Coro folclórico qué. ¿Sobre qué canta Rusia? Coro Folclórico del Norte

Desde arafans hasta el suelo, kokoshniks y canciones artísticas. Coros folclóricos rusos con el título de "académicos", como reconocimiento a los más nivel superior arte escénico. Lea más sobre el camino de los "populistas" hacia el gran escenario: Natalya Letnikova.

Coro cosaco de Kuban

200 años de historia. Las canciones de los cosacos son una marcha a caballo o una salida a pie al ritmo de "Marusya, uno, dos, tres..." con un valiente silbido. 1811 es el año en que se creó el primer grupo coral en Rusia. Un monumento histórico viviente que ha transmitido la historia de Kuban y las tradiciones de canto del ejército cosaco a través de los siglos. En los orígenes estaban el educador espiritual de Kuban, el arcipreste Kirill Rossinsky y el regente Grigory Grechinsky. Desde mediados del siglo XIX, el grupo no sólo participó en los servicios divinos, sino que también ofreció conciertos seculares con el espíritu de los imprudentes cosacos libres y, según Yesenin, "alegre melancolía".

Coro que lleva el nombre de Mitrofan Pyatnitsky

Un equipo que desde hace un siglo se autodenomina con orgullo “campesino”. Y aunque hoy en día actúan en el escenario artistas profesionales, y no simples y ruidosos campesinos gran rusos de Riazán, Vorónezh y otras provincias, el coro presenta canciones populares con una armonía y una belleza asombrosas. Cada actuación suscita admiración, como hace cien años. El primer concierto del coro campesino tuvo lugar en el salón de la Asamblea Noble. El público, entre ellos Rachmaninov, Chaliapin y Bunin, salió estupefacto de la actuación.

Coro Folclórico del Norte

En Veliky Ustyug vivía una sencilla maestra rural, Antonina Kolotilova. Amantes reunidos por la artesanía canción popular. Una tarde de febrero cosimos lino para un orfanato: “La luz uniforme y suave que caía de la lámpara creaba una comodidad especial. Y fuera de la ventana hacía estragos el mal tiempo de febrero, el viento silbaba en la chimenea, hacía sonar las tablas del tejado, arrojaba copos de nieve a la ventana. Esta discrepancia entre el calor de una habitación acogedora y el aullido de una ventisca entristeció un poco mi alma. Y de repente empezó a sonar una canción, triste, prolongada…” Así suena el canto del norte: 90 años. Ya desde el escenario.

Coro folclórico de Riazán que lleva el nombre de Evgeniy Popov

Las canciones de Yesenin. En la tierra natal del principal cantante de la tierra rusa, se cantan sus poemas. Melódico, penetrante, excitante. Donde el abedul blanco es un árbol o una niña congelada en la orilla alta del Oka. Y el álamo es ciertamente “plateado y brillante”. El coro se creó sobre la base del conjunto folclórico rural del pueblo de Bolshaya Zhuravinka, que actúa desde 1932. El coro de Riazán tuvo suerte. El propio líder del grupo, Evgeny Popov, escribió música para los poemas de su compatriota, que tenía un asombroso sentido de la belleza. Cantan estas canciones como si estuvieran hablando de sus vidas. Cálido y gentil.

Coro folclórico siberiano

Coro, ballet, orquesta, estudio infantil. El coro siberiano es multifacético y está en sintonía con el viento helado. El programa del concierto “Yamshchitsky Tale” se basa en material musical, cantado y coreográfico de la región de Siberia, como muchos de los bocetos escénicos del grupo. La creatividad de los siberianos se ha visto en 50 países de todo el mundo, desde Alemania y Bélgica hasta Mongolia y Corea. De lo que viven es de lo que cantan. Primero en Siberia y luego en todo el país. ¿Qué pasó con la canción de Nikolai Kudrin “El pan es la cabeza de todo”, interpretada por primera vez por el Coro Siberiano?

Coro folclórico ruso de Voronezh que lleva el nombre de Konstantin Massalinov

Canciones en primera línea en esos días difíciles en los que, al parecer, no hay tiempo para la creatividad. El coro de Voronezh apareció en la aldea de trabajadores de Anna en medio de la Gran Guerra Patria, en 1943. Los primeros en escuchar las canciones del nuevo grupo fueron en las unidades militares. Primero gran concierto- con lágrimas en los ojos - pasó por Voronezh liberado de los alemanes. El repertorio incluye canciones líricas y cancioncillas conocidas y amadas en Rusia. Incluso gracias a la solista más famosa del coro de Voronezh: Maria Mordasova.

Coro Folclórico del Volga que lleva el nombre de Piotr Miloslavov

“Un viento estepario recorre el escenario del Teatro Chatelet y nos trae el aroma de canciones y bailes originales”- escribió el periódico francés L'Umanité en 1958. La ciudad de Samara introdujo a los franceses la herencia musical de la región del Volga. El intérprete es el Coro Folclórico del Volga, creado por decisión del Gobierno de la RSFSR en 1952 por Piotr Miloslavov. Una vida tranquila y conmovedora a orillas del gran Volga y en el escenario. Ekaterina Shavrina comenzó su carrera creativa en el equipo. La canción “Snow White Cherry” fue interpretada por primera vez por el Coro Volga.

Coro Folclórico de Omsk

Oso con balalaika. El emblema del famoso equipo es muy conocido tanto en Rusia como en el extranjero. “Amor y orgullo por la tierra siberiana”, como apodaron los críticos al grupo en uno de sus viajes al extranjero. “El coro folclórico de Omsk no sólo puede considerarse restaurador y guardián de antiguas canciones populares. Él mismo es la encarnación viva del arte popular de nuestros días”.- escribió el británico The Daily Telegraph. El repertorio se basa en canciones siberianas grabadas por la fundadora del grupo, Elena Kalugina, hace medio siglo y en vívidas imágenes de la vida. Por ejemplo, la suite "Winter Siberian Fun".

Coro Folclórico de los Urales

Actuaciones en los frentes y en los hospitales. Los Urales no sólo proporcionaron metal al país, sino que también levantaron la moral con danzas de torbellino y danzas circulares, el material folclórico más rico de la tierra de los Urales. La Filarmónica de Sverdlovsk reunió a grupos de aficionados de los pueblos circundantes de Izmodenovo, Pokrovskoye, Katarach y Laya. “Nuestro género está vivo”, - dicen hoy en el equipo. Y se plantean salvar esta vida tarea principal. Como los famosos "Siete" de los Urales. “Drobushki” y “barabushki” llevan 70 años en el escenario. No un baile, sino un baile. Ansiosos y atrevidos.

Coro Folclórico de Oremburgo

Bufanda de plumas como parte de un disfraz escénico. Encajes esponjosos entrelazados con canciones populares y en una danza circular, como parte de la vida de los cosacos de Orenburg. El equipo fue creado en 1958 para preservar la cultura y los rituales únicos que existen "en el borde de la vasta Rusia, a lo largo de las orillas de los Urales". Cada actuación es como una actuación. No sólo interpretan las canciones que compuso el pueblo. Incluso los bailes tienen una base literaria. "Cuando los cosacos lloran" es una composición coreográfica basada en una historia de Mikhail Sholokhov sobre la vida de los residentes del pueblo. Sin embargo, cada canción o baile tiene su propia historia.

Coro folclórico del norte de Rusia: el alma de la región del Mar Blanco

Los Arkhangelsk Pomors son descendientes de los antiguos novgorodianos que se asentaron en esta región en la antigüedad. Su arte aún se conserva en su originalidad. Este mundo artístico único con sus propias leyes y conceptos de belleza. Al mismo tiempo, en las canciones y bailes del Norte se manifiesta claramente el humor, el entusiasmo y el temperamento interior característicos de los pomors. El arte de la canción del norte es especial, se distingue por el rigor del estilo, la pureza casta y la moderación, todo esto se combina con una epopeya valiente y un comienzo decidida.
El Coro del Norte es llamado con razón la perla de la cultura rusa. Durante sus 85 años de existencia, nunca ha cambiado su función. Cada actuación es un mundo artístico especial y una actuación dinámica brillante: grandes producciones argumentales, composiciones vocales y coreográficas, imágenes de fiestas populares. En la polifonía de canciones del coro se escuchan todos los matices sonoros de la naturaleza del norte: la charla reflexiva de la taiga, la suave castidad de los ríos, el eco de la profundidad del océano y el transparente temblor de las noches blancas.

Antonina Yakovlevna KOLOTILOVA - fundadora y directora artística de la Academia Estatal del Norte de Rusia coro folklórico(1926 - 1960), Artista del Pueblo de la RSFSR, Artista de Honor de la RSFSR, Premio Estatal de la URSS

“¡Quien no ama su canción nativa, no ama a su gente nativa!”(A.Ya. Kolotilova)

Antonina Yakovlevna Kolotilova (Sherstkova) nació en 1890 en el pueblo de Zhilino, no lejos de la antigua ciudad de Veliky Ustyug.
En 1909, Kolotilova se graduó con honores en el gimnasio femenino de Veliky Ustyug y fue a enseñar en una escuela rural en el pueblo de Pelyaginets, distrito de Nikolsky, provincia de Vologda. Fue en este pueblo donde Antonina Kolotilova comenzó a mostrar interés profesional al folklore. Siempre observó con interés los rituales del norte, escuchó canciones, aprendió a lamentarse y magnificarse y aprendió la forma de moverse de niñas y mujeres en danzas circulares, cuadrillas y reverencias.
Kolotilova, nacida y criada en el norte de Rusia, la amaba profundamente. tierra natal, especialmente la extensión de prados inundados en la época de floración de las hierbas.
En 1914, Antonina Yakovlevna se casó y se mudó a Nikolsk. Allí trabaja como profesora en escuela pública y continúa recopilando y grabando canciones, cuentos y cancioncillas locales. El talento artístico innato ayudó a la joven a dominar fácilmente la cultura y el estilo de actuación.
Después de 5 años, los Kolotilov se mudaron a Veliky Ustyug. Es en esta antigua ciudad del norte de Rusia donde comienza la historia del Coro del Norte. Aquí Antonina Yakovlevna organiza un conjunto de mujeres amateurs, que actúa en clubes y, poco después, en una emisora ​​de radio abierta en la ciudad. Hay que decir que las primeras integrantes del equipo eran en su mayoría amas de casa. Llegaban fácilmente a su apartamento, organizaban sesiones de canto en grupo y estudiaban las canciones que les interesaban. Los oyentes acogieron con agrado los conciertos de los jóvenes coristas y las actuaciones radiofónicas hicieron muy popular al grupo. El coro amateur de Kolotilova en ese momento estaba formado por unas 15 personas.

“Antonina Yakovlevna merecía plenamente el amor del pueblo y la gloria de sí misma, porque dio todas sus fuerzas y pensamientos, energía inagotable y pasión de su alma al canto popular y al coro que creó... Si esta maravillosa mujer no hubiera sido ¡En el mundo no habría existido nuestro coro folclórico del norte de Rusia!(Nina Konstantinovna Meshko)

Nacimiento del Coro del Norte

En 1922, en Moscú, en un estudio de grabación, Antonina Yakovlevna conoció a Mitrofan Pyatnitsky. Fue este encuentro el que se volvió significativo para Kolotilova. El conocimiento del trabajo del coro de Pyatnitsky sirvió de impulso para la creación de su propio coro folclórico de canciones del norte. El 8 de marzo de 1926 un pequeño grupo de aficionados actuó por primera vez en la Casa de los Trabajadores de la Educación. Este día se convirtió en el cumpleaños del Coro Folclórico del Norte de Rusia.
Al principio el coro era etnográfico, pero luego las condiciones vida escénica Exigió una reestructuración organizativa y creativa: aparecieron un grupo de danza y acordeonistas. En 1952, gracias a los esfuerzos del compositor V.A., se organizó un grupo orquestal como parte del coro. Láptev.
El equipo entonces estaba formado por sólo 12 cantantes. Los disfraces eran trajes de madres y abuelas: verdaderos vestidos y blusas campesinas. Los primeros acordeonistas fueron los hermanos Tryapitsyn, Boris y Dmitry, así como el hermano menor de Antonina Yakovlevna, Valery Sherstkov. Las partes fueron aprendidas en los ensayos de la voz del director artístico. Antonina Yakovlevna no sólo mostró cómo cantar, sino también cómo moverse, inclinarse y comportarse correctamente en el escenario.
El coro recién creado siempre fue bien recibido en las empresas de la ciudad, en las instituciones educativas y en los pueblos de los alrededores. ¡El estatus de grupo amateur no impidió que Kolotilova trabajara seriamente, tratando la canción del norte con cuidado y reproduciendo con precisión la forma de interpretarla! Ella nunca cambió estos requisitos en el futuro. En los primeros años, el coro interpretó principalmente canciones populares antiguas, que las cantantes, antiguas campesinas, residentes indígenas del Norte, conocían desde la infancia y poseían no solo habilidades interpretativas, sino también un estilo de improvisación popular. No es de extrañar que el Coro del Norte durante muchos años Fue considerado el más confiable etnográficamente, consistente en su línea creativa, preservando las tradiciones de la canción del norte, y los cantantes del coro siempre se distinguieron por su capacidad para penetrar en la profundidad de la imagen musical y encarnarla en una belleza única.
En 1931, Kolotilova organizó un coro en Arkhangelsk de mayor escala, tanto en número de participantes como en volumen del repertorio. Los programas de conciertos incluyen canciones de Pinega y Pomerania del Norte, una variedad de bailes y escenas cotidianas. mas rico material musical Kolotilova lo colecciona ella misma durante sus viajes a diversas zonas de la región de Arkhangelsk. Al mismo tiempo, se adquirieron disfraces para los integrantes del coro.
En 1935, mientras viajaba por Pomerania, Antonina Yakovlevna conoció a Marfa Semyonovna Kryukova, una famosa narradora. Kolotilova aseguró que Kryukova participara en el primer Festival de Radio de toda la Unión (1936). Posteriormente, Marfa Kryukova viajó con el Coro del Norte a Moscú, donde trabajó junto con Antonina Yakovlevna en los primeros cuentos.
Además de las epopeyas, en el programa del coro siempre había canciones alegres, danzarias y cómicas de bufones, que provienen del arte de los músicos bufones errantes, y canciones líricas interminables, que los cantantes interpretaban de manera conmovedora y conmovedora.
Durante la guerra, el grupo dio numerosos conciertos. Nos movíamos en vehículos con calefacción, vivíamos al día, no dormíamos lo suficiente y huíamos constantemente de los bombardeos. Fuimos a la Flota del Norte, a Murmansk, al Ártico, al Frente Karelo-Finlandés y a los Urales. En 1944 partimos hacia el Lejano Oriente durante seis meses.

Antonina Kolotilova: “¡Amo mi Norte natal y le canto canciones!”

Hasta 1960, Antonina Yakovlevna siguió siendo la directora artística del grupo. Todos los años de trabajo de Kolotilova estuvieron llenos de trabajo duro e incansable y pasión creativa, un deseo sincero de preservar y transmitir a los contemporáneos la profundidad de la originalidad y la belleza del arte popular del Territorio del Norte y una búsqueda constante de nuevas formas escénicas y escénicas. medio. La vida de Kolotilova fue una verdadera hazaña creativa y las tradiciones que ella estableció están vivas en el equipo.

Fuente: Residentes destacados de Vologda: Secciones biográficas/
Ed. Consejo "Enciclopedia de Vologda" - Vologda:
VSPU, editorial "Rus", 2005. - 568 p. -ISBN 5-87822-271-X

En 1960, la Artista del Pueblo de la RSFSR, ganadora del Premio Estatal Antonina Yakovlevna Kolotilova, entregó la dirección del grupo a una graduada del Conservatorio Estatal Tchaikovsky de Moscú, una profesora y directora de coro experimentada, Nina Konstantinovna Meshko. La nueva etapa en la vida del equipo está marcada por el crecimiento de la profesionalidad y la cultura escénica.

Nina Konstantinovna Meshko - Artista del Pueblo de la URSS, ganadora del Premio Estatal de la RSFSR que lleva el nombre de Glinka, directora artística del coro folclórico del norte de 1960 a 2008, académica de la IAU, profesora del departamento de la Academia Rusa de Música. Gnessines

“¡La gente confía en su cultura indígena tradicional!”(Nina Meshko)

Nina Meshko nació en 1917 en el pueblo de Malakhovo, distrito de Rzhevsky, región de Tver, en una familia de profesores donde amaban las canciones. Mi madre, Alexandra Vasilievna, tenía una voz maravillosa y mi padre, Konstantin Ivanovich, no sólo dirigía el coro de la escuela, sino que también le encantaba cantar en la iglesia local.

De las memorias de N.K. Mieszko: “No recuerdo cuántos años tenía, tal vez menos de un año... Estaba envuelta en una bufanda y alguien me tenía en brazos. En la cocina, la gente estaba sentada alrededor de una gran mesa de madera y todos cantaban. Y al mismo tiempo experimenté una dicha completamente inexplicable…”

La pequeña Nina dominó de forma independiente el piano, estudió solfeo y teoría musical elemental. Y quedó tan cautivada por el mundo de la música que decidió: ¡solo música y nada más! Y por eso, sin lugar a dudas, Nina Meshko ingresa en la escuela de música que lleva el nombre de la Revolución de Octubre y, al graduarse, ingresa en el departamento de dirección y coro del Conservatorio de Moscú. Fue allí donde Nina Konstantinovna escuchó por primera vez al Coro del Norte. Le causó una impresión muy fuerte.
Y luego a Nina Meshko le ofrecieron crear un coro folclórico de la región de Moscú. Fue después de este trabajo que Nina Konstantinovna finalmente decidió: solo canto folclórico y nada más.

De las memorias de N.K. Mieszko: “Una especie de obsesión literalmente irrumpió en mí por revivir cultura popular cantando. ¡Porque ella era la más alta! ¡Esta es una gran habilidad! Los registros hablan de esto, especialmente los del norte”.

Después del Coro de Moscú, Nina Meshko trabajó con el Coro de Canciones Populares Rusas de All-Union Radio, y luego recibió una invitación para dirigir el Coro del Norte. El Norte la conquistó y la hizo enamorarse de él.

De las memorias de N.K. Mieszko: "Las personas que dominan perfectamente la cultura del canto y tienen voces hermosas, flexibles y libres, pueden interpretar una canción como lo hacen en el Norte".

Durante casi 50 años, Nina Konstantinovna Meshko dirigió el Coro Folclórico Académico del Norte de Rusia, conocido no sólo en Rusia, sino también más allá de sus fronteras. Tomó el relevo de su profesora Antonina Kolotilova. Bajo la dirección de Nina Meshko, el coro recibió varios premios. competiciones internacionales. Meshko fue el fundador de la Escuela Gnessin. canto folklórico" La Escuela Mieszko ha formado a toda una galaxia de profesores, directores de coro e intérpretes de canciones populares. Entre ellos se encuentran Tatyana Petrova, Nadezhda Babkina, Lyudmila Ryumina, Natalya Boriskova, Mikhail Firsov y muchos otros. Lyudmila Zykina la consideraba su maestra. Mieszko desarrolló su propio método coral, que ahora utilizan muchos de sus alumnos.

De las memorias de N.K. Mieszko: “El arte de la canción es una crónica de la vida de todo el pueblo ruso. Es único, inusualmente rico, como el idioma ruso es insuperablemente rico. Y entonces está vivo, en continuo desarrollo, renovándose, renaciendo de las cenizas... El pueblo confía en su cultura tradicional e indígena”.

Confesión

Perdóname, perdóname, Señor,
Por lo que no pude hacer
Y en el bullicio de las preocupaciones diurnas
No tuve tiempo de pagar mis deudas.
no tuve tiempo para dar
Una mirada para alguien, una caricia para alguien,
Algunos no aliviaron el dolor,
No les conté la historia a los demás.
Ante familiares en una hora triste.
no se arrepintió
Y más de una vez en el bolso de un mendigo
Ella no dio limosna.
Amigos cariñosos, a menudo
Me ofendo involuntariamente,
Y viendo las penas ajenas,
Estoy huyendo del sufrimiento.
Corro con avidez hacia el cielo,
Pero el peso de las preocupaciones me derriba.
Quiero darte un trozo de pan.
Y lo olvido sobre la mesa.
Sé todo lo que debería
Pero ella no cumplió el pacto...
¿Me perdonarás, Señor?
¿Por todo, por todo, por todo por esto?

N. Meshko

Irina Lyskova,
Secretaria de Prensa del Coro del Norte

La originalidad del repertorio y la atención a la riqueza musical de la región.

El grupo líder del grupo, el coro de mujeres, encanta al oyente con su timbre único, la belleza de sus cantos originales y la pureza de su sonido. voces de mujeres a capella. El coro mantiene la continuidad de la tradición del canto. El Coro del Norte, que se distingue por su alta cultura del canto y su identidad única, mantiene constantemente las tradiciones y la prioridad de una alta espiritualidad en la interpretación.
Especial atención merece el vestuario del Coro del Norte. Creado por diseñadores de vestuario profesionales, basados ​​en las mejores muestras de colecciones de museos Arkhangelsk, Moscú, San Petersburgo, representan una imagen colectiva del pueblo ruso. traje nacional norteños. Durante el concierto, los artistas se cambian de vestuario varias veces y se presentan ante el público con trajes festivos, cotidianos o estilizados creados específicamente para los números del concierto.
El conjunto consta de tres grupos: coral, danza y orquesta rusa. instrumentos folklóricos. En 1952, gracias a los esfuerzos del compositor V.A., se organizó un grupo orquestal como parte del coro. Láptev. El sonido de los instrumentos folclóricos rusos de la orquesta tiene una sinceridad y calidez asombrosas. La originalidad del repertorio y la atención a la riqueza musical de la región, la modernidad y el alto nivel de interpretación aportan al coro un merecido éxito.
La atención del espectador se dirige constantemente al escenario: bufones alegres se alternan con canciones líricas y persistentes, cuadrillas alegres reemplazan bailes redondos tranquilos, el canto a capella se alterna con obras musicales.
El Coro del Norte presta especial atención a la educación de su oyente, su espectador, por eso muchos de sus programas están dedicados a niños, adolescentes y estudiantes. El coro continúa activamente sus actividades concertísticas en Rusia y en el extranjero.
En 1957, el equipo fue galardonado con el Festival de Jóvenes y Estudiantes de Moscú. Este evento abrió el camino para el coro en el extranjero. Comenzó nueva etapa En las actividades del colectivo, para lograr el reconocimiento en el exterior, el coro debe ser especial.
Desde 1959, el coro ha visitado Polonia, Bulgaria, Francia, Alemania, Italia, China, India, Afganistán, Japón, Túnez y Estados Unidos. El grupo viajó varias veces a Finlandia para dar conciertos y visitó Suecia y Noruega. Preparó el programa “Arctic Rhapsody” junto con el conjunto de danza folclórica “Rimpparemmi” en Finlandia (Rovaniemi). Trabajó en 2004 y 2007 en Damasco (Siria), donde se celebraron las Jornadas de Rusia en el centro ruso-sirio. En 2005, el equipo fue invitado por la asociación de museos de la ciudad de Varde (Noruega) para celebrar el aniversario de la ciudad. En el otoño de 2005, el equipo participa en el festival de cultura y cinematografía rusas en Niza. “Los artistas tocaron los rincones más íntimos del alma francesa: norteños de Rusia, recibiendo una poderosa respuesta emocional, el público no soltó a los artistas durante mucho tiempo, aplaudiendo con lágrimas en los ojos. ¡Esto es un triunfo del arte popular nacional ruso!” – Así valoraron los medios franceses las actuaciones del coro. En 2007, el Coro del Norte fue invitado oficialmente por el Ministerio de Cultura de Siria, la Oficina de Representación del Centro Roszarubezh en la República Árabe Siria y Rusia. centro cultural en Damasco para el festival folclórico de Bosra.
El Coro del Norte participa habitualmente en grandes eventos en Rusia, por lo que en la primavera de 2004 el equipo participó en festival de pascua en Moscú, en 2005, junto con el Artista de Honor de Rusia, alumno de N.K. Meshko T. Petrova y la Orquesta Académica Nacional de Instrumentos Populares de Rusia que lleva el nombre de N.P. Osipova participó en la celebración del 250 aniversario de la Universidad Estatal de Moscú.
El Coro del Norte combina con éxito la música original de los compositores modernos con melodías populares tradicionales, logrando la verdad escénica y el sabor norteño en la interpretación de los artistas. El repertorio del coro incluye canciones basadas en poemas de: Sergei Yesenin, Olga Fokina, Larisa Vasilyeva, Alexander Prokofiev, Viktor Bokov, los poetas de Arkhangelsk Dmitry Ushakov y Nikolai Zhuravlev, Oleg Dumansky.

Premios y títulos del coro norteño

A lo largo de sus 85 años de vida creativa, el equipo ha recibido altos títulos y premios.

1940
El equipo recibió el estatus de equipo estatal profesional.

1944
1er premio en el Concurso de Coros de toda Rusia (Moscú)

1957
Laureado y Gran Medalla de Oro del VI Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes (Moscú).
Laureado y Diploma de 1er grado (secundaria) en el Segundo Festival de Teatros Musicales, Conjuntos y Coros de toda la Unión (Moscú).

1967
Diploma de la Revista de Grupos Artísticos Profesionales de toda la Unión.

1971
Laureado del VI Internacional festival de folklore en Túnez.

1975
Laureado y diploma de primer grado en el Concurso Panruso de Coros Folclóricos Profesionales Rusos.

1976
Por orden del Ministro de Cultura se le otorgó el título de “Académico”.

1977
Laureado y Medalla de Oro del Festival de Magdeburgo de la Amistad Soviético-Alemana.
Laureado del concurso de grupos de arte ruso.

1999
Laureado del IV festival “Primavera Folclórica” y 1 Festival de toda Rusia cultura nacional.

2001
Laureado del Festival Internacional de Folklore de Saint-Ghislain (Bélgica).

2002
Laureado del Festival Internacional de Folklore de Rovaniemi (Finlandia).
Laureado del Festival de Culturas Nacionales de Moscú de toda Rusia.

2003
Laureado del Festival Ruso de Culturas Nacionales (San Petersburgo).
Laureado del Congreso y Festival de Culturas Nacionales de los Pueblos de Rusia (Nizhny Novgorod).

2007
Laureado del festival de arte popular de Bosra (República Árabe Siria).

2010
Laureado del I Festival Panruso de Canto Popular “Orígenes Eternos” (Moscú).

2011
8 de marzo programa de conciertos“Northern Choir for All Seasons” celebró el 85 aniversario del Northern Choir.
El Coro del Norte recibió el estatus de “Objeto de patrimonio cultural especialmente valioso de la región de Arkhangelsk”.
Laureado del Festival Internacional de Navidad en Italia. En el marco del concurso el equipo recibió dos diplomas de oro en las nominaciones “Folclore escénico” y “Canto sagrado”.

2012
Laureado del festival de coros profesionales “Danza redonda eslava” (Ryazan).
Organizadora del II Festival Panruso en memoria del Artista del Pueblo de la URSS, directora artística del grupo Nina Konstantinovna Meshko.

Líderes del Coro del Norte

Director del coro: Natalia GeorgievnaAsadchik.

Director artístico: Artista de Honor de Rusia, Profesora de la Academia de Música de Gnessin Svetlana Konopyanovna Ignatieva.

Director titular: Artista de Honor de Rusia Alexander Mikhailovich Kachaev.

Coreógrafo jefe: Artista de Honor de Rusia Alexander Petrovich Selivanov.

El equipo remonta su historia al 2 de marzo de 1911, cuando pequeño escenario En la reunión noble tuvo lugar el primer concierto del coro campesino bajo la dirección de Mitrofan Efimovich Pyatnitsky. El programa del primer concierto incluyó 27 canciones de las regiones rusas de Voronezh, Ryazan y Smolensk. Sergei Rachmaninov, Fyodor Chaliapin e Ivan Bunin quedaron impactados por el arte del canto prístino e inspirado de los campesinos y elogiaron a los cantantes y músicos campesinos. Esta valoración contribuyó en gran medida a la formación del equipo como unidad creativa del escenario ruso de esos años. Hasta 1917, el equipo era “amateur”. Después de la Revolución de Octubre, las actividades del coro contaron con el apoyo del gobierno soviético. Todos los participantes se trasladan a Moscú para obtener residencia permanente. Y desde principios de los años 20, el coro ha realizado una amplia actividad de conciertos no sólo en Moscú, sino en todo el país.

Desde principios de los años 30, el equipo estuvo dirigido como director musical Artista del Pueblo de la URSS, premio estatal V. G. Zakharov, cuyas canciones originales "Y quién lo conoce", "A lo largo del pueblo", "La belleza rusa" glorificaron al Coro Pyatnitsky en todo el país.

A finales de los años 30, una orquesta orquestal y grupo de baile, que estuvo encabezada por el Artista del Pueblo de la Federación de Rusia V.V Khvatov y la Artista del Pueblo de la URSS, ganadora del Premio Estatal, la profesora T.A. Esto hizo posible ampliar significativamente la expresión. ayudas escénicas Y esa base estructural se ha conservado hasta el día de hoy y muchos colectivos estatales se han creado a partir de esta imagen.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el Coro M.E. Pyatnitsky realizó extensas actividades de conciertos como parte de las brigadas de conciertos de primera línea. Y la canción “Oh, fogs” de V.G. Zakharova se convirtió en el himno del movimiento partidista. El 9 de mayo de 1945, el coro fue uno de los grupos principales en las festividades. gran victoria en Moscú. Además, fue uno de los primeros equipos al que se le encomendó representar al país en el exterior. A lo largo de las décadas siguientes, el Coro M.E. Pyatnitsky realizó enormes giras y conciertos. Introdujo su arte en todos los rincones del país y visitó más de 40 países alrededor del mundo. El equipo creó obras maestras del arte popular mundial.

Una página importante en la historia del grupo es la obra del Artista del Pueblo de la URSS, ganador del Premio Estatal, el compositor V.S. Las canciones de V.S. Levashov “Toma tu abrigo, vámonos a casa”, “Mi querida región de Moscú”, hoy son un adorno del escenario del canto moderno.

Se han creado largometrajes y documentales sobre el coro que lleva el nombre de M.E. Pyatnitsky, como "Singing Russia", "Russian Fantasy", "All Life in Dance", "You, My Russia", se han publicado libros sobre el coro que lleva el nombre. M.E. Pyatnitsky “Coro folclórico estatal ruso que lleva el nombre de M.E. Pyatnitsky”, “Memorias de V.G. Zakharov”, “Danzas folclóricas rusas”; Se publicaron una gran cantidad de colecciones musicales "Del repertorio del coro que lleva el nombre de M.E. Pyatnitsky", publicaciones de periódicos y revistas y muchos discos.

Coro moderno que lleva el nombre de M.E. Pyatnitsky es un organismo creativo complejo, formado por grupos corales, orquestales y de ballet con un aparato artístico y administrativo.

Fuente: http://www.pyatnitsky.ru/action/page/id/1194/?sub=kolektiv

Imagen artística una pieza musical en un coro se crea y revela a través del canto y las palabras. Por lo tanto, los principales requisitos técnicos para la sonoridad coral son, en primer lugar, la precisión de la entonación aguda del sonido de cada cantante en una parte separada y de cada parte en el sonido coral general; en segundo lugar, la unidad tímbrica y el equilibrio dinámico de las voces individuales dentro de cada parte y de todas las partes del conjunto coral general; en tercer lugar, pronunciación clara de las palabras.
Pero la sonoridad coral armoniosa, entonacionalmente pura, equilibrada en fuerza, unificada en timbre, es sólo un requisito previo para crear una imagen artística que transmita el contenido de la obra. Por lo tanto, antes de comenzar a aprender una canción, el líder debe, analizando la obra, comprender su contenido y los medios por los cuales es revelada por el compositor. Como resultado de familiarizarse con el texto literario, se puede comprender el tema y la idea de la obra y su carácter: ya sea heroico, lírico, cómico, etc. Dependiendo del carácter general de la canción, el tempo, Se determinan la dinámica, la coloración tímbrica del sonido y la naturaleza del movimiento de la melodía, resaltado artístico y semántico de frases.

Después de tal análisis del trabajo, se elabora un plan de interpretación, al que se subordina todo el trabajo vocal y coral posterior. El presentador identifica las dificultades para dominar la obra, describe formas de superarlas, desarrolla determinados ejercicios y elabora un plan de ensayo detallado.
Trabajar con un coro en una nueva canción generalmente comienza con un aprendizaje aproximado: memorizar la melodía, construir intervalos, consonancias, practicar el lado rítmico de la obra y la dicción.
A medida que el director domina los elementos técnicos, comienza a prestar más atención al acabado artístico de la obra. Llega el momento en que las notas desnudas empiezan a adquirir carne artística.
Damos como ejemplo un análisis artístico y un plan de interpretación para trabajar con un coro en la canción "Polyushko Kolkhoznoye", letra y melodía de G. Savitsky, arreglo para composición femenina coro folclórico I. Ivanova. (La canción está impresa en este número de la colección en la página 13).

El texto literario de la canción revela la imagen de un amplio y extenso campo agrícola colectivo.

Oh, eres mi amor,
Granja colectiva polelyuska,
tu eres mi ancho
Eres mi libertad.
El centeno está espeso en ondas,
El viento se balancea.
Cada año polo
Es famoso por su cosecha.
Oh, eres mi amor,
Granja colectiva polelyuska,
Eres mi ancho.
Eres mi libertad.

El poema se distingue por su extraordinario laconismo y al mismo tiempo la expresividad de la imagen. A pesar de que consta de sólo tres cuartetos, y el tercero es una repetición literal del primero, la imagen del “polo koljósiano” se destaca de manera prominente y fuerte. ¡Qué gran y amplio significado temático le da el autor a las palabras “polo koljósiano”! Tienen un subtexto profundo. En este "polo" está toda la vida de una persona trabajadora, una vida nueva, feliz, como un "polo", amplia y libre.
Este significado interno, o idea, del poema ya está esbozado en la primera cuarteta, donde la majestuosa imagen del “polo polo” comienza a revelarse a través de un llamamiento profundamente emotivo y lleno de amor: “Oh, tú eres mi polo. "

Si en la primera cuarteta la imagen del “polo agrícola colectivo” se revela con un carácter lírico-épico, en la segunda cuarteta pasa a primer plano el sonido heroico de la imagen, que adquiere un contenido cada vez más dinámico. Así, el enérgico comienzo de la segunda cuarteta:

El centeno está espeso en ondas,
El viento se balancea.

transmite el rápido movimiento y la dinámica en el desarrollo de la imagen de la “granja colectiva polepole”. Ya no sólo es “amplio y expansivo”, sino también “famoso por su cosecha”. Aquí se revela más el subtexto del poema. El ondulante mar de centeno es fruto del trabajo creativo. hombre soviético- el creador de todas las bendiciones terrenales. Por eso, en la tercera cuarteta, que es una repetición literal de la primera, suena con renovado vigor la apelación al “polo polo”: ya no como una meditación, sino como un himno a su fertilidad, como un himno al trabajo creativo de Hombre soviético.
Así, la imagen del “polo agrícola colectivo” en el poema se revela en un desarrollo dinámico desde la majestuosidad lírica-épica hasta un poderoso sonido heroico. La técnica del encuadre imparte integridad temática al poema y al mismo tiempo abre espacio para la creatividad del compositor y del autor del arreglo coral.

Analizando la música de la canción " Granja colectiva Polyushko", es fácil notar que entonacionalmente ella transmite con mucha precisión el personaje en forma de canción popular. imagen literaria. La melodía de la canción es amplia, melodiosa y, gracias a su variada organización metro-rítmica, crea una atmósfera de excitación emocional y movimiento interno. Cada verso de la canción, que transmite el estado de ánimo de la cuarteta correspondiente, es, por así decirlo, una determinada etapa en el desarrollo de la imagen musical de la canción.
La música del primer verso contiene un llamamiento suave y amoroso al “kolkhoz polelyuska”. Pero al mismo tiempo, esta no es una conversación en el sentido literal, sino más bien una reflexión profunda, donde el “polo koljósiano” y el destino de una persona, toda su vida, se fusionan en un solo concepto. De aquí proviene el tono definitorio del primer verso: suavidad, sinceridad y significado.

El tempo es lento, el movimiento de la melodía es suave, el tono general es pianissimo (muy tranquilo).
Todos los elementos de expresión artística (melodía, ritmo metro, textura, fraseo) están en movimiento constante, como si revelara cada vez más aspectos nuevos de la imagen, gracias a los cuales la obra se convierte en material fértil para la interpretación artística.

El primer verso, al igual que los siguientes, consta de cuatro frases, cada una de las cuales tiene su propio pico dinámico. Los sonidos que siguen al pico se interpretan con mayor sonoridad y los sonidos que siguen al pico se realizan con debilitamiento. De este modo, el pico se enfatiza dinámicamente y organiza los sonidos anteriores y posteriores a su alrededor. En la canción que se analiza, la parte superior de cada frase es el primer tiempo del segundo compás. Pero las frases no tienen un significado equivalente. EN en este caso la frase principal y cumbre es la tercera. Se produce una acumulación emocional, la melodía amplía el rango, el movimiento interno se acelera al reducir el número de compases en la segunda frase, la textura se satura: primero canta una cantante, en la segunda frase se le une una segunda, y en la tercera frase suena un coro polifónico. En la cuarta frase, por el contrario, ya se siente un debilitamiento de la tensión emocional, suena dinámicamente más débil que la tercera, su patrón rítmico cambia, el rango se acorta y la textura se simplifica: las cuatro voces son reemplazadas por el unísono.
Esta diferenciación de frases a su manera. valor artístico llamado fraseo. (Ejemplo No. 1) Si el tono general del verso es pianissimo, entonces en la parte superior de las frases el sonido puede intensificarse un poco, llegar al piano y, al final de la frase, volver al tono original.

La tercera frase (la superior) suena algo más fuerte que todas las demás (dentro del piano).

El desarrollo de la imagen musical en el segundo y tercer verso sigue el camino del crecimiento dinámico: del piano al fuerte, complicación textural, desarrollo variante de las voces, cambios en el timbre, la naturaleza del movimiento de la melodía y la pronunciación de las palabras. Todos estos cambios siguen el principio de inyección: aumento y expansión gradual y continuo. Para confirmar lo dicho, considere el plan dinámico y los cambios de textura de la canción.

plano dinámico
El primer verso es pianissimo.
El segundo verso es piano.
El tercer verso va del mezzo forte al fortissimo.

Los cambios en la dinámica están estrechamente relacionados con la complicación de la textura: el primer verso lo canta un cantante, el segundo por dos y el tercer verso lo inicia todo el coro. Aquí vemos no sólo un aumento en el número de cantantes, sino también un aumento en el número de partes de voz, así como una variación en la línea melódica del propio cantante. (Ejemplo No. 2)

La canción alcanza su clímax en el último verso con las palabras: “Tú eres mi ancho, tú eres mi ancho”. Todos los elementos de expresión artística en este lugar alcanzan su más alto nivel. Aquí el sonido más fuerte del coro, la naturaleza del movimiento de la melodía (a diferencia de los versos anteriores, ya no se distingue por el desarrollo suave y tranquilo del sonido, sino por la pronunciación amplia, brillante y pegadiza del sonido y palabra, basada en una combinación de acento y longitud máxima de sonidos), la textura alcanza su máximo desarrollo (5 voces, ecos), finalmente, la melodía se eleva a su punto más alto, enfatizando el clímax emocional y el final de toda la canción. (Ejemplo No. 3)

Entonces, como resultado análisis artístico el director entendió el contenido de la canción y los medios por los cuales el compositor la revela. Pero los trabajos preliminares de la obra no se limitan a esto.
Cada tipo de arte tiene su propia técnica, es decir, un conjunto de determinadas habilidades necesarias para crear una imagen artística. V. el arte coral es estructura, conjunto, dicción, habilidades vocales: respiración, producción de sonido y resonancia. Por tanto, está claro que la siguiente etapa del trabajo preliminar del director es analizar la obra desde el punto de vista de sus dificultades técnicas.
Veamos los puntos principales del trabajo en la estructura del coro.
Cantar sin acompañamiento impone exigencias especialmente altas a los intérpretes en términos de entonación de intervalos y acordes. Muy desarrollado línea melódica Las canciones repletas de intervalos amplios presentan una gran dificultad para la entonación interválica. Es necesario prestar atención a los segmentos melódicos que el coro puede desafinar: a los sonidos de la segunda proporción.

a una secuencia de sonidos de la misma altura, que a menudo provocan una disminución de la entonación y, por tanto, requieren "levantar" la altura de cada sonido posterior, a la entonación de semitonos.
Para lograr un sonido entonacionalmente puro, el director del coro debe conocer los patrones de entonación de los distintos grados de las escalas mayor y menor de acuerdo con su significado modal.
Entonación de la escala mayor.

El sonido de la primera etapa (el tono principal) se entona de manera constante. Los sonidos de los pasos segundo, tercero, quinto, sexto y séptimo están entonados por el deseo de superación. Los sonidos del tercer y séptimo grado (el tercero de la tríada tónica y el tono introductorio) se entonan con un deseo particularmente fuerte de ascender. El sonido de la cuarta etapa se entona con tendencia a disminuir.

Cabe señalar que en las canciones rusas a menudo se encuentra una escala mayor con un séptimo grado rebajado. En este caso, entona con un deseo de rebajarse.

El Ejemplo No. 5 muestra la naturaleza de la entonación de varios grados de la escala mayor. Las flechas que apuntan hacia arriba indican que el sonido debe entonarse con tendencia a subir, una flecha horizontal indica entonación estable y una flecha que apunta hacia abajo indica entonación con tendencia a bajar

Entonación de la escala menor (natural).

Los sonidos del primer, segundo y cuarto grado se entonan con un deseo de aumentar.
Sonidos de tercer, sexto y séptimo grado, con tendencia a disminuir.
En menor armónica y melódica, el sonido del séptimo grado se entona con fuerte tendencia ascendente. En menor melódica, el sonido del sexto grado también se entona con tendencia a aumentar.

El Ejemplo No. 6 muestra la naturaleza de la entonación de los sonidos de la escala "Si bemol menor", en la que se escribió la canción "Polyushko Kolkhoznoye".
entonación precisa en gran medida depende del canto y la respiración. La respiración lenta con fuga de aire provoca una disminución del sonido; la respiración excesivamente esforzada con demasiada presión de aire, por el contrario, provoca fuerza y ​​​​aumento de la entonación. El lento desarrollo del sonido (al acercarse) también provoca imprecisiones en la entonación. Una posición baja, que provoca un trabajo excesivo de la laringe, conlleva una disminución en la entonación del sonido, y el mismo resultado se produce al superponer el sonido en el registro superior (en las voces populares esto ocurre en canciones tranquilas). Con un uso insuficiente de los resonadores de tórax, la entonación cambia hacia arriba.
La "posición alta" del sonido tiene un efecto especialmente beneficioso sobre la entonación, cuya esencia es dirigir el sonido a los resonadores superiores y aliviar la tensión en la laringe. Se debe alcanzar una posición alta en cualquier registro.

Al trabajar en esta canción, esto debe tenerse en cuenta especialmente cuando se practica con segundos altos, que cantan en un registro muy bajo. Los ejercicios vocales, cantar frases individuales con la boca cerrada o sobre las sílabas "li" y "le" son de gran beneficio para el desarrollo de sonidos posicionales altos.
Por lo tanto, el canto entonacionalmente puro en un coro depende en gran medida del nivel de todo el trabajo vocal, que debe llevarse a cabo para desarrollar diversas habilidades de canto y corregir ciertas deficiencias de las voces de los cantantes (sonido presionado, forzado, temblor, tono nasal). , etc. ).
La habilidad vocal más importante es la respiración correcta y apoyada". A menudo se dice que un cantante que domina la respiración cantada canta "con apoyo" o con "sonido apoyado". La respiración apoyada se caracteriza por el hecho de que todo el aire se va mientras canta. completamente a la formación de sonido sin fugas y se consume de forma suave y económica. En este caso aparece el llamado “sonido soportado” que tiene mucha riqueza, densidad, elasticidad, mientras que el sonido no soportado, por el contrario, es sordo. flojo, débil, con un sifón, lo que indica una fuga inútil de aire. Es posible una mayor economía de aire y, por tanto, cantar grandes estructuras musicales de una sola vez con un sonido sin apoyo requiere frecuentes cambios de respiración y provoca una pausa en la frase musical. .

Para obtener un sonido sostenido, es necesario mantener una "configuración de inhalación", es decir, al cantar, el cantante no debe permitir que el pecho se hunda y se estreche. Después de inhalar aire, es necesario contener la respiración por un momento y luego comenzar a producir sonido. Este momento de “retraso” parece alertar a todo el aparato cantante. Es necesario respirar con facilidad y naturalidad, sin tensión excesiva, casi igual que con la respiración normal. discurso coloquial. El cantante debe aspirar tanto aire como necesite para realizar una tarea específica. El volumen de aire inhalado depende del tamaño de la frase musical y del registro en el que suena, así como de la fuerza del sonido. Cantar en un registro alto requiere más aire. La inhalación también gran cantidad el aire produce un sonido tenso y una entonación imprecisa. La duración de la inhalación depende del tempo de la pieza y debe ser igual a la duración de un tiempo del compás. Para la interpretación continua de estructuras musicales largas, o incluso de la pieza completa, se utiliza la llamada "respiración en cadena". Su esencia radica en que los cantantes del coro renuevan alternativamente su respiración. El ejemplo número 7 muestra la parte coral del segundo verso, que se interpreta con “respiración en cadena”.

Cada cantante individualmente no puede cantar todo este segmento sin renovar el aliento, pero en el coro, como resultado de que los cantantes renuevan el aliento alternativamente, esta frase suena indiferenciada. La respiración normal de un cantante se seca al llegar al cuarto y quinto compás, pero no se recomienda ni siquiera a un cantante respirar en este lugar. Al hacer "respiración en cadena", es mejor respirar no en la unión de dos estructuras musicales, sino antes o después de un tiempo. Es necesario desconectarse del canto y volver a entrar en él de forma imperceptible, hacer respiraciones cortas y principalmente en mitad de una palabra o en un sonido sostenido. (Ejemplo No. 7).

Una vez más se debe enfatizar la importancia de la naturaleza de la exhalación. Debe ser económico y uniforme en toda su longitud. Sólo esa exhalación puede crear un canto suave y elástico. No permita que se agote todo el aire al exhalar. Es perjudicial cantar con un suministro de aire muy agotado.
Al cantar, el proceso respiratorio está estrechamente relacionado con el momento de generación o ataque del sonido. Hay tres tipos de ataque: duro, entrecortado y suave. En un ataque fuerte, los ligamentos se cierran antes de que entre aire. Luego, la corriente de aire con una ligera fuerza abre los ligamentos. El resultado es un sonido agudo.
Un ataque aspirado es lo opuesto a un ataque sólido. Con él, la aparición del sonido va precedida de una exhalación silenciosa, tras la cual los ligamentos se cierran tranquilamente. En este caso, la vocal “A” parece tomar el carácter sonoro de “xx-a”, pero la consonante “x” no debería escucharse.

Con un ataque suave, el cierre de los ligamentos comienza simultáneamente con el inicio del sonido.
Un ataque firme al cantar es raro (en exclamaciones sonoras, en el desarrollo fuerte del sonido después de una pausa).
Los ejercicios de ataque firme son muy beneficiosos; cultivan la sensación de un sonido "apoyado" y son un medio para combatir la producción de sonido lenta que causa "socavamiento". Estos ejercicios (ejemplo n.° 8) deben cantarse a un ritmo lento en la vocal "A".

La base del canto es un ataque suave. Aspirado: utilizado para sonoridades tranquilas y muy tranquilas.
Con cantantes de voz aguda, es útil practicar el canto de pequeños campañoles o secciones de una frase musical de una pieza que se aprende para las vocales “I”, “E”, “E”, “Yu” o las sílabas “LA”, “LE”, “LE”, “BJ".
La imagen artística en el arte vocal aparece en la unidad de la música y la palabra. De la forma en que se pronuncian las palabras o la dicción depende no sólo la calidad de transmitir el texto literario de una canción al oyente, sino también todo el proceso de canto. Como sabes, una palabra consta de una unidad de vocales y consonantes. Una condición indispensable para una correcta dicción al cantar es el sonido de las vocales más largo posible y la pronunciación corta y activa de las consonantes, basada en una interacción clara de la lengua, los labios, los dientes y el paladar con una exhalación uniforme y en ningún caso entrecortada. Es útil practicar la claridad de la pronunciación de consonantes en sonidos suaves duplicándolas. Al mismo tiempo, para fijar toda la atención en las consonantes, es útil soltar brevemente, pero no bruscamente, cada sílaba, calculando mentalmente la duración de las notas sostenidas. (Ejemplo No. 9)

Particularmente difíciles de pronunciar son las combinaciones de varias consonantes (país), una consonante al principio de una palabra (meet, not meet) y una consonante al final de una palabra (color, no tsve).
Para mantener la máxima continuidad del sonido de la melodía, las consonantes al final de una sílaba deben combinarse con la siguiente sílaba.
"U-ro-zha-e-ms l a-v i-tsya".
Una dicción clara suele equipararse a una pronunciación clara de las consonantes, olvidando que las vocales también desempeñan un papel muy importante en la pronunciación de las palabras y en la cohesión general del sonido coral.
Las vocales son sonidos puros sin ninguna mezcla de ruido. Algunos de ellos suenan brillantes, abiertos - "A", otros cerrados - "O", "U", otros - "cerrados" - "I". El grado de tensión o brillo de las vocales es diferente; depende de la posición de la boca y del lugar de la vocal en la palabra (las vocales acentuadas suenan más tensas y brillantes que las átonas).

Al cantar, para crear una línea vocal uniforme, todas las vocales se neutralizan de alguna manera, es decir, se borra la línea marcada entre ellas. Esto ocurre como resultado de mantener aproximadamente la misma posición de la boca para todas las vocales. Se sabe que la misma vocal con diferentes posiciones La boca adquiere diferentes cualidades sonoras: con la boca bien abierta suena abierta, brillante; con la boca entreabierta suena cerrada, suave al cantar con las comisuras de los labios entreabiertas (en una sonrisa), suena ligero, luz, "cerca". Por tanto, es bastante comprensible que en el sonido de una frase separada o de una obra completa, marcada por un determinado estado de ánimo, todas las vocales deban sonar en el mismo tono emocional, con la misma posición predominante de la boca. Una manera unificada de formar vocales en un coro se vuelve crucial, ya que es la base de la unidad tímbrica de las voces. Para desarrollar una resonancia unificada de vocales, es útil cantar una secuencia de sonidos del mismo tono en las sílabas MI-ME-MA-MO-MU (la consonante “M” se usa para suavizar el ataque. Ejemplo No. 10 ). En este caso, es necesario asegurarse de que todas las vocales se canten con el mismo grado de apertura de la boca.

Para evitar “conducir” al cantar las vocales “A”, “O”, “U”, “E”, “I” después de cualquier otra vocal o de la misma vocal, especialmente en la unión de dos palabras, es necesario Estire la primera vocal tanto como sea posible y cambie instantáneamente a la segunda, atacando el sonido un poco más fuerte. Por ejemplo: "...polyushko es famoso por su cosecha".
Ya hemos dicho anteriormente que una vocal acentuada suena más fuerte y brillante que una átona. Pero a veces en las canciones populares el ritmo fuerte del ritmo no coincide con el acento de la palabra. En estos casos, es necesario realizar la vocal que suena en el tiempo fuerte del compás de manera menos prominente que la vocal en la que recae el énfasis en las palabras (Ejemplo 11)

Aquí vemos que en la palabra “Mi” la vocal átona “O” corresponde a un tiempo relativamente fuerte del tiempo y por lo tanto, al sobresalir, distorsionará la palabra. Para evitar que esto suceda, la sílaba “MO” debe cantarse un poco más tranquila que la vocal “Yo”.
El trabajo con las vocales en un coro folclórico adquiere especial importancia debido a la visión errónea que algunos músicos tienen del timbre de la voz folclórica. Creen que el canto popular se caracteriza únicamente por un sonido blanco y abierto. La mala comprensión de la base vocal del canto popular lleva a una orientación equivocada de este maravilloso género de arte coral. ¿No habla la riqueza de género de la canción popular rusa, desde coros suaves y tranquilos, cancioncillas conmovedoras hasta amplios lienzos de canciones líricas y ruidosas canciones primaverales, de su más amplio rango emocional? ¿Cómo puedes cantar todas estas canciones con un solo sonido? Está absolutamente claro que el sonido de un coro folclórico, como cualquier otro coro, depende del contenido de la canción, de su tono emocional.

La base de cualquier colectivo. arte musical, incluido el coro, es la unidad y cierta coordinación de las acciones de todos los miembros del colectivo. Todos los elementos de la sonoridad coral: estructura, dicción, fuerza, timbre, velocidad de movimiento, etc. existen sólo en forma colectiva y de conjunto. Por tanto, el trabajo en conjunto impregna todas las etapas del trabajo coral.
Ya hemos hablado de la forma uniforme en que se forman las vocales y consonantes. Ahora veremos el conjunto rítmico y dinámico. En “Polyushka the Collective Farm” cada voz tiene su propio patrón rítmico independiente. Cuando se interpretan al mismo tiempo, existe el peligro de perturbar el conjunto rítmico. Para evitar esto, es necesario cultivar en los cantantes el sentido de la pulsación de la melodía. Para ello, es bueno utilizar pasajes musicales cantados y dividir en voz alta cada negra, blanca y entera en octavas (ejemplo N2 12).

Gracias a este ejercicio, el coro mantendrá con precisión duraciones complejas y pasará a sonidos posteriores en el tiempo. Por lo general, en sonidos de larga duración, los cantantes pierden una sensación precisa de movimiento y pasan a sonidos posteriores tarde o antes de tiempo.
Un conjunto dinámico en un coro se basa en el equilibrio en la fuerza de las voces de una parte y en una cierta coherencia entre las partes: o la parte superior, que dirige la voz principal, suena más fuerte que las otras partes, luego la media o la inferior. La voz pasa a primer plano, luego todas las partes suenan con la misma fuerza. Así, en la canción "Polyushko Kolkhoznoe", al principio la voz superior suena más fuerte, luego los cambios melódicos en varias voces comienzan a enfatizarse dinámicamente y, en el clímax de la canción, todas las voces suenan con la misma fuerza.

La mayoría de las canciones populares rusas se interpretan con cantantes principales. En estos casos es muy importante el conjunto entre el cantante y el coro, que asume del cantante todo el carácter de la interpretación de la canción. Esto hay que tenerlo en cuenta a la hora de aprender esta canción. La base de un buen conjunto en un coro es la correcta selección de voces y su igualdad cuantitativa en cada parte. El resultado es un conjunto natural. Pero en ocasiones las voces que componen un acorde tienen condiciones de tesitura diferentes. En este caso, el equilibrio del sonido se logra artificialmente, como resultado de una distribución especial de la fuerza del sonido entre las voces: la voz secundaria, escrita en un registro alto, debería sonar más baja, y la voz principal, escrita en un registro bajo, debería sonar más baja. realizarse más fuerte. Si todas las voces en una situación determinada se interpretan con la misma fuerza, entonces la voz secundaria ahogará a la principal y, por supuesto, no habrá conjunto.
Para crear un conjunto artísticamente completo, es necesario que cada cantante no solo cante su parte con precisión, sino que también, escuchando a sus vecinos en la parte, se fusione con ellos. Además, debe escuchar la voz principal y medir con ella la fuerza de su voz.