- Música del Renacimiento
Renacimiento del arte y la ciencia en los siglos XIV-XVI. Fue una época de grandes cambios, que marcó la transición del modo de vida medieval a la modernidad. La composición e interpretación musical adquirió especial significado durante este período. Los humanistas que estudiaron las antiguas culturas de Grecia y Roma declararon que componer música era una actividad útil y noble. Se creía que todo niño debería aprender a cantar y dominar los instrumentos musicales. Por este motivo, familias ilustres acogieron en sus casas a músicos para dar lecciones a sus hijos y entretener a los invitados.
La estética musical del Renacimiento fue desarrollada por compositores y teóricos con tanta intensidad como en otras formas de arte. Después de todo, así como Giovanni Boccaccio creía que Dante, con su obra, contribuía al regreso de las musas y daba vida a la poesía muerta, así como Giorgio Vasari hablaba del resurgimiento de las artes, así Josepho Zarlino escribió en su tratado “Establecimientos de la Armonía” (1588):
“Sin embargo, ya sea por culpa del tiempo o por negligencia humana, la gente empezó a conceder poco valor no sólo a la música, sino también a otras ciencias. Y exaltada a las mayores alturas, cayó a lo más bajo; y, después de que se le concedió un honor inaudito, comenzaron a considerarla lamentable, insignificante y tan poco reverenciada que incluso las personas cultas apenas la reconocían y no querían darle lo que le correspondía”.
A principios de los siglos XIII y XIV, se publicó en París el tratado "Música" del maestro de música John de Grohe, en el que revisó críticamente las ideas medievales sobre la música. Escribió: “Quienes tienden a contar cuentos de hadas decían que la música fue inventada por las musas que vivían cerca del agua. Otros decían que fue inventado por santos y profetas. Pero Boecio, un hombre importante y noble, tiene opiniones diferentes... Dice en su libro que el origen de la música fue descubierto por Pitágoras. La gente cantaba, por así decirlo, desde el principio, ya que la música les era innata por naturaleza, como afirman Platón y Boecio, pero los fundamentos del canto y de la música fueron desconocidos hasta la época de Pitágoras...”
Sin embargo, John de Groheo no está de acuerdo con la división de la música en tres tipos de Boecio y sus seguidores: música del mundo, música humana, música instrumental, porque la armonía provocada por el movimiento cuerpos celestes, nadie escuchó siquiera el canto de los ángeles; En general, “no es competencia de un músico interpretar cantos angelicales, a menos que sea teólogo o profeta”.
“Digamos, pues, que la música corriente entre los parisinos puede aparentemente reducirse a tres grandes divisiones. Una sección es música simple o civil (civilis), que también llamamos folk; la otra es música compleja (compuesta - composita), o correcta (aprendida - regularis), o canónica, que se llama mensural. Y la tercera sección, que sigue a las dos anteriores y en la que ambas se combinan en algo mejor, es música de iglesia, destinada a alabar al creador".
John de Grohe estaba adelantado a su tiempo y no tenía seguidores. La música, como la poesía y la pintura, adquirió nuevas cualidades sólo en el siglo XV y especialmente en el XVI, lo que fue acompañado por la aparición de cada vez más tratados de música nuevos.
Glarean (1488 - 1563), autor del ensayo sobre música "El hombre de las doce cuerdas" (1547), nació en Suiza, estudió en la Facultad de Arte de la Universidad de Colonia. El Maestro en Artes Liberales se dedica a la enseñanza de poesía, música, matemáticas, griego y latín en Basilea, lo que habla de los intereses apremiantes de la época. Aquí se hizo amigo de Erasmo de Rotterdam.
Glarean aborda la música, en particular la música religiosa, como los artistas que continuaron pintando cuadros y frescos en las iglesias, es decir, la música, como la pintura, debe, más allá de la didáctica y la reflexión religiosa, ante todo dar placer, ser la “madre de placer."
Glarean fundamenta las ventajas de la música monódica frente a la polifonía, mientras habla de dos tipos de músicos: fonos y sinfonistas: los primeros tienen una inclinación natural a componer una melodía, los segundos, a desarrollar una melodía para dos, tres o más voces.
Glarean, además de desarrollar la teoría de la música, también considera la historia de la música, su desarrollo, como resulta, en el marco del Renacimiento, ignorando por completo la música de la Edad Media. Fundamenta la idea de la unidad de la música y la poesía, la interpretación instrumental y el texto. En el desarrollo de la teoría musical, Glarean legitimó, con el uso de doce tonos, los modos eólico y jónico, fundamentando así teóricamente los conceptos de mayor y menor.
Glarean no se limita al desarrollo de la teoría musical, sino que examina el trabajo de los compositores modernos Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue. Habla de Josquin Despres con amor y deleite, como Vasari de Miguel Ángel.
Gioseffo Zarlino (1517 - 1590), cuya declaración ya conocemos, ingresó durante 20 años en la orden franciscana en Venecia con sus conciertos musicales y el florecimiento de la pintura, lo que despertó su vocación de músico, compositor y teórico de la música. En 1565 dirigió la capilla de St. Marca. Se cree que en el ensayo "Establecimiento de la armonía" Zarlino expresó los principios básicos en forma clásica. estética musical Renacimiento.
Zarlino, que habló del declive de la música, por supuesto, en la Edad Media, se basa en la estética antigua para desarrollar su doctrina sobre la naturaleza de la armonía musical. “En qué medida la música fue glorificada y venerada como sagrada, se evidencia claramente en los escritos de los filósofos y especialmente de los pitagóricos, ya que creían que el mundo fue creado de acuerdo con leyes musicales, que el movimiento de las esferas es la causa de la armonía y que nuestra El alma está construida según las mismas leyes, despierta con canciones y sonidos, y estos parecen tener un efecto vivificante en sus propiedades”.
Zarlino se inclina a considerar la música como la principal entre las artes liberales, así como Leonardo da Vinci exaltó la pintura. Pero esta pasión por determinados tipos de arte no debe confundirnos, porque estamos hablando de la armonía como categoría estética integral.
“Y si el alma del mundo (como algunos piensan) es armonía, ¿no puede nuestra alma ser la causa de toda armonía en nosotros y nuestro cuerpo no puede unirse con el alma en armonía, especialmente cuando Dios creó al hombre a semejanza del mundo mayor, llamado por los griegos cosmos, es decir, ornamento o adornado, y cuando creó una apariencia de un volumen menor, en contraste con el llamado mikrokosmos, es decir pequeño mundo? Está claro que tal suposición no carece de fundamento”.
En casa de Zarlino teología cristiana se convierte en estética antigua. La idea de la unidad del micro y macrocosmos da lugar a otra idea en él: sobre la proporcionalidad de la armonía objetiva del mundo y la armonía subjetiva inherente al alma humana. Destacando la música como principal arte liberal, Zarlino habla de la unidad de la música y la poesía, la unidad de la música y el texto, la melodía y la palabra. A esto se suma la “historia”, que anticipa o justifica el origen de la ópera. Y si hay danza, como sucederá en París, veremos nacer el ballet.
Se cree que fue Zarlino quien dio las características estéticas de mayor y menor, definiendo la tríada mayor como alegre y brillante, y la tríada menor, como triste y melancólica. También define el contrapunto como “un todo armónico que contiene varios cambios en sonidos o voces cantadas en un cierto patrón de correlación y con una cierta medida de tiempo, o que es una combinación artificial de diferentes sonidos llevados a consistencia”.
Josephfo Zarlino, al igual que Tiziano, con quien estuvo asociado, ganó gran fama y fue elegido miembro de la Academia de la Fama de Venecia. La estética aclara el estado de cosas de la música durante el Renacimiento. Fundador escuela veneciana La música fue Adrian Willaert (entre 1480/90 - 1568), holandés de nacimiento. Tsarlino estudió música con él. La música veneciana, como la pintura, se distinguía por una rica paleta sonora, que pronto adquirió rasgos barrocos.
Además de la escuela veneciana, las más importantes e influyentes fueron la romana y la florentina. El director de la escuela romana fue Giovanni Palestrina (1525 - 1594).
La comunidad de poetas, científicos humanistas, músicos y melómanos de Florencia se llama Camerata. Fue dirigido por Vincenzo Galilei (1533 - 1591). Pensando en la unidad de la música y la poesía, y al mismo tiempo con el teatro, con la acción en el escenario, los miembros de la Camerata crearon un nuevo género: la ópera.
Se considera que las primeras óperas son “Dafne” de J. Peri (1597) y “Eurídice” basada en textos de Rinuccini (1600). Aquí se hizo una transición de un estilo polifónico a uno homofónico. Aquí se representaron por primera vez el oratorio y la cantata.
La música de los Países Bajos de los siglos XV-XVI es rica en los nombres de grandes compositores, entre ellos Josquin Despres (1440-1524), sobre quien escribió Zarlino y que sirvió en la corte francesa, donde se desarrolló la escuela franco-flamenca. Se cree que el mayor logro de los músicos holandeses fue la misa coral a capella, correspondiente al auge de las catedrales góticas.
El arte del órgano se está desarrollando en Alemania. En Francia se crearon capillas en la corte y se organizaron festivales musicales. En 1581, Enrique III estableció el cargo de "Intendente Jefe de Música" en la corte. El primer "intendente jefe de música" fue el violinista italiano Baltazarini de Belgioso, quien puso en escena "The Queen's Comedy Ballet", un espectáculo en el que por primera vez la música y la danza se presentaban como acción escénica. Así surgió el ballet de corte.
Clément Janequin (c. 1475 - c. 1560), destacado compositor del Renacimiento francés, es uno de los creadores del género de la canción polifónica. Son obras a 4-5 voces, como canciones de fantasía. La canción polifónica profana, la chanson, se generalizó fuera de Francia.
Durante el Renacimiento, la música instrumental se desarrolló ampliamente. Entre los principales instrumentos musicales se encuentran el laúd, arpa, flauta, oboe, trompeta, órganos de diversos tipos (positivos, portátiles), variedades de clavecín; El violín era un instrumento popular, pero con el desarrollo de nuevas cuerdas. instrumentos de arco Al igual que la viola, es el violín el que se convierte en uno de los principales instrumentos musicales.
Si la mentalidad de la nueva era despierta primero en la poesía y recibe un desarrollo brillante en la arquitectura y la pintura, entonces la música, a partir de canción popular, impregna todos los ámbitos de la vida. Incluso la música religiosa ahora se percibe en mayor medida, como las pinturas de artistas sobre temas bíblicos, no como algo sagrado, sino como algo que trae alegría y placer, que preocupaba a los compositores, músicos y coros.
En una palabra, como en la poesía, en la pintura, en la arquitectura, se produjo un punto de inflexión en el desarrollo de la música, con el desarrollo de la estética y la teoría musical, con la creación de nuevos géneros, especialmente formas artísticas sintéticas, como la ópera y El ballet, que debería percibirse como renacentista, se transmitió durante siglos. La música del Renacimiento suena en la arquitectura como una armonía de las partes y del todo, inscrita en la naturaleza, tanto en los interiores de los palacios como en las pinturas, en las que siempre vemos una actuación, un episodio detenido, cuando las voces callan, y todos los personajes escucharon la melodía desvaída, que nosotros como si pudiéramos escuchar...
- Instrumentos musicales
Durante mucho tiempo, el sonido de la viola fue considerado un modelo de sofisticación en la música. Hay tres tipos principales en la familia de la viola. La viola da gamba es un instrumento grande que el intérprete colocaba verticalmente y presionaba desde los lados con los pies (la palabra italiana gamba significa "rodilla"). Otras dos variedades: viola da braccio (del italiano braccio - "antebrazo") y viol d'amour (francesa viole d'amour - "viola del amor") estaban orientadas horizontalmente y, cuando se tocaban, se presionaban hasta el hombro. La viola da gamba tiene un rango de sonido cercano al violonchelo, la viola da braccio está cerca del violín y la viol d'amour está cerca de la viola.
Entre los instrumentos pulsados del Renacimiento, el lugar principal lo ocupa el laúd (lutnia polaca, del árabe "alud" - "árbol"). Llegó a Europa desde Oriente Medio a finales del siglo XIV, y a principios del siglo XVI existía un enorme repertorio de este instrumento; En primer lugar, se cantaron canciones con acompañamiento de laúd. El laúd tiene un cuerpo corto; la parte superior es plana y la inferior parece un hemisferio. Al mástil ancho se le une un mástil, dividido por trastes, y la cabeza del instrumento está doblada hacia atrás casi en ángulo recto. Si lo desea, puede ver el parecido con un cuenco en el aspecto del laúd. Doce cuerdas se agrupan en pares y el sonido se produce tanto con los dedos como con una placa especial: un mediador.
En los siglos XV y XVI surgieron varios tipos de teclados. Los principales tipos de tales instrumentos (clavecín, clavicordio, platillo, virginel) se utilizaron activamente en la música del Renacimiento, pero su verdadero florecimiento llegó más tarde.
- Herramientas populares
En aquella época, a mucha gente le encantaba tocar la flauta dulce, la flauta y la trompeta. La música más compleja fue escrita para el recién creado clavicordio, virginel (un clavicémbalo inglés, que se distingue por su pequeño tamaño) y órgano. Al mismo tiempo, los músicos no se olvidaron de componer música más sencilla que no requiriera grandes habilidades interpretativas. Al mismo tiempo, se produjeron cambios en la escritura musical: los pesados tipos de imprenta de madera fueron reemplazados por tipos móviles de metal inventados por el italiano Ottaviano Petrucci. Las obras musicales publicadas se agotaron rápidamente, todas mas gente Comenzó a involucrarse en la música.
En el siglo XVI Aparecieron nuevos instrumentos musicales. Los más populares fueron aquellos que eran fáciles y sencillos de tocar para los amantes de la música, sin requerir ninguna habilidad especial.
Las más comunes eran las violas y las flores arrancadas afines. La viola fue la precursora del violín y era fácil de tocar gracias a los trastes (tiras de madera a lo largo del mástil) que te ayudaban a tocar las notas correctas. El sonido de la viola era tranquilo, pero sonaba bien en salas pequeñas. Con el acompañamiento de otro instrumento punteado con trastes, el laúd, cantaron, como lo hacen ahora con una guitarra.
En aquella época, a mucha gente le encantaba tocar la flauta dulce, la flauta y la trompeta. La música más compleja fue escrita para el recién creado clavicordio, virginel (un clavicémbalo inglés, que se distingue por su pequeño tamaño) y órgano. Al mismo tiempo, los músicos no se olvidaron de componer música más sencilla que no requiriera grandes habilidades interpretativas. Al mismo tiempo, se produjeron cambios en la escritura musical: los pesados tipos de imprenta de madera fueron reemplazados por tipos móviles de metal inventados por el italiano Ottaviano Petrucci. Las obras musicales publicadas se agotaron rápidamente y cada vez más personas comenzaron a involucrarse en la música.
- Breve descripción de la época por país.
Los Países Bajos son una región histórica en el noroeste de Europa que incluye áreas de la actual Bélgica, Holanda, Luxemburgo y el noreste de Francia. En el siglo XV Los Países Bajos han alcanzado un alto nivel económico y cultural y se han convertido en un próspero país europeo.
Fue aquí donde surgió la escuela polifónica holandesa, uno de los fenómenos más importantes de la música del Renacimiento. Para el desarrollo del arte en el siglo XV, la comunicación entre músicos de diferentes paises, influencia mutua de las escuelas creativas. La escuela holandesa absorbió las tradiciones de Italia, Francia, Inglaterra y los propios Países Bajos.
Sus representantes destacados: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (alrededor de 1400 - 27/11/1474, Cambrai), compositor franco-flamenco, uno de los fundadores de la escuela holandesa. Guillaume Dufay (hacia 1400-1474) sentó las bases de la tradición polifónica en la música holandesa. Nació en la ciudad de Cambrai en Flandes (una provincia del sur de los Países Bajos) y cantó en el coro de una iglesia desde muy temprana edad. Al mismo tiempo, el futuro músico tomó clases privadas de composición. A temprana edad, Dufay viajó a Italia, donde escribió sus primeras composiciones: baladas y motetes. En 1428-1437 se desempeñó como cantante en la capilla papal de Roma; Durante los mismos años viajó a Italia y Francia. En 1437 fue ordenado compositor. En la corte del duque de Saboya (1437-1439), compuso música para ceremonias y fiestas. Dufay gozaba de un gran respeto por parte de los nobles; entre sus admiradores se encontraba, por ejemplo, la pareja Medici (gobernantes de la ciudad italiana de Florencia). [Trabajó en Italia y Francia. En 1428-37 fue cantante de las capillas papales en Roma y otras ciudades italianas, y en 1437-44 sirvió con el duque de Saboya. Desde 1445, canónigo y director de actividades musicales de la catedral de Cambrai. Maestro de música sacra (misas a 3, 4 voces, motetes), así como profana (chansons francesas a 3, 4 voces, canciones italianas, baladas, rondós) géneros asociados a la polifonía popular y la cultura humanística del Renacimiento. El arte danés, que absorbió los logros del arte musical europeo, tuvo una gran influencia en el desarrollo posterior de la música polifónica europea. También fue un reformador de la notación musical (a D. se le atribuye la introducción de notas con cabezas blancas). Las obras completas de D. se publicaron en Roma (6 volúmenes, 1951-66).] Dufay fue el primero entre los compositores en comenzar a componer la misa como una composición musical integral. Crear música religiosa requiere un talento extraordinario: la capacidad de expresar conceptos abstractos e intangibles a través de medios materiales concretos. La dificultad es que tal composición, por un lado, no deja indiferente al oyente y, por otro lado, no distrae la atención del servicio y ayuda a concentrarse más profundamente en la oración. Muchas de las misas de Dufay son inspiradas y llenas de vida interior; parecen ayudar por un momento a levantar el velo de la revelación divina.
A menudo, al crear una misa, Dufay tomaba una melodía conocida a la que añadía la suya propia. Estos préstamos son característicos del Renacimiento. Se consideraba muy importante que la misa se basara en una melodía familiar que los fieles pudieran reconocer fácilmente incluso en una obra polifónica. A menudo se utilizaba un fragmento del canto gregoriano; Tampoco se excluyeron las obras seculares.
Además de música religiosa, Dufay compuso motetes basados en textos seculares. En ellos también utilizó complejas técnicas polifónicas.
Josquin Despres (1440-1521). Representante de la escuela polifónica holandesa de la segunda mitad del siglo XV. Estaba Josquin Despres (c. 1440-1521 o 1524), quien tuvo una gran influencia en el trabajo de los compositores de la siguiente generación. En su juventud sirvió como director de coro de una iglesia en Cambrai; tomó lecciones de musica en Okegem. A los veinte años, el joven músico llegó a Italia, cantó en Milán con los Duques Sforza (más tarde sirvió aquí el gran artista italiano Leonardo da Vinci) y en la capilla papal de Roma. En Italia, Despres probablemente comenzó a componer música. A principios del siglo XVI. se mudó a París. En ese momento, Despres ya era famoso y el rey francés Luis XII lo invitó al puesto de músico de la corte. A partir de 1503, Despres se instaló nuevamente en Italia, en la ciudad de Ferrara, en la corte del duque de Este. Despres compuso mucho y su música rápidamente ganó reconocimiento en los círculos más amplios: fue amada tanto por la nobleza como por la nobleza. gente común El compositor creó no solo obras eclesiásticas, sino también seculares. En particular, recurrió al género de la canción popular italiana: frottola (frottola italiana, de frotta - "multitud"), que se caracteriza por un ritmo de danza y. El ritmo rápido de Despres introdujo características de las obras seculares en la música de la iglesia: la entonación fresca y vivaz rompió el estricto desapego y evocó un sentimiento de alegría y plenitud de vida. Sin embargo, el sentido de la proporción del compositor nunca falló. pero éste es el secreto de la popularidad de sus creaciones.
Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Los contemporáneos más jóvenes de Guillaume Dufay fueron Johannes (Jean) Okeghem (hacia 1425-1497) y Jacob Obrecht. Al igual que Dufay, Okegem era de Flandes. Trabajó duro toda su vida; Además de componer música, se desempeñó como director de la capilla. El compositor creó quince misas, trece motetes y más de veinte canciones. Las obras de Okegöm se caracterizan por el rigor, la concentración y un largo desarrollo de suaves líneas melódicas. Prestó gran atención a la técnica polifónica, esforzándose por que todas las partes de la misa se percibieran como un todo. El estilo creativo del compositor también se puede ver en sus canciones: casi carecen de ligereza secular, su carácter recuerda más a motetes y, a veces, a fragmentos de misas. Johannes Okegem fue respetado tanto en su tierra natal como en el extranjero (fue nombrado consejero del rey de Francia). Jacob Obrecht fue director de coro en las catedrales de varias ciudades de los Países Bajos y dirigió capillas; Sirvió durante varios años en la corte del duque de Este en Ferrara (Italia). Es autor de veinticinco misas, veinte motetes y treinta canciones, aprovechando los logros de sus predecesores, Obrecht introdujo muchas cosas nuevas. la tradición polifónica Su música está llena de contrastes, audaz, incluso cuando el compositor recurre a géneros tradicionales de la iglesia.
La versatilidad y profundidad de la creatividad de Orlando Lasso. La historia de la música renacentista holandesa se completa con la obra de Orlando Lasso (nombre real Roland de Lasso, alrededor de 1532-1594), llamado por sus contemporáneos el “Orfeo belga” y el “Príncipe de la música”. Lasso nació en Mons (Flandes). Desde pequeño cantó en el coro de la iglesia, sorprendiendo a los feligreses con su maravillosa voz. Gonzaga, duque de la ciudad italiana de Mantua, escuchó accidentalmente al joven cantante y lo invitó a su propia capilla. Después de Mantua, Lasso trabajó brevemente en Nápoles y luego se mudó a Roma, donde recibió el puesto de director de la capilla de una de las catedrales. A la edad de veinticinco años, Lasso ya era conocido como compositor y sus obras tenían gran demanda entre los editores de música. En 1555 se publicó la primera colección de obras que contenía motetes, madrigales y canciones. Lasso estudió lo mejor de sus predecesores (compositores holandeses, franceses, alemanes e italianos) y aprovechó su experiencia en su obra. Siendo una persona extraordinaria, Lasso buscó superar la naturaleza abstracta de la música religiosa y darle individualidad. Para ello, el compositor utilizó en ocasiones motivos de género y cotidianos (temas de canciones populares, danzas), reuniendo así las tradiciones eclesiásticas y seculares. Lasso combinó la complejidad de la técnica polifónica con una gran emotividad. Tuvo especial éxito con los madrigales, cuyos textos revelaban el estado mental de los personajes, por ejemplo, "Las lágrimas de San Pedro" (1593), basado en poemas del poeta italiano Luigi Tranzillo. El compositor a menudo escribía para un gran número. de voces (cinco a siete), por lo que sus obras son difíciles de interpretar.
Desde 1556, Orlando Lasso vivió en Munich (Alemania), donde dirigió la capilla. Al final de su vida, su autoridad en los círculos musicales y artísticos era muy alta y su fama se extendió por toda Europa. La escuela polifónica holandesa tuvo una gran influencia en el desarrollo de la cultura musical europea. Los principios de la polifonía desarrollados por los compositores holandeses se volvieron universales, y los compositores ya en el siglo XX utilizaron muchas técnicas artísticas en su trabajo.
Francia.
Para Francia, los siglos XV y XVI se convirtieron en una era de cambios importantes: la Guerra de los Cien Años(1337-1453) con Inglaterra, a finales del siglo XV. se completó la unificación del estado; en el siglo XVI el país experimentó guerras religiosas entre católicos y protestantes. En un estado fuerte con monarquía absoluta Aumentó el papel de las celebraciones cortesanas y las fiestas folclóricas. Esto contribuyó al desarrollo del arte, en particular la música que acompañaba a tales eventos. Aumentó el número de conjuntos vocales e instrumentales (capillas y consortes), compuestos por un número importante de intérpretes. Durante las campañas militares en Italia, los franceses conocieron los logros de la cultura italiana. Sintieron y aceptaron profundamente las ideas del Renacimiento italiano: el humanismo, el deseo de armonía con el mundo circundante, de disfrutar la vida.
Si en Italia el Renacimiento musical se asoció principalmente con la misa, entonces los compositores franceses, junto con la música religiosa atención especial dedicado a la canción polifónica profana - chanson. El interés por él en Francia surgió en la primera mitad del siglo XVI, cuando se publicó una colección de obras musicales de Clément Janequin (hacia 1485-1558). Este compositor es considerado uno de los creadores del género.
Principales obras del programa coral de Clément Janequin (1475-1560). Cuando era niño, Janequin cantaba en el coro de una iglesia en su ciudad natal de Chatellerault (centro de Francia). Posteriormente, como sugieren los historiadores de la música, estudió con el maestro holandés Josquin Despres o con un compositor de su círculo. Después de recibir el sacerdocio, Janequin trabajó como regente (director de coro) y organista; luego fue invitado a servir por el duque de Guisa. En 1555 el músico se convirtió en cantante de la Capilla Real y en 1556-1557. - compositor de la corte real. Clément Janequin creó doscientas ochenta canciones (publicadas entre 1530 y 1572); Escribió música religiosa: misas, motetes, salmos. Sus canciones eran a menudo de naturaleza figurativa. Ante la mente del oyente pasan imágenes de batallas ("Batalla de Marignano", "Batalla de Renta", "Batalla de Metz"), escenas de caza ("La caza"), imágenes de la naturaleza ("Birdsong", "Ruiseñor ", "Lark" ), escenas cotidianas (“Charla de mujeres”). Con asombrosa claridad, el compositor logró transmitir la atmósfera de la vida cotidiana en París en la canción "Gritos de París": introdujo en el texto las exclamaciones de los vendedores ("¡Leche!" - "¡Pasteles!" - "¡Alcachofas!" - “¡Pescado!” - “¡Fósforos!” - “Palomas”) !" - "¡Zapatos viejos!" - "¡Vino!"). Janequin casi no utilizó temas largos y suaves para voces individuales ni técnicas polifónicas complejas, prefiriendo pasar lista, repeticiones y onomatopeyas.
Otra dirección de la música francesa está asociada con el movimiento de Reforma paneuropeo.
En los servicios religiosos, los protestantes franceses (hugonotes) abandonaron el latín y la polifonía. La música sacra ha adquirido un carácter más abierto y democrático. Uno de los más brillantes representantes de esta tradición musical fue Claude Gudimel (entre 1514 y 1520-1572), autor de salmos basados en textos bíblicos y corales protestantes.
Canción. Uno de los principales géneros musicales del Renacimiento francés es la chanson (chanson francesa - "canción"). Sus orígenes se encuentran en el arte popular (versos rimados de cuentos épicos con música), en el arte de los trovadores y trouvères medievales. En términos de contenido y estado de ánimo, la chanson podía ser muy diversa: había canciones de amor, canciones cotidianas, canciones humorísticas, canciones satíricas, etc. Los compositores tomaron como textos poemas populares y poesía moderna.
Italia.
Con la llegada del Renacimiento, la música cotidiana interpretada con diversos instrumentos se extendió por Italia; Surgieron círculos de amantes de la música. En el ámbito profesional surgieron dos de las escuelas más fuertes: la romana y la veneciana.
Madrigal. Durante el Renacimiento, aumentó el papel de los géneros seculares. En el siglo XIV. el madrigal apareció en la música italiana (del latín antiguo matricale - "canción en la lengua nativa"). Se formó sobre la base de canciones populares (de pastores). Los madrigales eran canciones a dos o tres voces, muchas veces sin acompañamiento instrumental. Fueron escritos sobre poemas de poetas italianos modernos que hablaban del amor; había canciones sobre temas cotidianos y mitológicos.
Durante el siglo XV, los compositores apenas recurrieron a este género; El interés por él revivió sólo en el siglo XVI. Un rasgo característico del madrigal del siglo XVI es la estrecha conexión entre música y poesía. La música siguió con flexibilidad el texto y reflejó los acontecimientos descritos en la fuente poética. Con el tiempo, se desarrollaron símbolos melódicos únicos, que denotan suaves suspiros, lágrimas, etc. En las obras de algunos compositores, el simbolismo era filosófico, por ejemplo, en el madrigal de Gesualdo di Venosa "Me estoy muriendo, infortunado" (1611).
El género floreció a finales de los siglos XVI y XVII. A veces, simultáneamente con la interpretación de una canción, se desarrollaba su trama. El madrigal se convirtió en la base de la comedia madrigal (composición coral basada en el texto de una obra de comedia), que preparó el surgimiento de la ópera.
Escuela polifónica romana. Juan de Palestrina (1525-1594). El director de la escuela romana fue Giovanni Pierluigi da Palestrina, uno de los más grandes compositores del Renacimiento. Nació en la ciudad italiana de Palestrina, de donde recibió su apellido. Desde pequeño, Palestrina cantó en el coro de la iglesia y, al llegar a la edad adulta, fue invitado al puesto de director de orquesta (líder del coro) en la Basílica de San Pedro en Roma; Más tarde sirvió en la Capilla Sixtina (la capilla de la corte del Papa).
Roma, el centro del catolicismo, atrajo a muchos músicos destacados. EN diferentes tiempos Aquí trabajaron los maestros polifonistas holandeses Guillaume Dufay y Josquin Despres. Su desarrollada técnica compositiva dificultaba en ocasiones la percepción del texto del servicio: se perdía detrás del exquisito entrelazamiento de voces y las palabras, de hecho, no eran audibles. Por lo tanto, las autoridades de la iglesia desconfiaban de tales obras y abogaron por el regreso de la monofonía basada en los cantos gregorianos. La cuestión de la admisibilidad de la polifonía en la música eclesiástica se discutió incluso en el Concilio de Trento de la Iglesia Católica (1545-1563). Cercano al Papa, Palestrina convenció a los líderes de la Iglesia de la posibilidad de crear obras en las que la técnica compositiva no interfiriera con la comprensión del texto. Como prueba, compuso la "Misa del Papa Marcello" (1555), que combina una polifonía compleja con un sonido claro y expresivo de cada palabra. Así, el músico “salvó” la música polifónica profesional de la persecución de las autoridades eclesiásticas. En 1577, el compositor fue invitado a discutir la reforma de la graduala, una colección de himnos sagrados de la Iglesia católica. En los años 80 Palestrina tomó las órdenes sagradas y en 1584 se convirtió en miembro de la Sociedad de Maestros de Música, una asociación de músicos que dependía directamente del Papa.
El trabajo de Palestrina está imbuido de una brillante cosmovisión. Las obras que creó asombraron a sus contemporáneos tanto por su mayor habilidad como por su cantidad (más de cien misas, trescientos motetes, cien madrigales). La complejidad de la música nunca ha sido un obstáculo para su percepción. El compositor supo encontrar un término medio entre la sofisticación de sus composiciones y su accesibilidad para el oyente. Palestrina vio su principal tarea creativa como desarrollar una completa gran trabajo. Cada voz en sus cantos se desarrolla de forma independiente, pero al mismo tiempo forma un todo con las demás y, a menudo, las voces forman sorprendentes combinaciones de acordes. A menudo, la melodía de la voz superior parece flotar por encima del resto, perfilando una “cúpula” de polifonía; Todas las voces se distinguen por la suavidad y el desarrollo.
La siguiente generación de músicos consideró el arte de Giovanni da Palestrina ejemplar y clásico. Muchos compositores destacados de los siglos XIX y VIII estudiaron sus obras.
Otra dirección de la música renacentista está asociada con el trabajo de los compositores de la escuela veneciana, cuyo fundador fue Adrian Willart (alrededor de 1485-1562). Sus alumnos fueron el organista y compositor Andrea Gabrieli (entre 1500 y 1520 - después de 1586), el compositor Cyprian de Pope (1515 o 1516-1565) y otros músicos. Mientras que las obras de Palestrina se caracterizan por la claridad y la estricta moderación, Willaert y sus seguidores desarrollaron un estilo coral exuberante. Para lograr un sonido envolvente y un juego de timbres, se utilizaron en las composiciones varios coros ubicados en diferentes lugares del templo. El uso del pase de lista entre coros permitió llenar el espacio de la iglesia con efectos sin precedentes. Este enfoque reflejaba los ideales humanistas de la época en su conjunto, con su alegría, libertad y la propia tradición artística veneciana, con su deseo de todo lo brillante e inusual. En la obra de los maestros venecianos, el lenguaje musical también se volvió más complejo: estaba lleno de audaces combinaciones de acordes y armonías inesperadas.
Una figura destacada del Renacimiento fue Carlo Gesualdo di Venosa (hacia 1560-1613), príncipe de la ciudad de Venosa, uno de los más grandes maestros del madrigal secular. Obtuvo fama como filántropo, laudista y compositor. El príncipe Gesualdo era amigo del poeta italiano Torquato Tasso; Quedan algunas cartas interesantes en las que ambos artistas abordan temas de literatura, música y bellas artes. Gesualdo di Venosa puso música a muchos de los poemas de Tasso; así aparecieron varios madrigales muy artísticos. Como representante del Renacimiento tardío, el compositor desarrolló nuevo tipo madrigal, donde los sentimientos eran lo primero: tormentoso e impredecible. Por tanto, sus obras se caracterizan por cambios de volumen, entonaciones similares a suspiros e incluso sollozos, acordes con sonidos agudos y cambios de tempo contrastantes. Estas técnicas dieron a la música de Gesualdo un carácter expresivo y un tanto extraño; asombró y al mismo tiempo atrajo a sus contemporáneos. El legado de Gesualdo di Venosa consta de siete colecciones de madrigales polifónicos; Entre las obras espirituales se encuentran los "Himnos Sagrados". Su música aún hoy no deja indiferente al oyente.
Desarrollo de géneros y formas de música instrumental. La música instrumental también está marcada por la aparición de nuevos géneros, entre los que destaca el concierto instrumental. El violín, el clavecín y el órgano se convirtieron gradualmente en instrumentos solistas. La música escrita para ellos brindó la oportunidad de demostrar el talento no solo del compositor, sino también del intérprete. Lo que se valoraba por encima de todo era el virtuosismo (la capacidad de afrontar las dificultades técnicas), que poco a poco se convirtió en un fin en sí mismo y un valor artístico para muchos músicos. Los compositores de los siglos XVII y XVIII no sólo componían música, sino que también tocaban instrumentos con maestría y se dedicaban a actividades docentes. El bienestar del artista dependía en gran medida del cliente específico. Por regla general, todo músico serio buscaba conseguir un lugar en la corte de un monarca o de un aristócrata rico (muchos miembros de la nobleza tenían sus propias orquestas o teatros de ópera) o en un templo. Además, la mayoría de los compositores combinaron fácilmente la música religiosa con el servicio a un mecenas secular.
Inglaterra.
La vida cultural de Inglaterra durante el Renacimiento estuvo estrechamente relacionada con la Reforma. En el siglo XVI el protestantismo se extendió por el país. La Iglesia católica perdió su posición dominante, la Iglesia Anglicana se convirtió en la iglesia estatal, que se negó a reconocer algunos de los dogmas (disposiciones fundamentales) del catolicismo; La mayoría de los monasterios dejaron de existir. Estos acontecimientos influyeron en la cultura inglesa, incluida la música. Se abrieron departamentos de música en las universidades de Oxford y Cambridge. En los salones nobles se tocaban instrumentos de teclado: virginel (un tipo de clavecín), órgano portátil (pequeño), etc. Eran populares las pequeñas composiciones destinadas a tocar música en casa. El representante más destacado de la cultura musical de esa época fue William Bird (1543 o 1544-1623), editor de partituras, organista y compositor. Bird se convirtió en el fundador del madrigal inglés. Sus obras se distinguen por la sencillez (evitó técnicas polifónicas complejas), la originalidad de la forma que sigue el texto y la libertad armónica. Todos los medios musicales están diseñados para afirmar la belleza y la alegría de la vida, en contraposición a la severidad y la moderación medievales. El compositor tuvo muchos seguidores en el género madrigal.
Bird también creó obras espirituales (misa, salmos) y música instrumental. En sus composiciones para virginal utilizó motivos de canciones y danzas populares.
El compositor realmente quería que la música que escribiera “llevara felizmente al menos un poco de ternura, relajación y entretenimiento”, como escribió William Byrd en el prefacio de una de sus colecciones de música.
etc.............
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Presentación para la lección.
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La lección se lleva a cabo para estudiantes de quinto grado en el segundo año de estudios de literatura musical.
Propósito de la lección: educación. cultura estetica estudiantes a través de la exposición a la música Renacimiento.
Objetivos de la lección:
- Dar una idea del papel de la música y la creación musical en la vida de la gente del Renacimiento;
- Conocimiento de instrumentos musicales, géneros, compositores del Renacimiento;
- Introducción a las obras musicales del Renacimiento europeo;
- Desarrollo de habilidades básicas de análisis musical auditivo;
- Desarrollar una comprensión de la relación. diferentes tipos letras;
- Fomentar la percepción emocional de las obras de arte;
- Desarrollo del pensamiento y el habla de los estudiantes;
- Ampliando tus horizontes.
Tipo de lección: Lección sobre cómo aprender un nuevo tema.
Equipo de lección: presentación multimedia, computadora.
Material musical:
- la pieza de W. Bird para la virginal "Volta";
- F. da Milano “Fantasia” No. 6 para laúd;
- Escena de la película "Elizabeth": La Reina baila la volta (vídeo);
- I. Alberti “Pavana y gallarda” (vídeo);
- Canción popular inglesa "Greensleeves";
- J.P. Palestrina "Misa del Papa Marcello", parte de "Agnus Dei";
- O. Lasso “Eco”;
- G. di Venosa madrigal “Moro, lazo, al mio duolo”;
- J. Peri Escena de la ópera “Eurídice”.
Progreso de la lección
I. Momento organizacional
II. Actualizando conocimientos
En la última lección hablamos de la cultura y la pintura del Renacimiento.
– ¿Cuál es otro nombre para esta época (“Renacimiento” en francés)?
–¿Qué siglos abarca el Renacimiento? ¿A qué época reemplazó?
– ¿De dónde viene el nombre de esta época? ¿Qué querían “revivir”?
– ¿En qué país comenzó el Renacimiento antes que en otros?
- Cual ciudad italiana¿Se llama "la cuna del Renacimiento"? ¿Por qué?
–¿Qué grandes artistas vivieron en Florencia? Recuerda su trabajo.
– ¿En qué se diferencian sus creaciones del arte medieval?
III. Aprendiendo un nuevo tema
Hoy nos vamos de nuevo al Renacimiento. Descubriremos cómo era la música en esta época. Conozcamos los instrumentos musicales del Renacimiento, veámoslos y escuchemos su sonido auténtico. También tenemos una reunión con compositores destacados El Renacimiento y sus obras maestras.
IV. Trabajar con una presentación
Diapositiva 1. Página delantera.
Diapositiva 2. El tema de nuestra lección es “Música del Renacimiento”. Marco temporal: siglos XIV-XVI.
Diapositiva 3. Epígrafe de la lección. ¿Cómo entiendes estas palabras?
... No hay ningún ser vivo en la tierra.
Tan duro, genial, infernalmente malvado,
Así que no pude ni por una hora
En él, la música hace una revolución.
(Guillermo Shakespeare)
Diapositiva 4. Durante el Renacimiento, el papel del arte en vida cultural sociedad. La educación artística se reconoce como un aspecto importante del desarrollo de una persona noble, una condición para una buena educación.
El control de la Iglesia sobre la sociedad se debilita y los músicos obtienen mayor libertad. La personalidad y la individualidad creativa del autor se hacen cada vez más evidentes en sus escritos. Durante el Renacimiento, el concepto mismo de “ compositor».
Se volvió muy importante para el desarrollo de la música. invención de la impresión musical a finales del siglo XV. En 1501, el editor italiano Ottaviano Petrucci publicó la primera colección para reproducir música en casa. Los nuevos trabajos se publicaron y distribuyeron muy rápidamente. Ahora cualquier habitante de una ciudad con ingresos medios podría comprar partituras. Como resultado, la creación de música urbana comienza a desarrollarse rápidamente y llega a más y más personas.
Diapositiva 5. Instrumentos musicales Renacimiento. Vientos, cuerdas, teclados.
Diapositiva 6. Laúd- el instrumento más querido del Renacimiento. Se refiere a instrumentos de cuerda pulsada. Al principio el laúd se tocaba con una púa, pero en el siglo XV empezaron a tocarlo con los dedos.
Diapositiva 7. Su cuerpo parece una pera cortada por la mitad. El laúd tiene un cuello corto con trastes, doblados en ángulo recto.
Diapositiva 8. El laúd vino de instrumento árabe llamado Al-ud (árabe, “árbol”). En el siglo VIII, el oud entró en Europa desde África del Norte durante la conquista árabe de España y echó raíces en la corte de muchos nobles españoles. Con el tiempo, los europeos añadieron trastes (divisiones en el diapasón) al oud y lo llamaron "laúd".
Diapositiva 9. Tanto hombres como mujeres tocaban el laúd.
Diapositiva 10. El laúd era compacto, liviano y podía llevarlo a todas partes.
Diapositiva 11. La música de laúd no se grabó con notas, sino con la ayuda de tablaturas. Mira: la tablatura de laúd consta de 6 líneas que indican cuerdas. Los números indican los trastes, las duraciones están en la parte superior.
Diapositiva 12. Instrumentos de cuerda frotada. Si el laúd lo tocaban personas de diferentes clases sociales, entonces sólo una persona muy rica podía permitirse un instrumento de la familia de las violas. Las violas eran caras, estaban hechas de maderas preciosas y decoradas con elegantes diseños y joyas. Las violas eran diferentes tamaños. En esta pintura, los ángeles tocan los tipos de violas más populares: da gamba y da braccia.
Diapositiva 13. Viola en italiano - "violeta". El sonido de la viola era muy agradable: suave, gentil y silencioso.
Diapositivas 14, 15. El nombre viola da braccia se traduce del italiano como "mano, hombro". Se llamaba así a las pequeñas violas que se sostenían al hombro al tocarlas.
Diapositiva 16. Viola da gamba - "pie". Era de gran tamaño y había que sujetarlo entre las rodillas o colocarlo en el muslo al jugar. Estas violas solían ser tocadas por hombres.
Diapositiva 17.¿Has notado a qué instrumentos clásicos se parecen mucho las violas? Para violines, violonchelos. Comparemos la viola da gamba con el violonchelo.
Un poco más tarde escucharemos el sonido de las violas.
Diapositiva 18.virginel. Instrumento de teclado rectangular, normalmente sin patas. Según el principio del dispositivo, fue uno de los predecesores del piano. Pero en términos de calidad de sonido se acercaba más al arpa y al laúd. Su timbre se distinguía por la suavidad y la ternura.
Diapositiva 19.¿Quién sabe lo que significa la palabra inglesa? virgen? Virgo, niña. ¿Adivina por qué este instrumento fue llamado "de niña"? La mayoría de las veces, la virginel era interpretada por jóvenes de noble cuna. Se sabe que incluso la reina Isabel I de Inglaterra amaba mucho a la virginel y la tocaba bien.
Diapositiva 20. William Bird– el más grande compositor inglés, organista y clavecinista de la época de Isabel. Nacido en 1543, fallecido en 1623. Se desempeñó como organista de la corte. Compuso numerosas obras sacras, madrigales y piezas para virginales.
Escuchemos: W. Pieza de pájaro para virginal "Volta"
Diapositiva 21-24. Los artistas del Renacimiento a menudo representaban en sus cuadros ángeles tocando música. ¿Por qué? ¿Qué quiere decir esto? ¿Por qué los ángeles necesitan música? ¿Qué pasa con la gente?
Diapositiva 25. mira que gran empresa músicos. ¿A qué están jugando? ¿Cómo se sienten? ¿Están bien juntos? ¿Se ajustan las palabras de W. Shakespeare a esta imagen? ¿Cuál es la palabra clave en estos versículos? Unidad, acuerdo.
Escucha lo amigables que son las cuerdas.
Se forman y dan su voz:
Como si madre, padre y niño
Cantan en feliz unidad.
La concordancia de las cuerdas en un concierto nos dice,
Que el camino solitario es como la muerte.
Diapositiva 26. Géneros instrumentales El Renacimiento se dividió en 3 tipos: transcripciones de obras vocales, obras virtuosas de carácter improvisado (ricercar, preludio, fantasía), obras de danza (pavana, galliard, volta, moresca, saltarella).
Diapositiva 27. Francesco da Milano- famoso laudista y compositor italiano del siglo XVI, a quien sus contemporáneos llamaron "El Divino". Posee numerosas piezas para laúd, agrupadas en tres colecciones.
Escuchemos: F. da Milano “Fantasia” para laúd
Diapositiva 28. Danzas del Renacimiento. Durante el Renacimiento, la actitud misma hacia la danza cambió. De una actividad pecaminosa e indigna, la danza pasa a ser un accesorio obligatorio. vida social y se convierte en una de las habilidades más necesarias de un hombre noble. Los bailes están firmemente arraigados en la vida de la aristocracia europea. ¿Qué tipo de bailes estaban de moda?
Diapositiva 29. Volta– Danza popular del siglo XVI de origen italiano. El nombre volta proviene de la palabra italiana voltare, que significa "giro". El tempo de la volta es rápido, el tamaño es de tres tiempos. El movimiento principal del baile: el caballero se levanta bruscamente y hace girar en el aire a la dama que baila con él. Además, este movimiento debe realizarse con claridad y gracia. Y sólo los hombres entrenados podían hacer frente a este baile.
Miremos: fragmento del video film “Elizabeth”
Diapositiva 30. Pavana– solemne baile lento de origen español. El nombre pavana proviene del latín pavo - pavo real. El tamaño de la pavana es de dos tiempos, el tempo es lento. Lo bailaban para demostrar a los demás su grandeza y su lujoso traje. El pueblo y la burguesía no realizaron esta danza.
Diapositiva 31.gallardo(del italiano - alegre, alegre) - danza activa. El carácter de la gallarda conserva la memoria del origen folklórico de la danza. Se caracteriza por saltar y movimientos bruscos.
La pavana y la gallarda se interpretaban a menudo una tras otra, formando una especie de suite.
Ahora podrás ver un fragmento de un concierto del conjunto de música antigua “Hesperion XXI”. Su líder es Jordi Savall- Violonchelista, gambista y director de orquesta español, uno de los músicos más autorizados de la actualidad que interpreta música antigua de forma auténtica (tal como sonaba en el momento de su creación).
Diapositiva 32. Mira: I. Alberti "Pavana y gallarda".
Interpretada por el conjunto de música antigua “Hespèrion XXI”, dirigida por. J. Saval.
Diapositiva 33. Géneros vocales El Renacimiento se dividió en eclesiástico y secular. ¿Qué significa "secular"? Hubo una misa y un motete en la iglesia. Fuera de la iglesia: caccia, ballata, frottola, villanelle, chanson, madrigal.
Diapositiva 34. El canto de la iglesia alcanza la cima de su desarrollo. Esta es la época de la polifonía de “escritura estricta”.
El compositor-polifonista más destacado del Renacimiento fue el italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina. Recibió su apodo, Palestrina, del nombre de la ciudad en la que nació. Trabajó en el Vaticano, en alto posiciones musicales bajo el trono papal.
Masa – pieza de música, que consiste en oraciones en latín, escuchadas durante los servicios en la Iglesia Católica.
Escuchemos: J.P. da Palestrina "Misa del Papa Marcello", parte de "Agnus Dei"
Diapositiva 35. Canciones seculares. Inglés balada "Mangas verdes"– muy popular hoy en día. La letra de esta canción se atribuye al rey inglés Enrique VIII. Dirigió estos versos a su amada Ana Bolena, quien más tarde se convirtió en su segunda esposa. ¿Sabes de qué se trata esta canción?
Diapositiva 36. Letra de la canción “Green Sleeves” traducida por S.Ya.
Escuchemos: Balada inglesa "Greensleeves"
Diapositiva 37. Orlando Lasso- uno de los representantes más destacados de la escuela polifónica holandesa. Nació en Bélgica, vivió en Italia, Inglaterra y Francia. Durante los últimos 37 años de su vida, cuando su nombre ya era conocido en toda Europa, dirigió la capilla de la corte en Munich. Creó más de 2.000 obras vocales de carácter tanto religioso como secular.
Diapositiva 38. La canción “Echo” fue escrita para dos coros de cuatro voces. El primer coro hace preguntas, el segundo coro le responde como un eco.
Escuchemos: O. Lasso Chanson “Eco”
Diapositiva 39. Madrigal(de la palabra italiana madre - "madre") - una canción en el idioma materno nativo. Madrigal es una canción polifónica (a 4 o 5 voces) con un contenido lírico y un carácter sublime. El apogeo de esto género vocal Viene en el siglo XVI.
Diapositiva 40.Gesualdo di Venosa – compositor italiano Siglo XVI, uno de los mayores maestros del madrigal secular. el era persona misteriosa. Un príncipe rico, gobernante de la ciudad de Venosa. Habiendo sorprendido a su bella esposa engañándola, Gesualdo, en un ataque de celos, se quitó la vida. Periódicamente caía en la melancolía y se escondía de todos en su castillo. Murió a la edad de 47 años, con la mente nublada...
Durante su vida publicó 6 colecciones de madrigales a cinco voces. Una característica del estilo de G. di Venosa es la saturación de la música, única para su época, con cromatismos y yuxtaposiciones coloridas de acordes disonantes. Entonces Gesualdo tradujo su terrible angustia y dolores de conciencia.
Sus contemporáneos no entendieron su música; la consideraban terrible y dura. Los músicos del siglo XX lo apreciaron, se hizo una película sobre G. di Venosa, se escribieron libros y el compositor A. Schnittke le dedicó la ópera “Gesualdo”.
Diapositiva 41. Madrigal “Moro, lasso, al mio duolo” es una de las últimas creaciones de G. di Venoz. Es dueño tanto de la música como de la letra:
¡Oh! me muero de pena
El que prometió la felicidad
¡Me mata con su poder!
¡Oh, maligno torbellino de dolor!
El que prometió vida
La muerte me dio.
Escuchemos: G. di Venosa “Moro, lazo, al mio duolo”
Diapositiva 42. A finales del siglo XVI surgió en Florencia. Camerata florentina- un círculo de músicos y poetas que querían revivir tragedia griega antigua con su inherente manera especial de pronunciar el texto (algo entre el habla y el canto).
Diapositiva 43. El nacimiento de la ópera. Como resultado de estos experimentos nació la ópera. El 6 de octubre de 1600 se estrenó en Florencia la primera ópera que ha llegado hasta nuestros días, Eurídice. Su autor es el compositor y cantante Jacopo Peri.
Escuchemos: J. Peri Escena de la ópera “Eurídice”
V. Resumen de la lección
– ¿Qué novedades aprendiste hoy sobre el Renacimiento?
– ¿De qué instrumento te gustó el sonido? ¿Cómo?
– ¿Cuáles? instrumentos modernos¿Son similares el laúd, la viola y la virgen?
– ¿Qué se cantaba durante el Renacimiento? ¿Dónde? ¿Cómo?
– ¿Por qué los artistas del Renacimiento representaban con tanta frecuencia a músicos?
– ¿Qué música que tocó hoy en clase te gustó y recuerdas?
VI. Tarea (opcional):
- Cantar la canción “Green Sleeves” a partir de las notas; quienes lo deseen pueden elegir un acompañamiento para la misma;
- Encuentra pinturas musicales de artistas del Renacimiento y habla sobre ellas.
Se pueden identificar varias características innovadoras definitorias en la cultura musical del Renacimiento.
En primer lugar, el rápido desarrollo del arte secular, expresado en la amplia difusión de muchos géneros de canciones y danzas seculares. estos son italianosfrottola (“canciones populares, de palabras frottola - multitud), villanelles (“canciones de pueblo”),Caccia , canción metódica (literalmente - canciones) y madrigales, españolVillancico (de villa - pueblo), canciones chanson francesas, alemanasmintió , Inglés baladas y otros. Todos estos géneros, glorificando la alegría de ser, interesados en mundo interior Las personas que luchaban por la verdad de la vida reflejaban directamente una cosmovisión puramente renacentista. Sus medios de expresión se caracterizan por el uso generalizado de entonaciones y ritmos de la música folclórica.
La culminación de la línea secular en el arte del Renacimiento.madrigal . El nombre del género significa "canción en la lengua materna (es decir, italiana)". Destaca la diferencia entre el madrigal y la música sacra interpretada en latín. El desarrollo del género pasó de una simple canción de pastor a una voz a una pieza vocal-instrumental de 5-6 voces con un texto lírico sofisticado. Entre los poetas que recurrieron al género madrigal se encuentran Petrarca, Boccaccio, Tasso. Los maestros notables del madrigal fueron los compositores A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi. Originario de Italia, el madrigal se extendió rápidamente a otros países occidentales. paises europeos.
La variedad francesa de canción polifónica se llamacanción . Se distingue del madrigal por su mayor proximidad a la vida real, cotidiana, es decir, su carácter de género. Entre los creadores de chanson -Clément Jeannequin , uno de los más famosos compositores franceses Renacimiento.
En segundo lugar, el mayor florecimiento de la polifonía coral, que se convirtió en la principal estilo musical era. Majestuoso y sonoro, combinaba perfectamente con la solemnidad del servicio religioso. Al mismo tiempo, la polifonía polifónica era la forma de expresión dominante no solo en los géneros espirituales, sino también en los seculares.
El desarrollo de la polifonía coral estuvo asociado, en primer lugar, con el trabajo de compositores de la escuela holandesa (franco-flamenca): Guillaume Dufay, Johannes Ockeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.
Orlando Lasso (alrededor de 1532-1594) trabajó en muchos países europeos. Su talento, verdaderamente fenomenal, cautivó y deleitó a todos. Todos están representados en la vasta creatividad de Orlando Lasso géneros musicales Renacimiento (con predominio de la música profana sobre la sagrada). Sus obras más populares incluyen “Echo”, escrita en el género de una canción cotidiana italiana. La obra se basa en una colorida yuxtaposición de dos coros, creando un efecto de eco. Su texto pertenece al propio compositor.
Junto a Orlando Lasso, el mayor representante Alto Renacimiento había un italiano en la músicaPalestrina (nombre completo Giovanni Pierlui da Palestrina, hacia 1525-1594). La mayor parte de su vida Palestrina transcurrió en Roma, donde estuvo constantemente asociado con el trabajo en la iglesia, en particular, dirigió la capilla de la Catedral de San Petersburgo. Petra. La mayor parte de su música son obras sacras, principalmente misas (hay más de un centenar, entre las que destaca la famosa “Misa del Papa Marcello”) y motetes. Sin embargo, Palestrina también compuso voluntariamente música profana: madrigales, canzonetas. Las obras de Palestrina para coro a sarrelláse convirtió en un ejemplo clásico de polifonía renacentista.
El trabajo de los compositores polifónicos jugó un papel destacado en el desarrollo del principal género musical del Renacimiento:masas . Con origen en la Edad Media, el género de la misa enXIV- XVIDurante siglos, se está transformando rápidamente, pasando de muestras presentadas en partes separadas y dispares a obras de una forma cíclica armoniosa.
Dependiendo de calendario de la iglesia en la música de la misa se omitieron algunas partes y se insertaron otras. Las piezas obligatorias que están constantemente presentes en servicio de la iglesia, cinco. ENI Y V - « Kyrieeleison» (“Señor, ten piedad”) y« AgnusDei» (« Cordero de Dios") - se expresó una súplica de perdón y perdón. EnII Y IV - « gloria"("Gloria") y " santuario» (« Santo") - alabanza y gratitud. En la parte central "Credo» (« Creo"), establece los principios básicos de la doctrina cristiana.
En tercer lugar, el creciente protagonismo de la música instrumental (con claro predominio de los géneros vocales). Si la Edad Media europea casi no conocía la instrumentación profesional, en el Renacimiento se crearon muchas obras para laúd (el instrumento musical más común de esa época), órgano, viola, vihuela, flauta virginal y longitudinal. Todavía siguen patrones vocales, pero ya se ha determinado su interés por la interpretación instrumental.
En cuarto lugar, durante el Renacimiento hubo una formación activa de escuelas de música nacionales (polifonistas holandeses, virginalistas ingleses, vihuelistas españoles y otros), cuya creatividad se basó en el folclore de su país.
Finalmente, la teoría musical ha dado un paso adelante, planteando toda una serie maravillosos teóricos. esto es francesFelipe de Vitry , autor del tratado " Arsestrella nueva» (« New art”, donde se da una justificación teórica del nuevo estilo polifónico); italianoJosefo Zarlino , uno de los creadores de la ciencia de la armonía; suizoglareano , fundador de la doctrina de la melodía.
Renacimiento, o Renacimiento, es un período de la historia cultural de Europa occidental y central, que abarca aproximadamente los siglos XIV-XVI. Este período recibió su nombre en relación con el resurgimiento del interés por el arte antiguo, que se convirtió en un ideal para las figuras culturales de los tiempos modernos. Los compositores y teóricos de la música, J. Tinktoris, G. Tsarlino y otros, estudiaron tratados musicales griegos antiguos; en las obras de Josquin Despres, comparado con Miguel Ángel, según sus contemporáneos, “revivió la perfección perdida de la música de los antiguos griegos”: apareció a finales del siglo XVI y principios del XVII. la ópera se guiaba por las leyes del drama antiguo.
Clases de teoría musical. De un grabado del siglo XVI.
J. P. Palestrina.
El desarrollo de la cultura renacentista está asociado con el surgimiento de todos los aspectos de la sociedad. Nació una nueva cosmovisión: el humanismo (del latín humanus - "humano"). La emancipación de las fuerzas creativas condujo al rápido desarrollo de la ciencia, el comercio, la artesanía y en la economía tomaron forma nuevas relaciones capitalistas. La invención de la imprenta contribuyó a la difusión de la educación. Excelente descubrimientos geográficos y el sistema heliocéntrico del mundo de N. Copérnico cambió las ideas sobre la Tierra y el Universo.
Alcanzó una prosperidad sin precedentes bellas artes, arquitectura, literatura. La nueva actitud se reflejó en la música y transformó su apariencia. Poco a poco se aleja de las normas del canon medieval, el estilo se individualiza y aparece por primera vez el concepto mismo de "compositor". La textura de las obras cambia, el número de voces aumenta a cuatro, seis o más (por ejemplo, el canon de 36 voces atribuido al mayor representante escuela holandesa J. Okegem). En armonía, dominan las consonancias consonantes; el uso de disonancias está estrictamente limitado por reglas especiales (ver Consonancia y Disonancia). Se forman modos mayores y menores y un sistema de ritmos característicos de la música posterior.
Todos estos nuevos medios fueron utilizados por los compositores para transmitir la estructura especial de sentimientos del hombre del Renacimiento: sublime, armoniosa, tranquila y majestuosa. La conexión entre texto y música se vuelve más estrecha, la música comienza a transmitir el estado de ánimo o, como decían entonces, los afectos del texto, como “vida”, “muerte”, “amor”, etc.; a menudo ilustrado con medios musicales especiales.
La música del Renacimiento se desarrolló en dos direcciones: eclesiástica y secular. Los principales géneros de la música religiosa son la masa y el motete: obras polifónicas polifónicas para coro, sin acompañamiento o acompañadas de un conjunto instrumental (ver Música coral, Polifonía). Entre los instrumentos se dio preferencia al órgano.
El desarrollo de la música secular se vio facilitado por el crecimiento de la creación musical amateur. La música sonaba por todas partes: en las calles, en las casas de los ciudadanos, en los palacios de los nobles nobles. Los primeros concertistas virtuosos aparecieron con el laúd, el clavecín, el órgano, la viola y varios tipos de flautas longitudinales. En canciones polifónicas (madrigal en Italia, chanson en Francia), los compositores hablaban del amor y de todo lo que sucede en la vida. Aquí tenéis los títulos de algunas de las canciones: “Stag Hunt”, “Echo”, “Battle of Marignano”.
En los siglos XV-XVI. La importancia del arte de la danza aumenta, aparecen numerosos tratados y manuales prácticos de coreografía, colecciones de música de danza, que incluyen bailes populares de esa época: danza del bajo, branle, pavana, galliard.
Durante el Renacimiento se formaron escuelas nacionales de música. La mayor de ellas es la escuela polifónica holandesa (franco-flamenca). Sus representantes son G. Dufay, C. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Depres, O. Lasso. Otras escuelas nacionales incluyen italiano (J.P. Palestrina), español (T.L. de Victoria), inglés (W. Bird) y alemán (L. Senfl).
La cuestión del aspecto musical del Renacimiento es bastante compleja. En la música de esa época es más difícil identificar elementos y tendencias nuevos, fundamentalmente diferentes en comparación con la Edad Media, que en otras áreas del arte: pintura, escultura, arquitectura, artesanía artística, etc. El hecho es que la música, tanto en la Edad Media como durante todo el Renacimiento, conservó su carácter diverso. Había una clara división entre la música espiritual de la iglesia y las composiciones, canciones y danzas seculares. Sin embargo, la música del Renacimiento tiene su propio carácter original, aunque estrechamente relacionado con logros anteriores.
Cultura musical Renacimiento
Una característica de la música del Renacimiento, que incluye la era musical de los siglos XV-XVI, es la combinación de varias escuelas nacionales, que al mismo tiempo tenían una tendencia de desarrollo común. Los expertos identifican los primeros elementos característicos de la era del humor en el estilo musical italiano. Además, en la patria del Renacimiento “ nueva musica"Comenzó a aparecer a finales del siglo XIV. Las características del estilo renacentista se manifestaron más claramente en los holandeses. escuela de musica, a partir de mediados del siglo XV. Una característica de la música holandesa fue la mayor atención a las composiciones vocales con el acompañamiento instrumental adecuado. Además, las composiciones polifónicas vocales eran características tanto de la música religiosa de la escuela holandesa como de su dirección secular.
Así, ya en el siglo XVI se extendió a Francia, Alemania e Inglaterra. Además, se interpretaron composiciones vocales profanas al estilo holandés. diferentes idiomas: por ejemplo, los historiadores de la música ven los orígenes de la chanson tradicional francesa en estas canciones. Toda la música europea del Renacimiento se caracteriza por dos tendencias aparentemente multidireccionales. Uno de ellos condujo a una clara individualización de las composiciones: en las obras profanas el origen del autor es cada vez más visible, aparecen letras, experiencias y emociones más personales de un compositor en particular.
Otra tendencia se reflejó en la creciente sistematización de la teoría musical. Las obras, tanto eclesiásticas como seculares, se volvieron cada vez más complejas, la polifonía musical mejoró y se desarrolló. En primer lugar, en la música religiosa se elaboraron reglas claras para la formación, secuencias armónicas, guía vocal, etc.
¿Teóricos o compositores del Renacimiento?
Relacionado con esta naturaleza compleja del desarrollo de la música durante el Renacimiento está el hecho de que actualmente existe un debate sobre si las principales figuras musicales de esa época deben considerarse compositores, teóricos o científicos. Entonces no había una "división del trabajo" clara, por lo que los músicos se combinaron varias funciones. Así, el suizo Glarean, que vivió y trabajó en la primera mitad del siglo XVI, era más bien un teórico. Hizo importantes contribuciones a teoría musical, creando la base para la introducción de conceptos como mayor y menor. Al mismo tiempo, veía la música como una fuente de placer, es decir, defendía su carácter secular, rechazando de hecho el desarrollo de la música en el aspecto religioso de la Edad Media. Además, Glarean veía la música sólo en una conexión inextricable con la poesía, por lo que gran atención dedicado a los géneros de canciones.
El italiano Josephfo Zarlino, cuya actividad creativa tuvo lugar en el segundo cuarto y finales del siglo XVI, desarrolló y complementó en gran medida los desarrollos teóricos presentados anteriormente. En particular, propuso por primera vez asociar los conceptos ya formulados de mayor y menor con el estado de ánimo emocional de una persona, asociando menor con melancolía y tristeza, y mayor con alegría y sentimientos sublimes. Además, Zarlino continuó la antigua tradición de interpretar música: para él, la música era una expresión tangible de la armonía en la que debería existir el universo. En consecuencia, la música, en su opinión, era la manifestación más elevada genio creativo y la más importante de las artes.
¿De dónde vino la música del Renacimiento?
La teoría es teoría, pero en la práctica la música es impensable sin instrumentos musicales; por supuesto, con su ayuda cobró vida. arte musical Renacimiento. El principal instrumento que “migró” al Renacimiento desde el anterior período musical medieval fue el órgano. Este instrumento de viento de teclado se utilizó activamente en la música religiosa y, dado el lugar más importante de las composiciones sagradas en la música del Renacimiento, la importancia del órgano se mantuvo. Aunque, en general, el “peso específico” de este instrumento quizás haya disminuido: los instrumentos de cuerda frotada y pulsada han tomado la delantera. Sin embargo, el órgano marcó el comienzo de una dirección separada de instrumentos de teclado que tenían un sonido más alto y más secular. El más común de ellos fue el clavecín.
Los instrumentos de cuerda frotada han desarrollado una familia completamente separada: las violas. Las violas eran instrumentos similares en forma y función a los instrumentos de violín modernos (violín, viola, violonchelo). Lo más probable es que existan vínculos familiares entre las violas y la familia de los violines, pero las violas tienen rasgos característicos. Tienen una “voz” individual mucho más pronunciada, que tiene un tinte aterciopelado. Las violas tienen el mismo número de cuerdas principales y resonantes, por lo que son muy delicadas y difíciles de afinar. Por lo tanto, las violas son casi siempre un instrumento solista, rara vez es posible lograr su uso armonioso en una orquesta.
En cuanto a los instrumentos de cuerda pulsada, el lugar principal entre ellos durante el Renacimiento lo ocupó el laúd, que apareció en Europa alrededor del siglo XV. El laúd era de origen oriental y tenía una estructura específica. El instrumento, cuyos sonidos se podían producir tanto con los dedos como con la ayuda de un plato especial (análogo a un mediador moderno), rápidamente ganó popularidad en el Viejo Mundo.
Alexander Babitsky