GÉNEROS DE ARTE MUSICAL
Los estudiantes deben
Saber: clasificaciones de géneros, géneros vocales, géneros instrumentales. Grandes formas de vocal-instrumental, instrumental y musica coral. Música sinfónica. Ópera, ballet. Tendencias modernas en la música.
Conferencia
Música de cámara
En los viejos tiempos, cuando no había salas de conciertos, sociedades filarmónicas, musica instrumental y pequeño trabajos vocales fueron realizados b en las casas de los amantes de la música. Había sonatas, tríos, cuartetos y alguien cantaba con el acompañamiento de un clavecín u otros instrumentos. Entre los oyentes normalmente había sólo unos pocos familiares y conocidos.
Así, tocaban música tanto en las modestas casas de los artesanos como en los salones aristocráticos. De aquí surgió la expresión: música de cámara, es decir, la música está pensada para ser interpretada en una habitación, música casera.
Música vocal
Música para voz, para cantar: la más mirada antigua arte musical, la misma edad que el habla humana. El hombre ha comprendido desde hace mucho tiempo que un sonido prolongado y prolongado es más bello y expresivo que uno breve y abrupto. Obviamente, mientras oraba, conjuraba a espíritus invisibles para algo, intentaba extraer el sonido, intentaba hacer que su sonido fuera melodioso. Así fue, o no, no se sabe, pero las canciones más antiguas que conocemos son precisamente ese tipo de hechizos de espíritus. Es difícil incluso llamarlas canciones, sus melodías son muy simples y primitivas, pero aun así estas ya fueron las primeras canciones. Por supuesto, había otras canciones asociadas con la vida cotidiana. Muchas canciones están dedicadas a lo más importante en la vida de una persona: el trabajo, el trabajo. Muchos de ellos están pensados para cantarlos mientras se trabaja. Sus melodías y ritmos se adaptan a los movimientos humanos durante una obra determinada.
un hombre esta caminando cruza el campo, lentamente, lentamente, recoge grano de una cesta y lo esparce sobre el terreno arado con un gesto amplio y suave, cantando una canción al ritmo de su paso.
La hierba de los prados está llena, es hora de cortarla. Los cortacéspedes caminan uno tras otro: al unísono, agitan sus guadañas a la vez y es evidente que el canto debería ser más enérgico y claro.
El centeno está maduro. Mujeres con hoces salieron al campo: un cántico nuevo; Trillan centeno en la era, también cantan.
Ha llegado el invierno y aquí no puedes prescindir de una canción durante mucho tiempo. tardes de invierno detrás de un huso o rueca.
Cantar sin acompañamiento instrumental se llama - a capella.
(aprendizaje y análisis de canciones populares a elección del profesor)
Música vocal, Realizado por voces humanas, es una combinación de dos tipos de arte: musica y poesia
Casi todas las obras vocales tienen letra. Es por eso que sus melodías están, en un grado u otro, asociadas no solo con el lenguaje de las palabras, sino también con las entonaciones expresivas del habla humana. En cualquier trabajo vocal el protagonismo corresponde a la melodía, que suele concentrarse Idea principal obra, expresa la esencia de la imagen musical.
Al familiarizarse con la música folclórica de diferentes países, uno puede estar convencido de la asombrosa riqueza de los géneros de canciones: trabajo, juegos rituales, danzas circulares, danzas majestuosas, líricas, heroicas-épicas, cómicas, satíricas. Las canciones familiares y cotidianas incluyen canciones de cuna, bodas, funerales y lamentos. Y todo este tipo de canciones se formaron en estrecha relación con la vida social de un pueblo en particular que las vio nacer, su actividad laboral y su vida familiar y cotidiana.
prueba de control
1.¿Qué es la vocalización?
A) canción con acompañamiento;
B) cantar con el nombre de las notas;
EN) una obra de teatro sin palabras.
2.¿Qué es una balada?
A) una canción sin letra;
B) una canción de carácter narrativo;
C) una canción de carácter lírico y sensual.
3. ¿Qué tienen en común? canción popular y romance? (¿dónde está la respuesta incorrecta?)
C) fueron creados por cantantes aficionados;
GRAMO) fueron creados por compositores.
4. ¿Qué es “a capella”?
A) cantar con acompañamiento instrumental;
B) cantar en coro;
EN) Cantar sin acompañamiento instrumental.
Los estudiantes deben
Saber :
variedades de género instrumental;
rasgos característicos de estas obras;
los nombres de varias obras y los compositores que las crearon.
Método de percepción de una obra musical.
Poder:
identificar de oído obras instrumentales de diferentes géneros;
elaborar un plan para analizar una pieza musical;
realizar un análisis de una pieza musical sobre un tema determinado con los estudiantes;
seleccionar tareas para que los estudiantes perciban activamente una pieza musical;
proponer tareas para la percepción asociativa de la música;
componer movimientos rítmicos para entonación plástica;
pensar y grabar una partitura rítmica para tocar DMI (instrumentos musicales para niños);
realizar diversos tipos de actividad musical, activando la percepción de la música instrumental de diferentes géneros y estilos.
Conferencia
¿Qué música se desarrolló primero, la vocal o la instrumental?
La música instrumental europea se desarrolló más tarde que la música vocal y durante mucho tiempo conservó su carácter aplicado, acompañando procesiones ceremoniales y funerarias, bailes urbanos y de la corte y viajes de caza.
En casa se tocaban canciones y bailes con cuerdas pulsadas. instrumentos de cuerda- un LUTNE de varias cuerdas - el predecesor de la guitarra y el mondolín. En el siglo XVI, los instrumentos de teclado se generalizaron en la vida hogareña: clavecín, clavicémbalo, clavicembalo y en Inglaterra el virginal.
Las danzas urbanas cotidianas de los siglos XVI al XVIII eran variadas en cuanto a la naturaleza del movimiento y el ritmo. Entre ellos había bailes suaves: procesiones (pavana italiana, allemande alemana, zarabanda española), animadas y deslizantes (carillón y minueto francés), rápidas con saltos y saltos (bure, concierto de gavota).
De la alternancia y comparación de diversas danzas surgió la antigua suite.
Suite(de la suite francesa - "fila", "secuencia") - una obra musical de varias piezas diferentes, unidas por un solo concepto. Por ejemplo, "Carnaval" de R. Schumann es un ciclo de diferentes miniaturas para piano. O “Cuadros de una exposición” de M.P. Mussorsky es una colección de obras que transmiten las impresiones del compositor sobre la exposición del artista V.A. Hartman. Las suites a menudo se componen de música para representaciones teatrales, películas, extractos de ballet y ópera. Tales son, por ejemplo, las suites "Peer Gynt" de E. Grieg, "Carmen" de R. Shchedrin.
La suite se caracteriza por la representación pictórica y una estrecha conexión con el canto y la danza. Lo que distingue a una suite de una sonata y una sinfonía es la mayor independencia de sus partes y el menor rigor y regularidad de sus relaciones.
En Alemania, a finales del siglo XVII, se formó la secuencia exacta de partes: . por ejemplo, G. F. Handel, J. B. Luly, J. S. Bach.
Las suites de los siglos XVII-XVIII eran de danza; las suites orquestales sin danza aparecieron en el siglo XIX; Los más famosos son "Scheherazade" de N. A. Rimsky-Korsakov, "Cuadros de una exposición" de M. P. Mussorgsky
Junto con suites para teclado y musica de organo caracterizado por ciclos de dos partes que consisten en preludios y fugas o tocatas y fugas.
Tocata(Italiano - tocar, tocar): el nombre de una pieza de carácter virtuoso, basada en movimientos rápidos y rítmicos uniformes sin episodios líricos melodiosos.
Preludio(lat. prae... - antes y lat. ludus - tocar) - una pieza musical breve que no tiene una forma estricta. En sus inicios, los preludios siempre precedían a una obra más larga, más compleja y estrictamente estructurada (de ahí el nombre), pero los compositores posteriores comenzaron a escribir preludios como trabajos independientes.
J. S. Bach escribió “El clave bien temperado”
que consta de preludios y fugas e influyó en casi todos los compositores importantes de épocas posteriores. Muchos de ellos escribieron sus propios ciclos de 12 o 24 preludios que, como el de Bach, estaban ordenados según claves. Frederic Chopin escribió un ciclo de 24 preludios sin fugas, liberando así al preludio de su propósito original: una pieza introductoria. Desde entonces, muchos compositores han escrito preludios como obras independientes. Los dos volúmenes de preludios impresionistas de Claude Debussy tuvieron una influencia especialmente grande en los compositores posteriores.
Ciclos famosos de preludios.
J. S. Bach - dos volúmenes de “El clave bien temperado”. Cada volumen contiene 24 preludios y fugas en 12 tonalidades mayores y 12 menores, con un preludio y una fuga para cada tecla del piano.
F. Chopin - 24 preludios,
K. Debussy: dos volúmenes de 12 preludios. Al final de cada preludio aparece su nombre, mientras que antes sólo hay un número romano que indica su número.
S. V. Rachmaninov -24 preludios, entre ellos el mundialmente famoso preludio en do sostenido menor.
A. N. Scriabin - 24 preludios
P. Hindemith - Ludus Tonalis, preludio, 11 interludios
D. D. Shostakovich: un ciclo de 24 preludios y fugas, y un ciclo anterior de 24 preludios para piano.
Prueba.
B).ejercicios musicales con pasajes virtuosos;
B) un breve saludo musical.
2. Marzo es:
A) una pieza con un ritmo mesurado y claro;
B) una pieza musical en la que la parte principal se repite varias veces;
B) una pieza virtuosa.
A) una pieza virtuosa de carácter caprichoso;
B) una obra de teatro de carácter triste;
B) una pieza de jazz.
4. La fuga es:
A) juego en forma libre;
B) una pieza en movimiento rápido con un ritmo claro;
5. El concierto es:
A) hablar en público;
B) una obra para orquesta sinfónica compuesta por cuatro movimientos;
C) una pieza para instrumento solista y orquesta.
Sonata
Si comparamos la sonata con un género literario, entonces la comparación más adecuada es con novedoso o historia. Al igual que la imsonata, se divide en varias partes. Generalmente son tres o cuatro. Como una novela, la sonata está poblada de varios “héroes” y temas musicales.
Los temas no se suceden simplemente unos a otros, sino que interactúan, se influyen mutuamente y, a veces, incluso entran en conflicto.
La primera parte de la sonata se caracteriza por la mayor tensión y nitidez. Por lo tanto, desarrolló su propia forma de sonata especial.
Primero, el compositor presenta a los personajes principales: temas musicales. Es como el comienzo de un drama. Luego la acción se desarrolla, se intensifica, alcanza su punto máximo, tras lo cual se produce el desenlace. Así, la forma sonata consta de 3 secciones..
1er. Exposición, en el que los temas principales aparecen en diferentes tonalidades, la acción en sí es 2 - desarrollo y resultado 3-reprise. En una repetición se repite lo que estaba en la exposición, pero con cambios provocados por los acontecimientos del desarrollo. Todos los temas musicales de la repetición aparecen en una tonalidad principal, completando a veces el primer movimiento de la sonata. Contiene pasajes de los más temas importantes partes, se establece la tonalidad principal,
Parte II compuesta, por regla general, en cámara lenta. La música transmite un flujo pausado de pensamiento, glorifica la belleza de los sentimientos y pinta paisajes sublimes.
Parte III (final) generalmente se mantiene a un ritmo rápido, a veces incluso con movimientos rápidos. Éste es el resultado de las conclusiones de las partes anteriores: puede ser optimista y reconfortante, pero a veces también puede ser dramático e incluso trágico.
Las sonatas clásicas surgieron al mismo tiempo que las sinfonías, en la segunda mitad del siglo XVIII. El término "sonata" surgió a principios del siglo XVI a partir de la palabra italiana sonar. Inicialmente, este era el nombre que se le daba a cualquier pieza musical instrumental.
Suena parte III
¿Qué asociaciones surgieron?
Suena como una tormenta, arrasando con todo a su paso. Cuatro ondas de sonidos llegan con una presión enorme. Cada ola termina con dos golpes fuertes: los elementos están furiosos. Pero aquí viene el segundo tema. Su voz superior es amplia y melodiosa: se queja, protesta. El estado de extrema excitación se mantiene gracias al acompañamiento, con el mismo movimiento que durante el tormentoso comienzo de la parte 3. A veces parece que llega el agotamiento total, pero la persona se levanta de nuevo para superar el sufrimiento.
Esta es la parte dominante de la sonata y la conclusión natural de sus dramáticos acontecimientos. Aquí todo es como en la vida de muchas personas, para quienes vivir significa luchar y superar el sufrimiento.
"Sonata patética" " № 8
La sonata fue escrita por L. Beethoven en 1798. El título pertenece al propio compositor. De la palabra griega "pathos" - con un estado de ánimo elevado y elevado. Este nombre se aplica a las tres partes de la sonata, aunque esta "elación" se expresa de manera diferente en cada parte.
Parte I escrito a un ritmo rápido en forma de sonata allegro. El comienzo de la sonata es inusual: “La lenta introducción suena lúgubre y al mismo tiempo solemne. Los acordes pesados, desde el registro inferior, una avalancha de sonido asciende gradualmente. Las preguntas amenazadoras suenan cada vez con más insistencia. Melodía melodiosa, con un toque de oración, sobre un fondo de acordes tranquilos.
Después de la introducción, comienza una rápida sonata allegro.
partido principal Se parece a olas tormentosas. En el contexto de un bajo inquieto, la melodía de la voz superior sube y baja ansiosamente.
Parte de enlace Calma gradualmente la emoción del tema principal y conduce a un tono melódico y melodioso. fiesta paralela.
Contrariamente a las reglas establecidas en las sonatas de los clásicos vieneses, la parte lateral de la Sonata Patética no suena en paralelo mayor, y en el menor del mismo nombre.
Pruebas
1. ¿En qué año nació L. Beethoven?
A).1670,
B). 1870
EN). 1770
2. ¿Dónde nació Beethoven?
A). En Bonn,
B). en paris
EN). En Bergen.
3. ¿Quién fue el maestro de Beethoven?
A). Händel G. F.
B). Nefe K.G.
EN). Mozart V.
4. ¿A qué edad escribió Beethoven? Sonata a la luz de la luna»?
A). A los 50 años.
B). A los 41 años.
EN). A los 21 años.
5. Justo a tiempo, ¿por amor de qué mujer escribió Beethoven la Sonata Claro de luna?
A). Julieta Guicciardi.
B).Julieta Capuleto.
EN). Josefina Dama.
6. ¿Qué poeta le dio el nombre a la sonata n.° 14 “Claro de luna”?
A), y Schiller.
B). L. Relshtab.
EN). Yo. Shenk.
7. ¿Qué obra no pertenece a la obra de Beethoven?
A). "Sonata patética"
B). "Sinfonía heroica".
EN),."Bosquejo revolucionario".
8. ¿Cuántas sinfonías escribió Beethoven?
Tarea 1.
Escuche dos obras, determine por estilo cuál es de L. Beethoven, explique su opinión.
Suenan: “Preludio No. 7” de F. Chopin y “Sonata” No. 14, 3er movimiento de L. Beethoven.
Sinfonía
Sinfonía(del griego συμφωνία - "consonancia") - un género de música instrumental sinfónica de varias partes con un contenido ideológico fundamental.
Debido a la similitud estructural con sonata, sonata y sinfonía se combinan bajo nombre común « ciclo sonata-sinfónico " Una sinfonía clásica (como se representa en las obras de los clásicos vieneses: Haydn, Mozart y Beethoven) suele tener cuatro movimientos.
El primer movimiento, de tempo rápido, está escrito en forma de sonata;
2º, en movimiento lento, escrito en forma de variaciones, rondó, sonata rondó, complejo de tres partes
3º - scherzo o minueto - en forma tripartita
Cuarto movimiento, a un ritmo rápido, en forma de sonata, en forma de rondó o sonata rondó.
Un programa sinfónico es aquel que está asociado con contenido conocido, expuesto en el programa y expresado, por ejemplo, en el título o epígrafe: "Sinfonía pastoral" de Beethoven, "Sinfonía de fantasía" de Berlioz, Sinfonía n.° 1 de Tchaikovsky "Sueños de invierno", etc.
Tareas para estudiantes
Escuchar y analizar fragmentos de sinfonías. Programa "Música" de Kritskaya E. D.
En Mozart Sinfonía nº 40, exposición.
1. Canta la melodía principal del solfeo, vocaliza un texto que hayas inventado tú mismo.
2. Escucha y dibuja línea melódica tema principal.
3. Mientras escuchas, dibuja una imagen artística que surja.
4. Componga una partitura rítmica para DMI.
5. Conocer los movimientos rítmicos propuestos y componer improvisaciones rítmicas.
A. P. Borodin Sinfonía nº 2 “Bogatyrskaya”
1. Tema principal: cantar, tocar metalófonos, piano.
2. Compare la imagen musical con la artística - A. Vasnetsov "Bogatyrs".
P. Tchaikovsky Sinfonía nº 4 final
1. cantar tema principal con pausas para la letra de la canción “Había un abedul en el campo”.
2. Realizar acompañamiento rítmico de instrumentos musicales de ruido.
Teatro.
Ópera.
Los estudiantes deben:
saber:
¿Qué es la ópera?
Tipos de ópera: (heroica, lírica, fabulosa, cómica, drama popular).
Qué constituye la base de una ópera; (aria, cavatina, arioso, conjuntos - dúos, tríos, cuartetos, quintetos; recitativos, obertura, coro)
Mayoría óperas famosas rusos y compositores extranjeros;
fragmentos musicales de diversas óperas.
Poder:
Prepare un cuento para los escolares más pequeños sobre la ópera, sobre los compositores, sobre todo lo que constituye la ópera.
Tener una conversación con los estudiantes sobre este género.
Elaborar un relato sobre una ópera, escuchando y analizando fragmentos.
Tocar y cantar algunos temas populares de óperas;
Aprenda fragmentos de arias de ópera con los estudiantes; coros
Conferencia
Ópera- esta es una musa grande y compleja 
un espectáculo en el que se entrelazan orgánicamente el canto, la música sinfónica, la acción dramática, el ballet y la pintura. La acción de la ópera, como cualquier representación teatral, se desarrolla en el escenario. El público ve a los héroes de la obra, sus acciones y sigue el desarrollo de los acontecimientos. La escenografía y el vestuario dan una idea de la época, determinan el lugar de la acción y la apariencia de cada personaje. Sin embargo, el lugar principal en la ópera pertenece a la música. Es el principal medio de expresión: revela los personajes de los personajes, sus relaciones y transmite la tensión de la acción. La ópera tiene un rico pasado histórico. Nació hace unos 400 años en italiano. ciudad Florencia.
Y durante todo este tiempo continúa el debate sobre si lo principal es la música o el texto. Hubo un período en la historia de la ópera en el que el poeta y el libretista eran considerados su autor, y el compositor, una persona secundaria, debía obedecer a los autores del texto y a los cantantes.
También hubo un momento en el que dejaron de prestar atención al contenido. La ópera se convirtió en un "concierto" disfrazado. En los siglos XVIII y XIX, el género de la ópera finalmente tomó forma tal como lo conocemos y amamos ahora.
Lo principal en la ópera.- después de todo música
Nacida en Italia en el siglo XVI, la ópera se hizo grande y compleja y se extendió a otros países de Europa y del mundo. Habiendo surgido como una obra mitológica, basada en la trama del antiguo mito griego sobre la lucha del dios Apolo con la serpiente Pitón, ahora es sorprendentemente rica en tramas.
En el siglo XIX surgieron escuelas nacionales de ópera en diferentes países. Sus representantes más destacados en Italia son "Las bodas de Fígaro" de Rossini, "El barbero de Sevilla", "Rigaletto" "La Traviata" de Verdi y "Cio-Cio-San" de Puccini.
En Rusia, el arte de la ópera alcanzó sus cimas más altas en las obras de Glinka “Ivan Susanin”, “Ruslan y Lyudmila”, Dargomyzhsky “Rusalka”, Borodin “Príncipe Igor”, Musorsky “Boris Godunov”, Rimsky-Kopsky “El Doncella de las nieves”, Tchaikovsky “Eugene Onegin”, “Reina de espadas”.
El compositor escribe una ópera basada en alguna trama, contenido, es decir. libreto.
Libreto- Este texto completo composición musical y escénica, aquellos. ópera, opereta, ballet. Los libretos suelen ser compuestos por autores especializados en este campo: los libretistas. A menudo, una obra literaria o dramática sirve como fuente principal del libreto. Por ejemplo, las obras populares "Eugene Onegin", "La dama de espadas", "La Traviata", "Rigaletto", "Carmen", "Snow Maiden", "Boris Godunov", "Guerra y paz"... estas son óperas rusas, extranjeras y soviéticas, en cuya base obras famosas Pushkin, Tolstoi, Ostrovsky, Merimee, Hugo, Dumas el hijo. Sin embargo, estas obras han cambiado mucho porque el género de la ópera tiene sus propias particularidades. El texto de la ópera debe ser muy lacónico: después de todo, la palabra cantada suena mucho más larga que la hablada. Además, la base obra dramática – diálogo. Una ópera debe tener arias, conjuntos y coros. Todo esto también requiere procesamiento. El libreto puede ser independiente y no estar basado en una obra literaria. En ocasiones, el propio compositor se convierte en autor del libreto. AP Borodin - "Príncipe Igor", M.P. Mussorsky – “Boris Godunov”, “Khovanshchina”
A. Dargomyzhsky para la ópera "El invitado de piedra" elige una obra dramática de A.S. Pushkin, sin cambiar una sola palabra. La ópera tiene arias.
1.Aria - esta es la característica principal del personaje, retrato musical héroe. El aria contiene el principal material temático musical que caracteriza al héroe. Desde el punto de vista del desarrollo de la trama y la acción escénica, el aria coincide con mayor frecuencia con punto importante en la vida de un héroe. La estructura del aria es variada: dos partes, tres partes, rondó y otras. En la mayoría de los casos, un aria contiene dos material musical(para una descripción completa del héroe). El aria es obligatoria en los papeles de los personajes principales.
2. Arioso – difiere del aria en contenido y tamaño. Esta es una descripción parcial del personaje en relación con un evento. Esto transmite la actitud del héroe hacia otro personaje o su reacción ante un evento. El formulario suele tener tres partes.
3. Arietta - Aria pequeña italiana, de tamaño pequeño, que recuerda a un arioso, pero que se distingue por una melodía más simple, parecida a una canción. Forma: de una parte, simple de dos y tres partes.
4. Balada asociado al carácter narrativo de la presentación (pareada o a través de la forma).
5. Romance, serenata la mayoría de las veces transmiten las experiencias líricas del héroe (forma: simple de tres partes, rondó, verso, variación del verso).
6. Cavatina – pequeña aria lírica. Desde finales del siglo XVIII, el aria de salida se representa en la ópera. Por ejemplo, la cavatina espumosa de Fígaro de la ópera "El barbero de Sevilla" de Rossini, Lyudmila de la ópera "Ruslan y Lyudmila" de Glinka, Antonida en "Ivan Susanin".
7. conjuntos– dúos, tríos, cuartetos, quintetos etc. son de gran importancia en la ópera. Entre ellos, los más comunes son los dúos de “acuerdo” y “desacuerdo”. En el primer caso, ambos héroes reaccionan de la misma manera ante los acontecimientos y esto se refleja en la melodía similar de sus declaraciones. En el segundo, los personajes tienen actitudes diferentes ante un mismo fenómeno, por lo que su material melódico es contrastante e independiente.
Coro en la ópera se asocia más a menudo con escenas de multitudes y caracteriza a un grupo de personas. La forma de los coros es variada y depende del contenido y del significado de la trama.
A orquestal La música en la ópera incluye los siguientes géneros: obertura, introducción, introducción, preludio – estas son las piezas introductorias de la ópera; intermedio - introducción a las siguientes acciones o escenas; intermezzo - dentro de la acción.
Además, en varios casos en la ópera hay números de ballet.
A veces la ópera contiene frases cortas separadas por paradas. Esto es cantar, pero muy parecido a la recitación, se llama recitado- De la palabra latina - leer en voz alta, pronunciar en voz alta. El recitativo es la base para el desarrollo de la acción en la ópera. Después de todo, cuando suenan números musicales completos (arias, conjuntos), la acción generalmente se detiene.
En la primera mitad del siglo XIX, el aria de salida, es decir. la primera aria en el curso de la acción, aquella con la que el héroe subió al escenario, se llamó
Coro– (griego – multitud, reunión) – una obra para un grupo bastante grande de cantantes, así como el nombre del grupo de canto, escenas de multitud en la ópera.
Existen coros homogéneos (infantiles, femeninos, masculinos) y coros mixtos monovoces y multivoces. Un grupo de canto sin acompañamiento instrumental se llama a capella, no coro. Todos los miembros del coro se dividen en varios grupos, normalmente en cuatro.
EN coro mixto Todas las voces principales están presentes: soprano altos, tenores, bajos.
La peculiaridad de la música coral es que permite encarnar vívidamente las ideas y experiencias de grandes masas de personas.
Obertura -(Ouyerture francesa - comienzo, apertura) introducción instrumental a una obra importante: ópera, ballet, oratorio, representación teatral, da una idea de la naturaleza de la próxima acción y su contenido. Está construido sobre temas musicales que luego aparecen en la obra y juegan allí un papel importante. Muchos de los nuevos tipos de oberturas se convirtieron en realidad en piezas de concierto, por ejemplo " jota aragonesa"Glinka, "Romeo y Julieta" de Tchaikovsky.
Famoso teatros musicales :
Moscú - Teatro Bolshoi
San Petersburgo - Teatro Mariinski
París - Ópera Grant
Teatro de Ópera y Ballet de Odesa
Milán (Italia) – La Scala
Artistas de ópera famosos:
F. Shalyapin, I Kozlovsky L. Lemeshev, B. Shtokolov E Obraztsova, G. Vishnevskaya, Borisenko, Firsova, L. Kazarnovskaya.
Preguntas y tareas para estudiantes.
prueba de control
1.La ópera es:
A) acción escénica, donde la música, la danza y la pintura se entrelazan orgánicamente;
B) acción escénica, donde la música, el canto, la coreografía y la pintura se entrelazan orgánicamente;
C) una obra musical importante para orquesta sinfónica y coro y solistas
2. El libreto es:
A) texto completo de la obra musical y escénica;
B) introducción a la ópera;
C) una obra literaria que sirvió de base para la creación de la ópera.
3.La obertura es:
A) intermedio instrumental entre acciones;
B) número solista en la ópera;
EN) Introducción a la ópera.
4. Aria es:
A) una obra para un gran número de cantantes;
B) canto declamatorio;
EN) un número solista en una ópera que caracteriza al héroe.
A) tenor;
B) barítono;
B) mezzosoprano;
D) soprano;
.N / A. Rimski-Kórsakov
(1844-1908)
Tikhvin, donde nació N.A. y pasó su infancia. Rimsky-Korsakov es una ciudad del libre norte de Rusia. Aquí el zar Iván el Terrible construyó el Monasterio de la Madre de Dios, al que los gobernadores soberanos no tenían acceso: había pocos en Rusia. Aquí los Viejos Creyentes se difundieron en una amplia ola, rituales coloridos, costumbres poéticas, y la gente era independiente, de lenguaje vivaz y rápida para matar.
Padre de Nikolai Andreevich - un hombre de rara decencia y bondad, modesto, libre de dinero, propenso a la lectura de libros y a la reflexión filosófica. Ayudó a los decembristas con dinero durante su paso al exilio en Siberia.
La casa de Rimsky-Korsakov se encontraba en la orilla alta del río Tikhvinka, frente al monasterio. Detrás del gran jardín comenzaban los campos. No hacía falta ir muy lejos para escuchar el canto de la alondra durante el día y los trinos del ruiseñor durante la noche. Todo llamó la atención del niño. Los muros del monasterio de Vvedensky, donde la cuarta esposa de Iván el Terrible, tonsurada a la fuerza como monja, languidecieron durante 52 años.
El hermano mayor de Nika, Voin Andreevich, ya navega por los mares del Lejano Oriente. Sus atractivas cartas sobre China, Japón y Sakhalin despiertan la imaginación de los niños. Toma lecciones de música. A los 9 años intenta componer, a los 12 años el niño rompe con Tikhvin.
Toda su vida recordará el canto de los pájaros, el repique de las campanas, los bosques y lagos del norte, las costumbres y leyendas de Tikhvin.
Mientras tanto, el San Petersburgo militar-burocrático, el cuerpo de cadetes navales, donde estaba asignada Nika. Pero hubo algo más que ayudó al adolescente a no perderse y no despersonalizarse en condiciones de instrucción, crueldad y humillación. Ese algo era la música. Sin saber nada de solfeo, intenta componer, sin conocer la técnica de los instrumentos de cuerda y viento, intenta “orquestar”. Este caos musical comienza a aclararse desde el momento en que Nika conoce a un verdadero músico, el pianista y profesor F.A. Canilla. El desarrollo musical general de Nika ha dado un gran paso adelante. Reconoció a Schumann. Bach, Beethoven, nuevas obras de Glinka.
Cuando Rimsky-Korsakov tenía 17 años, Canille lo llevó a un músico que desempeñaría un papel excepcional en la vida de N.A. - era Mily Alekseevich Balakirev.
Preguntas y tareas para estudiantes.
prueba de control
1. ¿Dónde nació y pasó su infancia Rimsky Korsakov?
A) en el pueblo de Novospasskoye;
B) en Vótkinsk;
EN) en Tijvin.
2. ¿Dónde va a estudiar un futuro compositor a los 12 años?
A) en la facultad de derecho;
B) al cuerpo militar naval;
B) a la escuela de alférez de guardias.
3. ¿Quién influyó en el desarrollo de Rimsky-Korsakov como compositor profesional?
A) Borodin;
B) Balakirev;.
B) Mussorgsky.
Escuchar y analizar una pieza musical.
Ópera "La doncella de las nieves"
La creación de "The Snow Maiden" sorprende por su máxima rapidez. En dos meses y medio se escribió una obra enorme de rara belleza y originalidad. La pasión por los contenidos y las imágenes también afectó" cuento de hadas de primavera"y el hecho de que creativa, técnica y emocionalmente el compositor estaba completamente preparado para esta obra. Habiendo creado sólo los primeros bocetos, Rimsky-Korsakov pospuso la composición hasta el verano: junto con su familia, la pasó en condiciones excepcionalmente favorables en La finca Stelevo cerca de Luga. El compositor lo describió así. Este es un momento feliz para él: trabajar en "La doncella de nieve".
“Por primera vez en mi vida tuve la oportunidad de pasar un verano en un auténtico pueblo ruso. Me gustó todo, admiré todo, un lugar hermoso, arboledas preciosas, un bosque enorme, campos de centeno, trigo sarraceno, avena y lino. , muchos pueblos dispersos, un pequeño río donde nadamos, proximidad a un gran lago.
Todoterreno, desolación: todo me encantó. Alguna rama o tocón grueso y nudoso, cubierto de musgo, me parecía un duende o su hogar. Un triple eco, escuchado desde nuestro balcón, como si fuera la voz de un duende y otros monstruos”.
Habiendo comenzado a trabajar el 30 de mayo, el compositor completó un borrador de toda la ópera a mediados de agosto. “Ni una sola composición me fue dada con tanta facilidad y rapidez como “The Snow Maiden”.
El compositor dedicó seis meses a la instrumentación de la ópera y el 29 de enero de 1882 tuvo lugar su estreno en San Petersburgo en el Teatro Mariinsky. Exitoso vida escénica"La Doncella de las Nieves" continúa hasta el día de hoy.
Prólogo
1.ved.- La introducción orquestal pinta un cuadro de la última noche de invierno. En un profundo bosque nevado, el dueño Frost gobierna; su tema lúgubre y severo reina en la orquesta.
(Escuchando un fragmento).
Pero las bandadas de pájaros ya vuelan desde el sur, y el propio Spring-Red vuela con los pájaros. Su tema suave y profundo es cada vez más claro. El fiel servidor de Frost, Leshy, proclama la proximidad de la primavera. Y los pájaros siguen volando y toda la orquesta se llena de gorjeos. Pero no es divertido en el bosque sombrío”. “Los bosques están en silencio, las gruesas patas de los abetos se hunden bajo la nieve. Y todo es sólo luz y un brillo frío, y no hay calor”.
Vesna admite su culpa: “Es culpa mía que haga frío para mí, para Vesna y para ti. Hace dieciséis años, cuando, a modo de broma y para divertir mi temperamento voluble, cambiante y caprichoso, comencé a coquetear con Frost, ¡y desde entonces estoy en cautiverio con el viejo! Me gustaría dejar a la canosa, pero aquí está el problema: la mayor y yo tenemos una hija, Snegurochka. Amo a la Doncella de las Nieves, aunque siento lástima por su infeliz suerte con la anterior, tengo miedo de pelear. Y se alegra de ello: nos está congelando a mí, a Vesna y a los Berendey. El sol celoso nos mira enojado y frunce el ceño a todos, y esta es la razón de los inviernos crueles y las primaveras frías”.
Los pájaros tienen frío y la Primavera les aconseja: “¡Tiemblen, pobrecitos! ¡Baila y calienta! ¡He visto más de una vez que la gente se calienta bailando!” Y los pájaros bailan cada vez más alegres y despreocupados.
sonidos Fragmento " Cantos y danzas de pájaros"
2.ved- Frost está listo para ir al Norte. Pero ¿qué deberían hacer con su hija Snegurochka?
“¡Lo más dulce del mundo para una niña es la libertad!” - La Madre Primavera así lo cree, pero Frost tiene miedo de este testamento: “¡Escucha! ¡Sé que el sol va a destruir a la Doncella de las Nieves! ¡Solo esperando plantar el fuego del amor en su corazón con su rayo! ¡Entonces no hay salvación para la Doncella de las Nieves! ¡Mientras su alma sea pura como la de un bebé, él no tiene poder para dañar a la Doncella de las Nieves!
De mala gana, los padres deciden enviar a la Doncella de las Nieves al pueblo de Berendey.
Y entonces su hija, una belleza nevada, sale del bosque. ¡Oh, ella estará encantada de acudir a la gente!
Suena el aria “Caminata por las bayas con amigos”.…»
Eso es todo lo que sueña la mitad niña, mitad niña por ahora.
Pero Moroz se alarma ante esta confesión:
“¿Dónde se enteró Lelya? Y la Doncella de las Nieves, preocupada, describe el canto del pastor a sus padres:
¡Mamá! escuché, escuché
Y el canto de las alondras...
También oí el fuerte repique de los ruiseñores,
Tus cantantes favoritos.
¡Las canciones de Lelya me son más queridas!
Estoy listo para escuchar día y noche.
Sus cantos de pastor
Y escuchas y te derrites...
Pero la palabra "derretirse" alarmó a Frost. "¡Hay un significado terrible escondido en esta palabra!" La Madre Primavera le promete ayuda a la Doncella de las Nieves: ¡déjala ir al valle de Yarilin, al lago y llamar a su madre!
La Doncella de las Nieves va al asentamiento de Berendey, Bobyl y Bobylikha la llevan a su casa.
Primera acción
Shepherd Lel le canta canciones a Snow Maiden. La primera triste sobre "Strawberry" hace llorar a la niña. Entonces Lel comienza a cantar una alegre canción de baile: "Como el bosque susurra a través del bosque". ¡La Doncella de las Nieves apenas tuvo tiempo de animarse cuando el pastor la dejó! Otras chicas le hacen señas y, después de arrojar la flor que le regaló la Doncella de las Nieves, Lel ya corre hacia ellas.
“¡Qué doloroso es esto! ¡Qué pesado se ha vuelto mi corazón!”
Con un insulto pesado, como una piedra,
Una flor aplastada por Lelem cayó sobre mi corazón.
El pastor corre hacia los demás, son más amables,
Su risa es más fuerte y su discurso más cálido.
Me quedo y lloro de pena,
Ese Lel me dejó...
¡Padre Frost, ofendiste a la Doncella de las Nieves!
Pero se lo quitaré a mi madre - Primavera
Un poco de calidez desde el corazón
Para que tu corazón se caliente un poco.
3.ved.- Como para provocar aún más el dolor de la Doncella de las Nieves, su amiga Kupava viene corriendo hacia ella y le habla de su felicidad, de su encuentro con Mizgir, de su amor por él, de la boda que tendrá lugar el día de Yarilin.
Llega Mizgir, las chicas empiezan a cantar la canción de boda de Kupava. Incapaz de apartar los ojos de la maravillosa chica, Mizgir, sin dudarlo, rechaza a Kupava: ¡ya no la ama! ¡Se queda con la Doncella de las Nieves!
Dirigiéndose apasionadamente a la Doncella de las Nieves, Mizgir le promete regalos invaluables y su vida en
En un sentido amplio, una obra musical es una pieza (instrumental o vocal) que es resultado de la actividad de un compositor. Se caracteriza por la integridad interna, la individualización de la forma y el contenido y la fijación de la notación musical con el fin de su interpretación posterior.
Puede ser monovoz (melodía y acompañamiento) o multivoz (polifonía, homofonía). Puede ser un número independiente o parte de una determinada acción cinematográfica o dramática. La peculiaridad y singularidad de la creación de cada compositor se logra cerca medios expresivos, como modo, tempo, armonía, métrica, dinámica, ritmo, melodía.
El concepto de “género musical” se utiliza para caracterizar varias obras dependiendo de su origen y forma de ejecución.
Desde la antigüedad, diversos cantos (danzas circulares, rituales, labores, etc.) acompañaron la vida del pueblo e inspiraron a los soldados a la victoria. Así aparecieron numerosos géneros vocales. Un rasgo característico de las canciones es la repetición repetida de la melodía, la melodía principal.
El romance es un género de música vocal que surgió en el siglo XIX. Esta es una pieza para cantante con acompañamiento instrumental.
A diferencia del romance, obras corales están destinados a ser interpretados por un gran grupo de canto con acompañamiento o a capella (sin acompañamiento).
Una cantata es una pieza musical bastante voluminosa destinada a ser interpretada por un cantante, solista (o coro) y orquesta. Durante mucho tiempo, las obras de este género se escribieron en honor a alguna fecha significativa y tenían un carácter solemne. Sin embargo, también hay cantatas líricas y narrativas.
Un oratorio es una gran composición musical y dramática. No implica acción escénica y está destinado a ser interpretado por un coro, solista y orquesta.
La ópera es una composición musical y dramática que combina acción teatral y música. La característica principal de este género es que los personajes son reemplazados por el canto.
Los géneros instrumentales de obras se formaron más tarde que los vocales. Tienen valor práctico. La música instrumental acompañó desfiles, marchas, procesiones religiosas y bailes de la ciudad. En el siglo XVII aparecieron nuevos géneros, más profundos en significado y contenido.
Una sonata es una pieza instrumental que suele constar de tres partes de tempo contrastante (rápido-lento-rápido). Un poco más tarde, aparecieron obras en cuatro partes de este género en la obra de L. Beethoven.
La sinfonía es una composición musical destinada a ser interpretada en su conjunto. orquesta sinfónica. Al igual que la sonata, este trabajo V versión clásica consta de tres partes. Se distingue por su gran volumen, versatilidad de contenidos y lenguaje melódico accesible.
Un concierto es una obra musical destinada a ser interpretada por una orquesta y un instrumento solista. La mayoría de las veces, las obras de este género se escriben en forma cíclica de tres partes, pero a veces también se pueden encontrar conciertos de una parte.
forma musical
Este concepto caracteriza la relación de las partes de una obra. Por lo tanto, la forma de dos partes consta de dos secciones, generalmente de naturaleza contrastante. Tres partes: de tres, siendo la primera y la tercera partes similares en lenguaje melódico y tono, y la mitad contrastando en relación con ellas. Las variaciones son una repetición modificada del motivo principal (tema).
Existen otras formas musicales, como el rondó (el tema se repite periódicamente sin cambios), cíclico (consta de varias partes independientes unidas por un solo concepto) y libre (que se encuentra en la música moderna).
Inmediatamente te advertimos que es muy difícil responder en un artículo a la pregunta de qué géneros musicales existen. A lo largo de toda la historia de la música se han acumulado tantos géneros que es imposible medirlos con un criterio: coral, romance, cantata, vals, sinfonía, ballet, ópera, preludio, etc.
Durante décadas, los musicólogos han intentado clasificar los géneros musicales (por la naturaleza del contenido, por la función, por ejemplo). Pero antes de detenernos en la tipología, aclaremos el concepto mismo de género.
¿Qué es un género musical?
El género es una especie de modelo con el que se correlaciona una música específica. Tiene determinadas condiciones de ejecución, finalidad, forma y naturaleza de su contenido. Entonces, el propósito de una canción de cuna es calmar al bebé, por lo que son típicas las entonaciones "balanceadas" y un ritmo característico; c – todos los medios expresivos de la música están adaptados a un paso claro.
Cuáles son los géneros musicales: clasificación
La clasificación más sencilla de géneros se basa en el método de ejecución. Estos son dos grandes grupos:
- instrumental (marcha, vals, estudio, sonata, fuga, sinfonía)
- géneros vocales (aria, canción, romance, cantata, ópera, musical).
Otra tipología de géneros está relacionada con el entorno escénico. Pertenece a A. Sokhor, un científico que afirma que existen géneros musicales:
- ritual y culto (salmos, misa, réquiem): se caracterizan por imágenes generalizadas, el predominio del principio coral y el mismo estado de ánimo entre la mayoría de los oyentes;
- hogar masivo (variedades de canciones, marchas y danzas: polca, vals, ragtime, balada, himno) - caracterizado por una forma simple y entonaciones familiares;
- géneros de concierto (oratorio, sonata, cuarteto, sinfonía) – normalmente interpretado en sala de conciertos, tono lírico como autoexpresión del autor;
- géneros teatrales (musical, ópera, ballet): requieren acción, trama y escenografía.
Además, el género en sí se puede dividir en otros géneros. Así, la ópera seria (ópera “seria”) y la ópera buffa (cómic) también son géneros. Al mismo tiempo, existen varias variedades más que también forman nuevos géneros (ópera lírica, ópera épica, opereta, etc.)
Nombres de género
Se podría escribir un libro completo sobre los nombres que tienen los géneros musicales y cómo surgen. Los nombres pueden hablar sobre la historia del género: por ejemplo, el nombre del baile "kryzhachok" se debe al hecho de que los bailarines estaban colocados en una cruz (del bielorruso "kryzh" - cruz). Nocturne ("noche" - traducido del francés) se realizó de noche al aire libre. Algunos nombres provienen de nombres de instrumentos (fanfarria, musette), otros de canciones (Marsellesa, Camarina).
A menudo, a la música se le da un nombre de género cuando se transfiere a otro medio: p. danza folklórica- al ballet. Pero también sucede al revés: el compositor toma el tema “Estaciones” y escribe una obra, y luego este tema se convierte en un género con una forma determinada (4 estaciones en 4 partes) y la naturaleza del contenido.
En lugar de una conclusión
Cuando se habla de qué géneros musicales existen, no se puede dejar de mencionar un error común. Hay confusión de conceptos cuando se denominan géneros a la música clásica, el rock, el jazz y el hip-hop. Es importante recordar aquí que el género es un esquema a partir del cual se crean las obras, y el estilo más bien indica características. lenguaje musical creaciones.
La música (griego μουσική, adjetivo del griego μούσα - musa) es un arte cuyo medio para encarnar imágenes artísticas es el sonido y el silencio, organizados de forma especial en el tiempo. Las obras musicales se pueden dividir en géneros, movimientos y estilos. Los criterios para tal división pueden ser el ritmo, los instrumentos utilizados, las técnicas y otros parámetros.
· Música folclórica (ing. música folclórica): la creatividad musical y poética del pueblo, una parte integral arte popular(folclore), que existe, por regla general, en forma oral (no escrita), transmitida de generación en generación.
· Música sacra: obras musicales asociadas a textos de carácter religioso, destinadas a ser interpretadas durante servicio de la iglesia o en la vida cotidiana.
· Música clásica– este es a menudo el nombre que se le da a la música “académica”, en relación con la continuidad principalmente con los géneros y formas musicales formados en Europa en los siglos XVII y XIX (ópera, sinfonía, sonata, etc.).
· Música latinoamericana: un nombre general estilos musicales y géneros de los países latinoamericanos, así como música de estos países.
· Blues: “canción de trabajo”, gritos en los rituales de los cultos religiosos africanos (grito en inglés (ring)), espirituales (cantos cristianos de manera especial), shants y baladas (cuentos poéticos cortos). Influyó en muchos sentidos en la música popular moderna, especialmente en géneros como "pop", "jazz", "rock and roll", "soul".
· El jazz es una forma de arte musical que surgió a finales del siglo XIX y principios del XX en Estados Unidos como resultado de la síntesis de las culturas africana y europea y que posteriormente se generalizó. Los rasgos característicos del lenguaje musical del jazz fueron inicialmente la improvisación, la polirritmia y complejo único Técnicas para realizar texturas rítmicas: swing.
· País es la variedad más común de América del Norte. música folklórica, en popularidad en los Estados Unidos no es inferior a la música pop.
· Chanson, canción romántica, canción artística: un género de canciones que surgió a mediados del siglo XX en diferentes países. Sus rasgos distintivos son la combinación del autor de la música, el texto y el intérprete en una sola persona, el acompañamiento de guitarra, la prioridad del significado del texto sobre la música y la apuesta por el canto colectivo por parte de no profesionales.
· La música electrónica es un género musical amplio que se refiere a la música creada utilizando elementos electrónicos. instrumentos musicales y tecnología (la mayoría de las veces utilizando programas informáticos especiales).
· Rock es un nombre general para una serie de tendencias de la música popular. La palabra "rock" - (traducida del inglés como "pump, sway, sway") - en en este caso indica las sensaciones rítmicas características de estas direcciones, asociadas con una determinada forma de movimiento, por analogía con "rodar", "girar", "oscilar", "sacudir", etc.
lo mas caracteristicas generales Los géneros, que abordan directamente su contenido, ya están indicados en los nombres: música lírica, dramática, épica. Esto también incluye la música del programa.
Históricamente, se han desarrollado muchos nombres especiales para características de género más específicas. Sonata, sinfonía, obertura, suite, concierto, poema, fantasía, balada: todos estos son nombres de género de obras más o menos importantes.
Ópera, cantata, oratorio, sinfonía: aquí nos referimos no solo a los medios interpretativos, sino también a la esencia de estos géneros.
Una característica de género más específica la dan los títulos dobles. Por ejemplo, lírico-psicológico, épico, ópera o sinfonía; sonata pastoral o poema dramático.
Existen infinidad de títulos de género para obras de menor escala. Por ejemplo, canciones sin letra de Mendelssohn; preludios, estudios, nocturnos, baladas de Chopin; Rapsodias de Liszt; estudios-pinturas de Rachmaninov, cuentos de hadas de Medtner y Prokofiev.
Algunos de estos títulos son de naturaleza general, mientras que otros son más específicos de un género. Por ejemplo, suites francesas e inglesas de Bach, "Danzas noruegas" de Grieg, "Capriccio italiano" de Tchaikovsky, "Jota aragonesa" de Glinka.
En las obras de los románticos hay una amplia variedad de software títulos con una característica de género más individualizada. El software es el rasgo más característico. era romantica. La apelación a la programación fue causada por el deseo de los compositores románticos de expresar directamente una idea, imagen o carácter específico en el lenguaje de la música y acercar la música a otras artes, la literatura y la pintura. La complejidad de los fenómenos reflejados, la novedad de los medios y las formas, todo esto requirió instrucciones del autor que dirigirían la atención y ayudarían a comprender correctamente el significado de la obra. Los compositores han encarnado este deseo común de diferentes maneras. El propio Berlioz escribió un extenso programa para sus sinfonías, como libreto de ópera. Las obras de Liszt se inspiraron en imágenes de la literatura mundial y tomaron sus nombres. Por ejemplo, las sinfonías “Fausto” (cada parte tiene un nombre: “Fausto”, “Gretchen”, “Mefistófeles”), “Dante” de “ divina comedia» Dante; poemas sinfónicos "Orfeo" - mitología antigua, “Hamlet” basada en Shakespeare, “La batalla de los hunos” basada en un fresco del artista alemán Katzlbach. A Schumann se le ocurrió un título característico de una obra determinada, que indica un contenido específico, o expresó una idea o intención poética general en el título. Por ejemplo, los ciclos de piano "Mariposas", "Flores". Y en ocasiones, detallando el contenido, le da a cada obra del ciclo un título individual. Esto se aplica a las miniaturas “Pierrot”, “Pleasant Meetings”, “Tender Confessions”, “Coquette”, etc., incluidas en el ciclo de piano “Carnaval”.
En la música no programada, los nombres de los géneros de danza son los más definidos. Chopin en su creatividad del piano Se limitó únicamente a definir el género de la obra: nocturno, balada, polonesa, mazurca, vals.
El género, como generalización de la práctica musical y social, es un medio de expresión esencial. imagen artística en la literatura musical. Por ejemplo:
La marcha adquirió gran importancia en las obras de Beethoven y Schubert – género asociado a la época revolución francesa, el movimiento revolucionario de masas, con la era de las guerras napoleónicas;
Géneros de canciones y danzas populares en las obras de compositores rusos de los siglos XIX y XX. Por ejemplo: la danza Mazurka, como medio para crear el color nacional, Glinka. Ópera “Ivan Susanin”, Acto II; cancioneros - como medio de caracterización musical de la imagen en relación con el texto de la canción - Sviridov. Poema “En memoria de S. Yesenin”, parte VII “Niños campesinos”.
A medida que cambia el contenido del pensamiento social, también cambian los géneros musicales típicos de una época determinada: algunos se extinguen (por ejemplo, el canto gregoriano, el ricercar) y otros aparecen (canción artística, ópera rock).
Una obra musical, como cualquier obra de arte, es unidad de contenido y forma.
Opción I
Contenido musical– visualización de la realidad en imágenes musicales específicas. Artístico, etc Las imágenes musicales aparecen en la imaginación creativa no por sí solas, sino como resultado. percepción realidad. Esta percepción no transfiere automáticamente los fenómenos de la realidad al arte (naturalismo), sino que los transforma en imágenes artísticas mediante el procesamiento creativo de las impresiones de la vida. Por tanto, el reflejo artístico de la realidad (incluso en las bellas artes) es un reflejo de la actitud generalizada del artista ante la realidad, su cosmovisión.
Imágenes musicales- el resultado de este tipo de generalización sensorial, que tiene lugar en el mundo espiritual del hombre y crea la base tanto para la imaginación creativa del compositor como para la percepción ética del oyente. Música la imagen nace en forma musical y se percibe como un fenómeno orden musical. Por tanto, las imágenes musicales no son sólo un producto de la realidad, sino también un producto cultura musical con todos sus medios de expresión musical en desarrollo histórico, formando un “lenguaje musical”.
Opción II
La realidad se refleja en el arte en la forma. imagenes artisticas. Las principales características de una imagen artística suelen darse al inicio de la obra, pero la imagen artística se revela plenamente en el proceso de desarrollo del contenido. La presentación inicial de una imagen artística en la música se llama tema musical(una construcción que sirve de base para el proceso posterior de desarrollo).
Concepto forma musical Tiene dos significados: amplio, estético general y estrecho, tecnológico.
EN en un sentido amplio – la forma es un sistema holístico y organizado de medios expresivos musicales con la ayuda del cual se materializa el contenido de la obra (un conjunto de medios expresivos musicales que revelan el contenido ideológico y figurativo de la obra). Los componentes de la forma musical en este sentido no son solo la estructura (tipo de composición) de la obra en su conjunto y sus partes, sino también la textura - la forma de presentar el material musical - (melodía, armonía, ritmo - en su unidad). , medios de timbre y registro, matices dinámicos, tempo, métodos de producción de sonido, etc.
En un sentido estricto– estructura de la obra (tipo de composición – estructura del musical u otro obra de arte, surgiendo a partir de la relación de sus elementos más importantes. La composición de la obra tiene un propósito y ayuda a expresar la intención del compositor); construcción de una obra musical, la relación de sus partes.
Opción I
Desarrollo musical en la obra. continuamente. La continuidad se mantiene por la dinámica interna, provocando una anticipación constante de un mayor desarrollo, hasta su finalización final.
Al mismo tiempo, la música se caracteriza articulación, desmembramiento a través de cadencias, paradas de larga duración, pausas. Estos signos de puntuación musicales, que forman la redondez y la integridad de las construcciones individuales, se denominan cesuras (el momento de separación entre cualquier parte de la forma).
Debido a su similitud en este sentido con el habla verbal (capítulos, párrafos, frases e incluso palabras), el desarrollo musical se denomina discurso musical(frases, oraciones, punto).
Los principales signos de cesura:
Detenerse ante un sonido largo;
Repetición de figuras melódico-rítmicas;
Cambiar sombras dinámicas, registros, etc.
La cesura suele expresarse más claramente en la voz principal.
La parte de la forma delimitada por cesuras se llama construcción(independientemente de la duración, desde un latido hasta cientos de latidos). Partes del formulario, es decir. Las construcciones separadas entre sí por cesuras están al mismo tiempo en unidad, gracias a lo cual juntas forman conjunto musical.
La división de un pensamiento musical relativamente completo en partes y su subordinación entre sí (unidad) - sintaxis musical.
Opción II
Sintaxis(griego - composición) es un área de gramática dedicada al estudio de las conexiones semánticas en discurso verbal, la doctrina de las frases, de las oraciones.
En la música también existen conexiones entre sonidos separados, formando frases musicales, entre las propias frases. Estas conexiones surgen sobre la base del modo, ritmo del compás, forma del movimiento melódico, etc. - todo esto habla de sintaxis del discurso musical.
Una pieza musical se puede comparar con obra literaria. Una historia, una novela, tiene un plan, una idea y un contenido, que se aclaran durante la presentación gradual. Además, cada pensamiento se expresa en frases completas, separadas entre sí por puntos. Las partes de una oración están separadas por comas.
En una obra musical, el contenido tampoco se presenta en un flujo continuo de sonidos. Al escuchar música, percibimos en ella momentos de división: cesura. Cesura es el momento en el que se produce la separación de una construcción de otra. Las cesuras tienen rasgos característicos:
Cambio de registros, textura, movimiento melódico, tempo, timbre;
La aparición de nuevos material melódico o su repetición;
Cesura entre una construcción y su construcción literal o variada.
Así como en el habla coloquial un pensamiento se expresa en oraciones que constan de palabras individuales, en las oraciones melódicas se dividen en estructuras más pequeñas: frases Y motivos(elementos componentes de formas musicales, células que forman la base de una melodía).
Motivo- la parte más pequeña de la melodía, una célula indivisible del habla musical, que tiene un cierto significado expresivo y que se puede reconocer cuando aparece.
Mozart. Sinfonía nº 40, capítulo;
Tchaikovsky “Canción alemana” (da);
Chaikovski. Puede. “Noches Blancas” (d.a.);
Haydn. Minué;
Mozart. Minué;
Purcell. Aria;
Mordasov. Viejo motivo.
Secuencias de 2-3 motivos forman una estructura relativamente cerrada. frase musical. Las frases, a su vez, se combinan y la secuencia de 2 frases forma una construcción aún mayor, llamada oferta. La secuencia de 2 oraciones forma una sección completa, que se llama período - una forma simple de una parte.
Muchas de las piezas más pequeñas son piezas de época. Pero, en su mayor parte, las obras musicales constan de una cadena de períodos.
Entonces la sucesión de dos períodos forma una simple formulario de dos partes (A+A 1, A+B). EN música vocal esta forma se llama versículo.
- Chaikovski. Puede. “Noches Blancas” (d.a.) - A+B;
Maykapar. En el jardín de infantes A+B;
Schumann. Marzo - A+B;
- Shulgin. marzo de octubre -A+B;
- Händel. Minueto - A+A 1;
- Purcell. Aria -A+A1;
- Llevar una vida de soltero. Aria -A+A1
forma tripartita consta de tres secciones (la mayoría de las veces tres períodos): la primera y tercera secciones son iguales; medio: continúa el desarrollo del material temático de la primera parte o se basa en material nuevo, a menudo contrastante (A+A 1 +A, A+B+A).
Chaikovski. “Marcha de los Soldados de Madera” (d.a.) - A+A 1 +A;
Chaikovski. “Muñeca nueva” (d.a.) - A+A 1 +A;
Chaikovski. "Alondra" (d.a.) - A+A 1 +A;
- Mozart. Minueto - A+A 1 +A;
Chaikovski. “Dulce sueño” (d.a.) - A+B+A;
- Rubinstein. "Melodía" - A+B+A;
- Mussorgsky. “Baba Yaga”, “Ballet de los pollitos sin eclosionar” (“Cuadros de una exposición”) – sl. 3 partes con centro en contraste;
Griego. "Procesión de los Enanos" - palabras 3 partes con centro en contraste;
- Prokófiev. Danza de los Caballeros - letra. 3 partes con centro en contraste;
-Mozart. Sinfonía No. 40, Parte III - letra. 3 partes con trío
Variaciones- una forma musical que consta de un tema y varias repeticiones del mismo en una forma modificada ( A + A 1 + A 2 + A 3 ...).
- Händel. Passacaglia g moll – 2957 (bajo ostinato);
Mozart. Variaciones sobre un tema francés. Canciones. – 572;
Griego. En la Cueva del Rey de la Montaña – 3641 (soprano ostinato);
Enmarañar. Bolero – 3139 (variaciones dobles);
Glinka. Kamarinskaya - 3578 (variaciones dobles)
Shostakóvich. Sinfonía nº 7, Parte I, episodio de invasión – variaciones gratuitas sobre un tema constante
Rondó(Francés – danza circular, caminar en círculo) – una forma musical que consiste en la repetición repetida de un tema – abstenerse(el tema se imparte al menos 3 veces), con el que se alternan secciones de otros contenidos - episodios. La forma rondó comienza y termina con un estribillo, formando una especie de círculo vicioso. (A+B+A+C+D+A).
Couperina. Chacona “Amada” - 2874;
Mozart. Arioso Figaro “Frisky Boy...”, I d. “Las bodas de Fígaro” -
Glinka. Romance "Noche Malvavisco" -
Glinka. Rondo Farlafa, II edificio “Ruslan y Lyudmila” –
Borodín. Lamentación de Yaroslavna, IV d. “Príncipe Igor” -
Prokófiev. "Julieta es una niña" -
Mussorgsky. "Cuadros de una exposición" - Rondo con características de suite.
Grandes obras compuestas por partes separadas combinadas. plano general, consulte formas cíclicas.