En este artículo verás San Petersburgo. urbano presentado en galería de arte"Art-Breeze". Aquí se recopilan obras de varios autores, que fueron realizadas en diferentes estilos y técnicas. Todas estas obras tienen una cosa en común: representan San Petersburgo tal como lo veía el artista.
paisaje urbano, como género pictórico, se formó bastante tarde, en el siglo XVIII. Fue entonces cuando las ciudades empezaron a adquirir su carácter moderno y el número de residentes urbanos empezó a aumentar rápidamente. Antes de esto, sólo unos pocos artistas medievales representaban ciudades en sus lienzos. Estas imágenes eran muy primitivas, carecían de precisión topográfica y servían para indicar el lugar de los hechos a los que estaba dedicada la trama del cuadro. Antepasados paisaje urbano en pintura se puede llamar artistas holandeses Siglo XVII por Wermeer de Delft, J. Goyen y J. Ruisdael. Es en sus obras donde se puede encontrar el paisaje de la ciudad tal como estamos acostumbrados a verlo en la pintura moderna.
Los artistas contemporáneos que exhiben sus propios paisajes urbanos en la galería de arte Ar-Breeze de San Petersburgo retratan a San Petersburgo principalmente como una ciudad costera brumosa con una vida bulliciosa y una arquitectura magnífica. La mayoría de las pinturas fueron creadas en estilo impresionista y clásico. La riqueza de colores y la capacidad de llenar el lienzo de luz, que proporciona la técnica de la pintura impresionista, permite reflejar al máximo el espíritu de esta ciudad a orillas del Neva.
Korovin Konstantin Alekseevich es un destacado artista y decorador ruso, uno de los artistas rusos más importantes del cambio de siglo (19-20). Korovin: maestro del plein air, autor de paisajes, pinturas de genero, naturalezas muertas, retratos. El artista nació en Moscú. Estudió en San Petersburgo y Moscú, con Savrasov y Polenov. Konstantin Korovin era miembro de la asociación: “Asociación de Móviles exposiciones de arte", "Unión de Artistas Rusos" y "Mundo del Arte". Se le considera uno de los representantes más destacados del "impresionismo ruso".
En la obra de Korovin se puede ver el deseo de lograr soluciones pictóricas sintéticas a través de modulaciones de luces y sombras y la armonía de las relaciones tonales. Se trata de “Idilio del Norte” (1886), “En el balcón. Las españolas Leonora y Ampara” (1888), “Hammerfest. Auroras Boreales" (1895) y otros. Y junto a cosas de otra orientación "Korovin", un retrato del solista de la ópera privada rusa T. S. Lyubatovich (segunda mitad de la década de 1880), que atrae con un concepto colorista exquisito, imágenes alegremente festivas o un boceto de los primeros años. El “café parisino” de la década de 1890, donde por primera vez Korovin transmitió con tanta emoción el sutil y pintoresco “aroma” del aire mismo de la capital francesa.
El núcleo del método de Korovin es la capacidad de transformar el motivo más común e incluso claramente poco atractivo a través de un contenido de color visto con precisión y como capturado instantáneamente en un espectáculo de gran estética.
París en las pinturas de Korovin.
Una estancia en París durante los preparativos de la Exposición Universal (esta estancia fue secundaria y mucho más significativa) abrió los ojos del artista a la modernidad. pintura francesa. Estudia a los impresionistas, que están tan en sintonía con sus aspiraciones, pero siguen siendo ajenos a todos los movimientos postimpresionistas. En el siglo XX, Korovin creó su famosa serie "París". A diferencia de los impresionistas, sus vistas de París están pintadas de manera mucho más directa y emocional. Están dominados por el deseo del maestro de "romper el encanto que actualmente contiene el paisaje" (según el alumno de Korovin, B. Ioganson).
El artista busca los estados de transición e inesperados más sutiles en la vida de la ciudad: París por la mañana, París al anochecer, tarde y ciudad de noche(“París, mañana”, 1906; “París al atardecer”, 1907; “Crepúsculo en París”, 1911). Bruma matutina y luz trémula del sol naciente, crepúsculo lila con el verdor de los árboles aún no marchito y los faroles ya encendidos, densidad aterciopelada azul oscuro el cielo y la brillante y febril dispersión de las luces de París por la noche... Korovin en estas pequeñas cosas logra una verdad casi documental de la impresión visual y, sin embargo, esto conduce a una espiritualidad asombrosa, una imagen prístina de la ciudad. Gracias al método de solución compleja de color y tono, en un pequeño boceto logró tanto una expresividad extrema al nivel de una gran pintura terminada como el efecto de una excitante implicación emocional del espectador en lo que vio.
"Quiero que el ojo del espectador disfrute también estéticamente, del mismo modo que el oído del alma disfruta de la música", dijo una vez Korovin.
Fotos de cuadros
París en las pinturas de Korovin.
Mayor desarrollo pintura europea asociado con el impresionismo. Este término nació por casualidad. El motivo fue el título del paisaje de C. Monet “Impresión. Amanecer" (ver Apéndice No. 1, Fig. 3) (de la impresión francesa - impresión), que apareció en la exposición impresionista de 1874. Esta primera actuación pública de un grupo de artistas, entre los que se encontraban C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro y otros, fue recibida por la crítica oficial burguesa con groseras burlas y persecución. Es cierto que ya desde finales de la década de 1880, las técnicas formales de su pintura fueron adoptadas por representantes del arte académico, lo que dio a Degas un motivo para comentar con amargura: "Nos fusilaron, pero al mismo tiempo nos registraron los bolsillos".
Ahora que los acalorados debates sobre el impresionismo son cosa del pasado, casi nadie se atreverá a discutir que el movimiento impresionista fue un paso más en el desarrollo de la pintura realista europea. “El impresionismo es, ante todo, el arte de observar la realidad, que ha alcanzado una sofisticación sin precedentes” (V. N. Prokofiev). Buscando la máxima espontaneidad y precisión en la transmisión del mundo visible, comenzaron a pintar principalmente al aire libre y resaltaron la importancia de los bocetos del natural, que casi reemplazaron tipo tradicional Pinturas creadas cuidadosa y lentamente en el estudio.
Al aclarar constantemente su paleta, los impresionistas liberaron la pintura de barnices y pinturas terrosos y marrones. La negrura convencional, de “museo”, en sus lienzos da paso a un juego infinitamente diverso de reflejos y sombras coloreadas. Han ampliado enormemente las posibilidades bellas artes, descubriendo no sólo el mundo del sol, la luz y el aire, sino también la belleza de las nieblas, la atmósfera inquieta de la vida. gran ciudad, una dispersión de luces nocturnas y el ritmo del movimiento continuo.
Debido al propio método de trabajo al aire libre, el paisaje, incluido el paisaje urbano que descubrieron, ocupó un lugar muy importante en el arte de los impresionistas. Hasta qué punto la tradición y la innovación se fusionaron orgánicamente en el arte de los impresionistas se evidencia, en primer lugar, en la obra del destacado pintor del siglo XIX Edouard Manet (1832-1883). Es cierto que él mismo no se consideraba un representante del impresionismo y siempre exponía por separado, pero en términos ideológicos e ideológicos, sin duda fue al mismo tiempo el precursor y el líder ideológico de este movimiento.
Al comienzo de su carrera creativa, E. Manet fue condenado al ostracismo (el ridículo de la sociedad). A los ojos del público y de los críticos burgueses, su arte se convierte en sinónimo de feo, y el propio artista es llamado "un loco que pinta un cuadro, temblando en delirium tremens" (M. de Montifaud) (ver Apéndice No. 1, Figura 4). Sólo las mentes más perspicaces de esa época pudieron apreciar el talento de Manet. Entre ellos se encontraban Charles Baudelaire y el joven E. Zola, quienes declararon que “el señor Manet está destinado a ocupar un lugar en el Louvre”.
El impresionismo recibió su expresión más consistente, pero también de mayor alcance, en la obra de Claude Monet (1840-1926). Su nombre se asocia a menudo con logros de este método de pintura como la transferencia de esquivos estados transitorios de iluminación, la vibración de la luz y el aire, su interrelación en el proceso de constantes cambios y transformaciones. "Esta fue, sin duda, una gran victoria para el arte de los tiempos modernos", escribe V.N. Prokofiev y añade: "Pero también su victoria final". No es coincidencia que Cézanne, aunque agudizó su posición un tanto polémicamente, argumentara más tarde que el arte de Monet es “sólo el ojo”.
Las primeras obras de Monet son bastante tradicionales. Todavía contienen figuras humanas, que luego se convierten cada vez más en personal y desaparecen gradualmente de sus pinturas. En la década de 1870, el estilo impresionista del artista finalmente tomó forma y a partir de entonces se dedicó por completo al paisaje. Desde entonces ha trabajado casi exclusivamente al aire libre. Es en su obra donde finalmente se establece el tipo. panorama general- bosquejo.
Monet fue uno de los primeros en crear una serie de pinturas en las que se repite el mismo motivo en diferentes tiempos año y día, bajo diferentes condiciones climáticas y de iluminación (ver Apéndice No. 1, Fig. 5, 6). No todos son iguales, pero los mejores cuadros de estas series sorprenden por la frescura de sus colores, la intensidad de sus colores y el arte de sus efectos de iluminación.
EN período tardío La creatividad en las pinturas de Monet, las tendencias decorativas y planas se intensificaron. El brillo y la pureza de los colores se vuelven opuestos, aparece una especie de blanqueo. Hablando sobre el abuso del “tono claro” por parte de los impresionistas tardíos, convirtiendo algunas obras en lienzos descoloridos, E. Zola escribió: “Y hoy no hay más que plein air... sólo quedan manchas: el retrato es sólo una mancha, el las figuras son sólo manchas, sólo manchas”.
Otros artistas impresionistas también fueron en su mayoría paisajistas. Sus obras a menudo permanecían inmerecidamente en las sombras junto a la figura verdaderamente colorida e impresionante de Monet, aunque no eran inferiores a él en su vigilancia de la visión de la naturaleza y en sus habilidades pictóricas. Entre ellos, cabe mencionar en primer lugar los nombres de Alfred Sisley (1839-1899) y Camille Pissarro (1831-1903). Las obras de Sisley, inglés de nacimiento, se caracterizan por una especial elegancia pictórica. Brillante maestro del plein air, supo transmitir el aire transparente del claro mañana de invierno, una ligera neblina de niebla calentada por el sol, nubes corriendo por el cielo en un día ventoso. Su gama se distingue por su riqueza de matices y fidelidad de tonos. Los paisajes del artista siempre están imbuidos de un estado de ánimo profundo, que refleja su percepción esencialmente lírica de la naturaleza (ver Apéndice No. 1, Fig. 7, 8, 9).
fue mas complicado camino creativo Pissarro, el único artista que participó en las ocho exposiciones de los impresionistas, J. Rewald lo llamó el "patriarca" de este movimiento. A partir de paisajes similares en pintura a los Barbizon, él, bajo la influencia de Manet y sus jóvenes amigos, comenzó a trabajar al aire libre, aligerando poco a poco la paleta. Poco a poco desarrolla su propio método impresionista. Fue uno de los primeros en abandonar el uso de pintura negra. Pissarro siempre se inclinó por un enfoque analítico de la pintura, de ahí sus experimentos en la descomposición del color: "divisionismo" y "puntillismo". Sin embargo, pronto vuelve a la manera impresionista en la que su mejores trabajos- maravillosa serie de paisajes urbanos de París (ver Apéndice No. 1, Fig. 10,11,12,13). Su composición es siempre reflexiva y equilibrada, su pintura es refinada en color y magistral en técnica.
En Rusia, el paisaje urbano en el impresionismo fue ilustrado por Konstantin Korovin. “París me sorprendió... los impresionistas... en ellos vi aquello por lo que me regañaban en Moscú”. Korovin (1861-1939), junto con su amigo Valentin Serov, fueron las figuras centrales del impresionismo ruso. Bajo la gran influencia del movimiento francés, creó su propio propio estilo, que mezcló los elementos básicos impresionismo francés con los ricos colores del arte ruso de ese período (ver Apéndice No. 1, Fig. 15).
18-19 siglos marcó un período de prosperidad arte europeo. En Francia, el emperador Napoleón III ordenó la reconstrucción de París tras las hostilidades durante la guerra franco-prusiana. París rápidamente se convirtió en la misma "ciudad brillante" que había sido bajo el Segundo Imperio y nuevamente se proclamó centro del arte europeo. Por eso, muchos artistas impresionistas recurrieron al tema de la ciudad moderna en sus obras. En sus obras, la ciudad moderna no es un monstruo, sino una patria donde vive la gente. Muchas de las obras están imbuidas de un fuerte sentido de patriotismo.
Esto se puede ver especialmente en las pinturas de Claude Monet. Creó más de 30 pinturas con vistas de la catedral de Rouen en una amplia variedad de condiciones atmosféricas y de iluminación. Por ejemplo, en 1894 Monet pintó dos cuadros: “ Catedral de Ruan al mediodía" y "Catedral de Rouen por la tarde". Ambas pinturas representan el mismo fragmento de la catedral, pero en diferentes tonos: en los cálidos tonos amarillo-rosados del mediodía y en los fríos tonos azulados de la mortecina luz del crepúsculo. En las pinturas, la mancha de color disuelve completamente la línea; el artista no transmite el peso material de la piedra, sino, por así decirlo, una cortina de colores claros.
Los impresionistas intentaron que la pintura pareciera ventana abierta, a través del cual se puede ver mundo real. A menudo eligieron una vista desde la ventana a la calle. El famoso “Boulevard des Capucines” de C. Monet, pintado en 1873 y expuesto en la primera exposición impresionista en 1874, es un excelente ejemplo de esta técnica. Hay mucha innovación aquí: se eligió la vista de una gran calle de la ciudad como motivo del paisaje, pero el artista está interesado en su apariencia en su conjunto, y no en sus atractivos. Toda la masa de personas está representada con trazos deslizantes, de forma generalizada, en los que es difícil distinguir figuras individuales.
Monet transmite en esta obra una impresión instantánea, puramente visual, del aire vibrante apenas perceptible, de las calles, las personas y los carruajes que se alejan, hundiéndose en las profundidades. Destruye la idea de un lienzo plano, creando la ilusión de espacio y llenándolo de luz, aire y movimiento. ojo humano Se precipita hacia el infinito y no hay punto límite donde pueda detenerse.
El punto de vista elevado permite al artista abandonar el primer plano y transmite la brillante luz del sol en contraste con las sombras violetas azuladas de las casas que se encuentran en el pavimento de la calle. Monet da el lado soleado de color naranja, dorado cálido, la sombra, violeta, pero una única neblina de aire ligero le da a todo el paisaje una armonía tonal, y los contornos de casas y árboles emergen en el aire, impregnados de los rayos del sol.
En 1872, en Le Havre, Monet pintó “Impresión. "Amanecer": una vista del puerto de Le Havre, presentada posteriormente en la primera exposición de los impresionistas. Aquí el artista, aparentemente, finalmente se liberó de la idea generalmente aceptada de la imagen del objeto como un cierto volumen y se dedicó por completo a transmitir el estado momentáneo de la atmósfera en tonos azul y rosa-naranja. De hecho, todo parece volverse intangible: el muelle de Le Havre y los barcos se confunden con las rayas del cielo y el reflejo en el agua, y las siluetas de los pescadores y de los barcos en primer plano no son más que manchas oscuras realizadas con unas cuantas pinceladas intensas. . El rechazo de las técnicas académicas, la pintura al aire libre y la elección de temas insólitos fueron recibidos con hostilidad por la crítica de la época. Louis Leroy, autor de un furioso artículo aparecido en la revista "Charivari", utilizó por primera vez, en relación con esta pintura en particular, el término "impresionismo" como definición de un nuevo movimiento en la pintura.
Otra obra destacada dedicada a la ciudad fue el cuadro “Gare Saint-Lazare” de Claude Monet. Monet pintó más de diez cuadros basados en la estación de tren de Saint-Lazare, siete de los cuales se exhibieron en la tercera exposición impresionista en 1877.
Monet alquiló un pequeño apartamento en Monsey Street, cerca de la estación. Al artista se le dio total libertad de acción. El movimiento de los trenes se detuvo por un momento y pudo ver claramente los andenes, los hornos de las locomotoras humeantes, que estaban llenos de carbón, para que el vapor saliera de las chimeneas. Monet "se instaló" firmemente en la estación, los pasajeros lo miraban con respeto y asombro.
Dado que la apariencia de la estación cambiaba constantemente, Monet solo hizo bocetos en el lugar y, basándose en ellos, pintó los cuadros en el estudio. En el lienzo vemos un gran estación de tren, cubierto con un dosel sostenido por pilares de hierro. Hay andenes a izquierda y derecha: una vía está destinada a trenes de cercanías y la otra a trenes de larga distancia. La atmósfera especial se transmite a través del contraste entre la iluminación tenue del interior de la estación y la luz brillante y deslumbrante de la calle. Columnas de humo y vapor esparcidas por todo el lienzo equilibran las franjas contrastantes de iluminación. El humo se filtra por todas partes, las nubes brillantes se arremolinan contra las tenues siluetas de los edificios. Un vapor espeso parece dar forma a las enormes torres, cubriéndolas con un ligero velo, como una fina telaraña. El cuadro está pintado en tonos suaves y apagados con sutiles transiciones de color. Los trazos rápidos y precisos en forma de coma, característicos de esa época, se perciben como un mosaico, el espectador tiene la impresión de que el vapor se disipa o se condensa;
A otro representante de los impresionistas, C. Pissarro, como a todos los impresionistas, le encantaba pintar la ciudad, que lo cautivaba por su movimiento interminable, el flujo de corrientes de aire y los juegos de luces. Lo percibió como un organismo vivo e inquieto, capaz de cambiar según la época del año y el grado de iluminación.
En el invierno y la primavera de 1897, Pissarro trabajó en una serie de pinturas llamadas "Boulevares de París". Estas obras dieron fama al artista y atrajeron la atención de los críticos que asociaron su nombre con el movimiento divisionista. El artista realizó bocetos para la serie desde la ventana de una habitación de hotel en París y finalizó el trabajo de las pinturas en su estudio de Eragny a finales de abril. Esta serie es la única en la obra de Pissarro en la que el artista buscó capturar con la máxima precisión diversas condiciones climáticas y solares. Por ejemplo, el artista pintó 30 cuadros que representan el bulevar Montmartre, mirándolo desde la misma ventana.
En las pinturas "Boulevard Montmartre en París", el maestro C. Pissarro transmitió magistralmente la riqueza de los efectos atmosféricos, la complejidad colorida y la sutileza de un día nublado. La dinámica de la vida urbana, tan convincentemente encarnada por el rápido pincel del pintor, crea una imagen de una ciudad moderna, no ceremonial ni oficial, sino excitante y viva. El paisaje de la ciudad se convirtió en el género principal en la obra de este destacado impresionista: el "cantante de París".
La capital de Francia ocupa un lugar especial en la obra de Pissarro. El artista vivió constantemente fuera de la ciudad, pero París lo atrajo persistentemente. París lo cautiva con su movimiento incesante y universal: el caminar de los peatones y el correr de los carruajes, el flujo de las corrientes de aire y los juegos de luces. La ciudad de Pissarro no es una lista de casas notables que entraron en el campo visual del artista, sino un organismo vivo e inquieto. Cautivados por esta vida, no nos damos cuenta de la banalidad de los edificios que componen el Boulevard Montmartre. El artista encuentra un encanto único en el desasosiego de los Grandes Bulevares. Pissarro capturó el bulevar Montmartre como mañana y día, tarde y noche, iluminado por el sol y gris, mirándolo desde la misma ventana. Un motivo claro y simple de una calle que se pierde en la distancia crea una base compositiva clara que no cambia de un lienzo a otro. El ciclo de lienzos pintados el año siguiente desde la ventana del hotel Louvre se construyó de manera completamente diferente. En una carta a su hijo mientras trabajaba en el ciclo, Pissarro destacó el carácter diferente de este lugar a los Bulevares, es decir, la plaza del Teatro Francés y sus alrededores. De hecho, todo allí se precipita a lo largo del eje de la calle. Aquí, la plaza, que sirvió como última parada de varias rutas de ómnibus, se cruza a lo más varias direcciones, y en lugar de un panorama amplio con mucho aire, a nuestros ojos se les presenta un espacio en primer plano cerrado.
string(5796) "Destacando el PAISAJE URBANO en género separado aportado por el paisaje arquitectónico. Los maestros de este movimiento, que se desarrolló bajo la influencia de la teoría de la perspectiva lineal, vieron su tarea principal en la construcción de una composición compleja y cuidadosamente diseñada, teniendo en cuenta un punto de vista principal. Una gran contribución al desarrollo de este género fue hecha por artistas italianos Renacimiento: Rafael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Casi simultáneamente con paisaje arquitectónico También se desarrolló otra dirección: la representación de paisajes urbanos. Los pintores alemanes, holandeses y franceses de los siglos XVI y XVII trajeron de sus viajes numerosos álbumes con bocetos de la naturaleza. A mediados del siglo XVII, el PAISAJE DE LA CIUDAD ocupó firmemente su posición como género independiente y se convirtió en el tema favorito de los artistas holandeses. Al representar rincones de Ámsterdam, Delft y Haarlem, los artistas buscaron combinar la claridad geométrica de los edificios urbanos con episodios y paisajes cotidianos. Se pueden encontrar vistas reales de la ciudad en artistas holandeses tan importantes del siglo XVII como J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer de Delft. Uno de los ejemplos más llamativos y exitosos de PAISAJE CIUDAD de este período es “Vista de la ciudad de Delft” de Vermeer de Delft, quien elogió poéticamente la imagen. ciudad natal. En el siglo XVIII se formó un tipo especial de género paisajístico, estrechamente relacionado con el PAISAJE URBANO: la veduta. Veduta, según la naturaleza de la reproducción del casco urbano, se dividió en real, ideal o fantástica. En la vedita real, el artista representó diligente y escrupulosamente edificios reales en un paisaje real; en la veduta ideal, los edificios reales fueron representados rodeados por un paisaje ficticio; El apogeo de este tipo de pintura fue la Veduta veneciana, y el director de la escuela de la Veduta veneciana fue el artista Antonio Canaletto. Durante la era del romanticismo, los artistas seguían interesados en representar monumentos arqueológicos, antigüedades y templos antiguos. A mediados del siglo XIX, los paisajistas recurrieron a escenas de genero. PAISAJES DE LA CIUDAD que representan vistas de Londres aparecen en grabados artista francés Gustave Doré. Otro artista francés, maestro del PAISAJE CIUDAD, Honoré Daumier, también se interesó por las vistas de la ciudad, aunque fuera de París. Nueva pagina de la historia del PAISAJE URBANO fueron descubiertos por artistas impresionistas. Su atención se centró en los patrones de las calles en diferentes momentos del día, las estaciones de tren, las siluetas y los contornos de los edificios. El deseo de transmitir el ritmo de la vida de la ciudad, de capturar el estado en constante cambio de la atmósfera y la iluminación, llevó a los impresionistas al descubrimiento de nuevos medios. expresión artística.
La sección de pinturas dedicada al PAISAJE CIUDAD presenta objetos que representan varias ciudades, monumentos arquitectonicos, calles y atracciones. En esta sección encontrará vistas de Moscú, San Petersburgo, así como de Roma y muchas otras ciudades. Le ofrecemos comprar artículos de la sección PAISAJE DE LA CIUDAD en nuestra Tienda de Antigüedades de Comisión. La sección PAISAJE DE LA CIUDAD se actualiza constantemente, estad atentos a las novedades. "
EL PAISAJE DE LA CIUDAD es un género de bellas artes en el que el tema principal es la imagen de la ciudad, sus calles y edificios. Inicialmente, el PAISAJE DE LA CIUDAD no era un género independiente; los artistas medievales usaban los paisajes urbanos sólo como marco para escenas bíblicas. El PAISAJE DE LA CIUDAD fue repensado de una manera nueva por los antiguos maestros holandeses, quienes capturaron el mundo que los rodeaba con especial cuidado y amor.
El paisaje arquitectónico contribuyó a la separación del PAISAJE DE LA CIUDAD en un género separado. Los maestros de este movimiento, que se desarrolló bajo la influencia de la teoría de la perspectiva lineal, vieron su tarea principal en la construcción de una composición compleja y cuidadosamente diseñada, teniendo en cuenta un punto de vista principal. Los artistas italianos del Renacimiento (Rafael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna) hicieron una gran contribución al desarrollo de este género. Casi simultáneamente con el paisaje arquitectónico, se desarrolló otra dirección: la representación de paisajes urbanos. Los pintores alemanes, holandeses y franceses de los siglos XVI y XVII trajeron de sus viajes numerosos álbumes con bocetos de la naturaleza. A mediados del siglo XVII, el PAISAJE DE LA CIUDAD ocupó firmemente su posición como género independiente y se convirtió en el tema favorito de los artistas holandeses. Al representar rincones de Ámsterdam, Delft y Haarlem, los artistas buscaron combinar la claridad geométrica de los edificios urbanos con episodios y paisajes cotidianos. Se pueden encontrar vistas reales de la ciudad en artistas holandeses tan importantes del siglo XVII como J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer de Delft. Uno de los ejemplos más llamativos y exitosos de PAISAJE CIUDAD de este período es "Vista de la ciudad de Delft" de Vermeer de Delft, quien glorificó poéticamente la imagen de su ciudad natal. En el siglo XVIII se formó un tipo especial de género paisajístico, estrechamente relacionado con el PAISAJE URBANO: la veduta. Veduta, según la naturaleza de la reproducción del casco urbano, se dividió en real, ideal o fantástica. En la veduta real, el artista representó diligente y escrupulosamente edificios reales en un paisaje real; en la veduta ideal, los edificios reales fueron representados rodeados por un paisaje ficticio; El apogeo de este tipo de pintura fue la Veduta veneciana, y el director de la escuela de la Veduta veneciana fue el artista Antonio Canaletto. Durante la era del romanticismo, los artistas mantuvieron el interés en representar monumentos arqueológicos, antigüedades y templos antiguos. A mediados del siglo XIX, los paisajistas recurrieron a las escenas de género. PAISAJES CIUDADES que representan vistas de Londres se pueden encontrar en los grabados del artista francés Gustave Doré. Otro artista francés, maestro del PAISAJE CIUDAD, Honoré Daumier, también se interesó por las vistas de la ciudad, aunque fuera de París. Los artistas impresionistas abrieron una nueva página en la historia del PAISAJE URBANO. Su atención se centró en los patrones de las calles en diferentes momentos del día, las estaciones de tren, las siluetas y los contornos de los edificios. El deseo de transmitir el ritmo de la vida de la ciudad, de captar el estado en constante cambio de la atmósfera y la iluminación, llevó a los impresionistas al descubrimiento de nuevos medios de expresión artística.
La sección de pinturas dedicada al PAISAJE DE LA CIUDAD presenta objetos que representan varias ciudades, monumentos arquitectónicos, calles y lugares emblemáticos. En esta sección encontrará vistas de Moscú, San Petersburgo, así como de Roma y muchas otras ciudades. Le ofrecemos comprar artículos de la sección PAISAJE DE LA CIUDAD en nuestra Tienda de Antigüedades de Comisión. La sección PAISAJE DE LA CIUDAD se actualiza constantemente, estad atentos a las novedades.