Uno de los mayores movimientos del arte. últimas décadas El siglo XIX y principios del XX es el impresionismo, que se extendió por todo el mundo desde Francia. Sus representantes se dedicaron al desarrollo de métodos y técnicas de pintura que permitieran reflejar de la manera más vívida y natural mundo real en dinámica, para transmitir impresiones fugaces de él.
Muchos artistas crearon sus lienzos al estilo del impresionismo, pero los fundadores del movimiento fueron Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Basil, Camille Pissarro. Es imposible nombrar sus mejores obras, ya que todas son hermosas, pero existen las más famosas, y hablaremos de ellas más a fondo.
Claude Monet: “Impresión. Sol naciente"
El lienzo con el que conviene iniciar una conversación sobre los mejores cuadros de los impresionistas. Claude Monet lo pintó en 1872 a partir de la vida en el antiguo puerto de Le Havre, Francia. Dos años más tarde, el cuadro se mostró por primera vez al público en el antiguo estudio del artista y caricaturista francés Nadar. Esta exposición resultó fatídica para el mundo del arte. Impresionado (en absoluto) en el mejor sentido) de Monet, cuyo título en el idioma original suena como “Impresión, soleil levant”, el periodista Louis Leroy acuñó por primera vez el término “impresionismo”, que denota una nueva dirección en la pintura.
El cuadro fue robado en 1985 junto con obras de O. Renoir y B. Morisot. Fue descubierto cinco años después. Actualmente “Impresión. sol naciente"Pertenece al Museo Marmottan-Monet de París.
Édouard Monet: "Olimpia"
El cuadro "Olympia", creado por el impresionista francés Edouard Manet en 1863, es una de las obras maestras de la pintura moderna. Se presentó por primera vez en el Salón de París de 1865. Los artistas impresionistas y sus pinturas a menudo se encontraban en el centro. escándalos de alto perfil. Sin embargo, Olimpia provocó el mayor de ellos en la historia del arte.
En el lienzo vemos a una mujer desnuda, con el rostro y el cuerpo de cara al público. El segundo personaje es una criada de piel oscura que sostiene un lujoso ramo envuelto en papel. A los pies de la cama hay un gatito negro en una pose característica con el lomo arqueado. No se sabe mucho sobre la historia del cuadro; sólo nos han llegado dos bocetos. Lo más probable es que el modelo fuera el modelo favorito de Manet, Quiz Meunard. Existe la opinión de que el artista utilizó la imagen de Marguerite Bellanger, la amante de Napoleón.
Durante el período de creatividad en el que se creó Olimpia, Manet quedó fascinado por el arte japonés y, por lo tanto, se negó deliberadamente a resolver los matices de la luz y la oscuridad. Debido a esto, sus contemporáneos no vieron el volumen de la figura representada y la consideraron plana y tosca. El artista fue acusado de inmoralidad y vulgaridad. Nunca antes las pinturas impresionistas habían causado tanta emoción y burla entre la multitud. La administración se vio obligada a colocar guardias a su alrededor. Degas comparó la fama de Manet adquirida a través de Olimpia y el coraje con el que aceptó las críticas con la historia de vida de Garibaldi.
Durante casi un cuarto de siglo después de la exposición, el lienzo permaneció fuera de la vista del estudio del artista. Luego se exhibió nuevamente en París en 1889. Casi se compró, pero los amigos del artista reunieron la cantidad necesaria y compraron “Olympia” a la viuda de Manet y luego la donaron al estado. Ahora la pintura pertenece al Museo de Orsay en París.
Auguste Renoir: "Grandes bañistas"
La pintura fue pintada por un artista francés en 1884-1887. Teniendo todo en cuenta ahora pinturas famosas Los impresionistas de 1863 y principios del siglo XX llamaron “Grandes bañistas” al lienzo más grande con figuras femeninas desnudas. Renoir trabajó en él durante más de tres años, y durante este período se crearon muchos bocetos y bocetos. No hubo ningún otro cuadro en su obra al que dedicó tanto tiempo.
En primer plano, el espectador ve a tres mujeres desnudas, dos de las cuales están en la orilla y la tercera de pie en el agua. Las figuras están pintadas de manera muy realista y clara, lo cual es un rasgo característico del estilo del artista. Los modelos de Renoir fueron Alina Charigo (su futura esposa) y Suzanne Valadon, quien en el futuro se convirtió en una artista famosa.
Edgar Degas: "Bailarines azules"
No todas las pinturas impresionistas famosas enumeradas en el artículo fueron pintadas al óleo sobre lienzo. La foto de arriba permite comprender lo que representa el cuadro “Bailarines azules”. Fue realizado al pastel sobre una hoja de papel de 65x65 cm y pertenece al período tardío de la obra del artista (1897). Lo pintó cuando ya tenía problemas de visión, por lo que se concede suma importancia a la organización decorativa: la imagen se percibe como grandes manchas de color, especialmente cuando se ve de cerca. El tema de los bailarines era cercano a Degas. Se repitió muchas veces en su obra. Muchos críticos creen que debido a la armonía de color y composición, The Blue Dancers puede considerarse mejor trabajo artista en este tema. Actualmente, el cuadro se conserva en el Museo de Arte. A. S. Pushkin en Moscú.
Frédéric Bazille: "Vestido rosa"
Uno de los fundadores impresionismo francés Frédéric Bazille nació en una familia burguesa de un rico enólogo. Mientras aún estudiaba en el Liceo, empezó a interesarse por la pintura. Tras trasladarse a París, conoció a C. Monet y O. Renoir. Desafortunadamente, el artista estaba destinado a un corto período. camino de la vida. Murió a la edad de 28 años en el frente durante la guerra franco-prusiana. Sin embargo, sus pinturas, aunque pocas, están legítimamente incluidas en la lista de " Mejores pinturas Impresionistas." Uno de ellos es “Vestido rosa”, pintado en 1864. Según todos los indicios, el lienzo puede atribuirse al impresionismo temprano: contrastes de color, atención al color, luz del sol y un momento congelado, eso mismo que se llamó “impresión”. Una de las primas del artista, Teresa de Hors, actuó como modelo. El cuadro pertenece actualmente al Museo de Orsay de París.
Camille Pissarro: “Bulevar Montmartre. Tarde soleada"
Camille Pissarro se hizo famoso por sus paisajes, cuyo rasgo característico es la representación de la luz y los objetos iluminados. Sus obras tuvieron una influencia significativa en el género del impresionismo. El artista desarrolló de forma independiente muchos de sus principios inherentes, que formaron la base de su futura creatividad.
A Pissarro le encantaba escribir el mismo pasaje en diferentes tiempos días. Tiene toda una serie de lienzos con bulevares y calles parisinas. El más famoso de ellos es el "Boulevard Montmartre" (1897). Refleja todo el encanto que el artista ve en la vida bulliciosa e inquieta de este rincón de París. Mirando el bulevar desde el mismo lugar, lo muestra al espectador en un día soleado y nublado, por la mañana, por la tarde y al final de la noche. La foto de abajo muestra el cuadro “Montmartre Boulevard de noche”.
Este estilo fue adoptado posteriormente por muchos artistas. Sólo mencionaremos qué cuadros impresionistas fueron pintados bajo la influencia de Pissarro. Esta tendencia es claramente visible en la obra de Monet (la serie de pinturas “Haystacks”).
Alfred Sisley: "Césped en primavera"
"Césped en primavera" es una de las últimas pinturas del paisajista Alfred Sisley, pintada en 1880-1881. En él, el espectador ve un camino forestal a orillas del Sena con un pueblo en la orilla opuesta. En primer plano hay una niña: la hija del artista, Jeanne Sisley.
Los paisajes del artista transmiten la atmósfera auténtica de la región histórica de Ile-de-France y conservan la especial suavidad y transparencia de los fenómenos naturales característicos de estaciones específicas. El artista nunca fue partidario de efectos inusuales y se adhirió a una composición simple y una paleta de colores limitada. La pintura se conserva ahora en la Galería Nacional de Londres.
Hemos enumerado las pinturas impresionistas más famosas (con nombres y descripciones). Estas son obras maestras de la pintura mundial. El estilo de pintura único, que se originó en Francia, fue inicialmente percibido con burla e ironía; los críticos enfatizaron el absoluto descuido de los artistas al pintar sus lienzos. Ahora casi nadie se atreve a desafiar su genio. Las pinturas impresionistas se exhiben en los museos más prestigiosos del mundo y son una pieza codiciada para cualquier colección privada.
El estilo no ha caído en el olvido y cuenta con muchos seguidores. Nuestro compatriota Andrei Koch, el pintor francés Laurent Parselier, las estadounidenses Diana Leonard y Karen Tarleton son famosos impresionistas modernos. Sus pinturas están hechas en las mejores tradiciones del género, llenas colores brillantes, trazos atrevidos y vida. En la foto de arriba está la obra de Laurent Parselier “En los rayos del sol”.
18-19 siglos marcó un período de prosperidad arte europeo. En Francia, el emperador Napoleón III ordenó la reconstrucción de París tras las hostilidades durante la guerra franco-prusiana. París rápidamente se convirtió en la misma "ciudad brillante" que había sido bajo el Segundo Imperio y nuevamente se proclamó centro del arte europeo. Por eso, muchos artistas impresionistas recurrieron al tema de la ciudad moderna en sus obras. En sus obras, la ciudad moderna no es un monstruo, sino una patria donde vive la gente. Muchas de las obras están imbuidas de un fuerte sentido de patriotismo.
Esto se puede ver especialmente en las pinturas de Claude Monet. Creó más de 30 pinturas con vistas de la catedral de Rouen en una amplia variedad de condiciones atmosféricas y de iluminación. Por ejemplo, en 1894 Monet pintó dos cuadros: “ Catedral de Ruan al mediodía" y "Catedral de Rouen por la tarde". Ambas pinturas representan el mismo fragmento de la catedral, pero en diferentes tonos: en los cálidos tonos amarillo-rosados del mediodía y en los fríos tonos azulados de la mortecina luz del crepúsculo. En las pinturas, la mancha de color disuelve completamente la línea; el artista no transmite el peso material de la piedra, sino, por así decirlo, una cortina de colores claros.
Los impresionistas intentaron que la pintura pareciera ventana abierta, a través del cual el mundo real es visible. A menudo eligieron una vista desde la ventana a la calle. El famoso “Boulevard des Capucines” de C. Monet, pintado en 1873 y expuesto en la primera exposición impresionista en 1874, es un excelente ejemplo de esta técnica. Hay mucha innovación aquí: se eligió la vista de una gran calle de la ciudad como motivo del paisaje, pero el artista está interesado en su apariencia en su conjunto, y no en sus atractivos. Toda la masa de personas está representada con trazos deslizantes, de forma generalizada, en los que es difícil distinguir figuras individuales.
Monet transmite en esta obra una impresión instantánea, puramente visual, del aire vibrante apenas perceptible, de las calles, las personas y los carruajes que se alejan, hundiéndose en las profundidades. Destruye la idea de un lienzo plano, creando la ilusión de espacio y llenándolo de luz, aire y movimiento. El ojo humano se precipita hacia el infinito y no existe ningún punto límite donde pueda detenerse.
El punto de vista elevado permite al artista abandonar el primer plano y transmite la brillante luz del sol en contraste con las sombras púrpura azuladas de las casas que se encuentran en el pavimento de la calle. Monet da el lado soleado de color naranja, dorado cálido, la sombra, violeta, pero una única neblina de aire ligero da armonía tonal a todo el paisaje, y los contornos de casas y árboles emergen en el aire, impregnados de los rayos del sol.
En 1872, en Le Havre, Monet pintó “Impresión. "Amanecer": una vista del puerto de Le Havre, presentada posteriormente en la primera exposición de los impresionistas. Aquí el artista, aparentemente, finalmente se liberó de la idea generalmente aceptada de la imagen del objeto como un cierto volumen y se dedicó por completo a transmitir el estado momentáneo de la atmósfera en tonos azul y rosa-naranja. De hecho, todo parece volverse intangible: el muelle de Le Havre y los barcos se confunden con las rayas del cielo y el reflejo en el agua, y las siluetas de los pescadores y de los barcos en primer plano no son más que manchas oscuras realizadas con unas cuantas pinceladas intensas. . El rechazo de las técnicas académicas, la pintura al aire libre y la elección de temas insólitos fueron recibidos con hostilidad por la crítica de la época. Louis Leroy, autor de un furioso artículo aparecido en la revista "Charivari", utilizó por primera vez, en relación con esta pintura en particular, el término "impresionismo" como definición de un nuevo movimiento en la pintura.
Otra obra destacada dedicada a la ciudad fue el cuadro “Gare Saint-Lazare” de Claude Monet. Monet pintó más de diez cuadros basados en la estación de tren de Saint-Lazare, siete de los cuales se exhibieron en la tercera exposición impresionista en 1877.
Monet alquiló un pequeño apartamento en Monsey Street, cerca de la estación. Al artista se le dio total libertad de acción. El movimiento de los trenes se detuvo por un momento y pudo ver claramente los andenes, los hornos de las locomotoras humeantes, que estaban llenos de carbón, para que el vapor saliera de las chimeneas. Monet "se instaló" firmemente en la estación, los pasajeros lo miraban con respeto y asombro.
Dado que la apariencia de la estación cambiaba constantemente, Monet solo hizo bocetos en el lugar y, basándose en ellos, pintó los cuadros en el estudio. En el lienzo vemos un gran estación de tren, cubierto con un dosel sostenido por pilares de hierro. Hay andenes a izquierda y derecha: una vía es para trenes de cercanías y la otra para trenes de larga distancia. La atmósfera especial se transmite a través del contraste entre la iluminación tenue del interior de la estación y la luz brillante y deslumbrante de la calle. Columnas de humo y vapor esparcidas por todo el lienzo equilibran las franjas contrastantes de iluminación. El humo se filtra por todas partes, las nubes brillantes se arremolinan contra las tenues siluetas de los edificios. Un vapor espeso parece dar forma a las enormes torres, cubriéndolas con un ligero velo, como una fina telaraña. El cuadro está pintado en tonos suaves y apagados con sutiles transiciones de color. Los trazos rápidos y precisos en forma de coma, característicos de esa época, se perciben como un mosaico, el espectador tiene la impresión de que el vapor se disipa o se condensa;
A otro representante de los impresionistas, C. Pissarro, como a todos los impresionistas, le encantaba pintar la ciudad, que lo cautivaba por su movimiento interminable, el flujo de corrientes de aire y los juegos de luces. Lo percibió como un organismo vivo e inquieto, capaz de cambiar según la época del año y el grado de iluminación.
En el invierno y la primavera de 1897, Pissarro trabajó en una serie de pinturas llamadas “Boulevards of Paris”. Estas obras dieron fama al artista y atrajeron la atención de los críticos que asociaron su nombre con el movimiento divisionista. El artista realizó bocetos para la serie desde la ventana de una habitación de hotel en París y finalizó el trabajo de las pinturas en su estudio de Eragny a finales de abril. Esta serie es la única en la obra de Pissarro en la que el artista buscó capturar con la máxima precisión diversas condiciones climáticas y solares. Por ejemplo, el artista pintó 30 cuadros que representan el bulevar Montmartre, mirándolo desde la misma ventana.
En las pinturas "Boulevard Montmartre en París", el maestro C. Pissarro transmitió magistralmente la riqueza de los efectos atmosféricos, la complejidad colorida y la sutileza de un día nublado. La dinámica de la vida urbana, tan convincentemente encarnada por el rápido pincel del pintor, crea una imagen de una ciudad moderna, no ceremonial ni oficial, sino excitante y viva. El paisaje de la ciudad se convirtió en el género principal en la obra de este destacado impresionista: el "cantante de París".
La capital de Francia ocupa un lugar especial en la obra de Pissarro. El artista vivió constantemente fuera de la ciudad, pero París lo atrajo persistentemente. París lo cautiva con su movimiento incesante y universal: el caminar de los peatones y el correr de los carruajes, el flujo de las corrientes de aire y los juegos de luces. La ciudad de Pissarro no es una lista de casas notables que entraron en el campo visual del artista, sino un organismo vivo e inquieto. Cautivados por esta vida, no nos damos cuenta de la banalidad de los edificios que componen el Boulevard Montmartre. El artista encuentra un encanto único en el desasosiego de los Grandes Bulevares. Pissarro capturó el bulevar Montmartre como mañana y día, tarde y noche, iluminado por el sol y gris, mirándolo desde la misma ventana. Un motivo claro y simple de una calle que se pierde en la distancia crea una base compositiva clara que no cambia de un lienzo a otro. El ciclo de lienzos pintados el año siguiente desde la ventana del hotel Louvre se construyó de manera completamente diferente. En una carta a su hijo mientras trabajaba en el ciclo, Pissarro destacó el carácter diferente de este lugar a los Bulevares, es decir, la plaza del Teatro Francés y sus alrededores. De hecho, todo allí se precipita a lo largo del eje de la calle. Aquí, la plaza, que sirvió como última parada de varias rutas de ómnibus, se cruza a lo más varias direcciones, y en lugar de un amplio panorama con mucho aire, a nuestros ojos se les presenta un espacio cerrado en primer plano.
“El nuevo mundo nació cuando lo pintaron los impresionistas”
Henri Kahnweiler
Siglo XIX. Francia. En la pintura sucedió algo sin precedentes. Un grupo de jóvenes artistas decidió romper con tradiciones de 500 años. En lugar de un dibujo claro, utilizaron un trazo amplio y "descuidado".
Y abandonaron por completo las imágenes habituales que representan a todos en una fila. Y damas de fácil virtud y caballeros de dudosa reputación.
El público no estaba preparado para la pintura impresionista. Fueron ridiculizados y reprendidos. Y lo más importante es que no les compraron nada.
Pero la resistencia fue rota. Y algunos impresionistas vivieron para ver su triunfo. Es cierto que ya tenían más de 40 años. Como Claude Monet o Auguste Renoir. Otros esperaron el reconocimiento sólo al final de sus vidas, como Camille Pissarro. Algunos no vivieron para verlo, como Alfred Sisley.
¿Qué revolucionario logró cada uno de ellos? ¿Por qué el público tardó tanto en aceptarlos? Aquí están los 7 impresionistas franceses más famosos y conocidos en todo el mundo.
1. Édouard Manet (1832-1883)
Édouard Manet. Autorretrato con paleta. 1878 colección privadaManet era mayor que la mayoría de los impresionistas. Él fue su principal inspiración.
El propio Manet no pretendía ser el líder de los revolucionarios. el era mundano. Soñé con premios oficiales.
Pero esperó mucho tiempo para recibir el reconocimiento. El público quería ver diosas griegas o, en el peor de los casos, bodegones, para que queden bonitos en el comedor. Manet quería escribir vida moderna. Por ejemplo, cortesanas.
El resultado fue “Desayuno sobre la hierba”. Dos dandis se relajan en compañía de damas de fácil virtud. Uno de ellos, como si nada hubiera pasado, se sienta al lado. hombres vestidos.
Édouard Manet. Desayuno sobre el césped. 1863, París Compárese su Almuerzo sobre la hierba con Romanos en decadencia de Thomas Couture. La pintura de Couture causó sensación. El artista se hizo famoso al instante.
"Desayuno sobre la hierba" fue acusado de vulgaridad. A las mujeres embarazadas no se les recomendaba en absoluto que la miraran.
Tomás Costura. Romanos en su decadencia. 1847 Museo de Orsay, París. artchive.ru En la pintura de Couture vemos todos los atributos del academicismo (pintura tradicional de los siglos XVI-XIX). Columnas y estatuas. Pueblo de apariencia apolínea. Colores apagados tradicionales. Modales de poses y gestos. Una trama de la vida lejana de un pueblo completamente diferente.
“Desayuno sobre la hierba” de Manet tiene un formato diferente. Antes de él, nadie había representado a las cortesanas con tanta facilidad. Cercano a ciudadanos respetables. Aunque muchos hombres de aquella época pasaban así su tiempo libre. Fue vida real gente real.
Una vez interpreté a una dama respetable. Feo. No podía halagarla ni con un cepillo. La señora quedó decepcionada. Ella lo dejó llorando.
Édouard Manet. Angelina. 1860 Museo de Orsay, París. Wikimedia.commons.org Entonces continuó experimentando. Por ejemplo, con el color. No intentó representar el llamado color natural. Si veía el agua de color marrón grisáceo como azul brillante, entonces la representaba como azul brillante.
Esto, por supuesto, irritó al público. “Ni siquiera el mar Mediterráneo puede presumir de ser tan azul como el agua de Manet”, bromeaban.
Édouard Manet. Argenteuil. Museo de 1874 bellas artes, Tournai, Bélgica. Wikipedia.org Pero el hecho sigue siendo un hecho. Manet cambió radicalmente el propósito de la pintura. La pintura se convirtió en la encarnación de la individualidad del artista, que pinta como le place. Olvidándose de patrones y tradiciones.
Las innovaciones no fueron perdonadas durante mucho tiempo. Recibió reconocimiento sólo al final de su vida. Pero ya no lo necesitaba. Estaba muriendo dolorosamente por enfermedad incurable.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claudio Monet. Autorretrato con boina. 1886 Colección privada A Claude Monet se le puede llamar un impresionista de libro de texto. Como fue fiel a esta dirección durante toda su larga vida.
No pintó objetos ni personas, sino una construcción monocromática de reflejos y manchas. Trazos separados. Temblores de aire.
Claudio Monet. Piscina infantil. 1869 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. metmuseum.org Monet no solo pintó la naturaleza. También era bueno para los paisajes urbanos. Uno de los más famosos es.
Hay mucha fotografía en esta imagen. Por ejemplo, el movimiento se transmite a través de una imagen borrosa.
Tenga en cuenta: los árboles y las figuras distantes parecen estar envueltos en una neblina.
Claudio Monet. Boulevard des Capucines en París. 1873 (Galería de arte europeo y americano de los siglos XIX y XX), Moscú Ante nosotros hay un momento congelado en la bulliciosa vida de París. Sin puesta en escena. Nadie está posando. Las personas se representan como una colección de pinceladas. Tal falta de trama y efecto de “fotograma congelado”... característica principal impresionismo.
A mediados de los años 80, los artistas se desilusionaron del impresionismo. La estética es, por supuesto, buena. Pero la falta de trama deprimió a muchos.
Sólo Monet siguió persistiendo, exagerando el impresionismo. Esto se convirtió en una serie de pinturas.
Representó el mismo paisaje decenas de veces. En diferentes momentos del día. En diferentes épocas del año. Mostrar cómo la temperatura y la luz pueden cambiar la misma especie más allá del reconocimiento.
Así aparecieron innumerables pajares.
Pinturas de Claude Monet en el Museo de Bellas Artes de Boston. Izquierda: Pajares al atardecer en Giverny, 1891. Derecha: Pajares (efecto nieve), 1891.
Tenga en cuenta que las sombras de estas pinturas están coloreadas. Y no gris ni negro, como era costumbre antes de los impresionistas. Este es otro de sus inventos.
Monet logró disfrutar del éxito y bienestar material. Después de los 40 ya se olvidó de la pobreza. Tengo una casa y un hermoso jardín. Y creó para su propio placer. durante muchos años.
Lea sobre la pintura más emblemática del maestro en el artículo.
3. Augusto Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Autorretrato. 1875 Instituto de Arte Sterling y Francine Clark, Massachusetts, Estados Unidos. Pinterest.ru El impresionismo es la pintura más positiva. Y el más positivo entre los impresionistas fue Renoir.
No encontrarás drama en sus pinturas. Ni siquiera usó pintura negra. Sólo la alegría de ser. Incluso las cosas más banales de Renoir lucen hermosas.
A diferencia de Monet, Renoir pintaba personas con más frecuencia. Los paisajes eran menos importantes para él. En los cuadros, sus amigos y conocidos se relajan y disfrutan de la vida.
Pierre-Auguste Renoir. Desayuno de los remeros. 1880-1881 Colección Phillips, Washington, Estados Unidos. Wikimedia.commons.org No encontrarás ninguna profundidad en Renoir. Estaba muy contento de unirse a los impresionistas, que abandonaron por completo los temas.
Como él mismo dijo, finalmente tiene la oportunidad de pintar flores y llamarlas simplemente “Flores”. Y no inventes ninguna historia sobre ellos.
Pierre-Auguste Renoir. Mujer con sombrilla en el jardín. 1875 Museo Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com Renoir se sentía mejor en compañía de mujeres. Pidió a sus doncellas que cantaran y bromearan. Cuanto más estúpida e ingenua fuera la canción, mejor para él. Y la charla de los hombres lo cansaba. No es de extrañar que Renoir sea famoso por sus cuadros de desnudos.
La modelo del cuadro “Desnudo a la luz del sol” parece aparecer sobre un fondo abstracto colorido. Porque para Renoir nada es secundario. El ojo del modelo o una sección del fondo son equivalentes.
Pierre-Auguste Renoir. Desnudo a la luz del sol. 1876 Museo de Orsay, París. wikimedia.commons.org Renoir vivió una larga vida. Y nunca dejé el pincel y la paleta. Incluso cuando sus manos estaban completamente encadenadas por el reumatismo, ató el cepillo a su mano con una cuerda. Y dibujó.
Al igual que Monet, esperó el reconocimiento después de 40 años. Y vi mis cuadros en el Louvre, junto a las obras de maestros famosos.
Lea sobre uno de los retratos más encantadores de Renoir en el artículo.
4. Édgar Degas (1834-1917)
Édgar Degas. Autorretrato. 1863 Museo Calouste Gulbenkian, Lisboa, Portugal. cultural.com Degas no fue un impresionista clásico. No le gustaba trabajar plein air (al aire libre). No encontrarás una paleta deliberadamente aligerada con él.
Al contrario, le encantaba una línea clara. Tiene mucho negro. Y trabajó exclusivamente en el estudio.
Pero aún así, siempre se le coloca en fila con otros grandes impresionistas. Porque era un impresionista del gesto.
Ángulos inesperados. Asimetría en la disposición de los objetos. Personajes tomados por sorpresa. Estos son los principales atributos de sus pinturas.
Detuvo momentos de la vida, sin permitir que los personajes recobraran el sentido. Basta con mirar su “Orquesta de Ópera”.
Édgar Degas. Orquesta de ópera. 1870 Museo de Orsay, París. commons.wikimedia.org En primer plano está el respaldo de una silla. El músico nos da la espalda. y en fondo las bailarinas en el escenario no encajaban en el “marco”. Sus cabezas son "cortadas" sin piedad por el borde de la imagen.
Los bailarines que amaba no siempre aparecen representados de esta manera. hermosas poses. A veces simplemente hacen estiramientos.
Pero esa improvisación es imaginaria. Por supuesto, Degas pensó cuidadosamente en la composición. Esto es sólo un efecto de cuadro congelado, no un cuadro congelado real.
Édgar Degas. Dos bailarines de ballet. 1879 Museo Shelburne, Vermut, EE.UU. A Edgar Degas le encantaba pintar mujeres. Pero la enfermedad o las características del cuerpo no le permitían tener contacto físico con ellos. Nunca ha estado casado. Nadie lo ha visto nunca con una dama.
La ausencia de temas reales en su vida personal añadió un erotismo sutil e intenso a sus imágenes.
Édgar Degas. Estrella del ballet. 1876-1878 Museo de Orsay, París. wikimedia.comons.org Tenga en cuenta que en el cuadro "Ballet Star" solo está representada la propia bailarina. Sus colegas detrás de escena apenas son visibles. Sólo unas pocas piernas.
Esto no significa que Degas no completara el cuadro. Esta es la recepción. Mantenga solo las cosas más importantes enfocadas. Haz que el resto desaparezca, ilegible.
Lea sobre otras pinturas del maestro en el artículo.
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Édouard Manet. Retrato de Berthe Morisot. 1873 Museo Marmottan-Monet, París. Berthe Morisot rara vez se sitúa en la primera fila de los grandes impresionistas. Estoy seguro de que es inmerecido. Es en su obra donde encontrarás todas las características y técnicas principales del impresionismo. Y si te gusta este estilo, amarás su trabajo con todo tu corazón.
Morisot trabajó con rapidez e impetuosidad, trasladando sus impresiones al lienzo. Las figuras parecen estar a punto de disolverse en el espacio.
Berthe Morisot. Verano. 1880 Museo Fabray, Montpellier, Francia. Al igual que Degas, a menudo dejaba algunos detalles sin terminar. E incluso partes del cuerpo de la modelo. No podemos distinguir las manos de la niña del cuadro “Verano”.
El camino de Morisot hacia la autoexpresión fue difícil. No sólo se dedicó a pintar “descuidadamente”. Ella todavía era una mujer. En aquella época, una dama soñaba con casarse. Después de lo cual se olvidó cualquier afición.
Por lo tanto, Bertha rechazó el matrimonio durante mucho tiempo. Hasta que encontró un hombre que respetaba su ocupación. Eugene Manet era hermano del artista Edouard Manet. Obedientemente llevó su caballete y sus pinturas detrás de su esposa.
Berthe Morisot. Eugène Manet con su hija en Bougival. 1881 Museo Marmottan-Monet, París. Pero aún así, esto fue en el siglo XIX. No, no usé pantalones Morisot. Pero no podía permitirse una libertad total de movimiento.
No podía ir sola al parque a trabajar, sin estar acompañada de alguien cercano a ella. No podía sentarme solo en un café. Por tanto, sus cuadros son personas de circulo familiar. Marido, hija, parientes, niñeras.
Berthe Morisot. Una mujer con un niño en un jardín de Bougival. 1881 Museo Nacional Gales, Cardiff. Morisot no esperó el reconocimiento. Murió a la edad de 54 años a causa de una neumonía, sin vender casi ninguna de sus obras durante su vida. En su certificado de defunción había un guión en la columna "ocupación". Era impensable que una mujer fuera llamada artista. Incluso si realmente lo fuera.
Lea sobre las pinturas del maestro en el artículo.
6. Camille Pissarro (1830 – 1903)
Camille Pissarro. Autorretrato. 1873 Museo de Orsay, París. Wikipedia.org Camille Pissarro. Sin conflicto, razonable. Muchos lo percibieron como un maestro. Ni siquiera los compañeros más temperamentales hablaban mal de Pissarro.
Fue un fiel seguidor del impresionismo. En gran necesidad, con esposa y cinco hijos, todavía trabajaba duro en su estilo favorito. Y nunca pasó a la pintura de salón para hacerse más popular. No se sabe de dónde sacó la fuerza para creer plenamente en sí mismo.
Para no morirse de hambre, Pissarro pintó abanicos, que fueron comprados con entusiasmo. ¡Pero el verdadero reconocimiento le llegó después de 60 años! Finalmente pudo olvidarse de su necesidad.
Camille Pissarro. Diligencia en Louveciennes. 1869 Museo de Orsay, París El aire en las pinturas de Pissarro es espeso y denso. Una extraordinaria fusión de color y volumen.
El artista no tuvo miedo de pintar los fenómenos naturales más cambiantes, que aparecen por un momento y desaparecen. Primera nevada sol helado, largas sombras.
Camille Pissarro. Helada. 1873 Museo de Orsay, París Sus obras más famosas son vistas de París. Con amplios bulevares y una multitud bulliciosa y heterogénea. De noche, de día, con diferente clima. En cierto modo hacen eco de una serie de pinturas de Claude Monet.
Mayor desarrollo pintura europea asociado con el impresionismo. Este término nació por casualidad. El motivo fue el título del paisaje de C. Monet “Impresión. Amanecer" (ver Apéndice No. 1, Fig. 3) (de la impresión francesa - impresión), que apareció en la exposición impresionista de 1874. Esta primera actuación pública de un grupo de artistas, entre los que se encontraban C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro y otros, fue recibida por la crítica oficial burguesa con groseras burlas y persecución. Es cierto que ya desde finales de la década de 1880, las técnicas formales de su pintura fueron adoptadas por representantes del arte académico, lo que dio a Degas motivos para notar con amargura: "Nos fusilaron, pero al mismo tiempo nos registraron los bolsillos".
Ahora que los acalorados debates sobre el impresionismo son cosa del pasado, casi nadie se atreverá a discutir que el movimiento impresionista fue un paso más en el desarrollo de la pintura realista europea. “El impresionismo es, ante todo, el arte de observar la realidad, que ha alcanzado una sofisticación sin precedentes” (V.N. Prokofiev). Buscando la máxima espontaneidad y precisión en la transmisión del mundo visible, comenzaron a pintar principalmente al aire libre y resaltaron la importancia de los bocetos del natural, que casi reemplazaron tipo tradicional Pinturas creadas cuidadosa y lentamente en el estudio.
Al aclarar constantemente su paleta, los impresionistas liberaron la pintura de barnices y pinturas terrosos y marrones. La negrura convencional, de “museo”, en sus lienzos da paso a un juego infinitamente diverso de reflejos y sombras coloreadas. Han ampliado enormemente las posibilidades bellas artes, descubriendo no sólo el mundo del sol, la luz y el aire, sino también la belleza de las nieblas, la atmósfera inquieta de la vida. gran ciudad, una dispersión de luces nocturnas y el ritmo del movimiento continuo.
Debido al propio método de trabajo al aire libre, el paisaje, incluido el paisaje urbano que descubrieron, ocupó un lugar muy importante en el arte de los impresionistas. Hasta qué punto la tradición y la innovación se fusionaron orgánicamente en el arte de los impresionistas se evidencia, en primer lugar, en la obra del destacado pintor del siglo XIX Edouard Manet (1832-1883). Es cierto que él mismo no se consideraba un representante del impresionismo y siempre exponía por separado, pero en términos ideológicos e ideológicos, sin duda fue al mismo tiempo el precursor y el líder ideológico de este movimiento.
Al comienzo de su carrera creativa, E. Manet fue condenado al ostracismo (el ridículo de la sociedad). A los ojos del público y de los críticos burgueses, su arte se convierte en sinónimo de feo, y el propio artista es llamado "un loco que pinta un cuadro, temblando en delirium tremens" (M. de Montifaud) (ver Apéndice No. 1, Figura 4). Sólo las mentes más perspicaces de esa época pudieron apreciar el talento de Manet. Entre ellos se encontraban Charles Baudelaire y el joven E. Zola, quienes declararon que “el señor Manet está destinado a ocupar un lugar en el Louvre”.
El impresionismo recibió su expresión más consistente, pero también de mayor alcance, en la obra de Claude Monet (1840-1926). Su nombre se asocia a menudo con logros de este método de pintura como la transferencia de esquivos estados transitorios de iluminación, la vibración de la luz y el aire, su interrelación en el proceso de constantes cambios y transformaciones. "Esta fue, sin duda, una gran victoria para el arte de los tiempos modernos", escribe V.N. Prokofiev y añade: "Pero también su victoria final". No es coincidencia que Cézanne, aunque agudizó su posición un tanto polémicamente, argumentara más tarde que el arte de Monet es “sólo el ojo”.
Las primeras obras de Monet son bastante tradicionales. Todavía contienen figuras humanas, que luego se convierten cada vez más en personal y desaparecen gradualmente de sus pinturas. En la década de 1870, el estilo impresionista del artista finalmente tomó forma y a partir de entonces se dedicó por completo al paisaje. Desde entonces ha trabajado casi exclusivamente al aire libre. Es en su obra donde finalmente se establece el tipo. panorama general- bosquejo.
Monet fue uno de los primeros en crear una serie de pinturas en las que el mismo motivo se repite en diferentes épocas del año y del día, bajo diferentes condiciones climáticas y de iluminación (ver Apéndice No. 1, Fig. 5, 6). No todos son iguales, pero los mejores cuadros de estas series sorprenden por la frescura de sus colores, la intensidad del color y el arte de sus efectos de iluminación.
EN período tardío La creatividad en las pinturas de Monet, las tendencias decorativas y planas se intensificaron. El brillo y la pureza de los colores se vuelven opuestos, aparece una especie de blanqueo. Hablando sobre el abuso del “tono claro” por parte de los últimos impresionistas, convirtiendo algunas obras en lienzos descoloridos, E. Zola escribió: “Y hoy no hay más que plein air... sólo quedan manchas: el retrato es sólo una mancha, el las figuras son sólo manchas, sólo manchas”.
Otros artistas impresionistas también fueron en su mayoría paisajistas. Sus obras a menudo permanecían inmerecidamente en las sombras junto a la figura verdaderamente colorida e impresionante de Monet, aunque no eran inferiores a él en su vigilancia de la visión de la naturaleza y en sus habilidades pictóricas. Entre ellos, cabe mencionar en primer lugar los nombres de Alfred Sisley (1839-1899) y Camille Pissarro (1831-1903). Las obras de Sisley, inglés de nacimiento, se caracterizan por una especial elegancia pictórica. Brillante maestro del plein air, supo transmitir el aire transparente del claro mañana de invierno, una ligera neblina de niebla calentada por el sol, nubes corriendo por el cielo en un día ventoso. Su gama se distingue por su riqueza de matices y fidelidad de tonos. Los paisajes del artista siempre están imbuidos de un estado de ánimo profundo, que refleja su percepción esencialmente lírica de la naturaleza (ver Apéndice No. 1, Fig. 7, 8, 9).
fue mas complicado camino creativo Pissarro, el único artista que participó en las ocho exposiciones de los impresionistas, J. Rewald lo llamó el "patriarca" de este movimiento. A partir de paisajes similares en pintura a los Barbizon, él, bajo la influencia de Manet y sus jóvenes amigos, comenzó a trabajar al aire libre, aligerando poco a poco la paleta. Poco a poco desarrolla su propio método impresionista. Fue uno de los primeros en abandonar el uso de pintura negra. Pissarro siempre se inclinó por un enfoque analítico de la pintura, de ahí sus experimentos en la descomposición del color: "divisionismo" y "puntillismo". Sin embargo, pronto vuelve a la manera impresionista en la que su mejores trabajos- maravillosa serie de paisajes urbanos de París (ver Apéndice No. 1, Fig. 10,11,12,13). Su composición es siempre reflexiva y equilibrada, su pintura es refinada en color y magistral en técnica.
En Rusia, el paisaje urbano en el impresionismo fue ilustrado por Konstantin Korovin. “París me sorprendió... los impresionistas... en ellos vi aquello por lo que me regañaban en Moscú”. Korovin (1861-1939), junto con su amigo Valentin Serov, fueron las figuras centrales del impresionismo ruso. Bajo la gran influencia del movimiento francés, creó su propio propio estilo, que mezcló los elementos básicos del impresionismo francés con los ricos colores del arte ruso de ese período (ver Apéndice No. 1, Fig. 15).
string(5796) "Destacando el PAISAJE URBANO en género separado aportado por el paisaje arquitectónico. Los maestros de este movimiento, que se desarrolló bajo la influencia de la teoría de la perspectiva lineal, vieron su tarea principal en la construcción de una composición compleja y cuidadosamente diseñada, teniendo en cuenta un punto de vista principal. Una gran contribución al desarrollo de este género fue hecha por artistas italianos Renacimiento: Rafael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Casi simultáneamente con paisaje arquitectónico También se desarrolló otra dirección: la representación de paisajes urbanos. Los pintores alemanes, holandeses y franceses de los siglos XVI y XVII trajeron de sus viajes numerosos álbumes con bocetos de la naturaleza. A mediados del siglo XVII, el PAISAJE DE LA CIUDAD ocupó firmemente su posición como género independiente, convirtiéndose en un tema favorito. artistas holandeses. Al representar rincones de Ámsterdam, Delft y Haarlem, los artistas buscaron combinar la claridad geométrica de los edificios urbanos con episodios y paisajes cotidianos. Se pueden encontrar vistas reales de la ciudad en artistas holandeses tan importantes del siglo XVII como J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer de Delft. Uno de los ejemplos más llamativos y exitosos de PAISAJE CIUDAD de este período es “Vista de la ciudad de Delft” de Vermeer de Delft, quien elogió poéticamente la imagen. ciudad natal. En el siglo XVIII se formó un tipo especial de género paisajístico, estrechamente relacionado con el PAISAJE URBANO: la veduta. Veduta, según la naturaleza de la reproducción del casco urbano, se dividió en real, ideal o fantástica. En la veduta real, el artista representó diligente y escrupulosamente edificios reales en un paisaje real; en la veduta ideal, los edificios reales fueron representados rodeados por un paisaje ficticio; El apogeo de este tipo de pintura fue la Veduta veneciana, y el director de la escuela de la Veduta veneciana fue el artista Antonio Canaletto. Durante la era del romanticismo, los artistas seguían interesados en representar monumentos arqueológicos, antigüedades y templos antiguos. A mediados del siglo XIX, los paisajistas recurrieron a las escenas de género. PAISAJES DE LA CIUDAD que representan vistas de Londres aparecen en grabados artista francés Gustave Doré. Otro artista francés, maestro del PAISAJE CIUDAD, Honoré Daumier, también se interesó por las vistas de la ciudad, aunque fuera de París. Nueva pagina de la historia del PAISAJE URBANO fueron descubiertos por artistas impresionistas. Su atención se centró en los patrones de las calles en diferentes momentos del día, las estaciones de tren, las siluetas y los contornos de los edificios. El deseo de transmitir el ritmo de la vida de la ciudad, de capturar el estado en constante cambio de la atmósfera y la iluminación, llevó a los impresionistas al descubrimiento de nuevos medios. expresión artística.
La sección de pinturas dedicada al PAISAJE CIUDAD presenta objetos que representan varias ciudades, monumentos arquitectonicos, calles y atracciones. En esta sección encontrará vistas de Moscú, San Petersburgo, así como de Roma y muchas otras ciudades. Le ofrecemos comprar artículos de la sección PAISAJE DE LA CIUDAD en nuestra Tienda de Antigüedades de Comisión. La sección PAISAJE DE LA CIUDAD se actualiza constantemente, estad atentos a las novedades. "
EL PAISAJE DE LA CIUDAD es un género de bellas artes en el que el tema principal es la imagen de la ciudad, sus calles y edificios. Inicialmente, el PAISAJE DE LA CIUDAD no era un género independiente; los artistas medievales usaban los paisajes urbanos sólo como marco para escenas bíblicas. El PAISAJE DE LA CIUDAD fue repensado de una manera nueva por los antiguos maestros holandeses, quienes capturaron el mundo que los rodeaba con especial cuidado y amor.
El paisaje arquitectónico contribuyó a la separación del PAISAJE URBANO en un género separado. Los maestros de este movimiento, que se desarrolló bajo la influencia de la teoría de la perspectiva lineal, vieron su tarea principal en la construcción de una composición compleja y cuidadosamente diseñada, teniendo en cuenta un punto de vista principal. Los artistas italianos del Renacimiento (Rafael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna) hicieron una gran contribución al desarrollo de este género. Casi simultáneamente con el paisaje arquitectónico, se desarrolló otra dirección: la representación de paisajes urbanos. Los pintores alemanes, holandeses y franceses de los siglos XVI y XVII trajeron de sus viajes numerosos álbumes con bocetos de la naturaleza. A mediados del siglo XVII, el PAISAJE DE LA CIUDAD ocupó firmemente su posición como género independiente y se convirtió en el tema favorito de los artistas holandeses. Al representar rincones de Ámsterdam, Delft y Haarlem, los artistas buscaron combinar la claridad geométrica de los edificios urbanos con episodios y paisajes cotidianos. Se pueden encontrar vistas reales de la ciudad en artistas holandeses tan importantes del siglo XVII como J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer de Delft. Uno de los ejemplos más llamativos y exitosos de PAISAJE CIUDAD de este período es "Vista de la ciudad de Delft" de Vermeer de Delft, quien glorificó poéticamente la imagen de su ciudad natal. En el siglo XVIII se formó un tipo especial de género paisajístico, estrechamente relacionado con el PAISAJE URBANO: la veduta. Veduta, según la naturaleza de la reproducción del casco urbano, se dividió en real, ideal o fantástica. En la veduta real, el artista representó diligente y escrupulosamente edificios reales en un paisaje real; en la veduta ideal, los edificios reales fueron representados rodeados por un paisaje ficticio; El apogeo de este tipo de pintura fue la Veduta veneciana, y el director de la escuela de la Veduta veneciana fue el artista Antonio Canaletto. Durante la era del romanticismo, los artistas seguían interesados en representar monumentos arqueológicos, antigüedades y templos antiguos. A mediados del siglo XIX, los paisajistas recurrieron a las escenas de género. PAISAJES CIUDADES que representan vistas de Londres se pueden encontrar en los grabados del artista francés Gustave Doré. Otro artista francés, maestro del PAISAJE CIUDAD, Honoré Daumier, también se interesó por las vistas de la ciudad, aunque fuera de París. Los artistas impresionistas abrieron una nueva página en la historia del PAISAJE URBANO. Su atención se centró en los patrones de las calles en diferentes momentos del día, las estaciones de tren, las siluetas y los contornos de los edificios. El deseo de transmitir el ritmo de la vida de la ciudad, de captar el estado en constante cambio de la atmósfera y la iluminación, llevó a los impresionistas al descubrimiento de nuevos medios de expresión artística.
La sección de pinturas dedicada al PAISAJE DE LA CIUDAD presenta objetos que representan varias ciudades, monumentos arquitectónicos, calles y lugares emblemáticos. En esta sección encontrará vistas de Moscú, San Petersburgo, así como de Roma y muchas otras ciudades. Le ofrecemos comprar artículos de la sección PAISAJE DE LA CIUDAD en nuestra Tienda de Antigüedades de Comisión. La sección PAISAJE DE LA CIUDAD se actualiza constantemente, estad atentos a las novedades.