Principales tendencias, etapas de desarrollo de la pintura y pintores icónicos de Holanda.
pintura holandesa
Introducción
La pintura holandesa del siglo XVII a veces se considera erróneamente arte para la clase media, que admira la pintura flamenca de este período y la llama cortesana y aristocrática. No menos errónea es la opinión de que los artistas holandeses se dedican únicamente a representar el entorno humano inmediato, utilizando para ello paisajes, ciudades, mares y vidas humanas, mientras que el arte flamenco se dedica a la pintura histórica, que en la teoría del arte se considera más sublime. género. Por el contrario, los edificios públicos en Holanda, de los que se esperaba que tuvieran una apariencia imponente, así como los visitantes adinerados, cualesquiera que fueran sus creencias u orígenes religiosos, requerían pinturas con temas alegóricos o mitológicos.
Cualquier división de la escuela de pintura holandesa en ramas flamenca y holandesa hasta principios del siglo XVII. debido al constante intercambio creativo entre las áreas, sería artificial. Por ejemplo, Pieter Aertsen, nacido en Ámsterdam, trabajó en Amberes antes de regresar a su ciudad natal en 1557, y su alumno y sobrino Joachim Bukelaer pasó toda su vida en Amberes. En relación con la firma de la Unión de Utrecht y la separación de las siete provincias del norte, muchos residentes después de 1579-1581. Emigró del norte de los Países Bajos a la parte protestante del país artificialmente dividido.
"Carnicería". Artsen.
Desarrollo del arte
Impulso al desarrollo independiente pintura holandesa Proviene de artistas flamencos. Bartholomeus Spranger, nacido en Amberes y educado en Roma, se convirtió en el fundador de un estilo virtuoso, cortesano y artificial que, como resultado de la residencia temporal de Spranger en Viena y Praga, se convirtió en un "lenguaje" internacional. En 1583, el pintor y teórico del arte Karel van Mander llevó este estilo a Haarlem. Uno de los principales maestros de este manierismo de Haarlem o Utrecht fue Abraham Bloemaert.
Luego, Isaiah van de Velde, nacido en Holanda en una familia de emigrantes de Flandes y estudiando en un círculo de pintores centrado en los artistas flamencos David Vinkboons y Gillies Koninksloe, desarrolló un estilo de pintura realista en sus primeras pinturas, que hacía referencia a Jan Bruegel. el Viejo, con gradaciones de colores brillantes de planes artísticos. Hacia 1630, se afianzó en Holanda una tendencia hacia la unificación. espacio artístico y la fusión de colores de diferentes capas. Desde entonces, la naturaleza multifacética de los objetos representados dio paso a una sensación de espacio y una atmósfera de neblina etérea, que se transmitieron con un uso cada vez más monocromático del color. Isaiah van de Velde encarnó esta revolución estilística en el arte junto con su alumno Jan van Goen.
Paisaje invernal. Velde.
Uno de los paisajes más monumentales del Alto Barroco, "El gran bosque", de Jacob van Ruisdael, pertenece al siguiente período de desarrollo de la pintura holandesa. El espectador ya no tiene que experimentar la apariencia bastante amorfa de un espacio extenso en tonos marrón grisáceo con algunos motivos llamativos; A partir de ahora se produce la impresión de una estructura fija y acentuada enérgicamente.
Pintura de género
Holandés pintura de género, que, de hecho, difícilmente puede llamarse simplemente un retrato. La vida cotidiana, que a menudo lleva un mensaje moralista, está representado en Viena por las obras de todos sus principales maestros. Su centro fue Leiden, donde Gerard Doux, el primer alumno de Rembrandt, fundó una escuela conocida como Escuela de Bellas Pinturas de Leiden (fijnschilders).
pintura figurativa
Reunión de directivos de la empresa. Frans Hals.
Los tres grandes maestros holandeses de la pintura figurativa, Frans Hals, Rembrandt y Johannes Vermeer de Delft, se sucedieron a intervalos de casi una generación. Hals nació en Amberes y trabajó en Haarlem principalmente como retratista. Para muchos, se convirtió en la personificación del pintor virtuoso abierto, alegre y espontáneo, mientras que el arte de Rembrandt, un pensador, como dice el cliché, revela los orígenes del destino humano. Esto es a la vez justo e incorrecto. Lo que llama inmediatamente la atención al mirar un retrato o un retrato de grupo de Hals es la capacidad de transmitir en movimiento a una persona abrumada por la emoción. Para representar un momento fugaz, Hals utiliza trazos abiertos, notablemente irregulares, que se cruzan en zigzag o rayados. Esto crea el efecto de una superficie que brilla constantemente, como un boceto, que se fusiona en una sola imagen solo cuando se ve desde cierta distancia. Tras la devolución de los "regalos" de Rothschild, se adquirió un expresivo retrato de un hombre de negro para la colección del Príncipe de Liechtenstein y así se devolvió a Viena. El Kunsthistorisches Museum sólo posee un cuadro de Franz Hals, un retrato hombre joven, que ya figuraba en la colección de Carlos VI como uno de los pocos ejemplos de arte “protestante” en Holanda. Retratos pintados en período tardío obras de Hals, más cercanas a las obras de Rembrandt en términos de penetración psicológica y falta de pose.
Gracias a sutiles transiciones de sombras y áreas de claroscuro, el claroscuro de Rembrandt parece envolver a las figuras en un espacio resonante en el que reside el estado de ánimo, la atmósfera, algo intangible e incluso invisible. Obras de Rembrandt en Viena galería de arte está representado únicamente por retratos, aunque "La madre del artista" y "El hijo del artista" también pueden considerarse pinturas históricas de una sola figura. En el llamado “Gran Autorretrato” de 1652, el artista aparece ante nosotros con una blusa marrón y el rostro vuelto en tres cuartos. Su mirada es segura de sí misma e incluso desafiante.
Vermeer
El arte poco dramático de Vermeer, centrado enteramente en la contemplación, se consideraba un reflejo de la clase media holandesa, ahora independiente y contenta con lo que tenía. Sin embargo, la simplicidad de los conceptos artísticos de Vermeer es engañosa. Su claridad y calma son el resultado de un análisis preciso, incluido el uso de los últimos inventos técnicos como la cámara oscura. "Alegoría de la pintura", creada alrededor de 1665-1666, la obra cumbre de Vermeer en términos de trabajo con el color, puede considerarse su pintura más ambiciosa. El proceso iniciado por Jan van Eyck, originario del norte de los Países Bajos, de contemplación pasiva y desapegada del mundo inmóvil, siempre ha sido tema principal La pintura holandesa y las obras de Vermeer alcanzaron una apoteosis alegórica y al mismo tiempo real.
Actualizado: 16 de septiembre de 2017 por: gleb
Hasta finales del siglo XVI, la pintura holandesa estuvo indisolublemente ligada a la pintura flamenca y recibió el nombre general de “escuela holandesa”. Ambos, al ser una rama de la pintura alemana, consideran a los hermanos van Eyck como sus antepasados y llevan mucho tiempo avanzando en la misma dirección, desarrollando la misma técnica, por lo que los artistas de Holanda no se diferencian de sus Flandes. y hermanos Brabante.
Cuando los holandeses se libraron de la opresión de España, la pintura holandesa adquirió un carácter nacional. Los artistas holandeses se distinguen por reproducir con especial amor la naturaleza en toda su sencillez y verdad y con un sutil sentido del color.
Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en la naturaleza inanimada todo respira vida, todo es atractivo, todo es capaz de evocar el pensamiento y excitar el movimiento del corazón.
Entre los paisajistas que interpretan sus naturaleza domestica, son especialmente respetados por Jan van Goyen (1595-1656), quien, junto con Esaias van de Velde (c. 1590-1630) y Pieter Moleyn el Viejo (1595-1661), es considerado el fundador del paisaje holandés.
Pero los artistas de Holanda no pueden dividirse en escuelas. La expresión “escuela de pintura holandesa” es muy arbitraria. En Holanda existían sociedades organizadas de artistas, que eran corporaciones libres que protegían los derechos de sus miembros y no influían en la actividad creativa.
En la historia brilla especialmente el nombre de Rembrandt (1606-1669), en cuya personalidad se concentraron todas las mejores cualidades de la pintura holandesa y su influencia se reflejó en todos sus tipos: en retratos, pinturas históricas, escenas cotidianas y paisaje.
En el siglo XVII se desarrolló con éxito la pintura doméstica, cuyos primeros experimentos se observaron en el antiguo escuela holandesa. En este género, los nombres más famosos son Cornelis Beg (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), Cornelis Dusart (1660-1704) Henrik Roques, apodado Sorg (1621-82),
Los artistas que pintaron escenas de la vida militar pueden clasificarse como pintores de género. El principal representante de esta rama de la pintura es el famoso y extraordinariamente prolífico Philips Wouwerman (1619-68).
En una categoría especial podemos destacar a los maestros que en sus pinturas combinaron paisajes con imágenes de animales. El más famoso entre estos pintores del idilio rural es Paulus Potter (1625-54); Alberto Cuyp (1620-91).
Los artistas holandeses prestaron la mayor atención al mar.
En las obras de Willem van de Velde el Viejo (1611 o 1612-93), su famoso hijo Willem van de Velde el Joven (1633-1707) y Ludolf Backhuisen (1631-1708), la pintura de vistas al mar era su especialidad.
En el campo de la naturaleza muerta, los más famosos fueron Jan-Davids de Gem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk. (1630-93).
El período brillante de la pintura holandesa no duró mucho: sólo un siglo.
Desde principios del siglo XVIII. Se acerca su declive, la razón son los gustos y puntos de vista de la pomposa época de Luis XIV. En lugar de una relación directa con la naturaleza, el amor por lo nativo y la sinceridad, se establece el predominio de las teorías preconcebidas, las convenciones y la imitación de las luminarias de la escuela francesa. El principal propagador de esta lamentable tendencia fue el flamenco Gerard de Leresse (1641-1711), que se instaló en Amsterdam.
El declive de la escuela también fue facilitado por el famoso Adrian van de Werff (1659-1722), cuyos colores apagados de sus pinturas alguna vez parecieron el colmo de la perfección.
La influencia extranjera pesó mucho en la pintura holandesa hasta los años veinte del siglo XIX.
Posteriormente, los artistas holandeses recurrieron a su antigüedad, a una estricta observación de la naturaleza.
La última pintura de paisajes holandeses es especialmente rica. Entre ellos se encuentran Andreas Schelfhout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (n. 1837), Johannes Weissenbruch (1822-1880) y otros.
Entre los pintores marinos más nuevos de Holanda, la palma pertenece a Johannes Schotel (1787-1838).
Wouters Verschoor (1812-74) mostró gran habilidad pintando animales.
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Los Países Bajos son un país único que ha dado al mundo decenas de artistas destacados. Diseñadores famosos, artistas y artistas simplemente talentosos: esta es una pequeña lista de la que este pequeño estado puede hacer alarde.
El auge del arte holandés
La era de prosperidad del arte del realismo no duró mucho en Holanda. Este período cubre todo el siglo XVII, pero la escala de su importancia supera con creces los datos. marco cronológico. Los artistas holandeses de esa época se convirtieron en modelos a seguir para la siguiente generación de pintores. Para que estas palabras no parezcan infundadas, vale la pena mencionar los nombres de Rembrandt y Hals, Potter y Ruisdael, quienes fortalecieron para siempre su condición de maestros insuperables de la representación realista.
Un representante muy importante del holandés Jan Vermeer. Se le considera el personaje más misterioso del apogeo de la pintura holandesa, ya que, aunque famoso en vida, perdió el interés por su persona menos de medio siglo después. Sobre la información biográfica de Vermeer se sabe poco; la mayoría de los historiadores del arte han explorado su historia estudiando sus obras, pero aquí también hubo dificultades: el artista prácticamente no fechó sus pinturas. Las más valiosas desde el punto de vista estético son las obras de Jan "La criada de la jarra de leche" y "La muchacha de la carta".
Artistas no menos famosos y respetables fueron Hans Memling, Hieronymus Bosch y el brillante Jan van Eyck. Todos los creadores se distinguen por su atractivo para la vida cotidiana, que se refleja en naturalezas muertas, paisajes y retratos.
Dejó su huella en el desarrollo posterior. arte francés la segunda mitad del siglo XVII y se convirtió en modelo de paisajes realistas creados durante el Renacimiento. Los artistas realistas rusos también prestaron atención a los holandeses. Podemos decir con seguridad que el arte de los Países Bajos se ha vuelto progresista y ejemplar y ha logrado reflejarse en el lienzo de todos. artista destacado, que escribió estudios naturales.
Rembrandt y su legado
El nombre completo del artista es Rembrandt van Rijn. Nació en el memorable año 1606 en una familia bastante próspera para aquella época. Siendo el cuarto hijo, recibió una buena educación. El padre quería que su hijo se graduara de la universidad y se convirtiera en una figura destacada, pero sus expectativas no se cumplieron debido al bajo rendimiento académico del niño, y para que todos los esfuerzos no fueran en vano, se vio obligado a ceder ante el chico. y estoy de acuerdo con su deseo de convertirse en artista.
Los maestros de Rembrandt fueron los artistas holandeses Jacob van Swanenburch y Pieter Lastman. El primero tenía habilidades bastante mediocres en pintura, pero logró ganarse el respeto por su personalidad, ya que pasó mucho tiempo en Italia, comunicándose y trabajando con artistas locales. Rembrandt no se quedó mucho tiempo con Jacob y se fue a Ámsterdam en busca de otro maestro. Allí estudió con Peter Lastman, quien se convirtió para él en un verdadero mentor. Fue él quien enseñó al joven el arte del grabado en la medida en que sus contemporáneos pueden observarlo.
Como lo demuestran las obras del maestro, ejecutadas en grandes cantidades, Rembrandt se convirtió en un artista completamente formado en 1628. Sus bocetos se basaban en cualquier objeto y los rostros humanos no fueron la excepción. Cuando se habla de retratos de artistas holandeses, no se puede dejar de mencionar el nombre de Rembrandt, quien, desde su juventud Se hizo famoso por su notable talento en este campo. Pintó muchos de sus padres, que ahora se conservan en galerías.
Rembrandt rápidamente ganó popularidad en Ámsterdam, pero no dejó de mejorar. En los años 30 del siglo XVII se crearon sus famosas obras maestras "Lección de anatomía" y "Retrato de Coppenole".
Un dato interesante es que en ese momento Rembrandt se casó con la bella Saxia, y comenzó en su vida una época fértil de abundancia y gloria. La joven Saxia se convirtió en la musa del artista y estuvo encarnada en más de una pintura; sin embargo, como atestiguan los historiadores del arte, sus rasgos se encuentran repetidamente en otros retratos del maestro.
El artista murió en la pobreza, sin perder la fama que había adquirido durante su vida. Sus obras maestras se concentran en las principales galerías del mundo. Con razón se le puede llamar un maestro, cuyas obras representan una síntesis de toda la época medieval. pintura realista. Técnicamente, su trabajo no puede considerarse ideal, ya que no se esforzó por lograr la precisión en la construcción del dibujo. El aspecto artístico más importante que lo distinguió de los representantes de las escuelas de pintura fue su insuperable juego del claroscuro.
Vincent Van Gogh: una pepita de genio
Al escuchar la frase "grandes artistas holandeses", muchas personas inmediatamente imaginan en sus cabezas la imagen de Vincent Van Gogh, sus pinturas innegablemente hermosas y exuberantes, que fueron apreciadas solo después de la muerte del artista.
A esta persona se le puede llamar una persona única y brillante. Al ser hijo de un pastor, Van Gogh, al igual que su hermano, siguió los pasos de su padre. Vicente estudió teología e incluso fue predicador en la localidad belga de Borinage. También trabaja como comisionista y en diversas mudanzas. Sin embargo, el servicio en la parroquia y el estrecho contacto con la dura vida cotidiana de los mineros revivieron en el joven genio un sentimiento interior de injusticia. Al contemplar cada día los campos y la vida de los trabajadores, Vincent se sintió tan inspirado que empezó a dibujar.
Los artistas holandeses son conocidos principalmente por sus retratos y paisajes. Vincent Van Gogh no fue la excepción. Cuando cumple treinta años, lo abandona todo y comienza a dedicarse activamente a la pintura. Durante este período se creó trabajos famosos"Comedores de patatas", "Mujer campesina". Todas sus obras están imbuidas de una frenética simpatía por la gente común que alimentan a todo el país, pero apenas pueden alimentar a sus propias familias.
Más tarde, Vincent se dirige a París y el enfoque de su trabajo cambia un poco. Aparecen imágenes intensas y nuevos temas para la empatía. El estilo de vida medio carcelario y el matrimonio con una prostituta se reflejaron en su arte, que es claramente visible en las pinturas "Night Café" y "Prisoners' Walk".
Amistad con Gauguin
A partir de 1886, Van Gogh se interesó en estudiar la pintura al aire libre de los impresionistas y desarrolló un interés por los grabados japoneses. Fue a partir de ese momento que las obras del artista mostraron rasgos de personaje Gauguin y Toulouse-Lautrec. En primer lugar, esto se puede ver en el cambio en la transmisión del estado de ánimo del color. Los trazos ricos comienzan a dominar las obras. color amarillo, así como un “brillo” azul. Los primeros bocetos en una combinación de colores característica fueron: “Puente sobre el Sena” y “Retrato del padre Tanguy”. Este último deslumbra por su brillo y trazos atrevidos.
La amistad entre Gauguin y Van Gogh era de naturaleza correlacional: se influyeron mutuamente en la creatividad, aunque utilizaron diferentes herramientas expresivas, intercambiaron activamente regalos en forma de sus propias pinturas y discutieron incansablemente. La diferencia entre los personajes, la posición insegura de Vincent, que creía que sus modales pictóricos eran “bestiales rurales”, dieron lugar a polémica. En cierto modo, Gauguin era una personalidad más realista que V an Gogh. Las pasiones en su relación se volvieron tan intensas que un día se pelearon en su café favorito y Vincent le arrojó un vaso de absenta a Gauguin. La disputa no terminó ahí, y al día siguiente siguió una larga serie de acusaciones hacia Gauguin, quien, según Van Gogh, era culpable de todo. Fue al final de esta historia que el holandés estaba tan furioso y deprimido que. se cortó parte de la oreja y amablemente se la regaló a una prostituta.
Los artistas holandeses, independientemente de la época de sus vidas, han demostrado repetidamente a la sociedad su manera insuperable de trasladar momentos de la vida al lienzo. Sin embargo, quizás nadie en el mundo haya podido ganarse el título de genio sin tener el más mínimo conocimiento de las técnicas de dibujo, composición y métodos de expresión artística. Vincent Van Gogh es un genio único que logró alcanzar el reconocimiento mundial gracias a su perseverancia, pureza de espíritu y sed desorbitada de vida.
Habiendo ganado la lucha contra España por su independencia, la Holanda burguesa se convirtió en el estado económicamente más desarrollado de Europa occidental. La principal ciudad holandesa de Ámsterdam se ha convertido en uno de los centros comerciales más grandes de Europa.
Junto con la economía, también se está desarrollando la pintura holandesa. A diferencia de otros países de Europa occidental, las pinturas barrocas de palacios y castillos no eran populares en Holanda: la debilidad de la nobleza sirvió como obstáculo para el desarrollo. Artes Decorativas. La Iglesia calvinista de Holanda tampoco buscó decorar sus iglesias con obras de pintura.
Sin embargo, la pintura floreció en Holanda: los artistas recibieron numerosos encargos de particulares. Incluso los campesinos holandeses podían colgar un pequeño cuadro en sus casas: las creaciones de estos artistas eran muy baratas.
En el siglo 17 Más de dos mil artistas trabajaron en la pequeña Holanda. Pusieron en marcha la producción de pinturas, produjeron lienzos en lotes enteros y los entregaron a los vendedores. Casi todos los maestros interpretaban de dos a cinco composiciones por semana.
A menudo, la producción de pinturas superaba la demanda, por lo que, para alimentarse, los artistas tenían que dedicarse simultáneamente a otros trabajos. Maestros tan famosos como J. Steen, M. Gobbema, J. van Goyen y muchos otros fueron al mismo tiempo empleados, jardineros y taberneros.
Normalmente, los pintores se especializaban en un tema específico. Por ejemplo, H. Averkamp pintó vistas invernales, E. van der Poel representó incendios nocturnos, G. Terborch y G. Metsu - escenas cotidianas, P. Claes y V. K. Heda - naturalezas muertas-desayunos.
Muy a menudo, los artistas trabajaron colectivamente en un cuadro: uno pintó el cielo, otro, hierba y árboles, el tercero, figuras humanas. Las obras más exitosas que triunfaron entre el público fueron copiadas y sirvieron de modelo para la creación de innumerables versiones.
Aunque el arte de los pintores talentosos estaba subordinado a objetivos comerciales, los maestros generalmente lograban evitar la falsedad. La mayoría de estas pinturas se distinguen por su realismo, integridad y claridad de composición, frescura de color y excelente técnica de ejecución.
El género del retrato se generalizó en la pintura holandesa. jugó un papel importante en la vida del país. varias organizaciones(sociedades de fotografía, grupos de representantes de una corporación médica y talleres comerciales), lo que contribuyó al surgimiento de un retrato público grupal.
La larga lucha con los colonialistas españoles agudizó el sentimiento identidad nacional Por lo tanto, en la pintura, además del realismo, fue especialmente bienvenida la representación de rasgos nacionales característicos. Los artistas pintaron el mar y los barcos, el ganado, las flores. Además del retrato, se desarrollaron géneros como el paisaje y la naturaleza muerta. También había pintura religiosa, pero no había ningún elemento de misticismo en ello; historias bíblicas se presentaron
por el artista más bien como escenas cotidianas.
Frans Hals
Frans Hals nació hacia 1581 en Amberes en el seno de una familia de tejedores. Cuando era joven, llegó a Haarlem, donde vivió casi constantemente hasta su muerte (en 1616 visitó Amberes y, a mediados de la década de 1630, Ámsterdam). Poco se sabe sobre la vida de Hulse. En 1610 ingresó en el Gremio de San Lucas y en 1616 ingresó en la cámara de retóricos (actores aficionados).
Muy rápidamente Hals se convirtió en uno de los más retratistas famosos Haarlem. En los siglos XV-XVI. en la pintura de los Países Bajos existía la tradición de pintar retratos solo de representantes círculos gobernantes, gente famosa y artistas. El arte de Hals es profundamente democrático: en sus retratos podemos ver a un aristócrata, un ciudadano rico, un artesano e incluso una persona de lo más bajo. El artista no intenta idealizar a los representados; lo principal para él es su naturalidad y singularidad. Sus nobles se comportan tan relajados como los representantes de los estratos más bajos de la sociedad, quienes en las pinturas de Khals son representados como personas alegres y no exentas de autoestima.
Los retratos de grupo ocupan un lugar importante en la obra del artista. las mejores obras Los retratos de oficiales de la compañía de fusileros St. George (1627) y de la compañía de fusileros St. Adrian (1633) pasaron a pertenecer a este género. Cada personaje de las pinturas tiene su propia personalidad distintiva y, al mismo tiempo, estas obras se distinguen por su integridad.
Hals también pintó retratos por encargo que representan a burgueses ricos y sus familias en poses relajadas (“Retrato de Isaac Massa”, 1626; “Retrato de Hethuisen”, 1637). Las imágenes de Hals son vivaces y dinámicas; parece que las personas en los retratos hablan con un interlocutor invisible o se dirigen al espectador.
Los representantes del ambiente popular en los retratos de Khals se distinguen por su vívida expresividad y espontaneidad. En las imágenes de chicos de la calle, pescadores, músicos y visitantes de tabernas se puede sentir la simpatía y el respeto del autor. Su “Gitano” es notable. La joven sonriente parece sorprendentemente viva, con su mirada astuta dirigida a su interlocutor, invisible para el público. Hals no idealiza a su modelo, pero la imagen de un gitano alegre y desaliñado deleita con su alegre encanto.
Muy a menudo, los retratos de Hulse incluyen elementos de una escena de género. Se trata de imágenes de niños cantando o tocando instrumentos musicales (“Singing Boys”, 1624-1625). Con el mismo espíritu se representó la famosa “Malle Babbe” (principios de la década de 1630), que representaba a una conocida taberna de Haarlem, a quien los visitantes llamaban a sus espaldas la Bruja de Haarlem. El artista representó de manera casi grotesca a una mujer con una enorme jarra de cerveza y un búho en el hombro.
En la década de 1640. El país está dando señales de un punto de inflexión. Sólo han pasado unas pocas décadas desde la victoria de la revolución y la burguesía ya ha dejado de ser una clase progresista basada en tradiciones democráticas. La veracidad de la pintura de Hals ya no atrae a clientes adinerados que quieren verse en los retratos mejor de lo que realmente son. Pero Hulse no abandonó el realismo y su popularidad cayó en picado. Notas de tristeza y decepción aparecen en la pintura de este período (“Retrato de un hombre con sombrero de ala ancha”). Su paleta se vuelve más estricta y tranquila.
A la edad de 84 años, Hulse creó dos de sus obras maestras: retratos grupales de regentes (fideicomisarios) y regentes de una residencia de ancianos (1664). Estas últimas obras del maestro holandés se distinguen por la emotividad y la vívida individualidad de las imágenes. Las imágenes de los regentes, ancianos y ancianas, emanan tristeza y muerte. Esta sensación también se ve acentuada por la combinación de colores en negro, gris y blanco.
Hals murió en 1666 en profunda pobreza. Su arte veraz y afirmativo de la vida tuvo una gran influencia en muchos artistas holandeses.
Rembrandt
En las décadas de 1640-1660. La pintura holandesa estaba floreciendo. El artista más importante de esta época fue Rembrandt.
Rembrandt Harmens van Rijn nació en 1606 en Leiden. Su padre era un molinero rico. Sus padres soñaban con una buena educación para su hijo y lo enviaron a una escuela de latín, tras lo cual Rembrandt ingresó en la Universidad de Leiden. Pero el joven se sintió atraído por el arte. Dejó la universidad y empezó a estudiar con el pintor Jacob Swannenburch. Tres años más tarde, el joven artista se trasladó a Ámsterdam, donde empezó a recibir lecciones de Pieter Lastman.
En 1624 Rembrandt regresó a Leiden. Aquí alquiló un estudio junto con el pintor Jan Lievens. El artista trabaja mucho del natural, pintando no sólo en el estudio, sino también en la calle y en el bazar de la ciudad.
A finales de la década de 1620. Rembrandt ganó popularidad entre los residentes de Leiden. Recibió numerosos encargos y su primer alumno fue Gerard Dou, que más tarde se convertiría en un pintor bastante famoso.
Las primeras pinturas de Rembrandt se caracterizan por una composición cuidadosa y una ejecución concienzuda. Al mismo tiempo, se caracterizan por cierta rigidez (“El tormento de San Sebastián”, 1625).
En 1631, Rembrandt se instaló en Ámsterdam. Su fama se extendió rápidamente por toda la ciudad y llovieron pedidos para el pintor. La vida personal de Rembrandt también fue exitosa: en 1634 se casó con Saskia van Uylenburg, una chica de una famosa familia burguesa. El matrimonio le aportó al artista una importante fortuna, que le proporcionó independencia creativa y le permitió empezar a coleccionar obras de arte y antigüedades.
Rembrandt disfrutó de la felicidad en compañía de su amada esposa, a quien retrató muchas veces. Saskia sirvió a menudo como modelo para pinturas con una amplia variedad de temas (“Flora”, 1634; “Autorretrato con Saskia de rodillas”, c. 1639).
La obra de Rembrandt durante este período es diversa; pintó composiciones históricas, mitológicas y religiosas, retratos, escenas cotidianas, paisajes, naturalezas muertas, pinturas con imágenes de animales. Pero el principal objeto de su atención es el hombre. No sólo en los retratos, sino también en otras obras, el artista se esfuerza por transmitir el carácter y el mundo interior de sus héroes.
Un notable maestro del género del retrato, recién en la década de 1630. Rembrandt ejecutó más de sesenta retratos por encargo. Lo principal para un pintor no es el parecido externo con el modelo, sino la profundidad. mundo interior, el poder de los movimientos y experiencias mentales. El retrato de grupo "La anatomía del doctor Tulp" (1632) fue recibido con entusiasmo por sus contemporáneos. El artista modificó la composición tradicional del clásico retrato de grupo, disponiendo las figuras no en fila, como era habitual, sino libremente. Esta construcción dio vida y naturalidad a la imagen.
A finales de la década de 1630. Rembrandt se convirtió en el más maestro famoso en Holanda. De esta época se remonta su obra maestra, la famosa “Danae” (1636), cuya artesanía supera todo lo creado por sus contemporáneos.
artista. Llama la atención la perfección de su composición y la riqueza de la gama cromática, diseñada en tonos dorados. Parece que no hay nada superfluo en esta obra; cada detalle está cuidadosamente pensado por el autor. Con la ayuda de una pincelada libre y vivaz, el maestro transmite la ligereza de la colcha, los pliegues de pesadas cortinas y cortinas. Llama la atención la plasticidad flexible de la joven tumbada en la cama y los suaves tonos dorados del cuerpo, iluminado por una luz tenue. Aunque Danaë no brilla con la belleza ideal, su imagen deleita al espectador con su vivaz encanto y frescura.
En la década de 1630. El artista también trabaja mucho en el grabado. Le atraen los motivos cotidianos (“El vendedor de veneno para ratas”, 1632). Los elementos de género también son inherentes a las obras con temas bíblicos (“El regreso del hijo pródigo”, 1636). Uno de los mejores grabados de este período es “La muerte de María” (1639), emotivo e imbuido de un sentimiento de profundo dolor. La maravillosa obra "Cristo curando a los enfermos" (la llamada "Hoja de cien florines"; este nombre indica el costo de la obra) también se distingue por la complejidad de la composición y la grandeza monumental de las imágenes.
En la década de 1640. Rembrandt se convierte en el pintor más famoso y mejor pagado de Ámsterdam. Le encargaron retratos y composiciones para el palacio del Stadtholder holandés en La Haya. Muchos aspirantes a artistas buscan estudiar en su taller. La fama del arte de Rembrandt se extiende más allá de las fronteras de Holanda. En el palacio del rey inglés Carlos I se conservan varios cuadros del famoso maestro.
El talento de Rembrandt se hizo evidente en sus naturalezas muertas realistas y expresivas ("El cadáver del toro") y paisajes ("Paisaje con un molino", c. 1650). El lirismo sutil es inherente a los modestos paisajes holandeses, que sorprenden al espectador con su realidad casi tangible.
La muerte de su amada esposa en 1642 alejó a Rembrandt de sus parientes nobles. El artista dejó de comunicarse con sus conocidos de la sociedad aristocrática. Los cambios en la vida del maestro se reflejaron en su pintura, que se volvió más profunda y centrada. Si obras tempranas Rembrandt se distingue por un estado de ánimo tranquilo y sereno, pero ahora en sus pinturas comienzan a sonar notas de ansiedad y duda. También cambia la paleta, en la que predominan los tonos rojos y dorados.
El lienzo "David y Jonathan" (1642, Hermitage, San Petersburgo), realizado en tonos rosa dorado y azul dorado, se distingue por su vívida expresividad.
Todas estas novedades en la pintura de Rembrandt no fueron comprendidas entre sus contemporáneos. La gran composición monumental "La ronda de noche" (1642) provocó descontento. La pintura recibió este nombre en el siglo XIX. De hecho, la acción no se desarrolla de noche, sino de día, bajo la luz del sol, lo que confirma la naturaleza de las sombras.
Con el tiempo, los colores se oscurecieron y sólo la restauración realizada en 1946-1947 demostró que la combinación de colores de esta obra alguna vez fue mucho más clara.
La pintura representa a los fusileros de la compañía del Capitán Banning Coke. El cliente esperaba ver un tradicional retrato ceremonial(una escena de una fiesta o un comandante presentando a sus subordinados al espectador). Rembrandt creó una geografía
Pintura histórico-roico que representa la actuación de fusileros a las órdenes del capitán. Los personajes son emocionados y dinámicos; el comandante da órdenes, el abanderado levanta el estandarte, el tamborilero toca el tambor, los fusileros cargan sus armas. Aquí, una niña pequeña con un gallo en el cinturón da vueltas de la nada.
Durante estos años, Hendrikje Stoffels apareció en la vida de Rembrandt, primero como sirvienta y luego como su esposa, quien se convirtió en su fiel amiga y asistente. El artista todavía trabaja mucho. Él crea su famoso " Sagrada Familia"(1645), en el que el tema religioso se interpreta como tema de género. Además de composiciones bíblicas, el pintor pintó paisajes realistas con imágenes del pueblo (“Winter View”, 1646). Sus retratos de este período se distinguen por su deseo de mostrar las características individuales de sus modelos.
En la década de 1650. el número de pedidos se reduce significativamente. Rembrandt atraviesa grandes dificultades financieras. Se enfrenta a la ruina total, porque la deuda asociada con la compra de una casa durante la vida de su primera esposa, Saskia, aún no ha sido pagada. En 1656, el artista fue declarado insolvente y su colección de arte y todos sus bienes se vendieron en una subasta. La familia de Rembrandt tuvo que trasladarse al pobre barrio judío de Ámsterdam.
A pesar de todas las adversidades, el talento del gran pintor no se agota. Pero ahora el criterio de su habilidad es completamente diferente. EN trabajos posteriores Los coloridos trazos de Rembrandt aparecen nítidamente en la superficie del lienzo. Ahora los colores de sus pinturas sirven no sólo para transmitir la apariencia externa de los personajes y la imagen del interior, sino que es el color el que adquiere la carga semántica de la obra. Así, la sensación de intenso dramatismo en el cuadro “Assur, Amán y Ester” (1660) se crea a través de una gama tonal compleja y efectos de iluminación especiales.
Privado de órdenes, viviendo en la pobreza extrema, Rembrandt no deja de escribir. Crea retratos expresivos y espirituales, para los cuales familiares y amigos sirven de modelo (“Retrato de la esposa del hermano del artista”, 1654; “Retrato de un anciano vestido de rojo”, 1652-1654; “Retrato del hijo Tito leyendo”, 1657; “Retrato de Hendrikje Stoffels en las ventanas”, ca. 1659).
El hijo Titus, que finalmente ha recibido la fortuna de su difunta madre, intenta proteger a su padre de las privaciones materiales y crear las condiciones para que pueda trabajar tranquilamente. Pero las desgracias siguieron acosando a la artista: Hendrickje murió en 1663 y Titus la siguió unos años más tarde.
Fue durante esta época trágica que el viejo y solitario artista creó sus obras maestras, que se distinguen por su grandeza monumental y espiritualidad (“David y Urías”, 1665-1666; “El regreso del hijo pródigo”, c. 1668-1669).
Rembrandt murió en 1669, olvidado por todos. Sólo en el siglo XVIII. su arte finalmente fue comprendido y apreciado.
En las décadas de 1640-1660. El género principal de la pintura holandesa fue el género cotidiano. Las pinturas que representan los momentos más comunes de la realidad son sorprendentemente poéticas y líricas. El principal objeto de atención de los pintores es el hombre y el mundo que lo rodea. La mayoría de las composiciones de género se distinguen por una narrativa tranquila y falta de dramatismo. Hablan de las tareas domésticas de la dueña de la casa (comprar provisiones, cuidar a los niños, hacer manualidades), del entretenimiento del burgués holandés (jugar a las cartas, recibir invitados, conciertos). Los artistas representan todo lo que sucede en la casa de un habitante rico de la ciudad, ignorando el lado social de la vida de una persona.
Los pintores del género eran muy populares: G. Dou, cuyos cuadros se vendían a precios muy elevados, A. van Ostade, que pintaba escenas vida campesina(“Concierto rural”), J. Sten, cuyos temas favoritos eran escenas de diversión y vacaciones (“Merry Society”), G. Terborch, cuyo elegante cuadro representaba la vida de una rica familia burguesa (“Glass of Lemonade”), G. Metsyu con su narración sencilla (“El niño enfermo”), P. de Hooch, que creó lienzos contemplativos y líricos (“La amante y la doncella”).
Ampliar el alcance género cotidiano luchó por K. Fabricius, que vivió una vida corta (murió en Delft en la explosión de un almacén de pólvora). Una de sus mejores obras es “La resurrección de Lázaro” (c. 1643), notable por su dramatismo y alcance casi monumental. También son destacables sus retratos y autorretratos, que sitúan al artista a la par de F. Hals y Rembrandt.
El destino de E. de Fabricius, un talentoso maestro de escenas cotidianas y obras que representan interiores de iglesias ("Mercado en el puerto", "Interior con una mujer tocando el clavicémbalo") es trágico. El artista no buscaba complacer los gustos del público burgués, por lo que sus obras, que no tuvieron éxito entre sus contemporáneos, se vendieron por unos centavos. A menudo, Fabricius se vio obligado a pagarles las deudas contraídas con los propietarios. Una noche de invierno de 1692, un artista de setenta y cinco años, expulsado de su casa por su dueño, se ahorcó en la barandilla de un puente. Un destino similar fue típico de muchos pintores holandeses que no quisieron renunciar a las tradiciones realistas para complacer al público.
Jan Wermeer de Delft
Un destacado representante de la pintura de género holandesa es Jan Vermeer, apodado Delft por su lugar de nacimiento y actividad. El pintor nació en 1623 en la familia de un comerciante de pinturas y sedas. Poco se sabe sobre la vida de Wermeer. Quizás su maestro fue Cayo Fabricio. En 1653, el artista se convirtió en miembro del gremio de San Lucas y se casó con la hija de un rico ciudadano, Catherine Bolnes. En Delft gozó de respeto y fama, vivió en casa Grande, ubicado en la plaza del mercado.
Vermeer trabajó en sus pinturas muy lenta y minuciosamente, registrando cuidadosamente cada detalle. La pintura no pudo proporcionar una existencia cómoda a la familia del artista, aunque sus lienzos gozaron de un gran éxito. Probablemente esta sea la razón por la que Vermeer comenzó a vender pinturas, continuando el trabajo de su padre.
Ya en las primeras obras de Vermeer aparece una combinación de realismo y cierta idealización de las imágenes, característica de su obra (“Diana con las ninfas”, “Cristo con Marta y María”, ambas antes de 1656). La siguiente obra, el lienzo de grandes figuras "En el proxeneta" (1656), pintado sobre un tema utilizado por muchos pintores, se distingue por su originalidad de ejecución. Una escena cotidiana y corriente adquiere para el artista un significado casi monumental. La pintura se destaca entre otras obras de temática similar por su colorido atrevido, sostenido en colores puros amarillo, rojo, blanco y negro, y la brillante expresividad de las imágenes.
Posteriormente, Vermeer recurrió a las composiciones de cámara tradicionales de la pintura holandesa. Como otros maestros holandeses, representa acontecimientos que tienen lugar en las casas de los ricos burgueses. La imagen favorita del artista es la de una niña leyendo una carta o probándose un collar. Sus lienzos representan escenas cotidianas sencillas: una doncella le entrega una carta a su amante, un caballero le trae una copa de vino a la dama. Pero estos cuadros, de composición sencilla, sorprenden por su integridad, armonía y lirismo, sus imágenes atraen por su naturalidad y poesía tranquila;
En la segunda mitad de la década de 1650. el artista creó sus obras más maravillosas. Las profundamente líricas “Sleeping Girl”, “Glass of Wine”, “Girl with a Letter” están marcadas con un sentimiento cálido. Muchos pintores holandeses de esa época representaban en sus cuadros a sirvientas ocupadas trabajando, pero sólo la imagen de Vermeer de una mujer del pueblo tiene rasgos de verdadera belleza y grandeza (“La doncella con una jarra de leche”).
Vermeer es un verdadero virtuoso al transmitir la esencia del mundo de las cosas con la ayuda de Artes visuales. Los bodegones de sus cuadros están ejecutados con gran maestría. Un plato con manzanas y ciruelas, sobre una mesa cubierta con un mantel estampado en el lienzo "La chica de la letra", luce increíblemente hermoso y natural.
En el cuadro “La doncella con una jarra de leche”, el pan y la leche que fluyen en un chorro espeso de la jarra sorprenden por su frescura.
La luz juega un papel importante en las obras de Vermeer. Llena el espacio de los lienzos, creando la impresión de una extraordinaria ligereza; modela formas y penetra las pinturas, haciéndolas brillar desde dentro. Es gracias a esta cantidad de luz y aire que se crea una euforia emocional especial en la mayoría de las obras de Vermeer.
La notable habilidad del pintor también se hizo evidente en pintura de paisaje. Pequeño rincón la ciudad, envuelta en la atmósfera húmeda de un día nublado, se reproduce en la composición clara y sencilla de “Street” (c. 1658). La ciudad bañada por la lluvia aparece limpia y fresca en el cuadro “Vista de Delft” (entre 1658 y 1660). Los rayos del sol atraviesan las suaves nubes plateadas, creando muchos reflejos brillantes en la superficie del agua. La coloración sonora con sus sutiles transiciones de color confiere al cuadro expresividad y armonía.
En la década de 1660. La pintura de Vermeer se vuelve más refinada y elegante. La paleta también está cambiando, ahora dominada por tonos fríos y coloridos (“La chica de la perla”). Los personajes principales de las pinturas son damas y caballeros ricos rodeados de objetos lujosos (“Carta de amor”, ca. 1670).
Jan Wermeer de Delft. Criada con una jarra de leche. Entre 1657 y 1660
Jan Wermeer de Delft. Taller de pintor. DE ACUERDO. 1665
EN Último periodo Durante la vida de Vermeer, sus obras se vuelven superficiales y algo rebuscadas (“Alegoría de la fe”), y la paleta pierde su riqueza y sonoridad. Pero incluso en estos años obras individuales el artista queda asombrado por su antiguo poder expresivo. Tal es su “Taller del pintor” (1665), en el que Vermeer se representa a sí mismo en el trabajo, y las pinturas “Astrónomo” y “Geógrafo”, que representan a científicos.
El destino de Vermeer, como el de muchos otros maestros holandeses, es trágico. Al final de su vida, el artista enfermo, que había perdido a la mayoría de sus clientes anteriores, se vio obligado a trasladar su gran familia de tu anterior vivienda a una vivienda más económica. En los últimos cinco años no ha pintado un solo cuadro. El pintor murió en 1675. Su arte fue olvidado durante mucho tiempo, y sólo en mediados del siglo XIX v. Vermeer fue apreciado y puesto a la par de maestros holandeses como Rembrandt y F. Hals.
Los primeros años del siglo XVII se consideran el nacimiento de la escuela holandesa. Esta escuela pertenece a las grandes escuelas de pintura y es una escuela autónoma e independiente con características e identidad únicas e inimitables.
Esto tiene una explicación en gran medida histórica: surgieron simultáneamente un nuevo movimiento en el arte y un nuevo estado en el mapa de Europa.
Hasta el siglo XVII Holanda no destacó por la abundancia de artistas nacionales. Quizás por eso en el futuro en este país se podrán contar tantas un gran número de artistas, y específicamente artistas holandeses. Si bien este país era un solo estado con Flandes, fue principalmente en Flandes donde se crearon y desarrollaron intensamente los movimientos artísticos originales. En Flandes trabajaron pintores destacados como Van Eyck, Memling y Rogier van der Weyden, que no se encuentran en Holanda. A principios del siglo XVI sólo se pueden observar estallidos aislados de genio en la pintura; se trata del artista y grabador Lucas de Leiden, seguidor de la escuela de Brujas. Pero Lucas de Leiden no creó ninguna escuela. Lo mismo puede decirse del pintor Dirk Bouts de Haarlem, cuyas creaciones apenas destacan en comparación con el estilo y la forma de sus orígenes. escuela flamenca, sobre los artistas Mostart, Skorel y Heemskerk, que, a pesar de toda su importancia, no son talentos individuales que caractericen al país por su originalidad.
Luego, la influencia italiana se extendió a todos los que crearon con el pincel, desde Amberes hasta Haarlem. Ésta fue una de las razones por las que las fronteras se desdibujaron, las escuelas se mezclaron y los artistas perdieron su identidad nacional. No sobrevivió ni un solo alumno de Jan Skorel. El último, el más famoso, el más grande retratista, que junto con Rembrandt es el orgullo de Holanda, un artista dotado de un talento poderoso, excelentemente educado, de estilo variado, valiente y flexible por naturaleza, un cosmopolita que lo ha perdido todo. Hay rastros de su origen e incluso de su nombre: Antonis Moreau (fue el pintor oficial del rey español) murió después de 1588.
Los pintores supervivientes casi dejaron de ser holandeses en el espíritu de su obra; carecían de la organización y la capacidad para renovar la escuela nacional. Eran representantes del manierismo holandés: el grabador Hendrik Goltzius, Cornelis de Haarlem, que imitaba a Miguel Ángel, Abraham Bloemaert, seguidor de Correggio, Michiel Mierevelt, buen retratista, hábil, preciso, lacónico, un poco frío, moderno para su época. , pero no nacional. Curiosamente, él solo no sucumbió a la influencia italiana, que subyugó la mayoría de las manifestaciones en la pintura holandesa de esa época.
A finales del siglo XVI, cuando los retratistas ya habían creado una escuela, comenzaron a aparecer y formarse otros artistas. En la segunda mitad del siglo XVI, Número grande pintores que se han convertido en un fenómeno de la pintura, esto es casi el despertar de la escuela nacional holandesa. La gran variedad de talentos conduce a muchas direcciones y caminos diferentes para el desarrollo de la pintura. Los artistas se prueban en todos los géneros, en diferentes combinaciones de colores: algunos trabajan de manera clara, otros de manera oscura (aquí la influencia del italiano artista caravaggio). Los pintores apuestan por los colores claros, y los coloristas por los colores oscuros. Comienza la búsqueda de una manera pictórica y se desarrollan reglas para representar el claroscuro. La paleta se vuelve más relajada y libre, al igual que las líneas y la plasticidad de la imagen. Aparecen los predecesores directos de Rembrandt: sus maestros Jan Pace y Peter Lastman. Los métodos de género también son cada vez más libres: la historicidad ya no es tan obligatoria como antes. Un evento especial, profundamente nacional y casi genero historico- retratos de grupo destinados a lugares públicos: ayuntamientos, corporaciones, talleres y comunidades. Con este acontecimiento, el más perfecto en su forma, finaliza el siglo XVI y comienza el XVII.
Esto es sólo el comienzo, el embrión de la escuela aún no existe; Hay muchos artistas talentosos. Entre ellos se encuentran hábiles artesanos y varios grandes pintores. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape el Viejo y, finalmente, Esayas van de Velde y van Goyen: todos ellos nacieron a finales del siglo XVI. siglo. Esta lista también incluye artistas cuyos nombres han sido preservados por la historia, aquellos que representaron sólo intentos individuales de alcanzar la maestría y aquellos que se convirtieron en maestros y predecesores de futuros maestros.
Este fue un momento crítico en el desarrollo de la pintura holandesa. Con un equilibrio político inestable, todo dependía sólo del azar. En Flandes, donde se observó un despertar similar, por el contrario, ya existía una sensación de confianza y estabilidad que aún no existía en Holanda. En Flandes ya había artistas que se habían formado o estaban cerca de esto. Las condiciones políticas y sociohistóricas en este país eran más favorables. Había un gobierno, unas tradiciones y una sociedad más flexibles y tolerantes. La necesidad de lujo dio lugar a una necesidad persistente de arte. En general, Flandes tenía serios motivos para convertirse por segunda vez en un gran centro de arte. Para ello sólo faltaban dos cosas: varios años de paz y un maestro que sería el creador de la escuela.
En 1609, cuando se estaba decidiendo el destino de Holanda (Felipe III acordó una tregua entre España y los Países Bajos), apareció Rubens.
Todo dependía del azar político o militar. Derrotada y subyugada, Holanda tendría que perder completamente su independencia. Entonces, por supuesto, no podría haber dos escuelas independientes: en Holanda y en Flandes. En un país dependiente de la influencia italo-flamenca, tal escuela y artistas originales talentosos no podrían desarrollarse.
Para que naciera el pueblo holandés y para que el arte holandés viera la luz con ellos, era necesaria una revolución profunda y victoriosa. Era especialmente importante que la revolución se basara en la justicia, la razón, la necesidad, que el pueblo mereciera lo que quería lograr, que fuera decidido, convencido de que tenía razón, trabajador, paciente, comedido, heroico y sabio. Todas estas características históricas se reflejaron posteriormente durante la formación de la escuela de pintura holandesa.
La situación resultó ser tal que la guerra no arruinó a los holandeses, sino que los enriqueció; la lucha por la independencia no agotó sus fuerzas, sino que los fortaleció e inspiró; En la victoria sobre los invasores, el pueblo mostró el mismo coraje que en la lucha contra los elementos, contra el mar, contra las inundaciones de tierras, contra el clima. Lo que se suponía que destruiría al pueblo les sirvió de mucho. Los tratados firmados con España dieron libertad a Holanda y fortalecieron su posición. Todo esto condujo a la creación de su propio arte, que glorificó, espiritualizó y expresó la esencia interior del pueblo holandés.
Después del tratado de 1609 y el reconocimiento oficial de las Provincias Unidas, hubo una pausa inmediata. Como si una brisa cálida y benéfica tocara almas humanas, revivió el suelo, encontró y despertó brotes que estaban listos para florecer. Es sorprendente cómo inesperadamente y en qué corto período de tiempo -no más de treinta años-, en un pequeño espacio, en un suelo desértico ingrato, en duras condiciones de vida, apareció una maravillosa galaxia de pintores, y grandes pintores, además.
Aparecieron inmediatamente y en todas partes: en Amsterdam, Dordrecht, Leiden, Delft, Utrecht, Rotterdam, Haarlem, incluso en el extranjero, como si provinieran de semillas que cayeron fuera del campo. Los más antiguos son Jan van Goyen y Wijnants, nacidos a principios de siglo. Y además, en el intervalo comprendido entre principios de siglo y finales del primer tercio: Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen. , Jacob Ruisdaël.
Pero la creatividad no se detuvo ahí. Luego nació Pieter de Hooch, Hobbema. Los últimos grandes, van der Heyden y Adrian van de Velde, nacieron en 1636 y 1637. En ese momento, Rembrandt tenía treinta años. Aproximadamente estos años pueden considerarse la época del primer florecimiento de la escuela holandesa.
Teniendo en cuenta los acontecimientos históricos de esa época, uno puede imaginar cuáles deberían ser las aspiraciones, el carácter y el destino de la nueva escuela de pintura. ¿Qué podrían escribir estos artistas en un país como Holanda?
La revolución, que dio al pueblo holandés libertad y riqueza, al mismo tiempo los privó de lo que constituye la base vital de las grandes escuelas en todas partes. Cambió creencias, cambió hábitos, abolió imágenes de escenas antiguas y evangélicas y detuvo la creación de grandes obras: iglesias y pinturas decorativas. De hecho, cada artista tenía una alternativa: ser original o no serlo en absoluto.
Era necesario crear arte para una nación de burgueses que les atrajera, los representara y fuera relevante para ellos. Eran prácticos, no propensos a soñar despiertos, gente de negocios, con tradiciones rotas y sentimientos antiitalianos. Podemos decir que los holandeses tenían una tarea simple y audaz: crear su propio retrato.
La pintura holandesa era y sólo podía ser una expresión de la apariencia exterior, un retrato fiel, fiel y similar de Holanda. Era un retrato de personas y terrenos, costumbres burguesas, plazas, calles, campos, mar y cielo. Los principales elementos de la escuela holandesa fueron los retratos, los paisajes y las escenas cotidianas. Así fue esta pintura desde el inicio de su existencia hasta su decadencia.
Puede parecer que nada puede ser más sencillo que el descubrimiento de este arte común. De hecho, es imposible imaginar algo igual en amplitud y novedad.
Inmediatamente todo cambió en la manera de entender, ver y transmitir: punto de vista, ideal artístico, elección de naturaleza, estilo y método. italiano y pintura flamenca En sus mejores manifestaciones todavía nos resultan comprensibles, porque todavía se disfrutan, pero ya son lenguas muertas y ya nadie las utilizará.
Hubo un tiempo en que existía la costumbre de pensar con altivez y en general había un arte que consistía en la hábil selección de los objetos. En su decoración, corrección. Le encantaba mostrar la naturaleza como no existe en la realidad. Todo lo representado correspondía más o menos a la personalidad de la persona, dependía de ella y era su semejanza. Como resultado, surgió un arte en el que el hombre está en el centro, y todas las demás imágenes del universo estaban encarnadas en formas humanas o se mostraban vagamente como un entorno secundario del hombre. La creatividad se desarrolló según ciertos patrones. Cada objeto tuvo que tomar prestada su forma plástica del mismo ideal. El hombre tenía que ser representado más a menudo desnudo que vestido, bien formado y guapo, para que pudiera desempeñar con la grandeza adecuada el papel que se le había asignado.
Ahora la tarea de pintar se ha vuelto más sencilla. Era necesario darle a cada cosa o fenómeno su significado verdadero, poner a una persona en el lugar que le corresponde y, si es necesario, prescindir de ella por completo.
Es hora de pensar menos, mirar con atención lo más cercano, observar mejor y escribir de otra manera. Éste es el retrato de la multitud, del ciudadano, del trabajador. Era necesario volverse modesto para todo modesto, pequeño para lo pequeño, discreto para lo discreto, aceptarlo todo sin rechazar ni despreciar nada, penetrar en la vida oculta de las cosas, fusionándose amorosamente con su existencia, era necesario volverse atento. , curioso y paciente. La genialidad consiste ahora en no tener prejuicios. No hay necesidad de embellecer, ni ennoblecer, ni exponer nada: todo esto es mentira y trabajo inútil.
Pintores holandeses, creando en algún rincón. país del norte con agua, bosques, horizontes marinos, lograron reflejar todo el universo en miniatura. Un pequeño país, cuidadosamente explorado según los gustos e instintos del observador, se convierte en un tesoro inagotable, tan abundante como la vida misma, tan rico en sensaciones como rico en ellas es el corazón humano. La escuela holandesa lleva un siglo creciendo y funcionando de esta manera.
Los pintores holandeses encontraron temas y colores que satisfacían todas las inclinaciones y afectos humanos, para naturalezas ásperas y delicadas, ardientes y melancólicas, soñadoras y alegres. Los días nublados dan paso a otros alegres En días soleados, el mar a veces está en calma y brilla con plata, a veces tormentoso y lúgubre. Hay muchos pastos con granjas y muchos barcos abarrotados a lo largo de la costa. Y casi siempre se puede sentir el movimiento del aire sobre las extensiones y los fuertes vientos del Mar del Norte, que acumulan nubes, doblan árboles, hacen girar las alas de los molinos y generan luces y sombras. A esto hay que sumarle las ciudades, el hogar y vida de calle, festividades en ferias, representaciones de diversas costumbres, las necesidades de los pobres, los horrores del invierno, la ociosidad en las tabernas con su humo de tabaco y sus jarras de cerveza. Por otro lado, un estilo de vida rico, trabajo concienzudo, cabalgatas, descanso vespertino, caza. Además - vida publica, ceremonias civiles, banquetes. El resultado fue un arte nuevo, pero con temas tan antiguos como el tiempo.
Así surgió una unidad armoniosa del espíritu de la escuela y la diversidad más asombrosa que jamás haya surgido dentro de un solo movimiento artístico.
En general, la escuela holandesa se llama escuela de género. Si lo descomponemos en los elementos que lo componen, podemos distinguir en él a paisajistas, maestros del retrato de grupo, pintores marinos, pintores de animales, artistas que pintaron retratos de grupo o naturalezas muertas. Si miras con más detalle, puedes distinguir muchos y variedades de genero- desde los amantes del pintoresquismo hasta los ideólogos, desde los copistas de la naturaleza hasta sus intérpretes, desde los hogareños conservadores hasta los viajeros, desde los que aman y sienten el humor hasta los artistas que evitan la comedia. Recordemos las pinturas del humor de Ostade y la seriedad de Ruisdael, la ecuanimidad de Potter y la burla de Jan Steen, el ingenio de Van de Velde y la sombría ensoñación del gran Rembrandt.
Con la excepción de Rembrandt, que debe considerarse un fenómeno excepcional, tanto para su país como para todos los tiempos, todos los demás artistas holandeses se caracterizan por un estilo y un método determinados. Las leyes de este estilo son la sinceridad, la accesibilidad, la naturalidad y la expresividad. Si le quitas arte holandés lo que se puede llamar honestidad, entonces dejarás de comprender su base vital y no podrás determinar ni su carácter moral ni su estilo. En estos artistas, que en su mayoría se han ganado la reputación de copistas miopes, se siente lo sublime y alma amable, lealtad a la verdad, amor al realismo. Todo ello confiere a sus obras un valor que las propias cosas representadas en ellas no parecen tener.
El comienzo de este estilo sincero y el primer resultado de este enfoque honesto es un dibujo perfecto. Entre los pintores holandeses, Potter es una manifestación de genio en medidas precisas y verificadas y en la capacidad de rastrear el movimiento de cada línea.
En Holanda, el cielo suele ocupar la mitad y, a veces, la totalidad de la imagen. Por lo tanto, es necesario que el cielo de la imagen se mueva, nos atraiga y nos lleve consigo. Para que se sienta la diferencia entre el día, la tarde y la noche, para que se sienta el calor y el frío, para que el espectador sienta frío y lo disfrute y sienta la necesidad de concentrarse. Aunque probablemente sea difícil llamar a un dibujo así el más noble de todos, trate de encontrar artistas en el mundo que pintarían el cielo, como Ruisdael y van der Neer, y dirían tanto y tan brillantemente con su trabajo. En todas partes los holandeses tienen el mismo diseño: sobrio, lacónico, preciso, natural e ingenuo, hábil y nada artificial.
La paleta holandesa es bastante digna de su dibujo, de ahí la perfecta unidad de su método pictórico. Cualquier pintura holandesa se puede reconocer fácilmente por apariencia. Es de tamaño pequeño y se distingue por sus colores potentes y estrictos. Esto requiere gran precisión, mano firme y profunda concentración por parte del artista para lograr un efecto concentrado en el espectador. El artista debe profundizar en sí mismo para nutrir su idea, el espectador debe profundizar en sí mismo para comprender el plan del artista. Son las pinturas holandesas las que dan la idea más clara de este proceso oculto y eterno: sentir, pensar y expresar. No hay imagen en el mundo más saturada, ya que son los holandeses quienes incluyen tales gran contenido en un espacio tan pequeño. Por eso todo aquí adquiere una forma precisa, comprimida y condensada.
Cada pintura holandesa es cóncava, se compone de curvas descritas alrededor de un punto, que es la encarnación del concepto de la imagen y sombras ubicadas alrededor del punto de luz principal. Una base sólida, una parte superior y esquinas redondeadas que tienden hacia el centro: todo esto está delineado, coloreado e iluminado en un círculo. Como resultado, la pintura adquiere profundidad y los objetos representados en ella se alejan de la vista del espectador. El espectador es, por así decirlo, conducido desde el primer plano hasta el último, desde el encuadre hasta el horizonte. Parecemos habitar el cuadro, movernos, mirar profundamente, levantar la cabeza para medir la profundidad del cielo. El rigor de la perspectiva aérea, la perfecta correspondencia de color y matices con el lugar en el espacio que ocupa el objeto.
Para una comprensión más completa de la pintura holandesa, conviene considerar en detalle los elementos de este movimiento, las características de los métodos, la naturaleza de la paleta y comprender por qué es tan pobre, casi monocromática y tan rica en resultados. Pero todas estas cuestiones, como muchas otras, siempre han sido objeto de especulación por parte de muchos historiadores del arte, pero nunca han sido suficientemente estudiadas y aclaradas. La descripción de las principales características del arte holandés nos permite distinguir esta escuela de otras y rastrear sus orígenes. Una imagen expresiva que ilustra esta escuela es una pintura de Adriaen van Ostade del "Artist's Atelier" del Museo de Ámsterdam. Este tema era uno de los favoritos de los pintores holandeses. Vemos a un hombre atento, ligeramente encorvado, con una paleta preparada, pinceles finos y limpios y óleo transparente. Escribe en el crepúsculo. Su rostro está concentrado, su mano es cuidadosa. Sólo que, quizás, estos pintores eran más atrevidos y sabían reír más despreocupadamente y disfrutar de la vida de lo que se puede deducir de las imágenes conservadas. De lo contrario, ¿cómo se manifestaría su genio en una atmósfera de tradiciones profesionales?
Las bases de la escuela holandesa las sentaron van Goyen y Wijnants a principios del siglo XVII, estableciendo algunas leyes de la pintura. Estas leyes se transmitieron de profesores a alumnos y durante todo un siglo los pintores holandeses las vivieron sin desviarse.
Pintura manierista holandesa