El estilo único de Vivaldi revolucionó a Europa mundo musical principios del siglo XVIII. La obra de Vivaldi es la quintaesencia de todo lo mejor que había logrado el arte italiano a principios del siglo XVIII. Este brillante italiano hizo hablar a toda Europa de “gran música italiana”.
Durante su vida, recibió reconocimiento en Europa como compositor y violinista virtuoso, que estableció un nuevo estilo de interpretación dramatizado, llamado "lombardo". Conocido como un compositor capaz de crear una ópera en tres actos en cinco días y componer muchas variaciones sobre un tema. Es autor de 40 óperas, oratorios y más de 500 conciertos. La obra de Vivaldi tuvo una gran influencia no sólo en los compositores italianos contemporáneos, sino también en músicos de otras nacionalidades, principalmente alemanes. Aquí es especialmente interesante rastrear la influencia de la música de Vivaldi en I.S. Llevar una vida de soltero.
Vivaldi escribió música en estilo barroco. La palabra "barroco" traducida del italiano suena extraña, caprichosa. La época barroca tiene sus propios límites temporales: el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII (1600-1750). El estilo barroco influyó no sólo en la moda de la época, sino que dominó todo el arte: la arquitectura, la pintura y, por supuesto, la música. El arte barroco tiene un carácter apasionante: pompa, brillo y emotividad.
Vivaldi entró en la historia de la música como creador del género de concierto instrumental. Fue Vivaldi quien le dio la tradicional forma de tres partes. A partir de tres conciertos, también creó una obra de forma más amplia, que recuerda a una sinfonía moderna. Una de las primeras obras de este tipo fue su obra “Las estaciones”, escrita alrededor de 1725. Verdaderamente innovador en su concepto, el ciclo “Estaciones” se adelantó significativamente a su tiempo, anticipándose a las búsquedas en el campo de la música programática de los compositores románticos del siglo XIX.
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Antonio Vivaldi nació en Venecia el 4 de marzo de 1678. Su padre Giovanni Battista (apodado "Rojo" por su color de pelo intenso), hijo de un panadero de Brescia, se mudó a Venecia hacia 1670. Allí trabajó durante algún tiempo como panadero y luego dominó la profesión de barbero. En su tiempo libre para ganarse el pan de cada día, Giovanni Battista tocaba el violín. Y resultó ser un músico tan talentoso que en 1685 el famoso Giovanni Legrenzi, director de orquesta de la Catedral de San Pedro. Mark, lo aceptó en su orquesta.
Casa Vivaldi en Venecia
El primero y más famoso de los seis hijos de Giovanni Battista Vivaldi y Camilla Calicchio, Antonio Lucio, nació prematuramente debido a un terremoto repentino. Los padres del niño vieron el nacimiento de una nueva vida en circunstancias tan extrañas como una señal de lo alto y decidieron que Antonio debería convertirse en sacerdote.
Desde que nació, Antonio tuvo una enfermedad grave: un pecho comprimido, toda su vida estuvo atormentado por el asma, sufrió ataques de asma, no podía subir escaleras ni caminar. Pero una discapacidad física no podía afectar el mundo interior del niño: su imaginación realmente no conocía barreras, su vida no era menos brillante y colorida que la de los demás, simplemente vivía de la música.
Cuando el futuro gran compositor tenía 15 años, le afeitaron la tonsura (símbolo de la corona de espinas) y el 23 de marzo de 1703 fue ordenado sacerdote Antonio Vivaldi, de veinticinco años. Sin embargo, no sentía un deseo sincero de ser sacerdote. Una vez, durante una misa solemne, el “cura pelirrojo” no pudo esperar a que terminara el servicio y abandonó el altar para plasmar en el papel lo que le venía a la cabeza en la sacristía. idea interesante sobre la nueva fuga. Luego, como si nada hubiera pasado, Vivaldi volvió a " lugar de trabajo" Al final se le prohibió asistir a misa, lo que probablemente hizo que el joven Vivaldi estuviera muy contento.
Antonio heredó de su padre no solo el color de su cabello (bastante raro entre los italianos), sino también un gran amor por la música, especialmente por tocar el violín. El propio Giovanni Battista dio a su hijo sus primeras lecciones y lo llevó a su puesto en la orquesta de la Catedral de San Pedro. Marca. Antonio estudió composición y aprendió a tocar el clavecín y la flauta.
Entre los muchos palacios e iglesias que adornaban Venecia, se encontraba un modesto monasterio, un refugio para niñas "Ospedale della Pietà" (literalmente "hospital de la compasión"), donde en septiembre de 1703 Vivaldi comenzó a enseñar música. Todos los amantes de la música en Europa consideraron un honor visitar allí y escuchar a la famosa orquesta, formada exclusivamente por niñas huérfanas. Este “milagro musical” fue dirigido por el abad Antonio Vivaldi, llamado Pretro Rosso - Monje Rojo, Sacerdote Rojo. El apodo revelaba una disposición alegre y un temperamento fogoso. Y todo esto a pesar de que el maestro Vivaldi estuvo gravemente enfermo toda su vida y se quedó sin aliento al caminar.
En 1705, el editor veneciano Giuseppe Sala publicó la primera colección de sonatas para tres instrumentos (dos violines y bajo) de Antonio Vivaldi. La siguiente “parte” de las sonatas para violín de Vivaldi fue publicada cuatro años después por Antonio Bortoli. Pronto las obras del "sacerdote pelirrojo" ganaron una popularidad extraordinaria. En tan sólo unos años, Antonio Vivaldi se convirtió en el compositor para violín más famoso de Europa. Posteriormente, las obras de Vivaldi se publicaron en Londres y París, los entonces centros editoriales de Europa.
Antonio Lucio Vivaldi
A principios de 1718 recibió una invitación para servir como director de orquesta en la corte de Mantua. El compositor permaneció aquí hasta 1720. Y aquí, en Mantua, Vivaldi conoció a la cantante Anna Giraud, propietaria de una preciosa contralto. Primero fue su alumna, luego la intérprete principal de sus óperas y, finalmente, ante la indignación de todos, se convirtió en su amante.
mantua
Al regresar a Venecia, Vivaldi se dedicó por completo a las actividades teatrales. Probó suerte como autor y como empresario. En 1720-1730 Vivaldi es conocido en toda Italia. Su fama alcanzó tales proporciones que incluso fue invitado a dar un concierto delante del mismísimo Papa.
En 1740, Vivaldi finalmente abandonó su trabajo en el Ospedale della Pietà y se fue a Viena, a la corte del emperador Carlos VI, su poderoso y duradero admirador. Pero los optimistas planes del gran compositor no estaban destinados a hacerse realidad. Al llegar a Viena, ya no encontró vivo al monarca. Además, en ese momento la popularidad de Vivaldi había comenzado a declinar. Las preferencias del público cambiaron y la música barroca rápidamente se encontró en la periferia de la moda.
El músico de sesenta y tres años, que nunca había gozado de buena salud, no pudo recuperarse de estos golpes del destino y enfermó de una enfermedad desconocida.
Vivaldi murió el 28 de julio de 1741 en Viena a causa de una “inflamación interna” (como estaba escrito en el protocolo del funeral), en brazos de su alumna y amiga Anna Giraud. El funeral fue modesto: sólo sonaron unas pocas campanas y la procesión estuvo formada únicamente por personas contratadas para transportar el ataúd.
Tras su muerte, la herencia musical de Antonio Vivaldi quedó en el olvido durante casi 200 años. Recién en los años veinte del siglo XX, un musicólogo italiano descubrió accidentalmente una colección de manuscritos de Vivaldi. Contenía 19 óperas y más de 300 obras instrumentales, además de gran número obras de música vocal y sacra. A partir de ese momento, comenzó el renacimiento de la antigua gloria de este compositor que alguna vez fue muy famoso.
Antonio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia. Sus primeras lecciones de violín se las dio su padre. Antonio era un estudiante tan capaz que a los 11 años pudo sustituir a su mentor en la capilla de la Catedral de San Marcos.
Desde su juventud, habiendo decidido dedicar su vida a la música, Antonio al mismo tiempo quería ser clérigo. Fue ordenado sacerdote en 1704.
Desafortunadamente, la salud de Vivaldi era tan mala que no pudo celebrar toda la misa. Por lo tanto, recibió cierto alivio. Vivaldi pronto dejó sus deberes como sacerdote, pero no renunció a su sacerdocio.
El comienzo de un viaje creativo.
En 1709, Vivaldi fue presentado al monarca de Dinamarca, Federico IV. El compositor le dedicó 12 sonatas escritas para violín.
En 1712 Vivaldi se reunió con compositor alemán, G. Stötzl.
actividades del compositor
Vivaldi comenzó como compositor de ópera. En 1713 creó la obra en tres actos “Ottone en la Villa”. Un año después, se creó una nueva ópera, "El loco imaginario". Se basó en el poema de L. Ariosto, "Roland the Furious".
Por esta época, el talento del compositor fue reconocido por sus colegas, críticos musicales y aficionados a la ópera. Vivaldi empezó a tener cada vez más alumnos. Dedicó su tiempo libre a la docencia a componer nuevas obras musicales. El compositor también colaboró activamente con el teatro, del que recibía periódicamente un gran número de encargos.
Con el tiempo, el nombre del músico se hizo conocido fuera de Venecia. En 1718 se representó en Florencia su ópera “Skanderberg”.
Ese mismo año, el compositor aceptó la invitación del príncipe F. Hesse-Darmstadt y, trasladándose a Mantua, se convirtió en director de orquesta de su corte.
Allí el músico conoció a A. Giraud. Se convirtió en alumna del gran compositor, y este último jugó un papel importante en su desarrollo como cantante de ópera.
Al estudiar la biografía de A. Vivaldi, debes saber lo más importante. En 1725 se publicó una serie de sus obras titulada “El arte de la armonía y la invención”. Incluía los conciertos de “Seasons”. La creatividad de este período está llena de dramatismo. Muchas obras contienen notas solemnes y lúgubres.
Vivaldi hizo su mayor contribución al desarrollo del concierto del conjunto orquestal.
Enfermedad y muerte
Como muchos compositores, Vivaldi a menudo necesitaba urgentemente dinero. En 1740 llegó a Viena para representar sus óperas. Pero debido al empeoramiento de la crisis política, el músico se vio obligado a partir hacia Sajonia.
El compositor padecía asma bronquial desde pequeño y este traslado forzoso afectó negativamente a su salud.
Un año después regresó a Austria, pero el público pronto se olvidó de su reciente favorito. En julio de 1741 falleció el gran compositor. Fue enterrado en un cementerio para pobres.
Otras opciones de biografía
- Vivaldi nació a los siete meses. Según algunos informes, el recién nacido estaba tan frágil y enfermizo que fue bautizado inmediatamente.
- Vivaldi nunca se casó. Pero debido a su cálida relación con A. Giraud, que seguía siendo platónica, el compositor fue criticado más de una vez por clérigos de alto rango.
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Introducción
1.1. 1.2.Capítulo I. El papel de A. Vivaldi en el desarrollo del concierto para violín en el siglo XVIII La contribución creativa de A. Vivaldi al desarrollo del concierto instrumental. Capítulo II. La herencia creativa de A. Vivaldi. Análisis de las obras más famosas del compositor. 1 "Estaciones" 2 Concierto para violín “La menor” Conclusión Bibliografía Introducción Estas cualidades de personalidad se reflejan plenamente en el arte de Vivaldi, que está lleno de una gran cantidad de imaginación artística y fuerza de temperamento y no pierde su vitalidad a lo largo de los siglos. Si algunos de sus contemporáneos vieron frivolidad en la apariencia y las acciones de Vivaldi, entonces en su música el pensamiento creativo está siempre despierto, la dinámica no se debilita y la plasticidad de la forma no se altera. El arte de Vivaldi es, ante todo, un arte generoso, que nace de la vida misma, absorbiendo sus jugos saludables. No había ni podía haber nada en él que fuera inverosímil, alejado de la realidad o que no hubiera sido probado por la práctica. El compositor conocía perfectamente la naturaleza de su instrumento. Objeto del trabajo del curso: estudiar la interpretación del género de concierto instrumental en la obra de Antonio Vivaldi. Objetivos de este trabajo de curso: .Estudiar literatura sobre un tema determinado; 2.Consideremos a A. Vivaldi como representante de la escuela italiana de violín; 3.Analiza las obras más famosas del compositor. Este trabajo de curso es relevante hoy, ya que la obra del compositor A. Vivaldi es de interés para sus contemporáneos, sus obras se interpretan en salas de conciertos de todo el mundo. Capítulo I. El papel de A. Vivaldi en el desarrollo del concierto para violín en el siglo XVIII 1.1.La escuela italiana de violín y el desarrollo de los géneros musicales instrumentales y de violín. El temprano florecimiento del arte del violín italiano tuvo sus propias razones sociales y culturales, arraigadas en el desarrollo socioeconómico del país. debido a especial condiciones históricas en Italia antes que en otros países europeos, relaciones feudales fueron suplantados por los burgueses, que eran más progresistas en esa época. En el país que F. Engels llamó la "primera nación capitalista", las características nacionales de la cultura y el arte comenzaron a tomar forma desde el principio. El Renacimiento floreció activamente en suelo italiano. Condujo al surgimiento creaciones brillantes Escritores, artistas y arquitectos italianos. Italia le dio al mundo la primera ópera, desarrolló el arte del violín, el surgimiento de nuevos géneros musicales progresistas, los logros excepcionales de los violinistas que crearon insuperables. diseños clásicos Instrumentos de arco (Amati, Stradivarius, Guarneri). Los fundadores de la escuela italiana de violinistas fueron Andrea Amati y Gasparo da Salo, y la mayoría maestros destacados durante el apogeo de la escuela (desde mediados del siglo XVII hasta mediados del XVIII) - Niccolò Amati y sus dos alumnos, Antonio Stradivari y Giuseppe Guarneri del Gesù. Se cree que Antonio Stradivari nació en el año 1644, aunque no consta su fecha exacta de nacimiento. Nació en Italia. Se cree que de 1667 a 1679 sirvió como alumno libre de Amati, es decir. hizo el trabajo duro. El joven mejoró diligentemente el trabajo de Amati, logrando melodía y flexibilidad de voces en sus instrumentos, cambiando su forma por una más curva y decorando los instrumentos. La evolución de Stradivarius muestra una liberación gradual de la influencia del maestro y el deseo de crear un nuevo tipo de violín, que se distinga por la riqueza tímbrica y el sonido potente. Pero el período de búsqueda creativa durante el cual Stradivari buscó su propio modelo duró más de 30 años: sus instrumentos alcanzaron la perfección de forma y sonido sólo a principios del siglo XVIII. Generalmente se acepta que sus mejores instrumentos fueron fabricados entre 1698 y 1725, superando en calidad a los instrumentos fabricados posteriormente entre 1725 y 1730. Entre los famosos violines Stradivarius se encuentran los Betts, Viotti, Alard y Messiah. Además de violines, Stradivarius también fabricó guitarras, violas, violonchelos y al menos un arpa: un total de más de 1.100 instrumentos, según las estimaciones actuales. El gran maestro murió a la edad de 93 años el 18 de diciembre de 1837. Sus herramientas de trabajo, dibujos, dibujos, modelos y algunos violines terminaron en la colección del famoso coleccionista del siglo XVIII, el Conde Cosio di Salabue. Actualmente esta colección se conserva en el Museo Stradivarius de Cremona. Cambios en la situación histórica, necesidades sociales y culturales, procesos de desarrollo espontáneos. arte musical, estética: todo esto contribuyó a un cambio de estilos, géneros y formas. creatividad musical y las artes escénicas, condujeron a veces a un cuadro abigarrado de coexistencia de diferentes estilos en camino común el avance del arte desde el Renacimiento al Barroco, y luego a los estilos preclasicista y clasicista temprano del siglo XVIII. El arte del violín jugó un papel importante en el desarrollo de la cultura musical italiana. El protagonismo de los músicos italianos en floración temprana La creatividad del violín como uno de los principales fenómenos de la música europea. Esto se evidencia de manera convincente en los logros de los violinistas y compositores italianos de los siglos XVII-XVIII, que dirigieron la escuela de violín italiana: Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi y Giuseppe Tartini, cuyo trabajo ha conservado un gran significado artístico. Arcangelo Corelli nació el 17 de febrero de 1653 en Fusignano, cerca de Bolonia, en el seno de una familia inteligente. Su talento musical se reveló temprano y se desarrolló bajo la influencia directa de la escuela de Bolonia: el joven Corelli dominó el violín en Bolonia bajo la dirección de Giovanni Benvenuti. Sus éxitos asombraron a quienes lo rodeaban y recibieron un gran reconocimiento por parte de los especialistas: a la edad de 17 años, Corelli fue elegido miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia. Sin embargo, no permaneció mucho tiempo en Bolonia y a principios de la década de 1670 se trasladó a Roma, donde pasó toda su vida. En Roma, el joven músico complementó su formación estudiando contrapunto con la ayuda del experimentado organista, cantante y compositor Matteo Simonelli de la Capilla Papal. La actividad musical de Corelli comenzó primero en la iglesia (violinista en la capilla), luego en la Ópera de Capranica (kapellmeister). Aquí se distinguió no sólo como un maravilloso violinista, sino también como líder de conjuntos instrumentales. A partir de 1681, Corelli comenzó a publicar sus obras: hasta 1694, se publicaron cuatro colecciones de sus sonatas en trío, lo que le dio gran fama. De 1687 a 1690 dirigió la capilla del cardenal B. Panfili, y luego se convirtió en jefe de la capilla del cardenal P. Ottoboni y organizador de conciertos en su palacio. Esto significa que Corelli se comunicó con un amplio círculo de conocedores del arte, amantes del arte ilustrados y músicos destacados de su tiempo. Ottoboni, rico y brillante filántropo, apasionado del arte, fue anfitrión de oratorios y conciertos "academianos", a los que asistió una numerosa sociedad. El joven Handel, Alessandro Scarlatti y su hijo Domenico y muchos otros músicos, artistas, poetas y científicos italianos y extranjeros visitaron su casa. La primera colección de sonatas en trío de Corelli está dedicada a Cristina de Suecia, la reina sin trono que vivía en Roma. Esto sugiere que Corelli participó de alguna manera en los festivales musicales organizados en el palacio que ocupaba o bajo sus auspicios. A diferencia de la mayoría de los músicos italianos de su época, Corelli no escribió óperas (aunque estuvo asociado con teatro de la ópera) y composiciones vocales para la iglesia. Como compositor e intérprete, estuvo completamente inmerso únicamente en la música instrumental y algunos de sus géneros asociados con la participación principal del violín. En 1700 se publicó una colección de sus sonatas para violín con acompañamiento. Desde 1710, Corelli dejó de actuar en conciertos; dos años más tarde se trasladó del Palacio Ottoboni a su propio apartamento. Durante muchos años, Corelli enseñó a los estudiantes. Entre sus alumnos se encuentran los compositores e intérpretes Pietro Locatelli, Francesco Geminiani y J.B. Somis. Dejó una gran colección de pinturas, entre las que se encontraban cuadros de maestros italianos, paisajes de Poussin y un cuadro de Bruegel, muy valorado por el compositor y mencionado en su testamento. Corelli murió en Roma el 8 de enero de 1713. 12 de sus conciertos fueron publicados póstumamente, en 1714. Con todas sus raíces, el arte de Corelli se remonta a la tradición del siglo XVII, sin romper con la polifonía, dominando la herencia de la suite de danza y desarrollándose aún más. medios de expresión y por tanto la técnica de su instrumento. La obra de los compositores boloñeses, basada especialmente en modelos de sonata en trío, ya ha adquirido una influencia significativa no sólo en Italia: como es sabido, cautivó a Purcell en su época. Corelli, el creador de la escuela romana de arte del violín, ganó verdadera fama mundial. En las primeras décadas del siglo XVIII, su nombre encarnaba, a los ojos de sus contemporáneos franceses o alemanes, los mayores éxitos y la especificidad misma de la música instrumental italiana en general. El arte del violín del siglo XVIII se desarrolló a partir de Corelli, representado por luminarias como Vivaldi y Tartini, y toda una galaxia de otros maestros destacados. El legado creativo de Corelli en ese momento no era tan grande: 48 sonatas en trío, 12 sonatas para violín con acompañamiento y 12 “grandes conciertos”. Corelli moderno compositores italianos, por regla general, fueron mucho más prolíficos y crearon muchas decenas de óperas, cientos de cantatas, sin mencionar una gran cantidad de obras instrumentales. A juzgar por la propia música de Corelli, es poco probable trabajo creativo fue difícil para él. Al parecer, profundamente concentrado en ello, sin dispersarse, pensó cuidadosamente en todos sus planes y no tenía ninguna prisa por publicar los trabajos terminados. No hay rastros de inmadurez evidente en sus primeras obras, como tampoco hay signos de estabilización creativa en sus obras posteriores. Es muy posible que lo que se publicó en 1681 se creara a lo largo de varios años anteriores y que los conciertos publicados en 1714 comenzaran mucho antes de la muerte del compositor. 2 La contribución creativa de A. Vivaldi al desarrollo del concierto instrumental El destacado violinista y compositor Antonio Vivaldi (1678-1741) es uno de los representantes más brillantes del arte del violín italiano del siglo XVIII. Su importancia, especialmente en la creación del concierto para violín solo, va mucho más allá de las fronteras de Italia. A. Vivaldi nació en Venecia, en la familia de un excelente violinista y profesor, miembro de la capilla de la Catedral de San Marco Giovanni Battista Vivaldi. Desde pequeño, su padre le enseñó a tocar el violín y lo llevaba a los ensayos. A partir de los 10 años, el niño empezó a sustituir a su padre, que también trabajaba en uno de los conservatorios de la ciudad. El director del coro, G. Legrenzi, se interesó por el joven violinista y estudió órgano y composición con él. Vivaldi asistió a los conciertos en casa de Legrenzi, donde se escucharon nuevas obras del propio propietario, de sus alumnos: Antonio Lotti, el violonchelista Antonio Caldara, el organista Carlo Polarolli y otros. Lamentablemente, Legrenzi murió en 1790 y cesaron los estudios. En ese momento, Vivaldi ya había comenzado a componer música. Su primera obra que nos ha llegado es trabajo espiritual, que data de 1791. El padre consideró mejor darle a su hijo una educación espiritual, ya que su rango y voto de celibato le daban a Vivaldi el derecho a enseñar en el conservatorio de mujeres. Así comenzó la formación espiritual en el seminario. En 1693 fue ordenado abad. Esto le proporcionó acceso al conservatorio más respetado, el Ospedale della Piet. à " Sin embargo, la sagrada orden resultó más tarde ser un obstáculo para el desarrollo del enorme talento de Vivaldi. Después del abad, Vivaldi ascendió en las filas del clero y finalmente, en 1703, fue ordenado al último rango inferior: sacerdote, lo que le dio el derecho a realizar un servicio independiente: la misa. El padre de Vivaldi lo preparó completamente para la enseñanza, habiendo hecho él mismo lo mismo en el Conservatorio "Mendigos". La música era la materia principal en el conservatorio. A las niñas se les enseñó a cantar, tocar varios instrumentos y dirigir. El conservatorio contaba con una de las mejores orquestas de Italia en aquella época, en la que participaban 140 estudiantes. B. Martini, C. Burney, K. Dittersdorf hablaron con entusiasmo de esta orquesta. Junto con Vivaldi, aquí enseñó el alumno de Corelli y Lotti, Francesco Gasparini, un experimentado violinista y compositor cuyas óperas se representaron en Venecia. En el conservatorio, Vivaldi enseñó violín y “viola inglesa”. La orquesta del conservatorio se convirtió para él en una especie de laboratorio donde realizar sus planes. Ya en 1705 se publicó su primera obra de sonatas en trío (sonatas de cámara), en la que todavía se siente la influencia de Corelli. Es característico, sin embargo, que en ellos no se note ningún signo de aprendizaje. estos son maduros obras literarias, atrayendo con la frescura y la imaginación de la música. Como si enfatizara el homenaje al genio de Corelli, concluye la Sonata n.° 12 con las mismas variaciones sobre el tema de Folia. El año que viene se lanzará la segunda obra: concerti grossi “Harmonic Inspiration”, que apareció tres años antes que los conciertos de Torelli. Es entre estos conciertos que el famoso La menor Nueva York. El servicio en el conservatorio fue un éxito. A Vivaldi se le confía la dirección de la orquesta y luego del coro. En 1713, debido a la marcha de Gasparini, Vivaldi pasó a ser el compositor principal con la obligación de componer dos conciertos al mes. Trabajó en el conservatorio casi hasta el final de su vida. Llevó la orquesta del conservatorio a la máxima perfección. La fama del compositor Vivaldi se está extendiendo rápidamente no sólo en Italia. Sus obras se publican en Amsterdam. En Venecia conoce a Handel, A. Scarlatti, su hijo Domenico, que estudia con Gasparini. Vivaldi también ganó fama como violinista virtuoso, para quien no había dificultades imposibles. Su habilidad se hacía evidente en las cadencias improvisadas. En una de esas ocasiones, alguien que estaba presente en una representación de la ópera de Vivaldi en el Teatro San Angelo recordó su actuación: “Casi al final, acompañando a un magnífico solista, Vivaldi finalmente realizó una fantasía que realmente me asustó, porque era algo increíble, como el que nadie ha tocado y no puede tocar, porque con los dedos subió tan alto que ya no había lugar para el arco, y con esto en las cuatro cuerdas realizó una fuga con una velocidad increíble”. Los registros de varias de estas cadencias permanecen en manuscritos. Vivaldi se compuso rápidamente. Se publican sus sonatas solistas y conciertos. Para el conservatorio creó su primer oratorio, "Moisés, dios del faraón", y preparó su primera ópera, "Ottone en la Villa", que se representó con éxito en 1713 en Vicenza. Durante los siguientes tres años, crea tres óperas más. Luego viene un descanso. Vivaldi escribió con tanta facilidad que incluso él mismo lo notó a veces, como en el manuscrito de la ópera "Tito Manlio" (1719): "trabajó en cinco días". En 1716, Vivaldi creó uno de sus mejores oratorios para el conservatorio: “Judit triunfante, derrotando a Holofernes de los bárbaros”. La música atrae por su energía y alcance y al mismo tiempo por su sorprendente colorido y poesía. Ese mismo año, durante las celebraciones musicales en honor a la llegada del duque de Sajonia a Venecia, se invitó a actuar a dos jóvenes violinistas: Giuseppe Tartini y Francesco Veracini. El encuentro con Vivaldi tuvo un profundo impacto en su obra, especialmente en los conciertos y sonatas de Tartini. Tartini decía que Vivaldi era un compositor de conciertos, pero pensaba que era un compositor de ópera por vocación. Tartini tenía razón. Las óperas de Vivaldi están hoy olvidadas. Las actividades docentes de Vivaldi en el conservatorio fueron teniendo poco a poco un éxito. Otros violinistas también estudiaron con él: J.B. Somis, Luigi Madonis y Giovanni Verocai, que sirvieron en San Petersburgo, Carlo Tessarini, Daniel Gottlob Troy, director de orquesta en Praga. Estudiante del conservatorio, Santa Tasca se convirtió en concertista de violín y luego en músico de la corte de Viena; También actuó Hiaretta, con quien estudió el destacado violinista italiano G. Fedeli. Además, Vivaldi resultó ser un buen profesor de canto. Su alumna Faustina Bordoni recibió el sobrenombre de “Nueva Sirena” por la belleza de su voz (contralto). El alumno más famoso de Vivaldi fue Johann Georg Pisendel, concertino de la Capilla de Dresde. En 1718, Vivaldi aceptó inesperadamente una invitación para trabajar como director de la capilla del Landgrave en Mantua. Aquí representó sus óperas, creó numerosos conciertos para la capilla y dedicó una cantata al Conde. En Mantua conoció a su antigua alumna, la cantante Anna Giraud. Se comprometió a desarrollarlo. habilidades vocales, lo logró, pero se interesó seriamente en ello. Giraud se convirtió en un cantante famoso y cantó en todas las óperas de Vivaldi. En 1722, Vivaldi regresó a Venecia. En el conservatorio, ahora debe componer dos conciertos instrumentales al mes y realizar 3 o 4 ensayos con los estudiantes para aprenderlos. En caso de salida, debía enviar los conciertos por mensajería. Ese mismo año creó Doce Conciertos, que comprendía el op. 8 - “Una Experiencia de Armonía y Fantasía”, que incluye las famosas “Estaciones” y algunos otros conciertos programados. Fue publicado en Amsterdam en 1725. Los conciertos se extendieron rápidamente por toda Europa y el Four Seasons ganó una enorme popularidad. Durante estos años, la intensidad de la creatividad de Vivaldi fue excepcional. Sólo para la temporada 1726/27 creó ocho nuevas óperas, decenas de conciertos y sonatas. A partir de 1735 comenzó la fructífera colaboración de Vivaldi con Carlo Goldoni, en cuyo libreto creó las óperas “Griselda”, “Aristide” y muchas otras. Esto también afectó a la música del compositor, en cuya obra se manifiestan más claramente los rasgos de la ópera buffa y los elementos folclóricos. Poco se sabe sobre el intérprete Vivaldi. Como violinista, actuó muy raramente, solo en el Conservatorio, donde a veces tocaba sus conciertos y, a veces, en la ópera, donde actuaba solos de violín o cadencias. A juzgar por las grabaciones conservadas de algunas de sus cadencias, sus composiciones, así como por los testimonios fragmentarios de sus contemporáneos sobre su forma de tocar que han llegado hasta nosotros, fue un violinista destacado que controlaba magistralmente su instrumento. Como compositor pensaba como un violinista. El estilo instrumental brilla en su creatividad operística, obras de oratorio. El hecho de que fue un violinista destacado también lo demuestra el hecho de que muchos violinistas en Europa quisieron estudiar con él. Las características de su estilo interpretativo ciertamente se reflejan en sus composiciones. El legado creativo de Vivaldi es enorme. Ya se han publicado más de 530 de sus obras. Escribió alrededor de 450 conciertos diferentes, 80 sonatas, alrededor de 100 sinfonías, más de 50 óperas y más de 60 obras espirituales. Muchos de ellos aún permanecen manuscritos. La editorial Ricordi ha publicado 221 conciertos para violín solo, 26 conciertos para 2-4 violines, 6 conciertos para viola d Cupido, 11 conciertos para violonchelo, 30 sonatas para violín, 19 sonatas para trío, 9 sonatas para violonchelo y otras obras, incluso para instrumentos de viento. En cualquier género que tocara el genio de Vivaldi, se abrían posibilidades nuevas e inexploradas. Esto ya era evidente en su primera obra. Las doce sonatas en trío de Vivaldi se publicaron por primera vez como op. 1, en Venecia en 1705, pero fueron compuestos mucho antes; Esta obra probablemente incluyó obras seleccionadas de este género. En estilo se acercan a Corelli, aunque también revelan algunos rasgos individuales. Es interesante que, tal como ocurre en el op. 5 Corelli, la colección de Vivaldi termina con diecinueve variaciones sobre el entonces popular tema de la folia española. Cabe destacar la diferente presentación (melódica y rítmica) del tema en Corelli y Vivaldi (este último es más estricto). A diferencia de Corelli, que solía distinguir entre estilos de cámara y de iglesia, Vivaldi ya en su primera obra ofrece ejemplos de su entrelazamiento e interpenetración. En términos de género, siguen siendo más bien sonatas de cámara. En cada uno de ellos se destaca la parte del primer violín y se le da un carácter virtuoso y más libre. Las sonatas se abren con exuberantes preludios de carácter lento y solemne, a excepción de la Décima Sonata, que comienza con un baile rápido. Las partes restantes son casi todas de género. Aquí hay ocho allemandes, cinco jigs, seis campanadas, que se reinterpretan instrumentalmente. La gavota solemne de la corte, por ejemplo, la utiliza cinco veces como final rápido en tempo Allegro y Presto. La forma de las sonatas es bastante libre. La primera parte da un tono psicológico al conjunto, tal como lo hizo Corelli. Sin embargo, Vivaldi rechaza además la parte de fuga, la polifonía y la elaboración, y se esfuerza por lograr una dinámica movimiento de danza. A veces, todas las demás partes transcurren casi al mismo tempo, violando así el antiguo principio de tempos contrastantes. Ya en estas sonatas se puede sentir la imaginación más rica de Vivaldi: ninguna repetición de fórmulas tradicionales, melodía inagotable, deseo de protagonismo, entonaciones características, que luego serían desarrolladas por el propio Vivaldi y otros autores. Así, el comienzo de la Tumba de la segunda sonata aparecerá luego en las “Estaciones”. La melodía del preludio de la undécima sonata quedará reflejada en el tema principal del Concierto para dos violines de Bach. Características También hay amplios movimientos de figuración, repetición de entonaciones, como si fijaran el material principal en la mente del oyente, y una implementación consistente del principio de desarrollo secuencial. La fuerza y la inventiva del espíritu creativo de Vivaldi se demostraron especialmente en el género de concierto. Es en este género donde se escribieron la mayoría de sus obras. Al mismo tiempo, en el patrimonio del concierto. maestro italiano obras escritas en forma de concierto grosso y en forma de concierto en solitario. Pero incluso en aquellos de sus conciertos que gravitan hacia el género del concerto grosso, la individualización de las partes del concierto se siente claramente: a menudo adquieren un carácter de concierto, y entonces no es fácil trazar la línea entre un concerto grosso y un concierto para solista. . compositor violín vivaldi Capítulo II. La herencia creativa de A. Vivaldi. Análisis de las obras más famosas del compositor. 1 "Estaciones" Ciclo de cuatro conciertos para violín solo con orquesta de cuerdas y el platillo “The Seasons” fue escrito presumiblemente en 1720-1725. Estos conciertos se incluyeron posteriormente en el opus 8, “La controversia de la armonía con la invención”. Como escribe N. Harnoncourt, el compositor recopiló y publicó aquellos de sus conciertos que podrían combinarse con un título tan sonoro. El concierto "Primavera", como los otros tres conciertos "Cuatro Estaciones", está escrito en tres partes, cuyo establecimiento en la historia de la música está asociado precisamente con el nombre de A. Vivaldi. Los movimientos extremos son rápidos y están escritos en la antigua forma de concierto. La segunda parte es lenta, con una melodía melodiosa, escrita en la antigua forma de dos partes. Para la composición de la primera parte del concierto, la actividad y la energía del movimiento inherentes al tema principal son de suma importancia. Repitiéndose más de una vez en el Allegro, como si regresara en círculo, parece estimular el movimiento general dentro de la forma y al mismo tiempo la mantiene unida, conservando la impresión principal. La actividad dinámica de las primeras partes del ciclo se contrasta con la concentración de las partes lentas con la unidad interna de su temática y una mayor sencillez de composición. En este marco, los numerosos Largos, Adagios y Andantes de los conciertos de Vivaldi están lejos de ser del mismo tipo. Pueden ser tranquilamente idílicos en varias opciones, en particular, son pastorales, destacan por su amplitud lírica e incluso en el género siciliano pueden transmitir una tensión constreñida de sentimientos o, en forma de pasacalles, encarnar la severidad del dolor. El movimiento de la música en los centros líricos es más unidimensional (los contrastes internos no son característicos ni de la temática ni de la estructura en su conjunto), más tranquilo, pero sin duda está presente aquí en Vivaldi: en el amplio despliegue del melodicismo lírico, en el contrapunteo expresivo de las voces superiores, como a dúo (llamado Siciliana), en el desarrollo variacional de la pasacalle. El tema temático de los finales, por regla general, es más simple, internamente homogéneo y más cercano a los orígenes del género folclórico que el tema temático del primer Allegro. Movimiento rápido en 3/8 o 2/4, frases cortas, ritmos agudos (baile, sincopado), entonaciones ardientes “al gusto lombardo”: aquí todo es desafiantemente vital, a veces divertido, a veces scherzo, a veces bufón, a veces tormentoso, a veces dinámicamente pintoresco. Sin embargo, no todos los finales de los conciertos de Vivaldi son dinámicos en este sentido. Final en concierto grosso op. 3 No. 11, donde está precedido por la mencionada Siciliana, está impregnado de ansiedad y es inusual por la agudeza de sus sonidos. Los violines solistas comienzan a liderar una presentación imitativa de un tema alarmante y uniformemente pulsante, y luego, a partir del cuarto compás, se marca en el bajo un descenso cromático con el mismo ritmo pulsante. Esto confiere inmediatamente a la dinámica del final del concierto un carácter lúgubre e incluso algo nervioso. En todas las partes del ciclo, la música de Vivaldi se mueve de manera diferente, pero su movimiento ocurre naturalmente tanto dentro de cada parte como en la relación entre las partes. Esto se debe tanto a la naturaleza misma del tematicismo como a la creciente madurez del pensamiento armónico-modal en la nueva estructura homofónica, cuando la claridad de las funciones modal y la claridad de la gravedad activan desarrollo musical. Esto también está enteramente relacionado con el sentido clásico de la forma característico del compositor, quien, sin siquiera evitar la fuerte intrusión de las entonaciones del género popular local, siempre se esfuerza por mantener la más alta armonía del conjunto en la alternancia de patrones contrastantes, en el escala de partes del ciclo (sin duración), en la plasticidad de su entonación que se despliega en la dramaturgia general del ciclo. En cuanto a los subtítulos del programa, sólo describían la naturaleza de la imagen o imágenes, pero no afectaban la forma del conjunto, no predeterminaban el desarrollo dentro de sus límites. El programa relativamente extenso incluye partituras de cuatro conciertos de la serie “Estaciones”: cada uno de ellos tiene su correspondiente soneto que revela el contenido de las partes del ciclo. Es posible que los sonetos fueran compuestos por el propio compositor. En cualquier caso, el programa declarado en ellos no requiere en absoluto repensar la forma del concierto, sino que “se curva” según esta forma. Las imágenes del movimiento lento y el final, con las peculiaridades de su estructura y desarrollo, eran generalmente más fáciles de expresar en poesía: bastaba con nombrar las imágenes mismas. Pero la primera parte del ciclo, el rondó de concierto, recibió una interpretación tan programática que no le impidió conservar su forma habitual y encarnar naturalmente en él la “trama” elegida. Esto sucedió en cada uno de los cuatro conciertos. En el concierto “Primavera”, el programa de la primera parte se revela en el soneto de esta manera: “Ha llegado la primavera, y los pájaros alegres la saludan con su canto, y los arroyos corren murmurando. El cielo se cubre de nubes oscuras, relámpagos y truenos también presagian la primavera. Y los pájaros vuelven a sus dulces cantos”. El tema ligero y fuerte de danza de acordes (tutti) determina el tono emocional de todo el Allegro: “Ha llegado la primavera”. Los violines de concierto (episodio) imitan el canto de los pájaros. Vuelve a sonar el “tema primaveral”. Un nuevo episodio de pasaje: una breve tormenta primaveral. Y de nuevo vuelve el tema principal del rondó “Ha llegado la primavera”. Así que ella domina todo el tiempo la primera parte del concierto, encarnando el alegre sentimiento de la primavera, y los episodios visuales aparecen como una especie de detalle. panorama general renovación primaveral de la naturaleza. Como puede ver, la forma rondó sigue estando en plena vigencia aquí y el programa se "divide" fácilmente en sus secciones. Parece que el soneto "Primavera" en realidad fue compuesto por un compositor que previó de antemano las posibilidades estructurales de su encarnación musical. En todas las segundas partes de “The Seasons” hay una unidad de textura en todo el movimiento (aunque el tamaño del movimiento no permite contrastes particulares). La pieza está escrita en la antigua forma de dos partes. En total, la textura tiene tres capas: superior - melódica - melodiosa, cantilen. Medio - relleno armónico - "susurro de hierba y follaje", muy silencioso, escrito en pequeñas duraciones de puntos, realizando ecos en tercios paralelos. El movimiento de las voces medias es principalmente parecido a un trino, en círculos. Además, los dos primeros tiempos del compás son un movimiento estático: un tercer “trino” que, aunque monótono, se mueve gracias a la exquisita línea de puntos. En el tercer tiempo, se activa el movimiento melódico; con esto parece preparar el tono del sonido del siguiente compás, creando un ligero "desplazamiento" o "balanceo" de la textura. Y el bajo, que enfatiza la base armónica, es rítmicamente característico y representa el "ladrido de un perro". Es interesante rastrear exactamente cómo pensaba Vivaldi sobre la estructura figurativa de los movimientos lentos en el ciclo de conciertos. La música Largo (cis-menor) del concierto “Primavera” corresponde a las siguientes líneas del soneto: “En un césped florido, bajo el susurro de los bosques de robles, un pastor de cabras duerme con un perro fiel a su lado”. Naturalmente, se trata de una pastoral en la que se desarrolla una única imagen idílica. Los violines de octava cantan una melodía tranquila, sencilla y de ensueño sobre un fondo poético de terceras oscilantes, y todo esto está matizado después del Allegro mayor por un suave paralelo menor, lo cual es natural para la parte lenta del ciclo. Para el final, el programa tampoco prevé ninguna variedad y ni siquiera detalla en lo más mínimo su contenido: “Las ninfas bailan al son de las gaitas de los pastores”. Movimientos ligeros, ritmos de danza, estilización de un instrumento folclórico: aquí todo puede no depender del programa, ya que suele ser para finales. En cada concierto de Las cuatro estaciones, el movimiento lento es monótono y destaca por su tranquilo pintoresquismo después del dinámico Allegro: una imagen de la languidez de la naturaleza y de todos los seres vivos en el calor del verano; el sueño tranquilo de los aldeanos después de la fiesta de la cosecha de otoño; "Es agradable sentarse junto a la chimenea y escuchar la lluvia golpear la ventana detrás de la pared", cuando el viento helado del invierno es feroz. El final de "Verano" es la imagen de una tormenta, el final de "Otoño" es "Caza". Esencialmente, las tres partes del ciclo de conciertos del programa mantienen las relaciones habituales en términos de su estructura figurativa, la naturaleza del desarrollo interno y las comparaciones contrastantes entre Allegro, Largo (Adagio) y el final. Y, sin embargo, los programas poéticos revelados en cuatro sonetos son interesantes porque parecen confirmar con la palabra del autor las impresiones generales de la imaginería del arte de Vivaldi y su posible expresión en su principal género de concierto. Por supuesto, el ciclo "Estaciones", un tanto idílico por la naturaleza de sus imágenes, revela sólo una pequeña parte de la obra del compositor. Sin embargo, su idilio estaba muy en el espíritu de sus contemporáneos y con el tiempo dio lugar a repetidas imitaciones de “Las Estaciones”, llegando incluso al punto de convertirse en curiosidades individuales. Pasaron muchos años y Haydn, ya en una etapa diferente del desarrollo del arte musical, encarnó el tema de las "estaciones" en un oratorio monumental. Como era de esperar, su concepto resultó ser más profundo, más serio, más épico que el de Vivaldi; abordó cuestiones éticas relacionadas con el trabajo y la vida gente común, cerca de la naturaleza. Sin embargo, los aspectos poéticos y pictóricos de la trama, que una vez inspiraron a Vivaldi, también atrajeron la atención creativa de Haydn: también tiene imágenes de una tormenta y una tormenta eléctrica en "Verano", "Festival de la cosecha" y "Caza" en "Otoño". contrastes de dificil camino de invierno y comodidad en el hogar en “Invierno”. 2. Concierto para violín “La menor” El tema del famoso concierto en menor (Op. 3 No. 6) podría haber abierto una fuga en su primera entonación, pero el flujo de repeticiones y secuencias posteriores le da dinámica de baile, a pesar de la tonalidad menor y su apariencia marcadamente memorable. Tal naturalidad de movimiento incluso dentro del primer tema, tal facilidad para combinar varias fuentes de entonación es una cualidad asombrosa de Vivaldi, que no lo deja en una escala mayor. Entre sus temas "principales" hay, por supuesto, más homogéneos en su composición entonativa. En un concierto en la menor, el tutti inicial se basa en brillantes entonaciones de fanfarria, repeticiones de sonidos y frases. Ya la fórmula inicial, caracterizada por la “perforación” de un sonido, se vuelve típica del compositor. El principio predominante es: “sin límites”. La dinámica extrema y la presión decidida ayudan a encarnar una imagen valiente y aspirante. Fortalecer el carácter competitivo, que da especial brillo a la música de los conciertos de Vivaldi, su género y carácter programático, el contraste no solo entre partes individuales del ciclo, sino también dentro de su primera parte principal (en Vivaldi suele asumir una ronda -forma en forma) con un marcado contraste entre tutti y soli, uso sutil medios de expresión tímbricos, dinámicos y rítmicos: todas estas características en su combinación armoniosa contribuyeron a fortalecer las características de la interpretación en concierto y aumentar el poder del impacto emocional en el oyente. Los contemporáneos ya enfatizaron en los conciertos de Vivaldi su expresividad inherente especial, su pasión y el uso generalizado del llamado "estilo lombardo". Si en sus sonatas Vivaldi desplaza el centro de gravedad hacia los movimientos medios, entonces en el concierto hay una clara tendencia a resaltar el primer movimiento como el principal y más significativo. En este sentido, el compositor complica un poco su estructura tradicional: dinamiza los episodios del primero al tercero, aumentando el significado, la escala y el carácter evolutivo - improvisacional. último episodio, interpretado como una repetición prolongada y dinamizada; se acerca a dos tinieblas, que es de naturaleza contrastante. En las partes medias, realza la profundidad psicológica de revelar el mundo interior de una persona; introduce elementos líricos en el final del género, como si dibujara una sola línea lírica. Todas estas características aquí reseñadas se revelarán íntegramente en los siguientes conciertos. En total, han sobrevivido unos 450 conciertos de Vivaldi; aproximadamente la mitad de ellos son conciertos escritos para violín solista y orquesta. Los contemporáneos de Vivaldi (I. Quantz y otros) no pudieron evitar prestar atención a las nuevas características que introdujo en estilo concierto Siglo XVIII, que atrajo su interés creativo. Baste recordar que J. S. Bach valoraba mucho la música de Vivaldi e hizo varias transcripciones de sus conciertos para teclado y órgano. Conclusión En su conjunto, los géneros instrumentales del siglo XVII y principios del XVIII, con sus diversos principios compositivos y técnicas especiales presentación y desarrollo, encarnó una amplia gama de imágenes musicales que antes eran inaccesibles a la música instrumental, y así la elevó al primer nivel alto, a la par de otros géneros de origen sintético. Lo más significativo, sin duda, fue que los logros de la música instrumental a principios del siglo XVIII (y en parte en sus primeras décadas) abrieron grandes perspectivas para su avance en una línea hacia la polifonía clásica de Bach, en otra, uno más extendido, a la sinfonía clásica de finales de siglo. En general, tanto el contenido figurativo de la música de Vivaldi como sus principales géneros, sin duda, reflejaban con gran plenitud las principales aspiraciones artísticas de su época, y no sólo de Italia. Los conciertos de Vivaldi, que se extendieron por toda Europa, tuvieron una influencia fructífera en muchos compositores y sirvieron como ejemplos del género de conciertos en general para sus contemporáneos. Al finalizar el trabajo de curso se logró el objetivo planteado, es decir, se estudió la interpretación del género instrumental de concierto en la obra de Antonio Vivaldi. También se cumplieron las tareas asignadas: se estudió la literatura sobre un tema determinado, se consideró a A. Vivaldi como representante de la escuela de violín italiana y se analizaron las obras más famosas del compositor. El estilo de Vivaldi es el mismo tipo de entonación, repetido de concierto en concierto con algunos cambios, "giros", pero siempre reconocible como típicamente "Vivaldi". Lo nuevo en el género de conciertos de Vivaldi estuvo determinado por la profundización contenido musical, su expresividad e imágenes, introduciendo elementos programáticos, estableciendo, por regla general, un ciclo tripartito (con una secuencia rápido-lento-rápido), fortaleciendo la interpretación real del concierto, interpretación de concierto de la parte solista, desarrollo del lenguaje melódico, motivo amplio. -Desarrollo temático, enriquecimiento rítmico y armónico. Todo esto estuvo impregnado y unido por la imaginación creativa y el ingenio de Vivaldi como compositor e intérprete. Conclusión 1.Barbier P. Venecia Vivaldi: Música y vacaciones de la época San Petersburgo, 2009. 280 p. 2.Boccardi V. Vivaldi. Moscú, 2007. 272 p. .Grigoriev V. Historia del arte del violín. Moscú, 1991. 285 p. 4.Livanova T. Historia de la música de Europa occidental hasta 1789. Volumen 1. Moscú, 1983. 696 p. .Panfilov A. Vivaldi. Vida y creatividad//Grandes compositores. No. 21. Moscú, 2006. 168 p. 6.Panfilov A. Vivaldi. Vida y creatividad//Grandes compositores. No. 4. Moscú, 2006. 32 p. .Tretiachenko V.F. “Escuelas” de violín: historia de la formación//Música y tiempo. No. 3. Moscú, 2006. 71 p.Obras similares a - Interpretación del género instrumental de concierto en la obra de Antonio Vivaldi
Antonio Vivaldi (1678-1741) es uno de los representantes destacados de la época barroca. Nació en Venecia, donde estudió por primera vez con su padre, violinista en la Capilla de San Pedro. Mark, luego mejoró con Giovanni Legrenzi. Dio numerosos conciertos en varios países europeos y se mostró muy entusiasmado con la enseñanza y la puesta en escena de sus óperas. Durante mucho tiempo fue profesor de violín en uno de los orfanatos venecianos para niñas huérfanas.
Vivaldi fue apodado “el sacerdote rojo” (Prete rosso) por el color de su cabello. De hecho, combinó la profesión de músico con los deberes de clérigo, pero luego fue despedido por comportamiento “ilegal” durante un servicio religioso. años recientes El compositor pasó su tiempo en Viena, donde murió en la pobreza.
El patrimonio creativo de Vivaldi abarca más de 700 títulos: 465 conciertos instrumentales (de los cuales cincuenta son grossi), 76 sonatas (incluidas las sonatas en trío), unas 40 óperas (uno de sus libretistas fue el famoso C. Goldoni), obras de cantata-oratorio, entre ellas textos espirituales. El principal significado histórico de su obra radica en la creación de un concierto instrumental solista.
Vivaldi, uno de los artistas más sensibles de su tiempo, fue uno de los primeros compositores en llevar la emocionalidad abierta, la pasión (afecto) y el sentimiento lírico individual a la vanguardia del arte. Bajo su indudable influencia, el tipo extremadamente típico de concierto de música barroca para varios solistas (concerto grosso) pasó a un segundo plano en la época clásica, dando paso a un concierto en solitario. La sustitución de un grupo de solistas por un solo grupo fue una expresión de tendencias homofónicas.
Fue Vivaldi quien desarrolló la estructura y el tema temático del recital del Barroco tardío. Bajo la influencia de la obertura de la ópera italiana, estableció un ciclo de conciertos de tres partes (rápido - lento - rápido) y ordenó la secuencia de tutti y solo basándose en la forma de concierto barroca.
La forma de concierto de la época barroca se basaba en la alternancia del ritornello (tema principal), repetido y transpuesto repetidamente, con episodios basados en nuevos temas melódicos, material figurativo o elaboración motívica del tema principal. Este principio le daba un parecido con un rondó. La textura se caracteriza por contrastes entre tutti orquestal y solo, correspondientes a la aparición del ritornello y los episodios.
Las primeras partes de los conciertos de Vivaldi son enérgicas, asertivas, variadas en textura y contrastes. La segunda parte lleva al oyente al ámbito de la letra. Aquí domina la canción, dotada de rasgos de improvisación. La textura es predominantemente homofónica. Los finales son brillantes, llenos de energía y completan el ciclo con un movimiento rápido y vivo.
La forma cíclica dinámica de tres movimientos de los conciertos de Vivaldi expresaba los ideales artísticos del arte del "contraste bien organizado". La lógica de su desarrollo figurativo revela la influencia del concepto estético general de la época barroca, que dividía el mundo humano en tres hipóstasis: Acción - Contemplación - Juego.
El concierto instrumental solista de Vivaldi se centra en un pequeño conjunto de instrumentos de cuerda dirigido por un solista. Puede ser un violonchelo, una viola damour, una flauta longitudinal o transversal, un oboe, un fagot, una trompeta e incluso una mandolina o un chal. Y, sin embargo, la mayoría de las veces el violín desempeña el papel de solista (unos 230 conciertos). La técnica del violín de los conciertos de Vivaldi es variada: pasajes rápidos, arpegios, trémolo, pizzicato, notas dobles (hasta las décimas más difíciles), scordatura, uso del registro más alto (hasta la posición 12).
Vivaldi se hizo famoso como un destacado experto en orquesta, inventor de muchos efectos colorísticos. Provisto de sentido agudo color del sonido, recurrió libremente a muchos instrumentos y sus combinaciones. Usó oboes, trompas, fagotes, trompetas y cor inglés no como voces de respaldo, sino como instrumentos melódicos independientes.
La música de Vivaldi absorbió elementos del colorido folclore musical veneciano, rico en melodiosas canzonas, barcarolas y ritmos de danza ardientes. El compositor estuvo especialmente dispuesto a confiar en la siciliana y utilizó ampliamente el compás de 6/8 típico de las danzas folclóricas italianas. Utilizando a menudo una estructura armónica de acordes, utilizó magistralmente técnicas de desarrollo polifónico.
Al lanzar sus conciertos en series de 12 o 6 obras, Vivaldi también dio designaciones generales para cada serie: “Inspiración armónica” (op. 3), “Extravagancia” (op. 4), “Cítara” (op. 9).
A Vivaldi se le puede llamar el fundador del software. música orquestal. La mayoría de sus conciertos tienen un programa específico. Por ejemplo: “Caza”, “Tormenta en el mar”, “Pastora”, “Descanso”, “Noche”, “Favorito”, “Jilguero”.
Los conciertos para violín de Vivaldi pronto se hicieron ampliamente conocidos en Europa occidental y especialmente en Alemania. El gran J. S. Bach, “por placer e instrucción”, arregló personalmente nueve conciertos para violín de Vivaldi para clave y órgano. Gracias a estos músicos, Vivaldi, que nunca había estado en tierras del norte de Alemania, resultó ser, en el pleno sentido de la palabra, el “padre” del instrumentalismo alemán del siglo XVIII. Los conciertos de Vivaldi, que se extendieron por toda Europa, sirvieron como ejemplos del género de concierto para sus contemporáneos. Así, el concierto para clave se desarrolló bajo la indudable influencia artística del concierto para violín (un ejemplo convincente puede ser el de).
El estilo único de Vivaldi revolucionó el mundo musical europeo de principios del siglo XVIII. Este brillante italiano hizo hablar a toda Europa de “gran música italiana”.
Antonio Vivaldi nació en Venecia el 4 de marzo de 1678. Su padre Giovanni Battista (apodado "Rojo" por su color de pelo intenso), hijo de un panadero de Brescia, se mudó a Venecia hacia 1670. Allí trabajó durante algún tiempo como panadero y luego dominó la profesión de barbero. En su tiempo libre para ganarse el pan de cada día, Giovanni Battista tocaba el violín. Y resultó ser un músico tan talentoso que
En 1685, el famoso Giovanni Legrenzi, director de orquesta de la Catedral de St. Mark, lo aceptó en su orquesta.
El primero y más famoso de los seis hijos de Giovanni Battista Vivaldi y Camilla Calicchio, Antonio Lucio, nació prematuramente debido a un terremoto repentino. Los padres del niño vieron el nacimiento de una nueva vida en circunstancias tan extrañas como una señal de lo alto y decidieron que Antonio debería convertirse en sacerdote.
Cuando el futuro gran compositor tenía 15 años, le afeitaron la tonsura (símbolo de la corona de espinas) y el 23 de marzo de 1703 fue ordenado sacerdote Antonio Vivaldi, de veinticinco años. Sin embargo, no sintió un deseo sincero de ser sacerdote y pronto dejó de celebrar misa. Aunque, como testifica Carlo Goldoni, Vivaldi leyó su libro de oraciones todos los días a lo largo de su vida.
Antonio heredó de su padre no solo el color de su cabello (bastante raro entre los italianos), sino también un gran amor por la música, especialmente por tocar el violín. El propio Giovanni Battista dio a su hijo sus primeras lecciones y lo llevó a su puesto en la orquesta de la Catedral de San Pedro. Marca. Antonio estudió composición y aprendió a tocar el clavecín y la flauta. En septiembre de 1703, Vivaldi comenzó a enseñar música en el orfanato para niñas Ospe Dale della Pietà.
El refugio "Ospedale della Pietà" (literalmente "hospital de la compasión") existe desde 1348 y siempre fue famoso por la educación integral (incluida la musical) que recibían sus alumnos.
F. Guardi. Vista del Puente de Rialto desde el Gran Canal. Siglo XVIII.
Vivaldi estuvo asociado a esta institución durante casi toda su vida. También hay que decir que la actividad docente del compositor no se limitó a trabajar como “maestro di violino”, es decir, profesor de violín. Vivaldi dio clases privadas a cantantes y les enseñó a tocar la viola. Además, dirigió la orquesta en ensayos y conciertos cuando el director titular no estaba presente. Y escribía música incansablemente.
Primeras publicaciones
En 1705, el editor veneciano Giuseppe Sala publicó la primera colección de sonatas para tres instrumentos (dos violines y bajo) de Antonio Vivaldi. La siguiente “parte” de las sonatas para violín de Vivaldi fue publicada cuatro años después por Antonio Bortoli.
Pronto las obras del “sacerdote rojo” (como apodaron a Vivaldi el Joven los mismos bromistas venecianos que antes le habían dado el sobrenombre)
"Rojo" para su padre) ganó una popularidad extraordinaria.
En tan sólo unos años, Antonio Vivaldi se convirtió en el compositor para violín más famoso de Europa. Su fama y su increíble éxito se evidencian en el siguiente hecho: en 1711-1729. En Ámsterdam se publicaron doce colecciones de música instrumental de Vivaldi, entre ellas Ligo archoso (“Inspiración armónica”), La piçaranga (“Caprichos”) y II skhyanno oeP"archosha e oeP"tueshupe (“Experiencia de armonía y fantasía”), una obra, que incluye el famoso Le quattro 81a§yush (“Cuatro estaciones” o simplemente “Estaciones”). Posteriormente, las obras de Vivaldi fueron publicadas en
Londres y París, los entonces centros editoriales de Europa.
compositor secular
En 1713, en Vicenza, Vivaldi presentó al público su primera ópera.
Arriba: Antonio Vivaldi. Caricatura de P. L. Ghezzi. 1723
Abajo: G. Bella. Fiesta de la Ascensión en la Plaza de San Marcos en Venecia.
Cronología de la vida
1693 Recibe tonsura.
1703 Se ordena. Ingresa en el Ospedale della Pietà como profesora de violín y compositora.
1711 El editor de Amsterdam E. Roger publica el primer concierto de Vivaldi del ciclo C^go armonico. El nombre del compositor se hace ampliamente conocido.
1713 Vivaldi debuta en Vicenza como compositor de ópera (con la ópera “Disciplina en la Villa”).
1718 Se traslada a Mantua y entra al servicio del príncipe Felipe.
1720 Regresa a Venecia.
1727 Publicación de II Ytpepkz sSeN"ag-gtyusha e sSeSht/enEyupe, que contiene las famosas "Cuatro estaciones".
1730-38 Vivaldi viaja extensamente por Europa dirigiendo sus obras.
1740 Abandona finalmente el Ospedale della Pietà y parte hacia Viena.
1741 Enfermedad repentina y muerte del compositor.
Tras su muerte, Vivaldi fue casi olvidado. Su herencia creativa fue verdaderamente descubierta en el siglo XX. De los 450 conciertos que conocemos hoy, sólo unos 80 vieron la luz durante la vida del compositor.
La gran cantidad de obras de Vivaldi que nos han llegado en forma manuscrita incluyen no solo conciertos instrumentales(para violín, violonchelo, flauta, trompa, oboe, mandolina, trompa, etc.), pero también sonatas, cantatas y 48 óperas.
"Escapar a la villa." Durante los siguientes cinco años publicó cinco óperas más, que conquistaron los mayores teatros venecianos. Vivaldi se estaba transformando rápidamente de un “sacerdote pelirrojo” completamente modesto a un brillante compositor secular.
A principios de 1718 recibió una invitación para servir como director de orquesta en la corte de Mantua. El compositor permaneció aquí hasta 1720, es decir, hasta la muerte de la esposa de su patrón, el príncipe Felipe. Y aquí, en Mantua, Vivaldi conoció a la cantante Anna Giraud, propietaria de una preciosa contralto. Primero fue su alumna, luego la intérprete principal de sus óperas y finalmente, ante la indignación de todos, se convirtió en su amante.
Al regresar a Venecia, Vivaldi se dedicó por completo a las actividades teatrales. Probó suerte como autor y como empresario. En 1720-1730 Vivaldi es conocido en toda Italia. Su fama alcanzó tales proporciones que incluso fue invitado a dar un concierto delante del mismísimo Papa.
Da la impresión de que Vivaldi estaba en constante movimiento y escribió sus obras invariablemente talentosas en algún lugar del camino de Verona a Mantua. Él, sin embargo, no se vio agobiado por la vida nómada y siempre fue tranquilo. Así, en 1738, el compositor vino a Ámsterdam sólo para dirigir la orquesta en la celebración del centenario del teatro, y un año más tarde viajó con Anna Giraud a Graz, donde el cantante recibió un contrato para toda la temporada.
Atardecer en Viena
En 1740, Vivaldi finalmente abandonó su trabajo en el Ospedale della Pietà y se fue a Viena, a la corte del emperador Carlos VI, su antiguo y, sobre todo, poderoso admirador.
Obras destacadas
Ciclos de conciertos:
L "estro armonico op. 3 La stravaganza op. 4 II cimento dell"armonia e dell"inven-
sión op. 8 La cetra op. 9
Seis conciertos para flauta
y cuerda op. 10 Seis conciertos para violín
y cuerda op. 11 Seis conciertos para violín
y cuerda op. 12
Obras para orquesta:
Al Santo Sepolcro RV 169 Concierto madrigalesco RV 129
Conciertos instrumentales solistas:
La pastorella para flauta RV 95 II sospetto para violín RV 199 L"inquietudine para violín RV 234 II ritiro para violín RV 256 L"amoroso para violín RV 271 II rosignuolo para violín RV 335 L"ottavina para violín RV 763 II Carbonelli para violín RV 366 Concierto para mandolina RV425 Concierto para oboe RV 447 La notte para fagot RV 501
Conciertos dobles:
Concierto para dos mandolinas RV 532 Concierto para dos trompetas RV 537 Concierto para dos oboes
y dos clarinetes RV 559 Concierto fúnebre RV 579
Música sacra:
Gloria (para solistas)
instrumentos, coro y orquesta)
RV589 Judit Triunfante
(para instrumentos solistas,
coro y orquesta) RV 644
Otto en la Villa RV 729 La verdad en la prueba RV 739
Pero, por desgracia, los planes color de rosa del gran compositor no estaban destinados a hacerse realidad. Al llegar a Viena, ya no encontró vivo al monarca. Además, en ese momento la popularidad de Vivaldi había comenzado a declinar. Las preferencias del público cambiaron y la música barroca rápidamente se encontró en la periferia de la moda.
El músico de sesenta y tres años, que nunca había gozado de buena salud, no pudo recuperarse de estos golpes del destino y enfermó de una enfermedad desconocida.
Vivaldi murió el 28 de julio de 1741 en Viena a causa de una “inflamación interna” (como estaba escrito en el protocolo del funeral), en brazos de su alumna y amiga Anna Giraud. Funeral del P. Longhi. Concierto. Eran modestos: sólo sonaron unas pocas campanas y la procesión estaba formada únicamente por personas contratadas para transportar el ataúd.
Nos han llegado testimonios de contemporáneos sobre la muerte de Vivaldi. Uno de ellos es: “Padre Don Antonio
Vivaldi, el incomparable violinista, apodado “el sacerdote rojo”, muy apreciado por sus conciertos y otras composiciones, ganó 50 mil ducados durante su vida, pero debido a una extravagancia inconmensurable murió en la pobreza en Viena.
cuatro estaciones
Vivaldi escribió sus cuatro famosos conciertos para violín, cuerdas y bajo continuo, incluidos en el ciclo II seto con!eІІ"agggupia e Seii"ipupengiope (publicado en 1722 en Ámsterdam), inspirados en cuatro sonetos de un poeta desconocido, que llevan el nombre de las estaciones. .
El enérgico Allegro con el que comienza “Primavera” ilustra las siguientes líneas del soneto correspondiente: “Ha llegado la primavera, y los pájaros la saludan con alegres cantos, y los ríos llevan sus aguas, murmurando suavemente. Las nubes cubren el cielo con un manto negro, los truenos y relámpagos presagian una tormenta, pero pronto los pájaros, como si la detuvieran, comienzan de nuevo su encantador canto”.
La segunda parte, Largo, cautiva al oyente con una imagen pastoral ("Y luego, en un prado florido, en el dulce susurro de las hojas y la hierba, duerme un pastor, y a sus pies hay un perro fiel"), y el Allegro final se parece a un baile de pueblo trepidante ("Las ninfas bailan al son de las gaitas, y el pastor baila, y sobre ellas el cielo despejado de la primavera cobra fuerza").
N. Poussin. Estaciones: Primavera o Paraíso Terrenal.
N. Poussin. Estaciones: Otoño o la Tierra Prometida.
Allegro non molto, la primera parte de “Verano”, pinta el cuadro de un día caluroso y una tormenta que se avecina: “Bajo los crueles rayos del sol abrasador, un hombre se debilita, el rebaño se dispersa. El cuco canta, la tórtola canta, sopla una ligera brisa... y el pastor llora, porque tiene miedo del cruel Bóreas y de su destino. El Adagio también está lleno de esta atmósfera de anticipación: “El miedo a los relámpagos y a los fuertes truenos, y el furioso zumbido de las moscas y los mosquitos, no da descanso al cansado”. Finalmente estalló una tormenta en Presto: “Ah, ay, no en vano tuvo miedo: el cielo amenazador retumba, centellea, la lluvia azota y la hierba de los campos se dobla”.
Adagio molto describe el “sueño de borrachera” de los aldeanos: “El aire es tan relajante que todos dejan de cantar y bailar... El otoño trae dulces sueños”. Y en el Allegro final ya se escuchan ecos de la caza: “Al amanecer sale el cazador con cuerno y perros. El animal salvaje se asusta con el ruido de los disparos y los ladridos de los perros; se cansa, se agota de tanto correr y, perseguido, muere”.
El último concierto del ciclo, “Invierno”, es el más expresivo. Allegro non molto representa al oyente a un viajero solitario: “En un escalofrío helado, entre la nieve fría, soplado viento fuerte, deambula, con los dientes castañeteando por el frío”. En Largo aparece el calor de un hogar cálido; Esta parte evoca pensamientos sobre lo agradable que es “pasar días tranquilos y dulces junto a la chimenea cuando la lluvia fuera de la ventana empapa al mundo entero”. Pero la paz y el confort en el hogar no duran para siempre. Los personajes principales de Allegro son el hielo y el viento. Rápidos pasajes del violín solista concluyen dramáticamente el concierto y todo el ciclo: “La gente camina lentamente sobre el hielo, con miedo de caerse, pisando con cuidado. Resbalan, caen, se levantan y vuelven a caminar... Un feroz siroco sopla detrás de las puertas de hierro. Esto es invierno".
Conciertos para instrumentos de viento
Antes de Vivaldi, los instrumentos de viento se consideraban primitivos, “ingratos” para el compositor. El brillante “sacerdote rojo” demostró que no es así.
Vivaldi fue uno de los primeros en dedicarse a componer música seria para instrumentos de viento. El oboe, la trompa, la trompeta y la flauta sonaron en sus conciertos de una manera completamente nueva, tan plena y armoniosa como nadie podría haber esperado. Vivaldi probablemente escribió su concierto para dos trompetas (publicado en 1729 en Ámsterdam) a petición de dos trompetistas que querían demostrar al público que se puede interpretar música brillante con la trompeta. Este concierto realmente requiere una habilidad notable por parte del intérprete. Por cierto, sigue siendo una especie de medida del virtuosismo de un trompetista.
Vivaldi también escribió mucho para fagot: solo se han conservado más de treinta conciertos para fagot y orquesta. Además, el compositor lo utilizó en casi todos los conciertos de cámara.
Pero entre los instrumentos de viento, Vivaldi dio la mayor preferencia a la flauta, una flauta delicada y "femenina", como la llamaban. Poseedor de una imaginación creativa inagotable, el compositor asignó a la flauta en sus composiciones precisamente aquellas partes en las que podía sonar con toda su voz y demostrar todos sus méritos.
Esto se ve especialmente claramente en dos conciertos para flauta y orquesta, publicados en Amsterdam en 1728. En la primera parte del concierto II dags!eshpo (“El jilguero”), la flauta, haciéndose eco de la orquesta, imita con sorprendente precisión los trinos del jilguero, y en el concierto 1_a pope (“La noche”) sumerge al oyente en una atmósfera inestable. , brumoso mundo de sueños.
F. Guardi. Damas bailarinas en el Casino dei Filarmonici.
Los conciertos para violín y orquesta son el punto fuerte de Vivaldi. Sorprendieron y cautivaron a sus contemporáneos. Algunos vieron en ellos una manifestación de lo Divino, otros, un encanto diabólico.
No sería una gran exageración decir que fue Vivaldi quien creó el género del concierto. Por supuesto, existió antes que él, pero fue en su obra donde se moldeó hasta obtener una forma acabada, que posteriormente fue tomada como modelo por más de una generación de compositores europeos. "Marca de marca"
Vivaldi dispuso de tres acordes orquestales al inicio del concierto. El mordaz público veneciano los llamó “martillazos de Vivaldi”.
El ciclo 1_"evp-o aggtyupyuo (Inspiración armónica), publicado en 1711-1717 en Amsterdam, es uno de los ciclos de conciertos más famosos del legado de Vivaldi. Los doce conciertos de este ciclo se hicieron ampliamente conocidos incluso antes de su publicación. Y con Con la salida de I_"evp-o agtopiso el nombre del compositor se hizo famoso en toda Europa. El propio J. S. Bach realizó transcripciones para clavecín de varios conciertos.
El ciclo contiene cuatro conciertos para cuatro violines solistas, cuatro para dos y cuatro para uno. Por cierto, posteriormente Vivaldi ya no escribió (con una excepción) conciertos para cuatro violines solistas.
Los primeros oyentes de “Harmonic Inspiration” sintieron deleite y asombro. El deleite y el asombro todavía experimentan quienes escuchan І_ "еigo агtopіso por primera vez. Ya en nuestros días, un investigador escribió sobre este ciclo: “Parece que en una lujosa sala de la época barroca se abrieron ventanas y puertas, y la naturaleza libre entró con un saludo; la música suena con un patetismo orgulloso y majestuoso, aún no familiar en el siglo XVII: la exclamación de un ciudadano del mundo”.
A. Visentini. Concierto en un pequeño palacio (fragmento).