¿Qué es pintar?
La pintura es un tipo de bellas artes, cuyas obras se crean utilizando pinturas aplicadas sobre cualquier superficie.
“La pintura no es sólo una especie de fantasía, es trabajo, un trabajo que debe realizarse concienzudamente, como lo hace todo trabajador concienzudo”, afirmó Renoir.
La pintura es milagro asombroso hacer que todos sean accesibles materiales de arte en las más diversas imágenes visibles de la realidad. Dominar el arte de la pintura significa poder representar objetos reales de cualquier forma, diferentes colores y material en cualquier espacio.
La pintura, como todas las demás formas de arte, tiene un carácter especial. lenguaje artístico, a través del cual el artista refleja el mundo. Pero, al expresar su comprensión del mundo, el artista encarna simultáneamente en sus obras sus pensamientos y sentimientos, aspiraciones, ideales estéticos, evalúa los fenómenos de la vida, explicando su esencia y significado a su manera.
En las obras de arte de diferentes géneros de bellas artes creadas por pintores se utiliza el dibujo, el color, la luz y la sombra, la expresividad de los trazos, la textura y la composición. Esto permite reproducir en un plano la riqueza colorida del mundo, el volumen de los objetos, su originalidad material cualitativa, la profundidad espacial y el entorno luminoso.
El mundo de la pintura es rico y complejo, sus tesoros han sido acumulados por la humanidad durante muchos milenios. Las obras de pintura más antiguas fueron descubiertas por los científicos en las paredes de las cuevas en las que vivían. gente primitiva. Los primeros artistas representaron escenas de caza y hábitos animales con asombrosa precisión y nitidez. Así surgió el arte de representar con pinturas en la pared, que tenía rasgos característicos de pintura monumental.
Hay dos tipos principales de pintura monumental: el fresco y el mosaico.
El fresco es una técnica de pintura con pinturas diluidas con agua limpia o con cal sobre yeso fresco y húmedo.
Un mosaico es una imagen formada por partículas de piedra, esmalte, baldosas cerámicas, homogéneas o de diferente material, que se fijan en una capa de suelo: cal o cemento.
Los frescos y mosaicos son los principales tipos de arte monumental que, debido a su durabilidad y solidez del color, se utilizan para decorar volúmenes y planos arquitectónicos (pinturas murales, pantallas de lámparas, paneles).
La pintura de caballete (cuadro) tiene un carácter y un significado independientes. Amplitud e integridad de la cobertura vida real se refleja en la diversidad de tipos y géneros inherentes a la pintura de caballete: retrato, paisaje, naturaleza muerta, géneros cotidianos, históricos, de batalla.
A diferencia de la pintura monumental, la pintura de caballete no está conectada al plano de la pared y puede exhibirse libremente.
El significado ideológico y artístico de las obras de arte de caballete no cambia según el lugar donde se ubican, aunque su sonido artístico depende de las condiciones de exposición.
Además de los tipos de pintura anteriores, existen pinturas decorativas: bocetos. escenografía teatral, escenografía y vestuario para cine, además de miniaturas e iconografía.
Para crear una obra de arte en miniatura o monumental (por ejemplo, una pintura en la pared), el artista debe conocer no solo la esencia constructiva de los objetos, su volumen, materialidad, sino también las reglas y leyes de la representación pictórica de la naturaleza, la armonía del color y el color. 
En una imagen pictórica de la naturaleza, es necesario tener en cuenta no solo la variedad de colores, sino también su unidad, determinada por la intensidad y el color de la fuente de luz. No se debe introducir ninguna mancha de color en la imagen sin que coincida con el estado general del color. El color de cada objeto, tanto en la luz como en la sombra, debe estar relacionado con el color del todo. Si los colores de la imagen no transmiten la influencia del color de la iluminación, no estarán sujetos a una única combinación de colores. En tal imagen, cada color se destacará como algo extraño y ajeno a un determinado estado de iluminación; aparecerá aleatorio y arruinará la integridad del color de la imagen.
Así, la combinación natural de colores de las pinturas con el color general de la iluminación es la base para crear una estructura cromática armoniosa del cuadro.
El color es uno de los medios más expresivos utilizados en la pintura. El artista transmite en el plano la riqueza colorida de lo que vio, con la ayuda de la forma del color conoce y refleja. el mundo que nos rodea. En el proceso de representar la naturaleza, se desarrolla el sentido del color y sus múltiples matices, lo que permite el uso de pinturas como principal medio expresivo de la pintura.
La percepción del color, y el ojo del artista es capaz de distinguir más de 200 de sus matices, es quizás una de las cualidades más felices que la naturaleza ha dotado al hombre.
Conociendo las leyes del contraste, el artista navega por esos cambios en el color de la naturaleza representada, que en algunos casos son difíciles de captar a simple vista. La percepción del color depende del entorno en el que se encuentra el objeto. Por lo tanto, el artista, al transmitir el color de la naturaleza, compara los colores entre sí, asegurándose de que se perciban en interconexión o relaciones mutuas.
“Tomar relaciones de luces y sombras” significa preservar la diferencia entre colores en luminosidad, saturación y matiz, según como ocurre en la naturaleza. 
El contraste (tanto de luz como de color) es especialmente notable en los bordes de las manchas de color adyacentes. Difuminar los límites entre colores contrastantes mejora el efecto del contraste de color y la claridad de los límites de las manchas lo reduce. El conocimiento de estas leyes amplía las capacidades técnicas en la pintura, permite al artista, con la ayuda del contraste, aumentar la intensidad del color de las pinturas, aumentar su saturación, aumentar o disminuir su luminosidad, lo que enriquece la paleta del pintor. Por lo tanto, sin utilizar mezclas, sino solo combinaciones contrastantes de colores cálidos y fríos, se puede lograr una sonoridad colorista especial de la pintura.
Al crear una imagen, el artista se basa en la naturaleza, pero en este proceso la imaginación creativa juega un papel importante. El concepto de pintura se aplica principalmente a obras de carácter argumental y temático, cuya base es la representación de importantes acontecimientos históricos, mitológicos o sociales, acciones humanas, pensamientos y emociones en composiciones complejas de múltiples figuras. Por tanto, la pintura juega un papel protagonista en el desarrollo de la pintura.
La pintura consta de una base (lienzo, tablero de madera o metal, contrachapado, cartón, tablero prensado, plástico, papel, seda, etc.), sobre la que se aplica una imprimación y una capa de pintura. La percepción estética de una pintura se beneficia enormemente cuando se encierra en un marco adecuado (baguette), que separa la pintura del mundo circundante. El tipo de pintura oriental conserva la forma tradicional de una voluta desplegada que cuelga libremente (horizontal o vertical). La imagen, a diferencia pintura monumental, no está estrictamente relacionado con un interior específico. Se puede quitar de la pared y colgar de otra manera.
Las cumbres del arte se han alcanzado en las pinturas de pintores destacados. En los diversos movimientos del modernismo hay una pérdida de la trama y un rechazo de la figuratividad, reconsiderando así significativamente el concepto de imagen. Cada vez más amplio círculo pinturas del siglo XX. llamados cuadros. La pintura es uno de los tipos más típicos de arte de caballete. Johann-Wolfgang Goethe escribió: “Las pinturas no son sólo un lienzo pintado, afectan sentimientos y pensamientos, dejan una huella en el alma, despiertan premoniciones”.
Reproducción o copia pintura original También puede denominarse pintura si, en el contexto apropiado, no importa si se trata de una copia o de una obra original. Por ejemplo, “había varios cuadros colgados en el pasillo”.
2) En figurado o más significado general- cualquier obra de arte completa e integral, incluida una descripción viva y vívida, oral o escrita, de una hermosa vista de la naturaleza.
3) En una obra de teatro musical, parte del acto separada no por un intermedio, sino por una breve pausa, durante la cual se baja brevemente el telón.
4) En música: la designación de obras sinfónicas instrumentales, que se caracterizan por una especial concreción y claridad de las imágenes musicales; A veces, estas obras pertenecen al género de la música programática.
5) En construcción, elemento de tejado cuyos bordes están preparados para las juntas de costura. Utilizado en techos con juntas. Dependiendo de la tecnología, se fabrica a mano o a máquina. Existen pinturas para revestimientos ordinarios, así como pinturas para voladizos de aleros, canalones de paredes, canalones, limahoyas, etc.
“El arte es la misma necesidad para una persona que comer y beber. La necesidad de belleza y la creatividad que la encarna es inseparable del hombre”, escribió F. M. Dostoievski.
De hecho, la historia demuestra que el hombre siempre ha sido inseparable del arte. En las montañas, en cuevas diferentes paises Se han conservado antiguas pinturas rupestres en todo el mundo. Estos expresivos dibujos de animales y cazadores se hicieron en una época en la que la gente no sabía escribir.
Los monumentos de arte nos dicen el enorme significado que tuvo en la vida del hombre y la sociedad humana. Los antiguos griegos crearon un mito maravilloso sobre las musas, hermanas eternamente jóvenes que personificaban las artes y las ciencias. Melpómene es la musa de la tragedia, Talía - la comedia, Terpsícore - la danza, Clio - la musa de la historia... El mito cuenta que cuando el dios Apolo, el patrón del arte, la poesía y la música, apareció acompañado de las musas, entonces todos la naturaleza escuchó su canto... Música, museo: estas las palabras provienen de la palabra Musa.
El mito poético sobre las hermanas musas no ha perdido su significado. Cada tipo de arte tiene su propio medios de expresión: en música es sonido, en bellas artes es color, línea, etc., en literatura es una palabra. Pero la esencia relacionada de todos los tipos es que el arte es una de las formas de conciencia social, que se basa en reflexión figurativa fenómenos de la realidad.
A bellas artes asociado con percepción visual, incluyen: pintura, gráfica y escultura. Estas artes crean una imagen en un plano (pintura y gráfica) y en el espacio (escultura).
Llamamos pintura, dibujo, grabado, escultura a la que tiene significado independiente, es decir, no asociada a ningún conjunto artístico ni a una finalidad puramente práctica. trabajos de caballete. Esta definición proviene de la palabra “máquina” (en en este caso- caballete) sobre el que se coloca el lienzo cuando se pinta un cuadro. E incluso el hecho de que la pintura deba insertarse en un marco enfatiza la independencia, es decir, el aislamiento de la pintura de caballete de ambiente. El marco separa la pintura y crea la oportunidad de percibirla como un todo artístico independiente. En el libro se reproducen algunas pinturas de caballete.
A diferencia del caballete pintura monumental por su finalidad y naturaleza se relaciona con conjunto arquitectónico. Frescos, mosaicos, paneles, vidrieras se incluyen orgánicamente en la arquitectura, complementando y enriqueciendo. decoración interior o edificio completo. Excelentes ejemplos de pintura monumental son los frescos de Rafael en el Palacio del Vaticano, las pinturas de Miguel Ángel en Capilla Sixtina. El nivel más alto pintura monumental alcanzada en el arte bizantino y ruso antiguo.
Hoy en día, la pintura monumental se utiliza mucho en palacios de cultura, clubes, teatros, estaciones de metro, estaciones de tren, etc. Muchos de vosotros habéis visto en el metro mosaicos creados según bocetos de P. Korin, A. Deineka y otros maestros soviéticos. . Pinturas interiores de la estación de autobuses y del Museo de las Fuerzas Armadas de Moscú (artista Yu. Korolev), pinturas del Museo Tsiolkovsky en Kaluga (un grupo de artistas dirigido por A. Vasnetsov), vidrieras de maestros lituanos, paneles en relieve artistas georgianos Decoró muchos edificios nuevos en nuestras ciudades.
El arte monumental ha ganado fama internacional México moderno. Los mosaicos de Siqueiros y otros artistas importantes reflejan la heroica lucha del pueblo mexicano por su independencia.
No siempre es posible trazar una línea clara entre un caballete y una obra de arte monumental. Esto se explica por el hecho de que la pintura de caballete suele tener un carácter monumental. Y las obras monumentales a veces tienen un significado independiente y se perciben como pinturas de caballete terminadas.
También hay una zona muy amplia de artes decorativas y aplicadas. Se trata de muebles, vajillas, ropa, telas, alfombras, bordados, elaborados artísticamente. joyas etc. Sin embargo, algunos tipos de artes decorativas (tapices, repujado, escultura decorativa) también pueden considerarse como trabajos independientes. La pintura que tiene como objetivo decorar o revelar el diseño y el propósito de un objeto y que no tiene claramente un significado independiente se llama decorativa.
Así, la pintura se divide en de caballete, monumental y decorativa.
Cuadro- una obra de pintura que tiene un carácter completo (a diferencia de un boceto o boceto) y un significado artístico independiente. Consta de una base (lona, tablero de madera o metal, cartón, papel, piedra, seda, etc.), imprimación y una capa de pintura. La pintura es uno de los tipos de arte de caballete. Las pinturas vienen en varios géneros. Al crear una imagen, el artista se basa en la naturaleza, pero en este proceso la imaginación creativa juega un papel importante. El final del siglo XIX en toda Europa estuvo marcado por una visión nueva y dinámica del mundo. El artista del cambio de siglo tenía que corresponder a una vida en constante cambio: no tanto reflejar el mundo que lo rodea (lo hacen ahora la fotografía y el cine), sino poder expresar su individualidad, su mundo interior, visión propia. Las cumbres del arte se han alcanzado en las pinturas de pintores destacados. En los diversos movimientos del modernismo hay una pérdida de la trama y un rechazo de la figuratividad, reconsiderando así significativamente el concepto de imagen. Algunos artistas pertenecientes a diversas escuelas de pintura se han alejado de representar el mundo (personas, animales, naturaleza) tal como lo vemos. en su pinturas el mundo parece deformado, a veces completamente irreconocible, porque los artistas se guían más por su imaginación que por la percepción visual de los fenómenos que nos rodean.
En el desarrollo de la pintura, la pintura juega un papel fundamental.
Una reproducción también puede denominarse pintura si, en el contexto pertinente, no importa si se trata de una copia o de una obra original.
Una pintura en sentido figurado o más general es cualquier obra de arte completa e integral, incluida una descripción viva y vívida, oral o escrita, de una vista de la naturaleza.
La pintura es el arte del plano y un punto de vista, donde el espacio y el volumen existen sólo en la ilusión. Pintar gracias a la complejidad artes visuales es capaz de crear tal profundidad de espacio ilusorio y multidimensionalidad en un plano realidad artística, que no está sujeto a otros métodos de representación. Cada pintura cumple dos funciones: pictórica y expresiva-decorativa. El lenguaje del pintor es completamente comprensible sólo para aquellos que conocen las funciones decorativas y rítmicas del plano pictórico.
En la percepción estética deben participar simultáneamente todas las funciones de la imagen (tanto decorativas, planas como pictóricas, espaciales). Percibir y comprender correctamente una imagen significa ver simultánea e indivisiblemente la superficie, la profundidad, el patrón, el ritmo y la imagen.
La percepción estética de una pintura se beneficia enormemente cuando se incluye en un marco adecuado que la separa del mundo circundante. El tipo de pintura oriental conserva la forma tradicional de una voluta desplegada que cuelga libremente (horizontal o vertical). La pintura, a diferencia de la pintura monumental, no está estrictamente relacionada con un interior específico. Se puede quitar de la pared y colgar de otra manera.
La profundidad del espacio ilusorio de las pinturas.
El profesor Richard Gregory ha descrito las “extrañas propiedades de las pinturas”: “Las pinturas son una clase única de objetos porque son simultáneamente visibles en sí mismas y como algo muy diferente del simple trozo de papel en el que están dibujadas. Las imágenes son paradójicas. Ningún objeto puede estar en dos lugares al mismo tiempo; ningún objeto puede ser a la vez bidimensional y tridimensional. Y así es exactamente como vemos las imágenes. La imagen tiene un tamaño completamente definido y al mismo tiempo muestra el tamaño real. rostro humano, edificio o barco. Las pinturas son objetos imposibles.
La capacidad de una persona para reaccionar ante situaciones imaginarias ausentes presentadas en pinturas es etapa importante en el desarrollo del pensamiento abstracto."
Cómo se crean las pinturas
la imagen es mundo espiritual el artista, sus vivencias y sentimientos expresados en lienzo o papel. Es difícil explicar cómo se crean las pinturas; es mejor verlo usted mismo. Es imposible transmitir con palabras cómo el artista pinta el lienzo, con qué pincel toca el lienzo, qué colores elige. Durante el trabajo todo se vuelve uno: el artista, el pincel y el lienzo. Y tras la primera pincelada, la magia especial de la pintura comienza a actuar en el estudio.
Los cuadros no son solo un lienzo pintado, afectan sentimientos y pensamientos, dejan huella en el alma y despiertan premoniciones.
¿Cómo se crea una imagen?
Al parecer, con pinturas, pinceles, sobre lienzo. Puede haber otra respuesta universal: de diferentes maneras.
Los métodos de pintura han cambiado constantemente a lo largo de la historia del arte. Los artistas del Renacimiento italiano trabajaron de manera completamente diferente a Rembrandt o los "pequeños holandeses" del siglo XVII, los románticos, de manera diferente a los impresionistas, abstraccionistas y artistas realistas contemporáneos. Y dentro de la misma época e incluso en una misma dirección puedes encontrar mucha diversidad.
Artistas realistas del pasado y del presente (si entendemos el realismo en en un sentido amplio palabras) combina lo siguiente:
Crear una obra completa, en este caso una pintura, un retrato o un paisaje, es imposible sin un estudio profundo de la vida y la actitud activa del autor hacia ella. por medios conocimiento artístico La vida se sirve trabajando a partir de la vida, las impresiones visuales, el análisis y la síntesis de los fenómenos de la vida.
Crear una pintura es complejo y requiere mucho tiempo. proceso creativo, cuyos resultados están determinados no por el tiempo invertido, sino por la medida del talento, la habilidad y la fuerza y eficacia de la solución figurativa original del artista. Los hitos más importantes en este proceso son la concepción y concreción de la idea, las observaciones directas, los bocetos, los bocetos del natural, la pintura real del cuadro con el procesamiento ciertamente creativo y activo del material vital.
Y cuando un espectador se acerca a un cuadro en un museo o en una exposición, antes de emitir un juicio sobre él, debe recordar que detrás de él siempre hay una persona viva, un artista que ha invertido un pedazo de su vida, de su corazón, de sus nervios, talento y habilidad en el trabajo. Podemos decir que el cuadro es el sueño del artista hecho realidad.
G. S. OSTROVSKY
Completitud de la imagen.
En la vida, muchas cosas suceden por casualidad: en una imagen no puede haber tales accidentes, todo en ella debe estar completo, ser lógico. ¿En qué momento se considera que el cuadro está completo?
La magistral pincelada de empaste de Rembrandt, tan valorada más tarde y en nuestro tiempo, sólo causó desconcierto entre los contemporáneos de Rembrandt y dio lugar a burlas y ocurrencias sobre él. Objetando a sus críticos, Rembrandt cuestionó la exactitud de su comprensión de la integridad de una pintura, contrastándolas con su propia comprensión de ella, que formuló de esta manera: una pintura debe considerarse terminada cuando el artista dijo todo lo que quería en ella. . Para no escuchar las molestas preguntas sobre lo “inacabado” de sus cuadros, Rembrandt dejó de permitir que los ingenuos visitantes de su estudio, que miraban con gran curiosidad las bravuras de sus cuadros, se acercaran a ellos, asustándolos con el hecho que no se acerquen demasiado a los cuadros, ya que oler sus pinturas es perjudicial para la salud.
Matisse sobre su pintura:
“Simplemente trato de poner en el lienzo esos colores que expresan mi sentimiento. La proporción requerida de tonos puede obligarme a cambiar la forma de una figura o cambiar la composición, hasta que haya logrado esta proporción en todas las partes del cuadro. búscalo y sigue trabajando. Luego llega el momento en que todas las partes adquieren sus relaciones definitivas, y entonces no puedo tocar el cuadro sin rehacerlo todo de nuevo."
A partir aproximadamente de los impresionistas, las categorías de dibujo, forma y color están estrechamente relacionadas, fusionadas, pareciendo un proceso continuo: dibujo y color, modelado y composición, tono y línea aparecen y se desarrollan como al mismo tiempo. El proceso de pintar un cuadro puede, por así decirlo, continuar indefinidamente; el momento de terminar la obra es algo condicional: en cualquier lugar del lienzo el artista puede continuarla, aplicando nuevos trazos a otros similares que se encuentran más abajo. El representante más sorprendente y consistente de este sistema es Cézanne. En cartas y conversaciones grabadas, formuló repetidamente este método de pintura mixto o, más correctamente, indiferenciado. En cualquier momento el trabajo sobre la pintura puede ser interrumpido, pero la obra no perderá su valor estético. El cuadro está listo en cualquier momento.
La conexión entre el espacio pictórico del cuadro y el espacio real
El artista y teórico del arte V. A. Favorsky, en un curso sobre teoría de la composición, enfatizó que una verdadera obra de arte desde el nacimiento es inherente a una existencia dual: como objeto en el espacio circundante y como un mundo relativamente cerrado con su propio espacio. -relaciones temporales. En pintura, este objetivo se logra coordinando la estructura interna del cuadro con el marco, en escultura, con el espacio circundante (ejemplo clásico: una estatua en un nicho).
Para conectar el espacio pictórico con el espacio real en el que se encuentra el espectador se utiliza el marco del cuadro. Los artistas también juegan con las múltiples “reproducciones del marco” en la propia imagen, rimas visuales, repeticiones de verticales y horizontales. Una de las técnicas características que le permite "fortalecer" visualmente una imagen dentro de los límites de un formato rectangular es el "bisel de esquina". La separación de la pintura de la arquitectura dio lugar a un determinado sistema de percepción. pintura de caballete. El contenido principal de la imagen se convierte en la expresión de una representación holística del espacio. La composición se transforma en una exposición en la que el espectador se sitúa ante el mundo transformado de las relaciones espacio-temporales y se ve a sí mismo en él como en un espejo. Así el cristal transparente del Renacimiento se convirtió en un espejo de la época clásica y barroca. El arte de la época posrenacentista se caracteriza por jugar con los reflejos en el espejo, introduciendo en la composición del cuadro figuras mediadoras, personas que, con su posición, mirada o gesto de la mano, indican la acción que se desarrolla en lo más profundo del mundo. imagen, como si invitara a entrar en ella. Además del marco, en tales composiciones hay un proscenio: la parte frontal del escenario, las alas, luego tiro medio, en el que se desarrolla la acción principal, y el fondo es el “telón de fondo”.
El artista suele colocar las figuras principales en el plano medio del cuadro, colocándolas en la horizontal mental como sobre un pedestal. La profundidad de la "capa espacial" depende de la posición de esta línea horizontal de referencia (en términos planimétricos, arriba o abajo en relación con el borde inferior del marco de la imagen). Al colocar repetidamente la horizontal hacia arriba, el pintor crea un cierto ritmo de movimiento en las profundidades del espacio imaginario. Gracias a esto, incluso en un lienzo pequeño se puede representar un espacio de cualquier longitud con cualquier número de figuras y objetos. En una exposición de este tipo es necesario llamar específicamente la atención del espectador sobre el hecho de que algunos objetos están más cerca y otros más lejos. Para ello se utilizan "indicadores": reducción de perspectiva, introducción de puntos de referencia a escala (pequeñas figuras de personas en el fondo), superposición de planos, contraste tonal, sombras que caen de una fuente de luz dentro o fuera de la imagen. Otro punto de referencia para el movimiento mental del espectador en el espacio de una imagen son las diagonales, la principal de las cuales es la "diagonal de entrada" (generalmente de izquierda a derecha).
Pintura dentro de una pintura
Imagen en imagen
"Imagen en imagen" se puede utilizar en una función de composición especial. Una organización jerárquica similar se presenta en el caso de la representación de un cuadro dentro de otro cuadro (así como en los frescos de las pinturas murales, etc.).
"Imagen dentro de una imagen" - técnica compositiva, encontrado en el arte clásico pintura pictórica Siglos XVI-XVII Una imagen dentro de una imagen puede tener un significado oculto especial.
La técnica compositiva “imagen dentro de una imagen” puede realizar varias tareas:
- expresar una idea
- explica la trama
- contrastar o crear armonía
- ser un detalle del mobiliario (interior)
Muy a menudo, la imagen del fondo de una pintura puede entenderse como una especie de imagen dentro de una imagen, es decir, una imagen independiente construida según sus propias leyes especiales. En este caso, la imagen de fondo en en mayor medida, que la imagen de figuras en el plano principal, está sujeta a tareas puramente decorativas, podemos decir que lo que a menudo se representa aquí no es el mundo en sí, sino la decoración de este mundo, es decir, no es la imagen en sí la que Se presenta, pero la imagen de esta imagen.
Los holandeses tienen un mapa geográfico, un enrejado, un cuadro, ventana abierta Cómo la imagen incluida en la imagen amplía los límites del mundo o sirve para desarrollar el significado alegórico de la trama principal. Vermeer, al levantar el telón de su taller, se convierte en un guía a través de tres niveles de la realidad: el espacio del espectador, el espacio de su taller, el espacio obra de arte(del lienzo que se encuentra sobre el caballete), comparando estas metamorfosis con nadar a través de los océanos pintados en mapa geografico o volar sobre terrenos cartografiados.
El flujo realidad-arte-mito también se puede observar en Velázquez, quien recurre voluntariamente a la técnica del “cuadro dentro del cuadro”, como lo ejemplifican “Las Meninas” y “Spinners”.
“Un cuadro dentro de un cuadro” también se encuentra en “Venus ante un espejo” de Velázquez, pero el espejo brumoso sólo refleja la sombra de la diosa del amor.
Imagen y marco
Cualquier imagen creada por un artista, excluidas únicamente las antiguas. pinturas rupestres, tiene un marco. El encuadre es una parte necesaria e importante de la composición; la completa y le da unidad. El marco puede ubicarse en el mismo plano en el que se realiza la propia composición pictórica o gráfica. También se puede crear específicamente como una especie de forma en relieve con la ayuda de elementos decorativos, escultóricos y elementos arquitectonicos. La mayoría de las veces se encuentran marcos rectangulares, algo menos: redondos y ovalados.
El marco ayuda a resaltar cuadro del medio ambiente como algo especial y digno de atención, no lo conecta al mismo tiempo con el medio ambiente. Entonces, si el estilo del marco coincide con la apariencia artística, la estructura y el carácter del interior donde se ubica la pintura, esto contribuye a la integridad del conjunto. Dependiendo del color, la saturación de detalles decorativos y escultóricos, el marco influye significativamente en la impresión general de la imagen pictórica. Todo esto nos permite hablar de la unidad de la imagen y el marco, donde el marco realiza, por supuesto, no la función principal, pero sí muy necesaria.
Los caminos hacia el desarrollo de la pintura de caballete fueron complejos. ¡Qué hito tan sorprendente en su historia fue la transición de la Edad Media al Renacimiento! Lo más significativo fue el deseo de alejarse de la rigidez y la abstracción de la imagen del icono que dominó en la Edad Media. Hacia el siglo XIV nació una pintura en sentido moderno de esta palabra, y con ella aparece un marco, aún vestido con los encajes de decoración gótica.
Los primeros fotogramas no se oponían completamente a toda la imagen ni estaban separados de ella; los materiales de ambos eran similares, el dorado convencional del fondo, por ejemplo, de un antiguo icono ruso o bizantino, transferido al marco, y la imagen misma a menudo "salpicaba" sobre él. Luego los límites entre la imagen y el marco comenzaron a reconocerse cada vez más claramente. Sin embargo, como una especie de recuerdo de siglos anteriores, el marco conservó su color dorado. Cuando el fondo dorado, que denotaba el mundo de lo divino, desapareció del cuadro, el dorado del marco comenzó a percibirse de manera convencional, es decir, como un atributo necesario del marco, que ayudaba a resaltar el cuadro en la habitación y atraer la atención del espectador hacia él.
Durante el Renacimiento prevaleció la idea de la pintura como una mirada al mundo a través de una ventana; el marco, con sus formas, insinuaba muy claramente la idea predominante y respondía a ella. Estos magníficos y solemnes marcos fueron realizados según los dibujos de los artistas en talleres especiales o por los asistentes del artista que trabajaban en su taller.
Durante el Renacimiento, la pintura era constantemente comparada con un espejo en el que se refleja la realidad, y el marco, creado como el marco ornamental de un espejo, acentuaba aún más esta comparación. Este marco podría estar hecho no sólo de listones de madera y yeso, sino también de materiales preciosos, como plata, marfil, nácar, etc. La preciosidad de los materiales parecía corresponder a la preciosidad de la pintura, realzándola.
Los viejos maestros estaban muy atentos al marco, tenían en cuenta su influencia en el proceso de trabajo, a veces incluso pintaban en el marco ya hecho, teniendo en cuenta en cierto tono y el ritmo decorativo del marco. Por lo tanto, las composiciones de viejos maestros suelen beneficiarse enormemente de sus marcos originales.
Las observaciones de los marcos de los viejos maestros nos permiten establecer otro principio: la correspondencia entre el perfil y el ancho del marco y el tamaño de la imagen: entonces, pintores holandeses solían insertar sus pequeños cuadros en grandes marcos con perfiles profundos y verticales, que parecen llevar la mirada al centro del cuadro y aislarlo de cualquier influencia del entorno.
A principios del siglo XX, comenzaron a escucharse voces que pedían el abandono total de los marcos, por considerarlos algo demasiado material, “fundamentando” la espiritualidad del arte. Varios artistas de vanguardia, atendiendo a tales llamados, comenzaron a exponer sus obras sin marcos. Sin embargo, a raíz de esta innovación, sus propias obras dejaron de ser pinturas en el sentido estricto de la palabra. Se trataba de una especie de “objetos”, “manchas”, a menudo desprovistas de un significado claro.
Aunque ahora no existe un estilo único en el diseño de marcos, como antes, hay una mayor correspondencia del marco con el estilo individual del artista que antes.
EN últimamente en exposiciones de arte Se nota que comienza a superarse la inercia en el diseño de marcos (déjalo, pero no importa de qué tipo), que se manifestó en el pasado entre nuestros artistas. Los marcos están pintados en diferentes colores, a menudo se les colocan pequeñas imágenes e inscripciones adicionales, los escultores ayudan a los pintores: aparecen marcos con ricos motivos plásticos.
formato de pinturas
Sin embargo, hay dos elementos específicos de la imagen que parecen crear una transición del plano a la imagen, pertenecientes simultáneamente a la realidad de la imagen y su ficción: el formato y el marco. Puede parecer que el formato de una pintura es sólo una herramienta del artista, pero no una expresión directa de su concepto creativo: al fin y al cabo, el artista sólo elige el formato. Mientras tanto, la naturaleza del formato está estrechamente relacionada con toda la estructura interna de la obra de arte y, a menudo, incluso indica el camino correcto para comprender la intención del artista. Como regla general, el formato se elige antes de que el pintor comience a trabajar. Pero hay varios artistas conocidos a quienes les gustaba cambiar el formato de una pintura mientras trabajaban, ya sea cortando piezas o agregando otras nuevas (Velásquez estaba especialmente dispuesto a hacer esto).
El formato más común de una pintura es el cuadrangular, siendo un cuadrado puro mucho menos común que un cuadrilátero más o menos alargado hacia arriba o hacia afuera. Algunas épocas valoran el formato redondo (tondo) u ovalado. Sin selección de formato aleatorio, el formato suele revelar una conexión profunda y orgánica tanto con el contenido de la obra de arte, con su tono emocional, como con la composición de la imagen; refleja igualmente claramente el temperamento individual del artista y el gusto de toda una época; . Sentimos la conexión causal oculta entre el formato y la intención del artista antes de cada pintura, de la que emana el encanto de una verdadera obra de arte. Hay pinturas cuyo contenido se ha entrelazado tanto con la naturaleza del formato que el más mínimo cambio en las proporciones parecería alterar el equilibrio estilístico e ideológico de la pintura.
El formato horizontal y alargado, en general, es ciertamente más adecuado para la composición narrativa, para el desarrollo secuencial del movimiento más allá del espectador. Por lo tanto, los artistas que tienen una mentalidad épica y que luchan por una composición activa, por la acción, recurren fácilmente a este formato, por ejemplo, los pintores italianos del siglo XIV y la primera mitad del XV (especialmente en composiciones al fresco). Por el contrario, un formato cuadrado o uno en el que la altura prevalece un poco sobre el ancho, como si detuviera inmediatamente la dinámica de la acción y le diera a la composición el carácter de una representación solemne: fue este tipo de formato el que los maestros prefirieron para sus pinturas de altar Alto Renacimiento("Madonna Sixtina"). A su vez, con un importante predominio de la altura sobre la anchura, la composición vuelve a adquirir dinamismo, un fuerte empuje, pero esta vez hacia arriba o hacia abajo; Un formato tan estrecho era especialmente del agrado de los artistas aristocráticos, decorativos (Crivelli) o de mentalidad mística (Manieristas, Greco), que buscaban encarnar determinadas emociones y estados de ánimo.
La conexión entre el formato y el temperamento individual del artista también es innegable: la fantasía sensual y dinámica de Rubens requiere un formato más grande que la fantasía sobria y espiritual de Rembrandt. Finalmente, el formato depende directamente de la técnica pictórica. Cuanto más amplio y libre es el trazo del artista, más natural es su deseo por el gran formato.