El gran personaje, científico y artista del Renacimiento Leonardo da Vinci dijo: “La pintura es poesía que se ve y la poesía es pintura que se escucha”. Y uno no puede dejar de estar de acuerdo con él. Realmente percibes arte real desde todos los lados. Vemos, contemplamos, escuchamos y guardamos en nuestra alma las obras de arte que nos gustan. Y las obras maestras del mundo permanecen en nuestra memoria durante muchos años.
Géneros y tipos de pintura.
Al hacer un dibujo, el maestro lo realiza en un estado determinado, en un carácter especial. El trabajo no estará completo, digno de amor y atención si representa sólo forma y color. El artista está obligado a dotar de alma a los objetos, a las personas de carisma, de chispa, quizá de misterio, a la naturaleza de sentimientos únicos y a los acontecimientos de experiencias reales. Y los géneros y tipos de pintura ayudan al creador en esto. Le permiten transmitir correctamente el estado de ánimo de una época, evento, hecho y capturar mejor Idea principal, imagen, paisaje.
Entre los principales se encuentran los siguientes:
- Histórico- descripción de hechos, momentos de la historia de diferentes países y épocas.
- Batalla- transmite escenas de batallas.
- Doméstico- escenas de la vida cotidiana.
- Escenario- Estas son imágenes de la naturaleza viva. Hay paisajes de mar, de montaña, fantásticos, líricos, rurales, urbanos y cósmicos.
- Naturaleza muerta- ilustra objetos inanimados: utensilios de cocina, armas, verduras, frutas, plantas, etc.
- Retrato- Esta es una imagen de una persona, un grupo de personas. A menudo, a los artistas les gusta pintar autorretratos o lienzos que representan a sus amantes.
- animalista- imágenes sobre animales.
Por separado, podemos distinguir el género temático de la trama e incluir aquí obras cuyo tema son mitos, leyendas, epopeyas, así como imágenes de la vida cotidiana.
Los tipos de pintura también implican tipos separados. Ayudan al artista a alcanzar la perfección en la creación de un lienzo, le dicen en qué dirección moverse y trabajar. Existen las siguientes opciones:
- Panorama- Imagen de la zona a gran escala, vista general.
- Diorama- una imagen semicircular de batallas y acontecimientos espectaculares.
- Miniatura- manuscritos, retratos.
- Pintura monumental y decorativa.- pintura en paredes, paneles, pantallas de lámparas, etc.
- Iconografía- pinturas sobre temas religiosos.
- pintura decorativa- creación de escenografías artísticas en cine y teatro.
- pintura de caballete- en otras palabras, pinturas.
- Pintura decorativa de objetos cotidianos de la vida.
Como regla general, cada maestro de bellas artes elige por sí mismo el género y tipo de pintura que más se acerca a él en espíritu y, en primer lugar, trabaja solo en él. Por ejemplo, Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Gayvazyan) trabajó al estilo de un paisaje marino. A estos artistas también se les llama pintores marinos (de "marina", que significa "mar" en latín).
Técnicos
La pintura es una determinada forma de ejecutar una trama, su percepción a través del mundo de los colores y los trazos. Y, por supuesto, dicha reproducción no se puede lograr sin el uso de ciertas técnicas, plantillas y reglas. El concepto mismo de "técnica" en las bellas artes se puede definir como un conjunto de técnicas, normas y conocimientos prácticos con la ayuda de los cuales el autor transmite la idea y la trama de la imagen de la manera más precisa y cercana a la realidad.
La elección de la técnica de pintura también depende del tipo de materiales y del tipo de lienzo que se utilizará para crear la obra. A veces, un artista puede adoptar un enfoque individual en su trabajo, utilizando una mezcla de diferentes estilos y tendencias. El enfoque de este autor nos permite crear obras de arte verdaderamente únicas: obras maestras del mundo.
En términos técnicos, existen varias opciones de pintura. Veámoslos con más detalle.
Pintura de la antigüedad.
La historia de la pintura comienza con las pinturas rupestres del hombre primitivo. En esta época, las pinturas no se distinguían por la viveza de sus tramas ni por el derroche de colores, pero tenían una emoción peculiar. Y las historias de esos años nos informan claramente sobre la existencia de vida en un pasado lejano. Las líneas son extremadamente simples, los temas son predecibles, las direcciones son inequívocas.
En la antigüedad, el contenido de los dibujos se volvió más diverso, más a menudo representaban animales, cosas diferentes y en toda la pared se hacían biografías completas, especialmente si los cuadros fueron creados para los faraones, lo cual era muy común en ese momento. Después de unos dos mil años más, las pinturas murales comienzan a adquirir colores.
La pintura antigua, en particular el ruso antiguo, está bien transmitida y conservada en iconos antiguos. Son un santuario y el mejor ejemplo que transmite la belleza del arte de Dios. Su color es único y su propósito es perfecto. Tal pintura transmite la irrealidad de la existencia, las imágenes e inculca en una persona la idea del principio divino, de la existencia de un arte ideal que hay que emular.
El desarrollo de la pintura no pasó desapercibido. Durante un largo período de tiempo, la humanidad ha logrado acumular verdaderas reliquias y herencia espiritual de muchos siglos.
Acuarela
La pintura con acuarela se distingue por el brillo de sus colores, la pureza del color y la transparencia de la aplicación sobre papel. Sí, es sobre una superficie de papel donde es mejor trabajar esta técnica artística. El patrón se seca rápidamente y como resultado adquiere una textura más clara y mate.
La acuarela no permite lograr reflejos interesantes cuando se utilizan tonos monocromáticos oscuros, pero modela perfectamente el color si se aplican capas una encima de otra. En este caso, resulta encontrar opciones completamente nuevas, inusuales y difíciles de obtener con otras técnicas artísticas.
Dificultades para trabajar con acuarelas.
La dificultad de trabajar una técnica como la acuarela es que no perdona los errores y no permite la improvisación con cambios radicales. Si no te gustó el tono aplicado o obtuviste un color completamente diferente al que querías, es poco probable que lo corrijas. Cualquier intento (lavar con agua, raspar, mezclar con otros colores) puede conducir a un tono más interesante o a una contaminación total de la pintura.
Cambiar la ubicación de una figura, un objeto o cualquier mejora en la composición en esta técnica es esencialmente imposible de hacer. Pero gracias al rápido secado de las pinturas, pintar es ideal para dibujar. Y en términos de representación de plantas, retratos y paisajes urbanos, puede competir con las obras realizadas al óleo.
Aceite
Cada uno de los tipos técnicos de pintura tiene sus propias particularidades. Esto se aplica tanto a la forma de ejecución como a la interpretación artística de la imagen. La pintura al óleo es una de las técnicas favoritas de muchos artistas. Es difícil trabajar en él, ya que requiere un cierto nivel de conocimiento y experiencia: desde la preparación de los elementos y materiales necesarios hasta la etapa final: cubrir la pintura resultante con una capa protectora de barniz.
Todo el proceso de pintura al óleo requiere bastante mano de obra. Independientemente de la base que elija: lienzo, cartón o tableros duros (tableros de fibra), primero debe cubrirse con imprimación. Permitirá que la pintura se adhiera y adhiera bien, sin que se escape nada de aceite. También le dará al fondo la textura y el color deseados. Hay muchos tipos y recetas para diferentes suelos. Y cada artista prefiere el suyo, aquel al que está acostumbrado y que considera la mejor opción.
Como se mencionó anteriormente, el trabajo se lleva a cabo en varias etapas, y la etapa final es cubrir la pintura con barnices. Esto se hace para proteger el lienzo de la humedad, grietas (malla) y otros daños mecánicos. La pintura al óleo no tolera el trabajo sobre papel, pero gracias a toda una tecnología de aplicación de pinturas, permite conservar las obras de arte sanas y salvas durante siglos.
bellas artes chinas
Atención especial Me gustaría dedicar atención a la era de la pintura china, ya que tiene una página especial en la historia. La dirección oriental de la pintura se ha desarrollado a lo largo de más de seis mil años. Su desarrollo estuvo estrechamente relacionado con otros oficios, cambio social y las condiciones que ocurren en la vida de las personas. Por ejemplo, después de la introducción del budismo en China, los murales religiosos adquirieron gran importancia. Durante el período (960-1127) se popularizaron las pinturas de carácter histórico, que también hablaban de la vida cotidiana. La pintura de paisajes se estableció como una dirección independiente ya en el siglo IV d.C. mi. Se crearon imágenes de la naturaleza en colores azul verdoso y tinta china. Y en el siglo IX, los artistas comenzaron a pintar cada vez más cuadros en los que representaban flores, pájaros, frutas, insectos, peces, encarnando en ellos sus ideales y el carácter de la época.
Características de la pintura china.
La pintura tradicional china se distingue por su particular estilo, así como por los materiales utilizados para pintar, lo que, a su vez, influye en los métodos y formas del arte oriental. En primer lugar, los pintores chinos utilizan un pincel especial para crear cuadros. Parece acuarela y tiene una punta especialmente afilada. Esta herramienta le permite crear obras sofisticadas y, como usted sabe, el estilo de caligrafía todavía se usa ampliamente en China. En segundo lugar, la tinta se utiliza en todas partes como pintura: la tinta china (a veces junto con otros colores, pero también se utiliza como pintura independiente). Esto ha estado sucediendo durante dos mil años. También vale la pena señalar que antes de la llegada del papel, en China se pintaba sobre seda. Hoy en día, los maestros del arte moderno realizan sus obras tanto sobre papel como sobre una superficie de seda.
Estas no son todas las capacidades técnicas de la pintura. Además de los mencionados anteriormente, existen muchos otros (gouache, pastel, témpera, fresco, acrílico, cera, pintura sobre vidrio, porcelana, etc.), incluidas versiones originales de arte.
Épocas de la pintura.
Como cualquier forma de arte, la pintura tiene su propia historia de formación. Y, sobre todo, se caracteriza por diferentes etapas de desarrollo, estilos multifacéticos y direcciones interesantes. Las épocas de la pintura juegan aquí un papel importante. Cada uno de ellos afecta no sólo a una parte de la vida de un pueblo y no sólo al momento de algunos acontecimientos históricos, ¡sino a toda una vida! Entre los períodos más famosos del arte de la pintura se encuentran: el Renacimiento y la Ilustración, la obra de los artistas impresionistas, el Art Nouveau, el surrealismo y muchos, muchos otros. En otras palabras, la pintura es una ilustración visual de una determinada época, una imagen de la vida, una cosmovisión a través de los ojos del artista.
El concepto de “pintar” significa literalmente “pintar la vida”, representar la realidad de manera vívida, magistral y convincente. Transmitir en tu lienzo no solo cada detalle, cada detalle, momento, sino también el estado de ánimo, las emociones, el sabor de una época determinada, el estilo y el género de toda la obra de arte.
La pintura es una de las artes antiguas, que a lo largo de muchos siglos ha ido evolucionando desde las pinturas rupestres del Paleolítico hasta las últimas tendencias del siglo XX e incluso XXI. Este arte nació casi con la llegada de la humanidad. Los pueblos antiguos, sin siquiera darse cuenta plenamente de sí mismos como humanos, sintieron la necesidad de representar el mundo que los rodeaba en la superficie. Pintaron todo lo que vieron: animales, naturaleza, escenas de caza. Para pintar utilizaron algo parecido a pinturas elaboradas con materiales naturales. Eran pinturas de tierra, carbón y hollín negro. Los pinceles se hacían con pelos de animales o simplemente se pintaban con los dedos.
Como resultado de los cambios surgieron nuevos tipos y géneros de pintura. Al período antiguo le siguió el período de la Antigüedad. Existía un deseo entre pintores y artistas de reproducir la vida real que nos rodea, tal como aparece ante los humanos. El deseo de precisión en la transmisión provocó el surgimiento de los fundamentos de la perspectiva, los fundamentos de las construcciones de luces y sombras de diversas imágenes y el estudio de estas por parte de los artistas. Y, en primer lugar, estudiaron cómo representar el espacio volumétrico en el plano de una pared, en pintura al fresco. Algunas obras de arte, como el espacio volumétrico, los claroscuros, comenzaron a utilizarse para decorar habitaciones, centros religiosos y entierros.
El siguiente período importante en el pasado de la pintura es la Edad Media. En esta época, la pintura era de carácter más religioso y la cosmovisión comenzó a reflejarse en el arte. La creatividad de los artistas se centró en la pintura de iconos y otras melodías religiosas. Los principales puntos importantes que el artista tuvo que enfatizar no fueron tanto el reflejo fiel de la realidad, sino más bien la transmisión de la espiritualidad, incluso en una amplia variedad de pinturas. Los lienzos de los maestros de esa época asombraron por su expresividad de contornos, color y colorido. La pintura medieval nos parece plana. Todos los personajes de los artistas de esa época están en la misma línea. Y por eso muchas obras nos parecen algo estilizadas.
El período de la gris Edad Media fue reemplazado por el período más brillante del Renacimiento. El Renacimiento volvió a marcar un punto de inflexión en el desarrollo histórico de este arte. Los nuevos estados de ánimo en la sociedad, una nueva cosmovisión comenzaron a dictarle al artista qué aspectos de la pintura revelar de manera más completa y clara. Géneros pictóricos como el retrato y el paisaje se convertirán en estilos independientes. Los artistas expresan las emociones del hombre y su mundo interior a través de nuevas formas de pintar. Los siglos XVII y XVIII presenciaron un crecimiento aún más significativo de la pintura. Durante este período, la Iglesia católica pierde su importancia y los artistas reflejan cada vez más en sus obras las verdaderas opiniones de las personas, la naturaleza y la vida cotidiana. Durante este período también se formaron géneros como el barroco, el rococó, el clasicismo y el manierismo. Surge el romanticismo, que luego es reemplazado por un estilo más espectacular: el impresionismo.
A principios del siglo XX, la pintura cambió drásticamente y apareció una nueva dirección del arte moderno: la pintura abstracta. La idea de esta dirección es transmitir la armonía entre el hombre y el arte, crear armonía en combinaciones de líneas y reflejos de color. Esto es arte sin objetividad. No busca reproducir fielmente una imagen real, sino que, por el contrario, transmite lo que hay en el alma del artista, sus emociones. Las formas y los colores juegan un papel importante en esta forma de arte. Su esencia es transmitir objetos previamente familiares de una manera nueva. Aquí los artistas tienen total libertad de imaginación. Esto impulsó el surgimiento y desarrollo de tendencias modernas como el arte abstracto, underground y de vanguardia. Desde finales del siglo XX hasta nuestros días, la pintura ha ido cambiando constantemente. Pero, a pesar de todos los nuevos logros y tecnologías modernas, los artistas siguen siendo fieles al arte clásico: la pintura al óleo y la acuarela, creando sus obras maestras con la ayuda de pinturas y lienzos.
Natalia Martynenko
historia de las bellas artes
La historia de la pintura es una cadena interminable que comenzó con las primeras pinturas realizadas. Cada estilo surge de los estilos anteriores. Todo gran artista añade algo a los logros de artistas anteriores e influye en artistas posteriores.
Podemos disfrutar de la pintura por su belleza. Sus líneas, formas, colores y composición (disposición de piezas) pueden apelar a nuestros sentidos y permanecer en nuestros recuerdos. Pero el disfrute del arte aumenta cuando sabemos cuándo, por qué y cómo se creó.
La historia de la pintura ha estado influenciada por muchos factores. Geografía, religión, características nacionales, acontecimientos históricos, desarrollo de nuevos materiales: todo esto ayuda a dar forma a la visión del artista. A lo largo de la historia, la pintura ha reflejado el mundo cambiante y nuestras ideas sobre él. A su vez, los artistas han proporcionado algunos de los mejores registros del desarrollo de la civilización, revelando a veces más que la palabra escrita.
pintura prehistórica
Los habitantes de las cavernas fueron los primeros artistas. Se han encontrado dibujos en color de animales que datan del 30.000 al 10.000 a. C. en las paredes de cuevas del sur de Francia y España. Muchas de estas pinturas están notablemente bien conservadas porque las cuevas estuvieron selladas durante muchos siglos. Los primeros pueblos hacían dibujos de los animales salvajes que veían a su alrededor. Figuras humanas muy toscas hechas en posiciones de vida, se encontraron en África y el este de España.
Los artistas rupestres llenaron las paredes de las cuevas con dibujos en colores ricos y vibrantes. Algunas de las pinturas más bellas se encuentran en la Cueva de Altamira, en España. Un detalle muestra un búfalo herido, que ya no puede mantenerse en pie, probablemente víctima de un cazador. Está pintado de un color marrón rojizo y está delineado de forma sencilla, pero hábil, en negro. Los pigmentos utilizados por los artistas rupestres son el ocre (óxidos de hierro que varían en color del amarillo claro al naranja oscuro) y el manganeso (un metal oscuro). Se molieron hasta obtener un polvo fino, se mezclaron con un lubricante (posiblemente aceite graso) y se aplicaron a la superficie con una especie de cepillo. A veces los pigmentos tomaban la forma de barras, similares a crayones. La grasa mezclada con pigmentos en polvo formaba una pintura líquida y las partículas de pigmento se pegaban entre sí. Los habitantes de las cavernas fabricaban pinceles con pelos de animales o plantas y herramientas afiladas de silicio (para dibujar y rayar).
Hace ya 30.000 años, el hombre inventó las herramientas y materiales básicos para pintar. Los métodos y materiales se perfeccionaron y mejoraron durante los siglos siguientes. Pero los descubrimientos del cavernícola siguen siendo fundamentales para la pintura.
Pintura egipcia y mesopotámica (3400-332 a. C.)
Una de las primeras civilizaciones apareció en Egipto. Se sabe mucho sobre sus vidas a partir de los registros escritos y el arte dejados por los egipcios. Creían que el cuerpo debía preservarse para que el alma pudiera vivir después de la muerte. Las Grandes Pirámides eran tumbas elaboradas para gobernantes egipcios ricos y poderosos. Gran parte del arte egipcio se creó para las pirámides y tumbas de reyes y otras personas importantes. Para estar absolutamente seguros de que el alma seguiría existiendo, los artistas crearon imágenes de un muerto en piedra. También reprodujeron escenas de la vida humana en pinturas murales de cámaras funerarias.
Las técnicas del arte egipcio no han cambiado durante siglos. En un método, se aplicaba pintura de acuarela a superficies de arcilla o piedra caliza. En otro proceso, se tallaron contornos en paredes de piedra y se pintaron con acuarelas. Probablemente se utilizó un material llamado goma arábiga para adherir la pintura a la superficie. Afortunadamente, el clima seco y las tumbas selladas impidieron que algunas de estas acuarelas fueran destruidas por la humedad. Muchas escenas de caza de las paredes de las tumbas de Tebas, que datan aproximadamente del 1450 a. C., están bien conservadas. Muestran cómo los cazadores persiguen pájaros o peces. Estos temas todavía se pueden identificar hoy porque fueron pintados con cuidado y cuidado.
La civilización mesopotámica, que duró del 3200 al 332 a. C., estuvo ubicada en el valle entre los ríos Tigris y Éufrates en el Medio Oriente. Las casas en Mesopotamia se construían principalmente con arcilla. A medida que la lluvia ablanda la arcilla, sus edificios se convirtieron en polvo, destruyendo cualquier pintura mural que pudiera haber sido muy interesante. Lo que sobrevive es cerámica decorada (pintada y cocida) y coloridos mosaicos. Aunque los mosaicos no pueden considerarse pintura, a menudo influyen en ella.
Civilización del Egeo (3000-1100 a. C.)
el tercer gran cultura temprana Existió una civilización egea. Los egeos vivieron en las islas frente a la costa de Grecia y en la península de Asia Menor aproximadamente al mismo tiempo que los antiguos egipcios y mesopotámicos.
En 1900, los arqueólogos comenzaron a excavar el palacio del rey Minos en Knossos, en la isla de Creta. Las excavaciones han descubierto obras de arte pintadas alrededor del 1500 a.C. en el estilo inusualmente libre y elegante de la época. Al parecer, los cretenses eran un pueblo despreocupado y amante de la naturaleza. Entre sus temas artísticos favoritos se encontraban la vida marina, los animales, las flores, los deportes y las procesiones masivas. En Cnosos y otros palacios del Egeo, las pinturas se realizaban sobre paredes de yeso húmedo utilizando pinturas hechas de sustancias minerales, arena y ocres de tierra. La pintura empapó el yeso húmedo y se convirtió en parte permanente de la pared. Más tarde, estas pinturas se denominaron frescos (de la palabra italiana que significa "fresco" o "nuevo"). A los cretenses les gustaban los amarillos, rojos, azules y verdes brillantes.
Pintura clásica griega y romana (1100 a. C. – 400 d. C.)
Los antiguos griegos decoraban las paredes de templos y palacios con frescos. De fuentes literarias antiguas y de copias romanas del arte griego, se puede decir que los griegos pintaban pequeños cuadros y hacían mosaicos. Se conocen poco de los nombres de los maestros griegos y de sus vidas y obras, aunque muy poca pintura griega sobrevivió a los siglos y a las secuelas de las guerras. Los griegos no escribían mucho en las tumbas, por lo que sus obras no estaban protegidas.
Los jarrones pintados son todo lo que queda de la pintura griega actual. La alfarería era una gran industria en Grecia, especialmente en Atenas. Los contenedores tuvieron una gran demanda, tanto para exportación como para aceite y miel, y para uso interno. La pintura de vasijas más antigua se realizó con figuras y adornos geométricos (1100-700 a. C.). Los jarrones también estaban decorados con figuras humanas vidriadas de color marrón sobre arcilla clara. En el siglo VI, los artistas de vasijas solían pintar figuras humanas negras sobre arcilla roja natural. Los detalles fueron tallados en arcilla con una herramienta afilada. Esto permitió que el rojo apareciera en las profundidades del relieve.
El estilo de figuras rojas finalmente reemplazó al negro. Es decir, al revés: las figuras son rojas y el fondo es negro. La ventaja de este estilo era que el artista podía utilizar un pincel para crear contornos. El pincel produce una línea más suelta que la herramienta de metal utilizada en los jarrones con figuras negras.
Se han encontrado pinturas murales romanas principalmente en villas (casas de campo) de Pompeya y Herculano. En el año 79 d.C., estas dos ciudades quedaron completamente sepultadas por la erupción del Monte Vesubio. Los arqueólogos que excavaron el área pudieron aprender mucho sobre la vida romana antigua en estas ciudades. Casi todas las casas y villas de Pompeya tenían pinturas en las paredes. Los pintores romanos prepararon cuidadosamente la superficie de la pared aplicando una mezcla de polvo de mármol y yeso. Pulieron las superficies hasta obtener un acabado de mármol. Muchas de las pinturas son copias de pinturas griegas del siglo IV a.C. Las elegantes poses de las figuras pintadas en las paredes de la Villa de los Misterios de Pompeya inspiraron a los artistas del siglo XVIII cuando se excavaron la ciudad.
Los griegos y los romanos también pintaron retratos. Un pequeño número de ellos, en su mayoría retratos de momias realizados al estilo griego por artistas egipcios, sobreviven en los alrededores de Alejandría, en el norte de Egipto. Fundada en el siglo IV a. C. por Alejandro Magno de Grecia, Alejandría se convirtió en un importante centro de la cultura griega y romana. Los retratos fueron pintados mediante técnica encáustica sobre madera y instalados en forma de momia tras la muerte del retratado. Las pinturas encáusticas realizadas con pintura mezclada con cera de abejas derretida duran mucho tiempo. De hecho, estos retratos todavía parecen recientes, a pesar de que fueron tomados en el siglo II a.C.
Pintura paleocristiana y bizantina (300-1300)
El Imperio Romano decayó en el siglo IV d.C. Al mismo tiempo, el cristianismo iba ganando fuerza. En 313, el emperador romano Constantino reconoció oficialmente la religión y se convirtió al cristianismo.
El surgimiento del cristianismo influyó mucho en el arte. Se encargó a los artistas que decoraran las paredes de las iglesias con frescos y mosaicos. Hicieron paneles en las capillas de las iglesias, ilustraron y decoraron libros de la iglesia. Bajo la influencia de la Iglesia, se esperaba que los artistas comunicaran las enseñanzas del cristianismo con la mayor claridad posible.
Los primeros cristianos y los artistas bizantinos continuaron la técnica del mosaico que aprendieron de los griegos. Se colocaron pequeños trozos planos de vidrio o piedra de colores sobre cemento o yeso húmedo. En ocasiones se utilizaban otros materiales duros, como trozos de barro cocido o conchas. En el mosaico italiano los colores son especialmente profundos y llenos. Artistas italianos realizaron el fondo con trozos de vidrio dorado. Representaban figuras humanas en ricos colores sobre un fondo de oro brillante. El efecto general era plano, decorativo y nada realista.
Los mosaicos de los artistas bizantinos eran a menudo incluso menos realistas y más decorativos que los motivos de los primeros cristianos. "Bizantino" es el nombre dado al estilo de arte que se desarrolló alrededor ciudad antigua Bizancio (ahora Estambul, Türkiye). La técnica del mosaico se adaptaba perfectamente al gusto bizantino por las iglesias magníficamente decoradas. Los famosos mosaicos de Teodora y Justiniano, realizados hacia el año 547 d.C., demuestran el gusto por la riqueza. Las joyas de las figuras brillan y los coloridos vestidos de corte brillan sobre un fondo de oro reluciente. Los artistas bizantinos también utilizaron oro en frescos y paneles. En la Edad Media se utilizaba oro y otros materiales preciosos para separar los objetos espirituales del mundo cotidiano.
Pintura medieval (500-1400)
La primera parte de la Edad Media, aproximadamente entre los siglos VI y XI d.C., suele denominarse Edad Oscura. Durante esta época de disturbios, el arte se conservaba principalmente en los monasterios. En el siglo V d.C. Las tribus warran del norte y centro de Europa vagaban por el continente. Durante cientos de años dominaron Europa occidental. Estas personas produjeron arte en el que el elemento principal es el patrón. Estaban particularmente fascinados por las estructuras de dragones y pájaros entrelazados.
Lo mejor del arte celta y sajón se puede encontrar en manuscritos de los siglos VII y VIII. Las ilustraciones de libros, la iluminación y la pintura en miniatura, practicadas desde la época romana tardía, se generalizaron en la Edad Media. La iluminación es la decoración del texto, mayúsculas y márgenes. Se utilizaron oro, plata y colores brillantes. Una miniatura es una imagen pequeña, a menudo un retrato. El término se utilizó originalmente para describir el bloque decorativo alrededor de las letras iniciales de un manuscrito.
Carlomagno, que fue coronado Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico a principios del siglo IX, intentó revivir el arte clásico de los períodos tardorromano y paleocristiano. Durante su reinado, los pintores de miniaturas imitaban el arte clásico, pero también transmitían sentimientos personales a través de sus personajes.
De la Edad Media se conservan muy pocas pinturas murales. Las iglesias construidas durante el período románico (siglos XI-XIII) tenían grandes frescos, pero la mayoría de ellos han desaparecido. En las iglesias del período gótico (siglos XII-XVI) no había suficiente espacio para las pinturas murales. La ilustración de libros fue la principal obra del pintor gótico.
Entre los manuscritos mejor ilustrados se encontraban libros de horas: colecciones de calendarios, oraciones y salmos. Una página de un manuscrito italiano muestra elaboradas iniciales y una escena marginal finamente detallada de San Jorge matando a un dragón. Los colores son brillantes y parecidos a joyas, como vidrieras, y el oro brilla en la página. Diseños florales y de hojas elegantemente sutiles bordean el texto. Los artistas probablemente usaron lupas para producir trabajos tan intrincados y detallados.
Italia: Cimabue y Giotto
Los artistas italianos de finales del siglo XIII todavía trabajaban en estilo bizantino. Las figuras humanas se hicieron planas y decorativas. Los rostros rara vez tenían expresión. Los cuerpos no pesaban y parecían flotar en lugar de estar firmes en el suelo. En Florencia, el artista Cimabue (1240-1302) intentó modernizar algunas de las antiguas técnicas bizantinas. Los ángeles de Madonna Enthroned son más activos de lo habitual en las pinturas de la época. Sus gestos y rostros muestran un sentimiento un poco más humano. Cimabue añadió una nueva sensación de monumentalidad o esplendor a sus pinturas. Sin embargo, continuó siguiendo muchas tradiciones bizantinas, como el fondo dorado y la disposición estampada de objetos y figuras.
Fue el gran artista florentino Giotto (1267-1337) quien realmente rompió con la tradición bizantina. Su serie de frescos en la Capilla de la Arena de Padua deja muy atrás el arte bizantino. Hay verdadera emoción, tensión y naturalismo en estas escenas de las vidas de María y Cristo. Todas las cualidades de la calidez y la simpatía humanas están presentes. La gente no parece completamente irreal o celestial. Giotto sombreó los contornos de las figuras y colocó sombras profundas en los pliegues de la ropa para dar una sensación de redondez y solidez.
Para sus pequeños paneles, Giotto utilizó témpera pura al huevo, un medio que fue perfeccionado por los florentinos en el siglo XIV. La claridad y el brillo de sus colores debieron influir mucho en las personas acostumbradas a los colores oscuros de los paneles bizantinos. Las pinturas al temple dan la impresión de que la suave luz del día cae sobre la escena. Tienen un aspecto casi plano, en contraste con el brillo de la pintura al óleo. La tempera al huevo siguió siendo la pintura principal hasta que el aceite la reemplazó casi por completo en el siglo XVI.
Pintura medieval tardía al norte de los Alpes
A principios del siglo XV, los artistas del norte de Europa trabajaban con un estilo completamente diferente al de la pintura italiana. artistas del norte lograron el realismo añadiendo innumerables detalles a sus pinturas. Todo el cabello estaba elegantemente definido y cada detalle de las cortinas o el piso estaba colocado con precisión. La invención de la pintura al óleo facilitó los detalles.
El artista flamenco Jan van Eyck (1370-1414) hizo una gran contribución al desarrollo de la pintura al óleo. Cuando se utiliza témpera, los colores deben aplicarse por separado. No pueden sombrearse bien porque la pintura se seca rápidamente. Con óleo que se seca lentamente, el artista puede lograr efectos más complejos. Sus retratos de 1466-1530 fueron realizados con la técnica del óleo flamenco. Todos los detalles e incluso los reflejos especulares son claros y precisos. El color es duradero y tiene una superficie dura similar al esmalte. El panel de madera imprimado se preparó de la misma manera que Giotto preparó sus paneles para témpera. Van Eyck creó la pintura con capas de fino color llamadas esmalte. Probablemente se utilizó témpera en el sotobosque original y para resaltar.
Renacimiento italiano
En la época en que Van Eyck trabajaba en el Norte, los italianos estaban entrando en una época dorada del arte y la literatura. Este período se llama Renacimiento, que significa renacimiento. Los artistas italianos se inspiraron en la escultura de los antiguos griegos y romanos. Los italianos querían revivir el espíritu del arte clásico, que glorifica la independencia y la nobleza humanas. Los artistas del Renacimiento continuaron pintando escenas religiosas. Pero también enfatizaron la vida terrenal y los logros humanos.
Florencia
Los logros de Giotto a principios del siglo XIV marcaron el comienzo del Renacimiento. italiano artistas XVII Los siglos lo continuaron. Masaccio (1401-1428) fue uno de los líderes de la primera generación de artistas del Renacimiento. Vivió en Florencia, una rica ciudad comercial donde se inició el arte renacentista. Cuando murió, a finales de los años veinte, había revolucionado la pintura. En su famoso mural "The Tribute Money" coloca imponentes figuras escultóricas en un paisaje que parece extenderse en la distancia. Es posible que Masaccio haya estudiado la perspectiva del arquitecto y escultor florentino Brunelleschi (1377-1414).
La técnica del fresco fue muy popular durante el Renacimiento. Era especialmente adecuado para grandes murales porque los colores del fresco son secos y perfectamente planos. La imagen se puede ver desde cualquier ángulo sin deslumbramientos ni reflejos. También se puede acceder a los frescos. Por lo general, los artistas tenían varios asistentes. La obra se realizó por partes porque hubo que terminarla mientras el yeso aún estaba húmedo.
El estilo completamente "tridimensional" de Masaccio fue típico del nuevo movimiento progresista del siglo XV. El estilo de Fra Angelico (1400-1455) es un enfoque más tradicional utilizado por muchos artistas. renacimiento temprano. Estaba menos preocupado por la perspectiva y más interesado en el diseño decorativo. Su “Coronación de la Virgen” es un ejemplo de témpera en su máxima expresión. Colores divertidos y ricos contrastados con el dorado y acentuados con oro. La imagen parece una miniatura ampliada. Las figuras largas y estrechas tienen poco en común con Masaccio. La composición se organiza en amplias líneas de movimiento que giran en torno a las figuras centrales de Cristo y María.
Otro florentino que trabajó en el estilo tradicional fue Sandro Botticelli (1444-1515). Líneas rítmicas fluidas conectan secciones de La primavera de Botticelli. La figura de la Primavera, llevada por el viento del oeste, pasa por la derecha. Las Tres Gracias bailan en círculo, los pliegues fluidos de sus vestidos y los elegantes movimientos de sus manos expresan los ritmos de la danza.
Leonardo da Vinci (1452-1519) estudió pintura en Florencia. Es conocido por sus investigaciones e inventos científicos, así como por sus pinturas. Muy pocas de sus pinturas sobreviven, en parte porque a menudo experimentó con diferentes caminos crear y aplicar pintura en lugar de utilizar métodos probados y verdaderos. La Última Cena (pintada entre 1495 y 1498) fue realizada al óleo, pero lamentablemente Leonardo la pintó sobre una pared húmeda, lo que provocó que la pintura se agrietara. Pero incluso en mal estado (antes de la restauración), la pintura tenía la capacidad de despertar emociones en todo aquel que la ve.
Una de las características distintivas del estilo de Leonardo fue su método para representar luces y oscuridad. Los italianos llamaban a su tenue iluminación "sfumato", que significa humo o niebla. Las figuras de la Virgen de las Rocas están veladas en una atmósfera de sfumato. Sus formas y rasgos están suavemente sombreados. Leonardo logró estos efectos utilizando gradaciones muy sutiles de tonos claros y oscuros.
Roma
La culminación de la pintura renacentista se produjo en el siglo XVI. Al mismo tiempo, el centro de arte y cultura se trasladó de Florencia a Roma. Bajo el Papa Sixto IV y su sucesor, Julio II, la ciudad de Roma fue gloriosamente y ricamente decorada por artistas del Renacimiento. Algunos de los proyectos más ambiciosos de este período se iniciaron durante el papado de Julio II. Julio encargó al gran escultor y pintor Miguel Ángel (1475-1564) que pintara el techo de la Capilla Sixtina y tallara una escultura para la tumba del Papa. Julio también invitó al pintor Rafael (1483-1520) a ayudar a decorar el Vaticano. Rafael pintó con sus ayudantes cuatro habitaciones de los aposentos del Papa en el Palacio del Vaticano.
Miguel Ángel, florentino de nacimiento, desarrolló un estilo de pintura monumental. Las figuras de su cuadro son tan fuertes y voluminosas que parecen esculturas. El techo Sixtino, que Miguel Ángel tardó 4 años en completar, está formado por cientos de figuras humanas del Antiguo Testamento. Para completar este grandioso fresco, Miguel Ángel tuvo que acostarse boca arriba sobre un andamio. Algunos expertos consideran que el rostro pensativo de Jeremías entre los profetas que rodean el techo es un autorretrato de Miguel Ángel.
Rafael llegó a Florencia procedente de Urbino siendo aún muy joven. En Florencia absorbió las ideas de Leonardo y Miguel Ángel. Cuando Rafael fue a Roma para trabajar en el Vaticano, su estilo se había convertido en uno de los más bellos de ejecución. Le gustaban especialmente sus bellos retratos de la Virgen y el Niño. Han sido reproducidos por miles y se pueden ver en todas partes. Su Madonna del Granduca triunfa por su sencillez. Atemporal en su paz y pureza, es tan atractivo para nosotros como lo fue para los italianos de la época de Rafael.
Venecia
Venecia fue la principal ciudad del Renacimiento del norte de Italia. Fue visitado por artistas de Flandes y otras regiones que conocían los experimentos flamencos con la pintura al óleo. Esto estimuló el uso temprano de la tecnología petrolera en la ciudad italiana. Los venecianos aprendieron a pintar sobre lienzos muy tensos, en lugar de los paneles de madera comúnmente utilizados en Florencia.
Giovanni Bellini (1430-1515) fue el mayor artista veneciano del siglo XV. También fue uno de los primeros artistas italianos en utilizar óleo sobre lienzo. Giorgione (1478-1151) y Tiziano (1488-1515), el más famoso de todos los artistas venecianos, fueron aprendices en el estudio de Bellini.
Maestro de la pintura al óleo, Tiziano pintó enormes lienzos con colores cálidos y ricos. En sus pinturas maduras sacrificó detalles para crear efectos sorprendentes, como en la Virgen de Pesaro. Utilizó pinceles grandes para realizar grandes trazos. Sus colores son especialmente ricos porque pacientemente creó veladuras de colores contrastantes. Por lo general, los esmaltes se aplicaban sobre una superficie templada de color marrón, lo que daba a la pintura un tono uniforme.
Otro gran artista veneciano del siglo XVI fue Tintoretto (1518-1594). A diferencia de Tiziano, solía trabajar directamente sobre lienzo sin bocetos ni esquemas preliminares. A menudo distorsionaba sus formas (las retorcía) en aras de la composición y el dramatismo de la trama. Su técnica, que incluye pinceladas amplias y dramáticos contrastes de luz y oscuridad, parece muy moderna.
El artista Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) era conocido como El Greco ("El Griego"). Nacido en la isla de Creta, ocupada por el ejército veneciano, El Greco se formó con artistas italianos. De joven fue a estudiar a Venecia. La influencia combinada del arte bizantino, que vio a su alrededor en Creta, y el arte renacentista italiano, hizo que la obra de El Greco fuera excepcional.
En sus pinturas distorsionó las formas naturales y utilizó colores aún más extraños y sobrenaturales que Tintoretto, a quien admiraba. Posteriormente, El Greco se trasladó a España, donde la oscuridad del arte español influyó en su obra. En su dramática visión de Toledo, una tormenta azota el silencio sepulcral de la ciudad. Azules fríos, verdes y tonos azul-blancos esparcen un escalofrío sobre el paisaje.
Renacimiento en Flandes y Alemania
La época dorada de la pintura en Flandes (hoy parte de Bélgica y el norte de Francia) fue el siglo XV, la época de van Eyck. En el siglo XVI, muchos artistas flamencos imitaron a los artistas del Renacimiento italiano. Sin embargo, algunos flamencos continuaron la tradición flamenca del realismo. Luego se difundió la pintura de género: escenas de la vida cotidiana, a veces encantadoras y otras fantásticas. Jerónimo Bosch (1450-1515), que precedió a los pintores de género, tenía una imaginación inusualmente viva. Se le ocurrieron todo tipo de criaturas extrañas y grotescas para La tentación de San Pedro. Antonio." Pieter Bruegel el Viejo (1525-1569) también trabajó en la tradición flamenca, pero añadió perspectiva y otras características renacentistas a sus escenas de género.
Alberto Durero (1471-1528), Hans Holbein el Joven (1497-1543) y Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) fueron tres de los artistas alemanes más importantes del siglo XVI. Hicieron mucho para suavizar el sombrío realismo de la pintura alemana temprana. Durero visitó Italia al menos una vez, donde quedó impresionado por las pinturas de Giovanni Bellini y otros italianos del norte. A través de esta experiencia inculcó en la pintura alemana el conocimiento de la perspectiva, el sentido del color y la luz y una nueva comprensión de la composición. Holbein absorbió aún más logros italianos. Su dibujo sensible y su capacidad para seleccionar sólo los detalles más importantes lo convirtieron en un maestro retratista.
pintura barroca
El siglo XVII se conoce en el arte como el período Barroco. En Italia, los artistas Caravaggio (1571-1610) y Annibale Carracci (1560-1609) representaron dos puntos de vista contrastantes. Caravaggio (nombre real Michelangelo Merisi) siempre se inspiró directamente en las realidades de la vida. Una de sus principales preocupaciones era copiar lo más fielmente posible la naturaleza sin glorificarla de ninguna manera. Carracci, por otro lado, siguió el ideal de belleza renacentista. El estudió escultura antigua y obras de Miguel Ángel, Rafael y Tiziano. El estilo de Caravaggio admiró a muchos artistas, especialmente al español Ribera y al joven Velázquez. Carracci inspiró a Nicolas Poussin (1594-1665), un famoso pintor francés del siglo XVII.
España
Diego Velázquez (1599-1660), pintor de la corte del rey Felipe IV de España, fue uno de los más grandes artistas españoles. Fanático de la obra de Tiziano, era un maestro en el uso de colores ricos y armoniosos. Ningún artista podría crear mejor la ilusión de tejido rico o piel humana. Retrato Principito Philippa Prospera demuestra esta habilidad.
Flandes
Las pinturas del artista flamenco Peter Paul Rubens (1577-1640) representan la encarnación del estilo barroco a todo color. Están llenos de energía, color y luz. Rubens rompió con la tradición flamenca de pintar cuadros pequeños. Sus lienzos son enormes, llenos de figuras humanas. Recibió más pedidos ya pinturas grandes de lo que podría lograr. Por lo tanto, a menudo dibujaba sólo un pequeño boceto en color. Luego, sus ayudantes transfirieron el boceto a un gran lienzo y completaron la pintura bajo la dirección de Rubens.
Holanda
Los logros del pintor holandés Rembrandt (1606-1669) se encuentran entre los más destacados de la historia. Tenía el maravilloso don de capturar y transmitir con precisión las emociones humanas. Al igual que Tiziano, trabajó durante mucho tiempo en la creación de pinturas de varias capas. Los colores tierra (amarillo ocre, marrón y marrón rojizo) eran sus favoritos. Sus pinturas están realizadas principalmente en colores oscuros. La importancia de las piezas oscuras multicapa hace que su técnica sea inusual. El énfasis se transmite mediante una iluminación brillante en zonas relativamente luminosas.
Jan Vermeer (1632-1675) formó parte de un grupo de artistas holandeses que pintaron escenas modestas de la vida cotidiana. Era un maestro en pintar cualquier textura: satén, alfombras persas, cortezas de pan, metal. La impresión general del interior de Vermeer es la de una habitación alegre y soleada llena de objetos cotidianos icónicos.
pintura del siglo XVIII
En el siglo XVIII, Venecia produjo varios artistas destacados. El más famoso fue Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Decoró los interiores de palacios y otros edificios con grandes y coloridos frescos que representaban escenas de riqueza. Francesco Guardi (1712-1793) era muy hábil con el pincel y con sólo unas pocas pinceladas de color podía evocar la idea de una diminuta figura en un barco. Vistas espectaculares Antonio Canaletto (1697-1768) cantó las glorias pasadas de Venecia.
Francia: estilo rococó
En Francia, el gusto por los colores pastel y la decoración intrincada llevó al desarrollo del estilo rococó a principios del siglo XVIII. Jean Antoine Watteau (1684-1721), pintor de la corte del rey Luis XV, y más tarde François Boucher (1703-1770) y Jean Honoré Fragonard (1732-1806) se asociaron con las tendencias rococó. Watteau escribió visiones de ensueño, una vida en la que todo es divertido. El estilo se basa en picnics en parques y fiestas en el bosque, donde caballeros alegres y damas elegantes se divierten en la naturaleza.
Otros artistas del siglo XVIII representaron escenas de la vida ordinaria de la clase media. Al igual que el Vermeer holandés, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) apreciaba los temas domésticos sencillos y las naturalezas muertas. Sus colores son sobrios y tranquilos en comparación con Watteau.
Inglaterra
En el siglo XVIII, los británicos desarrollaron por primera vez una escuela de pintura independiente. El núcleo estaba formado principalmente por retratistas, influenciados por los artistas del Renacimiento veneciano. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) y Thomas Gainsborough (1727-1788) son los más famosos. Reynolds, que viajó a Italia, siguió los ideales de la pintura renacentista. Sus retratos, aunque encantadores y conmovedores, no son particularmente interesantes en color o textura. Gainsborough, por otro lado, tenía talento para la brillantez. Las superficies de sus pinturas brillan con colores radiantes.
pintura del siglo XIX
A veces se considera que el siglo XIX es el período durante el cual el arte moderno comenzó a tomar forma. Una de las razones importantes de la llamada revolución del arte en esa época fue la invención de la cámara, que obligó a los artistas a reconsiderar el propósito de la pintura.
Un avance más importante fue el uso generalizado de pinturas prefabricadas. Hasta el siglo XIX, la mayoría de los artistas o sus asistentes fabricaban sus propias pinturas moliendo pigmentos. Las primeras pinturas comerciales eran inferiores a las pinturas manuales. Los artistas de finales del siglo XIX descubrieron que los azules y marrones oscuros de pinturas anteriores se desvanecían a negro o gris en unos pocos años. Comenzaron a utilizar colores puros nuevamente para preservar su trabajo y, a veces, porque intentaban reflejar la luz del sol con mayor precisión en las escenas callejeras.
España: Goya
Francisco Goya (1746-1828) fue el primer gran artista español surgido desde el siglo XVII. Como artista favorito de la corte española, realizó numerosos retratos de la familia real. Los personajes reales están equipados con ropas elegantes y finas joyas, pero en algunos de sus rostros lo único que se refleja es vanidad y codicia. Además de retratos, Goya pintó escenas dramáticas como la del Tres de Mayo de 1808. Esta pintura representa la ejecución de un grupo de rebeldes españoles por soldados franceses. Audaces contrastes de colores claros, oscuros y sombríos, mezclados con toques de rojo, evocan el horror sombrío del espectáculo.
Aunque Francia fue un gran centro de arte en el siglo XIX, los paisajistas ingleses John Constable (1776-1837) y Joseph Mallord William Turner (1775-1851) hicieron valiosas contribuciones a la pintura del siglo XIX. Ambos estaban interesados en pintar la luz y el aire, dos aspectos de la naturaleza que los artistas del siglo XIX exploraron en profundidad. El agente utilizó un método conocido como división o color roto. Usó colores contrastantes sobre el color de fondo principal. A menudo usaba una espátula para aplicar el color con fuerza. El cuadro "Hay Wain" le hizo famoso tras ser expuesto en París en 1824. Esta es una sencilla escena de producción de heno en un pueblo. Las nubes flotan sobre prados cubiertos de manchas de luz solar. Las pinturas de Turner son más dramáticas que las de Constable, quien pintó majestuosas vistas de la naturaleza: tormentas, paisajes marinos, atardeceres ardientes, altas montañas. A menudo, una neblina dorada oscurece parcialmente los objetos de sus pinturas, haciéndolos parecer flotar en un espacio infinito.
Francia
El período del reinado de Napoleón y la Revolución Francesa marcó el surgimiento de dos tendencias opuestas en el arte francés: el clasicismo y el romanticismo. Jacques Louis David (1748-1825) y Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) se inspiraron en el arte griego y romano antiguo y en el Renacimiento. Destacaron los detalles y utilizaron el color para crear formas sólidas. Como artista favorito del gobierno revolucionario, David solía pintar acontecimientos históricos de la época. En sus retratos, como el de Madame Recamier, se esforzó por lograr la sencillez clásica.
Théodore Guéricault (1791-1824) y el romántico Eugène Delacroix (1798-1863) se rebelaron contra el estilo de David. Para Delacroix el color era el elemento más importante en la pintura y no tenía paciencia para imitar las estatuas clásicas. En cambio, admiraba a Rubén y a los venecianos. Para sus pinturas eligió temas coloridos y exóticos, que brillan con luz y están llenos de movimiento.
Los artistas de Barbizon también formaron parte del movimiento romántico general, que duró aproximadamente entre 1820 y 1850. Trabajaban cerca del pueblo de Barbizon, al borde del bosque de Fontainebleau. Se inspiraron en la naturaleza y completaron las pinturas en sus estudios.
Otros artistas experimentaron con objetos cotidianos y corrientes. Los paisajes de Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) reflejan su amor por la naturaleza y sus estudios del cuerpo humano muestran una especie de calma equilibrada. Gustave Courbet (1819-1877) se llamó a sí mismo realista porque describió el mundo tal como él lo veía, incluso en su lado duro y desagradable. Limitó su paleta a unos pocos colores oscuros. Edouard Manet (1832-1883) también tomó como base para sus temas el mundo circundante. La gente quedó impactada por sus coloridos contrastes y sus técnicas inusuales. Las superficies de sus pinturas suelen tener una textura plana y estampada de pinceladas. Los métodos de Manet para aplicar los efectos de la luz a la forma influyeron en los artistas jóvenes, especialmente los impresionistas.
Trabajando en las décadas de 1870 y 1880, un grupo de artistas conocidos como impresionistas querían representar la naturaleza exactamente tal como era. Fueron mucho más lejos que Constable, Turner y Manet al estudiar los efectos de la luz en el color. Algunos de ellos desarrollaron teorías científicas sobre el color. Claude Monet (1840-1926) solía pintar la misma vista en diferentes momentos del día para mostrar cómo cambia en el diferentes condiciones iluminación Cualquiera que sea el tema, sus pinturas se componen de cientos de pequeñas pinceladas colocadas una al lado de la otra, a menudo en colores contrastantes. A distancia, los trazos se mezclan para crear la impresión de formas sólidas. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) utilizó técnicas impresionistas para capturar la celebración de la vida parisina. En su Baile en el Moulin de la Galette, personas vestidas con ropas de colores brillantes se agolpaban y bailaban alegremente. Renoir pintó todo el cuadro con pequeños trazos. Los puntos y trazos de pintura crean una textura en la superficie de una pintura que le da un clase especial. Multitudes de personas parecen disolverse bajo la luz del sol y los colores brillantes.
pintura del siglo 20
Varios artistas pronto quedaron insatisfechos con el impresionismo. Artistas como Paul Cézanne (1839-1906) consideraban que el impresionismo no describía la solidez de las formas de la naturaleza. A Cézanne le encantaba pintar naturalezas muertas porque le permitían centrarse en la forma de las frutas u otros objetos y su disposición. Los sujetos de sus naturalezas muertas parecen sólidos porque los redujo a formas geométricas simples. Su técnica de colocar salpicaduras de pintura y trazos cortos de colores intensos uno al lado del otro muestra que aprendió mucho de los impresionistas.
Vincent Van Gogh (1853-90) y Paul Gauguin (1848-1903) respondieron al realismo de los impresionistas. A diferencia de los impresionistas, que decían que veían la naturaleza objetivamente, a Van Gogh le importaba poco la precisión. A menudo distorsionaba objetos para expresar sus pensamientos de forma más creativa. Usó principios impresionistas para colocar colores contrastantes uno al lado del otro. A veces exprimió pintura de tubos directamente sobre el lienzo, como en “Yellow Corn Field”.
A Gauguin no le gustaban los colores moteados de los impresionistas. Aplicó color con fluidez en áreas grandes y planas, que separó entre sí con líneas o bordes oscuros. Los coloridos pueblos tropicales proporcionaron gran parte de su tema.
El método de Cezanne para crear espacio utilizando formas geométricas simples fue desarrollado por Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) y otros. Su estilo llegó a ser conocido como cubismo. Los cubistas pintaban objetos como si pudieran verse desde varios ángulos a la vez, o como si los hubieran desmontado y vuelto a montar sobre un lienzo plano. A menudo los objetos resultaban no parecerse a nada que exista en la naturaleza. A veces los cubistas recortaban figuras de tela, cartón, papel tapiz u otros materiales y las pegaban sobre lienzos para hacer un collage. También se variaron las texturas añadiendo arena u otras sustancias a la pintura.
Las tendencias más recientes han sido poner menos énfasis en el tema. La composición y la técnica de la imagen comenzaron a recibir mayor énfasis.
La palabra "pintura" proviene de las palabras rusas "vivir" y "escribir", lo que da lugar a la frase "letra viva". Por pintura se entiende una imagen del mundo real, dibujada con materiales improvisados (lápices, pinturas, plastilina, etc.) sobre superficies planas. Podemos decir que la proyección del mundo real a través del prisma de la imaginación del artista también es
tipos de pintura
Esto está repleto de una variedad de tipos y técnicas para representar la realidad, que dependen no sólo de la técnica de ejecución de la obra del artista y los materiales utilizados, sino también del contenido y el mensaje semántico de la creatividad. Para transmitir sentimientos, emociones y pensamientos, el artista utiliza en primer lugar las reglas del juego con el color y la luz: la relación de los tonos de color y el juego de luces y sombras. Gracias a este secreto, las pinturas resultan estar verdaderamente vivas.
Para lograr este efecto, es necesario utilizar hábilmente materiales coloridos. Por tanto, en la pintura, cuyos tipos dependen de la técnica de dibujo y del tipo de pintura, se puede utilizar acuarela, óleo, témpera, pastel, gouache, cera, acrílico, etc. Todo depende del deseo del artista.
En las bellas artes existen los siguientes tipos principales de pintura:
1. Pintura monumental. El mismo nombre de este tipo de arte sugiere que la creación vivirá durante muchos siglos. Este tipo implica una simbiosis de arquitectura y bellas artes. La pintura monumental se puede ver con mayor frecuencia en los templos religiosos: se trata de paredes, bóvedas, arcos y techos pintados. Cuando el dibujo y el edificio mismo se vuelven uno, dichas obras tienen un significado profundo y conllevan un valor cultural global. Los frescos suelen incluirse en este tipo de pintura. Por regla general, se fabrican no sólo con pinturas, sino también con baldosas de cerámica, vidrio, piedras de colores, conchas, etc.
2. Pintura de caballete. Los tipos de bellas artes son muy comunes y accesibles para cualquier artista. Para que la pintura se considere de caballete, el creador necesitará un lienzo (caballete) y un marco para ello. Por lo tanto, la pintura será de naturaleza independiente y no importa dónde ni en qué estructura arquitectónica se ubique.
3. Los tipos y formas de expresión de la creatividad son ilimitados, y este tipo de arte puede servir como prueba. existe desde hace miles de años: se trata de decoración del hogar, pintar platos, crear souvenirs, pintar telas, muebles, etc. La esencia de la creatividad es que el objeto y el diseño que contiene se conviertan en un todo. Se considera de mal gusto que un artista represente un diseño completamente inapropiado en un objeto.
4. Implica diseño visual para representaciones teatrales, así como para cine. Este tipo de arte permite al espectador comprender y aceptar con mayor precisión la imagen de una obra de teatro, actuación o película.
Géneros de pintura
En la teoría del arte también es importante distinguir entre géneros de pintura, cada uno de los cuales tiene sus propias características:
Retrato.
Naturaleza muerta.
Iconografía.
Animalismo.
Historia.
Estos son los principales que existen desde hace mucho tiempo en la historia del arte. Pero el progreso no se detiene. Cada año la lista de géneros crece y aumenta. Así apareció la abstracción y la fantasía, el minimalismo, etc.
Describir - contornos lineales de la figura representada, su contorno.
Arte abstracto - una de las tendencias formalistas en las bellas artes que surgió a finales del siglo XIX y principios del XX. Los abstraccionistas abandonaron la representación de objetos y fenómenos del mundo objetivo (de ahí otro nombre para el abstraccionismo: arte no objetivo). Su trabajo es un intento de expresar sus sentimientos y pensamientos a través de combinaciones de colores de manchas o líneas por sí mismos, sin representar objetos ni objetos reales. Los abstraccionistas abandonaron el dibujo, la perspectiva, el color y todos los demás medios del lenguaje visual del arte de la pintura. De esta manera violaron los fundamentos profesionales de la pintura y destruyeron sus verdaderas posibilidades artísticas. El arte abstracto distorsiona los gustos estéticos de las personas y las aleja de la comprensión de la belleza de la naturaleza y la vida.
Adaptación - la capacidad del ojo para adaptarse a determinadas condiciones de iluminación. Hay adaptaciones a la luz, la oscuridad y el color. La peculiaridad de este último radica en la adaptabilidad del ojo para no notar el color de la iluminación de los objetos.
En condiciones de penumbra y, generalmente, con poca luz, las terminaciones nerviosas (fotorreceptores) llamadas bastones del ojo son más sensibles a la luz. Con su ayuda, el ojo percibe gradaciones de blanco y negro. Cuando hay mucha luz durante el día, otros fotorreceptores, los conos, a través de los cuales se percibe el color, son más sensibles. Al adaptarse a la luz, la sensibilidad de la visión disminuye y al adaptarse a la oscuridad aumenta. Cuando el ojo se adapta a la oscuridad, empezamos a distinguir claramente los detalles del paisaje. Debido a la mayor sensibilidad del ojo a la oscuridad en un día nublado y al atardecer, el artista novato pierde de vista el nivel de iluminación general, que en estas condiciones es mucho más débil que en un día soleado o gris claro. Durante el crepúsculo, los objetos luminosos no le parecen tan reducidos en su luminosidad que la iluminación sea menor que la iluminación diurna anterior. Tampoco se da cuenta de las estrechas relaciones tonales características del crepúsculo y el día gris. Además, a pesar del oscurecimiento, el artista principiante distingue en la naturaleza (o en las sombras) gradaciones muy sutiles de luces y sombras en los objetos y permite una excesiva variedad y fragmentación. Por lo tanto, al principio no es capaz de evaluar y transmitir con precisión los cambios reales de luminosidad y color que ocurren en la naturaleza.
La adaptación se basa en diversos cambios que se producen en nuestro ojo cuando cambia la intensidad de la iluminación. Por ejemplo, durante el día la pupila disminuye de 1 a 2 mm, por lo que pasa poca luz al ojo. En la oscuridad se expande entre 8 y 10 mm, dejando entrar mucha luz. Sabiendo que el área de la pupila es proporcional al cuadrado del diámetro, podemos establecer que si la pupila duplica su tamaño, entonces la cantidad de luz que transmite se cuadriplica; si la pupila se agranda cuatro veces, la cantidad de luz que transmite aumenta 16 veces. Esta es en parte la razón por la que distinguimos las principales proporciones de luz durante el crepúsculo. De este modo, el reflejo pupilar hacia la luz y la oscuridad compensa en cierta medida la disminución de la iluminación.
Academicismo - un término evaluativo relacionado con aquellos movimientos en el arte cuyos representantes están completamente orientados hacia las autoridades artísticas establecidas, creen que el progreso del arte moderno no está en una conexión viva con la vida, sino en su aproximación más cercana a los ideales y formas del arte de épocas pasadas, y defender de forma absoluta, independiente de lugar y tiempo, la norma de la belleza. Históricamente, el academicismo se asocia con las actividades de las academias que educaron a los artistas jóvenes con el espíritu de seguir irracionalmente los modelos artísticos de la antigüedad y el Renacimiento italiano. Originada por primera vez en la Academia de Bolonia del siglo XVI, esta tendencia se desarrolló ampliamente en las academias de épocas posteriores; también fue característica de la Academia de las Artes de Rusia en el siglo XIX, lo que provocó una lucha con la academia de artistas realistas avanzados. Al canonizar los métodos y temas clasicistas, el academicismo aisló el arte de la modernidad, declarándolo “bajo”, “básico”, indigno del arte “alto”.
El concepto de academicismo no puede identificarse con todas las actividades de las academias de arte del pasado. El sistema de educación académica tenía muchas ventajas. En particular, basado en una larga tradición, una alta cultura del dibujo, que era uno de los aspectos más fuertes de la educación académica.
Pinturas de acuarela - adhesivo a base de agua elaborado a partir de pigmentos finamente molidos mezclados con goma, dextrina, glicerina, a veces con miel o jarabe de azúcar; Se producen secos (en forma de baldosas), semicrudos (en tazas de porcelana) o semilíquidos (en tubos).
En acuarela se puede pintar sobre papel seco o húmedo de forma inmediata, a todo color, y se puede trabajar con veladuras, aclarando poco a poco las relaciones cromáticas de la naturaleza. Debes saber que la acuarela no tolera correcciones, torturas o numerosos repintados con pinturas mezcladas.
A menudo, los pintores utilizan la técnica de la acuarela en combinación con otros materiales: gouache, témpera, carboncillo. Sin embargo, en este caso, se pierden las principales cualidades de la pintura con acuarela: saturación, transparencia, pureza y frescura, es decir, exactamente lo que distingue a la acuarela de cualquier otra técnica.
Acento - la técnica de enfatizar con una línea, tono o color de cualquier objeto expresivo, detalles de la imagen hacia los que es necesario dirigir la atención del espectador.
Alla prima -- técnica técnica en acuarela o pintura al óleo, que consiste en pintar un boceto o cuadro sin marcas previas y sin pintar de base, a veces de una sola vez, en una sola sesión.
pintor de animales - un artista que dedicó principalmente su trabajo a la representación de animales.
colores acromaticos - blanco, gris, negro; Se diferencian sólo en la luminosidad y carecen de tono de color. Por el contrario, existen colores cromáticos, que tienen un tono de diferente luminosidad y saturación.
Blik - un elemento de claroscuro, el lugar más brillante de la superficie iluminada (principalmente brillante) de un objeto. Con un cambio de punto de vista, el resaltado cambia su ubicación en la forma del objeto.
valor - un término de práctica artística que define el lado cualitativo de un tono separado, predominantemente de luces y sombras, en su relación con los tonos circundantes. En la pintura realista, las propiedades materiales del mundo objetivo se transmiten principalmente a través de relaciones tonales objetivamente regulares. Pero para reproducir vívida y holísticamente la materialidad, la plasticidad y el color de un objeto bajo un cierto estado de iluminación y en un determinado entorno, el artista debe lograr una gran precisión y expresividad en las relaciones de tonos; la riqueza y la sutileza de las relaciones entre las transiciones que conducen a la expresividad de la pintura son la característica principal del valor. Entre los más grandes maestros de los siglos XVII-XIX. -como Velásquez, Rembrandt, Chardin, Repin- la pintura siempre es rica en valor.
La visión es pintoresca. - visión y comprensión de las relaciones cromáticas de la naturaleza, teniendo en cuenta la influencia del medio ambiente y el estado general de iluminación característico de la naturaleza en el momento de su representación. Como resultado de tal visión, la veracidad de las relaciones de luz y color, la riqueza de los tonos cálidos y fríos, su unidad y armonía de color aparecen en el boceto, transmitiendo la naturaleza con toda la reverencia de la vida. En este caso, hablan del pintoresquismo de un boceto o cuadro.
Visión artística - la capacidad de dar la valoración estética necesaria de las cualidades inherentes a la naturaleza. Antes de representar la naturaleza, el artista ya ve en sus características principales su solución pictórica figurativa, teniendo en cuenta un determinado material.
Vitral - pintura sobre vidrio con pinturas transparentes o un adorno compuesto por trozos de vidrio multicolor sujetos con una encuadernación de metal, que se utiliza para rellenar aberturas de puertas y ventanas. Los rayos de luz que atraviesan el cristal adquieren mayor brillo y forman un juego de reflejos de color en el interior.
Perspectiva aérea - cambios aparentes en algunas características de los objetos bajo la influencia del aire y el espacio. Todos los objetos cercanos se perciben con claridad, con muchos detalles y textura, mientras que los objetos lejanos se perciben de forma general, sin detalles. Los contornos de los objetos cercanos aparecen nítidos, mientras que los de los objetos distantes parecen suaves. A gran distancia, los objetos claros parecen más oscuros y los objetos oscuros parecen más claros. Todos los objetos cercanos tienen claroscuros contrastantes y parecen tridimensionales, todos los objetos distantes tienen claroscuros débiles y parecen planos. Debido a la neblina del aire, los colores de todos los objetos distantes se vuelven menos saturados y adquieren el color de esta neblina: azul, pálido lechoso o violeta. Todos los objetos cercanos aparecen multicolores, mientras que los objetos distantes aparecen de un solo color. El artista tiene en cuenta todos estos cambios para transmitir el espacio y el estado de iluminación, cualidades importantes de la pintura al aire libre.
Percepción visual - el proceso de reflejar objetos y fenómenos de la realidad en toda la diversidad de sus propiedades que afectan directamente a los órganos de la visión. Junto con las sensaciones visuales, la experiencia pasada de conocimientos e ideas sobre un objeto en particular también participa en la percepción. Es posible comprender y comprender la esencia de lo que se percibe sólo si se comparan los objetos y fenómenos observados con los vistos anteriormente (una percepción visual constante y constante). Cabe agregar que la percepción visual va acompañada de sentimientos asociativos, un sentido de belleza, que están asociados con experiencia personal experiencias sensoriales a partir de la influencia del medio ambiente.
Gama de colores - colores que predominan en una determinada obra y determinan la naturaleza de su estructura cromática. Dicen: una gama de tonos de color fríos, cálidos, pálidos, etc.
Armonía - conexión, proporcionalidad, coherencia. En bellas artes: una combinación de formas, la relación de partes o colores. En pintura, esta es la correspondencia de los detalles con el conjunto, no solo en tamaño, sino también en color (unidad de color, gama de tonos relacionados). La fuente de la armonía son los patrones de cambios de color en los objetos naturales bajo la influencia de la fuerza y la composición espectral de la iluminación. La armonía de la estructura cromática de un boceto o pintura también depende de las características de la fisiología y psicología de la percepción visual de la luz y las cualidades cromáticas del mundo objetivo (interacción contrastante de colores, fenómeno de halo, etc.).
Grabado- reproducción impresa de un dibujo cortado o grabado sobre tabla de madera (xilografía), linóleo (linóleo), placa de metal (grabado), piedra (litografía), etc. Una característica especial de un grabado es la posibilidad de su reproducción: de uno tablero grabado por el artista, se puede imprimir una gran cantidad de impresiones multicolores (sellos). Según la naturaleza del procesamiento de la forma de impresión (tablero o plancha) y el método de impresión, se distingue entre grabado convexo y profundo.
Artes graficas - uno de los tipos de bellas artes, cercano a la pintura en contenido y forma, pero con sus propias tareas y posibilidades artísticas. A diferencia de la pintura, el principal medio visual de los gráficos es el dibujo monocromático (es decir, líneas, claroscuros); el papel del color sigue siendo relativamente limitado en él. En el aspecto técnico, la gráfica incluye el dibujo en el sentido propio de la palabra en todas sus variantes. Por regla general, las obras gráficas se realizan sobre papel y ocasionalmente se utilizan otros materiales.
Dependiendo del propósito y el contenido, los gráficos se dividen en gráficos de caballete, que incluyen obras de importancia independiente (que no requieren una conexión indispensable con el texto literario para revelar su contenido y no se limitan a un propósito práctico limitado y estrictamente definido), gráficos de libros, que forman una unidad ideológica y artística con el texto literario o que lo acompaña y al mismo tiempo están destinados al diseño decorativo y artístico de un libro, un cartel, que es el tipo de bellas artes más extendido, diseñado para llevar a cabo actividades políticas. , propaganda, producción artística o tareas aplicadas a través de medios artísticos (etiquetas, certificados, sellos, etc.).
grisalla - imagen pintada en blanco y negro (o monocolor, por ejemplo marrón); A menudo se utiliza para trabajos auxiliares al realizar pinturas de fondo o bocetos, así como con fines educativos al dominar las técnicas de imágenes tonales realizadas con acuarelas o pinturas al óleo. La imagen se crea basándose únicamente en las relaciones tonales (luminosidad) de los objetos en el entorno a escala real.
Cebado - una fina capa de una composición especial (adhesivo, aceite, emulsión) aplicada sobre un lienzo o cartón para dar a su superficie las propiedades de color y textura deseadas y limitar la absorción excesiva del aglutinante (aceite). Si trabaja con pinturas al óleo sobre una base sin imprimación (por ejemplo, lienzo), las pinturas no se adhieren, se secan, el aceite de la pintura se absorbe en la tela, destruyendo el lienzo y la capa de pintura. Según la composición del aglutinante, se distinguen las imprimaciones: aceite, adhesivo, emulsión, sintético. Por color: teñido y coloreado. La imprimación, por regla general, consta de 3 elementos: una fina capa de pegamento que cubre toda la superficie del lienzo con una película (es decir, apresto) y varias capas de pintura de imprimación, incluida una fina capa de acabado. El apresto, una fina capa de pegamento (carpintería, caseína o gelatina), protege el lienzo de la penetración de pintura base o aceite en la tela o en la parte posterior del lienzo y une firmemente las capas posteriores de imprimación al lienzo. La pintura de imprimación nivela la superficie del lienzo, crea el color requerido (generalmente blanco) y asegura una fuerte conexión de la capa de pintura con la imprimación.
Cebador - en tecnología de pintura: el proceso de aplicar una imprimación a una superficie destinada a pintar.
Gouache - pintura al agua con gran capacidad cubriente. Las pinturas se aclaran rápidamente después del secado y se requiere una experiencia considerable para anticipar hasta qué punto cambiarán su tono y color. Usan pinturas gouache para escribir sobre papel, cartón y madera contrachapada. Las obras tienen una superficie mate aterciopelada.
Detallando - estudio cuidadoso de los detalles de la forma de los objetos de la imagen. Dependiendo de la tarea que el artista se proponga, el grado de detalle puede variar.
Colores adicionales - dos colores que al mezclarse ópticamente producen blanco (rojo y verde azulado, naranja y azul, amarillo y azul, violeta y amarillo verdoso, verde y violeta). Cuando estos pares de colores complementarios se mezclan mecánicamente, se obtienen tonos con saturación reducida. Los colores complementarios suelen denominarse colores contrastantes.
Género - división interna históricamente establecida en todos los tipos de arte; el tipo de obra de arte en la unidad de las propiedades específicas de su forma y contenido. El concepto de “género” generaliza los rasgos característicos de un vasto grupo de obras de cualquier época, nación o arte mundial en general. Cada forma de arte tiene su propio sistema de géneros. En bellas artes, según el tema de la imagen (retrato, naturaleza muerta, paisaje, pintura histórica y de batalla) y, a veces, la naturaleza de la imagen (caricatura, caricatura).
Cuadro - uno de los principales tipos de bellas artes. Una transmisión veraz de la apariencia externa de un objeto, sus características externas, también es posible mediante medios gráficos: líneas y tonos. Pero sólo la pintura puede transmitir todos los colores extraordinariamente diversos del mundo circundante.
Según la técnica de ejecución, la pintura se divide en óleo, témpera, fresco, cera, mosaico, vidrieras, acuarela, gouache, pastel. Estos nombres provienen del encuadernador o del medio material y técnico utilizado. El propósito y el contenido de una pintura requieren la elección de tal Artes visuales, con la ayuda del cual se puede expresar más plenamente la intención ideológica y creativa del artista.
Por género, la pintura se divide en caballete, monumental, decorativa, teatral y decorativa y miniatura.
pintura decorativa no tiene un significado independiente y sirve como decoración para el exterior e interior de los edificios en forma de paneles de colores, que con imágenes realistas crean la ilusión de un "avance" de la pared, aumentando el tamaño de la habitación o, por el contrario. , con formas deliberadamente aplanadas, estrechan y cierran visualmente el espacio. Patrones, coronas, guirnaldas y otros tipos de decoración que adornan obras de pintura y escultura monumentales unen todos los elementos del interior, enfatizando su belleza y coherencia con la arquitectura. La pintura decorativa también adorna cosas: ataúdes, cofres, bandejas, cofres, etc. Sus temas y formas están subordinados a la finalidad de las cosas.
pintura en miniatura Recibió un gran desarrollo en la Edad Media, antes de la invención de la imprenta. Los libros escritos a mano estaban decorados con los mejores tocados, terminaciones, ilustraciones detalladas y miniaturas. Los artistas rusos de la primera mitad del siglo XIX utilizaron hábilmente la técnica de la pintura de miniaturas al crear pequeños retratos (principalmente acuarelas). Los colores puros y profundos de la acuarela, sus exquisitas combinaciones y la exquisita delicadeza de la escritura distinguen estos retratos.
Pintura monumental - un tipo especial de pintura Gran escala decoración de paredes y techos de estructuras arquitectónicas (fresco, mosaico, panel). Revela el contenido de las principales Fenómeno social que han tenido un impacto positivo en el desarrollo de la sociedad, los glorifica y perpetúa. La sublimidad del contenido de la pintura monumental, el importante tamaño de sus obras y la conexión con la arquitectura requieren grandes masas de color, estricta sencillez y laconismo de composición, claridad de siluetas y generalidad de forma plástica.
pintura de caballete - el nombre proviene de la máquina (caballete) en la que se crea la pintura. El material base utilizado es madera, cartón, papel, pero la mayoría de las veces lienzo tensado sobre un bastidor. La pintura se inserta en un marco y se percibe como una obra de arte independiente, independiente de su entorno. En este sentido, crear obras pintura de caballete Se utilizan medios artísticos ligeramente diferentes, se dan colores y relaciones tonales más sutiles y detallados, y se da una caracterización psicológica más compleja y detallada de los personajes.
Teatro y pintura decorativa. - escenografía, vestuario, maquillaje, utilería, realizados según los bocetos del artista; ayudar a revelar el contenido de la actuación más profundamente. Las especiales condiciones teatrales para la percepción de cuadros exigen tener en cuenta los múltiples puntos de vista del público, su mayor distancia, la influencia de la iluminación artificial y los reflejos cromáticos. La escenografía da una idea del lugar y el momento de la acción, y activa la percepción del espectador de lo que sucede en el escenario. En bocetos de vestuario y maquillaje, el artista teatral se esfuerza por expresar con precisión el carácter individual de los personajes, su estatus social, estilo de la época y mucho más.
pintura academica - pintura realizada con cualquier fin educativo.
Pintar sobre mojado - Técnica técnica de pintura al óleo y acuarela. Cuando se trabaja con aceites, es necesario terminar el trabajo antes de que se sequen las pinturas y excluir pasos como pintar de base, vidriar y volver a pintar. Pintar en bruto tiene ventajas bien conocidas: la frescura de la capa de pintura, una buena conservación y la relativa simplicidad de la técnica de ejecución.
En acuarelas, antes de empezar a trabajar sobre papel mojado, el papel se humedece uniformemente con agua. Cuando el agua es absorbida por el papel y se seca un poco (después de 2-3 minutos), empiezan a escribir; Los trazos de pintura, que se encuentran sobre una superficie húmeda, se difuminan, se fusionan entre sí, creando transiciones suaves. Por lo tanto, es posible lograr suavidad en la transmisión de los contornos de los objetos, ligereza y espacialidad de la imagen.
marchitamiento - cambios indeseables en la capa de pintura al secarse, por lo que la pintura pierde su frescura, pierde su brillo, la sonoridad de los colores, se oscurece y se vuelve negruzca. El motivo de la sequedad es una reducción excesiva del aceite aglutinante de la pintura, absorbido por la tierra o capa de pintura subyacente, así como la aplicación de pinturas sobre una capa anterior de pinturas al óleo que no se ha secado por completo.
Lo completo .- etapa del trabajo sobre un boceto o pintura en la que se ha logrado la mayor integridad de la encarnación del concepto creativo, o cuando se ha completado una determinada tarea visual.
“lotes” de pinturas base - preparación preliminar en la paleta de una mezcla de colores que correspondan a las relaciones tonales y cromáticas básicas de los objetos naturales (paisaje). Durante el proceso de trabajo se introducen en estas mezclas básicas diversas variaciones cromáticas y se añaden nuevos colores. Sin embargo, los colores de los objetos principales preparados en la paleta no permiten caer en una coloración excesiva y no permiten perder el carácter de las relaciones cromáticas básicas. En acuarela, estas “mezclas” de apoyo se hacen en vasos separados.
Bosquejo - un dibujo del natural, realizado principalmente fuera del taller con el fin de recopilar material para trabajos más importantes, por ejercicio y, a veces, con algún propósito especial (por ejemplo, siguiendo las instrucciones de un periódico o revista). A diferencia de un boceto técnicamente similar, la ejecución de un boceto puede ser muy detallada.
Idealización en el arte. - una desviación de la verdad de la vida debido al embellecimiento intencional o involuntario del tema de la imagen por parte del artista. La idealización suele manifestarse en la exageración y absolutización del principio positivo como una especie de perfección última, supuestamente ya lograda; en suavizar las contradicciones y conflictos de la vida; en la encarnación de un ideal abstracto, supravital, etc. La idealización siempre significa una ruptura con los principios del realismo y de una forma u otra resulta estar asociada a la ideología de las clases reaccionarias que tienden a alejarse de la verdad. imagen de la vida y reemplazar el estudio de la realidad con ideas subjetivamente embellecidas sobre ella.
Hay que distinguir de la idealización el reflejo en el arte realista de un cierto ideal de vida socialmente progresista que, siendo un aspecto importante del contenido ideológico de cualquier imagen artística realista, a veces puede ser el principio determinante en la solución artística de la imagen.
La idea del cuadro. - la idea principal de la obra, determinando su contenido y estructura figurativa, expresada en la forma adecuada.
Ilusorio - similitud de la imagen con la naturaleza; roza la ilusión óptica. Debido a su naturaleza ilusoria, la expresividad artística de la obra y la profundidad de su contenido pueden perderse si en la imagen el deseo de similitud externa oscurece lo principal: su intención.
Impresionismo - una dirección en el arte del último tercio del siglo XIX y principios del XX, cuyos representantes buscaron capturar de la manera más natural e imparcial el mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir sus impresiones fugaces. El impresionismo comenzó en la década de 1860. en pintura francesa. E. Manet, O. Renoir, E. Degas introdujeron en el arte una frescura y espontaneidad en la percepción de la vida, la representación de movimientos y situaciones instantáneos, aparentemente aleatorios, desequilibrio aparente, composición fragmentaria, puntos de vista inesperados, ángulos, secciones de figuras. . En 1870-80 El impresionismo surgió en el paisaje francés. C. Monet, C. Pizarro, A. Sisley desarrollaron un sistema plein air consistente. Además de los pintores, los escultores (O. Rodin, M. Rosso, P. P. Trubetskoy) se interesaron por el movimiento instantáneo y las formas fluidas.
El impresionismo desarrolló los principios realistas del arte, pero el trabajo de sus seguidores a menudo se reflejó en un alejamiento del estudio de los fenómenos básicos de la realidad social, las cualidades constantes y estables del mundo material. Esta dirección de la creatividad llevó a los impresionistas tardíos al formalismo.
Interior - Vista interna instalaciones. Representar un interior requiere un conocimiento profundo de la perspectiva. Es importante encontrar un lugar desde donde puedas componer la imagen de una forma más interesante. Imagen completa del interior, excepto composición interesante, la correcta construcción en perspectiva, la colocación de objetos en el espacio, debería dar una idea de la iluminación.
Cuadro - una obra de pintura de caballete que encarna fielmente la intención del artista, que se distingue por la importancia de su contenido, la veracidad y la integridad de la forma artística. La pintura es el resultado de largas observaciones y reflexiones del artista sobre la vida. Está precedido por bocetos, bocetos, bocetos en los que el artista registra fenómenos individuales de la vida, recopila material para la pintura futura y busca la base de su composición y coloración. Al crear una imagen, el artista se basa en la naturaleza, procede de ella como en plan General y en detalles individuales. La observación, la imaginación y el diseño juegan un papel importante en este proceso. La pintura a su manera lleva un cierto concepto ideológico y figurativo, y las formas de expresión son visualmente confiables. Cada detalle, parte se correlaciona con el todo, cada elemento expresa una imagen. Las tendencias formalistas decadentes se caracterizan por una crisis en la trama y el cuadro temático, un rechazo de cuestiones ideológicas importantes y el psicologismo. No sólo se expulsa al sujeto de las pinturas, sino que también se produce una ruptura con la imagen del sujeto en general. Según la forma de la imagen, la imagen se vuelve inútil, abstracta.
pinturas adhesivas - pinturas secas, producidas en polvo y mezcladas por el propio artista con agua cola. Bien molidos, a veces los artistas los utilizan para decorar reproducciones originales como sustitutos. pinturas gouaches. La mayoría de las veces se utilizan para decoraciones teatrales.
Rocín - un tipo de borrador suave que se utiliza en los casos en que es necesario aclarar el tono de las sombras en los dibujos a lápiz. El rocín es suave y se puede amasar fácilmente con los dedos; con él no se borra el lápiz, sino que se presiona ligeramente contra aquellas partes del dibujo que se van aclarando: el grafito se pega a la marca y queda retenido por ésta después de retirarlo del papel. Si las áreas que se aclaran son muy pequeñas, se le da al fastidio la apariencia de un cono puntiagudo.
El fastidio se puede hacer de la siguiente manera. Se coloca un chicle común en gasolina (o queroseno) durante dos o tres días y luego se guarda durante otros dos días. Después de esto, la goma blanda se amasa con harina de patata (almidón), se toma la harina en pizcas y se ajusta la viscosidad del amasado en función de su cantidad.
Color (estudio o pintura): la naturaleza de la relación de todos los elementos de color de la imagen, su estructura de color. Su principal ventaja es la riqueza y consistencia de los colores que corresponden a la naturaleza misma, transmitiendo, en unidad con el claroscuro, las propiedades objetivas y el estado de iluminación del momento representado. La coloración del boceto está determinada por: 1) la coherencia de las relaciones de color proporcionales a la naturaleza, teniendo en cuenta el estado general tonal y de color de la iluminación, 2) la riqueza y variedad de reflejos del entorno de luz, aire y objeto, 3) la interacción contrastante de tonos cálidos y fríos, 4) la influencia del color de la iluminación, que une los colores de la naturaleza, los subordina y relaciona.
Un fiel reflejo del estado de las condiciones reales de iluminación afecta los sentimientos del espectador, crea un estado de ánimo y evoca experiencias estéticas apropiadas.
Pinceles . Los cepillos vienen en kolinsky, ardilla y cerdas. Los pinceles de cerdas están diseñados para trabajar con pinturas al óleo, pero se pueden utilizar para pintar con pinturas al temple y gouache. En las acuarelas se utilizan pinceles de ardilla y kolinsky. Las formas son planas y redondas. El tamaño del pincel se indica con un número. El número de cepillos planos y cepillos acanalados corresponde a su ancho en milímetros, y el número de cepillos redondos corresponde a su diámetro (también expresado en milímetros).
Después de trabajar con pinturas al óleo, lave las brochas con agua tibia y jabón. No laves los cepillos con acetona: esto dañará tu cabello. Los pinceles para acuarela se lavan con agua limpia después de su uso. Bajo ninguna circunstancia se deben permitir que los pinceles se sequen, especialmente después de trabajar con pinturas al óleo; colóquelos en el frasco con el cabello hacia abajo, ya que el cabello se deformará. El cepillo lavado debe envolverse en papel, luego conservará su forma.
Composición - construcción de un boceto o cuadro, coordinación de sus partes. Al representar desde la naturaleza: selección y colocación de objetos, elección del mejor punto de vista, iluminación, determinación del formato y tamaño del lienzo, identificación del centro compositivo, subordinando al mismo las partes secundarias de la obra. Al crear una imagen: elegir un tema, desarrollar una trama, encontrar el formato y tamaño de la obra, las características de los personajes, sus relaciones entre sí, poses, movimientos y gestos, expresividad de los rostros, el uso de contrastes y ritmos. todos estos son componentes de la estructura compositiva del cuadro, que sirven para la mejor encarnación del plan del artista. En tal composición, todo se tiene en cuenta: las masas de objetos y sus siluetas, el ritmo con el que se colocan en el lienzo, la perspectiva, la línea del horizonte imaginario y el punto de vista de lo representado, el color de la imagen. , la agrupación de personajes, la dirección de sus miradas, la dirección de la línea de perspectiva, la reducción de los objetos, la distribución de claroscuros, poses y gestos, etc.
Constancia de la percepción visual. - la tendencia a percibir un objeto, su tamaño, forma, luminosidad, color como estable y sin cambios, independientemente de los cambios que se produzcan en él (distancia del espectador, cambios en la iluminación, influencias ambientales, etc.) - Constancia del tamaño - la tendencia Percibir el tamaño de un objeto como constante, a pesar del cambio de distancia al mismo. Como regla general, los dibujantes principiantes no notan ningún cambio prometedor.
constancia de forma - la tendencia a percibir la forma real, incluso si se gira el objeto de modo que su imagen en la retina difiera de la forma real. (Por ejemplo, una hoja de papel cuadrada colocada sobre una mesa parece cuadrada incluso si su proyección en la retina no lo es).
Constancia de brillo - la tendencia a percibir la luminosidad de un objeto como constante, a pesar de los cambios de iluminación; Depende principalmente de la relación constante entre la intensidad de la luz reflejada tanto por el objeto como por su entorno.
constancia del color - la tendencia a percibir el color de un objeto (su color local) independientemente de las condiciones cambiantes de iluminación, su intensidad y su composición espectral (diurna, nocturna, artificial).
Debido al fenómeno de la constancia, la percepción y transmisión en la pintura de objetos y fenómenos exactamente como aparecen ante el ojo en determinadas condiciones de iluminación, en un determinado entorno y a una determinada distancia, plantea una cierta dificultad al inicio del aprendizaje. Un artista novato, aunque sabe que el color cambia según las condiciones de iluminación, lo ve inalterado y no se atreve, por ejemplo, a pintar árboles verdes bajo los rayos del sol poniente como rojizos o cielo azul escribe complejo rosa-ocre, como aparece al atardecer.
A un pintor inexperto le parece que un objeto blanco es blanco en todas sus partes y un objeto oscuro es oscuro. Mientras tanto, en una configuración a escala real, la superficie de un objeto oscuro frente a la luz reflejará más rayos de luz que la parte de sombra de un objeto blanco y, por lo tanto, la sombra de un objeto blanco será más oscura que la parte clara de un objeto oscuro. objeto.
Mientras trabaja en un boceto de un paisaje, un pintor inexperto no se da cuenta de que se acerca el crepúsculo, aunque la iluminación ha disminuido considerablemente.
Los objetos circundantes pueden iluminarse con luz de diferente composición espectral, lo que cambia la composición espectral de la luz reflejada por los objetos. Sin embargo, el ojo de un artista novato ni siquiera nota este cambio de color.
La constancia de la percepción puede aumentar e intensificarse por muchas razones. Cuanto más fuerte es la iluminación cromática y cuanto mayor es la distancia desde la que se observa el objeto, más débil es la manifestación de la constancia. La capacidad de la superficie de un objeto para reflejar fuertemente los rayos de luz también contribuye a una percepción constante: los objetos de colores claros muestran más notablemente la influencia del color de la iluminación. Las adaptaciones de luz y color mejoran la constancia de la percepción. Al observar un paisaje invernal en un clima nublado, solo se pueden notar complejos tonos grisáceos. Si se mira el mismo motivo invernal desde la ventana de una habitación con iluminación eléctrica, el paisaje fuera de la ventana se percibirá como intensamente azulado. Si sale de la habitación al aire libre, después de unos minutos tono azul el paisaje desaparecerá. De manera similar, la constancia nula en el público aparece bajo la iluminación coloreada del escenario del teatro; Después de que la cálida iluminación eléctrica de la sala se desvanece, se abre el telón y el espectador queda encantado con la escena de condiciones de iluminación invernales, lunares o de otro tipo.
Como resultado de la práctica, el artista adquiere la capacidad de notar cambios en el color de un objeto en la naturaleza debido al entorno y la iluminación, ve y transmite toda la riqueza y diversidad del mundo exterior, una gran variedad de gradaciones de color. Como resultado, aparece una iluminación convincente en el lienzo, el color parece complicado y enriquecido por el entorno y la iluminación. Muchos artistas y profesores realizaron ejercicios especiales, creando modelos visuales para comprender las características colorísticas de diferentes condiciones de iluminación. K.. Monet, por ejemplo, escribió una serie de estudios que representan el mismo objeto (un pajar), y así estudió el cambio de color en diferentes condiciones de iluminación en la naturaleza. Para desarrollar una percepción constante, N.N. Krymov colocó un cubo blanco, pintado por un lado con pintura negra, y lo iluminó por este lado con una potente lámpara, dejando el lado blanco en la sombra. Al mismo tiempo, sus alumnos estaban convencidos de que el lado negro iluminado del cubo era más claro que el lado blanco, en la sombra. Krymov invitó a los estudiantes a crear una pequeña pantalla de cartón en forma de acordeón, cuyos planos estaban pintados de diferentes colores e iluminados por dos lados: por un lado con una lámpara eléctrica y por el otro con la luz del día. Los rayos de la lámpara se dirigieron hacia zonas pintadas con colores fríos, mientras que los colores cálidos se dirigieron hacia la luz del día. Los estudiantes se convencieron de que las condiciones de iluminación cambian significativamente los colores de los objetos y, por lo tanto, se liberaron de la percepción constante de los colores.
Un pintor principiante debe deshacerse de la constancia de la percepción y ser capaz de percibir la forma de un objeto, su luminosidad y color, determinados por el entorno lumínico, la iluminación y el espacio.
Diseño - en bellas artes, una esencia, un rasgo característico de la estructura de una forma, que sugiere una relación natural entre las partes de la forma y sus proporciones.
Contraste - 1) una marcada diferencia, la oposición de dos cantidades: tamaño, color (claro y oscuro, cálido y frío, rico y neutro), movimiento, etc.; 2) contraste luminoso y cromático: un fenómeno en el que la diferencia percibida es significativamente mayor que la base física. Sobre un fondo claro, el color de un objeto parece más oscuro; sobre un fondo oscuro, parece más claro. El contraste de luz aparece más claramente en el límite de superficies claras y oscuras. El contraste cromático es un cambio de tono y saturación bajo la influencia de los colores circundantes (contraste simultáneo) o bajo la influencia de colores observados previamente (contraste secuencial). Por ejemplo: el verde junto al rojo aumenta su saturación. El color gris sobre un fondo rojo adquiere un tinte verdoso. El contraste cromático es más fuerte cuando los colores que interactúan son aproximadamente iguales en claridad.
Copiar - el proceso de obtención de copias de un dibujo o dibujo; se puede producir diferentes caminos: pellizcando, trazando, apretando, redibujando a la luz, redibujando en una cuadrícula, así como utilizando un pantógrafo y un epidiascopio.
Peladura - un método de copia sin cambiar la escala: se coloca el original en una hoja de papel en blanco y, con una aguja fina, se pinchan todos los puntos característicos de la imagen o del dibujo, a través de lo cual se dibujan líneas con lápiz en el papel pinchado. .
Rastreo - un método de copiar sin cambiar la escala. Se aplica papel de calco al original, sobre el cual se dibuja una imagen con lápiz o tinta; Primero se debe desengrasar la superficie de trabajo del papel de calco y limpiar con tiza en polvo o carbonato de magnesio.
Apretando - un método de copia sin cambiar la escala: se coloca papel de transferencia seco debajo del original o su copia en papel de calco; Se dibuja una aguja afilada a lo largo de las líneas de la imagen original, por lo que borrón y cuenta nueva La imagen traducida está impresa en papel. El reverso del original (papel de calco) se puede frotar con un lápiz suave, en cuyo caso la imagen transferida se vuelve más clara.
Redibujando a contraluz - un método de copiar sin cambiar la escala. El original se coloca sobre vidrio y se cubre con papel limpio o papel de calco; detrás del vidrio hay una fuente de luz (luz diurna o eléctrica); Las líneas del original que se ven a través del papel están delineadas con un lápiz. Existen fotocopiadoras especiales adaptadas para este fin.
Redibujar en cuadrícula - un método de copia con posible cambio de escala (aumentando o disminuyendo la imagen) utilizando una cuadrícula de coordenadas realizada sobre el original y una hoja de papel en blanco. La imagen se dibuja "en celdas". Las celdas se construyen de forma cuadrada o rectangular. Volver a dibujar en celdas requiere mucha mano de obra y no puede transmitir las líneas del original con una precisión impecable, ya que se realiza a ojo y a mano.
Tira de pintura corporal (pastosa) - ejecución de un boceto o pintura con una capa de pintura al óleo densa, opaca y relativamente gruesa, que a menudo tiene una textura en relieve.
cocodrilos - un boceto rápido de la vida, con menos frecuencia una fijación superficial de un concepto compositivo en forma de dibujo. El término "croki" no se utiliza habitualmente; en su significado general se acerca al término más amplio “boceto”.
Xilografía - el grabado en madera, principal variedad técnica del grabado en relieve, la técnica de grabado más antigua en general. La xilografía se realiza recortando en una tabla, normalmente de madera de peral o de haya, aquellas partes del diseño grabado aplicado encima que deben quedar blancas. En el grabado longitudinal o canteado, las fibras del tablero quedan paralelas a su superficie, y el trabajo se realiza principalmente con cuchillos puntiagudos. Las posibilidades de esta técnica son relativamente limitadas, pero las dificultades son importantes (ya que la resistencia del material fibroso al cuchillo es desigual en direcciones diferentes). El grabado final se realiza sobre una tabla con la veta perpendicular a la superficie; su principal instrumento es la grava, lo que permite una técnica muy sutil y variada.
A diferencia de cualquier tipo de grabado en profundidad, la xilografía se puede imprimir junto con la composición tipográfica en una imprenta normal y, por lo tanto, se utiliza a menudo en la ilustración de libros.
Afortunado . Los artistas barnizan las imprimaciones para protegerlas de la penetración de aceites de las pinturas, introducen barnices en la composición del aglutinante de pintura, antes de seguir trabajando los aplican sobre la capa de pintura endurecida (para una mejor unión de las capas) y finalmente barnizan el acabado. obras. Al mismo tiempo, el barniz realza la riqueza de los colores. La película de barniz protege la pintura del contacto directo con gases atmosféricos nocivos, polvo y hollín del aire. Los barnices en la pintura al óleo ayudan a que se seque de manera más uniforme y rápida, y las capas de pintura se adhieren mejor al suelo y entre sí. Es mejor cubrir los cuadros con barnices de trementina que con barnices al óleo (entonces se oscurecen menos). El barniz fijador fija obras realizadas con carboncillo, sanguina, pasteles y acuarelas.
Modelando la forma con color. - el proceso de modelar un objeto, identificando su volumen y material con matices de color, teniendo en cuenta sus cambios de luminosidad y saturación.
Vidriar - una de las técnicas de la técnica de la pintura, que consiste en aplicar capas muy finas de pinturas duraderas y translúcidas sobre una capa densa y seca de otras pinturas. En este caso se consigue una especial ligereza y sonoridad de los colores, que es el resultado de su mezcla óptica.
Linograbado - grabado sobre linóleo, una especie de grabado en relieve. En términos de técnica y medios artísticos, el linograbado es similar al grabado en madera y, a menudo, se diferencia de él en la impresión sólo por la ausencia de detalles finos.
Litografía - en las bellas artes, un tipo muy extendido de técnica gráfica asociada al trabajo sobre piedra (caliza densa) o una placa de metal que la reemplaza (zinc, aluminio).
El artista realiza una litografía dibujando sobre la superficie granulada o lisa de una piedra con un lápiz litográfico grueso y una tinta especial. Después de grabar la piedra con ácido (que actúa sobre una superficie no cubierta con grasa), el diseño se lava: en su lugar, se aplica tinta de impresión, que se adhiere sólo a las partículas de la piedra sin grabar que coinciden exactamente con el diseño. La pintura se extiende con un rodillo sobre la piedra humedecida; La impresión se realiza en una máquina especial.
color local - un color característico de un objeto determinado (su color) y que no ha sufrido ningún cambio. En realidad esto no sucede. El color de un objeto cambia constantemente bajo la influencia de la intensidad y el color de la iluminación, el entorno, la distancia espacial y ya no se le llama local, sino condicionado. A veces, el color local no significa el color del objeto, sino una mancha homogénea de un color condicionado, tomada en relaciones básicas con los colores vecinos, sin revelar un mosaico de reflejos cromáticos, sin matices de estas manchas principales.
Manera - en relación con la práctica artística: la naturaleza o el método de ejecución como característica puramente técnica (por ejemplo, “manera amplia”).
En la historia del arte, el término “manera” a veces se refiere a las propiedades generales de ejecución características de un artista o escuela de Arte en un cierto período de desarrollo creativo (por ejemplo, la “manera tardía de Tiziano”).
METROaneridad - en la práctica artística: propiedades de planteamiento y ejecución que carecen de sencillez y naturalidad, dando lugar a resultados pretenciosos, rebuscados o convencionales. Muy a menudo, el manierismo se denomina adicción a cualquier manera memorizada y aparentemente espectacular y a todo tipo de prejuicios. técnicas artísticas, una tendencia a la estilización. La expresión extrema del manierismo la da la práctica formalista del arte burgués moderno.
Pinturas de aceite - tintes mezclados con aceite vegetal: aceite de linaza (principalmente), de amapola o de nueces; Las pinturas al óleo se endurecen gradualmente cuando se exponen a la luz y al aire. Muchos sustratos (lienzo, madera, cartón) se impriman previamente para trabajar sobre ellos con pinturas al óleo. La imprimación más utilizada es la siguiente: el material se recubre con cola líquida para madera y, cuando se seca, se limpia con piedra pómez y luego se recubre con tiza en polvo fina mezclada con agua cola hasta obtener la consistencia de crema agria. Para limpiar las brochas, lávalas en queroseno, trementina o gasolina y finalmente en agua tibia y jabón, exprimiendo la pintura de la raíz de la brocha, y luego enjuaga con agua limpia.
Materialidad Los objetos representados se transmiten principalmente por la naturaleza del claroscuro. Los objetos compuestos de diferentes materiales tienen gradaciones características de luz y sombra. El objeto cilíndrico de yeso tiene transiciones suaves de luz a penumbra, sombra y reflejo. El recipiente cilíndrico de vidrio no tiene gradaciones pronunciadas de luces y sombras. En su forma sólo hay reflejos y reflejos. Los objetos metálicos también se caracterizan principalmente por deslumbramientos y reflejos. Si transmites la naturaleza del claroscuro en el dibujo, los objetos parecerán materiales. Otros, aún más condición importante, de la que depende la representación de las cualidades materiales de los objetos, es la coherencia en un dibujo o esbozo pictórico de relaciones tonales y cromáticas proporcionales a la naturaleza entre los objetos. Al percibir las cualidades materiales de los objetos, nuestra conciencia se basa principalmente en sus relaciones (diferencias) tonales y cromáticas. Por lo tanto, si la naturaleza del claroscuro, las relaciones tonales y cromáticas se transmiten de acuerdo con la imagen visual de la naturaleza, obtenemos una imagen veraz de las cualidades materiales de los objetos de naturaleza muerta o de paisaje.
Pintura multicapa - la variedad técnica más importante de la pintura al óleo, que requiere la división de la obra en varias etapas sucesivas (pintura de base, registro, vidriado), separadas por pausas para el secado completo de la pintura. Al realizar una gran composición temática, así como durante un trabajo de larga duración en general, la pintura multicapa es la única técnica completa de pintura al óleo. Antes mediados del 19 v. Todos los principales artistas avanzados del pasado utilizaron esta técnica como principal. Posteriormente, los impresionistas y sus seguidores lo abandonaron.
Desde un punto de vista tecnológico estrecho, no relacionado con la técnica de los antiguos maestros, el concepto de pintura multicapa sólo puede corresponder a la aplicación sobre una capa de pintura seca (sin pintura base ni vidriado).
Modelado - en bellas artes: la transferencia de propiedades volumétrico-plásticas y espaciales del mundo objetivo a través de gradaciones de luces y sombras (pintura, gráfica) o la correspondiente plasticidad de formas tridimensionales (escultura, en particular relieve). El modelado se suele realizar teniendo en cuenta la perspectiva y, en la pintura, además, con la ayuda de gradaciones de color indisolublemente ligadas al claroscuro. Las tareas del modelado no se limitan a la simple reproducción del mundo objetivo: al participar en las características ideológicas y figurativas de un objeto, generaliza, realza y revela lo más esencial y característico.
Modernismo - designación general de las tendencias en el arte y la literatura de finales del siglo XIX-XX. (cubismo, dadaísmo, surrealismo, futurismo, expresionismo, arte abstracto, etc.). Las principales características del modernismo: negación del papel cognitivo y social del arte, su carácter ideológico, nacionalidad, sustitución del arte por todo tipo de trucos, total distorsión o desconocimiento de las tradiciones profesionales del patrimonio artístico realista.
Mosaico - una variedad técnica especial de pintura monumental, basada en el uso de sólidos multicolores: esmalte, piedras de colores naturales, esmaltes de colores sobre arcilla cocida, etc. como principal material artístico. La imagen está formada por piezas de dichos materiales, bien encajadas entre sí, montadas sobre cemento o masilla especial y luego pulidas. Con el llamado método de colocación directa, el mosaico se realiza desde la parte frontal, en el lugar previsto para ello (pared, bóveda, etc.) o en una losa separada, que luego se incrusta en la pared. Cuando se colocan al revés, las piezas de colores son visibles para el artista solo desde atrás, ya que están pegadas con la superficie frontal sobre un revestimiento delgado temporal (que se retira después de que el mosaico se transfiere a la pared). El primero de estos métodos es relativamente complejo y requiere mucho tiempo, pero es más perfecto desde el punto de vista artístico.
Caballete - una máquina (de ahí la definición de “pintura de caballete”), necesaria para que el artista mantenga la inclinación deseada del cuadro mientras trabaja. El principal requisito para un caballete es la estabilidad.
Monotipia - un tipo especial de técnica gráfica asociada al proceso de impresión, pero muy diferente de cualquier tipo de grabado por la ausencia total de influencias mecánicas o técnicas en la superficie del tablero. Las pinturas se aplican a mano sobre una superficie lisa y luego se imprimen en una máquina. La impresión resultante es la única.
y único.
METROmonumentalidad en las obras de pintura de caballete está determinada por la importancia social del tema de la pintura, su patetismo heroico, la profundidad y el poder de encarnación de las ideas en imágenes apropiadas: simples, estrictas, majestuosas y expresivas.
Boceto en color - un boceto de pequeño tamaño, ejecutado con fluidez y rapidez. El objetivo principal de dicho boceto es adquirir la capacidad de percibir la naturaleza de manera integral, encontrar y transmitir las relaciones cromáticas correctas de sus objetos principales. Se sabe que la estructura pictórica completa de una imagen está determinada por la transferencia proporcional de diferencias entre las principales manchas cromáticas de la naturaleza. Sin esto, ningún estudio cuidadoso de los detalles, los reflejos y los mosaicos de matices de color conducirá a una imagen pictórica en toda regla.
Nacionalidad - conexión entre el arte y la gente, condicionalidad fenómenos artísticos vida, lucha, ideas, sentimientos y aspiraciones de las masas, expresión en el arte de sus intereses y psicología. Uno de los principios básicos del realismo socialista.
Naturaleza - en la práctica de las bellas artes, son cualesquiera fenomenos naturales, objetos y sujetos que el artista representa observando directamente el modelo. Como regla general, solo se representan de la vida un boceto, un boceto, un boceto, un retrato y, a veces, un paisaje.
Naturalismo - en las artes visuales se expresa aisladamente de amplias generalizaciones, de ideas ideológicas y conduce a un método de copia puramente externa de todo lo que está en el campo de visión. Los pintores principiantes también piensan a veces que el objetivo absoluto de las bellas artes es representar fielmente la naturaleza y al mismo tiempo transmitir sus cualidades volumétricas, materiales y espaciales. Por supuesto, es necesario dominar la alfabetización visual y las técnicas técnicas de pintura. Sin embargo, es igualmente importante desarrollar simultáneamente la capacidad de ver la realidad a través de los ojos de un artista. Una imagen pictórica no es un reflejo de la naturaleza. "La pintura", dijo I. I. Levitan, "no es un protocolo, sino una explicación de la naturaleza a través de medios pictóricos". El pintor selecciona y resume en la colorida diversidad de la naturaleza aquellos elementos que pueden transmitir expresivamente el concepto ideológico y figurativo. Intenta revelar la esencia de lo que se representa, muestra lo que le entusiasma. Esto revela la personalidad del artista, su visión del mundo, así como su gusto y experiencia práctica en el uso de materiales y técnicas coloridas.
Naturaleza muerta - uno de los géneros de las bellas artes, dedicado a la reproducción de artículos para el hogar, frutas, verduras, flores, etc. La tarea del artista que representa una naturaleza muerta a través de la pintura es transmitir la belleza colorista de los objetos que rodean a una persona, su esencia volumétrica y material, y también para expresar su actitud hacia lo representado. La imagen de una naturaleza muerta es especialmente útil en la práctica educativa para dominar la habilidad pictórica. En la naturaleza muerta, el artista comprende las leyes de la armonía del color y adquiere la habilidad técnica del modelado pictórico de la forma.
Generalización artística - la capacidad del artista para conocer la realidad objetiva, identificando lo principal y esencial en los objetos y fenómenos mediante la comparación, el análisis y la síntesis. Una obra de arte es el resultado de la expresividad de lo general, preservando al mismo tiempo toda la singularidad de la imagen visual concreta.
En un sentido profesional estrecho, la generalización es la última etapa del proceso de dibujar o pintar del natural, tras la elaboración detallada de la forma. En esta etapa del trabajo se generalizan los detalles para crear una imagen holística de la naturaleza a partir de su percepción visual integral.
Imagen artística - una forma específica de reflejo de la realidad en una forma concretamente sensual y visualmente percibida. La creación de una imagen artística está estrechamente relacionada con la selección de las más características, con el énfasis en los aspectos esenciales de un objeto o fenómeno dentro de la naturaleza única individual de estos objetos y fenómenos. Se sabe que la conciencia humana refleja no sólo la imagen visual objetiva de un objeto o fenómeno, sino también las cualidades emocionales de su percepción. Por tanto, la imagen artística en la pintura contiene no sólo las características reales del objeto representado, sino también su significado sensorial y emocional. Cada imagen es a la vez un reflejo veraz de la realidad objetiva y una expresión de los sentimientos estéticos del artista, su actitud individual y emocional hacia lo representado, su gusto y su estilo.
Perspectiva inversa - una técnica errónea para dibujar la perspectiva, cuya esencia es que las líneas paralelas y horizontales en el espacio en la imagen no se representan convergentes, sino divergentes; Esto ocurre con bastante frecuencia en la pintura de iconos antiguos, como consecuencia de la ignorancia de los artistas de las reglas elementales de construcción de la perspectiva (en algunos casos, se permite la violación deliberada de las reglas de construcción de la perspectiva).
Estado general tonal y de color de la naturaleza. - el resultado de diferentes intensidades de iluminación. Para transmitir el estado de iluminación diferente (por la mañana, por la tarde, por la noche o en un día gris), al construir la combinación de colores del boceto, no siempre se utilizan los colores claros y brillantes de la paleta. En algunos casos, el artista construye una relación en un rango reducido de luminosidad y intensidad del color (día gris, cuarto oscuro), en otros casos con colores claros y brillantes (por ejemplo, un día soleado). De esta manera, el artista mantiene las relaciones tonales y cromáticas del boceto en diferentes gamas (escalas) tonales y cromáticas. Esto ayuda a transmitir el estado de iluminación, lo cual es especialmente importante en la pintura de paisajes, ya que es este estado el que determina su impacto emocional (ver la escala tonal y cromática de la imagen).
Volumen - imagen de una forma tridimensional en un plano. Se lleva a cabo principalmente mediante la correcta construcción constructiva y perspectiva del tema. Otro medio importante para transmitir volumen en un plano es la gradación de luces y sombras, expresada en color: luces, luces, penumbra, sombra propia y descendente, reflejo. La imagen del volumen en el plano pictórico también se ve facilitada por la dirección del trazo o sombreado, su movimiento en la dirección de la forma (en superficies planas son rectos y paralelos, en superficies cilíndricas y esféricas, arqueados).
aureola - un fenómeno también conocido como “irradiación”; Ocurre como resultado de la dispersión de la luz brillante en el líquido transparente que llena el globo ocular. Debido a la mayor sensibilidad del ojo en la oscuridad, reacciona fuertemente al observar fuentes de luz brillante (un fuego o una lámpara encendida). Durante el día no parecen brillantes, pero al anochecer o de noche pueden cegar los ojos. Los ojos casi no perciben el color de las fuentes de luz brillante, pero alrededor hay un halo. cuerpos luminosos O los objetos muy iluminados tienen un color más pronunciado. La llama de la vela parece casi blanca y el halo que la rodea parece amarillo. Una iluminación fuerte sobre una superficie brillante aparece blanca y el halo que la rodea adquiere la propiedad de color de la fuente de luz. Los delgados troncos de los árboles contra el fondo del cielo están completamente envueltos en un halo, es decir, se ven azules, y contra el fondo de una puesta de sol amarilla, aparecen naranja o rojo. Cuando se transmite un halo en una imagen, el ojo percibe los objetos como luminosos (velas, ventanas luminosas de día y de noche, estrellas en el cielo, etc.). Representado sin halo, compañero indispensable de la luz brillante, el tronco del árbol y su copa parecen una aplicación dura sobre el fondo de un cielo claro, las estrellas sin halo dan la impresión de motas de pintura pulverizadas sobre un fondo oscuro, reflejos brillantes. sin halo, sobre el fondo de una jarra, parecen manchas claras.
La base - en tecnología de pintura: el material sobre el que se aplica la imprimación y la capa de pintura de la pintura. El tipo de base más común es el lienzo, la madera (fue la base más común en la antigüedad, en algunos tipos de pintura se utilizan menos cartón, papel, metal, vidrio, linóleo, etc.). (por ejemplo, fresco, acuarela, etc.) la base se utiliza sin preparación especial.
Lavado - 1) técnica de acuarela utilizando pintura o tinta muy líquida. Para pintar una zona relativamente grande con un tono claro, tiñe aproximadamente medio vaso de agua con pintura, deja que la pintura se asiente (es mejor filtrarla después) y utiliza un pincel para tomar la “solución” desde arriba, sin tocar la superficie. fondo del vaso; 2) aclarar la pintura o retirarla del papel con un pincel humedecido en agua limpia y recoger la pintura empapada con papel secante (el procedimiento se repite varias veces).
Las relaciones son de color - diferencias de luminosidad y color de los objetos: qué es más claro en la naturaleza, qué es más oscuro, más diferencias de color y su saturación.
Matiz (matiz): una pequeña diferencia de color, luminosidad o saturación de color, a menudo apenas perceptible.
Grabando - grabado con aguja o línea, tipo técnico muy utilizado de grabado en profundidad sobre metal. Trabajar en un grabado rayando el fondo del grabado con agujas especiales, generalmente en una técnica de dibujo de línea libre. La duración desigual del grabado de los detalles de la imagen con ácidos da como resultado diferencias en la fuerza y riqueza del trazo. La técnica del grabado se caracteriza por su relativa simplicidad y gran flexibilidad.
Sensación visual - el resultado de la interacción de la energía radiante con el órgano de la visión y la percepción de esta interacción por la conciencia. Como resultado, una persona recibe una variedad de sensaciones de luz y color, ricas gradaciones de color que caracterizan la forma de los objetos y los fenómenos naturales en diversas condiciones de iluminación, medio ambiente y espacio.
Paleta - 1) una pequeña tabla delgada de forma cuadrangular u ovalada en la que el artista mezcla pinturas mientras trabaja; 2) una lista exacta de pinturas que un artista en particular utiliza en su práctica creativa.
Panorama - un lienzo para pintar en forma de cinta circular cerrada. En el lienzo, delante de la imagen pictórica, se colocan varios objetos de utilería reales que crean la ilusión de una transición directa del espacio real del primer plano al espacio pictórico de la imagen. El panorama se encuentra en una sala de imágenes especialmente construida con una plataforma de observación central, generalmente oscurecida. A diferencia de un panorama, un diorama es pintura escénica en forma de cinta semicircular curva.
Ejemplos insuperables hasta ahora son los panoramas creados por el artista F. A. Rubo “Defensa de Sebastopol” (1902-1904) y “Batalla de Borodino” (1911).
Pastel - Lápices de colores sin montura elaborados con polvos de colores. Se obtienen mezclando pintura en polvo con un adhesivo (pegamento de cereza, dextrina, gelatina, caseína). Trabajan con pasteles sobre papel, cartón o lienzo. Las pinturas se aplican con trazos, como en el dibujo, o se frotan con los dedos con sombreado, lo que permite lograr los matices de colores más finos y las transiciones de color delicadas, una superficie mate aterciopelada. Cuando trabaje con pastel, puede quitar o cubrir fácilmente las capas de pintura, ya que se raspa libremente del suelo. Las obras realizadas con pasteles suelen fijarse con una solución especial.
Pastosidad - 1) en la técnica de la pintura al óleo: un espesor importante de la capa pictórica, utilizada como soporte artístico. Actuando como característica técnica, el empaste siempre permanece perceptible a la vista y se manifiesta en una cierta irregularidad de la capa de pintura, en un "trazo en relieve", etc. En un sentido estricto, puramente tecnológico, el empaste a veces se denomina pintura en capa gruesa. con una superficie plana, en la que el empaste puede resultar invisible (pintura corporal); 2) una propiedad especial de la plasticidad del material de pintura, que permite que la pintura al óleo no licuada conserve completamente la forma que le da el pincel.
Escenario - vista, imagen de cualquier área; en pintura y gráfica, un género y una obra independiente en la que el tema principal de la imagen es la naturaleza. A menudo se representan vistas de ciudades y complejos arquitectónicos (paisaje arquitectónico), vistas al mar (puerto deportivo).
Variegación (fragmentación) de la imagen. - defectos en un dibujo o boceto que ocurren cuando un artista novato dibuja o pinta la naturaleza en partes, "a quemarropa". Como resultado, la forma de los objetos está sobrecargada de detalles, sus contornos son nítidos, muchos objetos y sus superficies tienen el mismo tono y la intensidad del color. Esto sucede porque el artista inexperto, aunque comparaba los objetos por tono y color, los miraba alternativamente, por separado. Cuando un artista desarrolla la habilidad de ver (completamente) simultáneamente y comparar objetos según tres propiedades de color (color, luminosidad, saturación), la diversidad tonal de la imagen desaparece.
Planes espaciales - áreas de espacio condicionalmente separadas ubicadas a diferentes distancias del observador. Hay varios planos en la imagen: primero, segundo, tercero o adelante, medio, atrás. El espacio en el plano del lienzo o del papel se transmite principalmente mediante la construcción correcta de la perspectiva. Si los objetos o volúmenes en planos espaciales se dibujan sin un estricto cumplimiento de sus cambios de perspectiva, la combinación de colores servirá de poco para representar el espacio. La transferencia de las cualidades espaciales de la imagen también se ve facilitada por la naturaleza del trazo (en el dibujo, la naturaleza del trazo). La técnica de sombrear objetos en primer plano es más definida, rígida y densa. El trazo de pintura es más pastoso, en relieve, fraccionado. Los planos distantes se transmiten con un toque más suave, una fina capa de pintura vidriada.
El plastico - armonía, expresividad y flexibilidad de formas, líneas, notadas por el artista en la naturaleza representada.
pintura al aire libre - pintura debajo Aire libre. Los cambios en los colores de la naturaleza bajo la influencia de la luz y el aire tienen una importancia activa al escribir un boceto al aire libre. Se debe prestar especial atención al tono general y al estado cromático de la naturaleza (dependiendo de la intensidad y el color de la iluminación) y al fenómeno de la perspectiva aérea. El momento decisivo en la pintura al aire libre es la coherencia de la escala tonal y de color al construir las relaciones tonales y de color del boceto (ver escala tonal y de color de la imagen):
Pintura base - la etapa preparatoria del trabajo en una pintura, realizada mediante la técnica de la pintura al óleo. La pintura de base se suele realizar con una fina capa de pintura y puede ser monocromática o multicolor.
Camilla. El lienzo sobre el que pinta el artista está tensado sobre un bastidor. Su finalidad es mantener la lona tensa. Esto se consigue mediante una fijación no rígida de las tablas de madera del bastidor auxiliar. Si las esquinas del bastidor están bien sujetas, es difícil corregir la flacidez de la lona debido a la humedad. Se realizan biseles en las lamas del subchasis, dirigidos hacia el interior del subchasis. De lo contrario, en los puntos de contacto de la lona con las nervaduras internas del bastidor, la lona se deforma y aparecen sobre ella las nervaduras internas del bastidor. Los bastidores de camillas grandes están hechos con una cruz, que los protege de deformaciones diagonales y desviaciones de las lamas.
Penumbra - una de las gradaciones de luces y sombras en la superficie de un objeto tridimensional, intermedia entre luces y sombras (tanto en la naturaleza como en la imagen).
Retrato - una imagen que captura la apariencia de una persona en particular, sus características individuales. El arte del retrato requiere que, junto con el parecido externo, la apariencia de una persona refleje sus intereses espirituales, su estatus social y los rasgos típicos de la época a la que pertenece. En el retrato también debe estar presente la actitud personal del artista hacia las personas retratadas, su visión del mundo y la huella de su manera creativa.
Primitivismo - uno de los movimientos formalistas en bellas artes. Se caracteriza por un rechazo total de los logros del realismo en aras de imitar las formas artísticas de las llamadas épocas primitivas (tribus primitivas), tomando prestadas deliberadamente las características de los dibujos infantiles, etc.
Inscripciones - en la técnica de la pintura al óleo, la etapa principal de ejecución de un gran lienzo, a la que sigue la pintura de base, antes del vidriado. El número de inscripciones depende del avance de la obra del artista; cada uno de ellos termina con la pintura completamente seca. En el sentido amplio e impreciso de la palabra, a veces se denomina pintura de base, así como cualquier procesamiento de un lienzo ya terminado o de sus detalles.
Dimensiones - la relación de los tamaños de los objetos o sus partes entre sí y con el todo. En el dibujo o la pintura, estas relaciones se transmiten en correspondencia proporcional, es decir, similares, reducidas o aumentadas el mismo número de veces. El cumplimiento de las proporciones es fundamental, ya que son el rasgo más característico del sujeto y forman la base de una imagen veraz y expresiva.
Proporcionalidad de las relaciones - la ley de la pintura realista, que determina la relación de cada mancha de color claro del boceto con otras, proporcional a la imagen visual de la naturaleza, condición importante para una imagen veraz y holística de la realidad. Nuestra percepción visual y reconocimiento de la forma, el color, el material de los objetos y el estado de iluminación se basan en sus relaciones tonales y cromáticas. Las características de tono y color no se perciben visualmente de forma aislada, sino según el entorno, junto con otros tonos y colores. Por tanto, el artista reproduce en un boceto las diferencias tonales y cromáticas de la naturaleza, así como las dimensiones en perspectiva de los objetos, utilizando el método de correspondencia proporcional entre la imagen y la imagen visual de la naturaleza. Con ello se consigue el estado de iluminación del boceto, un verdadero modelado. forma volumétrica, materialidad, profundidad espacial y otras cualidades pictóricas de la imagen.
El proceso de pintar de la vida. Implica un orden especial de trabajo al principio, en la mitad y en la etapa final. Este proceso va de lo general a la elaboración detallada de la forma y termina con la generalización, resaltando lo principal y subordinando lo secundario a ello. En pintura, en estas etapas se resuelven las siguientes tareas específicas: 1) encontrar las relaciones de las principales manchas de color, teniendo en cuenta el estado tonal y cromático de la iluminación (su intensidad y composición espectral), 2) los "estiramientos" del tono de color. dentro de las relaciones básicas encontradas, modelado de color de la forma volumétrica de objetos individuales, 3) en la etapa de generalización: suavizar los contornos nítidos de los objetos, silenciar o realzar el tono y el color de los objetos individuales, resaltar lo principal, subordinar lo secundario lo. En última instancia, toda la imagen pictórica alcanza la integridad y la unidad, la impresión que recibe la visión al ver la naturaleza en su conjunto.
Diluyentes . Para las pinturas de acuarela y gouache, el único diluyente es el agua. Para diluir pinturas al óleo se utilizan composiciones de origen trementina (pineno nº 4) o productos derivados del petróleo mezclados con alcohol o aceite de linaza (diluyentes nº 1, 2). Añadiendo, por ejemplo, pineno, a pintura de aceite Promueve su secado más rápido. Además, para garantizar una mejor adherencia de las capas de pintura, la superficie endurecida de la capa de pintura se limpia con pino antes de volver a pintarla.
Ángulo - reducción en perspectiva de la forma de un objeto, provocando un cambio en su forma habitual; Contracciones pronunciadas que ocurren al observar un objeto desde arriba o desde abajo.
Marco. Un cuadro creado por un artista tiene un marco. Completa la composición, le da unidad y dirige la atención del espectador hacia la obra misma. La mayoría de las veces, el marco tiene una forma rectangular, ocasionalmente redonda u ovalada. A menudo, las lamas del marco tienen perfiles delgados, como escalones, que descienden hasta el propio cuadro. Ayudan al ojo del espectador a sumergirse más fácilmente en el mundo de lo que se representa. Los artistas tratan el marco como una parte esencial de la composición pictórica y lo pintan claro y colores oscuros diferentes tonos. Hay marcos con ricos motivos plásticos, adornos florales o geométricos convencionales.
Realismo - un método de creatividad artística basado en un conocimiento profundo de la vida y un reflejo figurativo de su esencia y belleza. El realismo en la pintura se basa en la representación de la vida en las formas de vida misma. El artista estudia constantemente la vida con lápiz y pincel en mano y domina perfectamente la habilidad de representar fielmente objetos y objetos de la realidad. Sin conocimiento orgánico y generalización de la vida, por un lado, y la capacidad de encarnar todo esto en una imagen visual específica, por otro lado, la imagen artística en la imagen se convierte en un diagrama desprovisto de persuasión realista.
realismo socialista - un método del arte socialista destinado a reflejar veraz e históricamente específica la realidad en su desarrollo revolucionario con el fin de educar ideológica y estéticamente al pueblo en el espíritu del socialismo y el comunismo.
Reflejo - un reflejo de luz o color que aparece en una forma como resultado del reflejo de los rayos de luz de los objetos circundantes. Los colores de todos los objetos están interconectados entre sí mediante reflejos. Cuanto mayor es la diferencia de luminosidad y color entre dos objetos adyacentes, más notorios son los reflejos. En superficies rugosas y mate son más débiles; en superficies lisas son más notorios y de contorno más definido. En superficies pulidas son especialmente distintos (en este caso se ven realzados por la reflexión especular).
Dibujo -1) reproducción completa del mundo objetivo: modelado volumétrico-espacial, proporciones correctas, expresión veraz, carácter claramente expresado, etc. Esta es la base para una representación realista de la realidad en general, por cualquier medio y técnica técnica. Aprender a dibujar es la parte más importante de la formación profesional de un pintor, artista gráfico y escultor; 2) un tipo de gráfica artística basada en medios técnicos y capacidades de dibujo. A diferencia de la pintura, el dibujo se realiza principalmente con una sustancia colorante sólida (lápiz, carboncillo, sanguina, etc.), generalmente mediante un trazo y una línea, con la función auxiliar del color; 3) una obra separada del tipo de gráfica correspondiente.
Ritmo y cadencia - repetibilidad de determinados elementos compositivos de una obra, su especial proporcionalidad, que conduce a una coherencia armoniosa y natural del conjunto. El ritmo puede manifestarse a través de contrastes y correspondencias de agrupaciones de figuras, objetos, líneas, movimientos, manchas de luces y sombras y colores, planos espaciales, etc.
Luz - un elemento de gradaciones de corte, utilizado para indicar la parte iluminada de la superficie de los objetos.
Luminosidad (tono) - grado comparativo de diferencia con respecto a la oscuridad: cuanto más lejos de la oscuridad, mayor es la claridad del color.
Abertura - el grado de luminosidad de un objeto, su tono. La apertura depende de la presencia de otros tonos (adyacentes), así como del color de los objetos.
Claroscuro - gradaciones regulares de luz y oscuridad en la forma tridimensional de un objeto, gracias a las cuales, tanto en especie como en dibujo, el ojo percibe propiedades del objeto como el volumen y la materia. Las principales gradaciones del claroscuro: luces, luz, penumbra, sombra propia, reflejo, sombra descendente.
Propiedades de color - tono de color o matiz: rojo, azul, amarillo, amarillo verdoso, luminosidad y saturación (el grado de diferencia con el gris, es decir, el grado de proximidad al color espectral puro). En el proceso de pintura, los colores del escenario a escala real se comparan en función de estas tres propiedades, se encuentran sus diferencias de color y se transfieren al boceto en relaciones proporcionales.
Aglutinante - es una sustancia astringente (pegamento, aceite, cal apagada, yema de huevo de gallina), con la ayuda de la cual las partículas de pigmento se conectan entre sí y se fijan a la superficie del suelo, formando una capa de pintura. Los tipos de pintura (fresco, pintura al óleo, tempera) se diferencian precisamente en la composición del aglutinante, aunque el pigmento suele ser el mismo.
Silueta - una imagen plana de un color oscuro sobre un fondo claro. persona, animal u objeto. El término proviene del nombre del ministro de finanzas francés del siglo XVIII. E. de Silhouette, que fue caricaturizado en forma de perfil de sombra.
Símbolo. - una imagen que expresa alegóricamente algún concepto amplio o idea abstracta. En el caso de que la conexión de un símbolo con el concepto que expresa se derive de la similitud interna en el contenido, la relación entre el objeto representado y su significado alegórico, el uso del símbolo se vuelve apropiado y posible en las bellas artes realistas. Se utiliza un símbolo cuando se quiere expresar un concepto amplio y multicontenido de forma lacónica y concisa.
Contenido y forma en el arte. - categorías indisolublemente ligadas e interdependientes, una de las cuales indica qué se refleja y expresa exactamente en la obra (contenido), y la segunda indica cómo y por qué medios se logra esto (forma). El papel protagonista y determinante pertenece al contenido. Se convierte en un determinado fenómeno de la vida, consciente y estéticamente comprendido por el artista en el proceso de su trabajo creativo. La categoría de forma artística en las bellas artes incluye: trama, composición, tipografía, dibujo, estructura de color, volumen, espacialidad, estructura de luces y sombras, etc. Cabe señalar que los méritos artísticos de una obra dependen directamente de cuán profesionalmente preparado está el artista en el uso de formas de expresión. Sin un dominio práctico de la cultura del uso del color, es imposible expresar el contenido figurativo mediante la pintura en un determinado material.
Comparación - un método para determinar proporciones, relaciones tonales y cromáticas, etc. Nuestra conciencia reconoce las propiedades y cualidades a través de la comparación. Es posible comprender la naturaleza de la forma de un objeto, determinar su tono y color, solo comparándolo con otros objetos. Para representar fielmente la naturaleza, el artista debe crear en el boceto diferencias en los objetos en tamaño, tono y color que sean proporcionales a la naturaleza. Sólo mediante el método de comparación (con una percepción completa de la naturaleza) se pueden determinar en la naturaleza las relaciones de color entre los objetos y transmitirlas sobre un lienzo o papel.
Estilización - 1) imitación deliberada de un estilo artístico, característico de un autor, género, movimiento, para el arte y la cultura de un determinado entorno social, nacionalidad, época. Suele implicar una interpretación libre del contenido y estilo del arte que sirvió de prototipo; 2) en bellas artes y principalmente en artes decorativas y diseño, generalización de figuras y objetos representados mediante técnicas convencionales; la estilización es especialmente característica del adorno, donde convierte el objeto de la imagen en un motivo de patrón.
Estilo - 1) la comunidad de características ideológicas y artísticas de las obras de arte de una determinada época. El surgimiento y cambio de estilos está determinado por el curso del desarrollo histórico de la sociedad (por ejemplo, clasicismo, barroco, etc.); 2) peculiaridad nacional arte (estilo chino, morisco, etc.). También hablan del estilo de un grupo de artistas o de un artista, si su trabajo se distingue por características individuales brillantes.
Pincel seco - en pintura y gráfica, técnica técnica auxiliar que consiste en trabajar con pinceles duros y débilmente saturados de pintura. Como técnica independiente, el cepillado en seco se utiliza principalmente en artes decorativas.
Sfumato - en pintura y gráfica, término asociado a la pintura del Renacimiento italiano a partir de Leonardo da Vinci y que significa la suavidad de la ejecución, la elusividad de los contornos de los objetos como resultado de un cierto enfoque artístico.
Trama - 1) un evento o fenómeno específico representado en la imagen. El mismo tema puede explorarse en muchas historias; 2) a veces se entiende por trama cualquier objeto de la naturaleza viva o del mundo objetivo que se toma para representar. A menudo, la trama reemplaza el concepto de motivo subyacente de la obra (especialmente un paisaje).
Proceso creativo (creatividad) - el proceso de creación de una obra de arte, desde la concepción de un concepto imaginativo hasta su implementación, el proceso de traducir las observaciones de la realidad en una imagen artística. En pintura, la creatividad consiste en crear una obra en formas visibles y directamente fiables.
Sujeto - un círculo de fenómenos elegidos por el artista para representar y revelar la idea de la obra.
Pinturas al temple - pinturas adhesivas al agua preparadas a partir de polvos secos mezclados con yema de huevo diluida con agua adhesiva. Actualmente también se producen pinturas semilíquidas, envasadas en tubos y preparadas con yema, huevo entero o una emulsión de aceite vegetal con huevo y cola. Con las pinturas al temple se pueden pintar de forma espesa, como los óleos, y finas, como las acuarelas, diluyéndolas con agua. Se secan más lentamente que el gouache. La desventaja es la diferencia en los tonos de pintura húmeda y seca. Los cuadros pintados con pinturas al temple tienen una superficie mate, por lo que a veces se recubren con un barniz especial que elimina esta opacidad.
Sombra - elemento de claroscuro, las zonas más tenuemente iluminadas de la naturaleza y de la imagen. Se hace una distinción entre sombras naturales y sombras caídas. Las sombras propias son aquellas que pertenecen al propio objeto. Las caídas son sombras proyectadas por el cuerpo sobre los objetos circundantes.
Colores cálidos y fríos . Los colores cálidos se asocian convencionalmente con el color del fuego, el sol y los objetos incandescentes: rojo, rojo anaranjado, amarillo verdoso. Los colores fríos están asociados con el color del agua, el hielo y otros objetos fríos: azul verdoso, azul, azul azul, azul violeta. Estas cualidades del color son relativas y dependen de la ubicación de otro color cercano. El ultramar, por ejemplo, es frío por sí solo, pero junto al azul de Prusia será cálido y el kraplak rojo parecerá más frío que el cinabrio rojo.
La apariencia cromática de la naturaleza visible siempre contiene tonos cálidos y fríos. Esta calidez-frialdad de tonos se basa principalmente en contrastes de color naturales entre luces y sombras. En la naturaleza, a menudo sucede que los colores de los objetos son fríos y sus sombras cálidas, y viceversa. El fenómeno de la frialdad también se ve facilitado por la llamada percepción visual contrastante de los colores: a partir de la presencia de un color cálido en la naturaleza percibida, aparece en la retina de los ojos la impresión de un color frío, aunque este no es el caso en naturaleza. La calidez y la frialdad en la pintura son un fenómeno natural y una cualidad integral de una representación pictórica de un boceto de la naturaleza o de una pintura.
Técnica - en el ámbito del arte: conjunto de habilidades y técnicas especiales mediante las cuales se realiza una obra de arte. El concepto de “técnica” en el sentido estricto de la palabra suele corresponder al resultado directo e inmediato del trabajo del artista con un material y herramienta especiales, la capacidad de utilizar las capacidades artísticas de este material; en un sentido más amplio, este concepto también abarca los elementos correspondientes de carácter pictórico: la transferencia de la materialidad de los objetos, la escultura de una forma tridimensional, el modelado de relaciones espaciales, etc. Sin excepción, todos los medios técnicos deben conducir a un resultado artístico conocido, al menos modesto.
Los medios técnicos del arte no permanecen neutrales en relación con el contenido. Las principales características de la técnica realista están determinadas principalmente por su subordinación a la estructura ideológica y figurativa de la obra.
ttecnica de pintura - ver pintura al óleo, acuarela, gouache, témpera, pintura con cola, pastel, encáustica, fresco, mosaico.
Tono (sin acompañar la palabra "color") - en la terminología de los artistas, equivale al concepto de claridad del color (pintura). Cualquier color cromático o acromático puede tener diferente luminosidad. Se puede decir acerca del tono dentro de un solo color, como el rojo, "un tono claro de pintura roja" o "un tono oscuro de pintura". A veces el término “tono” se utiliza en relación con el color, por ejemplo “tono dorado de un panel”, “tono marrón de una pintura”. Los artistas suelen utilizar el término "luminosidad" o "apertura" del color en lugar del término "tono" de un color.
Llave - un término que significa características externas coloración o claroscuro en obras de pintura y gráfica. Se utiliza más comúnmente en relación con el color y coincide con el término “gama de colores”.
Escala tonal y de color de la imagen. . La transferencia de relaciones tonales y cromáticas proporcionales a la naturaleza se puede realizar en diferentes rangos de luminosidad y saturación de colores en la paleta. Esto depende del estado general de la intensidad de la iluminación de la naturaleza y de su distancia del pintor. Para transmitir este estado, antes de comenzar cada obra desde la naturaleza, el artista primero descubre qué tipo de luz y color potencian la luz y los puntos brillantes. de la naturaleza estará en el boceto. El artista puede tomar los colores más claros y saturados de la naturaleza en un boceto o con toda la fuerza de la luz y colores brillantes paletas, o sólo la mitad de sus capacidades. Así se mantiene la escala tonal y cromática de la imagen, en la que se reflejan las relaciones tonales y cromáticas de los objetos en el entorno a escala real.
Imagen de tono - una imagen con diferentes transiciones tonales de luz a sombra, es decir, con áreas que tienen diferentes intensidades tonales. Un ejemplo típico Una imagen tonal es una fotografía, un dibujo al óleo o acuarela de un color (grisalla), así como un dibujo a lápiz realizado mediante sombreado.
Relaciones tonales . El reconocimiento de la forma tridimensional de los objetos y su material se produce en nuestra conciencia sobre la base de la percepción visual de sus relaciones luminosas. Por tanto, el artista debe reproducir las relaciones luminosas del dibujo utilizando el método de la similitud. A través de gradaciones de luces y sombras sobre una forma volumétrica y la transferencia de relaciones tonales proporcionales a la naturaleza entre el color (material) de los objetos, el artista logra un verdadero modelado volumétrico de la forma, expresión de la materialidad, profundidad espacial y estado de iluminación (tonal). dibujo, pintura mediante la técnica de la grisalla).
Textura - rasgos característicos de la superficie de objetos hechos de diversos materiales, tanto en especie como en la imagen (relieve de la capa de pintura de los trazos). La textura puede ser lisa, rugosa o gofrada. La textura de la letra depende en gran medida de las propiedades del material colorido, de las características del objeto natural que representa el artista, así como de la tarea y el material de ejecución. En acuarela, la textura depende en gran medida de la superficie del papel. La caligrafía individual del artista se revela en la textura de la carta.
Fas (cara completa) - frente, vista frontal. Este término indica que el modelo (la cabeza u objeto de una persona) se coloca frontalmente, paralelo al plano de la imagen.
Fondo - cualquier medio o plano ubicado detrás del objeto de la imagen.
Forma - 1) apariencia, contorno; asume la presencia de volumen, estructura, proporciones; 2) en bellas artes, la forma artística es un medio artístico utilizado para crear una imagen y revelar contenido (ver contenido y forma).
Formalismo - una designación general para numerosas*>1X escuelas y tendencias antirrealistas en las bellas artes: cubismo, futurismo, constructivismo, surrealismo, suprematismo, purismo, dadaísmo, arte abstracto, arte pop, etc. Todas estas variedades de formalismo se basan en la separación antinatural de la forma artística del contenido, en el reconocimiento de la independencia y la independencia de la forma, pretendiendo erróneamente crear obras de arte a través de diversas combinaciones de líneas o colores “puros”. Una imagen formalista distorsiona enormemente la realidad, pierde la capacidad de comprender visualmente el mundo y, a veces, se convierte en experimentos charlatanes y sin sentido.
Formato - la forma del plano en el que se realiza la imagen. Está determinado por las líneas generales de la naturaleza, la relación entre la altura y el ancho. La elección del formato depende del contenido y coincide con la composición de la imagen. Para una estructura figurativa, el formato es fundamental.
Fresco - el tipo técnico más importante de pintura monumental, que utiliza la cal como aglutinante principal.
Color en pintura. El color en general es la propiedad de los objetos de evocar una determinada sensación visual de acuerdo con la composición espectral de los rayos reflejados. En la vida cotidiana, a cada elemento u objeto se le asigna un color específico. Este color se llama sujeto o local (la hierba es verde, el cielo es azul, el agua del mar es azul, etc.). Los pintores principiantes, por regla general, tienen una visión predominante del color, lo que conduce a una coloración amateur. En un sentido pictórico, es posible representar correctamente un objeto solo si no se transmite el color del objeto, sino el color cambiado por la iluminación y ambiente. El color de un objeto cambia a medida que aumenta o disminuye la intensidad de la luz. También varía según la composición espectral de la iluminación. El entorno en el que se encuentra el objeto también refleja los rayos de color que, cuando inciden en la superficie de otros objetos, forman reflejos de color en ellos. El color también cambia debido a la interacción del contraste. Así, el color de un objeto es siempre un mosaico formado por colores y puntos de luces y sombras (reflejos y luces), y en este caso no se llama objetivo, sino condicional. Este color es uno de los principales medios visuales de la pintura realista.
Generalmente se acepta que el color en sí puede tener algunos efectos en una persona. A veces la gente piensa que los colores claros y oscuros crean un estado de ánimo alegre; El gris y el negro provocan un sentimiento de abatimiento, etc. Se están realizando investigaciones y experimentos en psicología sobre este tema, pero aún no se han identificado ciertos patrones en este asunto. El pintor no utiliza los valores de color anteriores. La regla general para el impacto emocional del color en “ diferentes casos"Él no tiene uno. No es absolutamente necesario pintar un cuadro con colores oscuros o ásperos si su tema es trágico o triste, y para temas alegres no es necesario un color brillante. Por ejemplo, las tramas de las pinturas de Surikov "Menshikov en Berezovo" y "Boyarina Morozova" están dedicadas al trágico destino de personas de fuerte voluntad y convicciones. En el colorido de la primera imagen predominan los tonos oscuros. La segunda pintura se basa en ricas combinaciones de colores de pintura al aire libre de un paisaje invernal, ropa brillante de la multitud y colores festivos de "alfombra". La naturaleza del tema natural y el estado de iluminación determinaron el colorido de estas obras. Así, el color de la imagen se crea mediante un sistema de relaciones de color destinado a representar condiciones y entornos de la vida real. El color es un medio para representar la forma tridimensional de un objeto, su materialidad, sus cualidades espaciales, el estado colorista de iluminación de la naturaleza, y sólo al revelar así el contenido semántico de la imagen tiene el impacto emocional necesario.
Unidad cromática y afinidad de pinturas. El color de la iluminación, su composición espectral, influye en consecuencia en los distintos colores de los objetos y objetos de la naturaleza, subordinándolos a un rango determinado. El resultado es una unidad colorista de colores. Un reflejo veraz de estas cualidades hace que un boceto del natural sea especialmente veraz y armonioso en términos de pintura.
Relaciones de color - diferencias en los colores naturales por tono (matiz), luminosidad y saturación. En la naturaleza, el color siempre se percibe en relación con los colores que lo rodean, con los que está en estricta interacción y dependencia. Por lo tanto, las relaciones de color del boceto deben transmitirse en proporción a las relaciones de color de la naturaleza. Ésta es la ley de la transferencia colorista de los colores de la naturaleza visible a la gama de colores de la paleta; está determinada por la psicofisiología de nuestra percepción visual y nuestro pensamiento.
Integridad de la imagen - el resultado de trabajar desde la naturaleza utilizando el método de relaciones (comparaciones) con una visión holística de la naturaleza, como resultado de lo cual el artista se deshace de deficiencias de un dibujo o boceto como la fragmentación y la variedad.
Integridad de la percepción - la capacidad del artista de ver objetos de la naturaleza al mismo tiempo, todos a la vez. Sólo como resultado de una percepción visual integral se pueden determinar correctamente las proporciones de los objetos, las relaciones de tono y color y lograr la integridad de la imagen de una producción a gran escala. La integridad de la percepción reside en la capacidad profesional de ver y en la “posición del ojo” del artista.
Hay una serie de consejos sobre cómo percibir prácticamente la naturaleza en su conjunto: 1) en el momento de la observación, al determinar las relaciones de color, entrecierre los ojos o "abra" los ojos a toda la naturaleza, 2) P. P. Chistyakov aconsejó "tener mentalmente en delante de ti, como si fuera vidrio plano, da relaciones”, 3) R. Falk, para la integridad de la visión, recomendó cortar un agujero rectangular (2X1 cm) en un trozo de cartón y mirar la naturaleza en el plano. de esta ventana (el ojo recibe una estructura pictórica holística de las relaciones cromáticas básicas de la naturaleza, similar a un mosaico de piedras preciosas); 4) también puedes percibir la naturaleza de manera integral y comprender sus relaciones de color usando un "espejo negro" (si pintas un lado de vidrio transparente con pintura negra, obtendrás un espejo en el que, a la luz del sol, podrás ver los objetos del paisaje en brillo reducido En un espejo de este tipo, los objetos reflejados en un plano en forma reducida se pueden ver todos al mismo tiempo. Esto le permitirá capturar con mayor precisión las relaciones tonales y cromáticas de la naturaleza.
Exterior (a diferencia del interior): una representación del exterior de un edificio.
Encáustico - La pintura con cera es una técnica pictórica poco utilizada actualmente, basada en el uso de cera como aglutinante. El mejor método de pintura con cera en términos de resultados y durabilidad es la encáustica antigua. Sus ventajas residen en las cualidades excepcionales de la cera especialmente preparada, que casi no se ve afectada por el tiempo o la humedad, nunca se agrieta y conserva su color inalterado.
Bosquejo - un boceto preparatorio de un boceto o pintura. En el proceso de trabajar desde la vida real, se utilizan bocetos como material auxiliar; Desarrollan opciones para composiciones de una hoja de papel o lienzo. Los bocetos se realizan tanto en forma de bocetos rápidos a lápiz como en el material.
Ejercicio musical - una imagen auxiliar de tamaño limitado, realizada a partir del natural para su cuidadoso estudio. A través del boceto, el artista mejora sus habilidades profesionales. Objetivo principal trabajo de boceto siempre queda una encarnación verdadera y viva del concepto pictórico, la creación de una imagen. En el arte realista, el boceto siempre juega un papel secundario.
Ejercicio musical es el resultado de una sobreestimación del papel del boceto, conduce inevitablemente a un empobrecimiento del contenido ideológico y figurativo. Generalmente se acepta que el boceto es generado por el impresionismo, que limita la actividad del pintor a trabajos superficiales del natural, reemplazando el boceto por una pintura.
efecto purkina - cambio en el brillo relativo de los colores a medida que aumenta o disminuye la iluminación. Por ejemplo, durante el día el brillo relativo del rojo y el amarillo parece fuerte, y al anochecer, el verde y el amarillo. colores azules. La cuestión aquí es que durante el día, con iluminación normal, nuestro ojo ve a través de algunas células de la retina, los llamados conos, y con luz muy débil, a través de otras, bastones. Los conos son más sensibles al amarillo y al rojo, mientras que los bastones son más sensibles al azul verdoso. Leonardo da Vinci también señaló: “El verde y el azul realzan sus colores en la sombra parcial, mientras que el rojo y el amarillo ganan color en los lugares más iluminados”.
No es ningún secreto que la pintura tiene su propia tipología y se divide en géneros. Este fenómeno se originó en Europa en el siglo XV, cuando se formó el concepto de pintura de primera, que incluía pinturas de carácter mitológico e histórico, y de segunda, paisajes, retratos y naturalezas muertas. Pero esta clasificación perdió su relevancia alrededor de 1900, cuando había demasiados géneros y estilos y habría sido demasiado anticuado utilizar una división clara sólo en estos dos grupos. Por eso quiero hablar de los tipos de pintura actuales en la actualidad.
Naturaleza muerta (naturaleza muerta- “naturaleza muerta”) - imágenes de cosas inanimadas. Este género se originó en el siglo XV y obtuvo su independencia en el XVII gracias a los artistas holandeses. El género se independizó con la llegada de la Edad de Oro a Holanda; los artistas se vieron mimados por la abundancia de comida y otras cosas que antes habían sido consideradas artículos de lujo y riqueza; fue sobre esta base que un género tan estrecho como el holandés; apareció la naturaleza muerta. Hoy en día, la naturaleza muerta es un tipo de pintura muy extendida y tiene una gran demanda entre los compradores de cuadros.
Retrato- una persona o grupo de personas representadas en la imagen. El alcance de este estilo es muy vago; el retrato a menudo se superpone con otros estilos, como el paisaje o la naturaleza muerta. Los retratos también pueden ser históricos, póstumos o religiosos. También hay un autorretrato, que es cuando el artista se dibuja a sí mismo.
Escenario- un género muy importante en la pintura. En él, el artista pinta naturaleza o terreno prístino o transformado por el hombre. Hace tiempo que ha ido más allá de las habituales vistas al mar o a la montaña, y hoy en día es uno de los tipos de pintura más populares. Los paisajes pueden ser urbanos, rurales, de mar, de montaña, etc. Anteriormente, los paisajes se pintaban sólo al aire libre, cuando el artista pintaba del natural lo que veía. Hoy en día, esta práctica es cada vez menos común y los artistas modernos prefieren trabajar a partir de fotografías.
Puerto pequeño- el mismo bodegón marino, sólo que con el nombre correcto. Los puertos deportivos representan acontecimientos que tienen lugar en el mar, batallas, grandes olas, buques de carga, etc. Un destacado representante de este género fue Ivan Aivazovsky.
pintura de historia- surgió por necesidad, durante el Renacimiento los artistas pintaban importantes acontecimientos culturales e históricos. Las pinturas históricas no siempre se basan en la historia; también incluyen varios tipos de pintura, como la mitología, el evangelio y los acontecimientos bíblicos.
pintura de batalla- un tema que revela el tema de la guerra y la vida militar. El artista intenta representar un momento importante, épico y clave de una batalla o batalla. Al mismo tiempo, la fiabilidad puede pasar gradualmente a un segundo plano.
