Cuando los empresarios discuten el futuro de una empresa o los beneficios de un producto, dan significado especial ideales e ideología: se escuchan conceptos como "aumento de las ventas", "servicio de calidad" o "desarrollo sostenible". Y dado que los empleados de una organización, al igual que sus clientes, suelen ser personas con diferentes puntos de vista y temperamentos, puede parecer que tales construcciones abstractas son bastante apropiadas, ya que crean un entendimiento común.
Pero tal teorización socava uno de los principios fundamentales de la comunicación: no proporciona claridad. Los gerentes deben hablar sobre las estrategias de desarrollo de tal manera que los subordinados tengan una imagen clara en sus cabezas. En lugar de frases filosóficas, los vendedores más eficaces comunican sus ideas utilizando palabras claras basadas en imágenes.
¿Qué son las imágenes verbales?
En resumen, se trata de frases que describen objetos con propiedades distintas (como los niños) y acciones fácilmente reconocibles (como sonreír y reír). Las imágenes transmiten información sensorial y, por tanto, pintan una imagen vívida en la imaginación: es muy fácil para los oyentes imaginar de qué está hablando el hablante. Se puede decir que la visión que se transmite a través de imágenes verbales es la más cercana al significado literal de la palabra "visión".
Un discurso rico en imágenes es mucho más eficaz que un informe a través del cual el orador intenta explicar conceptos abstractos a los oyentes. Andrew Carton, junto con Chad Murphy de la Universidad de Oregon y Jonathan Clark de Penn State, descubrieron que los pacientes hospitalarios responden mejor a trabajadores médicos que utilizan imágenes en su trabajo y comunicación con los pacientes que sobre los médicos que recurren a la ayuda de ideas abstractas.
Otro estudio, en el que se pidió a los equipos que desarrollaran un prototipo de juguete para niños, encontró que las discusiones que utilizaban imágenes emocionales ("nuestros juguetes... harán reír al niño y sonreír a sus padres") recibieron una respuesta mucho mejor que las expresiones neutrales (" nuestros juguetes... gustarán a todos los compradores").
Las imágenes verbales y las coloridas metáforas literalmente dan vida a sus oyentes: se inspiran en una comprensión cristalina de sus ideas.
Imágenes inspiradoras del futuro.
Cabe mencionar otro estudio que confirmó los beneficios del uso de imágenes verbales. Así, Cynthia Emrich de la Universidad Purdue y sus colegas descubrieron que los presidentes estadounidenses que usaban metáforas vívidas eran y son considerados más carismáticos en comparación con los presidentes que hablaban de manera más abstracta.
Seguro que has oído hablar de estudios y opiniones similares. Lo que tienen en común todos los discursos inspiradores pronunciados en los momentos más críticos de la historia es que los oradores apelaron a la imaginación de sus oyentes. Desde Winston Churchill, que imaginó vívidamente un futuro cercano en el que los aliados “lucharían en los campos y las calles”, y John Kennedy, que quería “llevar un hombre a la luna”, hasta Martin Luther King, con su sueño de una época en la que “los hijos de esclavos y los hijos de esclavistas podían sentarse a la misma mesa”.
Los revolucionarios empresariales también utilizaron activamente las imágenes verbales. Piense en Bill Gates y su “computadora en cada escritorio de cada hogar”, o en el sueño de Henry Ford de un automóvil “lo suficientemente grande para toda la familia”. Más recientemente, recuerdo al químico británico Paul Thomas y su discurso de que “llegará el día en que podremos detectar un tumor en el pulmón si simplemente le pedimos a una persona que sople en un tubo”.
Más detalles
En su libro Made to Stick: Why Some Ideas Survive and Others Die, los hermanos Heath (Chip y Dan Heath) sostienen que la gente tiende a confiar en imágenes concretas porque la vida misma es concreta. Los días de nuestra vida están llenos de símbolos visuales, sonidos y olores; en consecuencia, las imágenes verbales transmiten perfectamente la realidad.
Especialmente estas imágenes son la mejor opción a largo plazo, porque el futuro suele ser incierto. Cuando el evento aún no ha ocurrido, la gente responde mejor no a conceptos como “maximizar el precio de las acciones” o “brindar un servicio excelente”, sino a expresiones que transmiten la esencia a través de metáforas, sensaciones o incluso sonidos.
Al mismo tiempo, las personas mismas no están dispuestas a pintar imágenes vívidas en su imaginación cuando se trata del futuro. Nira Liberman de la Universidad de Tel Aviv y Jacob Troup de la Universidad de Nueva York descubrieron que cuanto más distante es el evento, más general se vuelve el pensamiento de una persona.
Por ejemplo, cuando se pidió a los sujetos que imaginaran el proceso de lectura de un libro, era mucho más probable que lo describieran como “adquirir conocimientos” en lugar de “seguir las líneas impresas”; si hablaban de leer “el próximo año” en lugar de “seguir las líneas impresas”. "mañana." Es esta tendencia la que explica el hecho de que más del 90% de los gerentes se comunican con sus subordinados sin utilizar imágenes brillantes.
Aquellas personas que intentan revertir la tendencia descrita anteriormente y hablan del futuro lejano en términos más concretos a menudo recurren a números para ilustrar el objetivo; por ejemplo, hablan sobre el precio de las acciones, la cuota de mercado o el retorno de la inversión. Y esto es comprensible: este análisis es obligatorio para cualquier negocio. También utilizamos datos específicos para organizar el caos que nos rodea, para llevar una realidad compleja a un marco determinado. Realizamos diagnósticos para rastrear cambios.
Las investigaciones han demostrado que establecer metas con números específicos aumenta la motivación de los empleados, en gran medida porque las expectativas se vuelven mucho más claras. La importancia de cuantificar la realidad no ha hecho más que aumentar en la era digital. Sin embargo, las imágenes verbales tienen ventajas de las que los informes, incluso con cifras exactas, no pueden presumir.
2 ventajas principales
Otro estudio confirmó que las presentaciones que utilizan imágenes verbales tienen dos ventajas innegables. En primer lugar, los mensajes con números y estadísticas corren el riesgo de ser incomprendidos si no hay una historia interesante detrás, que casi siempre está presente en los mensajes con abundancia de imágenes. En segundo lugar, Deborah A. Small y sus colegas descubrieron que una historia sobre una niña de 7 años hambrienta en Malawi motivó a la gente a dar el doble. mas dinero, que informar sobre “una hambruna en Malawi que afecta a más de tres millones de niños”.
Ambos principios descritos son fáciles de ilustrar con ejemplos.
En el primer caso, estamos hablando de accesibilidad a la percepción. Por ejemplo, la empresa pretende aumentar su uso de energía renovable en un 25%. Para ello, deberá asegurarse de que la gente sepa todo sobre esta forma de energía y entienda cómo se puede aumentar su uso. Pero la frase: “Ciudades con paneles solares en cada tejado, biocombustibles en cada coche y turbinas eólicas en cada colina” es comprensible para todos los oyentes, independientemente de su educación y conocimientos técnicos.
Para demostrar el segundo principio (impacto emocional), podemos tomar el programa municipal de la ciudad de Nueva York, cuyo objetivo era reducir el número anual de peatones asesinados de 200 a 0. Desde el punto de vista de los compiladores del programa, cero ciertamente parece ser un objetivo eficaz. Pero palabras brillantes y memorables podrían mostrar mejor lo que cambiaría después de lograr el objetivo: por ejemplo, cómo cada año 200 personas recibirían el regalo de la vida y la felicidad de conocer los amaneceres y ver los atardeceres con sus seres queridos.
Aunque los números son más específicos que expresiones generales como “maximizar el precio de las acciones”, es fácil dejarse engañar creyendo que harán que el cerebro piense más rápido o activarán la imaginación.
De hecho, todo es exactamente al revés: los números reducen la capacidad del oyente para percibir información figurativa. Para verificar la exactitud de este argumento, recurramos a la investigación en el campo de la anatomía del cerebro.
Según Seymour Epstein y sus colegas, uno piensa lógicamente (yo analítico o “yo racional”) y el segundo percibe información sensorial del mundo que nos rodea (yo empírico o “yo sensorial”). Los números se procesan en un sistema analítico y no contribuyen a la formación de una imagen general. Y las imágenes verbales entran en el sistema empírico y se transforman instantáneamente en una "visión" específica.
Es muy difícil operar ambos sistemas cognitivos al mismo tiempo. Cuando uno trabaja, el otro descansa. A medida que la información cuantitativa (datos, estadísticas, métricas, etc.) activa el sistema analítico, otra parte del cerebro responsable de crear imágenes vívidas espera su turno. Los números son literalmente el enemigo mortal de la imaginación.
Un título un poco extraño para esta lección, ¿no? Por lo general, los dibujos se dibujan con pinturas o lápices. Bueno, como último recurso, puedes crear una imagen verbal: describe con palabras la belleza de la naturaleza o un evento, en otras palabras, habla de ello de manera colorida. Todo es correcto. Pero hoy aprenderás que puedes representar con la ayuda de sonidos.
Por cierto, ya hemos visto un ejemplo de una imagen musical: en la lección 2, usted y yo escuchamos la obra "Payasos" de D. Kabalevsky interpretada por el pequeño pianista Georgy Dorodnov. Utilizando sonidos, el compositor creó la imagen de divertidos payasos que actúan en el circo y divierten a los niños, mientras ellos cantan, bailan y dan vueltas...
Y en la lección 3 escuchamos la obra de Sher “Butterfly” interpretada por un pequeño violinista. Imagen mariposa ligera Crea sonidos de violín cuando el arco solo toca ligeramente las cuerdas.
Por supuesto, un cuadro musical es más difícil de entender que, por ejemplo, uno pintado. En una imagen normal, todo es inmediatamente visible. Y para comprender una imagen musical, es necesario poder hacer muchas cosas: poder escuchar atentamente la música, tener al menos un poco de imaginación y fantasía, comprender el tempo de la música (rápido o lento), prestar atención a el título de la pieza... ¿Intentemos entender la imagen musical?
Nuevamente escuchamos obras del “Álbum infantil” de P.I. Chaikovski. Llaman la atención los nombres de las obras: "Baba Yaga", "Nueva muñeca", "La enfermedad de las muñecas", "La marcha de los soldados de madera", etc. ¿Cómo pudo el compositor dibujar tales imágenes usando música?
Pero escuchemos.
“La enfermedad de la muñeca” del “Álbum infantil” de Tchaikovsky. ¿Qué opinas? Si hablamos de enfermedad, ¿qué tipo de música debería ser: alegre o triste?
la muñeca esta enferma
La muñeca Masha se enfermó.
El médico dijo que estaba mal.
Masha tiene dolor, Masha tiene dolor.
No puedes ayudarla, pobrecita.
Masha nos dejará pronto.
Esto es ay, esto es ay, ay,
Ay, ay, ay, ay...
Ya sabes que pueden ser los sonidos Alto y bajo. Los sonidos agudos de la obra transmiten los gemidos de un muñeco enfermo, sus gritos. Luego, la música se vuelve cada vez más silenciosa: la muñeca enferma se queda dormida. Y aunque Tchaikovsky escribió las piezas de este álbum para pequeños pianistas, también hay arreglos para orquesta. Y son los sonidos del violín los que transmiten con mayor naturalidad los gemidos y llantos del muñeco enfermo. Miremos y escuchemos.
La canción de boda de Transcarpacia "Oh, Vasily, Vasilyochka" te ayudará a tomar un descanso de una lección seria: muévete al ritmo de la música, crea algunos de tus propios movimientos y observa el ritmo de la música.
Ahora continuemos la conversación sobre películas musicales.
Piotr Ilich Tchaikovsky en el “Álbum infantil” no sólo mostró a través de sonidos imágenes de la vida cotidiana de un niño de esa época, sino que también se fue de viaje con los niños. Tenga en cuenta que muchas obras llevan nombres de diferentes países: "Canción italiana", "Canción francesa antigua", "Canción alemana", "Canción napolitana". Quería que los niños aprendieran a comprender la cultura no sólo de su propio país, sino también de otros pueblos. Además, el álbum contiene danzas folclóricas: “Mazurka” es una danza polaca; “Kamarinskaya” – canción de danza folclórica rusa; "Polka" - checo baile folclórico.
¡Ya ves cuánto puedes contar a través de la música!
Escuchemos la "Canción napolitana" del "Álbum infantil" de Tchaikovsky. El compositor estuvo en Italia, se enamoró de la música italiana y utilizó parte de esta música en sus obras. Por ejemplo, incluyó la danza napolitana en su ballet El lago de los cisnes.
Escuche cómo lo interpreta el pequeño pianista.
Responde a las preguntas:
¿Qué instrumento toca la niña?
¿En qué otra representación hemos escuchado esta obra?
¿Qué actuación te gustó más?
Y aquí hay otro imagen musical: obra del compositor alemán Robert Schumann "El jinete audaz". Escuchémoslo y luego hablemos sobre los sonidos que usó el compositor para describir al valiente jinete.
Los sonidos de esta pieza. entrecortado, bastante rápido- parecen ilustrar (es decir, repetir, mostrar) la facilidad de correr del caballo. El niño enfatiza (destaca) con el juego. sonidos individuales, enfatizando el ritmo. Y puedes repetir este ritmo con un lápiz, como ya hemos hecho. Lo más probable es que el caballo sea pequeño y que en él haya un jinete pequeño y valiente, porque Schumann también escribió esta obra para niños y para que la representaran los niños. Incluso puedes hacer un dibujo de un valiente jinete tal como se te apareció mientras escuchas música.
Jinete valiente
Preguntas de revisión
1) Recuerda los nombres de todas las obras que escuchaste hoy y sus autores (compositores).
2) Ahora está claro que con la ayuda de los sonidos se pueden representar todos los sentimientos de una persona: tristeza, alegría, alegría e incluso dibujar una imagen musical.
3) ¿Cuáles son los sonidos? Completa las características de los sonidos que conoces con los que aprendimos hoy.
Enviar su buen trabajo en la base de conocimientos es sencillo. Utilice el siguiente formulario
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KartiNosotros creados con la ayuda de sonidos.
percepción musical creativa del estudiante.
· Enseñar a los estudiantes a escuchar y analizar obras musicales.
· Adjuntar a en una variedad de formas actividad musical
· Desarrollar pensamiento musical Y percepción creativa estudiantes
durante las clases
Los niños entran al aula al son de la música. Di hola ( saludo musical"Hola, chicos").
Chicos, recordemos lo que aprendimos en la última lección.
1. ¿Qué sonidos hay? (ruido y música)
2. Cómo podría sonar tu nombre, aplaudeme.
Resulta que con la ayuda de la música podemos representar muchos objetos y eventos diferentes. Y en la lección de hoy aprenderemos a dibujar con la ayuda de la música. Los invitados vinieron a nuestra lección, adivinan quiénes son (mostrando peluches: un gato y un oso). quiero hablarte de uno de ellos historia interesante(leyendo “El cuento de un gato” p. 21)
1. Dime, ¿de quién trata este cuento de hadas?
2. ¿Cómo se comportó el gato?
4. ¿Qué tipo de música se te ocurre para este cuento de hadas? (ruidoso, tranquilo, alegre, triste)
5. ¿La música de nuestro cuento de hadas es igual o diferente? (varios)
Ahora conozcamos a otro de nuestros invitados (mostrando el oso). ¿Por favor dime qué tipo de voz tiene el oso? (grosero, bajo). El oso puede gruñir. Imaginemos que nuestro oso camina por algún lugar lejano del bosque. Cómo gruñirá (en voz baja). Te mostraré con mi mano cómo gruñe un oso (dibujo un pequeño círculo en el aire con mi mano). Repitamos conmigo (los niños dibujan un pequeño círculo con las manos). Y ahora el oso se acerca a nuestra escuela y su voz se hace cada vez más fuerte (dibujo círculos más grandes. Los niños repiten). Y finalmente. Vino a nuestra clase (los niños gruñen muy fuerte y dibujan el círculo más grande con las manos).
Bien hecho. Y ahora escucharemos cómo, usando sonidos musicales puedes hacer cualquier dibujo. Escuchando “El vuelo del abejorro” de N.I. Rimski-Korsakov. Se muestra una imagen de un abejorro.
· ¿Qué sonidos utiliza el compositor para pintarnos un cuadro de vuelo?
· ¿Qué estado de ánimo nos hace sentir esta música?
· ¿Qué dibujo puedes dibujar mientras escuchas este pasaje?
Chicos, probablemente estén cansados, bailemos un poco.
"Danza de los patitos"
4. Canto: “Gallos” Repetición: “ Músico alegre" Trabajando la dicción.
Aprender material nuevo. “Rain” (p. 105) Mostramos el movimiento de la melodía con la mano.
5. Resumen de la lección.
· ¿Qué novedades aprendiste en la lección?
· ¿Cómo te sientes al final de la lección?
· ¿Qué canción aprendimos?
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Entumecido sobre la nieve fresca,
Bajo el fuerte viento que sopla en la tubería,
Corre, golpeando tus botas,
Y temblando y temblando de frío.
Y todavía encuentro la llama salvadora
Y, una vez calentado, olvídate del problema.
Y de nuevo apurate con pasos inciertos, Deslízate hasta caer sobre el hielo.
Platija, sube y baja de nuevo
En el plano de la capa de hielo,
Y todos luchan por el hogar, el hogar.
Y escucha allí, calentando tu alma con consuelo,
Como boreanos volando desde puertas de hierro...
¡Todavía hay alegría en invierno!
(traducido por David Samoilov). Dado que cada concierto tiene tres movimientos (rápido, lento, rápido nuevamente), Vivaldi representó doce escenas de este tipo en total. Por un lado, esta música puede percibirse como pura expresión, una expresión de emociones. Pero es interesante que el compositor asumió un contenido más específico y, además de los sonetos, acompañó las notas con comentarios. Así, en la primera parte del concierto “Invierno” se dice directamente: te castañetean los dientes por el frío, pero pateas para calentarte. La segunda parte es calidez. hogar acogedor, fuego en la chimenea y quedarse dormido. La tercera parte: los vientos fríos y cálidos se empujan en el cielo.
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Obertura de la ópera “Las bodas de Fígaro”
Wolfgang Amadeus Mozart
Escena de Las bodas de Fígaro. Dibujo de Thomas Charles Naudet. Finales del siglo XVIII Biblioteca Nacional de Francia La obertura es una introducción orquestal a la ópera; nos prepara para la próxima representación. En la ópera bufa Ópera bufa ( italiano opera buffa - “ópera cómica”) es el nombre italiano para la ópera cómica. La obertura “Las bodas de Fígaro” crea una atmósfera de alegre bullicio y anticipación de las vacaciones. Hay muchos héroes en él, cada uno con su propio carácter y sus propias intenciones: románticas o mercantiles. La trama es complicada, pero se desarrolla rápidamente, al igual que la obertura. Esta música también refleja el carácter del personaje principal, quien insistente e impacientemente empuja la acción para llevarla a un final feliz.
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Mazurca. Litografía en color. Alemania, década de 1850 Biblioteca pública de Nueva York La mazurca es una danza folclórica polaca, rápida, enérgica, con giros y saltos. En el siglo XIX empezó a representarse en todos los bailes europeos. Cuando era niño, mientras vivía en Polonia, Chopin observó más de una vez cómo se bailaba la mazurca durante las vacaciones rurales al son de una pequeña orquesta de pueblo. El destino del compositor fue tal que pasó toda su vida adulta separado de su tierra natal y la extrañó mucho. Recordando Polonia, compuso cada vez más mazurcas; Hay alrededor de 60 en total y tienen un carácter muy diferente: a veces imitan un conjunto de instrumentos del pueblo, a veces una orquesta de baile. Pero muchas de las mazurcas de Chopin son profundamente tristes, como la Mazurka en La menor. Esto ya no es tanto un baile como un recuerdo lírico del mismo.
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Pierrot y Arlequín. Pintura de Paul Cézanne. Francia, 1888-1890 Museo Estatal Bellas Artes que lleva el nombre. A. S. Pushkina Schumann - maestro de la creación retratos musicales. En el ciclo de miniaturas para piano. Miniatura - una obra breve de una sola parte. En "Carnaval" presentó toda una serie de personajes, cuyos personajes se expresan, entre otras cosas, a través de su forma de moverse. Aquí viene Pierrot: está tan pensativo y triste que no se da cuenta de cómo tropieza una y otra vez con sus mangas largas. Pero Arlequín es ágil, rápido y parpadea aquí y allá, logrando dar volteretas mientras corre. Personas reales conviven con los personajes enmascarados. El ciclo contiene las obras "Chopin" y "Paganini", en las que Schumann transmitió las imágenes de sus destacados contemporáneos, imitando su estilo musical.
Realizado por: Evgeny Kisin
Obertura a la ópera "Carmen"
Georges Bizet
Escenografía para la ópera "Carmen". Dibujo de Alexander Golovin. 1908 Museo Estatal Ruso / DIOMEDIA Luz cegadora del sol del mediodía, España. La multitud bien vestida reunida para la corrida hace ruido esperando al principal participante en los hechos. Y aquí viene, un apuesto torero, un héroe y el favorito del público: ya en la primera y rápida parte de la obertura se expone el famoso tema de su marcha. La celebración de la vida se siente aún más intensamente cuando roza el riesgo mortal: la segunda parte, lenta, marca la invasión de la tragedia.
Interpretada por: Orquesta Sinfónica de Viena, director Herbert von Karajan
La obra "En la cueva del rey de la montaña" de la suite "Peer Gynt" basada en el drama de Henrik Ibsen
Edvard Grieg
Ilustración de Arthur Rackham para la obra de Henrik Ibsen Peer Gynt. Inglaterra, 1936 Wikimedia Commons Los trolls y los espíritus de la montaña son los personajes principales del folclore de Noruega, tierra natal del compositor Edvard Grieg. Los trolls son feroces, crueles, tercos y hostiles con los humanos. Así es exactamente como aparecen en la obra orquestal más famosa del compositor, “En la cueva del Rey de la Montaña”.
El Señor Troll marcha, rodeado por su séquito, hacia su trono. La procesión avanza desde lejos. A lo largo del camino, cada vez se le unen más trolls, que aparecen en cada grieta, detrás de cada saliente rocoso. En la oscuridad de la cueva se encienden las llamas de las antorchas. Y ahora esto ya no es una procesión, sino un baile frenético. Los trolls alaban a su rey con gritos salvajes. Da miedo... Pero con qué sencillez se hace: la melodía se repite invariablemente, pero se añade el número de instrumentos, el volumen aumenta y el tempo se acelera.
La obra "Nubes" del ciclo "Nocturnos"
Claude Debussy
Prado. Pintura de Alfred Sisley. Francia, 1875 Galería Nacional de Arte, Washington Debussy escribió un breve programa literario para esta pequeña pieza orquestal. Programa(v. música instrumental) — Presentación verbal del contenido de una obra musical.. No tiene trama ni personajes, no se dice nada sobre las experiencias humanas: ““Nubes” es una imagen inmóvil del cielo con nubes grises que flotan y se derriten lenta y melancólicamente; Al alejarse, se apagan, suavemente sombreados por una luz blanca”. Debussy buscaba una manera de transmitir el cambio de color y la diferencia de iluminación a través de la música; intentó acercar la música a las pinturas de los impresionistas. No debes buscar hermosas melodías extendidas en la obra (después de todo, la melodía expresa sentimientos humanos, pero aquí no hay ninguna persona). Las llamadas de motivos breves son como las voces de la naturaleza misma. El sonido impresionista surge gracias a las coloridas combinaciones de acordes y a la peculiar distribución de los timbres de los instrumentos: las cuerdas desempeñan un papel inusual como fondo, se asignan motivos breves a los instrumentos de viento y trompas. El unísono de flauta y arpa en el medio de la pieza destaca como una nube blanca.
Interpretada por: Orquesta Sinfónica de Boston, director Claudio Abbado
Marcha de Chernomor de la ópera “Ruslan y Lyudmila”
Mijaíl Glinka
Diseño de vestuario para Chernomor para la ópera “Ruslan y Lyudmila”. Dibujo de Víctor Hartmann. 1871 Museo Estatal de A. S. Pushkin / DIOMEDIA La marcha de Chernomor en la ópera "Ruslan y Lyudmila" acompaña la entrada ceremonial del malvado mago enano (¡y la eliminación de su milagrosa barba!). La fantástica imagen de Pushkin quedó perfectamente plasmada en la música de Glinka. En la marcha sucede transformaciones asombrosas: lo exageradamente amenazador de repente se vuelve pequeño y divertido, y nuevamente amenazador, y nuevamente divertido. El potente sonido de toda la orquesta es el responsable del horror ( tutti- del italiano. "todo") y fanfarrias de trompeta, para lo mágico - campanas, y para lo cómico - "esos" acordes de instrumentos de viento de madera altos y el chirrido de una flauta flautín. Tener miedo o no tener miedo: ¡esa es la cuestión!
Interpretada por: Orquesta del Teatro Bolshoi, director Yuri Simonov
“Danzas polovtsianas” de la ópera “Príncipe Igor”
Alejandro Borodin
"Danzas polovtsianas" representadas por el Teatro Bolshoi. Moscú, 1964 León Dubilt / RIA Novosti "Danzas polovtsianas" es una escena de la ópera "Príncipe Igor", que a menudo se representa por separado como obra de concierto. Según la trama, Khan Konchak organiza unas vacaciones en honor al príncipe capturado Igor para poner fin a la hostilidad con Rusia. Noche. El calor del verano disminuye gradualmente y una acción de belleza y lujo sin precedentes se desarrolla ante el príncipe ruso. La danza seductora y lánguida de los esclavos con movimientos suaves y flexibles es reemplazada por una danza frenética de hombres que demuestran su fuerza desenfrenada (el propio autor llamó a esta danza "salvaje"), y luego, aún más rápida y ligera, la danza de los chicos Kim. Los bailarines se reemplazan una y otra vez, y finalmente se unen en una danza común con gritos de alabanza al khan. De la serie de melodías mundialmente famosas de este fragmento, destaca especialmente la primera que acompaña a la danza de los esclavos, un ejemplo de una combinación única de estilos. Una melodía triste con abundantes giros flexibles podría ser rusa canción folk(lo cual es consistente con la trama; después de todo, no son las bellezas polovtsianas las que bailan, sino cautivas: en la ópera el baile va acompañado de cantos coro de mujeres con las palabras “Vuela en las alas del viento a tu tierra natal, nuestra canción natal...”). Sin embargo, el acompañamiento con ritmo sincopado Síncope - cambiando el énfasis de un tiempo fuerte a un tiempo débil. y los sonidos especiados están diseñados en un estilo claramente oriental.
Interpretada por: Orquesta Filarmónica de Berlín, director Herbert von Karajan
"Paseo", "Gnomo", "Castillo viejo", "Ballet de los pollitos sin eclosionar", "Dos judíos, ricos y pobres", "Baba Yaga" y otras obras de la serie "Cuadros de una exposición"
Modesto Músorgski
Diseño de vestuario para el ballet "Trilby". Dibujo de Víctor Hartmann. 1871 Wikimedia Commons Mussorgsky escribió el ciclo de piano “Cuadros de una exposición” después de visitar la exposición póstuma de uno de sus amigos artistas, Victor Hartmann. De ahí la excepcional variedad de contenidos (retratos de personajes de cuentos de hadas se alternan con bocetos de la vida real, escenas cómicas con reflexiones sobre la muerte y desde las catacumbas romanas de París nos transportamos a la “Puerta de los Bogatyr” de Kiev). El ciclo comienza con un "Paseo", que se repite después de cada pieza siguiente: en este tema el compositor se representa a sí mismo moviéndose de una imagen a otra. Si escuchas con atención, notarás que el carácter del "Paseo" cambia según las impresiones del autor sobre lo que vio. Dado que la pintura captura momentos congelados y la música se desarrolla en el tiempo, Mussorgsky crea escenas a partir de imágenes. Baba Yaga empuja con fuerza su mortero del suelo, acelera y vuela. El enano cojea y cojea. Bajo los muros del antiguo castillo, el Trovador canta una canción. Los pollitos, o los niños disfrazados de pollitos, corretean y gorjean de forma divertida (en los bocetos de Hartmann para el ballet infantil del Teatro Bolshoi El ballet "Trilby" de Julius Gerber, representado por Marius Petipa en Teatro Bolshói(1871).- disfraces en forma de conchas sin abrir). Y en la obra "Samuel Goldenberg y Shmuile" (en las ediciones soviéticas - "Dos judíos, ricos y pobres") Mussorgsky combinó a los dos héroes en retratos separados de Hartmann: aquí se puede escuchar el balbuceo lastimero del peticionario, interrumpido por el grosero reprensión del hombre rico.
Hay decenas de adaptaciones de “Pictures” para orquestas de diversas composiciones, bandas de jazz y grupos de rock. El más famoso pertenece a Maurice Ravel: creado casi 50 años después del original, fue ella quien contribuyó a la popularidad mundial de la obra de Mussorgsky.
Realizado por: Svyatoslav Richter
Sinfonía n.° 1 (“Sueños de invierno”), parte 1
Piotr Chaikovski
Camino de invierno. Pintura de Lev Kamenev. 1866 Wikimedia Commons Tchaikovsky llamó a su Primera Sinfonía "Sueños de invierno" y le dio a su primer movimiento una designación un poco más detallada: "Sueños en el camino de invierno". Detrás de la imagen de los "sueños" se esconden recuerdos personales y toda una serie de poemas "invernales" de poetas rusos. Antes de escuchar, puedes leer “ camino de invierno" y "Demons" de Pushkin; entonces la música de Tchaikovsky adquirirá el subtexto necesario., Canciones folk y romances sobre interminables extensiones nevadas, una troika que las recorre corriendo y un doloroso sentimiento lírico en el que el alma se sumerge bajo el silencioso y "agotador" repique de una campana. La imagen del espacio ilimitado la transmiten el fagot y la flauta, duplicándose entre sí a una distancia de dos octavas. La “sentida melancolía” de la melodía inicial da paso a armonías ventiscas: un motivo cáustico entrecortado invade el suave movimiento. Staccato- ejecución abrupta de sonidos..
Danza del Hada de Azúcar del ballet “El Cascanueces”
Piotr Chaikovski
Danza del Hada de Azúcar del ballet “El Cascanueces” presentado por el New York City Ballet. 1974 Martha Swope/Biblioteca Pública de Nueva York La Danza del Hada de Azúcar es uno de los fragmentos más famosos del ballet, ha cobrado vida separada de la representación y se escucha en él. conciertos sinfónicos, películas de dibujos animados y programas de televisión. El Hada del Azúcar es la dueña del país de los dulces, la dueña del palacio mágico de Confiturenburg. Desde los primeros sonidos de su danza nos transportamos a un mundo encantado. mundo de hadas, donde no hay lugar para nada oscuro, lúgubre y malvado. El suave sonido del cristal de la celesta promete milagros y felicidad (incluso el nombre de este instrumento proviene del italiano celesta traducido como “celestial”). En el estreno del ballet, el efecto del milagro se vio reforzado aún más por el hecho de que nadie había escuchado antes la celesta en Rusia: Tchaikovsky trajo este nuevo instrumento para esa época desde París y más de un año Les pedí a mis amigos que guardaran el secreto. Similar a un piano en miniatura, pero con placas de metal o vidrio en su interior, la celesta se ha arraigado en la orquesta sinfónica. El sonido, que recuerda al repique de las campanas, se ha convertido en un símbolo de lo fabulosamente bello y sobrenatural.
Interpretada por: Orquesta Filarmónica, director John Lanchbury
Suite Sinfónica “Scheherazade”, parte 1
Nikolái Rimski-Kórsakov
Diseño de vestuario de la Sultana Azul para el ballet "Scheherazade". Dibujo de Lev Bakst. 1910 Wikimedia Commons El prototipo literario de un ensayo es una colección. cuentos árabes"Las mil y una noches". Es curioso que Rimsky-Korsakov titulara por primera vez las cuatro partes de la suite Suite - una obra musical que consta de varias partes independientes, contrastantes entre sí, pero unidas por un concepto común., y luego eliminó los títulos, no queriendo privar al oyente de la libertad de imaginación. El compositor dejó un comentario introductorio que cuenta brevemente la historia de Scheherazade y Sultan Shahriyar.
Al principio y al final de cada movimiento, suena una melodía reconocible del violín solista, que recuerda a los intrincados patrones de lujosas telas orientales, los movimientos flexibles de una bailarina oriental y el pausado discurso oriental decorado con numerosos epítetos: esto es el leitmotiv Leitmotiv(del leitmotiv alemán — “motivo principal y principal”) — un motivo que regresa repetidamente a lo largo de la obra en conexión con las características de un personaje, sentimiento, situación, objeto, etc. Scherezade. El leitmotiv de Shahryar, amenazador y autoritario, abre la obra. Y él, calmado, suena al final: She-he-razada encontró cómo apaciguar el temperamento enojado del sultán.
Hoy los nombres de las partes, conocidos por el libro de memorias de Rimsky-Kor-sakov “Crónica de mi vida musical", casi siempre se comunican al oyente, aunque el carácter pintoresco de la música permite prescindir de explicaciones. La primera parte es el primer cuento de hadas, "El mar y el barco de Simbad". El elemento agua que contiene parece vivo y cambiante. Las olas ruedan lenta y perezosamente, forman espuma en la cresta, se dispersan en pequeñas salpicaduras que brillan al sol y el barco se desliza por la superficie. Pero aunque al principio parece tranquilo, el mar puede mostrar su formidable poder en cualquier momento y ahora, ola tras ola, llega y colapsa. Rimsky-Korsakov, ex guardiamarino, representó el mar como ningún otro.
Interpretada por: Orquesta Sinfónica Académica Estatal de la URSS, director Evgeny Svetlanov
Cuento de hadas sinfónico "Kikimora"
Anatoli Lyadov
Kikimora. Dibujo de Ivan Bilibin. 1934 Wikimedia Commons A Anatoly Lyadov le gustaba mucho todo lo mágico y fantástico. ¿Qué tan caprichoso fue? personaje de cuento de hadas, más le gustaba. Mientras entretenía a sus hijos, el propio compositor incluso ideó y dibujó divertidos monstruos de cuentos de hadas. Inspirándose en la descripción de Kikimora del libro "Cuentos del pueblo ruso", Lyadov decidió representarla en música. Lyadov precedió su pieza orquestal con el siguiente texto, tomado de “Cuentos del pueblo ruso” de Ivan Sakharov: “Kikimora vive y crece con un mago en las montañas de piedra. Desde la mañana hasta la noche divierte a Kikimora. gato baiyun, dice cuentos extranjeros. Desde la tarde hasta el amanecer, Kikimora se mece en una cuna de cristal. Exactamente siete años después, Kikimora crecerá. Es una Kikimora delgada y de cabello oscuro, pero su cabeza es tan pequeña como un dedal y su cuerpo no se puede comparar con una pajita. Kikimora golpea y truena desde la mañana hasta la noche; Kikimora silba y silba desde la tarde hasta el mediodía; desde medianoche hasta plena luz del día hila estopa de cáñamo, retuerce hilo de cáñamo y urdimbre de seda. Kikimora tiene en mente el mal para todas las personas honestas”.. En una pequeña pieza para orquesta, el compositor contó toda una biografía criatura de cuento de hadas. La lenta sección inicial es la infancia de Kikimora. Sombrío paisaje de montaña, donde el sol casi nunca penetra. El motivo mágico de la canción de cuna del gato Bayun es una paz que parece durar para siempre. Pero la pequeña Kiki-Mora ya se está dando a conocer: su chillido penetrante (flauta flautín y go-boy) hace temblar todo a su alrededor... Y se congela de nuevo. Solo se puede escuchar el ligero sonido de la cuna de cristal en la que se mece a Kikimora (suena el mismo celes que en la danza del Hada de Azúcar de Tchaikovsky). La música rápida e impetuosa de la segunda sección representa a una Kikimora madura. Corre por el bosque y hace bromas: golpea, hace sonar (aquí el compositor usa un xilófono, algo poco común en una orquesta), asusta a todos los que se cruzan con ella... Y, sin embargo, la Kiki-Mora de Lyadov no es malvada. Simplemente peculiar y extraña, como el mundo en el que habita.
Versión: ruso orquesta nacional, director de orquesta Mijaíl Pletnev
Música para el ballet "Petrushka"
Ígor Stravinski
Escenografía para el ballet "Petrushka". Dibujo de Alexandre Benois. 1911 Wikimedia Commons El ballet “Petrushka” es una unidad de música de Stravinsky, escenografía de Alec-Saint-dra Benois, coreografía de Mikhail Fokine y actuación de Vaslav Nijinsky. Aunque escuchar música por separado no es menos interesante que ver un ballet, es recomendable conocer la trama. Petersburgo a principios del siglo pasado. La celebración de Maslenitsa es una multitud elegante, ruidosa y alegre. Hay mucho entretenimiento en la espaciosa plaza Champ de Mars: suenan organillos, bailan bailarinas mecánicas, se escuchan los gritos de los ladrones desde diferentes lados, tratando de atraer a los espectadores a sus cabinas; el color de las escenas folclóricas masivas es pretende resaltar la esencia dramática de la obra. La aparición del Mago atrae la atención de todos, el ruido abigarrado disminuye y suena una música misteriosa: el Mago da vida a sus muñecos y el espectador se encuentra en otra historia. Se representa una obra dentro de una obra: Petrushka sufre un amor no correspondido por la bailarina (su leitmotiv suena como un triste grito lírico). La muñeca hermosa e insensible prefiere a la árabe elegante, aunque grosera. En la batalla con los árabes, Petrushka muere. Pero es solo espectáculo de marionetas— las festividades continúan. Se puede escuchar el rasgueo de un acordeón y fragmentos de canciones de la ciudad (“A lo largo de Piterskaya”, “Oh, tú, el dosel, mi dosel”). Un hombre toca la flauta, mostrando un oso amaestrado, un diablo enmascarado asusta en broma a la gente que camina, un comerciante comienza a bailar con los gitanos. Todo esto es visible y tangible. ¿Todavía sientes lástima por Petrushka? ¡No hay necesidad de preocuparse! El mago se lleva el muñeco roto, pero entre la multitud aparece la cara divertida de Petrushka, burlándose de todos: el leitmotiv del héroe completa el ballet.
Interpretada por: Orquesta Sinfónica de Columbia. Director: Ígor Stravinski
Marcha de la ópera “El amor por las tres naranjas”
Serguéi Prokófiev
Portada de la revista de teatro “El amor por las tres naranjas”. 1915 Wikimedia Commons Esta marcha expresa mejor el carácter de una comedia de cuento de hadas: desafiantemente brillante, excéntrica, incontrolablemente alegre, al igual que el personaje de uno de sus héroes, el nunca aburrido bufón Truffa el Hombre de Hielo: según la trama, sin duda debe hacer el Prince se ríe y anima el ambiente. Y, de hecho, el ritmo elástico de la marcha es tal que es imposible quedarse quieto: el atrevido motivo de la trompeta, el distintivo golpe del tambor: es difícil imaginar una música más afirmativa de la vida. Ella reflejó con precisión la actitud de Sergei. Serguéievich Prokófiev
Habitación infantil Arzamas.
En otras formas de arte y sus técnicas.
Método de implementación obras literarias
sh Se construye un análisis incisivo de una obra literaria. sobre las leyes no solo científicas, sino también creatividad artística. Aquí hablaremos sobre técnicas creativas para traducir un texto literario a otras formas de arte. Estas técnicas permiten expresar la posición del lector, formar y desarrollar la capacidad de concreción figurativa y generalización figurativa, por lo que son relevantes para la escuela primaria.
El dibujo verbal (oral y escrito) es una descripción de imágenes o dibujos que surgieron en la mente del lector mientras leía una obra literaria. La imagen de Word se llama de manera diferente. ilustración verbal.
Esta técnica está dirigida principalmente Desarrollar la capacidad de concretar imágenes verbales.(imaginación). Además, se desarrolla el habla y el pensamiento lógico del niño. Al dibujar verbalmente, el lector debe, basándose en las imágenes verbales creadas por el escritor, detalla tu propia visión en una imagen visual, que reproduce y describe oralmente o por escrito.
Al mismo tiempo aparecen dos peligros: puedes perderte recuento directo el texto del autor, y con una imaginación involuntaria demasiado activa “olvídate” del cuadro del autor y empieza a describir el tuyo propio.
Este recepción requiere una serie de operaciones: lea, imagine, especifique, seleccione palabras y expresiones exactas para describir, construya lógicamente su declaración. Además, la técnica implica una descripción en una imagen estática. relaciones dificiles héroes.
Esta técnica dirige la atención de los niños al texto: releen sus fragmentos individuales, ya que solo los detalles semánticos y estilísticos visuales les ayudarán a aclarar las imágenes verbales, aclararlas y presentar lo que el autor describe en detalle. El estudiante poco a poco “entra” en el mundo del trabajo y comienza verlo a través de los ojos del autor o de uno de los personajes(dependiendo de desde qué punto de vista se recrea la imagen), es decir se une a la acción, lo que significa que podrá complementar la imagen del autor con sus propios detalles. Entonces, el resultado del trabajo, que se basa en el análisis del texto, no será un recuento o una descripción divorciada de la intención del autor, sino una imagen creativa adecuada a la intención del autor, pero más detallada y necesariamente emocionalmente evaluativa. .
Entrenamiento de recepción fugas en varios etapas .
1. Mirando ilustraciones gráficas. Primero, el profesor organiza la observación de cómo el ilustrador transmite la intención del autor, lo que ayuda al artista a crear un estado de ánimo y expresar su actitud hacia los personajes. En el proceso de este trabajo, los niños se familiarizan con el concepto de “composición de imágenes”, con el significado de los colores, los colores y las líneas. Este trabajo también se puede realizar en clase. Artes visuales, y en clase lectura extracurricular.
2. Seleccione entre varias opciones de ilustración más adecuado al episodio del trabajo considerado con la motivación de su decisión.
3. Ilustración colectiva mediante figuras ya hechas. consiste en la disposición de los personajes (la composición de la imagen), la elección de sus poses, expresiones faciales.
4. Auto-ilustracion el episodio que te gustó y una descripción verbal de lo que dibujaste. Esta técnica puede complicarse si se pide a los niños que describan ilustraciones hechas por sus compañeros de clase.
5. Análisis de ilustraciones realizadas con una clara desviación del texto de la obra.. A los niños se les ofrecen ilustraciones en las que se altera la disposición de los personajes u otras imágenes de la obra, faltan algunos detalles del autor o han sido sustituidos por otros, se altera el colorido, se distorsionan las poses y expresiones faciales de los personajes, etc. Después de verlo, los niños comparan su percepción del texto con la percepción de la ilustración.
6. Dibujo oral colectivo de ilustraciones.- escenas de género. En esta etapa, los niños eligen la combinación de colores de la ilustración.
7. Dibujo gráfico independiente de un paisaje. y su descripción oral o descripción del paisaje por parte del artista.
8. verbales dibujo oral de un paisaje en detalle texto.
9. oral colectivo Descripción detallada héroe en un episodio específico(cómo ves al héroe: qué está sucediendo o sucedió, el estado de ánimo del héroe, sus sentimientos, postura, cabello, expresión facial (ojos, labios), ropa, si esto es importante, etc.) El maestro ayuda a los niños a crear una descripción. con preguntas.
10. Verbal colectivo e independiente. dibujo oral del héroe primero en una situación específica, y luego - en otros diferentes.
11. Ilustración oral verbal independiente y comparación de la ilustración oral creada con gráfica.
Es natural que dominar la técnica. dibujo de palabras solo es posible después de dominar las habilidades básicas de análisis de ilustraciones para una obra. Sin embargo, a modo de propedéutica, ya en las primeras etapas del estudio de las obras literarias, es recomendable hacer a los niños preguntas como: “ ¿Qué tipo de héroe imaginas? ?», « ¿Cómo ves el escenario de la acción?”, “¿Qué ves cuando lees este texto? " Etcétera.
Ejemplos de organización del dibujo oral verbal en el aula:
Fragmento de una lección de 1er grado sobre un cuento de hadas. « Gachas de avena de un hacha »
Etapa de relectura del texto y su análisis.
- Leamos el cuento de hadas hasta el final y observemos cómo actuó el soldado. Trazaremos un plan para sus acciones.
Los niños releen el cuento de hadas en partes, numerando los eventos con un lápiz. Luego se discuten los resultados del trabajo y se abren los escritos previamente en la pizarra. acciones del soldado: notó un hacha; se ofreció a cocinar gachas con un hacha; pidió traer la caldera; Lavé el hacha, la metí en el caldero, le eché agua y la puse al fuego; revuelto y probado; se quejó de que no había sal; lo salaron, lo probaron, se quejaron de que sería bueno agregarle algunos granos; añadió cereales, removió, probó, elogió y se quejó de que sería bueno agregar aceite; aceite añadido; Empecé a comer gachas. Combinamos pequeñas acciones en otras más grandes: planeó engañar a la anciana; prepara el hacha para cocinar y comienza a cocinarla; revolviendo y probando, uno tras otro pide sal, cereales y mantequilla; come gachas.
Ahora miremos cómo se comportó la anciana en cada momento que tenemos.
- ¿Ha cambiado su estado de ánimo y su comportamiento? ¿Cuáles son las razones de estos cambios?
Invitamos a los niños a imaginar ¿Qué ilustraciones se pueden hacer para este cuento de hadas? y describir al soldado y a la anciana en cada momento de la acción (dibujo de palabras orales).
Ayudamos con preguntas:
- ¿En qué contexto se desarrolla la acción?? (Cabaña, mobiliario de la cabaña, estufa, utensilios, etc.)
- ¿Dónde está el soldado, cómo está, hacia dónde mira?(sobre la anciana, en el caldero, al lado, etc. .), ¿qué está haciendo en este momento? ¿Cuál es su estado de ánimo? ¿En que esta pensando? ¿Cuál es su expresión facial?
Proponemos describir a la anciana del cuento de hadas "Gachas de avena con un hacha" en diferentes momentos de la acción. Ayudamos con preguntas orientativas similares.
Entonces discutiendo la ilustración en el lector(Fig. 13 V.O. Anikin. “Gachas de avena con hacha”).
- ¿Es posible determinar qué momento del cuento de hadas representó el artista V.O. ¿Qué ayuda (o, por el contrario, obstaculiza) esto?