Los temas bíblicos en las pinturas de Leonardo da Vinci, así como en las pinturas de otros artistas de su época, ocupan un lugar importante.
Primero cuadro, atribuida a Leonardo, es “La Anunciación”, aunque muchos expertos cuestionan su autoría. Sin embargo, esto no se aplica únicamente al cuadro “La Anunciación”. Desafortunadamente, el autor desconocido hizo correcciones posteriores que empeoraron significativamente la calidad del trabajo del maestro.
Leonardo da Vinci "La Anunciación" (1472-1475)
Tablero, aceite. 98x217 cm. Uffizi (Florencia)
Imagen de Wikipedia
La trama de “La Anunciación” es del Evangelio; cuenta la historia del anuncio del Arcángel Gabriel a la Virgen María sobre el futuro nacimiento de Jesucristo.
Gabriel revela el conocimiento secreto de Dios. Según el Evangelio de Lucas, Gabriel fue enviado por Dios a Nazaret a la Virgen María para contarle la buena nueva sobre el futuro nacimiento según la carne de Jesucristo de ella: “El ángel se acercó a ella y le dijo: Alégrate, llena de gracia! El Señor está contigo; Bendita eres Tú entre las mujeres. Ella, al verlo, se sintió avergonzada por sus palabras y se preguntó qué clase de saludo sería ese. Y el ángel le dijo: No temas, María, porque has hallado favor delante de Dios; y he aquí, concebirás en tu vientre y darás a luz un Hijo, y llamarás su nombre Jesús. Él será grande y será llamado Hijo del Altísimo, y el Señor Dios le dará el trono de David su padre; y reinará sobre la casa de Jacob para siempre, y su reino no tendrá fin” (Evangelio de Lucas, 1, 28-33).
Descripción de la pintura
El Arcángel Gabriel está representado arrodillado con un lirio blanco en su mano izquierda (símbolo de la pureza de la Virgen María). Derecha bendice a María sentado cerca de su casa.
La Virgen María está representada con la Biblia (un homenaje a la tradición).
El realismo de la imagen termina ahí. La rica casa, las torres y las murallas de la ciudad portuaria al fondo evocan en nuestra imaginación. gran ciudad. Pero no hay menciones a Nazaret en los textos históricos de los primeros siglos, lo que sugiere que fue una ciudad muy villa o un pueblo.
La ciudad de Nazaret está situada en la Baja Galilea, en un hermoso valle rodeado de montañas.
Nazaret. Fotografía contemporánea
Autor: Estado de Israel – Nazaret, de Wikipedia
Pero los picos de las montañas envueltos en una neblina azul pálida siguen siendo los mismos...
A. Verrocchio “El bautismo de Cristo” (1475)
Madera, óleo. 177x151 cm. Uffizi (Florencia)
Andrea del Verrocchio(1435-1488) - escultor y pintor italiano del Renacimiento, uno de los maestros de Leonardo da Vinci. Verrocchio se dedicó más a la escultura, pero en ocasiones recurrió a la pintura. Educó, además de Leonardo da Vinci, a otros genios del Renacimiento: Pietro Perugino y Sandro Botticelli.
En este cuadro, algunos elementos del paisaje y el ángel rubio de la izquierda son pintados por Leonardo. Con esta circunstancia se relaciona la famosa leyenda sobre el “maestro derrotado”: Verrocchio quedó tan sorprendido por la habilidad de su alumno que luego abandonó su pincel.
Leonardo da Vinci "La Última Cena" (1495-1498)
460x880 cm. Santa María delle Grazie (Milán)
Este pintura monumental Fue realizado para el monasterio dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán.
Santa María delle Grazie
Autor: Abelson de Wikipedia en inglés
Última Cena - evento últimos días la vida terrena de Jesucristo, de quien narran los cuatro Evangelios, así como la 1ª carta del apóstol Pablo a los Corintios.
Jesús envió a dos discípulos, Pedro y Juan, a Jerusalén para preparar la cena de Pascua, y ellos la prepararon. Jesús se sentó a comer con doce discípulos, durante la cual predijo la traición de uno de ellos. En la Última Cena, Cristo estableció el principal sacramento de la fe cristiana: la Eucaristía, que en griego significa "acción de gracias". Los acontecimientos de la Última Cena se recuerdan constantemente durante la liturgia, antes de la Comunión.
La Última Cena es objeto de numerosos iconos y pinturas, de las cuales la más famosa es “La Última Cena” de Leonardo da Vinci.
Esta imagen se encuentra en el refectorio del monasterio, en la pared del fondo. Esta pintura se convirtió en una obra maestra del Renacimiento gracias a método técnico Leonardo: reproduce correctamente la profundidad de la perspectiva. Fue la pintura "La Última Cena" de Leonardo da Vinci la que cambió la dirección del desarrollo de la pintura occidental.
La pintura de Leonardo no puede llamarse fresco en el pleno sentido de la palabra, porque el fresco está creado sobre yeso húmedo y Leonardo da Vinci pintó "La Última Cena" sobre una pared seca. El fresco no se puede cambiar durante el trabajo y Leonardo decidió cubrirlo. muro de piedra una capa de resina, gabs y masilla, y luego escribir sobre esta capa pintura al temple(pinturas al agua preparadas a base de pigmentos en polvo seco. El aglutinante para las pinturas al temple son emulsiones: naturales (yema diluida con agua huevo de gallina o huevo entero) o artificiales (aceites secantes en una solución acuosa de cola, polímeros).
En el centro de la imagen está Jesucristo. A su alrededor están representados los apóstoles sentados en grupos (de izquierda a derecha): Bartolomé, Jacob Alfeo y Andrés; Judas Iscariote (vestido de verde y flores azules), Pedro y Juan; Tomás, Santiago Zebedeo y Felipe; Mateo, Judas Tadeo y Simón.
Se representa el momento en que Jesús pronuncia las palabras de que uno de los apóstoles lo traicionará, y la reacción de cada uno de ellos ante estas palabras.
Judas tiene una pequeña bolsa en la mano, que quizás contiene la plata que recibió por traicionar a Jesús, o simplemente lo identifica como tesorero.
La figura de Jesús está colocada e iluminada de manera que atraiga la atención del espectador. La luz que ilumina toda la escena no proviene de las ventanas pintadas detrás, sino que proviene de la izquierda.
Ya en 1517, la pintura del cuadro comenzó a desprenderse debido a la humedad, por lo que se llevaron a cabo repetidas restauraciones. De 1978 a 1999 Bajo la dirección de Pinin Brambilla Barchilon, se llevó a cabo una restauración a gran escala.
Leonardo da Vinci "Salvator Mundi" (hacia 1499)
Panel de madera, óleo. 66x47cm. colección privada(Nueva York)
La autoría de este cuadro, al igual que otras obras de Leonardo da Vinci, ha sido cuestionada durante mucho tiempo. En 2004, en una de las subastas, esta obra fue comprada por Robert Simon, especialista en maestros antiguos, y enviada para restauración. Después de esto, “Salvador” fue examinado en varios museos de Europa y Estados Unidos.
Llama la atención la alta artesanía del vidrio. potestades(símbolo poder estatal monarca, que era una bola dorada con una corona o cruz), la ligereza aireada de las túnicas azules, el uso esfumado(una técnica desarrollada por Leonardo da Vinci para suavizar los contornos de figuras y objetos), correspondencia total de los pigmentos del "Salvador" de Nueva York y la "Madonna de las Rocas" de Leonardo. Y sigue siendo la misma luz, la sonrisa errante de Leonardo...
En 2013, este cuadro fue comprado por el multimillonario ruso Dmitry Rybolovlev.
Leonardo da Vinci "Juan Bautista" (1514-1516)
Madera, óleo. 57x69 cm. Louvre (París)
Este trabajo se refiere a período tardío la creatividad del artista.
La atención del espectador se concentra completamente en la figura representada debido a la ausencia de paisaje o interior. La recepción se expresa claramente. esfumado, llevado a la perfección en esta imagen.
Formalmente, está presente toda la parafernalia asociada a Juan Bautista: una fina cruz de caña, pelo largo, ropa de lana. Pero...
Juan el Bautista era un asceta. En el Evangelio de Mateo se le describe de la siguiente manera: “Juan mismo tenía un manto de pelo de camello y un cinturón de cuero alrededor de su cintura, y su alimento eran langostas y miel silvestre” (Mateo 3:4).
La pintura de Leonardo da Vinci representa a un joven afeminado y mimado, cuya imagen no encaja con la del asceta Juan, que comía langostas. Estilo clásico Leonardo está ausente en esta pintura; la imagen de Juan Bautista fue creada en el estilo del manierismo, aunque este estilo surgió mucho más tarde. Pero aquí también Leonardo es el fundador.
En el cuadro de A. Ivanov vemos una imagen completamente diferente de Juan Bautista, más parecida a la descripción de los evangelistas.
A. Ivanov “La aparición de Cristo al pueblo” (1837-1857)
Óleo sobre lienzo. 540x750 cm. Galería Tretiakov(Moscú)
La figura de Juan Bautista está en el centro del cuadro. Bautiza a la gente en el río Jordán y señala a Jesús que se acerca. Los atributos de Juan son los mismos que los de Leonardo: una delgada cruz de caña, cabello largo, ropa de lana, pero la imagen ascética corresponde a la descripción del evangelio.
El artista, músico y figura teatral ruso Vasily Polenov durante mucho tiempo no se atrevió a recurrir a tema bíblico. Hasta que sucedió algo terrible: su querida hermana enfermó gravemente y antes de morir le hizo prometer a su hermano que empezaría a “escribir”. panorama general sobre el tema largamente planeado “Cristo y el pecador”.
Y cumplió su palabra. Después de crear esta pintura, Polenov comenzó a crear toda una serie de pinturas llamadas "De la vida de Cristo", a la que dedica varias décadas de incansable búsqueda creativa y espiritual. Para ello, Polenov incluso viaja a través de Constantinopla, Atenas, Esmirna, El Cairo y Port Said hasta Jerusalén.
Henryk Semiradsky
El destacado retratista Henryk Semiradsky, aunque de origen polaco, sintió desde su juventud una conexión orgánica con la cultura rusa. Quizás esto se vio facilitado por estudiar en el gimnasio de Jarkov, donde el alumno de Karl Bryullov, Dmitry Bezperchiy, enseñaba dibujo.
Semiradsky aportó un carácter pintoresco a sus lienzos sobre temas bíblicos, lo que los hizo brillantes, memorables y animados.
Detalle: Participó en la pintura de la Catedral de Cristo Salvador.
Alejandro Ivanov
"Dejó sólo al divino Rafael como su maestro. Con un alto instinto interior sintió verdadero significado palabras: pintura de historia. Y sentimiento interior dirigió su pincel a temas cristianos, el más alto y último grado de lo alto”, escribió sobre pintor famoso Nicolás Gógol.
Alexander Ivanov es el autor del cuadro "La aparición de Cristo al pueblo", que le costó 20 años de verdadero trabajo y devoción creativa. Ivanov también lo hizo bocetos de acuarela a las pinturas del "Templo de la Humanidad", pero no las mostró a casi nadie. Sólo después de la muerte del artista se conocieron estos dibujos. Este ciclo entró en la historia del arte con el nombre de “bocetos bíblicos”. Estos bocetos se publicaron hace más de 100 años en Berlín y no se han reimpreso desde entonces.
Nikolay Ge
la pintura de ge última cena“Conmocionó a Rusia, tal como lo hizo una vez “El último día de Pompeya” de Karl Bryullov. El periódico “San Petersburgo Vedomosti” informó: “La Última Cena” sorprende por su originalidad en el contexto general de frutos secos de contenido académico”, y Los miembros de la Academia de las Artes, por el contrario, no pudieron decidirse durante mucho tiempo.
En "La Última Cena", Ge interpreta la tradicional trama religiosa como un trágico enfrentamiento entre un héroe que se sacrifica por el bien de la humanidad y su alumno, que renuncia para siempre a los preceptos de su maestro. En la imagen que Ge tiene de Judas no hay nada privado, sólo general. Judas – imagen colectiva, un hombre "sin rostro".
Detalle: Nikolai Ge recurrió por primera vez a las historias del evangelio bajo la influencia de Alexander Ivanov
Ilya Repin
Se cree que ninguno de los artistas rusos, excepto Karl Bryullov, gozó durante su vida de tanta fama como Ilya Repin. Los contemporáneos admiraron las composiciones de género de múltiples figuras magistralmente ejecutadas y los retratos aparentemente "vivos".
Ilya Repin abordó repetidamente el tema del evangelio en su obra. Incluso fue como peregrino a Tierra Santa para ver con sus propios ojos los lugares donde Cristo caminó y predicó. "No escribí casi nada allí, no hubo tiempo, quería ver más... Pinté una imagen de la iglesia rusa, la cabeza del Salvador. Quería poner mi contribución en Jerusalén...", dijo más tarde. : "hay una Biblia viva en todas partes", "tan grandiosamente sentí al Dios vivo", "¡Dios! ¡Qué maravillosamente sientes tu insignificancia hasta el punto de la inexistencia!".
Ivan Kramskoi
Ivan Kramskoy reflexionó durante toda una década sobre su cuadro “La resurrección de la hija de Jairo”. A principios de 1860 realizó el primer boceto, y sólo en 1867 realizó la primera versión del cuadro, que no le satisfizo. Para ver todo lo que se ha hecho de esta manera, Kramskoy viaja por Europa con visita obligatoria mejores museos paz. parte hacia Alemania. el camina alrededor galerías de arte Viena, Amberes y París, se familiariza con el arte nuevo y luego viaja a Crimea, a las zonas de Bakhchisarai y Chufui-Kale, tan parecidas al desierto palestino.
Marc Chagall
El autor del famoso “Mensaje bíblico”, Marc Chagall, amaba la Biblia desde pequeño y la consideraba una extraordinaria fuente de poesía. Como provenía de una familia judía, comenzó a aprender los conceptos básicos de la educación desde muy temprano en la escuela de la sinagoga. Muchos años después, ya adulto, Chagall en su obra intentó comprender no sólo lo Antiguo, sino también Nuevo Testamento, tiende a comprender la figura de Cristo.
Escenas bíblicas en pintura.
Completado por un estudiante de sexto grado.
gimnasio No. 587
Nikitin A.A.
San Petersburgo
Durante dos mil años, el mundo entero ha sido educado con cuentos de hadas y leyendas, canciones y parábolas tomadas de la Biblia.
La Biblia ha llegado hasta nosotros a través de los siglos. La prohibieron y la quemaron, pero sobrevivió. Se necesitaron 18 siglos para compilar la Biblia. Más de 30 autores trabajaron en él. 66 libros de la Biblia fueron escritos en diferentes idiomas personas que vivieron en diferentes épocas.
Grandes artistas del mundo representaron escenas bíblicas en sus cuadros.
En la historia de las bellas artes de los siglos pasados, el brillante artista holandés Rembrandt, quizás más que nadie, supo revelar profundamente y con sinceridad la riqueza inagotable mundo interior persona.
Los pintores holandeses fueron los primeros en ver a una persona tal como es en la vida y reflejaron en el arte varios aspectos de su existencia cotidiana. Algunos de ellos se acercaron a la solución de una tarea más compleja: reflejar la belleza y el significado de mundo espiritual persona ordinaria
Parecería que, recurriendo a lo bíblico y temas del evangelio, Rembrandt se aleja de representar la sociedad de su tiempo. De hecho, sus héroes bíblicos y evangélicos recuerdan en muchos aspectos a sus contemporáneos. gente común, atrayendo invariablemente la simpatía del artista. En su opinión, los héroes bíblicos sirven como vívidas personificaciones de la bella cualidades humanas. El artista ve en ellos grandeza espiritual, integridad interior, sencillez severa y gran nobleza. No se parecen en nada a los burgueses mezquinos y satisfechos de sí mismos de sus contemporáneos. Las auténticas pasiones humanas se reflejan cada vez más en los lienzos del artista, cada vez más drama teatral, el “terrible” acontecimiento será reemplazado por el verdadero drama de la vida.
Estas nuevas características aparecen claramente en el cuadro del Hermitage “El Descendimiento de la Cruz”, pintado en 1634.
Noche. Silencio lúgubre. Una multitud silenciosa rodeó la enorme cruz en la que Cristo fue crucificado. Vinieron al Gólgota para presentar sus últimos respetos a su maestro. A la fría luz de las antorchas, retiran su cadáver de la cruz.
Uno de los hombres, subiendo la escalera, saca los clavos con cuya ayuda Cristo fue crucificado en el travesaño; otros toman en brazos su cuerpo deslizante; Las mujeres preparan una cama para los restos extendiendo una tela grande y pesada en el suelo. Todo se hace lentamente, en un silencio respetuoso y triste. Las experiencias de los reunidos son diferentes: algunos rostros expresan amarga desesperación, otros expresan un dolor valiente, otros expresan un horror reverente, pero cada una de las personas presentes está profundamente imbuida del significado del evento. . El dolor del anciano que acepta a Cristo muerto no tiene límites. Lo sostiene con notable esfuerzo, pero con mucho cuidado, con cautela, tocando con la mejilla el cuerpo sin vida de María, agotada por el dolor. No puede mantenerse en pie, pierde el conocimiento y cae en brazos de las personas que la rodeaban cuidadosamente. Su rostro demacrado está mortalmente pálido, sus párpados están cerrados, su mano debilitada, extendida hacia adelante, cae impotente.
La imagen cautiva con una profunda penetración y la verdad de la vida. Sólo la exageración de algunos movimientos y gestos nos recuerda las aficiones barrocas de Rembrandt.
A lo largo de los años 40, Rembrandt abordó varias veces el tema de la sagrada familia. Una de las mejores soluciones a este tema es el cuadro del Hermitage “La Sagrada Familia”, creado por el artista en 1645. La escena del evangelio ofrece al espectador muchas asociaciones con la vida popular cotidiana contemporánea de Rembrandt. El silencio y la paz sólo se ven perturbados por los sonidos habituales de la vida en casa. La madera ardiendo crepita y se oye el sonido silencioso y monótono del hacha de un carpintero. La habitación está envuelta en un suave crepúsculo; La luz entra suavemente desde diferentes fuentes, deslizándose temblorosamente por el rostro de María, iluminando la cuna, dando a la imagen un toque de espiritualidad. El bebé se movió levemente y la mujer, obedeciendo al sutil instinto maternal, interrumpe su sermón, levanta la cortina y mira al bebé con preocupación. Ella es la sensibilidad misma, el estado de alerta mismo. Básicamente, la gran humanidad y el sentimiento de la imagen se crean con solo una mirada. La brillante sublimidad del momento capturado también se refleja en el hecho de que los ángeles descienden silenciosamente hacia la madre y el niño.
En 1660 Rembrandt crea pintura famosa"Asur, Amán y Ester". La trama de la película era un mito bíblico conocido como “La fiesta de Ester”. Amán, el primer visir y amigo del rey persa Assur, calumnió cruelmente a los judíos ante el rey, con la esperanza de lograr su exterminio. Entonces la reina Ester, que venía de Judea, defendió a su pueblo. Habiendo invitado a Assur y Amán a la fiesta, ella contó sobre la calumnia del visir, y el rostro traicionero del hombre a quien consideraba su amigo fue revelado al rey.
El artista representa el momento de la fiesta en el que Ester terminó el relato y reinó un silencio profundo y doloroso. Triste hermosos ojos reina. Sin mirarse las manos, Esther arruga mecánicamente su pañuelo. Ella todavía está completamente a merced de lo que ha experimentado. Le resultaba dolorosamente difícil pronunciar palabras de reproche; Al igual que el rey, ella creyó al visir y lo trató como a un amigo. Assur quedó impactado por lo que escuchó y amargamente decepcionado. Sus grandes ojos se llenan de lágrimas. Al mismo tiempo, se despierta en él una ira noble y agarra con fuerza el cetro.
Amán está representado en sombras profundas y solo. Un abismo invisible lo separaba del rey y de la reina. La conciencia de la fatalidad lo oprime como una carga insoportable: está sentado encorvado, con la cabeza gacha y los ojos cerrados; la mano que sostiene la copa yace impotente sobre la mesa. No le oprime ni siquiera el miedo a la muerte, sino la grave conciencia de la soledad moral. Entiende que Assur y Esther nunca lo perdonarán, por mucho que les cueste condenar a su amigo.
Si en las pinturas dedicadas a la historia de Amán el resultado del conflicto es una condena irreconciliable, por difícil que sea para quienes dictan la sentencia, entonces se cuenta el perdón humano y el profundo arrepentimiento de una persona que ha cometido un amargo error. obra famosa Rembrandt “El regreso del hijo pródigo”. La obra fue escrita por Rembrandt en el año de su muerte. Olvidado por sus contemporáneos, completamente solo, crea su última creación brillante.
De nuevo una gran tragedia humana. Después de largos vagabundeos en un mundo hostil e incómodo, acude a su padre abandonado para pedirle perdón. hijo pródigo. Lleno de vergüenza y arrepentimiento, está de rodillas, andrajoso, con la cabeza afeitada de presidiario, sandalias pisoteadas, mostrando al espectador sus ásperos tacones. Por primera vez en muchos años, sintiendo el calor del afecto humano, se aferró a su padre, escondió el rostro en el pecho, tratando de perderse en los brazos de su padre. El anciano no expresa sorpresa ni indignación; Perdonó a su hijo hace mucho tiempo y llevaba mucho tiempo esperando este encuentro. En la mirada de sus ojos bajos se puede leer al mismo tiempo un silencioso reproche y una dolorosa humildad. Se inclinó suavemente sobre su hijo y le puso las manos débiles y seniles en la espalda. Una vez más, Rembrandt encarna su idea de que las duras pruebas del destino unen a las personas. Por encima de los engaños, los insultos y la vanidad están el amor, la confianza y la comprensión mutua.
Pero aún así, en este encuentro hay más dolor que alegría: el trágico error del hijo dejó una huella demasiado profunda en la vida de ambos. No sólo el hijo está destrozado, sino también el padre. Basta prestar atención a la expresión del rostro, a la cabeza tristemente inclinada, a la figura encorvada, a los hombros caídos y seniles para sentirlo.
"El regreso del hijo pródigo" es, por así decirlo, el resultado de los sabios pensamientos de Rembrandt sobre el mundo y las personas. Su actitud pesimista ante la realidad en los últimos años de su vida, por un lado, y su fe inquebrantable en el hombre y su altura moral, por el otro, resuenan con igual fuerza en último trabajo artista genio.
Hay pocas personalidades en la historia del arte tan misteriosas y controvertidas como Bruegel. No escribió artículos ni tratados, no dejó correspondencia y, salvo dos o tres personas de mentalidad cerrada, no conoció amigos. Bruegel no dejó retratos de su esposa, hijos o amigos. Se cree que a veces se retrataba a sí mismo entre sus propios personajes, pero no hay pruebas de ello. Sus retratos, grabados por sus amigos, no guardan ningún parecido entre sí.
Concepto renacentista de importancia. personalidad humana no encajaba en los conceptos artísticos de Bruegel. En sus dibujos y pinturas, a menudo oculta los rostros por completo, privando a las figuras de cualquier individualidad. Se puede observar una tendencia similar en la representación de personajes bíblicos. Los mueve a un lado, escondiéndolos entre la gente corriente. Así vemos a María y al Señor en la plaza del pueblo, a Juan Bautista con Cristo entre la multitud y la “Adoración de los Magos” generalmente se esconde detrás de una cortina de nieve.
El hombre de Bruegel tiene libertad de elección y es responsable de sus propias desgracias. Una persona se ve obligada a elegir entre el bien y el mal, entre la fe y la incredulidad constantemente, a lo largo de su vida, del mismo modo que sus antepasados se vieron obligados a hacer esta elección, como lo hacen muchas otras personas hoy en día. De ahí otra característica de las obras de Bruegel que las hace similares a iconos, pero que rara vez se encuentra en el arte moderno: la combinación de capas temporales y espaciales. En pinturas como "Procesión al Calvario", "Censo en Belén", "Masacre de los inocentes", "Sermón de Juan Bautista", "Conversión de Pablo", "Natividad", el grabado "Asunción de Nuestra Señora", Los personajes bíblicos están presentes entre los contemporáneos de Bruegel en su vida diaria. vida normal, las escenas bíblicas se desarrollan en el contexto de paisajes urbanos y rurales flamencos. Por ejemplo, la figura del Salvador inclinado bajo el peso de la cruz casi se pierde entre las muchas otras impresiones de cualquiera de las personas representadas en la imagen. estas personas hacen su elección moral, sin darse cuenta de que ven a Dios frente a ellos.
Los años de madurez creativa de Bruegel transcurren durante un período de agravamiento de las contradicciones entre los Países Bajos y la monarquía de Felipe II, en las condiciones de una situación revolucionaria amenazadoramente creciente. El movimiento antifeudal se fusiona con la lucha de liberación nacional contra el dominio de España. . En 1561-1562, Bruegel creó pinturas unidas por una premonición de cataclismos históricos inminentes, "El triunfo de la muerte" (Madrid), "La caída de los ángeles rebeldes" (Bruselas), "Mad Greta", "La batalla de los israelitas". con los filisteos”.
Durante su vida, Bruegel residió en dos ciudades muy ricas: primero Amberes y luego Bruselas.
La tasa de crecimiento de Amberes fue igual a la de Europa; se convirtió en el nuevo centro financiero y económico del mundo occidental. En esta ciudad “bazar” con el puerto marítimo más grande vivían alrededor de mil extranjeros; En una situación en la que la gente no estaba unida ni por la fe ni por una sola iglesia, cuando católicos, protestantes, luteranos y anabautistas vivían al lado, crecía un sentimiento general de inseguridad y ansiedad. Así se formó una “sociedad multicultural”, donde surgieron de manera especialmente aguda problemas de comunicación, principalmente por motivos religiosos.
Amberes era un símbolo de paz. Una torre que proyecta su sombra, contrariamente a todas las leyes de la naturaleza, no sobre el suelo, sino sobre el cielo.
Bruegel pintó La Torre de Babel al menos tres veces. La Torre de Babel (1563) y la “Pequeña” Torre de Babel (c. 1563) han sobrevivido. La gigantesca estructura fue capturada dos veces. Nunca antes los artistas habían podido transmitir tan vívidamente el monstruoso tamaño de la torre, el alcance de la construcción, superando todo lo conocido hasta ahora por el hombre.
En las últimas obras de Bruegel se profundiza el estado de ánimo de reflexión pesimista. En la famosa "Los ciegos" (1568), la parábola del evangelio se utiliza para encarnar la idea de una humanidad ciega, que ha perdido la voluntad de luchar y sigue pasivamente el destino. El líder, que encabeza la cadena de lisiados ciegos, cae, el resto, tropezando, lo sigue incontrolablemente; sus gestos de impotencia son convulsivos, el sello de pasiones y vicios destructivos aparece bruscamente en sus rostros, helados de horror, convirtiéndolos en máscaras mortales. El ritmo intermitente y desigual del movimiento de las figuras desarrolla el tema de la muerte inminente. Sin embargo, como antes, la naturaleza serena y armoniosa del fondo aparece como una alternativa contrastante a la vanidad humana, con su paz idílica como si sugiriera una salida al trágico callejón sin salida.
Las pinturas de Caravaggio (1573-1610) provocaron un acalorado debate, ya que llamaban la atención por su carácter inusual. El carácter de este artista también era extraordinario: descarado, burlón, arrogante.
Entre las pinturas de Caravaggio no hay escenas festivas, como "La Anunciación", "Los esponsales", "Introducción al templo", que tanto amaban los maestros del Renacimiento. Le atraen los temas trágicos. En sus lienzos la gente sufre y experimenta crueles torturas. Caravaggio observó estas dificultades de la vida. En el cuadro “La Crucifixión de San Pedro” vemos la ejecución del apóstol, quien fue crucificado en la cruz boca abajo. “La Conversión de Saulo” muestra la persecución despiadada de los cristianos, su muerte bajo las talones de un caballo y. El momento de intuición de Saúl. De camino a Damasco, de repente fue cegado por un rayo celestial y, al caer de su caballo, escuchó la voz de Cristo: “Saulo, ¿por qué me persigues?” Después de su epifanía, Saulo se convierte en uno de los discípulos más devotos de Cristo: el apóstol Pablo.
Caravaggio muestra la escena del “Entierro” como un drama popular. Los discípulos sostienen cuidadosamente el cuerpo sin vida de Cristo. La mano helada del Salvador cuelga de la lápida sobre el espacio negro de la tumba.
En las pinturas de Caravaggio sobre temas evangélicos llama la atención el aspecto cotidiano de los personajes. En las escenas evangélicas muestra la vida. gente común. Los contemporáneos de Caravaggio testifican: despreciaba todo lo que no estaba copiado de la vida. El artista llamaba a esas pinturas baratijas, cosas de niños y de muñecas.
La pintura de iconos apareció en Rusia en el siglo X, después de que en 988 Rusia adoptara la religión bizantina: el cristianismo. En ese momento, en Bizancio, la pintura de iconos finalmente se había convertido en un sistema de imágenes canónico reconocido y estrictamente legalizado. El culto al icono se ha convertido en una parte integral de la doctrina y el culto cristianos. Así, Rusia recibió el icono como uno de los "fundamentos" de la nueva religión.
Durante siglos, los iconos fueron los únicos objetos de pintura en Rusia. A través de ellos, la gente común conoció el arte.
Representando eventos de la vida de Cristo, María, los apóstoles, pintores de iconos.
Encontraron motivos que tocaron el alma de cada persona, intentaron expresar sus ideas sobre el bien y el mal.
El pintor de iconos seguía ciertas reglas en su trabajo, por ejemplo, él mismo no podía idear una trama. Pero esto no significa en absoluto que el pintor fuera privado de la oportunidad de crear. Podría agregar algunos detalles, "leer" la trama de la iglesia a su manera y elegir combinaciones de colores. Por estos detalles se puede distinguir el estilo de Andrei Rublev del estilo de Teófanes el Griego o de Dionisio.
La cuestión de si tal o cual obra pertenece a Rublev es ahora objeto de intensos debates científicos. La única obra fiable del artista es el icono de la Trinidad. Todas las demás obras se atribuyen más o menos probablemente al famoso maestro.
Según la doctrina cristiana, Dios, siendo uno en esencia, tiene tres personas. La primera persona de la Trinidad es Dios Padre, que creó el cielo y la tierra, todo lo visible y lo invisible. Su segunda persona es Dios Hijo, Jesucristo, que tomó forma humana y descendió del cielo a la tierra para la salvación de los hombres. La tercera persona es Dios Espíritu Santo, que da vida a todas las cosas. Es incomprensible para la mente humana cómo uno existe en tres personas, por eso la doctrina de la Trinidad es uno de los dogmas principales de las religiones cristianas y como tal es objeto de fe, pero no sujeto de comprensión.
El hombre desconoce la verdadera apariencia de la deidad: “nadie ha visto a Dios” (Juan 1:18). Sin embargo, a veces, como dice la tradición cristiana, Dios se apareció a la gente tomando una forma accesible al hombre. La primera persona que vio a Dios fue el anciano justo Abraham. Dios se le apareció en forma de tres ángeles. Abraham supuso que, bajo la apariencia de tres vagabundos, asumía las tres caras de la Trinidad. Lleno de alegría, los sentó a la sombra del roble Mamre, ordenó a Sara, su esposa, que cociera pan sin levadura con la mejor harina y ordenó al criado que sacrificara el tierno ternero.
Fue esta historia bíblica la que formó la base de la iconografía de la Trinidad. Se la representa como tres ángeles con bastones errantes en la mano. Los ángeles se sientan solemnemente en una mesa llena de platos. A lo lejos se pueden ver las Cámaras de Abraham y el legendario Roble de Mamre. Los piadosos Abraham y Sara ofrecen refrigerios a los extraños alados.
A Vikon Rublev le sorprende la extraordinaria sencillez, la “laconicidad” con la que se reproduce el acontecimiento bíblico. De la historia del Antiguo Testamento, el artista eligió solo aquellos detalles que dan una idea de dónde y cómo tuvo lugar la acción: la montaña (símbolo del desierto), las cámaras de Abraham y el roble Mamre. Es en vano buscar tanta audacia al acercarse al texto sagrado en los iconos anteriores de la pintura rusa antigua, que anteriormente seguía el texto sagrado sin razonar, fijándose como tarea dar una imagen visible de todo lo que cuentan la Biblia y el Evangelio. , en la persona de Rublev, descuidó la letra de la Sagrada Escritura y trató de revelarla. significado filosófico. De un arte ilustrativo, la pintura de iconos se ha convertido en un arte cognitivo.
En Rusia, en los siglos XIV y XV, la doctrina de una deidad trinitaria, que representa "una fuerza, un poder, un dominio", se convirtió en un símbolo religioso de la unidad política del país. No es casualidad que el lema de Moscú a principios de siglo fuera: “Vivimos en la Trinidad, nos movemos y somos”. La "Trinidad" de Rublev también está imbuida de la misma idea, que se ha convertido, por así decirlo, en un símbolo moral de la nueva Rusia.
Entonces, a pesar de que historias de la biblia narran tiempos pasados, los artistas recurren a ellos para reflejar la realidad contemporánea a través de tramas conocidas.
Lista de literatura usada:
1.
Rose-Marie Hagen R. "Pieter Bruegel el Viejo". – “Primavera del Arte”, 2000
2.
Andronov S. A. “Rembrandt. ACERCA DE esencia social artista" - Moscú, "Conocimiento" 1978
3.
Platonova N.I. “Art.Encyclopedia” - “Rosman-Press”, 2002