Dedicado a todas las chicas
niñas, mujeres y abuelas!
Los artistas del siglo XV comenzaron a cubrir sus lienzos con una densa alfombra de plantas, imitando tapices. Frente a usted verá un tapiz de Borgoña que representa un unicornio cautivo.
La tradición de representar varias plantas, dándoles significado simbolico, apareció en la antigüedad. si, hojas acanto eran considerados un símbolo de muerte.
En los tapices, las plantas están representadas con una precisión sorprendentemente “botánica”, pero parece que por ahora sólo sirven como decoración.
En la escena de la caza del unicornio, en la esquina inferior derecha está Naranjo. Era una planta exótica, se consideraba un símbolo del cielo.
Viajar a países lejanos permitió a los europeos familiarizarse con nuevas plantas. palmeras datileras, Por ejemplo.
A menudo diferentes tipos Las plantas decoraban los márgenes de los manuscritos.
La leyenda sobre propiedades mágicas raíz mandrágoras.
Las palmeras se parecían a esto.
Cono Pinos(pino) era un símbolo del árbol de la vida.
Varias flores eran consideradas símbolos de la Virgen María.
Algunas plantas tenían un significado simbólico para diferentes religiones. La imagen muestra una hoja de un antiguo libro judío con la imagen de una menorá y Olivos, símbolo de paz. (España, siglo XII)
En la carta inicial de un manuscrito medieval vemos a la Muerte admirándose en el espejo, y alrededor... bígaros, símbolo de juventud y belleza. La ironía, aparentemente, es ésta.
Los mitos antiguos fueron populares durante el Renacimiento. En el cuadro de Cosimo Tura (1465) está la musa Calíope, patrona de la poesía. Hay una rama en su mano. cerezas- un símbolo de fertilidad, aquí - creativo, aparentemente.
Rafael Santi "El sueño del caballero" (1504).
Está claro que el simbolismo oculto pedía literalmente los lienzos alegoricos. Esta imagen está "encriptada" Decisión difícil entre la sabiduría y los placeres corporales. A la izquierda está la diosa Minerva, extendiendo un libro al caballero dormido, símbolo del conocimiento, a la derecha está Venus, ofreciendo flores de manzano- un símbolo de herencias sensuales.
Hay mucho simbolismo en las historias del Antiguo Testamento. En el cuadro de Albrecht Altdorfer "Susanna y los ancianos" (1526), la heroína va a la corte (a la derecha), llevando en sus manos lirio- un símbolo de inocencia. Si recuerdas, los ancianos lujuriosos la acosaron después de verla bañarse, y cuando la piadosa mujer los rechazó, la acusaron falsamente de adulterio. El sabio rey David ejecutó un juicio justo, llevando a los libertinos a agua limpia. Ver a Susanna pasar junto a un tallo alto. gordolobo, también llamado "cetro real", símbolo de poder y justicia.
Otro hermoso tapiz del sur de Flandes "La matanza del unicornio". Ahora con símbolos.
Se ve un arbusto en la esquina inferior izquierda. color avellana es un símbolo de riqueza y abundancia. La ardilla es un símbolo de trabajo duro.
Y, por supuesto, mucho simbolos secretos V pintura religiosa 15-16 siglos. La cubierta herbácea a los pies de los santos, especialmente en las pinturas del Renacimiento nórdico, es una verdadera referencia botánica. Parece que el conocimiento de la btanica era una habilidad requerida para los artistas de esa época. Curiosamente, casi todas las plantas tenían su propio significado.
Una vez os hablé con gran detalle del Retablo de Gante de Jan van Eyck. Permítanme recordarles que aquí hay muchos símbolos, incluidos los símbolos de plantas.
Por ejemplo, Eva sostiene en su mano el fruto del Árbol del Conocimiento, pero aquí no es una manzana, sino una “nuez de Adán” o no comestible. cidra ibérica.
manzana, como limón- un símbolo del pecado original.
En este maravilloso cuadro de Matthias Grunewald "Stuppach Madonna" (1517) vemos símbolos de María en un jarrón - blanco lirio- inocencia y pureza, rosa- el dolor maternal y las llagas de Cristo, maravilla(o caléndulas) - “El oro de María”, el don de consuelo de la Madre de Dios a los pobres y miserables. maria se lo da al bebe Nuez- un símbolo de Cristo (la cáscara anodina es el cuerpo humano, el núcleo sabroso es la esencia divina).
En el mismo Altar de Gante también se pueden ver las flores de la Virgen María: rosa- pena, lirio- pureza, aquilegia y lirio de los valles- lágrimas.
lirio de los valles También se puede ver a los pies de Santa Verónica en un cuadro de Robert Campin. Y además diente de león: linda flor - niño Cristo, hojas en forma de lanza - lanza de Longino, pasión de Cristo.
Jacques Daret, "La Virgen y el Niño con los santos en el jardín prohibido" (1425). A los pies de María - eléboro, símbolo de Cristo y vida eterna. A la izquierda en la esquina. iris, símbolo del dolor y tormento maternal.
Los ángeles presentan a la Virgen y el Niño jazmín. Cosme Rossini (1440-1507)
El jazmín es un símbolo de pureza.
"Navidad" de Hugo van der Goes es la progenitora de las naturalezas muertas. Fragmento:
En primer plano de la imagen vemos a los que ya nos son familiares. lirios, lirios(el blanco simboliza la pureza, el azul - el dolor maternal), aquilegia. Y también clavos de olor- la sangre de Cristo y amor de madre, Y violetas- un símbolo de humildad. Espiguillas trigo- pan, la carne del Señor.
Copia veneciana del cuadro de Leonardo da Vinci "Leda y el cisne". En tiempos antiguos trama mitológica las flores tienen un significado completamente diferente: anémona- viento, aquilegia- símbolo de fertilidad, bígaro en manos de Leda - fuerza natural, pasión, juventud, ranúnculo cáustico(“ceguera nocturna”) - descuido. Roble sobre la cabeza de Leda hay un símbolo de Zeus. Estos detalles meticulosos, que generalmente no son característicos de los italianos, a menudo fueron "tomados prestados" por artistas de pintores del norte.
maria da el bebe clavos de olor- símbolo amor paterno. (Leonardo da Vinci "Madonna del Clavel").
Gerard David "Natividad con los donantes, los santos Jerónimo y Leonardo" (1510-15).
esto es simbolico diente de león, ya sabes su significado:
Gerolamo di Labri "La Virgen y el Niño con los santos" (1520). laurel- gloria, inmortalidad. El pavo real es un símbolo de la vida eterna (por alguna razón su carne se consideraba incorruptible)
Martin Schongauer "La Virgen de las Rosas"
De hecho, rosa- símbolo del sufrimiento y sacrificio de Cristo y María, “las llagas de Dios”. Es interesante que aquí no se representan rosas, sino árboles en forma de árbol. peones. Se creía que las rosas en el paraíso no tenían espinas, por lo que el peón era muy adecuado para este papel.
Y estos son los bocetos de Schongauer (1495). ¡Peón! 
Stefan Lochner. Otro matorral rosado. A los pies de Nuestra Señora violetas, símbolo de humildad.
Joos van Cleve (1513-15). A menudo se representaba a la Virgen y al Niño con frutas. Cristo tiene en sus manos naranja(fruto del árbol del paraíso) o durazno- oposición a la manzana, fruto símbolo del pecado original; El melocotón es un símbolo de la Trinidad. Granada en la bandeja hay un símbolo de la Iglesia Universal, uva- vino - la sangre de Cristo, nuez - ya lo sabes, cereza- sangre de Jesús, pera- la dulzura de la virtud.
Filippo Lippi (finales del siglo XV). Mismo granada.
Giovanni Bellini (1480), aquí con nosotros pera.
Joos van Cleve (1525). Claramente en la mano durazno. Limón yace desafiante a un lado: este es un símbolo de las pasiones terrenales: hermoso por fuera, increíblemente amargo por dentro. Se opone claramente a la nuez, símbolo de Cristo.
Carlo Crivelli (1480). Bebé sosteniendo en la mano jilguero, símbolo de la pasión de Cristo. A la izquierda hay una mosca: el diablo despierto, símbolo de muerte y decadencia. A veces manzana fue interpretado como un símbolo de redención, y pepino- pureza y resurrección.
Lucas Cranach. Uva- Símbolo eucarístico de Cristo, la sangre de Cristo.
Martín Schongauer" Sagrada Familia".Uva, y en la canasta - Mora, símbolo de la pureza de la Virgen María.
Retablo de Isenheim de Matthias Grunewald, 1510-15
Los santos de las puertas se encuentran sobre pedestales entrelazados con hiedra- símbolo de resurrección, vida eterna, devoción.
Ahora tenemos santos.
Adrian Isenbrandt "María Magdalena con un paisaje". Detrás del santo campanilla de febrero, símbolo de esperanza y purificación.
Lucas Cranach. "Santa Dorotea" Cuando llevaban a la santa a la ejecución, el guardia, burlonamente, la invitó a realizar un milagro: conseguir rosas En pleno invierno. Un niño con una canasta de rosas se acercó inmediatamente al santo. Ahora es un símbolo de Santa Dorotea.
Antonio Correggio "Santa Catalina". Rama palmeras- un símbolo del martirio.
Alberto Durero "Maximiliano Primero". Granada- usted ya sabe.
Toda clase de gente secular fue.
Hans Suess van Kulbach. Una niña teje una corona de nomeolvides- un símbolo de devoción a un ser querido. Esto lo confirma la inscripción en la cinta.
"Joven caballero en un paisaje" (¿Duque de Urbino?). Vittore Carpaccio. Al parecer el retrato es póstumo. Una garza es atacada en el cielo por un halcón cerca del agua; este ya se la come. El perro es fidelidad, el lirio es pureza, el iris es tristeza, el armiño es el símbolo de la orden a la que pertenecía el caballero.
Retrato de una dama. En la canasta hay flores que indican que lo más probable es que se trate de la novia: violeta - humildad, jazmín - pureza, clavel - amor.
Andrea Solario "Retrato de un hombre con clavel". Estos retratos ceremoniales del “novio” eran muy populares. Demostraron que el héroe estaba enamorado y se iba a casar. O el joven marido le regaló ese retrato a su esposa como muestra de amor.
Mucho mas: 
Desconocido 1480.
1490
Lucas Cranach. Retrato del doctor Johann Kuspinian y su prometida (¿ya su esposa?) Anna Kuspinian.
Hans Holbein. Retrato de Georg Guisse.
Hans Memling
Dirk Jaakobs. Retrato de Pompeo Occo (1534)
Michael Wolgemuth "Retrato de Ursula Tücher" (1478)
El taller de Jan van Eyck
Pisanello, Retrato de la condesa Ginebra de Este (1447)
Y este es un retrato de una niña que ya estaba muerta en el momento de su creación. Murió a los 21 años y se culpó a su marido de su muerte (su segunda esposa también murió de forma extraña). En la imagen hay flores simbólicas: aquilegia - lágrimas, clavel - amor (posiblemente de los padres, no sabemos quién encargó el cuadro), mariposas y una ramita de agujas de pino - la inmortalidad en la memoria de los seres queridos.
Domenico Gerlandaio "Retrato de una dama". Al parecer es una novia, otro símbolo de pureza es la flor de naranjo.
Alberto Durero, autorretrato a los 22 años.
El retrato estaba destinado a una esposa joven, el acebo en sus manos es un símbolo de fidelidad conyugal. La imagen me inspiró a crear esta publicación.
Neuzv. Señora de la familia Hofer. No me olvides: lealtad, devoción. Quizás el marido de la dama haya muerto; la mosca en el tocado puede indicarlo; aquí es un símbolo de la muerte, la fragilidad de la existencia;
Señora Philippa Kingsby. Cereza - fertilidad, abundancia
Retrato de una dama (1576). Aquí, un ranúnculo en tus manos significa riqueza, una prímula significa matrimonio, ¡aparentemente afortunada tu tía!
Mirabello Cavalori "Niño con jacinto y melocotón". El jacinto simboliza el coraje, la destreza y la alegría. A veces, sabiduría, pero aquí, apenas. Y los jacintos huelen bien, me los regalaron hoy.
Y, por último, un retrato de Nicolás Copérnico realizado por Tobias Steamer. El lirio de los valles es un símbolo de amargura y lágrimas. Como sabes, ¡el científico tenía muchas de estas cosas!
¡Y deseo que no sientas amargura, sino que derrames lágrimas sólo de alegría!
Normalmente, cuando se pronuncia la frase “Edad Media”, aparecen ante los ojos sombríos castillos góticos, todo está oscuro, descuidado, aburrido... Este es un estereotipo que por alguna razón se ha formado en la mente de las personas. La pintura de esta época demuestra lo contrario: no sólo no es aburrida, sino también muy colorida.
Arte de la Edad Media: características y tendencias.
La Edad Media representa el período comprendido entre los siglos V y XVII. El término en sí se originó en Italia; se creía que esta época era una decadencia cultural; la Edad Media se comparaba constantemente con la Antigüedad, y la comparación no favorecía a la primera.
Hay varias características del arte de la Edad Media, y todas ellas están estrechamente relacionadas con los fundamentos y tradiciones que prevalecían en la sociedad de esa época. Por lo tanto, la iglesia y los dogmas religiosos eran fuertes, por eso la religión se convirtió en algo común para la cultura de esa época. Además, rasgos característicos fue ascetismo, rechazo de las tradiciones antiguas y al mismo tiempo compromiso con la antigüedad, atención a mundo interior El hombre y su espiritualidad.
La era suele dividirse en varios períodos: Alta Edad Media(antes del siglo XI), desarrollado (antes del siglo XV) y posterior (antes del siglo XVII). Cada uno de estos intervalos, nuevamente, tiene sus propias tendencias. Como ejemplo - Alta Edad Media se distinguió por un rechazo total de las tradiciones antiguas, la escultura se hundió en el olvido, floreció arquitectura de madera y el llamado estilo animal. Las personas, por regla general, no estaban representadas y el arte era "bárbaro". Se prestó especial atención al color.
La Edad Media desarrollada, por el contrario, se concentró en las artes aplicadas: estaban de moda las alfombras, las piezas fundidas y las miniaturas de libros.
En la era de Baja Edad Media Los estilos románico y gótico comenzaron a dominar, en particular, predominaron en la arquitectura, que era la principal forma de arte en este período.
En general, se acepta la siguiente periodización del arte de la Edad Media: celta, paleocristiano, arte del período de migración de los pueblos, arte bizantino, prerrománico, románico y gótico. A continuación, nos detendremos con más detalle en géneros, estilos, técnicas y tramas. pintura medieval. Recordemos a los maestros famosos.
Pintura de la Edad Media
EN diferentes periodos Durante la Edad Media, pasaron a primer plano diferentes tipos de arte: la escultura y la arquitectura. No se puede decir que la pintura quedara al margen. Con el tiempo y bajo la influencia de los cambios en la sociedad, ésta también cambió, como resultado de lo cual las pinturas se volvieron más realistas y los artistas aparecieron nuevas técnicas, temas y perspectivas de creatividad. Así, por ejemplo, a pesar de que la tendencia a pintar lienzos con temas religiosos siguió siendo popular en la pintura medieval de cualquier época (sin embargo, después del siglo XIII comenzó a ocurrir con mucha menos frecuencia), con una mayor educación se volvieron más común las llamadas pinturas seculares: contenido cotidiano, que refleja vida sencilla la gente común(incluida la nobleza, por supuesto). Así surgió la pintura realista, poco característica de la época. Alta Edad Media. Las pinturas comenzaron a representar no el mundo espiritual, sino el material.
Se difundieron las miniaturas de libros: de esta manera intentaron mejorar y decorar los libros, haciéndolos más atractivos para los compradores potenciales. También aparecieron pinturas murales y mosaicos que decoraban las paredes exteriores e interiores de las iglesias; por ello debemos agradecer a la Orden Franciscana, por la que fue construida. un gran número de estructuras similares. Todo esto sucedió después del siglo XIII, antes de que no se prestara tanta atención a la pintura. mucha atención, ella jugó un papel más bien secundario y no fue considerada algo importante. Los cuadros no fueron pintados, fueron "pintados", y esta palabra refleja plenamente la actitud hacia esta especie arte en esa época.
Con el apogeo de la pintura en la Edad Media, se comprendió que pintar lienzos artísticos era el destino de quienes realmente saben y aman este oficio. Los cuadros ya no se “pintaban”; su creación ya no se trataba como un pasatiempo entretenido al alcance de todos. Como regla general, cada pintura tenía su propio cliente, y estos pedidos se hacían exclusivamente para un propósito específico: los lienzos se compraban para casas nobles, iglesias, etc. Es característico que muchos artistas de la Edad Media no firmaran sus obras; para ellos era un oficio común, al igual que la producción de bollos para un panadero. Pero los pintores de esa época intentaron adherirse a reglas tácitas: influir emocionalmente en quien mirará el lienzo; ignorar las dimensiones reales - para dar mayor efecto; Representa diferentes períodos de tiempo con el mismo héroe en la imagen.
Iconografía
La pintura de iconos fue la principal forma de arte en Alta Edad Media. Estas pinturas, o más bien iconos, fueron consideradas una especie de sermón que enseña sin palabras. Esta era una conexión con Dios accesible a todos, porque muchas personas en ese momento eran analfabetas, lo que significa que no podían leer los textos de las oraciones ni ningún libro de la iglesia en general. Los iconos transmitían a la gente corriente lo que el papel no podía transmitir. Característica distintiva La iconografía incluía la deformación del torso; esto se hizo para causar una mayor impresión emocional en la audiencia.
arte bizantino
Hablando de la cultura de la Edad Media, no se puede dejar de decir al menos algunas palabras sobre la pintura. en Bizancio en el Medio siglo. Éste fue el único lugar donde se mantuvieron fieles a las antiguas tradiciones del arte helenístico. La cultura bizantina logró combinar armoniosamente el entretenimiento y el espiritismo (“espíritu sobre el cuerpo”), que le llegó desde Oriente. Bajo la influencia de Bizancio, se formaron posteriormente las culturas de muchos otros países, en particular, Rusia.
La idea principal de la pintura en Bizancio en la Edad Media fue la idea del mundo como un espejo. Este "espejo", según las ideas de los antiguos, debía reflejar el mundo espiritual del hombre con la ayuda de símbolos especiales: estos símbolos eran las pinturas. Muy gran atención Centrado en la luz y el color. En los lienzos, por regla general, altura completa Se representaban figuras humanas - en el centro, Jesucristo o la Madre de Dios, varios santos, detrás de ellos y junto a ellos - el resto de su entorno. Si fuera necesario mostrar héroes negativos(el mismo Judas), luego fueron escritos de perfil. La peculiaridad de la representación de los personajes en las pinturas era su carácter esbozado y su significado. Parecían "ganar peso", pero al mismo tiempo se volvieron planos. Tampoco se encuentran perspectivas en las pinturas de los artistas bizantinos.
Pero los bizantinos siguieron con mucho cuidado una de las reglas de la pintura medieval: todas las figuras que estaban presentes en sus lienzos, para mayor claridad, no están representadas en tamaños reales y con una violación de las proporciones: a veces con una cabeza muy grande y ojos enormes, a veces con un cuello alargado y un torso alargado, a veces con ausencia de extremidades, etc. Es característico que los artistas no pintaran del natural. Entre las historias predominantes en pintura bizantina Se puede distinguir una figura crucificada en una cruz - símbolo del sufrimiento, una figura de una mujer con los brazos extendidos - símbolo de la madre, una figura con una aureola - símbolo de santidad, una figura de un ángel con alas - símbolo de pureza y pureza.
Estilos
El principal estilo de pintura a principios de la Edad Media fue Europa Oriental Se considera románico. Un poco más tarde apareció el estilo gótico. Sin embargo, antes de la llegada de ambos, la pintura todavía existía. Como se mencionó anteriormente, se trataba del llamado arte bárbaro, que poco tenía en común con la cultura de la antigüedad. La gente tenía miedo de la naturaleza y la deificaba, lo que se reflejaba en la pintura: imágenes de la naturaleza, así como de los humanos, en el arte. Alta Edad Media muy poco. En su mayoría, era popular el adorno en el que se manifestaba el estilo "animal" ya mencionado. Esto continuó hasta el siglo VIII, cuando comenzaron a tejerse en el adorno imágenes de Cristo y de la figura humana en general.
flamencos
El siglo XV trajo gloria a Flandes: fue en esta área donde apareció una nueva técnica única, que tuvo un gran impacto en todo el arte y en un momento se hizo popular. Estamos hablando de la invención de las pinturas al óleo. Gracias a la adición aceite vegetal En la mezcla de tintes, los colores se saturaron más y las pinturas se secaron mucho más rápido que la tempera que los pintores habían usado antes. Después de intentar aplicar capa tras capa, los maestros se convencieron de las posibilidades y perspectivas que se les habían abierto: los colores jugaban de una manera completamente nueva y los efectos obtenidos de esta manera eclipsaban por completo todos los logros anteriores.
No se sabe con certeza quién es exactamente el inventor de las pinturas al óleo. A menudo su aparición se atribuye, quizás, a el maestro más famoso de flamenco escuela - Jan van Eyck. Aunque incluso antes que él, Robert Campin, a quien, de hecho, se le considera el fundador, era bastante popular. pintura flamenca. Sin embargo, fue gracias a Van Eyck que las pinturas al óleo se extendieron tanto por toda Europa.
Artistas destacados
La pintura medieval dio al mundo muchos nombres maravillosos. Ya mencionado anteriormente, Jan van Eyck es un excelente retratista, cuyo trabajo se diferencia de los demás. juego interesante luz y sombra. Un rasgo característico de sus pinturas es el minucioso detalle de los más mínimos detalles. Otro flamenco, Rogier van der Weyden, no prestó tanta atención a los detalles, pero dibujó contornos muy claros y se centró en tonos coloridos y brillantes.
Entre maestros italianos Además de los mencionados anteriormente, cabe destacar a Duccio y Cimabue, los fundadores del realismo, y Giovanni Bellini. Además, el español El Greco, el holandés Hieronymus Bosch, el alemán Alberto Durero y otros dejaron una gran huella en el arte.
- La palabra "miniatura" proviene de minio: este es el nombre latino de minio, que se usaba para escribir letras mayúsculas en los textos de la Edad Media.
- Modelo para el cuadro " última cena"Leonardo da Vinci se convirtió en un borracho corriente.
- En cada nuevo siglo, aumentó la cantidad de comida en las naturalezas muertas.
- El cuadro de Tiziano “Amor terrenal y amor celestial” los cambió cuatro veces antes de recibir ese nombre.
- El artista Giuseppe Arcimboldo compuso sus lienzos a partir de verduras, frutas, flores, etc. Muy pocas de sus obras han llegado hasta nosotros.
La pintura de la Edad Media, como toda la cultura de este período, es una capa única que puede estudiarse durante siglos. Además, se trata de una verdadera obra maestra del patrimonio, que es nuestra responsabilidad directa preservar para la posteridad.
El período de desarrollo de la cultura y el arte en Europa occidental desde la caída del Imperio Romano Occidental (siglo V) hasta el comienzo del Renacimiento (siglo XV) fue llamado por primera vez "Edad Media" por los escritores humanistas italianos. Consideraron esta época salvaje y bárbara en contraste con la antigüedad y la cultura de su época. Posteriormente, los científicos revisaron esta valoración negativa. Estudio detallado monumentos artísticos, documentos, obras literarias nos permitieron concluir que el arte medieval fue una etapa importante y significativa en el desarrollo de la cultura mundial.
En la historia del arte de Europa occidental de la Edad Media, se acostumbra distinguir tres períodos: el arte de la Alta Edad Media (siglos V-IX), el arte románico y el gótico. Los dos últimos nombres son condicionales. Arqueólogos románicos (de la palabra latina "Roma" - "Roma") del siglo XIX. Llamaron a los edificios de los siglos X-XII, en los que encontraron similitudes con la arquitectura romana, y posteriormente comenzaron a denominar el arte de la época en su conjunto. Todo el arte medieval se llamó originalmente gótico. Los humanistas italianos lo consideraron producto de los godos, a principios del siglo V. Saqueó Roma. Cuando apareció el término “arte románico”, por gótico comenzaron a entenderse las obras de arquitectura, escultura y pintura de mediados del siglo XII al XV, que se diferenciaban de sus predecesoras por su marcada originalidad.
Odón de Metz. Interior de la capilla del palacio de Aquisgrán. DE ACUERDO. 798-805.
La era de la Alta Edad Media: la época de la formación. nueva cultura, que fue creado en el territorio de Europa por tribus alienígenas. Los romanos los llamaron bárbaros. Habiendo derrotado a la otrora poderosa Roma, pueblos bárbaros Formaron sus propios reinos en el territorio del imperio conquistado. Los nuevos gobernantes de Europa no sabían cómo construir edificios de piedra con tanta habilidad como los romanos, y representaban a personas en el arte de manera extremadamente rara y muy convencional. Mucho más cerca de ellos estaba el mundo de los animales fantásticos y el complejo patrón de adornos con los que decoraban objetos de metal, madera, hueso, prendas de vestir, armas y utensilios rituales.
Inicialmente, los conquistadores atrajeron a constructores y artistas que vivían en las tierras conquistadas, pero las habilidades de alta construcción se fueron perdiendo gradualmente y los adornos amenazaban con suplantar para siempre las antiguas tradiciones de representar personas.
Mientras Europa tomaba forma relaciones feudales, poder central fortalecido, la idea de poder y grandeza Antigua Roma atrajo a los gobernantes de nuevos estados que soñaban con la gloria de los Césares romanos. El rey franco Carlomagno, creador de un enorme poder, tratando de rodear su poder de grandeza y esplendor, fue coronado en Roma y trató de revivir las tradiciones de la cultura romana en su corte. En la residencia de Carlos en Aquisgrán se construyó un palacio y junto a él, una iglesia palaciega, una capilla. Está bien conservado. Su modelo fue la Iglesia de San Vitale en Rávena, de donde se trajeron las columnas de mármol instaladas en la capilla. Pero, en general, la creación del arquitecto franco es más pesada y masiva que el templo bizantino.
Entre la arquitectura de piedra de la época carolingia (la llamada dinastía de reyes francos, cuyo representante más destacado fue Carlomagno) predominaron los edificios religiosos. Se debió a ese papel especial.
Qué papel jugó la iglesia en la vida de la sociedad medieval. Ella, la mayor propietaria feudal, justificó el sistema existente con sus enseñanzas y, como principal cliente obras de arte, dirigió poderosamente el desarrollo del arte en su propio interés. Bajo su influencia, comenzaron a surgir reglas estrictas para la representación de temas sagrados, obligatorias para todo artista.
Iglesia en Paray-le-Monial. DE ACUERDO. 1100. Francia.
Las iglesias y palacios carolingios estaban decorados con pinturas y mosaicos, y también se encontraron esculturas en los templos. Sin embargo, muchos monumentos se perdieron, y podemos juzgar el trabajo de los artistas carolingios sólo por las placas de marfil talladas que nos han llegado. joyas, preciosos marcos de libros escritos a mano y basados principalmente en las ilustraciones de estos libros: miniaturas. Los libros eran raros a principios de la Edad Media. Fueron creados por orden de emperadores, grandes señores feudales, obispos y abades de monasterios en talleres especiales: scriptoria. En la época carolingia, existían scriptoria en la corte real y en los grandes centros eclesiásticos. A diferencia de sus predecesores, los artistas de los siglos VIII-IX. Estudió cuidadosamente las obras de los maestros romanos y bizantinos y aprendió mucho de ellos. El principal elemento de diseño de los libros eran miniaturas de cuentos que representaban caracteres% paisajes, fondo arquitectónico (ver Miniatura).
En la época románica la arquitectura jugó un papel protagonista en la creatividad artística. Hacia el siglo XI. Se llevaron a cabo extensas construcciones de piedra en toda Europa. Al construir edificios de piedra, los arquitectos medievales encontraron una serie de dificultades técnicas, en particular durante la construcción de pisos: las vigas y los techos de madera a menudo se quemaban, mientras que las estructuras de piedra (arcos, cúpulas, bóvedas) tenían contornos semicirculares y, como un arco tensado, parecían esforzarse por separar las paredes del edificio hacia los lados. Para evitarlo, los arquitectos románicos construyeron muros muy gruesos y pilares y soportes macizos.
En la Europa fragmentada y hostil de los siglos X-XII. Los principales tipos de estructuras arquitectónicas fueron el castillo de los caballeros, el conjunto del monasterio y el templo. En la era de los conflictos civiles y las guerras, los edificios de piedra servían como protección contra los ataques. Por lo tanto, los edificios románicos son muy similares a una fortaleza: tienen muros macizos, ventanas estrechas y torres altas.
Figuras de los apóstoles. Fragmento de la decoración escultórica de la fachada de la Iglesia de San Pedro. Trófimo en Arlés. DE ACUERDO. 1180-1200. Francia.
El arte románico se reveló más claramente en la arquitectura de los edificios de las iglesias y en su decoración pictórica y escultórica. La iglesia románica se caracteriza por una belleza austera y valiente, se distingue por su imponencia y su solemnidad. En Europa occidental, las iglesias tenían una parte media alargada. En el interior, esta sala estaba dividida por hileras de soportes, pilares o, más a menudo, arcadas en salas longitudinales más estrechas: naves. En el lado occidental, donde se ubicaba la entrada, estaba enmarcada o coronada por torres; en la parte oriental había un santuario del templo: un altar. Estaba marcado por un nicho especial: el ábside. La parte del altar de la iglesia estaba precedida por una nave transversal. La distancia desde la entrada al altar brillantemente iluminado, cuyo camino discurría a través de la nave crepuscular, enfatizaba la distancia que entonces se creía que separaba al hombre de Dios.
Las iglesias románicas estaban decoradas con frescos en el interior y con relieves de colores brillantes en el exterior. temas bíblicos. Las partes de coronación de las columnas (capiteles) estaban decoradas con imágenes escultóricas de trama. Los artistas de la época románica no perdieron el gusto por la decoración ornamental, pero se sintieron mucho más atraídos por las imágenes del hombre y sus acciones. Los maestros de esa época comenzaron a recurrir cada vez más a la herencia del pasado, conocían las obras de los artistas bizantinos y eran observadores. Supieron notar y transmitir una pose expresiva, un gesto característico y contar una historia entretenida sobre un evento. Para hacer esta historia más expresiva, los maestros románicos a menudo violaron las proporciones del cuerpo humano, ampliaron los detalles individuales y exageraron los movimientos.
A menudo, pintores y escultores dieron rienda suelta a su imaginación y “poblaron” las paredes de los templos o las páginas de los manuscritos con imágenes de criaturas fantásticas, figuras de acróbatas, pájaros y animales, imágenes tomadas de creencias populares.
Pocas obras de arte secular han sobrevivido de la época románica. Y por eso, de especial interés es la gran alfombra bordada que decoraba la catedral de Bayeux en Francia (siglo XI). Las escenas que presenta cuentan la historia de la conquista de Inglaterra por los normandos.
Hasta el siglo XII. principal centros culturales había monasterios donde se encontraba la gente más educada, se discutían problemas de construcción, se copiaban libros. En el siglo XII La primacía comenzó a trasladarse a nuevos centros económicos y culturales: las ciudades. Aquí nació la ciencia medieval, floreció la artesanía y creatividad artística. Las ciudades lucharon con los señores feudales por su independencia. Entre la gente del pueblo nació el librepensamiento y una actitud crítica hacia el sistema feudal. Durante este período floreció la poesía caballeresca y tomó forma la literatura de la clase urbana. Las Cruzadas cambiaron la comprensión geográfica de los europeos y ampliaron su conocimiento del mundo que los rodeaba. Parecía enorme y dinámico.
Interior de la Catedral de Notre Dame de Reims. Siglo XIII Francia.
En esta época, en Francia, donde el poder real luchaba por la unificación del país, comenzó a gestarse el arte gótico, que luego se extendió a Inglaterra, Alemania, España, República Checa y otros países europeos.
La arquitectura siguió siendo la principal forma de arte durante la época gótica. Ella encarnó más vívidamente nuevas ideas sobre el mundo que la rodeaba. Otros tipos de arte, principalmente la escultura, comenzaron a adquirir un significado independiente. La creación más elevada del estilo gótico es la majestuosa catedral de la ciudad. En la cuna del arte gótico, en Francia, se erigieron catedrales en una de las plazas de la ciudad. Los constructores que trabajaron en la creación de un edificio grandioso se unieron en una organización especial: una logia, que incluía albañiles, carpinteros, escultores y vidrieros que fabricaban vidrios coloreados para vidrieras. La construcción estuvo a cargo del maestro mayor, un arquitecto experimentado y hábil. Los arquitectos de las catedrales góticas fueron experimentadores audaces. Pudieron desarrollar un diseño complejo que permitió distinguir el marco del edificio de los soportes de la bóveda y los pilares de soporte adicionales: contrafuertes. Los arcos de conexión especiales, los arbotantes, transfirieron la presión de los arcos de la nave central, que era más alta que los laterales, a los contrafuertes ubicados a lo largo de las paredes. Ahora bien, no era el muro, sino esta estructura en su conjunto la que sostenía las bóvedas, por lo que los maestros góticos cortaron audazmente ventanas en las paredes y construyeron arcadas altas y luminosas entre los soportes. El estilo gótico se caracteriza por arcos apuntados que apuntan hacia arriba. Destacaron la ligereza y la aspiración ascendente de la arquitectura gótica. En Francia, los artesanos prestaron especial atención al diseño de la fachada occidental, que estaba ricamente decorada con esculturas. También se colocaron imágenes escultóricas en los portales a los lados de la nave transversal. En el interior de la catedral, esbeltos pilares, rodeados de delgadas semicolumnas, se elevaban rápidamente hasta los arcos apuntados creando una perspectiva majestuosa de las naves;
En el altar, las naves laterales y en el nivel superior de la nave central brillaban numerosas ventanas con vidrieras multicolores. Dependiendo del clima, la hora del día o del año, la luz que penetraba a través del vidrio coloreado coloreaba el interior del templo de diferentes maneras, haciéndolo misterioso o alegremente festivo.
La escultura gótica, en comparación con la románica, se parece más a una estatua redonda. Las figuras, aunque colocadas contra una columna o pared, se han vuelto más voluminosas y sobresalen más audazmente en el espacio real. Los temas de las imágenes también se han vuelto más diversos. Junto con los temas de la iglesia, aparecieron figuras de filósofos antiguos, reyes, imágenes reales de representantes de diferentes naciones e ilustraciones de fábulas edificantes. Las imágenes de los santos empezaron a parecerse a las de sus contemporáneos y aparecieron los primeros intentos de crear retratos de personas seculares. Anteriormente, estas imágenes se encontraban sólo en las lápidas de nobles señores feudales y representantes destacados de la iglesia. Los maestros medievales no trabajaron del natural y crearon retratos ideales y representativos. En la época gótica, los artistas ya intentaban darle al modelo características realistas. Los escultores, que crearon doce estatuas de señores feudales que donaron fondos para la construcción del templo alrededor de 1250 en la ciudad alemana de Naumburg, no pudieron ver a los retratados, que habían muerto mucho antes. Sin embargo, los maestros les dotaron de rasgos individuales, rostros expresivos y gestos característicos.
Junto con los templos, en la época gótica se prestó mucha atención a la construcción de edificios seculares: ayuntamientos, galerías comerciales, hospitales y almacenes. Los salones estatales de los castillos fueron ricamente reconstruidos. En las ciudades, poco a poco surgieron dos plazas: la catedral y el mercado. La ciudad estaba protegida por altos muros con portón de entrada. El Ayuntamiento, el edificio del magistrado de la ciudad, era un símbolo del gobierno de la ciudad. En los países donde las ciudades florecían, los ayuntamientos a veces podían rivalizar con las catedrales en su grandeza.
El arte medieval de Europa como encarnación de la mentalidad cristiana religiosa. Estética de las identidades: canonicidad, antinovatismo, anonimato, repetición de tramas e imágenes tradicionales. Dominantes estéticos de la Alta, madura y Baja Edad Media. Estilos de arquitectura medieval: estilo románico, estilo gótico.
Pintura medieval (miniaturas de libros, pintura monumental, vidrieras). Literatura medieval: y sus características. Básico tradiciones literarias: Literatura latina:, Literatura épica, cortesana:, Literatura urbana:. Modo iglesia y géneros musicales medievales.
Cuadro. Los temas de las pinturas y esculturas eran temas de la grandeza y el poder de Dios. La característica estilística de estas imágenes fue que la figura de Cristo era significativamente más grande que otras figuras. En general, las proporciones reales no eran importantes para los artistas románicos: en las imágenes, las cabezas suelen estar agrandadas, los cuerpos son esquemáticos y a veces alargados. En Alemania en el siglo XI. Cada vez hay más espacio en la imagen. El tema de la crucifixión, muerte y resurrección de Cristo comienza a ocupar el lugar. En el futuro, este motivo dominará el catolicismo e incluso suplantará la imagen de Cristo como Pantocrátor. Pintura monumental altomedieval. En él, junto con las primeras tradiciones cristianas, se observan rasgos de impetuosidad y expresión. Monumentos del siglo IX que han llegado hasta nuestros días. Las pinturas de iglesias en Francia permiten distinguir entre escuelas de fondo “claro” y “azul”. El primero, común en el oeste y centro de Francia, se caracteriza por un fondo claro, contornos nítidos y una interpretación plana de las formas (los frescos "La batalla del Arcángel Miguel con el Dragón" en la iglesia de Saint-Savain en Poitou ). Para el segundo (sur y este del país), los fondos azules, los colores ricos y una clara influencia del arte bizantino son indicativos. La “Escuela de los Fondos Azules” está especialmente bien representada por el complejo de pinturas de Berze-la-Ville creadas a principios del siglo XII. Así, en el arte del siglo XIV, aunque todavía controlado por la iglesia, se intensificaron los rasgos seculares y realistas. Vitral. Durante el apogeo del estilo románico, existían dos técnicas para pintar vidrieras: grisalla(pintura negra y gris sobre vidrio incoloro de tono ahumado verdoso) y sobre vidrio coloreado tipográfico(El vidrio se hirvió en hornos especiales, luego se cortó de acuerdo con el diseño preparado y se mecanografió en plantillas especiales, después de lo cual se cubrió con pintura sobre un fondo de color). Sin embargo, las vidrieras alcanzaron su mayor auge durante el período gótico. El objetivo principal de estos "cuadros de escaparate" era mostrar a las personas que no podían leer las Escrituras lo que debían creer. Debido a la variedad de temas, las vidrieras son góticas. Las catedrales compitieron con éxito con la escultura. Además de composiciones sobre temas bíblicos y evangélicos, figuras individuales de Cristo, María y los apóstoles, también contenían episodios de leyendas sobre la vida de los santos e imágenes de acontecimientos históricos. Nunca antes el color y la luz habían desempeñado un papel tan simbólico. Se creía que el color natural del gótico era el púrpura, el color de la oración y la aspiración mística del alma, como una combinación del color rojo de la sangre y el cielo azul. Color azul También se consideraba un símbolo de fidelidad. Por lo tanto, en las vidrieras predominaban los colores rojo, azul y pinturas moradas. Junto a ellos, fueron especialmente apreciados los colores naranja, blanco, amarillo y verde. El mejor gótico. Las vidrieras se encuentran en las catedrales de Chartres (“La Virgen y el Niño”) y París (Saint-Chapelle).
Literatura. Toda la literatura de la Edad Media se puede dividir en epopeya heroica, poesía caballeresca cortesana, novela caballeresca cortesana y poesía y prosa de clase urbana. Epopeya heroica representaban cuentos que glorificaban las hazañas de los héroes, los hechos reales más importantes, cuentos basados en leyendas populares. Obras tempranas Las “canciones sobre hazañas” eran de este tipo. Los intérpretes de estas canciones-poemas eran malabaristas, cantantes ambulantes y músicos. En Francia, el mayor monumento de esa época es la “Canción de Roldán” (el caballero ideal, patriota y amante de la verdad, defensor de los cristianos de los infieles). Las leyendas bretonas (Bretaña - región de Francia) y celtas hablan del rey británico Arturo y los Caballeros de la Mesa Redonda, así como de la búsqueda del Santo Grial, la copa en la que, según la leyenda, se guarda la sangre del Salvador. fue recogido cuando su cuerpo fue colocado en el ataúd. El poema más famoso de este ciclo glorifica las hazañas del caballero Parzival. En Alemania, la epopeya "La canción de los nibelungos" sobre la muerte del reino de Borgoña y la muerte del rey huno Atila. El héroe Sigfrido aparece en el país de los Nibelungos y se enamora de la hermana del rey Gunter. El rey pide ayuda a Z. para realizar hazañas heroicas y se casa con la reina de Islandia. Más tarde se revela el engaño. Poesía caballeresca y cortesana. La poesía cortesana comenzó con el culto a la “dama del corazón”. Los caballeros poetas cantaban la belleza y la nobleza de la Bella Dama, que era, por regla general, la esposa del señor supremo. El amor cortés es secreto, el poeta evitó llamar a su dama con el nombre de sutil, refinada. Ella debería verse como una adoración reverente. Fue cantada por trovadores (sur de Francia), trouvères (norte de Francia), minnesingers (Alemania) y juglares (inglés). En Provenza (y fue allí donde aparecieron los primeros poemas de amor de caballería) había muchas formas de poesía cortesana. Canción(“la canción” presentaba un tema de amor en forma narrativa. Alba(“amanecer de la mañana”) estaba dedicado al amor terrenal y compartido. Los amantes se separan al amanecer, cuya llegada es advertida por un sirviente o amigo que hace guardia. Balada- canción de baile. pastorela- una canción sobre el encuentro de un caballero y una pastora. Llorar- una canción donde el poeta anhela o llora su suerte, llora la muerte de un ser querido. tenson- poema. disputa, gato. O participan dos poetas, o un poeta y P.D., poesía y Lyubov. Sirventes- canción, gato. Las redes sociales ya están en alza. preguntas: ¿quién es digno de amor: un plebeyo educado o un barón sin gloria? romance cortesano caballeresco. Autores - gente culta. Las primeras novelas aparecieron en Francia. y fueron una fusión de epopeyas celtas. leyendas con las obras antiguas tardías de Homero, Ovidio, Virgilio, historias fascinantes de los cruzados sobre países desconocidos. Uno de los creadores de Chrétien de Trouy "Yvain, o el Caballero del León". Las acciones de los héroes de Chrétien de Troyes tienen como objetivo realizar una hazaña, mientras que no es el amor lo que empuja al caballero a la aventura, sino la pasión por estas hazañas. Técnicas más complejas para revelar personas. har-ra fueron utilizados por Chrétien de Troyes en El cuento del Grial, donde una hazaña de “dificultad aumentada” condena al héroe al ascetismo.
El otro miércoles tiene una tonalidad completamente diferente. novela - "Tristán e Isolda", basada en un gato. Cuentos irlandeses sobre el amor infeliz de dos corazones jóvenes. La trama carece de aventuras caballerescas y pone de relieve el conflicto insoluble entre los motivos individuales de los héroes y las normas generalmente aceptadas. La pasión destructiva del joven Tristán y la reina Isolda les empuja a pisotear sus deberes vasallos y conyugales, a una cadena de pretensiones y engaños. Los héroes no mueren bajo los golpes de oponentes fuertes, se convierten en víctimas del destino, el destino. Poesía y prosa de la montaña. fincas. Los géneros populares son fabliau (en Francia), schwank (en Alemania). Los héroes son ciudadanos y campesinos con su ingenio y sentido común, gato. luchar con la adversidad cotidiana, manteniendo el optimismo. Todas las situaciones son de carácter cómico o aventurero, pero no van más allá de los límites de una descripción realista de la vida cotidiana. La epopeya más famosa. el ciclo es fr. “La novela sobre el zorro”, donde se describe de forma alegórica la vida del srvek. Europa. El tema principal es la exitosa pelea del zorro Renard, el protagonista. ingenio, destreza y astucia, con un lobo estúpido y sanguinario. Un fenómeno especial es la poesía de los escolares errantes: los vagabundos. Lanzaron duros ataques contra los príncipes de la iglesia, lo que convirtió a los vagabundos en herejes militantes. Los temas favoritos de sus canciones son las fiestas, los coqueteos ligeros, las quejas irónicas sobre su difícil situación (“Del lado francés...”). El humor popular se transformó en sátira y dio origen a un nuevo género: la farsa (una comedia cruda con su inherente burla).
Música. Música La cultura de la Alta Edad Media está representada principalmente por canciones y bailes cortesanos y folclóricos y música. Instrumentos y música religiosa. Todos los niveles de la sociedad sentían pasión por la música, el canto y la danza. Himno de la iglesia. Ya a finales del siglo VI. base para la música. El culto católico se convirtió en un canto eclesiástico a una sola voz, interpretado por un coro masculino al unísono o por solistas en latín. Este es el llamado Canto gregoriano (llamado así en honor al Papa Gregorio I, quien, según la leyenda, estableció este género de canto). El canto cristiano uniforme se introdujo gradualmente en todos los países de Europa occidental. Siglos KIX-X: las primeras grabaciones de obras polifónicas. Las obras de órgano a dos voces fueron creadas por maestros de Francia. Monasterio de Saint-Marcel, que tomaron prestado de cantantes improvisadores. Distribución música El motete se convirtió en un género a partir del siglo XIII. Para escribir un motete, comp. tomaba una melodía conocida y le añadía una, dos o tres voces. La música religiosa también se compuso según el mismo principio. ritual. Este tiene un polifono. Sobre la base y las canciones de trovadores y trouvères, la creatividad de la comp. tarde Edad media. varias canciones géneros y formas: rondós, baladas, madrigales. Este período de la historia de la música se llama Ars nova(lat. arte nuevo), porque La poesía secular refinada ahora tenía música de un nuevo tipo, imbuida de una vivacidad especial y una riqueza de colores sonoros. Un destacado maestro de TI. Ars nova fue Francesco Landino. La ceguera temprana no le impidió convertirse en un organista virtuoso y autor de muchas canciones líricas. P. Ars nova dirigió la computadora. y el poeta Guillaume de Machaut, inv. sus contemporáneos lo apodaron "el dios terrenal de la armonía". La balada de su obra se convirtió en un ejemplo de lirismo sofisticado. Fue interpretada por un cantante con acompañamiento instrumental polifónico. La creatividad de ambos abrió el camino. escenario - música Renacimiento