La historia del Renacimiento comienza en Este período también se llama Renacimiento. El Renacimiento se transformó en cultura y se convirtió en el precursor de la cultura de la Nueva Era. Y el Renacimiento terminó en los siglos XVI-XVII, ya que en cada estado tiene su propia fecha de inicio y finalización.
Alguna información general
Representantes del Renacimiento son Francesco Petrarca y Giovanni Bocaccio. Se convirtieron en los primeros poetas que comenzaron a expresar imágenes y pensamientos sublimes en un lenguaje franco y común. Esta innovación fue recibida con gran entusiasmo y se extendió a otros países.
Renacimiento y arte
La peculiaridad del Renacimiento es que el cuerpo humano se convirtió en la principal fuente de inspiración y tema de estudio de los artistas de esta época. Así, se puso énfasis en la similitud de la escultura y la pintura con la realidad. Las principales características del arte del Renacimiento incluyen la luminosidad, el uso refinado del pincel, el juego de luces y sombras, el cuidado en el proceso de trabajo y las composiciones complejas. Para los artistas del Renacimiento, las imágenes principales procedían de la Biblia y los mitos.
El parecido de una persona real con su imagen en un lienzo en particular era tan cercano que el personaje de ficción parecía vivo. No se puede decir lo mismo del arte del siglo XX.
El Renacimiento (sus principales tendencias se describen brevemente arriba) percibió el cuerpo humano como un comienzo sin fin. Los científicos y artistas mejoraron periódicamente sus habilidades y conocimientos mediante el estudio de los cuerpos de los individuos. La opinión predominante entonces era que el hombre fue creado a semejanza e imagen de Dios. Esta declaración reflejaba la perfección física. Los principales e importantes objetos del arte renacentista fueron los dioses.
Naturaleza y belleza del cuerpo humano.
Arte renacentista gran atención Dedicado a la naturaleza. Un elemento característico de los paisajes era la variada y exuberante vegetación. Los cielos de tonos azules, atravesados por los rayos del sol que penetraban las nubes blancas, proporcionaban un magnífico telón de fondo para las criaturas flotantes. El arte renacentista veneraba la belleza del cuerpo humano. Esta característica se manifestó en los elementos refinados de los músculos y el cuerpo. Poses difíciles, expresiones faciales y gestos, una paleta de colores clara y armoniosa son características del trabajo de escultores y escultores del Renacimiento. Entre ellos se encuentran Tiziano, Leonardo da Vinci, Rembrandt y otros.
A principios del siglo XV se produjeron grandes cambios en la vida y la cultura en Italia. Desde el siglo XII, los ciudadanos, comerciantes y artesanos de Italia han librado una lucha heroica contra la dependencia feudal. Al desarrollar el comercio y la producción, la gente del pueblo se enriqueció gradualmente, derrocó el poder de los señores feudales y organizó ciudades-estado libres. estos son gratis ciudades italianas se volvió muy poderoso. Sus ciudadanos estaban orgullosos de sus conquistas. La enorme riqueza de las ciudades italianas independientes fue la razón de su vibrante prosperidad. La burguesía italiana miraba el mundo con otros ojos, creía firmemente en sí misma, en su fuerza. Eran ajenos al deseo de sufrimiento, de humildad y de renuncia a todas las alegrías terrenas que hasta ahora les habían sido predicados. Creció el respeto por el hombre terrenal que disfruta de las alegrías de la vida. La gente empezó a adoptar un enfoque activo de la vida, a estudiar el mundo con entusiasmo y a admirar su belleza. Durante este período nacieron diversas ciencias y se desarrolló el arte.
En Italia, se han conservado muchos monumentos del arte de la Antigua Roma, por lo que la era antigua nuevamente comenzó a ser venerada como modelo, el arte antiguo se convirtió en un objeto de culto. La imitación de la antigüedad dio lugar a que este período se llamara en el arte: Renacimiento, que significa en francés "Renacimiento". Por supuesto, esto no era una repetición ciega y exacta del arte antiguo, ya era arte nuevo, pero basado en ejemplos antiguos. Renacimiento italiano dividido en 3 etapas: siglos VIII - XIV - Prerrenacimiento (Protorrenacimiento o Trecento)-sentarse.); Siglo XV - Renacimiento temprano (Cuatrocento); finales del siglo XV - principios del XVI - Alto Renacimiento.
En toda Italia había Excavaciones arqueológicas, buscó monumentos antiguos. Las estatuas, monedas, platos y armas recién descubiertas se conservaron y recolectaron cuidadosamente en museos creados especialmente para este propósito. Los artistas aprendieron de estos ejemplos de la antigüedad y los pintaron del natural.
Trecento (Prerrenacimiento)
El verdadero comienzo del Renacimiento está asociado con el nombre. Giotto di Bondone (1266? - 1337). Se le considera el fundador de la pintura renacentista. El florentino Giotto tiene grandes servicios a la historia del arte. Fue un renovador, el fundador de todos. pintura europea después de la Edad Media. Giotto insufló vida a las escenas del Evangelio, creó imágenes gente real, espiritual, pero terrenal.
Giotto primero crea volúmenes utilizando claroscuro. Le encantan los colores limpios y claros en tonos fríos: rosa, gris perla, violeta pálido y lila claro. Las personas que aparecen en los frescos de Giotto son fornidas y caminan pesadamente. Tienen rasgos faciales grandes, pómulos anchos y ojos entrecerrados. Su persona es amable, atenta y seria.
De las obras de Giotto, los frescos de los templos de Padua son los mejor conservados. Presentó aquí las historias del Evangelio como existentes, terrenales y reales. En estas obras habla de problemas que preocupan a las personas en todo momento: de la bondad y la comprensión mutua, del engaño y la traición, de la profundidad, el dolor, la mansedumbre, la humildad y el eterno amor maternal que todo lo consume.
En lugar de figuras individuales desconectadas, como en pintura medieval, Giotto logró crear historia coherente, toda una historia sobre la compleja vida interior de los personajes. En lugar del convencional fondo dorado de los mosaicos bizantinos, Giotto introduce un fondo paisajístico. Y si en pintura bizantina las figuras parecían flotar y colgar en el espacio, luego los héroes de los frescos de Giotto encontraron tierra firme bajo sus pies. La búsqueda de Giotto por transmitir el espacio, la plasticidad de las figuras y la expresividad del movimiento hicieron de su arte toda una etapa del Renacimiento.
Uno de los famosos maestros del Prerrenacimiento:
Simón Martini (1284 - 1344).
Sus pinturas conservaron los rasgos del gótico norteño: las figuras de Martini son alargadas y, por regla general, sobre un fondo dorado. Pero Martini crea imágenes utilizando claroscuros, les da movimiento natural y trata de transmitir un cierto estado psicológico.
Quattrocento (principios del Renacimiento)
en formacion cultura secular La antigüedad jugó un papel muy importante a principios del Renacimiento. Se abre la Academia Platónica en Florencia, la Biblioteca Laurenciana contiene una rica colección de manuscritos antiguos. Aparecieron los primeros museos de arte, repletos de estatuas, fragmentos de arquitectura antigua, mármoles, monedas y cerámicas. Durante el Renacimiento surgieron los principales centros de la vida artística en Italia: Florencia, Roma, Venecia.
Florencia fue uno de los centros más grandes, la cuna del arte nuevo y realista. En el siglo XV vivieron, estudiaron y trabajaron aquí muchos famosos maestros del Renacimiento.
Arquitectura del Renacimiento temprano
Los florentinos tenían una alta cultura artística, participaron activamente en la creación de monumentos de la ciudad y discutieron opciones para la construcción de hermosos edificios. Los arquitectos abandonaron todo lo que parecía gótico. Bajo la influencia de la antigüedad, los edificios coronados por una cúpula comenzaron a considerarse los más perfectos. El modelo aquí fue el Panteón Romano.
Florencia es una de las ciudades más bellas del mundo, una ciudad-museo. Ha conservado casi intacta su arquitectura de la antigüedad, siendo sus edificios más bellos construidos principalmente durante el Renacimiento. Elevándose sobre los tejados de ladrillo rojo de los edificios antiguos de Florencia se encuentra el enorme edificio de la catedral de la ciudad. Santa María del Fiore, que a menudo se llama simplemente la Catedral de Florencia. Su altura alcanza los 107 metros. Una magnífica cúpula, cuya esbeltez se ve realzada por nervaduras de piedra blanca, corona la catedral. La cúpula tiene un tamaño sorprendente (su diámetro es de 43 m), corona todo el panorama de la ciudad. La catedral es visible desde casi todas las calles de Florencia, claramente recortada contra el cielo. Esta magnífica estructura fue construida por un arquitecto.
Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).
El edificio con cúpula más magnífico y famoso del Renacimiento fue Basílica de San Pedro en Roma. Su construcción tardó más de 100 años. Los creadores del proyecto original fueron arquitectos. Bramante y Miguel Ángel.
Los edificios renacentistas están decorados con columnas, pilastras, cabezas de león y "putti"(bebés desnudos), coronas de yeso de flores y frutas, hojas y muchos detalles, ejemplos de los cuales se encontraron en las ruinas de antiguos edificios romanos. Volvió a ponerse de moda arco de medio punto. La gente rica empezó a construir casas más bonitas y cómodas. En lugar de casas muy juntas, aparecieron casas lujosas. palacios - palacios.
Escultura del Renacimiento temprano
En el siglo XV, dos famosos escultores trabajaron en Florencia: Donatello y Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- uno de los primeros escultores en Italia que aprovechó la experiencia del arte antiguo. Creó una de las bellas obras del Renacimiento temprano: la estatua de David.
Según la leyenda bíblica, un simple pastor, el joven David derrotó al gigante Goliat y así salvó a los habitantes de Judea de la esclavitud y más tarde se convirtió en rey. David fue una de las imágenes favoritas del Renacimiento. El escultor lo representa no como un humilde santo de la Biblia, sino como joven héroe, ganador, defensor de su ciudad natal. En su escultura, Donatello glorifica al hombre como el ideal de una hermosa personalidad heroica que surgió durante el Renacimiento. David es coronado con la corona de laurel del ganador. Donatello no tuvo miedo de introducir un detalle como un sombrero de pastor, un signo de su origen simple. En la Edad Media, la iglesia prohibía representar el cuerpo desnudo, considerándolo un recipiente del mal. Donatello fue el primer maestro que violó valientemente esta prohibición. Con esto afirma que el cuerpo humano es hermoso. La estatua de David es la primera escultura redonda de esa época.
También se conoce otra hermosa escultura de Donatello: la estatua de un guerrero. , general de Gattamelata. Fue el primer monumento ecuestre del Renacimiento. Creado hace 500 años, este monumento todavía se encuentra sobre un alto pedestal y adorna una plaza de la ciudad de Padua. Por primera vez, no fue inmortalizado en una escultura ni un dios, ni un santo, ni una persona noble y rica, sino un guerrero noble, valiente y formidable con un alma grande, que se ganó la fama a través de grandes hazañas. Vestido con una armadura antigua, Gattemelata (este es su apodo, que significa "gato moteado") está sentado sobre un poderoso caballo en una pose tranquila y majestuosa. Los rasgos faciales del guerrero enfatizan un carácter decidido y firme.
Andrea Verrocchio (1436-1488)
El alumno más famoso de Donatello, quien creó el famoso monumento ecuestre al condotiero Colleoni, erigido en Venecia en la plaza cerca de la Iglesia de San Giovanni. Lo principal que llama la atención del monumento es la articulación. movimiento energético caballo y jinete. El caballo parece correr más allá del pedestal de mármol sobre el que está instalado el monumento. Colleoni, de pie sobre los estribos, estirado, con la cabeza en alto, mira a lo lejos. Una mueca de ira y tensión se congeló en su rostro. Puedes sentirlo en su pose. gran voluntad, la cara se parece a un ave de rapiña. La imagen está llena de fuerza, energía y autoridad severa indestructibles.
Pintura del Renacimiento temprano
El Renacimiento también renovó el arte de la pintura. Los pintores han aprendido a transmitir con precisión el espacio, las luces y las sombras, las poses naturales y diversos sentimientos humanos. Fue el Renacimiento temprano el momento de acumulación de estos conocimientos y habilidades. Las pinturas de esa época están imbuidas de un estado de ánimo brillante y alegre. El fondo suele estar pintado en colores claros, los edificios y los motivos naturales están delineados con líneas nítidas, predominando los colores puros. Todos los detalles del evento están representados con ingenua diligencia; los personajes suelen estar alineados y separados del fondo por contornos claros.
La pintura del Renacimiento temprano solo buscaba la perfección, sin embargo, gracias a su sinceridad, toca el alma del espectador.
Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, conocido como Masaccio (1401 - 1428)
Se le considera un seguidor de Giotto y el primer maestro de la pintura del primer Renacimiento. Masaccio vivió sólo 28 años, pero durante su vida corta vida Dejó una huella en el arte difícil de sobreestimar. Logró completar las transformaciones revolucionarias iniciadas por Giotto en la pintura. Sus pinturas se distinguen por colores oscuros y profundos. Las personas en los frescos de Masaccio son mucho más densas y poderosas que en las pinturas de la época gótica.
Masaccio fue el primero en disponer correctamente los objetos en el espacio, teniendo en cuenta la perspectiva; Comenzó a representar personas según las leyes de la anatomía.
Supo conectar figuras y paisajes en una sola acción, transmitiendo de manera dramática y al mismo tiempo con bastante naturalidad la vida de la naturaleza y las personas, y este es el gran mérito del pintor.
Este es uno de los pocos caballetes. trabajos de caballete Masaccio, encargado en 1426 para la capilla de la iglesia de Santa María del Carmine de Pisa.
La Virgen está sentada en un trono construido estrictamente según las leyes de la perspectiva de Giotto. Su figura está pintada con trazos claros y seguros, lo que crea la impresión de un volumen escultórico. Su rostro está tranquilo y triste, su mirada indiferente se dirige a ninguna parte. Envuelta en un manto azul oscuro, la Virgen María sostiene en sus brazos al Niño, cuya figura dorada destaca claramente sobre un fondo oscuro. Los profundos pliegues del manto permiten al artista jugar con el claroscuro, lo que también crea un efecto visual especial. El bebé come uvas negras, símbolo de la comunión. Los ángeles perfectamente dibujados (el artista conocía muy bien la anatomía humana) que rodean a la Virgen dan a la imagen una resonancia emocional adicional.
Único panel pintado por Masaccio para un tríptico de doble cara. Tras la temprana muerte del pintor, el resto de la obra, encargada por el Papa Martín V para la Iglesia de Santa María de Roma, fue completada por el artista Masolino. Aquí se representan dos figuras de santos austeras y monumentalmente ejecutadas, vestidas todas de rojo. Jerónimo sostiene un libro abierto y una maqueta de la basílica, con un león a sus pies. Juan Bautista está representado en su forma habitual: está descalzo y sostiene una cruz en la mano. Ambas figuras sorprenden por su precisión anatómica y su sensación de volumen casi escultural.
El interés por el hombre y la admiración por su belleza fueron tan grandes durante el Renacimiento que esto condujo al surgimiento de un nuevo género en la pintura: el género del retrato.
Pinturicchio (versión de Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)
Originario de Perugia en Italia. Durante algún tiempo pintó miniaturas y ayudó a Pietro Perugino a decorar con frescos. Capilla Sixtina en Roma. Experiencia adquirida en en la forma más compleja Pintura mural decorativa y monumental. En unos pocos años, Pinturicchio se convirtió en muralista independiente. Trabajó en los frescos de los apartamentos Borgia en el Vaticano. Realizó pinturas murales en la biblioteca de la Catedral de Siena.
El artista no sólo transmite un retrato, sino que se esfuerza por revelar el estado interior de una persona. Ante nosotros hay un adolescente, vestido con un formal traje rosa de habitante de la ciudad, con una pequeña gorra azul en la cabeza. El cabello castaño llega hasta los hombros, enmarcando un rostro gentil, la mirada atenta de los ojos marrones es pensativa, un poco ansiosa. Detrás del niño se ve un paisaje de Umbría con árboles delgados, un río plateado y un cielo rosado en el horizonte. La ternura primaveral de la naturaleza, como eco del carácter del héroe, está en armonía con la poesía y el encanto del héroe.
La imagen del niño está en primer plano, es grande y ocupa casi todo el plano del cuadro, y el paisaje está pintado al fondo y es muy pequeño. Esto crea la impresión de la importancia del hombre, su dominio sobre la naturaleza circundante y afirma que el hombre es la creación más bella de la tierra.
Aquí está la salida solemne del cardenal Capranica para el Concilio de Basilea, que duró casi 18 años, de 1431 a 1449, primero en Basilea y luego en Lausana. En el séquito del cardenal también estaba el joven Piccolomini. Un grupo de jinetes acompañados de pajes y sirvientes se presenta en un elegante marco de arco de medio punto. El acontecimiento no es tan real y fiable como caballerosamente refinado, casi fantástico. En primer plano, un apuesto jinete sobre un caballo blanco, vestido con un vestido y un sombrero lujosos, gira la cabeza y mira al espectador: este es Eneas Silvio. El artista disfruta pintando ricos vestidos y hermosos caballos envueltos en mantas de terciopelo. Las proporciones alargadas de las figuras, los movimientos ligeramente amanerados y las ligeras inclinaciones de la cabeza se acercan al ideal de la corte. La vida del Papa Pío II estuvo llena de acontecimientos brillantes, y Pinturicchio habló de los encuentros del Papa con el rey de Escocia, con el emperador Federico III.
Filippo Lippi (1406 - 1469)
Surgieron leyendas sobre la vida de Lippi. Él mismo era monje, pero abandonó el monasterio, se convirtió en un artista errante, secuestró a una monja del monasterio y murió envenenado por los familiares de una joven de la que se enamoró en la vejez.
Pintó imágenes de la Virgen y el Niño, llenas de sentimientos y experiencias humanas vivas. En sus pinturas representó muchos detalles: objetos cotidianos, alrededores, por lo que sus temas religiosos eran similares a las pinturas seculares.
Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)
Pintó no sólo temas religiosos, sino también escenas de la vida de la nobleza florentina, su riqueza y lujo, y retratos de gente noble.
Ante nosotros está la esposa de un rico florentino, amigo del artista. En esta joven no muy bella y lujosamente vestida, el artista expresa calma, un momento de quietud y silencio. La expresión del rostro de la mujer es fría, indiferente a todo, parece que prevé su muerte inminente: poco después de pintar el retrato morirá. La mujer está representada de perfil, algo típico de muchos retratos de la época.
Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)
Uno de los nombres más importantes de pintura italiana siglo 15. Realizó numerosas transformaciones en los métodos de construcción de la perspectiva del espacio pictórico.
La pintura fue pintada sobre una tabla de álamo con temple al huevo; obviamente, en ese momento el artista aún no había dominado los secretos. pintura al óleo, en cuya técnica se escribirían sus obras posteriores.
El artista captó la aparición del misterio de la Santísima Trinidad en el momento del Bautismo de Cristo. La paloma blanca que extiende sus alas sobre la cabeza de Cristo simboliza el descenso del Espíritu Santo sobre el Salvador. Las figuras de Cristo, Juan Bautista y los ángeles que se encuentran junto a ellos están pintadas en colores sobrios.
Sus frescos son solemnes, sublimes y majestuosos. Francesca creía en el alto destino del hombre y en sus obras la gente siempre hace cosas maravillosas. Usó transiciones de colores sutiles y suaves. Francesca fue la primera en pintar en plein air (al aire libre).
La creación de una ciudad ideal atormentó a científicos y arquitectos de varios países y épocas, pero los primeros intentos de diseñar algo así surgieron durante el Renacimiento. Aunque en la corte de los faraones y emperadores romanos trabajaron científicos cuyos trabajos tenían como objetivo crear algún tipo de asentamiento ideal, en el que no solo todo obedecería claramente a la jerarquía, sino también en el que sería cómodo vivir para ambos. el gobernante y un simple artesano. Basta recordar a Aketatón, Mohenjodaro o el fantástico proyecto propuesto por Estasicrates a Alejandro Magno, según el cual le proponía tallar una estatua de un comandante con una ciudad situada en su brazo desde el Monte Athos. El único problema fue que estos asentamientos quedaron en el papel o fueron destruidos. No sólo a los arquitectos, sino también a muchos artistas se les ocurrió la idea de diseñar una ciudad ideal. Hay referencias a que en esto participaron Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana y muchos otros.
Piero della Francesco era conocido por sus contemporáneos principalmente como autor de tratados de arte. Sólo tres de ellos han llegado hasta nosotros: “Tratado sobre el ábaco”, “Perspectiva en la pintura”, “Cinco cuerpos regulares”. Fue él quien planteó por primera vez la cuestión de la creación de una ciudad ideal, en la que todo estaría subordinado a cálculos matemáticos y construcciones prometedoras de clara simetría. Por este motivo, muchos estudiosos atribuyen a Pierrot la imagen de “Vista de una ciudad ideal”, que encaja perfectamente en los principios del Renacimiento.
León Battista Alberti fue quien estuvo más cerca de implementar un proyecto de tan gran escala. Es cierto que no pudo realizar toda su idea, pero dejó atrás un gran número de dibujos y notas, a partir de los cuales otros artistas pudieron lograr más tarde lo que León no pudo. En particular, Bernardo Rossellino realizó muchos de sus proyectos. Pero León implementó sus principios no sólo por escrito, sino también a través del ejemplo de muchos de los edificios que construyó. Básicamente se trata de numerosos palacios diseñados para familias nobles. El arquitecto revela su propio ejemplo de ciudad ideal en su tratado “Sobre arquitectura”. El científico escribió este trabajo hasta el final de su vida. Se publicó póstumamente y se convirtió en el primer libro impreso que revela los problemas de la arquitectura. Según las enseñanzas de León, la ciudad ideal debería reflejar todas las necesidades humanas y responder a todas sus necesidades humanísticas. Y esto no es casualidad, porque el líder pensamiento filosófico Durante el Renacimiento hubo un humanismo antropocéntrico. La ciudad debería dividirse en barrios, que se dividirían según un principio jerárquico o por tipo de empleo. En el centro, en plaza principal, hay un edificio donde se concentraría el poder de la ciudad, así como catedral principal y las casas de familias nobles y administradores de la ciudad. Más cerca de las afueras estaban las casas de comerciantes y artesanos, y los pobres vivían en la propia frontera. Esta disposición de los edificios, según el arquitecto, se convirtió en un obstáculo para el surgimiento de diversos disturbios sociales, ya que las casas de los ricos estarían separadas de las casas de los ciudadanos pobres. Otro principio de planificación importante es que debía satisfacer las necesidades de cualquier categoría de ciudadanos, para que tanto el gobernante como el clero se sintieran cómodos viviendo en esta ciudad. Se suponía que albergaría todos los edificios, desde escuelas y bibliotecas hasta mercados y baños. También es importante la accesibilidad general de dichos edificios. Incluso si ignoramos todos los principios éticos y sociales de una ciudad ideal, los externos permanecen, valores artísticos. El trazado debía ser regular, según el cual la ciudad estaba dividida en manzanas claras por calles rectas. En general, todas las estructuras arquitectónicas deben estar subordinadas a formas geométricas y dibujadas según una regla. Los cuadrados tenían forma circular o rectangular. Según estos principios, las ciudades antiguas, como Roma, Génova, Nápoles, fueron objeto de la demolición parcial de las antiguas calles medievales y la creación de nuevos barrios espaciosos.
En algunos tratados se encontró una observación similar sobre el ocio de la gente. Se trataba principalmente de niños. Se propuso construir en las ciudades parques infantiles e intersecciones de tal tipo que los jóvenes que jugaran estuvieran bajo la supervisión constante de adultos que pudieran observarlos sin obstáculos. Estas precauciones tenían como objetivo inculcar la prudencia en los jóvenes.
La cultura del Renacimiento proporcionó en gran medida alimento para una mayor reflexión sobre la estructura de una ciudad ideal. Esto fue especialmente cierto para los humanistas. Según su cosmovisión, todo debe crearse para una persona, para su cómoda existencia. Cuando se cumplen todas estas condiciones, una persona recibirá paz social y felicidad mental. Por lo tanto, en este
En una sociedad, las guerras o los disturbios simplemente no pueden surgir a priori. La humanidad ha ido avanzando hacia este resultado a lo largo de toda su existencia. Basta recordar la famosa “Utopía” de Thomas More o “1984” de George Orwell. Las obras de este tipo no solo tocaron características funcionales, sino que también pensaron en las relaciones, el orden y la estructura de la comunidad que vivía en esta localidad, no necesariamente en una ciudad, tal vez incluso en el mundo. Pero estos cimientos se sentaron en el siglo XV, por lo que podemos decir con seguridad que los científicos del Renacimiento eran personas de su época con una educación integral.
Clasicismo en la arquitectura de Europa Occidental.
Dejémoslo en manos de los italianos.
Oropel vacío con su falso brillo.
Lo más importante es el significado, pero para llegar a él,
Tendremos que superar obstáculos y caminos,
Siga estrictamente el camino designado:
A veces la mente tiene un solo camino...
¡Necesitas pensar en el significado y solo entonces escribir!
N. Boileau. "Arte Poético".
Traducción de V. Lipetskaya
Así enseñó a sus contemporáneos uno de los principales ideólogos del clasicismo, el poeta Nicolas Boileau (1636-1711). Las estrictas reglas del clasicismo quedaron plasmadas en las tragedias de Corneille y Racine, las comedias de Moliere y las sátiras de La Fontaine, la música de Lully y la pintura de Poussin, la arquitectura y decoración de los palacios y conjuntos de París...
El clasicismo se manifestó más claramente en las obras de arquitectura centradas en los mejores logros. cultura antigua- un sistema de orden, estricta simetría, clara proporcionalidad de las partes de la composición y su subordinación al plan general. Al parecer, el “estilo estricto” de la arquitectura clasicista pretendía encarnar visualmente su fórmula ideal de “noble sencillez y serena grandeza”. En las estructuras arquitectónicas del clasicismo predominaban formas simples y claras y una tranquila armonía de proporciones. Se dio preferencia a las líneas rectas y a una decoración discreta que seguía los contornos del objeto. En todo se notaba la sencillez y nobleza de la decoración, la practicidad y la conveniencia.
Basado en las ideas de los arquitectos renacentistas sobre “ ciudad ideal", los arquitectos del clasicismo crearon nuevo tipo un grandioso conjunto de palacio y parque, estrictamente subordinado a un único plan geométrico. Una de las estructuras arquitectónicas más destacadas de esta época fue la residencia de los reyes franceses en las afueras de París: el Palacio de Versalles.
"Sueño de cuento de hadas" de Versalles
Mark Twain, que visitó Versalles a mediados del siglo XIX.
"Yo lo regañé Luis XIV, que gastó 200 millones de dólares en Versalles cuando la gente no tenía suficiente para el pan, pero ahora lo he perdonado. ¡Es increíblemente hermoso! Miras, miras fijamente y tratas de comprender que estás en la tierra y no en los Jardines del Edén. Y estás casi dispuesto a creer que esto es un engaño, sólo un sueño de cuento de hadas”.
De hecho, el “sueño de cuento de hadas” de Versalles todavía hoy sorprende por la escala de su distribución regular, el magnífico esplendor de sus fachadas y el esplendor de sus interiores decorativos. Versalles se convirtió en la encarnación visible de la arquitectura ceremonial oficial del clasicismo, expresando la idea de un modelo del mundo racionalmente organizado.
Cien hectáreas de terreno en condiciones extremadamente un tiempo corto(1666-1680) se convirtieron en paraíso, destinado a la aristocracia francesa. Los arquitectos Louis Levo (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) y André Le Nôtre(1613-1700). A lo largo de varios años se reconstruyeron y cambiaron mucho en su arquitectura, de modo que actualmente es una compleja amalgama de varias capas arquitectónicas, incorporando rasgos de personaje clasicismo.
El centro de Versalles es el Gran Palacio, al que conducen tres avenidas de acceso convergentes. Situado en una determinada colina, el palacio ocupa una posición dominante sobre la zona. Sus creadores dividieron la longitud de casi medio kilómetro de la fachada en una parte central y dos alas laterales, el risalit, que le confieren una solemnidad especial. La fachada está representada por tres plantas. El primero, que sirve como base maciza, está decorado con elementos rústicos siguiendo el ejemplo de los palacios-palazzos italianos del Renacimiento. En el segundo frente, hay altas ventanas de arco, entre las cuales se encuentran columnas y pilastras jónicas. La grada que corona el edificio confiere al palacio un aspecto monumental: está acortada y rematada con grupos escultóricos, lo que confiere al edificio una elegancia y ligereza especiales. El ritmo de ventanas, pilastras y columnas de la fachada enfatiza su severidad y esplendor clásicos. No es casualidad que Moliere dijera sobre el Gran Palacio de Versalles:
“La decoración artística del palacio está tan en armonía con la perfección que le otorga la naturaleza que bien se le puede llamar un castillo mágico”.
Los interiores del Gran Palacio están decorados en estilo barroco: están repletos de decoraciones escultóricas, una rica decoración en forma de molduras y tallas de estuco dorado, muchos espejos y muebles exquisitos. Las paredes y los techos están cubiertos con losas de mármol de colores con patrones geométricos claros: cuadrados, rectángulos y círculos. Pintorescos paneles y tapices de temas mitológicos glorifican al rey Luis XIV. Los enormes candelabros de bronce con dorado completan la impresión de riqueza y lujo.
Los salones del palacio (hay alrededor de 700) forman enfiladas interminables y están destinados a procesiones ceremoniales, magníficas celebraciones y bailes de máscaras. En la sala formal más grande del palacio, la Galería de los Espejos (73 m de longitud), se demostró claramente la búsqueda de nuevos efectos espaciales y de iluminación. Las ventanas de un lado del pasillo se correspondían con los espejos del otro. Con luz solar o iluminación artificial, cuatrocientos espejos creaban un efecto espacial excepcional, transmitiendo un mágico juego de reflejos.
Las composiciones decorativas de Charles Lebrun (1619-1690) en Versalles y el Louvre llamaban la atención por su pompa ceremonial. El “método de representar las pasiones” que proclamó, que implicaba pomposos elogios a personas de alto rango, le dio al artista un éxito vertiginoso. En 1662, se convirtió en el primer pintor del rey y luego en director de la fábrica real de tapices (alfombras o tapices tejidos a mano) y jefe de todos los trabajos decorativos en el Palacio de Versalles. En la Galería de los Espejos del palacio, Lebrun pintó
una pantalla dorada con muchas composiciones alegóricas sobre temas mitológicos, que glorifican el reinado del "Rey Sol" Luis XIV. Amontonan alegorías y atributos pictóricos, colores brillantes y los efectos decorativos del Barroco contrastaban claramente con la arquitectura del Clasicismo.
El dormitorio del rey está situado en la parte central del palacio y mira hacia sol naciente. Desde aquí se veían tres carreteras que divergían de un punto, lo que simbólicamente recordaba el foco principal. el poder del Estado. Desde el balcón, el rey pudo contemplar toda la belleza del parque de Versalles. Su principal creador, André Le Nôtre, logró combinar elementos de arquitectura y paisajismo. A diferencia de los parques paisajísticos (ingleses), que expresaban la idea de unidad con la naturaleza, los parques regulares (franceses) subordinaban la naturaleza a la voluntad y los planes del artista. El Parque de Versalles sorprende por su claridad y organización racional del espacio; su dibujo fue verificado con precisión por el arquitecto utilizando un compás y una regla.
Las callejuelas del parque se perciben como una continuación de los pasillos del palacio, cada una de ellas termina en un embalse. Muchas piscinas tienen una forma geométrica regular. En las horas previas al atardecer, los suaves espejos de agua reflejan los rayos del sol y las extrañas sombras proyectadas por arbustos y árboles podados en forma de cubo, cono, cilindro o bola. La vegetación forma muros macizos e impenetrables o amplias galerías, en nichos artificiales en los que se colocan composiciones escultóricas, hermas (pilares tetraédricos rematados con una cabeza o un busto) y numerosos jarrones con cascadas de finos chorros de agua. Plasticidad alegórica de fuentes realizadas. maestros famosos, pretende glorificar el reinado de un monarca absoluto. El "Rey Sol" aparecía en ellos bajo la apariencia del dios Apolo o Neptuno, saliendo del agua en un carro o descansando entre las ninfas en una gruta fresca.
Las suaves alfombras de césped sorprenden con sus colores brillantes y abigarrados con intrincados diseños de flores. Los jarrones (había alrededor de 150 mil) contenían flores frescas, que fueron cambiadas de tal manera que Versalles estuviera en constante floración en cualquier época del año. Los senderos del parque están salpicados de arena de colores. Algunas de ellas estaban revestidas con trozos de porcelana que brillaban al sol. Todo este esplendor y exuberancia de la naturaleza se complementó con los olores de almendras, jazmín, granada y limón que se extendían desde los invernaderos.
Había naturaleza en este parque.
Como si estuviera sin vida;
Como con un soneto pomposo,
Allí estábamos jugueteando con la hierba.
Sin baile, sin dulces frambuesas,
Le Nôtre y Jean Lully
En los jardines y bailes del desorden
No pudieron soportarlo.
Los tejos se congelaron, como en trance,
Los arbustos nivelaron la línea,
Y ellos hicieron una reverencia.
Flores memorizadas.
V. Hugo Traducción de E. L. Lipetskaya
N. M. Karamzin (1766-1826), que visitó Versalles en 1790, habló de sus impresiones en “Cartas de un viajero ruso”:
“La enormidad, la perfecta armonía de las partes, la acción del todo: ¡esto es lo que un pintor no puede representar con un pincel!
Vayamos a los jardines, creación de Le Nôtre, cuyo genio valiente puso por todas partes en el trono al orgulloso Arte, y arrojó a sus pies la humilde Naturaleza, como una pobre esclava...
Así que no busques la Naturaleza en los jardines de Versalles; pero aquí a cada paso el arte cautiva los ojos...”
Conjuntos arquitectónicos de París. estilo imperio
Después de la finalización de las principales obras de construcción en Versalles, a principios de los siglos XVII y XVIII, André Le Nôtre comenzó a trabajar activamente en la remodelación de París. Realizó el trazado del Parque de las Tullerías, fijando claramente el eje central en la continuación del eje longitudinal del conjunto del Louvre. Después de Le Nôtre, finalmente se reconstruyó el Louvre y se creó la Plaza de la Concordia. El eje principal de París dio una interpretación completamente diferente de la ciudad, cumpliendo con los requisitos de grandeza, grandeza y pompa. La composición de los espacios urbanos abiertos, el sistema de calles y plazas diseñadas arquitectónicamente se convirtió en el factor determinante en la planificación de París. La claridad del patrón geométrico de calles y plazas unidas en un todo único. largos años se convertirá en un criterio para evaluar la perfección del plan urbano y la habilidad del urbanista. Muchas ciudades de todo el mundo experimentarán posteriormente la influencia del modelo clásico parisino.
Una nueva comprensión de la ciudad como objeto de influencia arquitectónica sobre los humanos encuentra una clara expresión en el trabajo sobre conjuntos urbanos. En el proceso de su construcción, se delinearon los principios principales y fundamentales de la planificación urbana del clasicismo: el libre desarrollo en el espacio y la conexión orgánica con ambiente. Superando el caos del desarrollo urbano, los arquitectos buscaron crear conjuntos diseñados para ofrecer vistas libres y sin obstáculos.
Los sueños renacentistas de crear una “ciudad ideal” se materializaron en la formación de un nuevo tipo de plaza, cuyos límites ya no eran las fachadas de ciertos edificios, sino el espacio de calles y barrios adyacentes, parques o jardines, y el río. terraplén. La arquitectura se esfuerza por conectar en una determinada unidad de conjunto no sólo los edificios directamente adyacentes entre sí, sino también puntos muy distantes de la ciudad.
Segunda mitad del siglo XVIII. y el primero tercero XIX v. En Francia celebran nueva fase Desarrollo del clasicismo y su difusión en los países europeos. neoclasicismo. Después del gran revolución Francesa Y guerra patriótica En 1812 aparecieron nuevas prioridades en el urbanismo, en sintonía con el espíritu de su época. Encontraron su expresión más vívida en el estilo Imperio. era tipico para el las siguientes características: patetismo ceremonial de grandeza imperial, monumentalidad, apelación al arte de la Roma imperial y el Antiguo Egipto, el uso de atributos romanos historia militar como principales motivos decorativos.
La esencia de lo nuevo. estilo artístico quedó muy bien expresado en las significativas palabras de Napoleón Bonaparte:
“Amo el poder, pero como artista... lo amo para poder extraer de él sonidos, acordes, armonía”.
estilo imperio se convirtió en la personificación del poder político y la gloria militar de Napoleón y sirvió como una manifestación única de su culto. La nueva ideología correspondía plenamente a los intereses políticos y gustos artísticos nuevo tiempo. Por todas partes se crearon grandes conjuntos arquitectónicos de espacios abiertos, calles anchas y avenidas, puentes, monumentos y edificios públicos, demostrando grandeza y poder imperial.
Por ejemplo, el Puente Austerlitz conmemoró la gran batalla de Napoleón y fue construido con piedras de la Bastilla. En la plaza Carrusel fue construido Arco triunfal en honor a la victoria en Austerlitz.. Dos plazas (Concordia y Estrellas), ubicadas a una distancia considerable entre sí, estaban conectadas por perspectivas arquitectónicas.
Iglesia de Santa Genoveva, erigido por J. J. Soufflot, se convirtió en el Panteón, el lugar de descanso del gran pueblo de Francia. Uno de los monumentos más espectaculares de aquella época fue la columna del Gran Ejército en la plaza Vendôme. Comparada con la antigua columna romana de Trajano, debía, según los planos de los arquitectos J. Gondoin y J. B. Leper, expresar el espíritu del Nuevo Imperio y la sed de grandeza de Napoleón.
En la luminosa decoración interior de palacios y edificios públicos, se valoraba especialmente la solemnidad y la pompa majestuosa, su decoración a menudo estaba sobrecargada de parafernalia militar; Los motivos dominantes eran combinaciones contrastantes de colores, elementos de ornamentos romanos y egipcios: águilas, grifos, urnas, coronas, antorchas, grotescos. El estilo Imperio se manifestó más claramente en los interiores de las residencias imperiales del Louvre y Malmaison.
La era de Napoleón Bonaparte terminó en 1815, y muy pronto comenzaron a erradicar activamente su ideología y sus gustos. Del Imperio “desaparecido como un sueño”, lo único que quedó fueron obras de arte al estilo Imperio, demostrando claramente su antigua grandeza.
Preguntas y tareas
1.¿Por qué Versalles puede considerarse una obra destacada?
Cómo las ideas urbanísticas del clasicismo del siglo XVIII encontró su implementación práctica en conjuntos arquitectónicos¿París, por ejemplo, la Plaza de la Concordia? ¿Qué la distingue de las plazas barrocas italianas de la Roma del siglo XVII, como la Piazza del Popolo (ver pág. 74)?
2. ¿Cuál es la expresión de la conexión entre la arquitectura barroca y el clasicismo? ¿Qué ideas heredó el clasicismo del barroco?
3. ¿Cuáles son los antecedentes históricos del surgimiento del estilo Imperio? ¿Qué nuevas ideas de su tiempo se esforzó por expresar en obras de arte? Cual principios artísticos¿Se está inclinando?
Taller creativo
1. Regala a tus compañeros un recorrido por correspondencia por Versalles. Para prepararlo, puede utilizar materiales de vídeo de Internet. A menudo se comparan los parques de Versalles y Peterhof. ¿Cuáles cree que son los motivos de tales comparaciones?
2. Intente comparar la imagen de la “ciudad ideal” del Renacimiento con los conjuntos clasicistas de París (San Petersburgo o sus suburbios).
3. Compara el diseño decoración de interiores(interiores) de las galerías Francisco I en Fontainebleau y la Galería de los Espejos en Versalles.
4. Familiarícese con las pinturas del artista ruso A. N. Benois (1870-1960) de la serie “Versalles. El Paseo del Rey" (ver pág. 74). ¿Cómo transmiten la atmósfera general de la vida cortesana del rey francés Luis XIV? ¿Por qué pueden considerarse como una especie de pinturas simbólicas?
Temas de proyectos, resúmenes o mensajes.
"La formación del clasicismo en francés. arquitectura XVII- Siglos XVIII"; “Versalles como modelo de armonía y belleza del mundo”; “Un paseo por Versalles: la conexión entre la composición del palacio y el trazado del parque”; "Obras maestras de la arquitectura Clasicismo de Europa occidental"; “El estilo Imperio Napoleónico en la arquitectura francesa”; "Versalles y Peterhof: experiencia características comparativas"; “Descubrimientos artísticos en los conjuntos arquitectónicos de París”; “Las plazas de París y el desarrollo de los principios de la planificación urbana regular”; “Claridad de composición y equilibrio de volúmenes de la Catedral de los Inválidos de París”; “La Place de la Concorde es una nueva etapa en el desarrollo de las ideas urbanísticas del clasicismo”; “La dura expresividad de los volúmenes y la escasa decoración de la Iglesia de Santa Genoveva (Panteón) de J. Soufflot”; “Rasgos del clasicismo en la arquitectura de los países de Europa occidental”; "Arquitectos destacados del clasicismo de Europa occidental".
Libros para leer más
Arkin D. E. Imágenes de arquitectura e imágenes de escultura. M., 1990. Kantor A. M. et al. Arte del siglo XVIII. M., 1977. (Pequeña historia del arte).
Clasicismo y Romanticismo: Arquitectura. Escultura. Cuadro. Dibujo / ed. R. Tomán. M., 2000.
Kozhina E. F. Arte de Francia en el siglo XVIII. L., 1971.
Lenotre J. La vida cotidiana Versalles bajo los reyes. M., 2003.
Miretskaya N.V., Miretskaya E.V., Shakirova I.P. Cultura de la Ilustración. M., 1996.
Watkin D. Historia de la arquitectura de Europa occidental. M., 1999. Fedotova E.D. Estilo Imperio Napoleónico. M., 2008.
Al preparar el material, se tendrá en cuenta el texto del libro de texto “Cultura artística mundial. Desde el siglo XVIII hasta la actualidad” (Autor G. I. Danilova).