Ya en el arte del siglo XVII, especialmente en su segunda mitad, se observaron tendencias que prepararon el terreno para el rápido desarrollo del arte realista secular del siglo XVIII. La convención iconográfica da paso a la reproducción realista de personas, paisajes y acontecimientos históricos. El ornamento floral tradicional, interpretado de forma bastante convencional, se sustituye por la reproducción de flores, frutos, hojas, guirnaldas y conchas de forma realista. En las obras de artes aplicadas, la pintura sobre temas religiosos adquiere un carácter casi secular, a veces enfáticamente decorativo y teatral. Las formas de los objetos se vuelven magníficas, solemnes, con una amplia variedad de decoraciones. Muchos tipos antiguos de artículos domésticos están desapareciendo, como tazas con estantes y asas planos y monedas de plata. Los tradicionales cucharones antiguos se están convirtiendo en objetos de recompensa puramente decorativos que han perdido su significado práctico. Aparecieron nuevos tipos de utensilios: tazas decoradas con adornos barrocos, escenas cotidianas e inscripciones seculares, tazas con forma de águila, tazas de cuerno sobre soportes y muchos otros.
utensilios de iglesia
El arte de acuñar monedas de plata adquirió un aspecto único, especialmente a partir de mediados del siglo XVIII. Se trata en su mayoría de grandes volutas barrocas ejecutadas magistralmente en bastante alto relieve en combinación con imágenes de frutas, cestas de flores, cupidos, guirnaldas de flores y hojas.
El estampado a menudo se hacía calado y en este caso tenía un fondo adicional que iluminaba el patrón.
Un ejemplo clásico de este tipo de acuñación es la enorme decoración del Evangelio realizada en Moscú en 1754, aportada por la emperatriz Isabel1. Placas de plata con imágenes esmaltadas pintadas de la Trinidad, los evangelistas y escenas de la vida de Cristo se colocan en altos biseles y cuadrados cincelados. Se distinguen por su carácter secular.
La fabricación de joyas - San Petersburgo - está representada en la colección del museo por un lavado a mano de plata cincelada con un pico en forma de cabeza de águila, realizado en 1768 por el maestro Claes Johann Ehlers4. El mismo maestro elaboró un plato de plata cincelada con un adorno barroco en el campo y la representación de una escena bíblica: una ballena lava a Jonás5. Al mismo tiempo, el maestro representó aquí la costa de San Petersburgo con la Fortaleza de Pedro y Pablo y la aguja de la catedral. La mano y el plato son el aporte del metropolitano Platón.
El arte de la filigrana adquiere un carácter completamente diferente.
En lugar del rizo plano con ramas que se enroscan sobre la superficie lisa del metal de las obras antiguas, se utiliza el dibujo de filigrana del siglo XVIII. se complica aún más con decoraciones adicionales colocadas en la parte superior, a veces en combinación con esmalte y piedras preciosas. En algunos casos, la filigrana se hace calada y se superpone a un fondo adicional. A veces el artículo estaba hecho de hilos de filigrana.
Una pieza destacada de filigrana es el tabernáculo de 1789, aportado por el metropolitano Platón7. Aquí se encuentran filigranas caladas, filigranas combinadas con esmalte y filigranas superpuestas sobre un fondo plateado liso.
El tabernáculo tiene la apariencia de una caja secular, como lo demuestra su forma completamente no eclesiástica, su elegante decoración y flores plantadas en las esquinas hechas de finas piezas metálicas esmaltadas. Un ejemplo de hábil filigrana en relieve es la portada del libro "Oficial del servicio del obispo", también contribución del metropolitano Platón en 17898.
Gran desarrollo recibido en el siglo XVIII. Esmaltes de Solvychegodsk y Veliky Ustyug con su fondo monocolor (azul o blanco), sobre el cual se superponen figuras humanas, flores y otras imágenes, a veces además coloreadas con esmaltes, en forma de placas de metal separadas. El museo tiene una gran colección de artículos para el hogar de Solvychegodsk y Ustyug. En el siglo XVIII Para el interior de los templos de Lavra se hicieron estructuras monumentales de plata según los dibujos.
artistas famosos Moscú y San Petersburgo. Para el altar de la Catedral de la Trinidad, por orden del metropolitano Platón, se hizo un gran candelabro de plata con forma de laurel9; El maestro moscovita David Prif realizó un dosel de plata sobre el santuario de Sergio de Radonezh a partir de un diseño de Caravacca (encargado por la emperadora Anna Ivanovna10). Así, el arte aplicado del siglo XVIII. representado en la colección del museo por las obras más características. Las obras de artesanía artística de la colección del museo permiten seguir su desarrollo desde los primeros monumentos del Moscú gran ducal hasta finales del siglo XVIII. A lo largo de este largo período, las habilidades técnicas cambiaron y mejoraron, las antiguas formas desaparecieron y aparecieron nuevas formas de objetos, cambió la naturaleza de la decoración, que siempre dependió de vistas esteticas, determinado por las condiciones socioeconómicas y políticas de su época, el desarrollo de la economía interna y
Sobre obras de los siglos XIV-XV. Se revela una imagen del resurgimiento gradual de la artesanía artística después de la devastación tártaro-mongol de la tierra rusa en el siglo XIII. Maestros de Moscú y otros centros de arte. La antigua Rusia dominar diversas técnicas artísticas y mejorar sus habilidades.
En el siglo XVI Moscú finalmente conquista lugar líder en la vida cultural del país. Las artes aplicadas de este período se distinguen por una variedad de formas y decoraciones artísticas, así como por una gran habilidad técnica. Se va perfeccionando el complejo arte del esmalte, que ha adquirido un carácter principalmente ornamental, y se va adquiriendo un mayor dominio el arte del niel en oro, el repujado y el grabado.
Las obras de plata para uso doméstico y eclesiástico siguen las tradiciones del arte popular y están asociadas con las condiciones de vida de la gente, sus rituales y su forma de vida.
El colorido y el carácter decorativo de los productos del siglo XVII, la complejidad de los adornos, la apariencia de esmaltes pintados y el uso de grandes cantidades de piedras preciosas, perlas y vidrios coloreados dan un carácter más secular al arte aplicado.
En el siglo XVIII Se adoptaron nuevas formas de objetos, un carácter realista de ornamentos y pinturas esmaltadas. En la colección del Museo de Zagorsk, este período está representado por los mejores talleres de Moscú y San Petersburgo. Sus obras permiten juzgar los nuevos cambios que se están produciendo en las artes aplicadas.
El alto dominio artístico de las obras de artes aplicadas, presentadas a lo largo de más de cinco siglos, sitúa la colección del Museo de Zagorsk en un lugar destacado de la historia de la cultura artística rusa
En el marco de la celebración de su 35º aniversario, el Museo Panruso de Artes Decorativas, Aplicadas y Populares inaugura una exposición permanente actualizada “Arte decorativa y aplicada de Rusia en el siglo XVIII y el primer tercio del siglo XIX”.
"Pedro el Grande desafió a Rusia y ella le respondió con Pushkin", - eslogan A. N. Herzen define con mayor precisión el significado y los límites de la época a la que está dedicada la exposición de estas salas. Los objetos aquí presentados son hitos vivos que marcaron la formación y el florecimiento de cultura nacional en el seno de Europa tradición cultural Nuevo tiempo. Captan los cambios en la forma de vida y las pautas artísticas, la transformación de lo antiguo y el surgimiento de nuevas formas temáticas, técnicas e incluso tipos de artes decorativas y aplicadas.
El diseño de la nueva exposición se basa en el principio de mostrar las piezas expuestas como objetos artísticos únicos, que se combinan en bloques temáticos, estilísticos y tipológicos. Esta solución nos permite evaluar el significado de cada elemento desde el punto de vista del tiempo, el estilo, el desarrollo de un tipo particular de arte decorativo y aplicado, y centra la atención en su valor artístico intrínseco.
El escenario de inspección se construye sobre la base de la solución espacial de la exposición, no sólo de manera significativa (en términos de tipología, tema, estilo y cronología), sino también visualmente, desde la época de Peter hasta Biedermeier.
Terrina (sopera) con tapa 1795
Los temas centrales de la nueva exposición: "La era del cambio: el cambio de siglo XVII-XVIII", que se une a los llamados "primitivos del siglo XVIII", que tradujeron las realidades de los tiempos modernos en formas. arte tradicional; "Clásico ruso XVIII siglo", que representa la era de Pedro a Pablo en grandes ejemplos del arte de la corte, así como "Imperio ruso" y "En las habitaciones", que demuestran dos facetas de la cultura rusa del primer tercio del siglo XIX: el brillante estilo imperial. y la formación de una cultura de la vida privada, correlacionada con el fenómeno del Biedermeier alemán Al mismo tiempo, la exposición permite ver las obras en la fila habitual: por tipo de arte, destacando muebles, metal artístico, vidrio, porcelana, cerámica, arte tallado en piedra, hueso y cuentas.
Merecen especial atención objetos eclesiásticos únicos como la Cruz Relicario y Panagia, que datan del siglo XVII. Fueron hechos con una técnica que era costosa en ese momento: el esmalte de filigrana. Entre las primeras piezas expuestas se encuentran cofres con marcos de metal y adornos decorativos, tinteros y utensilios de latón de los Urales del siglo XVII y principios del XVIII. Un ejemplo sorprendente de vajilla metálica ceremonial representativa para poner la mesa son las tazas de latón de la planta Demidov en los Urales.
Luego se elaboraron artículos para servir mesa y bandejas utilizando diferentes técnicas. Por ejemplo, dos copas de vidrio azul oscuro con los monogramas “EML” y “WGS”, producidas por la Imperial Glass Factory, son un raro ejemplo de objetos pintados de finales del siglo XVIII y principios del XIX. Los monogramas latinos de las copas pertenecen al enviado sueco a Rusia en 1793, Werner Gottlob von Schwenir - "WGS" - y su madre Ebbe Maria Lagerbring - "EML". Las copas estuvieron guardadas durante más de dos siglos en el Castillo de Skarhult, Skåne (Suecia), siendo un tesoro familiar.
En la exposición se podrán ver ejemplos únicos de muebles palaciegos rusos de los siglos XVIII y XIX, entre los que destacan las mesas de ajedrez y de cartas realizadas con la técnica de la marquetería. Entre los muebles expuestos típicos de la primera mitad del siglo XIX destacan dos vitrinas de estilo jacobeo de rara calidad. De la misma época también pertenecen dos sillas diseñadas por Osip Ivanovich Bove. También son de interés el reloj de sobremesa “Minin y Pozharsky” del bronceador parisino Pierre-Philippe Thomire y, que reproduce en formato interior, el famoso monumento a Iván Martos que se encuentra en la Plaza Roja.
Arriba I.O. Presidente primero cuarto XIX V
Un lugar especial en la exposición lo ocupa el tapiz "El rescate de los pescadores", realizado en Flandes en un taller desconocido en la segunda mitad del siglo XVII y principios del XVIII. Ingresó al VMDPNI en 1999 con la colección del Museo de Arte Popular que lleva su nombre. S. T. Morozova. El tema del tapiz está tomado de la Biblia: en el centro de la composición se representa uno de los milagros: "Caminando sobre las aguas". El enrejado se restauró en varias etapas: parcialmente fue restaurado por especialistas del Museo de Arte Popular. S. T. Morozov, y ya en 2014, restauradores especializados completaron la restauración completa. Museo de toda Rusia Arte decorativo, aplicado y popular. Así, el enrejado ha encontrado nueva vida y se presentará por primera vez en la exposición.
Las secciones temáticas correspondientes presentan luminarias de vidrio y cristal, elementos interiores de porcelana y bronce de finales del siglo XVIII y XIX. Cada exposición es un ejemplo de referencia de un estilo particular, que captura el espíritu de su época y representa las posibilidades de la habilidad artística y técnica.
Esta solución espacial para la exposición permitirá al museo organizar excursiones y programas especiales de la forma más eficaz e interesante. Las exhibiciones más interesantes y significativas se presentarán con anotaciones ampliadas, así como soporte con códigos QR, gracias a los cuales los visitantes podrán obtener más información detallada. La exposición está equipada. sistema moderno equipo de iluminación. Gracias a su alta interactividad, la nueva exposición promete ser más animada e interesante, además de promover el diálogo creativo con los visitantes, especialmente con los niños y jóvenes.
Reflejo del punto de inflexión de la era de Pedro el Grande en las artes decorativas y aplicadas. Influencias artísticas de Europa occidental (Holanda, Inglaterra, Francia, Italia). Los procesos de formación del sistema de clases y fortalecimiento. cultura secular y su influencia en el desarrollo de las artes decorativas y aplicadas. La naturaleza multicapa de las artes decorativas y aplicadas, el desarrollo desigual de sus esferas individuales. Preservación y desarrollo de tendencias tradicionales (cultura provincial y popular, arte eclesiástico).
Mejorar la tecnología de la producción artesanal y manufacturera. El surgimiento de la industria artística (producción de tapices, vidrio artístico, loza, corte de piedra, producción de seda y telas). Fabricación de artículos de moda y artículos de lujo. Descubrimiento y explotación de yacimientos de cobre, estaño, plata, piedras coloreadas, arcillas de alta calidad.
El papel de la Academia de Ciencias en la “prosperidad de las artes y manufacturas libres”, reflejo de las nuevas ciencias naturales y los intereses técnicos en las artes decorativas y aplicadas. Nuevas formas de educación y formación de artesanos en las fábricas de arte. Clausura de los talleres de la Cámara de la Armería. Los pensionistas y su papel en el desarrollo de determinados tipos de artes decorativas y aplicadas. El surgimiento de organizaciones gremiales de artesanos en Rusia. Obra de maestros extranjeros en diversos campos de las artes decorativas y aplicadas.
estilo artístico en artes decorativas y aplicadas. La moda, su impacto en los gustos cambiantes, el cambio del entorno temático. La aparición de nuevos tipos de objetos, renovación de ideas estéticas en las artes decorativas y aplicadas. Tendencias en la síntesis de las artes. El papel de la arquitectura, el arte monumental, la gráfica y las publicaciones ilustradas en el desarrollo de las artes decorativas y aplicadas. Tendencias decorativas de la cultura barroca en el diseño de fiestas, complejos de puertas triunfales y arte paisajístico.
El arte del diseño de interiores como un tipo especial. actividad artística en las obras de arquitectos del primer cuarto del siglo XVIII. Las primeras obras de interior y las principales corrientes estilísticas (Barroco, Rococó, Clasicismo). Nuevos tipos de locales (oficinas, dormitorios estatales, salas de estar, “rodillos”, “salas de cuadros”) y su contenido temático (Palacio de Verano, Palacio A.D. Menshikov, Gran Palacio Peterhof, Monplaisir). Obras de maestros franceses. "Chinoiserie" en los interiores de la época de Pedro el Grande.
Solución conjunta del entorno temático. El surgimiento de actividades de proyectos en el campo. cultura material y artes decorativas.
Desarrollo del negocio del mueble. Nuevos tipos y formas de muebles, materiales y métodos de decoración. Influencia del mobiliario inglés y holandés. Barroco y Rococó en muebles.
Tallado en madera, su papel en el interior. Relieves tallados. Iconostasio de la Catedral de Pedro y Pablo. Talla de barcos y fabricación de carruajes.
Platería. Preservación de tradiciones del siglo XVII. Creación de talleres para orfebrería y platería. Arte de joyería. Retrato en miniatura sobre esmalte. Solicitar insignias y personas “concedidas”. Los primeros maestros de la pintura en miniatura fueron Grigory Musikiysky y Andrey Ovsov.
Cerámica y loza de la época de Pedro el Grande. Azulejos holandeses en el interior. Ampliación de la importación de loza de Inglaterra y Holanda. La primera fábrica privada de A. Grebenshchikov en Moscú, la aparición de la loza fina doméstica.
Aumento del consumo de vidrio, establecimiento de fábricas de vidrio en Yamburg y Zhabino, cerca de San Petersburgo. Espejos y accesorios de iluminación. Formación del estilo de los platos ceremoniales del palacio con grabado mate. La primera fábrica privada de vidrio y cristal de Maltsov en el distrito de Mozhaisk.
Tallado y corte de piedra piedra preciosa. Fundación de las primeras fábricas de corte en Peterhof y Ekaterimburgo. Tallado de huesos. Técnicas básicas de tallado, recursos estilísticos. Tradiciones de Kholmogory. La aparición de tornos, cambios en las formas de los productos. Petrovskaya Turning y A. Nartov. La influencia del grabado y los libros ilustrados sobre el tallado en hueso. Fundación de la Fábrica de Armas de Tula, desarrollo del arte de la transformación artística del acero en productos decorativos.
Tipología de traje. Cambiar un vestido medieval por un traje de estilo europeo. El establecimiento de Peter de reglas de uso y tipos de vestimenta noble. Introducción de indumentaria y uniformes reglamentarios para el ejército y la marina, para funcionarios. La aparición de nuevas fábricas en relación con los cambios de vestuario. Sustitución de tejidos orientales por otros de Europa occidental. Muestras de trajes de hombre del guardarropa de Pedro I.
Fundación de la Manufactura de Trellis de San Petersburgo. Formación de maestros rusos.
Arte decorativo y aplicado de la era de Anna Ioannovna. Plata artística. Fundación de una fábrica de vidrio de propiedad estatal en Fontanka, San Petersburgo. Actividades de la fábrica de enrejados. Estilo de espalderas y uso en el interior. L. Caravaque y sus proyectos en el campo de las artes decorativas.
Renacimiento de la cultura artística durante el reinado de Isabel Petrovna. Predominio de influencias francesas. Barroco y rococó en el arte ruso. Rococó en diseño de interiores, vestuario, joyería, arte paisajístico. Síntesis de arquitectura y artes decorativas en interiores barrocos y rococó. Obras de V.V. Rastrelli y A. Rinaldi en el campo del diseño de interiores. Materiales decorativos y técnicas de decoración de interiores. Tipos de muebles barrocos y rococó. Tejidos en el interior. Accesorios de iluminación. Ensamble en varios tipos Arte decorativo y aplicado de mediados y segunda mitad del siglo.
Platería. Aprobación del estilo barroco. Obras monumentales y decorativas. Grandes servicios ceremoniales. Cambiando las formas de los objetos, nuevos tipos de platos para nuevos productos. Arte de joyería. Actividades de los artesanos de la corte. Estilo rococó en joyería. Tipos de joyería femenina. Piedra coloreada en joyería.
El traje, su imagen, tipo de corte, materiales, complementos, carácter de decoración. Influencia de la moda francesa. Barroco y rococó en traje de mujer y hombre.
Invención de la porcelana doméstica. Fundación de una fábrica de porcelana en San Petersburgo. Las actividades de D.I. Vinogradov y el período “Vinogradov” de desarrollo de la porcelana rusa. Los primeros servicios palaciegos, jarrones, pequeños objetos de plástico. Creación de una fábrica estatal de loza en San Petersburgo.
Vidrio isabelino grabado. Actividades de la Fábrica Estatal de Vidrio de San Petersburgo y de la planta del río. Nazier. Barroco y Rococó en vidrio artístico. Vidrio en la decoración de interiores palaciegos de V.V. Fábricas privadas de los Nemchinov y Maltsov. Los experimentos de M.V. Lomonosov en el campo del vidrio coloreado, el comienzo de su producción en la fábrica de Ust-Ruditsk.
Tallado de huesos. De estilo rococó, obra del tallista Osip Dudin.
Arte decorativo y aplicado de la segunda mitad del siglo XVIII.
Clasicismo en las artes decorativas y aplicadas 1760-1790. Una combinación de estilo rococó con motivos antiguos. El papel de los arquitectos en las artes decorativas y aplicadas de la era del clasicismo. Formación de maestros en artes decorativas y aplicadas en la Academia de Artes.
Interior del clasicismo temprano. Materiales y formas, color, decoración escultórica, reducción de coste de acabados decorativos. Obras interiores de Charles Cameron. Diversidad de técnicas decorativas, nuevos materiales, imagen del local y conjunto. Interiores de V. Brenna.
Muebles de clasicismo, carácter, formas, influencias. Prototipos antiguos. Nuevos tipos de muebles. Participación de arquitectos en el desarrollo del arte del mueble en Rusia (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Mobiliario de D. Roentgen en Rusia. Taller de G. Gambs y I. Ott. Estilo Jacob en muebles rusos. Cambio de materiales en el arte del mueble (caoba, madera dorada, álamo, abedul de Carelia). Tejidos y bordados en muebles.
El taller de Spol en Moscú. Decoración tallada en los interiores de M. Kazakov. Muebles tallados del Palacio Ostankino. El florecimiento de las técnicas tipográficas en los muebles rusos de la segunda mitad del siglo, métodos de ejecución y materiales. Producción de muebles en Okhta en San Petersburgo. Papel maché como material para muebles y artes decorativas.
Bronce artístico ruso y francés. Principales tipos de productos y técnicas decorativas. Bronce y vidrio en luminarias. Bronce en la decoración de jarrones y muebles de piedra y porcelana. Actividades de la Casa Fundición. Bronceadores extranjeros en San Petersburgo (P. Azhi, I. Tsekh, etc.).
Traje. Tipos y siluetas cambiantes de ropa en las décadas de 1770 y 1780. Introducción de vestimenta noble uniforme. Vestimenta ceremonial de la corte, uso de formas nacionales estilizadas. "Estilo griego" de la década de 1790 en vestuario y peinados. Un cambio radical en el diseño del traje. Moda para chales, fulares, capas, mantillas, rebozos.
Arte de joyería. Actividades de I. Pozier, Dubulon, J. Adora, I.G. Sharf, I.V. Bukh, hermanos Duval. Gran corona imperial. Taller de diamantes de corte. Plata artística. Influencia de la plata francesa de estilo Luis XVI. El arte del niel sobre plata. El papel cada vez mayor de los centros joyeros del norte: Vologda, Veliky Ustyug. Fábrica de productos negros y esmaltados de los hermanos Popov en Veliky Ustyug. Esmalte con superposiciones de plata.
Porcelana, técnicas de fabricación y decoración. Fábrica Imperial de Porcelana. Clasicismo temprano en las formas y decoración de los productos. Influencia de la porcelana y loza europea. Actividades de J.-D. Rasheta. Contactos del IPE con la Academia de las Artes. Jarrones decorativos y servicios palaciegos en el interior de la época clásica. Grandes servicios ceremoniales, su composición, la naturaleza de su diseño. Busque formas apropiadas de objetos y métodos de decoración de productos. Escultura en porcelana (serie de figuras “Pueblos de Rusia”, “Comerciantes y vendedores ambulantes”). Género dibujo y grabado en porcelana, escultura y pintura en porcelana. Productos de galleta. Porcelana "Pavlovsk" de finales de la década de 1790.
Fábrica de F. Gardner en Verbilki. Ordenar servicios.
Vidrio artístico. Planta de G. Potemkin en Ozerki. Vidrio y cristal coloreados. Vidrio en los interiores de Charles Cameron. La Fábrica Imperial de Vidrio en la década de 1790. Conexión entre los productos de las fábricas imperiales de porcelana y vidrio. Planta de Bakhmetev en la provincia de Penza. El apogeo de la pintura sobre vidrio en los años 1780-90. Motivos góticos en vidrio artístico.
Actividades de la fábrica de enrejados. Conexión de espalderas con dirección general en la pintura rusa ( tema historico, alegoría, retrato en un tapiz). La transición del Rococó al Clasicismo. Enrejado en diseño de interiores.
Tallado en piedra. El papel de Charles Cameron en el desarrollo de la cultura de la piedra coloreada y su uso en interiores. Nuevas técnicas de uso de la piedra, “mosaico ruso”. Actividades de la Fábrica Lapidaria Peterhof. Descubrimiento de nuevos yacimientos de piedra coloreada en los Urales y Altai. Fábrica de Ekaterimburgo y planta de Kolyvan. Invención de máquinas para procesar piedra. Jarrones basados en dibujos de A. Voronikhin y D. Quarenghi.
El apogeo del acero de Tula (muebles y artículos decorativos). Fábricas nobles y mercantiles. Fábrica miniaturas lacadas PI. Korobova. El surgimiento de la artesanía en las fábricas artísticas. Desarrollo de la artesanía artística en la segunda mitad del siglo XVIII: Pintura de Khokhloma, tejido de encaje, tejido estampado, tejido de alfombras, metal artístico, etc.
Desarrollo de las artes decorativas y aplicadas. contribuyó a la mejora de las técnicas artesanales y de fabricación, al surgimiento de la industria artística (producción de tapices, vidrio artístico, loza, corte de piedra, producción de seda y telas), la fabricación de artículos de moda, artículos de lujo, el descubrimiento y Desarrollo de yacimientos de cobre, estaño, plata, piedras coloreadas, arcillas de alta calidad.
Es significativo el papel de la Academia de Ciencias en la “prosperidad de las artes y manufacturas libres”, que refleja los nuevos intereses técnicos y de las ciencias naturales en las artes decorativas y aplicadas. En la primera mitad del siglo XVIII aparecieron nuevas formas de educación y formación de artesanos en las fábricas artísticas; En Rusia están surgiendo organizaciones gremiales de artesanos, lo que no niega el uso generalizado de artesanos extranjeros en diversos campos de las artes decorativas y aplicadas.
En las artes decorativas y aplicadas (artículos de interior, muebles, decoración), la moda dicta activamente el estilo. Como resultado, aparecen nuevos tipos de objetos y se actualizan las ideas estéticas en las artes decorativas y aplicadas. En las artes decorativas y aplicadas de mediados del siglo XVIII, hubo una tendencia a sintetizar las artes, donde la arquitectura, la escultura, la pintura y las artesanías aplicadas se fusionaban en un conjunto decorativo.
Como resultado, el arte del diseño de interiores se convierte en un tipo especial de actividad artística en la obra de los arquitectos del siglo XVIII. Este tipo de actividad artística determina la aparición de nuevos tipos de locales (oficinas, salones, dormitorios, salas de estar, “salas de cuadros”) y su contenido temático (Palacio de Verano, Palacio A.D. Menshikov, Gran Palacio Peterhof, Monplaisir).
Todo esto contribuye al desarrollo de la fabricación de muebles; aparecen nuevos tipos y formas de muebles, materiales y métodos de decoración. La influencia de los muebles ingleses y holandeses es aquí muy fuerte. Bajo la influencia de Europa, en Rusia se desarrollaron incluso los estilos barroco y rococó en muebles.
Los muebles de clasicismo tienen carácter característico y formas. En gran medida, los motivos antiguos se pueden rastrear en las formas y la decoración de los muebles. A mediados del siglo XVIII, los arquitectos participaron en el desarrollo de nuevos tipos de muebles, aparecieron muebles artísticos y de diseño en Rusia (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). En la segunda mitad del siglo XVIII aparecieron los primeros talleres de muebles (el taller de G. Gambs y I. Ott). Este período del arte del mueble se caracteriza por el estilo Jacob. En la segunda mitad del siglo XVIII, los materiales en el arte del mueble cambiaron: aquí aparecieron caoba, madera dorada, álamo y abedul de Carelia; Los tejidos y los bordados se utilizan cada vez más en la fabricación de muebles.
La cerámica y la loza ocupan un lugar especial en las artes decorativas y aplicadas. Esto se produce inicialmente debido a la expansión de las importaciones de loza de Inglaterra y Holanda. Sin embargo, pronto apareció en Moscú la primera fábrica privada de A. Grebenshchikov, que producía loza fina rusa. Más tarde, se formó el estilo de los platos ceremoniales del palacio con grabado mate y se extendió la moda del cristal como elemento interior. Esto implica la apertura de la primera fábrica privada de vidrio y cristal de Maltsov en el distrito de Mozhaisk.
En el siglo XVIII, debido a la creciente popularidad de las artes decorativas y aplicadas y la decoración de habitaciones, aumentó significativamente el consumo de vidrio, que se utilizaba para crear una variedad de espejos y accesorios de iluminación.
Escultura y pintura de la segunda mitad del siglo XVIII.
Desempeñó un papel importante en el desarrollo de la pintura en el siglo XVIII. creación Vladimir Lukich Borovikovsky. A pesar de que el artista no figuraba oficialmente como estudiante de la Academia, sin duda utilizó los consejos de sus profesores y, sobre todo, de Levitsky. Talento natural y tenacidad de hierro joven artista Pronto Borovikovsky se convirtió en uno de los primeros maestros de finales del siglo XVIII. Creó una serie de excelentes retratos de sus contemporáneos, entre ellos G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova y muchos otros. Un interés constante por las experiencias emocionales de una persona, un lirismo y una contemplación enfatizados, avivados por una neblina de sentimentalismo, tan característico de la época, son característicos de la mayoría de las obras de Borovikovsky. El artista nunca siguió el camino de la caracterización externa y superficial de la imagen, esforzándose constantemente por transmitir los movimientos espirituales más sutiles de los retratados.
En su obra predominan los retratos de cámara. Borovikovsky se esfuerza por afirmar la autoestima y la pureza moral de una persona (retrato de "Lizynka y Dashinka", retrato de E.N. Arsenyeva, etc.). A principios del siglo XVIII y XIX, Borovikovsky se sintió atraído por personalidades fuertes y enérgicas y se centró en la ciudadanía, la nobleza y la dignidad de los retratados; La apariencia de sus modelos se vuelve más sobria, el fondo del paisaje es reemplazado por imágenes del interior (retratos de A.A. Dolgorukov, M.I. Dolgoruka, etc.).
Borovikovsky es también un reconocido maestro de los retratos en miniatura. La colección del Museo Ruso contiene obras de su pincel: retratos de A.A. Menelas, V.V. Kapnist, N.I. El artista utilizó a menudo el estaño como base para sus miniaturas.
El retrato ruso en su apogeo Siglo XVIII logra en la creatividad D.G.Levitsky . Ya en una de sus primeras obras, un retrato del arquitecto A. Kokorinov, Levitsky mostró excelentes habilidades como pintor. El retrato del gran filósofo materialista francés D. Diderot, pintado por Levitsky en San Petersburgo en 1773, y la serie de retratos de alumnas del Instituto Smolny creados por el artista se distinguen por un alto mérito artístico. Las imágenes de estas chicas están marcadas con sinceridad y calidez; la singularidad de cada una de ellas se transmite magistralmente.
Los retratos de los años siguientes (Lvova, el padre del artista, los Bakunin, Anna Davia y muchas otras obras maestras de Levitsky) son una clara prueba de su brillante talento.
Levitsky creó una extensa galería de retratos de sus contemporáneos, capturando de manera amplia y completa, como nadie, imágenes vivas de personas de la época. El arte de Levitsky completa la historia del desarrollo del retrato ruso en el siglo XVIII. Sin embargo, cabe señalar que algunas limitaciones de su obra están determinadas históricamente: como otros artistas destacados de su época, Levitsky no pudo reflejar contradicciones sociales realidad. Las personas representadas por el artista, de acuerdo con las ideas estéticas predominantes, siempre posan un poco, como si intentaran mostrarse al espectador bajo la luz "más agradable". Sin embargo, en varias de sus obras el artista logra una sencillez y vitalidad asombrosas.
El legado de Levitsky es enorme y todavía evoca un sentimiento de placer estético inmediato en los espectadores. La perfección profesional de sus obras y su orientación realista sitúan al artista en uno de los lugares más honorables de toda la historia del arte ruso.
Entre las obras más famosas de D. G. Levitsky se encuentran las siguientes: "Retrato de E. A. Vorontsova", "Retrato del arquitecto A. F. Kokorinov", "Retrato de N. A. Lvov", "Retrato de M. A. Dyakova", "Retrato de Ursula Mniszech", "Retrato de la hija de Agasha vestida de ruso”, etc.
en la zona pintura de retrato Los artistas rusos de la segunda mitad del siglo XVIII también pronunciaron su nueva palabra. Agudeza características psicológicas Llama la atención lo que caracteriza a muchos retratos de esta época: el pincel de los mejores maestros rusos gravita cada vez más hacia una interpretación veraz de la imagen de una persona. Es significativo que en esta época se crearan retratos no sólo de la nobleza y los "poderes de este mundo", sino también de varias figuras públicas progresistas. Estos retratos carecen por completo de elementos de pompa y brillo externo; Los artistas prestan atención a transmitir el contenido interior de una persona, a revelar la fuerza de su mente, la nobleza de sus pensamientos y aspiraciones.
El desarrollo del retrato ruso encontró su expresión en obras de F. Rokotov.
Fiódor Stepánovich Rókotov- uno de los mejores retratistas rusos. habiendo recibido educación artística bajo el liderazgo de L.-J. Le Lorrain y el conde Pietro Rotari trabajaron a la manera de este último, pero profundizaron más que él en la naturaleza y fueron diligentes en la ejecución. En 1762 fue admitido como adjunto al recién creado San Petersburgo. Academia de las Artes por el cuadro “Venus” que le regalaron y por el retrato del emperador Pedro III.
Una sutil habilidad pictórica distingue los retratos de este artista. Rokotov aporta gran expresividad y fuerza a la espiritualidad íntima de la imagen, especialmente en los retratos femeninos. La perfección altamente técnica de las obras del artista: en términos de la naturaleza del dibujo y la habilidad pictórica, solo Levitsky puede compararse con él. Los retratos creados por Rokotov se distinguen por la sofisticación del diseño y la elegancia del color.
a la mayoria obras famosas Rokotov incluyen: “Retrato de una mujer desconocida en vestido rosa"", "Retrato de A.I. Vorontsov", "Retrato de G.G. Orlov con armadura", "Retrato de coronación de Catalina II", "Retrato de A.P. Struyskaya", "Retrato del poeta V.I. Maykov", "Retrato de Surovtseva”, etc.
En la segunda mitad del siglo XVIII. comenzó a desarrollarse en la pintura rusa. género cotidiano. Sin embargo pintura de genero Fue considerado por la dirección de la Academia de las Artes y por las capas privilegiadas de la sociedad como algo vil, indigno del pincel del artista. A pesar de esto, después de la guerra campesina, bajo el liderazgo de E. Pugachev, tanto en literatura, teatro y música como en pintura de los años 1770-1780. El interés comenzó a aparecer en el campesinado, su forma de vida y su forma de vida. A menudo se trataba de imágenes sentimentales de pastores y pastoras idílicos, que no tenían nada en común con la vida campesina real. Sin embargo, hubo excepciones.
Uno de los primeros en la pintura rusa en desarrollar el tema campesino fue el siervo del príncipe G. A. Potemkin. Mijaíl Shibanov . Pintó los cuadros "Almuerzo campesino", "Celebración del acuerdo de boda", etc. En las pinturas de Shibanov no hay denuncia de la servidumbre, sin embargo, en estas pinturas no hay idealización de la vida campesina. El artista se distingue por su conocimiento y comprensión de la vida y el carácter del campesino ruso.
El tema campesino quedó reflejado en la obra del artista I. M. Tankov (1739 - 1799), autor del cuadro "Vacaciones en el pueblo" y de I. A. Ermenev (1746 - después de 1792), quien pintó las acuarelas "Almuerzo campesino", " Cantantes mendigos” y etc.). Por primera vez en la historia del arte ruso, el artista transmitió el lado oscuro vida popular, la miseria de la pobreza.
En la segunda mitad del siglo XVIII. Comienza el verdadero florecimiento de la escultura rusa. Se desarrolló lentamente, pero el pensamiento educativo ruso y el clasicismo ruso fueron los mayores incentivos para el desarrollo del arte de las grandes ideas cívicas y los problemas a gran escala, que determinaron el interés por la escultura durante este período. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos - Cada uno fue un individuo brillante por derecho propio y dejó su huella en el arte.. Pero todos estaban unidos por algo común. principios creativos, que aprendieron del profesor Nicolas Gillet, que de 1758 a 1777 dirigió la clase de escultura en la Academia, las ideas generales de ciudadanía y patriotismo y los altos ideales de la antigüedad.
La búsqueda de lo bello en general no excluye la profundidad total de la comprensión del carácter humano, el deseo de transmitir su versatilidad. Este deseo es palpable en la escultura decorativa monumental y en la escultura de caballete de la segunda mitad del siglo, pero especialmente en el género del retrato.
Sus mayores logros están asociados principalmente con la creatividad. Fedot Ivánovich Shubin (1740-1805), compatriota de Lomonosov, que llegó a San Petersburgo ya como un artista que dominaba las complejidades del tallado en hueso. El primer trabajo de Shubin en su tierra natal es un busto de A.M. Golitsyn ya da testimonio de la plena madurez del maestro. Toda la versatilidad de las características del modelo se revela al inspeccionarlo circularmente, aunque sin duda también está el punto de vista principal de la escultura.
Shubin trabajó no solo como retratista, sino también como decorador. Ejecutó 58 mármoles ovalados. retratos historicos para el Palacio Chesme (ubicado en la Cámara de la Armería), esculturas para el Palacio de Mármol y para Peterhof, una estatua de Catalina II, la legisladora (1789-1790). No hay duda de que Shubin es el fenómeno más importante de la cultura artística rusa del siglo XVIII. Junto con los artesanos rusos trabajó el escultor francés Etienne-Maurice Falconet, quien en el monumento a Pedro I en Plaza del Senado en San Petersburgo expresó su comprensión de la personalidad de Peter, su papel historico en los destinos de Rusia.
Fyodor Fedorovich Shchedrin(1751-1825). Pasó por las mismas etapas de formación en la Academia y retiro en Italia y Francia que Shubin. "Marsias", interpretada por él en 1776, está llena de movimientos violentos y una actitud trágica. Como todos los escultores de la era del clasicismo, Shchedrin está fascinado por las imágenes antiguas (“Endimión durmiente”; “Venus”), que muestran una visión particularmente poética de su mundo.
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"Arte decorativo y aplicado del siglo XVIII".
Introducción
En la segunda mitad del siglo XVIII, las artes aplicadas rusas alcanzaron un auge significativo. Esto fue facilitado por el desarrollo de la economía, el comercio, la ciencia y la tecnología y, en gran medida, los estrechos vínculos con la arquitectura y bellas artes. Creció el número de fábricas, fábricas y talleres grandes y pequeños que producían telas, vidrio, porcelana y muebles. Los terratenientes establecieron en sus propiedades varios talleres basados en el trabajo de los siervos.
Uno de los fenómenos más brillantes de la cultura rusa es el arte popular ruso, cuya historia se remonta a tantos siglos como personas viven en la tierra.
Las artes decorativas y aplicadas y la artesanía popular rusas son fenómenos originales que no tienen análogos en la cultura mundial. Desde tiempos inmemoriales, la tierra rusa ha sido famosa por sus artesanos, personas capaces de crear y crear verdadera belleza con sus propias manos. A través del arte de la artesanía popular se rastrea la conexión entre el pasado y el presente.
La artesanía popular es exactamente lo que hace que nuestra cultura sea rica y única. Se llevan objetos pintados, juguetes y productos de tela. turistas extranjeros en memoria de nuestro país. Casi todos los rincones de Rusia tienen su propio tipo de artesanía.
Principales tipos de artesanías.
JUGUETE DYMKOVSKAYA
Juguete Dymkovo (Vyatka, juguete Kirov), artesanía de arte popular ruso; Existe desde hace mucho tiempo en el asentamiento de Dymkovo (ahora en el territorio de la ciudad de Kirov). Un juguete Dymkovo está esculpido en arcilla, cocido y pintado sobre el suelo con témpera, y se incluye pan de oro. Representa animales, jinetes, damas con miriñaques, escenas de cuentos de hadas y cotidianas. Originalidad artística Los juguetes Dymkovo se caracterizan por una plasticidad masiva y lacónica, enfatizada por una pintura decorativa armoniosa en forma de un gran patrón geométrico (círculos, jaulas de diferentes colores, etc.).
El juguete Dymkovo es la artesanía de arcilla más famosa de Rusia. Se distingue por su forma plástica extremadamente simple y clara, su silueta generalizada y su pintura ornamental brillante sobre un fondo blanco.
Tradicionalmente, la industria del juguete de Dymkovo no produce en masa.
Khokhloma es una antigua artesanía popular rusa que surgió en el siglo XVII en la región del Volga (el pueblo de Semino, provincia de Nizhny Novgorod). Este es quizás el más especies conocidas Pintura popular rusa. Es una pintura decorativa sobre utensilios y muebles de madera, realizada en tonos rojos y negros (menos a menudo verdes) y dorado sobre un fondo dorado. Lo sorprendente es que cuando se pinta, no se aplica oro, sino polvo de estaño plateado a la madera. Luego, el producto se recubre con un compuesto especial y se procesa tres o cuatro veces en el horno. Entonces aparece este delicioso color dorado miel, gracias al cual los utensilios de madera claros parecen macizos.
JUGUETE BOGORODSKAYA
Pollos de madera abigarrados sobre un soporte, figuras de herreros, un hombre y un oso: tira de la barra y golpearán con martillos un pequeño yunque... Los juguetes divertidos, conocidos en Rusia desde tiempos inmemoriales, se han convertido en la principal artesanía popular. para los residentes del pueblo de Bogorodskoye, cerca de Moscú.
El "juguete Bogorodskaya" debe su origen al pueblo de Bogorodskoye, ahora ubicado en el distrito Sergiev Posad de la región de Moscú. En el siglo XV, el pueblo era propiedad del famoso boyardo moscovita M.B. Pleshcheev, después de cuya muerte, la aldea, junto con los campesinos, fue heredada por su hijo mayor, Andrei, y luego por su nieto Fedor.
Desde 1595, el pueblo de Bogorodskoye pasó a ser propiedad del Monasterio de la Trinidad-Sergio y los campesinos se convirtieron en siervos monásticos. Fueron los campesinos quienes sentaron las bases del tallado en madera en los siglos XVI y XVII, lo que glorificó a Bogorodskoye, la actual "capital del reino del juguete", en todo el mundo.
MATRIOSHKA
La matrioska es el souvenir ruso más famoso y querido, un fenómeno mundial. La primera muñeca rusa apareció a finales del siglo XIX, pero obtuvo un reconocimiento sin precedentes como una de las imágenes más completas de Rusia, un símbolo del arte popular ruso. El predecesor y prototipo de la muñeca rusa para anidar fue la figura de un anciano calvo y bondadoso, el sabio budista Fukuruma, que contenía varias figuras más encajadas una dentro de otra. Esta figura fue traída desde la isla de Honshu. Los japoneses, por cierto, afirman que un monje ruso desconocido fue el primero en tallar un juguete de este tipo en la isla de Honshu.
La muñeca rusa desmontable de madera se llamaba matrioska. En la provincia prerrevolucionaria, el nombre Matryona, Matresha, se consideraba uno de los nombres rusos más comunes, que se basa en la palabra latina "mater", que significa madre. Este nombre estaba asociado con la madre de una familia numerosa, poseyendo buena salud y una figura corpulenta. Posteriormente, se convirtió en una palabra familiar y empezó a significar un producto de madera giratorio, desmontable y pintado de colores. Pero hasta el día de hoy, la muñeca rusa sigue siendo un símbolo de maternidad y fertilidad, ya que una muñeca con una gran familia de muñecas expresa perfectamente la base figurativa de este símbolo antiguo cultura humana.
La primera muñeca rusa para anidar, tallada por Vasily Zvezdochkin y pintada por Sergei Malyutin, tenía ocho asientos: una niña con un gallo negro era seguida por un niño, luego nuevamente una niña, y así sucesivamente. Todas las figuras eran diferentes entre sí, y la última, la octava, representaba a un bebé envuelto.
BUFANDA DE PLUMAS DE ORENBURG
Las bases del arte aplicado, gracias al cual Orenburg se hizo conocido en todo el mundo, fueron puestas por las mujeres cosacas a finales del siglo XVII, cuando los pioneros rusos, habiéndose establecido en los Urales, entablaron relaciones comerciales con la población local.
El duro clima de estos lugares requería ropa abrigada pero ligera. Las mujeres cosacas adoptaron fácilmente la artesanía de plumón de cabra de los kazajos y kalmyks. Sólo el estilo de tejido de la gente de la estepa era continuo, y las mujeres Yaik comenzaron a utilizar adornos de encaje rusos.
BUFANDA PAVLOPOSAD
Los chales Pavloposad femeninos, brillantes y ligeros, siempre están de moda y son relevantes. Y hoy en día, los diseños originales se complementan con diversos elementos, como los flecos, creados en diferentes colores y siguen siendo un excelente complemento para casi cualquier look.
Las bufandas estampadas de Pavlovsky Posad, de lana y media lana, decoradas con estampados coloridos tradicionales, se originaron en la ciudad de Pavlovsky Posad, cerca de Moscú, en las décadas de 1860 y 1880. La zona de Pavlovsky Posad (el territorio del antiguo distrito de Bogorodsky) es uno de los centros textiles más antiguos de Rusia. En el siglo XVIII - primera mitad del XIX. Los chales de Bogorodsk y las telas sarafan se distinguían por la belleza especial del adorno tejido con hilo de oro. Más tarde, el tejido de seda se generalizó aquí, y a partir de la década de 1860. Comenzó la producción de bufandas de lana y media lana, decoradas con estampados coloridos. Poco a poco, la producción se fue ampliando y adquirió un marcado carácter nacional.
FINALIZACIÓN DE ROSTOV
El esmalte de Rostov es una artesanía tradicional única que surgió en la segunda mitad del siglo XVIII. como artesanía de pintura de iconos. En esta serie, está relacionado con Palekh, Mstera, Kholui, sólo que el material es bastante raro: la pintura de esmalte. "Esmalte" proviene del sustantivo griego tsEggpt (phengos), que significa "brillo". Se aplican pinturas especiales (inventadas en 1632 por el joyero francés Jean Toutin) a base de vidrio con la adición de óxidos metálicos sobre una base de metal (acero, cobre, plata, lámina de oro) y se fijan cociendo en un horno. El esmalte de Rostov es una de las diez mejores artesanías populares de Rusia.
Gzhel es el nombre de una pintoresca región cerca de Moscú, que está a 60 kilómetros de Moscú. La palabra "Gzhel" es increíblemente popular hoy en día. La armonía, los cuentos de hadas y las historias reales se asocian con la belleza. La porcelana con un elegante color azul y mayólica multicolor es ahora conocida no sólo en Rusia, sino también en el extranjero. Los productos Gzhel atraen a todos los que aman la belleza, rica en imaginación y armonía, y la alta profesionalidad de sus creadores. Gzhel es la cuna y principal centro de la cerámica rusa. Se formó aquí mejores características y aparecieron los mayores logros del arte popular.
¿Cuántos años tiene esta artesanía popular rusa? Las investigaciones arqueológicas en el territorio de Gzhel confirman la existencia de cerámica aquí desde principios del siglo XIV. Y no es de extrañar que la tierra de Gzhel haya sido rica durante mucho tiempo en bosques, ríos, arcillas de alta calidad... "que nunca había visto con una blancura más hermosa". Desde entonces, a lo largo de sus más de seis siglos de historia, Gzhel ha pasado por diferentes períodos.
El final del siglo XIX y principios del XX se convirtió en un período de profunda crisis. Parecía que el arte de Gzhel había desaparecido para siempre.
El período de posguerra está asociado con el inicio del resurgimiento del oficio y la búsqueda de un lenguaje figurativo propio. Esto requirió años de trabajo arduo e incansable, formación de nuevos maestros. Como resultado, esto condujo al éxito. Dymkovsky matryoshka juguete Gzhel aplicado
En 1972 se creó la asociación Gzhel sobre la base de seis pequeñas instalaciones de producción ubicadas en varias aldeas. Los equipos creativos desarrollaron nuevos diseños. Se crearon formas de productos completamente nuevas. La pintura se ha vuelto más rica y cumple requisitos artísticos día existente.
BANDEJA DE ETIQUETAS
La pintura con laca de los Urales sobre metal surgió en el siglo XVIII. en las fábricas de Nizhny Tagil. La bandeja de Tagil es más antigua que la de Zhostovo. Nizhny Tagil es considerado el lugar de nacimiento de la pintura sobre metales rusa. La fábrica de Ural Demidov, siendo el principal cliente de productos pintados, apoyó a la industria de lacas en todos los sentidos. La pintura en metal de Tagil no se puede confundir con ninguna otra: se caracteriza por la riqueza de colores, la pureza y la gracia en el procesamiento de los colores, la integridad de la composición y un patrón refinado de adornos.
La pintura de Zhostovo es un arte popular de pintura artística de bandejas de metal que existe en el pueblo de Zhostovo, distrito de Mytishchi, región de Moscú. La artesanía de las bandejas de metal pintado surgió a mediados del siglo XVIII. en los Urales, donde estaban ubicadas las plantas metalúrgicas de Demidov. Sólo en la primera mitad del siglo XIX. Las bandejas comenzaron a fabricarse en los pueblos de la provincia de Moscú: Zhostovo, Troitsky, Novoseltsev. La pesquería de la región de Moscú pronto se convirtió en la principal.
Las bandejas de Zhostovo son pinturas, principalmente de motivos florales, cuyos creadores fueron simples campesinos rusos. Aportaron a la pintura laca una vivacidad de colores, sencillez y claridad de imágenes, precisión de características y claridad de dibujo.
La pintura se realiza mediante técnicas de pincelada libre, sin dibujo previo. La mayoría de las veces se utiliza un fondo negro. Los volúmenes de flores y hojas parecen crecer desde lo más profundo del fondo. Esto se hace pasando gradualmente de tonos oscuros a otros más claros. Las flores parecen cobrar vida en el cuadro.
La tecnología moderna para fabricar bandejas difiere poco de la que utilizaban anteriormente los artesanos del pueblo de Zhostovo. Se presiona una fina lámina de hierro para darle la forma deseada, se enrollan los bordes de la bandeja para darle rigidez y se nivela la superficie. La superficie frontal de la bandeja se imprima y se masilla, luego se lija y se recubre con barniz negro (con menos frecuencia de otro color). Las bandejas se secan en hornos a temperaturas de hasta 90 grados C. El recubrimiento se realiza tres veces, después de lo cual la superficie coloreada de la bandeja se vuelve brillante.
FEDOSKINO
Miniatura Fedoskino, un tipo de pintura en miniatura de laca tradicional rusa con pinturas al óleo sobre papel maché, que se desarrolló a finales del siglo XVIII. en el pueblo de Fedoskino, cerca de Moscú.
La producción de productos de papel maché surgió en 1798, cuando el comerciante P.I. Korobov organizó la producción de viseras en el pueblo de Danilkov, que compró (actualmente parte de Fedoskino). Unos años más tarde, Korobov visitó la fábrica de Johann Stobwasser en Brauschweig, adoptó allí la tecnología de los productos de papel maché y comenzó a fabricar en su fábrica las entonces populares cajas de rapé, decoradas con grabados pegados a la tapa, a veces pintadas y barnizadas. En el segundo cuarto del siglo XIX. Cajas de rapé, cajas de abalorios, cajas y otros productos comenzaron a decorarse con pintorescas miniaturas realizadas con pinturas al óleo en un estilo pictórico clásico.
Los artesanos trabajaban en la fábrica por contrato, muchos de ellos procedían de los talleres de pintura de iconos de Sergiev Posad y de Moscú, algunos recibieron una educación artística en la Escuela Stroganov. Se conocen los nombres de algunos de ellos: S. I. Borodkin, A. A. Shavrin, A. V. Tikhomirov, D. A. Krylov y otros.
Los motivos favoritos de los miniaturistas de Fedoskino se convirtieron en temas populares en aquella época: las “troikas”, las “fiestas del té”, escenas de la vida campesina rusa y de la Pequeña Rusia. Los más valorados eran los ataúdes decorados con complejas composiciones de múltiples figuras: copias de pinturas de artistas rusos y de Europa occidental.
La miniatura de Fedoskino está pintada con pinturas al óleo en tres o cuatro capas: sombreado (boceto general de la composición), copia o repintado (trabajo más detallado), vidriado (modelado de la imagen con pinturas transparentes) y destellos (terminado trabajos con pinturas claras que transmiten reflejos en los objetos) se realizan sucesivamente.
La miniatura de Palekh no tiene análogos en todo el mundo. Se realiza sobre papel maché y solo luego se transfiere a la superficie de cajas de diversas formas y tamaños.
El arte original y sutil de las miniaturas lacadas de Palekh incorporó como base los principios de la pintura y el arte popular rusos antiguos. Actualmente, las miniaturas de Palekh son una parte integral del arte decorativo y aplicado ruso en su conjunto. Junto con el desarrollo de tradiciones antiguas, lleva consigo una visión poética del mundo característica de los rusos. cuentos populares y canciones.
El nacimiento de este arte en Palekh no es casual. Fue el resultado natural del desarrollo de tradiciones centenarias en nuevas condiciones históricas, heredando la habilidad de muchas generaciones de pintores de iconos. La antigua experiencia de Palekh es rica y diversa. En Palekh se han estudiado y conservado las tradiciones del antiguo arte ruso durante mucho tiempo.
El estilo independiente Palekh de pintura de iconos se formó sólo a mediados del siglo XVIII. Absorbió y desarrolló los principios y elementos básicos de las escuelas y la pintura de Novgorod y Stroganov de la región del Volga de la segunda mitad del siglo XVII. EN Siglos XVII-XIX Los maestros de Palekh cumplieron repetidamente los pedidos de iconos en el estilo de Novgorod o en el carácter del barro de Moscú.
Conclusión
La capacidad de identificar las cualidades estéticas de un material siempre ha distinguido a los artesanos rusos, lo que se manifestó en todas las esferas de la vida, desde la vida cotidiana hasta la arquitectura, donde la habilidad se expresó en el arte de tallar la piedra.
El florecimiento del arte de la joyería en Rusia comenzó a mediados del siglo XVIII y continuó a lo largo del siglo.
Durante este período, los plateros lograron un gran éxito. De acuerdo con los nuevos gustos, las formas de los servicios de plata son simples y claras. Están decoradas con flautas y adornos antiguos. En vasos de plata y cajas de rapé, los artesanos de Veliky Ustyug reproducen imágenes de escenas antiguas y victorias de las tropas rusas a partir de grabados.
Un fenómeno destacado en las artes aplicadas del siglo XVIII son los productos artísticos de acero de los artesanos de Tula: muebles, cajas, candelabros, botones, hebillas, cajas de rapé.
El florecimiento del arte aplicado ruso del siglo XVIII se asoció con el trabajo de los arquitectos Kazakov, Starov, Quarenghi, Cameron, Voronikhin y varios profesionales capacitados. artistas folklóricos. Pero su verdadera gloria fue creada principalmente por artesanos siervos que permanecieron desconocidos: fabricantes de muebles, talladores, tejedores, canteros, joyeros, vidrieros, ceramistas...
Literatura
Historia del arte ruso. Editores responsables I.A. Bartenev, R.I. Vlasova - M., 1987
Historia del arte ruso. Ed. ES DECIR. Grabar. T. 1-12 (secciones de artes decorativas y aplicadas). M.: 1953-1961
Artes decorativas y aplicadas rusas. Ed. AI. Leonova. T. 1-3. M.: 1962-1965
Rybakov B.A. Arte aplicado ruso de los siglos X-XIII. L.: 1971
Vasilenko V.M. Arte aplicado ruso. Orígenes y formación. yo siglo ANTES DE CRISTO - siglo XIII ANUNCIO Fecha de nacimiento: 1977.
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