultura”.
Las danzas antiguas, que reflejaban procesos laborales, tenían un carácter lúdico. La aparición de nuevos tipos de trabajo cambió la actitud de las personas hacia él y hacia los demás, y todo esto se reflejó en la danza. Por ejemplo, en el baile "Lenok" se contaba cómo se siembra, se recoge y se tritura el lino.
Al comenzar a componer una danza sobre el tema del trabajo, el coreógrafo debe recordar que la plasticidad con la que se revela su contenido es de carácter asociativo, por lo que es importante tener en cuenta las siguientes reglas:
El proceso laboral no se refleja plenamente en la danza.
Se ponen en juego la etapa, los momentos clave y los elementos del proceso laboral que más claramente lo caracterizan; no se da una ilustración, sino una especie de indicio del mismo, una asociación con él;
Es necesario encontrar las particularidades de la obra, sus elementos, que requieren una solución escénica vívida mediante borradores coreográficos, permiten crear obras escénicas;
Encuentra elementos que representen el proceso laboral, permitiéndote complicarlos con movimientos coreográficos, crear movimientos artísticos y figurativos y vocabulario característico. Evitar el recuento de pantomima y el carácter ilustrativo;
Encuentre una estructura compositiva artística y figurativa que refleje el contenido principal de la danza: la poetización del trabajo.
Es problemático mostrar el trabajo de los ensambladores de relojes a través de la danza, pero la “danza del reloj” es posible, como por ejemplo en el teatro musical infantil “Zadumka” se representó la curiosa “Danza del reloj”.
Elegir el material musical adecuado puede resultar de gran ayuda para el coreógrafo. El patrón rítmico y melódico debería ayudar a revelar la naturaleza del trabajo, y la estructura emocional debería ayudar a revelar el estado y la actitud de las personas en el trabajo.
Tema de la vida cotidiana. La vida cotidiana es una forma de vida cotidiana, una esfera no productiva, que incluye tanto la satisfacción de las necesidades materiales de las personas (alimentación, vivienda) como el desarrollo de beneficios espirituales, cultura, comunicación, recreación y entretenimiento.
La vida social, urbana, rural, familiar e individual se forma bajo la influencia de la producción material, las relaciones sociales, el nivel de cultura y las características nacionales.
Debemos nuestro conocimiento sobre la vida de las generaciones pasadas al arte y a los patrones en los que se fijaron las cosmovisiones de las personas, los estándares morales y las etapas espirituales de desarrollo de diversas sociedades, clases y grupos.
La mayoría de las danzas sobre temas cotidianos revelan cuestiones de moralidad. Siempre reflejan el contenido de la moralidad de la sociedad. En primer lugar, este es el mundo interior de una persona, la manifestación de sus relaciones con otras personas:
Lealtad al deber, honor;
Lucha por la libertad, contra el mal;
Problemas de pareja, amistad, amor, relaciones familiares.
Se realizan danzas sobre temas cotidianos en varios géneros:
Dramático, a menudo con motivos líricos ("Boda de Moldavia" - conjunto de danza "Zhok"; "Se lo dieron a los jóvenes" - Ural coro folklórico; “Amor por las hierbas” - Coro Folclórico de Omsk; “Cocheros” - Coro Folclórico del Volga;
Trágico, a menudo en un sentido heroico (“Hacia el amanecer” - conjunto de danza “Beryozka”; “Khorumi”, “Partisans” - conjunto académico estatal Baile folclórico a ellos. I. Moiseeva;
Cómicamente, estos bailes a menudo se llaman "cómicos" o lúdicos ("Yurochka" - conjunto de danza de Bielorrusia; "Cuando los cosacos lloran" - conjunto de danza y canto de los cosacos del Don; "Oh, bajo el cerezo" - conjunto de danza de Ucrania lleva el nombre de Pavel Virsky;
En el ámbito de los intereses creativos de los coreógrafos también hay agudos problemas sociales y las experiencias líricas más sutiles.
Tema de la naturaleza. El hombre es hijo de la naturaleza. Desde la antigüedad, el hombre ha dotado de cualidades propias todo lo que le rodea, es decir, espiritualizó la naturaleza. No dudó ni por un minuto de que, digamos, la mente de un oso es similar a la de un humano, y que un oso se guía por las mismas aspiraciones que una persona.
Espiritualizó árboles, arbustos, discursos y ríos y, finalmente, fuerzas elementales: viento y lluvia, relámpagos y truenos.
La deificación y personificación de la naturaleza permitió reproducirla en las paredes de las rocas, en forma poética, creatividad musical y plástico.
Las obras de arte, donde él, una persona, parecía convertirse en un ciervo, un abedul, un copo de nieve, no contaban tanto sobre sus vidas, sino sobre las relaciones y experiencias humanas.
La personificación es uno de los ejemplos de imágenes en un cuento de hadas, una fábula o un discurso poético. Al observar la naturaleza circundante, la gente recurrió a sus imágenes al crear obras de danza. En la antigüedad aparecieron danzas de caza que, reflejando la naturaleza de la actividad humana, como muchas otras cosas, adquirieron una connotación mágica.
Golpear a un peluche significa golpearlo durante una cacería. Muchas danzas de caza han sobrevivido hasta el día de hoy, especialmente entre los pueblos del norte y Siberia de Rusia: la danza de la morsa entre los chukchi y los alemanes, la danza del oso entre los Khanty y Mansi, en la que la caza de estos animales es imitado.
Durante la época de la cría de ganado, el hombre domó un caballo y aprendió a controlarlo. En la mente de la gente surgió el ideal de un pastor, un jinete, y surgió y tomó forma la plasticidad de su imagen.
Con la ayuda de movimientos figurativos e imitativos, muchos pueblos crearon diversas danzas de jinetes y jinetes (“Danza de los jinetes Bashkir”, “Gaucho” - danza de los pastores argentinos).
Hoy en día es imposible imaginar una actuación de Año Nuevo junto al árbol de Navidad sin bailar una liebre, un zorro, una ardilla, un cachorro, etc. Hay muchos bailes, cuya imagen principal es mundo animal: “Cisne”, “Gallos”, “Gansos-cisnes”, “Libélula y hormiga” e incluso “Danza de las orugas”.
Imágenes poéticas flora Están presentes en las obras de casi todos los pueblos. Estas ya son técnicas más complejas de replanteamiento y personificación (“Birch”, “Golden Rye”, “Verbonka”, “Crystals”).
Imágenes de valores múltiples aún más complejas. reflejando fenómenos naturales ("Blizzard", "Ha llegado la primavera", "Ognevushka - al galope").
Al componer un baile, el coreógrafo debe responder claramente a las preguntas: ¿por qué pone en escena este baile? La danza, como otras formas de arte, debe evocar sentimientos sublimes en el público y cultivar gustos e ideales éticos. Al mostrar al espectador una cierta gama de fenómenos de la vida, el director transmite a través de la danza un contenido significativo, ya sea una trama sobre un tema histórico o moderno.
3. Proceso creativo
Componer una danza es un proceso complejo y largo. El coreógrafo-autor debe tener el don, la capacidad de encontrar y “hacer crecer” la idea de una futura producción, así como utilizar hábilmente los principios de la dramaturgia musical y coreográfica, las técnicas de composición de una composición, etc.
El proceso creativo se divide en dos etapas.:
el surgimiento de la idea y su encarnación. El primero está determinado. habilidades generales(erudición, cosmovisión, necesidad de creatividad artística), el segundo requiere habilidades y destrezas especiales, habilidad utilizada conscientemente.
El proceso creativo de un coreógrafo consta de 3 fases:
1. Recopilar y resumir material de la vida, definiendo temas, ideas. Existe el deseo de revelarlos en la obra: se está buscando una composición musical adecuada o ya dicta la naturaleza del tema o idea.
2. Modelado de personajes, imágenes, circunstancias propuestas, su interacción. Lo general se convierte en particular. Una idea, un tema tiende a adquirir acontecimientos, emergen personajes, un estilo, un género y una lógica de relaciones. El coreógrafo comienza a pensar a partir de la imagen y a dibujarla con su visión interior, es decir. ver, y sólo entonces componer.
3. La encarnación de las características externas de la imagen. Hay una transformación en aquel que necesita ser retratado. El coreógrafo “entra” en la imagen nacida de su imaginación, pero esto no excluye el control.
La conciencia parece bifurcarse: uno crea una imagen, vive de acuerdo con ella, el otro observa desde un lado. Se está creando la forma de la obra.
Naturalmente, cada fase (recolección-generalización, modelado, encarnación) no vive de forma independiente, sino que en algún momento determina el carácter de las demás, introduciendo a menudo cambios significativos. Aquí hay una interacción de habilidades generales y especiales que modelan el contenido y la forma en todas las etapas de la creatividad.
4. Vínculos dramáticos en una obra coreográfica
Toda obra dramática tiene una exposición, es decir, una parte inicial. La exposición es la parte inicial de una obra dramática.
Su finalidad: proporcionar al espectador la información necesaria para comprender la próxima acción de la obra. A veces es importante hacer saber al espectador en qué país y a qué hora se desarrollan los hechos. A veces es necesario comunicar algo que precedió al conflicto. La exposición también tiene una tarea más.
Con su ayuda, por así decirlo, en su espacio, una persona que acude al teatro se transforma en espectador, en partícipe de la percepción colectiva de la obra. La exposición da al espectador una idea del género de la obra. La exposición debe despertar el interés del espectador por la próxima acción en el escenario.
El tipo de exposición más común muestra ese último segmento de la vida cotidiana, cuyo curso se verá interrumpido por el estallido del conflicto.
La dramaturgia tiene mucho en común con los cuentos populares y probablemente se origina en ellos. La dramaturgia tomó de cuento popular, como tema principal, su principal milagro, un milagro social: la victoria del bien sobre el mal.
También hay mucho en común entre la construcción de un cuento de hadas y la estructura de una obra dramática. En particular, la exposición de la mayoría de las obras se basa en el mismo principio que la exposición de un cuento de hadas.
“Érase una vez...” - y de repente aparece un “pez dorado” o un “huevo de oro” de este trabajo– el conflicto que se representará en él. Basado en esto, este tipo exposiciones: que muestran el último período de la vida, cuyo curso será interrumpido por el conflicto.
Otro tipo de exposición es el prólogo: la apelación directa del autor al espectador, cuento sobre los personajes de la acción futura y su carácter.
En algunos casos, el prólogo agota la exposición. A menudo, sin embargo, el prólogo sólo abre la exposición, que luego continúa hasta que comienza el conflicto mostrando el flujo de la vida que lo precede.
En algunas obras existe otro tipo de prólogo, el llamado prólogo teatral. En estos casos, todas las funciones de la exposición las realiza una pequeña escena representada antes del inicio de la representación.
A veces una obra comienza con una inversión, es decir, mostrando cómo terminará el conflicto antes de que comience la acción. Esta técnica la utilizan a menudo los autores de obras llenas de acción, en particular historias de detectives.
La tarea de la inversión es cautivar al espectador desde el principio, mantenerlo en tensión adicional con la ayuda de información dada previamente sobre el final al que conducirá el conflicto representado. A veces la exposición se combina con la trama.
El principio
El concepto de “trama” incluye la trama del conflicto principal de la obra, cuyo desarrollo es el tema de la imagen en la obra.
Al principio comienza el movimiento del conflicto: la acción dramática. A veces el conflicto principal de una obra no aparece de inmediato, sino que va precedido de un sistema de otros conflictos.
Desarrollo
El desarrollo puede ser diferente, puede ocurrir en la lucha de dos o más planes. El desarrollo puede ser independiente, sin lucha, un pensamiento que se desarrolla. Cuando hay desarrollo del pensamiento, también hay dramaturgia.
Clímax
El método más común de trabajar en la dramaturgia coreográfica es el camino de los detalles al todo, desde la comparación de elementos lingüísticos individuales en un motivo plástico hasta la creciente confrontación de imágenes (héroes actuantes, personajes) en toda la obra.
Primero, el coreógrafo hace una lista general de lo que debe suceder en el escenario en orden. Luego, en esta lista protocolo de situaciones dramáticas y los eventos que surgen de ellas, se determina la acción de cada héroe (personaje) individual.
Construye la lógica del desarrollo de cada imagen específica (héroe, personaje) aproximadamente de acuerdo con el siguiente esquema: acción - motivo, acción - comportamiento, acción - personaje, acción - colisión, acción - evento.
Este método de trabajo sitúa en el centro de las búsquedas creativas la clarificación en cada molécula de la acción musical y danzaria (en un detalle artístico-figurativo, en un motivo plástico) de los elementos de confrontación y llevarlos a una lucha concretamente tangible y emocionalmente rica. .
Un detalle artístico y figurativo es el medio más eficaz para plasmar una idea coreográfica, el elemento más importante en la creación de la dramaturgia de una obra. La capacidad de crear detalles brillantes, artísticos e imaginativos, en los que los aspectos visuales y expresivos se fusionan inextricablemente, es un indicador de la habilidad del coreógrafo.
Son los detalles los que crean la imagen coreográfica escénica.
En el clímax, en primer lugar, la idea coreográfica concebida por el coreógrafo se expresa en la forma en que la imagina y, en segundo lugar, se resalta la posición ideológica que impulsó al coreógrafo a expresar esta idea.
Para un coreógrafo, trabajar en el clímax es quizás el momento más crucial. Y dado que el clímax es también el pináculo del enfrentamiento cada vez mayor entre los personajes principales, cuyas posiciones iniciales se indican al comienzo de la obra, la responsabilidad del coreógrafo aumenta muchas veces. Necesita demostrar todas las destrezas y habilidades para distribuir momentos clave (de impacto) a lo largo de toda la perspectiva de la estructura dramática de la obra, en todos los niveles (en detalles artísticos y figurativos, en motivos plásticos, en las acciones de personajes heroicos). , en episodios-partes individuales). Ser capaz de elegir circunstancias, dar relaciones a los héroes (personajes), saturar su confrontación efectiva con sentimiento, ritmo, mezclar sonido, color, soluciones plásticas, poner todo esto en el flujo de la intriga y hacerlo funcionar para el clímax.
El enfrentamiento entre los personajes principales (personajes) comienza a manifestarse desde el primer evento dramático (el primer hecho de la colisión), pero se revela más plenamente en el último evento culminante.
El clímax es la mayor oleada de enfrentamiento entre los personajes principales (personajes). Se trata de una explosión que provoca un cambio máximo en el equilibrio entre ellos. Se trata de una acción que ha alcanzado su pleno desarrollo, un acontecimiento que finalmente cambia la relación de fuerzas opuestas en la obra.
Entre el primer y el último hecho dramático se desarrolla no solo la intriga en las acciones de los personajes principales (personajes), sino también toda la riqueza de la obra, su atmósfera, personajes, vocabulario de danza, variedad de circunstancias propuestas, lógica de desarrollo, etc. . son revelados.
En este sentido, el clímax sirve como criterio para el arte de una obra, un criterio mediante el cual la obra puede analizarse en orden inverso. Por eso el clímax debe ser brillante, convincente y debe dar a la obra unidad e integridad artística.
Desenlace.
El desenlace en una obra dramática es el momento de resolución del conflicto principal, la eliminación de la contradicción conflictiva, que es la fuente del movimiento de la obra.
La resolución del conflicto sólo es posible si se preserva la unidad de acción, se preserva el conflicto principal que comenzó desde el principio. Esto implica la exigencia: este resultado del conflicto debe figurar ya desde el principio como una de las posibilidades para su resolución.
En el desenlace, o mejor dicho, a raíz del mismo, se crea una situación nueva respecto a la que se produjo al principio, expresada en una nueva relación entre los héroes. Esta nueva actitud puede ser bastante variada.
El final
El final es la culminación emocional y semántica de la acción de la obra. Emocionalmente, esto significa que estamos hablando no sólo del resultado semántico, no sólo de la conclusión del trabajo.
Si en una fábula la moraleja se expresa directamente: "la moraleja de esta fábula es esta", entonces en una obra dramática el final es una continuación de la acción, el último acorde.
El final concluye la obra con una generalización dramática y no sólo completa esta acción, sino que abre la puerta a la perspectiva, a la conexión. este hecho con más ancho Fenómeno social. El final es, por así decirlo, una prueba de la dramaturgia de la obra en su conjunto. Si se violan los elementos básicos de su composición, si la acción que comenzó como principal es reemplazada por otra, el final no funcionará.
A menudo el autor termina una obra con un final sucedáneo. No todo final, bajo un pretexto u otro, es un final y puede servir como conclusión emocional y semántica de una obra. El tipo más común de final sucedáneo es la “retribución” del autor al héroe.
Así, la base de cada obra dramática es una estructura fundamental que consta de estos tres elementos: el comienzo de la lucha, el curso de la lucha y el resultado de la lucha.
El comienzo de la lucha se revela en el comienzo del conflicto principal. El curso de la lucha se revela a través de acciones específicas y enfrentamientos de los héroes, a través de las llamadas vicisitudes que conforman el movimiento general de acción desde el inicio del conflicto hasta su resolución.
Conclusión
En una obra coreográfica lo principal no es el objeto visible, sino el alma de las imágenes, la esencia de tal o cual fenómeno.Puede transmitir lo súper real, fantástico, de cuento de hadas y mítico en una forma y medios realistas.La obra tiene un lenguaje universal, un lenguaje de imágenes visuales con su propio “vocabulario”, “sintaxis”, signos convencionales y su “gramática”.
La dramaturgia del ballet es vida en acción escénica, porque sobre el papel no hay ni puede haber la dramaturgia de un texto de danza.Sólo con la implementación escénica la idea, la forma y el contenido adquieren una forma acabada.La composición de una obra dramática es un concepto complejo.
Se considera un fenómeno universal, relacionado con todos los elementos del drama: tema, idea, conflicto, trama, cada imagen, cada acto, cada escena, comentario, dirección escénica.
La composición es una forma de agrupar el material que conforma el tejido de una obra. A esto último se refería A. Pushkin cuando decía que lo más importante en una obra de arte es el plan: la relación de las partes con el todo, de los detalles con lo general. De hecho, el orden en que se distribuyen las partes en relación con el todo determina la composición.
La composición se da cuenta del contenido ideológico del drama y desarrolla su problemática. Por cómo se construye la lógica del desarrollo de la acción, cómo se resuelve, no se resuelve la contradicción y cómo se elimina la contradicción, se puede juzgar la posición del autor, la idea principal de la obra.
De esto podemos concluir que la composición sirve para expresar concretamente una idea en acción. Entonces, la composición está determinada por el contenido.
Refleja ciertos patrones de dramaturgia de una época histórica particular, su sujetos sociales. Si ampliamos esta fórmula, podemos decir que la danza es una miniatura musical y coreográfica, cuya idea se expresa en una estructura dramática clara, con su propia exposición, trama, clímax y final.
Idealismo, concisión, originalidad del concepto y su implementación, modernidad e inteligibilidad de los medios expresivos, virtuosismo y espiritualidad de la interpretación: estas son las características que debe tener un número de baile.
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1. Tema, temas, problemas del trabajo.
2. El concepto ideológico de la obra.
3. Pathos y sus variedades.
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Los estudiosos de la literatura sostienen con razón que lo que da a una obra literaria su carácter holístico no es el héroe, sino la unidad del problema planteado en ella, la unidad de la idea que se revela. Así, para profundizar en el contenido de la obra es necesario determinar sus componentes: tema e idea.
"Sujeto ( Griego. thema), según la definición de V. Dahl, es una propuesta, posición, tarea que se discute o explica”.
Los autores del Diccionario enciclopédico soviético dan al tema una definición ligeramente diferente: “El tema [cuál es la base] es 1) el tema de descripción, imagen, investigación, conversación, etc.; 2) en el arte, un objeto de representación artística, una gama de fenómenos de la vida representados por un escritor, artista o compositor y mantenidos unidos por la intención del autor”.
En el “Diccionario de Términos Literarios” encontramos la siguiente definición: “Tema es aquello que es la base de una obra literaria, el principal problema que en ella plantea el escritor”. .
En el libro de texto “Introducción a los estudios literarios”, ed. G.N. El tema de Pospelov se interpreta como un objeto de conocimiento.
SOY. Gorky define un tema como una idea “que surge de la experiencia del autor, le es sugerida por la vida, pero anida en el receptáculo de sus impresiones aún no formadas y, al exigir su plasmación en imágenes, despierta en él el impulso de trabajar en su diseño. .”
Como puede ver, las definiciones anteriores del tema son diversas y contradictorias. La única afirmación con la que podemos estar de acuerdo sin reservas es que el tema es verdaderamente la base objetiva de cualquier obra de arte. Ya hemos hablado anteriormente sobre cómo ocurre el proceso de nacimiento y desarrollo de un tema, cómo un escritor estudia la realidad y selecciona los fenómenos de la vida, cuál es el papel de la cosmovisión del escritor en la selección y desarrollo de un tema ( ver la conferencia “La literatura es un tipo especial de actividad artística humana”).
Sin embargo, las afirmaciones de los eruditos literarios de que el tema es un círculo de fenómenos de la vida representados por el escritor, en nuestra opinión, no son lo suficientemente completas, ya que existen diferencias entre el material de la vida (el objeto de la imagen) y el tema (el sujeto). materia) de la obra de arte. El tema de la imagen en las obras. ficción puede ser el más varios fenómenos la vida humana, la vida natural, la vida animal y vegetal, así como la cultura material (edificios, mobiliario, vistas de las ciudades, etc.). A veces incluso se representan criaturas fantásticas: animales y plantas que hablan y piensan, diversos tipos de espíritus, dioses, gigantes, monstruos, etc. Pero este no es en modo alguno el tema de una obra literaria. Las imágenes de animales, plantas y vistas de la naturaleza suelen tener un significado alegórico y auxiliar en una obra de arte. O representan personas, como ocurre en las fábulas, o se crean para expresar experiencias humanas (en imágenes líricas naturaleza). Aún más a menudo, los fenómenos naturales con su flora y fauna se representan como el entorno en el que se desarrolla la vida humana con su carácter social.
Al definir un tema como material vital tomado para ser representado por un escritor, debemos reducir su estudio al análisis de los objetos representados, y no rasgos característicos la vida humana en su esencia social.
Siguiendo a A.B. Yesin, bajo tema obra literaria lo entenderemos " objeto de reflexión artística , aquellos personajes y situaciones de la vida (relaciones de los personajes, así como la interacción humana con la sociedad en su conjunto, con la naturaleza, la vida cotidiana, etc.), que parecen pasar de la realidad a una obra de arte y forma. el lado objetivo de su contenido ».
El tema de una obra literaria abarca todo lo que en ella se representa y, por lo tanto, sólo puede comprenderse con la integridad necesaria si se penetra en toda la riqueza ideológica y artística de esta obra. Por ejemplo, para determinar el tema de una obra de K.G. Abramov "Purgaz" ( unificación de lo que estaba fragmentado en muchos clanes a menudo en guerra pueblo mordoviano a finales del XII - principios del XIII siglos, contribuyendo a la salvación de la nación, la preservación de sus valores espirituales.), es necesario tener en cuenta y comprender el desarrollo multilateral de este tema por parte del autor. K. Abramov también muestra cómo se formó el personaje del personaje principal: la influencia de la vida y las tradiciones nacionales del pueblo mordoviano, así como de los búlgaros del Volga, entre quienes, por voluntad del destino y su propio deseo, tenía la oportunidad de vivir 3 años, y cómo se convirtió en el jefe del clan, cómo luchó con los príncipes Vladimir y los mongoles por la dominación en la parte occidental de la región del Volga Medio, qué esfuerzos hizo para garantizar que el pueblo de Mordovia se unieron.
En el proceso de análisis del tema, es necesario, según la opinión autorizada de A.B. Yesin, en primer lugar, para distinguir entre objeto de reflexión(tema) y objeto de imagen(la situación específica representada); en segundo lugar, es necesario distinguir entre temas históricos concretos y eternos. histórico específico los temas son personajes y circunstancias nacidos y condicionados por una determinada situación sociohistórica de un país en particular; no se repiten más allá de un tiempo determinado, están más o menos localizados (por ejemplo, el tema “ persona extra"en la literatura rusa del siglo XIX). Al analizar un tema histórico específico, es necesario ver no solo la certeza sociohistórica, sino también psicológica del personaje, ya que la comprensión de los rasgos del personaje ayuda a comprender correctamente la trama que se desarrolla y la motivación de sus giros y vueltas. Eternos Los temas capturan momentos recurrentes en la historia de varios sociedades nacionales, se repiten en diferentes modificaciones en la vida de diferentes generaciones, en diferentes épocas históricas. Estos son, por ejemplo, los temas del amor y la amistad, la vida y la muerte, las relaciones entre generaciones y otras.
Debido a que el tema requiere varios aspectos consideración, junto con su concepto general, el concepto temas, es decir, aquellas líneas de desarrollo del tema que son trazadas por el escritor y constituyen su compleja integridad. Mucha atención La atención a la variedad de temas es especialmente necesaria cuando se analizan obras de gran tamaño en las que no hay uno, sino muchos temas. En estos casos, es recomendable destacar uno o dos temas principales asociados a la imagen del personaje central, o de varios personajes, y considerar el resto como secundarios.
Al analizar el contenido de una obra literaria. gran importancia tiene una definición de sus problemas. En la crítica literaria, la problemática de una obra literaria suele entenderse como el ámbito de la comprensión, la comprensión por parte del escritor de la realidad reflejada: « Asuntos (Griego. problema – algo lanzado hacia adelante, es decir aislado de otros aspectos de la vida) – esta es la comprensión ideológica del escritor de los personajes sociales que describió en la obra. Esta comprensión consiste en que el escritor resalta y fortalece aquellas propiedades, aspectos y relaciones de los personajes representados que él, basándose en su cosmovisión ideológica, considera más significativos”.
En obras de arte de gran volumen, los escritores, por regla general, plantean una variedad de problemas: sociales, morales, políticos, filosóficos, etc. Depende de en qué aspectos de los personajes y en qué contradicciones de la vida se centre el escritor.
Por ejemplo, K. Abramov en la novela "Purgaz", a través de la imagen del personaje principal, comprende la política de unir al pueblo mordoviano, disperso en numerosos clanes, sin embargo, la divulgación de este problema (sociopolítico) está bastante de cerca. relacionado con el problema moral (rechazo de la mujer que amaba, orden de matar a Tengush, uno de los líderes del clan, etc.). Por lo tanto, al analizar una obra de arte, es importante comprender no solo el problema principal, sino también el problema en su conjunto, para identificar cuán profundo y significativo es, cuán serias y significativas son las contradicciones de la realidad que el escritor representado.
No podemos dejar de estar de acuerdo con la afirmación de A.B. Esin que los problemas contienen la visión única del mundo que tiene el autor. A diferencia del tema, lo problemático es el lado subjetivo del contenido artístico, por lo tanto, la individualidad del autor, “original”. actitud moral autor al tema." A menudo, diferentes escritores crean obras sobre el mismo tema; sin embargo, no hay dos escritores importantes cuyas obras coincidan en sus problemas. La originalidad del tema es una especie de tarjeta de presentación del escritor.
Para análisis práctico Problemas, es importante identificar la originalidad del trabajo, comparándolo con otros, para comprender qué lo hace único y único. Para ello es necesario establecer en el trabajo en estudio tipo problemas.
Los principales tipos de problemas de la crítica literaria rusa fueron identificados por G.N. Pospélov. Basado en la clasificación de G.N. Pospelov, teniendo en cuenta el nivel actual de desarrollo de la crítica literaria A.B. Esin propuso su propia clasificación. él destacó mitológico, nacional, novedoso, sociocultural, filosófico problemas. En nuestra opinión, tiene sentido resaltar las cuestiones moral .
Los escritores no sólo plantean ciertos problemas, sino que buscan formas de resolverlos y relacionan lo que describen con ideales sociales. Por tanto, el tema de una obra siempre está conectado con su idea.
N.G. Chernyshevsky, en su tratado “Las relaciones estéticas del arte con la realidad”, hablando de las tareas del arte, afirma que las obras de arte “reproducen la vida, la explican y la juzgan”. Es difícil no estar de acuerdo con esto, ya que las obras de ficción siempre expresan la actitud ideológica y emocional de los escritores hacia los personajes sociales que representan. La valoración ideológica y emocional de los personajes representados es el aspecto más activo del contenido de la obra.
"Idea (Griego. idea – idea, prototipo, ideal) en la literatura: una expresión de la actitud del autor hacia lo representado, la correlación de esta imagen con los ideales de vida y del hombre afirmados por los escritores.“, - esta definición figura en el “Diccionario de términos literarios”. Encontramos una versión algo refinada de la definición de idea en el libro de texto de G.N. Pospélova: “ La idea de una obra literaria es la unidad de todos los aspectos de su contenido; Este es un pensamiento figurativo, emocional y generalizador del escritor, que se manifiesta en la elección, la comprensión y la evaluación de los personajes. ».
Al analizar una obra de arte, identificar una idea es muy importante y significativo porque una idea progresista, correspondiente al curso de la historia, las tendencias del desarrollo social, es una cualidad necesaria de toda obra verdaderamente artística. La comprensión de la idea principal de una obra debe surgir del análisis de todo su contenido ideológico (la valoración que hace el autor de los acontecimientos y personajes, el ideal del autor, el patetismo). Sólo bajo esta condición podemos juzgarlo correctamente, sus fortalezas y debilidades, la naturaleza y las raíces de sus contradicciones.
Si hablamos de la novela "Purgaz" de K. Abramov, entonces la idea principal que expresa el autor se puede formular de la siguiente manera: la fuerza del pueblo radica en su unidad. Sólo uniendo a todos los clanes de Mordovia, Purgaz, como líder talentoso, pudo resistir a los mongoles y liberar la tierra de Mordovia de los conquistadores.
Ya hemos señalado que los temas y cuestiones de las obras artísticas deben cumplir con los requisitos de profundidad, relevancia y significado. La idea, a su vez, debe cumplir con los criterios de veracidad y objetividad históricas. Es importante para el lector que el escritor exprese tal comprensión ideológica y emocional de los personajes representados, que estos personajes sean verdaderamente dignos en términos de las propiedades objetivas y esenciales de sus vidas, en términos de su lugar y significado en la vida nacional. en general, en las perspectivas de su desarrollo. Las obras que contienen una evaluación históricamente verdadera de los fenómenos y personajes representados son progresivas en su contenido.
La fuente principal de ideas artísticas en la realidad, según I.F. Volkov, son "sólo aquellas ideas que entraron en la carne y la sangre del artista, se convirtieron en el significado de su existencia, su actitud ideológica y emocional ante la vida". V.G. Belinsky llamó a tales ideas patetismo . "Una idea poética", escribió, "no es un silogismo, ni un dogma, ni una regla, es una pasión viva, es patetismo". Belinsky tomó prestado el concepto mismo de patetismo de Hegel, quien en sus conferencias sobre estética usó la palabra "patetismo" para significar ( Griego. patetismo - un sentimiento fuerte y apasionado) el gran entusiasmo del artista por comprender la esencia de la vida representada, su "verdad".
E. Aksenova define el patetismo de esta manera: “Pathos es una animación emocional, una pasión que impregna una obra (o sus partes) y le da un único aliento, lo que se puede llamar el alma de una obra.. En el patetismo, el sentimiento y el pensamiento del artista forman un todo único; contiene la clave de la idea de la obra. Pathos no es siempre ni necesariamente una emoción pronunciada; Aquí es donde se manifiesta más claramente la individualidad creativa del artista. Junto con la autenticidad de los sentimientos y pensamientos. El patetismo imparte vivacidad y persuasión artística a una obra y es una condición para su impacto emocional en el lector. " Pathos se crea por medios artísticos: la representación de personajes, sus acciones, vivencias, acontecimientos de sus vidas y toda la estructura figurativa de la obra.
De este modo, El patetismo es la actitud emocional y evaluativa del escritor hacia la persona representada, caracterizada por una gran fuerza de sentimientos. .
En crítica literaria, se distinguen los siguientes tipos principales de patetismo: heroico, dramático, trágico, sentimental, romántico, humorístico, satírico.
Patetismo heroico afirma la grandeza de la hazaña de un individuo y de todo un equipo, su enorme significado para el desarrollo de un pueblo, una nación y la humanidad. Revelando en sentido figurado las principales cualidades de los personajes heroicos, admirándolos y elogiándolos, el artista de las palabras crea obras imbuidas de patetismo heroico (Homero “Ilíada”, Shelley “Prometeo desencadenado”, A. Pushkin “Poltava”, M. Lermontov “Borodino” , A. Tvardovsky “Vasily Terkin”; M. Saigin “Huracán”, I. Antonov “En una familia unida”).
Patetismo dramático Característica de las obras que representan situaciones dramáticas que surgen bajo la influencia. Fuerzas externas y circunstancias que amenazan los deseos y aspiraciones de los personajes y, a veces, sus vidas. El drama en las obras de arte puede ser tanto un patetismo ideológicamente afirmativo, cuando el escritor simpatiza profundamente con los personajes ("El cuento de las ruinas de Ryazan de Batu"), como ideológicamente negativo, si el escritor condena los personajes de sus personajes en el drama. de su situación (Esquilo “Persas”).
Muy a menudo, el drama de situaciones y experiencias surge durante los enfrentamientos militares entre naciones, y esto se refleja en obras de ficción: E. Hemingway “A Farewell to Arms”, E.M. Remarque “Un tiempo de vivir y un tiempo de morir”, G. Fallada “Lobo entre lobos”; A. Bek “Autopista Volokolamsk”, K. Simonov “Los vivos y los muertos”; P. Prokhorov "We Stood" y otros.
A menudo, los escritores en sus obras representan el drama de la situación y las experiencias de los personajes, que surge debido a desigualdad social personas ("Padre Goriot" de O. Balzac, "Los humillados e insultados" de F. Dostoievski, "Dote" de A. Ostrovsky, "Tashto Koise" ("Según las antiguas costumbres") de K. Petrova y otros.
A menudo, la influencia de circunstancias externas da lugar a una contradicción interna en la mente de una persona, una lucha consigo misma. En este caso, el drama se profundiza hasta el punto de la tragedia.
Patetismo trágico sus raíces están conectadas con personaje trágico conflicto en una obra literaria, causado por la imposibilidad fundamental de resolver las contradicciones existentes, y está presente con mayor frecuencia en el género de la tragedia. Reproduciendo conflictos trágicos, los escritores describen las experiencias dolorosas de sus héroes, eventos difíciles en sus vidas, revelando así las trágicas contradicciones de la vida, que tienen un carácter sociohistórico o universal (W. Shakespeare “Hamlet”, A. Pushkin “Boris Godunov”, L . Leonov “Invasión” ", Y. Pinyasov "Erek ver" ("Sangre viva").
Patetismo satírico. El patetismo satírico se caracteriza por la negación de los aspectos negativos. vida publica y rasgos de carácter de las personas. La tendencia de los escritores a notar lo cómico en la vida y reproducirlo en las páginas de sus obras está determinada principalmente por las propiedades de su talento innato, así como por las peculiaridades de su cosmovisión. Muy a menudo, los escritores prestan atención a la discrepancia entre las afirmaciones de las personas y las capacidades reales, lo que resulta en el desarrollo de situaciones cómicas de la vida.
La sátira ayuda a comprender los aspectos importantes de las relaciones humanas, orienta la vida y nos libera de autoridades falsas y obsoletas. En la literatura mundial y rusa hay muchas obras talentosas y altamente artísticas con patetismo satírico, entre ellas: las comedias de Aristófanes, "Gargantúa y Pantagruel" de F. Rabelais, "Los viajes de Gulliver" de J. Swift; "Nevsky Prospekt" de N. Gogol, "La historia de una ciudad" de M. Saltykov-Shchedrin, "Corazón de perro" de M. Bulgakov). En la literatura mordoviana, todavía no se ha creado ninguna obra significativa con un patetismo satírico claramente expresado. El patetismo satírico es característico principalmente del género de fábulas (I. Shumilkin, M. Beban, etc.).
Patetismo humorístico. El humor surgió como un tipo especial de patetismo sólo en la era del romanticismo. Debido a una falsa autoestima, las personas no sólo en público, sino también en la vida cotidiana y vida familiar pueden descubrir contradicciones internas entre quiénes son realmente y quiénes dicen ser. Estas personas fingen ser importantes, lo que en realidad no tienen. Semejante contradicción es cómica y evoca una actitud burlona, mezclada más con lástima y tristeza que con indignación. El humor es la risa ante las contradicciones cómicas relativamente inofensivas de la vida. Un ejemplo sorprendente de una obra con patetismo humorístico es la historia " Notas póstumas El Club Pickwick" de Charles Dickens; “La historia de cómo Ivan Ivanovich se peleó con Ivan Nikiforovich” de N. Gogol; “Lavginov” de V. Kolomasov, “Un agrónomo vino a la granja colectiva” (“Un agrónomo vino a la granja colectiva” de Yu. Kuznetsov).
Patetismo sentimental característica principalmente de obras sentimentales, creado en el siglo XVIII, caracterizado por una atención exagerada a los sentimientos y experiencias de los héroes, una descripción de las virtudes morales de las personas socialmente humilladas, su superioridad sobre la inmoralidad de un entorno privilegiado. Ejemplos vívidos incluyen las obras "Julia, o la nueva Eloísa" de J.J. Rousseau, “Las penas del joven Werther” de I.V. Goethe, " pobre lisa» N.M. Karamzín.
Patetismo romántico Transmite el entusiasmo espiritual que surge como resultado de la identificación de un determinado principio sublime y el deseo de identificar sus características. Los ejemplos incluyen los poemas de D.G. Byron, poemas y baladas de V. Zhukovsky y otros En la literatura mordoviana no hay obras con un patetismo sentimental y romántico claramente expresado, lo que se debe en gran medida a la época del surgimiento y desarrollo de la literatura escrita (la segunda mitad del siglo XIX). ).
PREGUNTAS DE CONTROL:
1. ¿Qué definiciones de tema se dan en la crítica literaria? ¿Qué definición crees que es más precisa y por qué?
2. ¿Cuáles son los problemas de una obra literaria?
3. ¿Qué tipos de problemas distinguen los estudiosos de la literatura?
4. ¿Por qué la identificación de cuestiones se considera un paso importante en el análisis de las obras?
5. ¿Cuál es la idea de una obra? ¿Cómo se relaciona con el concepto de patetismo?
6. ¿Qué tipos de patetismo se encuentran con mayor frecuencia en las obras de la literatura nativa?
Conferencia 7
TRAMA
1. El concepto de trama.
2. El conflicto como fuerza motriz desarrollo de la trama.
3. Elementos argumentales.
4. Trama y argumento.
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11) Breve enciclopedia literaria: en 9 tomos/capítulo. ed. AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. Surkov. – M., 1972. – T.7.
Es bien sabido que una obra de arte es un todo complejo. El escritor muestra cómo crece y se desarrolla tal o cual personaje, cuáles son sus conexiones y relaciones con otras personas. Este desarrollo del carácter, la historia del crecimiento, se muestra en una serie de acontecimientos que, por regla general, reflejan la situación de la vida. Las relaciones directas entre personas presentadas en una obra, mostradas en una determinada cadena de acontecimientos, en la crítica literaria suelen designarse con el término trama.
Cabe señalar que la comprensión de la trama como el curso de los acontecimientos tiene una larga tradición en la crítica literaria rusa. Se desarrolló en el siglo XIX. Así lo demuestra el trabajo del destacado crítico literario, representante de la escuela histórico-comparada en la crítica literaria rusa del siglo XIX A.N. Veselovsky "Poética de las tramas".
El problema de la trama ha ocupado a los investigadores desde Aristóteles. Mucha atención G. Hegel también prestó atención a este problema. A pesar de una historia tan larga, el problema de la trama sigue siendo en gran medida discutible hasta el día de hoy. Por ejemplo, todavía no existe una distinción clara entre los conceptos de trama y argumento. Además, las definiciones de trama que se encuentran en los libros de texto y libros de texto según la teoría literaria, diferentes y bastante contradictorias. Por ejemplo, L.I. Timofeev considera la trama como una de las formas de composición: “La composición es inherente a toda obra literaria, ya que siempre tendremos en ella una u otra relación de sus partes, reflejando la complejidad de los fenómenos de la vida representados en ella. Pero no en todas las obras nos ocuparemos de una trama, es decir. con la revelación de personajes a través de eventos en los que se revelan las propiedades de estos personajes... Hay que rechazar la idea generalizada y errónea de la trama sólo como un sistema de acontecimientos distinto y fascinante, por lo que a menudo se habla de " "no trama" de determinadas obras en las que no existe tanta claridad y fascinación del sistema de acontecimientos (acciones). Aquí no hablamos de la ausencia de trama, sino de su mala organización, ambigüedad, etc.
La trama en una obra siempre está presente cuando se trata de determinadas acciones de personas, de determinados acontecimientos que les suceden. Al conectar la trama con los personajes, determinamos su contenido, su condicionalidad por la realidad de la que el escritor es consciente.
Así, abordamos tanto la composición como la trama como un medio para revelar, descubrir un personaje determinado.
Pero en varios casos, el contenido general de la obra no encaja únicamente en la trama y no puede revelarse únicamente en el sistema de acontecimientos; por lo tanto, junto con la trama, tendremos elementos extra argumentales en la obra; la composición de la obra será entonces más amplia que la trama y comenzará a manifestarse de otras formas”.
V. B. Shklovsky considera la trama como un “medio para comprender la realidad”; en la interpretación de E.S. Dobin, la trama es un "concepto de realidad".
M. Gorky definió la trama como "conexiones, contradicciones, gustos, disgustos y, en general, relaciones entre personas: historias de crecimiento y organización de tal o cual personaje, tipo". Este juicio, como los anteriores, en nuestra opinión, no es exacto, pues en muchas obras, especialmente en las dramáticas, los personajes se representan fuera del desarrollo de sus personajes.
Siguiendo a A.I. Revyakin, tendemos a adherirnos a esta definición de la trama: « Una trama es un evento (o sistema de eventos) seleccionado en el proceso de estudio de la vida, realizado y plasmado en una obra de arte, en la que se revelan conflictos y personajes en determinadas condiciones del entorno social.».
G.N. Pospelov señala que temas literarios se crean de diferentes maneras. En la mayoría de los casos, reproducen de forma bastante completa y fiable acontecimientos de la vida real. Se trata, en primer lugar, de trabajos basados en eventos históricos (« Primeros años El rey Enrique IV" de G. Mann, "Los reyes malditos" de M. Druon; "Pedro I" de A. Tolstoi, "Guerra y paz" de L. Tolstoi; "Polovt" de M. Bryzhinsky, "Purgaz" de K. Abramov); En segundo lugar, historias autobiográficas(L. Tolstoi, M. Gorky); En tercer lugar, conocido por el escritor hechos de la vida . Los eventos descritos son a veces completamente ficticios, producto de la imaginación del autor ("Los viajes de Gulliver" de J. Swift, "La nariz" de N. Gogol).
También existe una fuente de creatividad argumental como el préstamo, cuando los escritores dependen ampliamente de tramas literarias ya conocidas, procesándolas y complementándolas a su manera. En este caso se utilizan temas folclóricos, mitológicos, antiguos, bíblicos, etc.
La principal fuerza impulsora de cualquier trama es conflicto, contradicción, lucha o, según la definición de Hegel, colisión. Los conflictos que subyacen a las obras pueden ser muy diversos, pero, por regla general, tienen un significado general y reflejan ciertos patrones de vida. Se distinguen conflictos: 1) externos e internos; 2) local y sustancial; 3) dramático, trágico y cómico.
Conflicto externo – entre personajes individuales y grupos de personajes – se considera el más sencillo. Hay muchos ejemplos de este tipo de conflicto en la literatura: A.S. Griboyedov "Ay de Wit", A.S. Pushkin " Caballero tacaño", A MÍ. Saltykov-Shchedrin "La historia de una ciudad", V.M. Kolomasov "Lavginov" y otros. Se considera conflicto más complejo aquel que encarna el enfrentamiento entre el héroe y la forma de vida, el individuo y el entorno (social, cotidiano, cultural). La diferencia con el primer tipo de conflicto es que al héroe aquí no se le opone nadie en particular, no tiene un oponente con quien pueda luchar, que pueda ser derrotado, resolviendo así el conflicto (Pushkin “Eugene Onegin”).
Conflicto interior - un conflicto psicológico, cuando el héroe no está en paz consigo mismo, cuando lleva consigo ciertas contradicciones, a veces contiene principios incompatibles (Dostoievski "Crimen y castigo", Tolstoi "Anna Karenina", etc.).
A veces, en una obra se pueden detectar simultáneamente ambos tipos de conflictos, tanto externos como internos (A. Ostrovsky “La tormenta”).
Local El conflicto (resoluble) presupone la posibilidad fundamental de resolución mediante acciones activas (Pushkin “Gitanos”, etc.).
Sustancial El conflicto (irresoluble) representa una existencia persistentemente conflictiva, y las acciones prácticas reales capaces de resolver este conflicto son impensables (Hamlet de Shakespeare, El obispo de Chéjov, etc.).
Los conflictos trágicos, dramáticos y cómicos son inherentes. obras dramáticas con los mismos nombres de género. (Para obtener más información sobre los tipos de conflictos, consulte el libro A.G. Kovalenko "Conflicto artístico en la literatura rusa", M., 1996).
La divulgación de un conflicto socialmente significativo en la trama contribuye a la comprensión de las tendencias y patrones del desarrollo social. En este sentido, cabe señalar algunos puntos que son fundamentales para comprender el papel multifacético de la trama en la obra.
El papel de la trama en la obra de G.L. Abramovich lo definió de la siguiente manera: “En primer lugar, hay que tener en cuenta que la penetración del artista en el significado del conflicto presupone, como lo hace el arte moderno. escritor inglés D. Lindsay, "penetración en las almas de las personas que participan en esta lucha". De ahí el gran significado educativo de la trama.
En segundo lugar, el escritor “lo quiera o no, se involucra con su mente y su corazón en los conflictos que conforman el contenido de su obra”. Así, la lógica del desarrollo de los acontecimientos por parte del escritor se refleja en su comprensión y valoración del conflicto retratado, sus visiones sociales, que de una forma u otra transmite a los lectores, inculcándoles la actitud necesaria ante este conflicto. , desde su punto de vista.
En tercer lugar, todo gran escritor centra su atención en los conflictos que son importantes para su época y su pueblo”.
Así, las tramas de las obras de grandes escritores tienen un profundo significado sociohistórico. Por tanto, a la hora de considerarlos, es necesario, en primer lugar, determinar qué tipo de conflicto social se encuentra en el centro de la obra y desde qué posiciones se representa.
La trama sólo cumplirá su propósito cuando, en primer lugar, esté internamente completa, es decir, cuando revelar las causas, la naturaleza y las vías de desarrollo del conflicto representado y, en segundo lugar, atraerá el interés de los lectores y los obligará a pensar en el significado de cada episodio, cada detalle del curso de los acontecimientos.
F.V. Gladkov escribió que existen diferentes gradaciones de trama: “... un libro tiene una trama calma, no hay en él intrigas ni nudos hábilmente hechos, es una crónica de la vida de una persona o de todo un grupo de personas; otro libro con emocionante Trama: son novelas de aventuras, novelas de misterio, novelas policiales, novelas criminales”. Muchos estudiosos de la literatura, siguiendo a F. Gladkov, distinguen dos tipos de tramas: la trama está tranquila (adinámico) y la trama es nítida(dinámica). Junto con los tipos de tramas mencionados, la crítica literaria moderna ofrece otros, por ejemplo, crónico y concéntrico (Pospelov G.N.) y centrífugo y centrípeto (Kozhinov V.V.). Las crónicas son historias con predominio de conexiones puramente temporales entre eventos y concéntricas, con predominio de relaciones de causa y efecto entre eventos.
Cada uno de este tipo de tramas tiene sus propias posibilidades artísticas. Como señaló G.N. Pospelov, la crónica de la trama es, ante todo, un medio para recrear la realidad en la diversidad y riqueza de sus manifestaciones. La trama crónica permite al escritor dominar la vida en el espacio y el tiempo con la máxima libertad. Por lo tanto, es muy utilizado en obras épicas de gran formato ("Gargantúa y Pantagruel" de F. Rabelais, "Don Quijote" de M. Cervantes, "Don Juan" de D. Byron, "Vasily Terkin" de A. Tvardovsky, "Wide Moksha" de T. Kirdyashkina, "Purgaz" de K. Abramov). Las historias crónicas realizan diferentes. funciones artísticas: revela las acciones decisivas de los héroes y sus diversas aventuras; representar la formación de la personalidad de una persona; sirven para dominar los antagonismos sociopolíticos y la vida cotidiana de ciertos estratos de la sociedad.
La concentricidad de la trama (identificar relaciones de causa y efecto entre los eventos representados) permite al escritor explorar una situación de conflicto y estimula la integridad compositiva de la obra. Este tipo de estructura argumental dominó el drama hasta el siglo XIX. Entre las obras épicas, se puede citar como ejemplo "Crimen y castigo" de F.M. Dostoievski, "Fuego" de V. Rasputin, "Al comienzo del camino" de V. Mishanina.
A menudo coexisten crónicas y tramas concéntricas ("Resurrección" de L.N. Tolstoi, "Tres hermanas" de A.P. Chéjov, etc.).
Desde el punto de vista del surgimiento, desarrollo y culminación del conflicto vital representado en la obra, podemos hablar de los principales elementos de la construcción de la trama. Los eruditos literarios identifican los siguientes elementos de la trama: exposición, trama, desarrollo de la acción, clímax, peripecia, desenlace; prólogo y epílogo. Cabe señalar que no todas las obras de ficción que tienen estructura de la trama, todos los elementos designados de la trama están presentes. El prólogo y el epílogo se encuentran con bastante poca frecuencia, con mayor frecuencia en obras épicas de gran volumen. En cuanto a la exposición, suele estar ausente en los cuentos y novelas cortas.
Prólogo Se define como una introducción a una obra literaria que no está directamente relacionada con la acción en desarrollo, pero parece precederla con una historia sobre los acontecimientos que la precedieron o sobre su significado. El prólogo está presente en el Fausto de I. Goethe, “¿Qué hacer?” N. Chernyshevsky, "Quién vive bien en Rusia" de N. Nekrasov, "La doncella de las nieves" de A. Ostrovsky, "El manzano en la carretera principal" de A. Kutorkin.
Epílogo en la crítica literaria se caracteriza como la parte final de una obra de arte, informando sobre el futuro de los personajes después de los representados en la novela, poema, drama, etc. eventos. Los epílogos se encuentran a menudo en los dramas de B. Brecht, las novelas de F. Dostoievski ("Los hermanos Karamazov", "Los humillados e insultados"), L. Tolstoi ("Guerra y paz"), K. Abramov "Kachamon Pachk" (“Humo en el suelo”).
Exposición (latitud. expositio - explicación) denominan los antecedentes de los hechos que subyacen a la obra. La exposición expone las circunstancias, perfila preliminarmente a los personajes, caracteriza sus relaciones, es decir. Se describe la vida de los personajes antes del inicio del conflicto (comienzo).
En el trabajo de P.I. La primera parte de "Kavonst kudat" ("Dos casamenteros") de Levchaev es una exposición: describe la vida de una aldea de Mordovia poco antes de la primera revolución rusa, las condiciones en las que se forma el carácter de las personas.
La exposición está determinada por los objetivos artísticos de la obra y puede ser de diferente carácter: directa, detallada, dispersa, complementada a lo largo de toda la obra, diferida (ver “Diccionario de términos literarios”).
amarre en una obra de ficción se suele llamar inicio de un conflicto, el hecho a partir del cual comienza la acción y gracias al cual surgen hechos posteriores. El inicio puede ser motivado (si hay exposición) o repentino (sin exposición).
En la historia de P. Levchaev, la trama será el regreso de Garay al pueblo de Anay y su relación con Kirei Mikhailovich.
En partes posteriores del trabajo, Levchaev muestra desarrollo de acciones, Eso curso de los acontecimientos que se desprende de la trama: encuentro con su padre, con su amada niña Anna, emparejamiento, participación de Garay en un encuentro secreto.
La gasolina es tuya, las ideas son nuestras.
Al analizar una obra literaria, se utiliza tradicionalmente el concepto de “idea”, que en la mayoría de los casos significa la respuesta a la pregunta supuestamente planteada por el autor.
La idea de una obra literaria. – esta es la idea principal que resume el contenido semántico, figurativo y emocional de una obra literaria.
Idea artística de la obra. – esta es la integridad semántica del contenido de una obra de arte como producto de la experiencia emocional y el dominio de la vida por parte del autor. Esta idea no puede recrearse por medio de otras artes y formulaciones lógicas; se expresa por toda la estructura artística de la obra, la unidad e interacción de todos sus componentes formales. Convencionalmente (y en un sentido más estricto), una idea se destaca como pensamiento principal, conclusión ideológica y “lección de vida” que se desprende naturalmente de una comprensión holística de la obra.
Una idea en literatura es un pensamiento contenido en una obra. Hay muchísimas ideas expresadas en la literatura. Existir ideas lógicas Y ideas abstractas . Las ideas lógicas son conceptos que se transmiten fácilmente sin medios figurativos; podemos percibirlos con nuestro intelecto. Las ideas lógicas son características de la literatura de no ficción. Las novelas e historias de ficción se caracterizan por generalizaciones, ideas, análisis de causas y consecuencias filosóficas y sociales, es decir, elementos abstractos.
Pero también hay un tipo especial de ideas muy sutiles y apenas perceptibles en una obra literaria. idea artística es un pensamiento plasmado en forma figurada. Vive sólo en una transformación figurativa y no puede expresarse en forma de oraciones o conceptos. La peculiaridad de este pensamiento depende de la divulgación del tema, la cosmovisión del autor, transmitida por el discurso y las acciones de los personajes, y de la descripción de imágenes de la vida. Consiste en la combinación de pensamientos lógicos, imágenes y todos los elementos compositivos significativos. Una idea artística no puede reducirse a una idea racional que pueda especificarse o ilustrarse. La idea de este tipo es parte integral de la imagen, de la composición.
Formar una idea artística es un proceso creativo complejo. En literatura, está influenciado por la experiencia personal, la cosmovisión del escritor y la comprensión de la vida. Una idea puede alimentarse durante años y décadas, y el autor, tratando de realizarla, sufre, reescribe el manuscrito y busca los medios adecuados para implementarla. Todos los temas, personajes, todos los eventos seleccionados por el autor son necesarios para una expresión más completa de la idea principal, sus matices y matices. Sin embargo, es necesario entender que una idea artística no es igual plan ideologico, ese plan que muchas veces aparece no sólo en la cabeza del escritor, sino también en el papel. Explorar la realidad no ficticia, leer diarios, cuadernos Los manuscritos, los archivos, los literatos restauran la historia de la idea, la historia de la creación, pero muchas veces no descubren la idea artística. A veces sucede que el autor va contra sí mismo, cediendo al plan original en aras de la verdad artística, una idea interna.
Un pensamiento no es suficiente para escribir un libro. Si sabe de antemano todo de lo que le gustaría hablar, no debe recurrir a la creatividad artística. Mejor: a la crítica, al periodismo, al periodismo.
La idea de una obra literaria no puede contenerse en una frase y una imagen. Pero los escritores, especialmente los novelistas, a veces tienen dificultades para formular la idea de su obra. Dostoievski sobre “El idiota” escribió: “La idea principal de la novela es retratar a una persona positivamente hermosa”. Por una ideología tan declarativa Dostoievski regañado, por ejemplo, Nabokov. En efecto, la frase del gran novelista no aclara por qué, por qué lo hizo, cuál es la base artística y vital de su imagen. Pero aquí difícilmente se puede tomar partido. Nabokov, un escritor de segunda línea con los pies en la tierra, nunca, a diferencia Dostoievski que no se propone supertareas creativas.
Junto con los intentos de los autores de determinar el llamado Idea principal De su obra se conocen ejemplos opuestos, aunque no menos confusos. Tolstoi a la pregunta “¿qué es “Guerra y Paz”? respondió lo siguiente: ““Guerra y Paz” es lo que el autor quiso y pudo expresar en la forma en que fue expresado”. Renuencia a traducir la idea de su trabajo al lenguaje de los conceptos. Tolstoi Lo demostró una vez más, hablando de la novela “Anna Karenina”: “Si quisiera decir con palabras todo lo que tengo en mente expresar en una novela, entonces tendría que escribir la que escribí primero” (de un carta a N. Strakhov).
belinsky Señaló con mucha precisión que “el arte no admite ideas filosóficas abstractas, mucho menos racionales: sólo admite ideas poéticas; y la idea poética es<…>No es un dogma, no es una regla, es una pasión viva, patetismo”.
V.V. Odintsov Expresó su comprensión de la categoría "idea artística" de manera más estricta: "La idea de una composición literaria es siempre específica y no se deriva directamente no sólo de las que se encuentran fuera de ella". declaraciones individuales escritor (hechos de su biografía, vida social, etc.), pero también del texto, de comentarios golosinas, inserciones periodísticas, comentarios del propio autor, etc.”
2000 ideas para novelas y cuentos.
Crítico literario GEORGIA. Gukovski También habló sobre la necesidad de distinguir entre racional, es decir, racional y ideas literarias: “Por idea entiendo no sólo un juicio o una declaración formulados racionalmente, ni siquiera sólo el contenido intelectual de una obra literaria, sino la suma total de su contenido, que constituye su función intelectual, su objetivo y su tarea”. Y explicó además: “Comprender la idea de una obra literaria significa comprender la idea de cada uno de sus componentes en su síntesis, en su interconexión sistémica.<…>. Al mismo tiempo, es importante tener en cuenta características estructurales obras, no sólo las palabras-ladrillos con los que están hechas las paredes del edificio, sino también la estructura de la combinación de estos ladrillos como partes de esta estructura, su significado”.
La idea de una obra literaria es una actitud hacia lo representado, el patetismo fundamental de la obra, una categoría que expresa la tendencia del autor (inclinación, intención, pensamiento preconcebido) en la cobertura artística de un tema determinado. En otras palabras, La idea es la base subjetiva de una obra literaria. Es de destacar que en la crítica literaria occidental, basada en otros principios metodológicos, en lugar de la categoría “idea artística”, se utiliza el concepto de “intención”, cierta premeditación, la tendencia del autor a expresar el significado de la obra.
Cuanto mayor es la idea artística, más dura la obra. Los creadores de literatura pop que escriben al margen de las grandes ideas se enfrentan a un olvido muy rápido.
V.V. Kozhinov lo llamó una idea artística tipo semántico obras que crecen a partir de la interacción de imágenes. Una idea artística, a diferencia de una idea lógica, no se formula mediante la declaración del autor, sino que se representa en todos los detalles del conjunto artístico.
En las obras épicas, la idea puede formularse parcialmente en el propio texto, como ocurría en la narración. Tolstoi: “No hay grandeza donde no hay sencillez, bondad y verdad”. Más a menudo, especialmente en la poesía lírica, la idea impregna la estructura de la obra y, por tanto, requiere mucho trabajo analítico. Obra de arte en su conjunto es mucho más rica que la idea racional que los críticos suelen aislar, y en muchos casos obras líricas aislar una idea es simplemente imposible, porque prácticamente se disuelve en el patetismo. En consecuencia, la idea de una obra no debe reducirse a una conclusión o una lección y, en general, ciertamente hay que buscarla.
