Peter Klass “Desayuno con jamón” 1647 g

Los expertos dicen que cada naturaleza muerta tiene la suya. significado oculto, que era comprensible para los contemporáneos. Y sólo podemos adivinar qué quería decir el artista y a quién.

GRAMO La pintura holandesa de bodegones del siglo XVII se caracteriza por la estrecha especialización de los maestros holandeses dentro del género. El tema “Flores y Frutas” suele incluir una variedad de insectos. Los “trofeos de caza” son, ante todo, trofeos de caza: aves sacrificadas y caza. “Desayunos” y “Postres”, así como imágenes de peces - vivos y dormidos, varias aves - son sólo algunas de las más temas famosos naturalezas muertas.

En conjunto, estas tramas individuales caracterizan el gran interés de los holandeses por las tramas. la vida cotidiana, y sus actividades favoritas, y la pasión por el exotismo de tierras lejanas (las composiciones contienen extravagantes conchas y frutas). A menudo, en obras con motivos de naturaleza "viva" y "muerta" hay un subtexto simbólico que es fácilmente comprensible para un espectador educado del siglo XVII.

Así, la combinación de objetos individuales podría servir como un indicio de la fragilidad de la existencia terrenal: rosas marchitas, un incensario, una vela, un reloj; o asociados a hábitos condenados por la moral: astillas, pipas; o indicó una historia de amor; carta, instrumentos musicales, freidora No cabe duda de que el significado de estas composiciones es mucho más amplio que su contenido simbólico.

Los bodegones holandeses atraen, ante todo, su expresión artística, integridad, la capacidad de revelar la vida espiritual del mundo objetivo.

A diferencia de los flamencos, que prefieren pinturas de gran tamaño con abundancia de todo tipo de objetos, los pintores holandeses se limitan a unos pocos objetos de contemplación, esforzándose por lograr la máxima unidad compositiva y cromática. La naturaleza muerta ("Stilleven", que significa "vida tranquila" en holandés) es una rama única y bastante popular. pintura holandesa.

Naturaleza muerta holandesa del siglo XVII.

Peter Klass “Pipa y brasero” 1636

Balthasar van der Ast "Naturaleza muerta con frutas"

Balthasar van der Ast “Plato con frutas y conchas” 1630 g

Melchior de Hondecoeter "Pájaros en el parque"

Bartholomeus van der Hels "Nuevo mercado en Amsterdam" 1666

Willem claes Hedp “Desayuno con cangrejo” 1648

Ferdinand Bol "Juego muerto"

Abraham Minion "Frutas"

Melchior de Hondecoeter "Trofeos de caza"

Johannes Lemans "Bodegón de caza"

Martín Bullema de Stomme. "Naturaleza muerta con una copa Nautilus"

Willem Heda. "Bodegón con jamón." 1656

Jan Brueghel el Viejo. "Flores en una maceta de madera ." 1606/07

Ambrosius Bosshart el Viejo. "Ramo de flores en un nicho." 1618 gramos

Baltasar van der Ast. "Cesta con flores". 1622

Hans Bollongier. "Bodegón de flores". 1639

Nicolás Gillies. "Colocar la mesa" 1611

Floris van Dyck. "naturaleza muerta con queso" DE ACUERDO. 1615

Jacob van Hulsdonck. "Bodegón con alcachofas, rábanos, espárragos, ciruelas y melocotones en una cesta." 1608-1647

Clara Peters. "Mesa servida" 1611

Willem Claes Heda. "Bodegón con jarra de plata y tarta". 1645

Pedro Claes. "Bodegón con salero." DE ACUERDO. 1644

Gerrit Willems Heda. "Naturaleza muerta con una jarra de barro"

Floris Gerrits van Schoten. "Naturaleza muerta con frutas, verduras y la escena de la cena de Emaús". 1630

Cornelis Delff. "Bodegón de cocina". 1610-1620

A pesar de que el nombre del género traducido del francés significa "naturaleza muerta". ¿Por qué, en boca de los holandeses, las composiciones de objetos inanimados, expuestos con colores vivos sobre lienzos, significaban vida? Sí, estas imágenes eran tan brillantes, fiables y expresivas que incluso los conocedores más inexpertos admiraron el realismo y la tangibilidad de los detalles. Pero no es sólo eso.

La naturaleza muerta holandesa es un intento de hablar sobre cuán vivo y cercano está cada objeto, cada partícula de este mundo está entretejida en mundo complejo persona y participa en ella. Los maestros holandeses crearon composiciones brillantes y fueron capaces de representar con tanta precisión la forma, los matices de color, el volumen y la textura de los objetos que parecían almacenar la dinámica de las acciones humanas. Aquí hay una pluma que aún no se ha enfriado de la mano del poeta con una brillante gota de tinta, aquí hay una granada cortada que gotea jugo de rubí, y aquí hay un pan mordido y arrojado sobre una servilleta arrugada... Y en al mismo tiempo, es una invitación a admirar y disfrutar encantadamente el esplendor y la diversidad de la naturaleza.

Temas e imágenes pintorescas.

La naturaleza muerta holandesa es inagotable en su abundancia de temas. Algunos pintores estaban unidos por su pasión por las flores y las frutas, otros se especializaban en la tosca verosimilitud de trozos de carne y pescado, otros creaban con amor sobre lienzos. utensilios de cocina, y el cuarto se dedicó al tema de la ciencia y el arte.

La naturaleza muerta holandesa de principios del siglo XVII se distingue por su compromiso con el simbolismo. Los objetos tienen un lugar y un significado estrictamente definidos. La manzana en el centro de la imagen cuenta la historia de la caída del primer hombre, mientras que el racimo de uvas que la cubre cuenta la historia del sacrificio expiatorio de Cristo. Una concha vacía, que una vez sirvió de hogar a un molusco marino, habla de la fragilidad de la vida, las flores caídas y secas, de la muerte, y una mariposa revoloteando fuera de un capullo presagia la resurrección y la renovación. Balthasar Ast escribe de esta manera.

Los artistas de la nueva generación ya han propuesto una propuesta ligeramente diferente. naturaleza muerta holandesa. La pintura “respira” con el encanto esquivo que se esconde en las cosas ordinarias. Un vaso medio lleno, platos esparcidos sobre la mesa, frutas, un pastel cortado: la autenticidad de los detalles se transmite perfectamente mediante el color, la luz, las sombras, las luces y los reflejos, asociados de manera convincente con la textura de la tela, la plata, el vidrio y alimento. Estas son las pinturas de Pieter Claes Heda.

A principios del siglo XVIII, la naturaleza muerta holandesa gravitaba hacia una impresionante estética del detalle. Aquí reinan los elegantes cuencos de porcelana con dorados, las copas hechas de conchas intrincadamente rizadas y las frutas exquisitamente dispuestas en un plato. Es imposible mirar los lienzos de Willem Kalf o Abraham van Beyeren sin descolorarse. El holandés se está generalizando inusualmente, capturado de la mano de un maestro, hablando en un lenguaje especial y sensual y comunicándose. cuadro armonía y ritmo. Las líneas, tejidos y matices de tallos, capullos e inflorescencias abiertas presentes en la naturaleza muerta parecen crear una sinfonía compleja, que obliga al espectador no solo a admirar, sino también a experimentar con entusiasmo la incomprensible belleza del mundo.

Un fenómeno sorprendente en la historia del arte mundial tuvo lugar en el norte de Europa en el siglo XVII. Se la conoce como la naturaleza muerta holandesa y se la considera una de las cumbres de la pintura al óleo.

Los conocedores y profesionales creen firmemente que nunca en la historia del arte se han visto tantos maestros magníficos que poseían la más alta tecnología y crearon tantas obras maestras de talla mundial, mientras vivían en una pequeña parte del continente europeo.

Nuevo significado de la profesión del artista

La especial importancia que adquirió la profesión de artista en Holanda desde principios del siglo XVII fue consecuencia del surgimiento, tras las primeras revoluciones antifeudales, de los inicios de un nuevo sistema burgués, la formación de una clase de empresarios urbanos. burgueses y campesinos ricos. Para los pintores, estos eran clientes potenciales que marcaron la moda de las obras de arte, haciendo de los bodegones holandeses un producto buscado en el mercado emergente.

En las tierras del norte de los Países Bajos, los movimientos reformistas del cristianismo, que surgieron en la lucha contra el catolicismo, se convirtieron en la ideología más influyente. Esta circunstancia, entre otras, hizo de la naturaleza muerta holandesa el género principal de gremios artísticos enteros. Los líderes espirituales del protestantismo, en particular los calvinistas, negaron la importancia salvadora de las almas de la escultura y la pintura sobre temas religiosos, e incluso expulsaron la música del arte. iglesia, lo que obligó a los pintores a buscar nuevos temas.

En la vecina Flandes, que permaneció bajo influencia católica, bellas artes Se desarrolló de acuerdo con diferentes leyes, pero la proximidad territorial provocó una inevitable influencia mutua. Los científicos, historiadores del arte, encuentran muchas cosas que unen las naturalezas muertas holandesas y flamencas, señalando sus diferencias fundamentales inherentes y sus características únicas.

Bodegón floral temprano

El género “puro” de la naturaleza muerta, que apareció en el siglo XVII, adquiere formas especiales en Holanda y nombre simbólico“vida tranquila” - todavía uniforme. En muchos sentidos, la naturaleza muerta holandesa fue un reflejo de la vigorosa actividad de la Compañía de las Indias Orientales, que traía artículos de lujo del Este que no se habían visto antes en Europa. De Persia la empresa trajo los primeros tulipanes, que más tarde se convirtieron en el símbolo de Holanda, y fueron las flores representadas en las pinturas las que se convirtieron en la decoración más popular de edificios residenciales, numerosas oficinas, tiendas y bancos.

El propósito de los arreglos florales magistralmente pintados era variado. Al decorar casas y oficinas, enfatizaban el bienestar de sus propietarios, y para los vendedores de plántulas de flores y bulbos de tulipanes, eran lo que hoy se llama un producto de publicidad visual: carteles y folletos. Por lo tanto, la naturaleza muerta holandesa con flores es, ante todo, una representación botánicamente precisa de flores y frutas, al mismo tiempo que está llena de muchos símbolos y alegorías. Se trata de las mejores pinturas de talleres enteros dirigidos por Ambrosius Bosschaert el Viejo, Jacob de Geyn el Joven, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar y otros.

Poner mesas y desayunos.

La pintura en Holanda en el siglo XVII no pudo escapar a la influencia de los nuevos relaciones públicas y desarrollo económico. La pintura holandesa de bodegones del siglo XVII era un producto rentable y se organizaron grandes talleres para "producir" pinturas. Además de los pintores, entre los que aparecía una estricta especialización y división del trabajo, allí trabajaban los que preparaban la base de los cuadros - tablas o lienzos, los imprimaban, hacían marcos, etc. relaciones de mercado, condujo a un aumento de la calidad de las naturalezas muertas a un nivel muy alto.

La especialización genérica de los artistas adquirió también un carácter geográfico. Se pintaron composiciones florales en muchas ciudades holandesas: Utrecht, Delft, La Haya, pero fue Haarlem la que se convirtió en el centro para el desarrollo de naturalezas muertas que representan mesas servidas, comida y comidas preparadas. Estas pinturas pueden variar en escala y carácter, desde complejas y de múltiples temas hasta lacónicas. Aparecieron los “Desayunos”, naturalezas muertas de artistas holandeses que representan diferentes etapas de una comida. Representan la presencia de una persona en forma de migas, bollos mordidos, etc. historias interesantes, lleno de alusiones y símbolos moralizantes comunes a las pinturas de la época. Particularmente significativas se consideran las pinturas de Nicholas Gillies, Floris Gerrits van Schoten, Clara Peters, Hans Van Essen, Roelof Coots y otros.

Naturaleza muerta tonal. Pieter Claes y Willem Claes Heda

Para los contemporáneos, los símbolos que llenaban la naturaleza muerta tradicional holandesa eran relevantes y comprensibles. El contenido de las pinturas era similar a los libros de varias páginas y por eso eran especialmente valorados. Pero hay un concepto que no resulta menos impresionante tanto para los conocedores modernos como para los amantes del arte. Se llama "naturaleza muerta tonal", y lo principal en él es la más alta habilidad técnica, un color increíblemente refinado y una habilidad asombrosa para transmitir los sutiles matices de la iluminación.

Estas cualidades son totalmente consistentes con las pinturas de dos maestros destacados, cuyas pinturas se consideran uno de los mejores ejemplos de naturaleza muerta tonal: Peter Claes y Willem Claes Heed. Eligieron composiciones a partir de un pequeño número de objetos, sin colores brillantes y una decoración especial, que no les impidió crear cosas de asombrosa belleza y expresividad, cuyo valor no disminuye con el tiempo.

Vanidad de vanidades

El tema de la fragilidad de la vida, la igualdad ante la muerte tanto del rey como del mendigo, fue muy popular en la literatura y la filosofía de esa época de transición. Y en pintura encontró expresión en pinturas que representan escenas en las que el elemento principal era el cráneo. Este género se llama vanitas, del latín "vanidad de vanidades". La popularidad de las naturalezas muertas, similares a los tratados filosóficos, se vio facilitada por el desarrollo de la ciencia y la educación, cuyo centro era la universidad de Leiden, famosa en toda Europa.

Vanitas ocupa un lugar importante en las obras de muchos maestros holandeses de esa época: Jacob de Gein el Joven, David Gein, Harmen Steenwijk y otros. Los mejores ejemplos de "vanitas" no son simples historias de terror, no evocan horror inconsciente. sino una contemplación tranquila y sabia, llena de pensamientos sobre lo más cuestiones importantes ser.

Pinturas con trucos.

Las pinturas son la decoración más popular del interior holandés desde finales de la Edad Media, algo que la creciente población de las ciudades podía permitirse. Para interesar a los compradores, los artistas recurrieron a varios trucos. Si su habilidad lo permitía, creaban un "trompe l'oeil", o "trompe l'oeil", del francés trompe-l'oeil, una ilusión óptica. La cuestión era que era una naturaleza muerta típica holandesa: flores y frutas, muertas. pájaros y peces, u objetos relacionados con la ciencia (libros, instrumentos ópticos, etc.) contenían una completa ilusión de realidad. Un libro que se ha movido fuera del espacio de la imagen y está a punto de caer, una mosca que se ha posado en un. jarrón que quieres golpear: temas típicos de una pintura señuelo.

Las pinturas de los principales maestros de la naturaleza muerta en estilo trompe l'oeil (Gérard Dou, Samuel van Hoogstraten y otros) a menudo representan un nicho empotrado en la pared con estantes en los que hay una gran cantidad de cosas diferentes. La habilidad técnica del artista para transmitir texturas y superficies, luces y sombras era tan grande que la propia mano tomó un libro o un vaso.

Hora de apogeo y puesta del sol

A mediados del siglo XVII siglo, las principales variedades de naturalezas muertas en las pinturas de los maestros holandeses alcanzan su punto máximo. Las naturalezas muertas “lujosas” se están volviendo populares porque el bienestar de los burgueses está creciendo y los platos ricos, las telas preciosas y la abundancia de alimentos no parecen extraños en el interior de una casa de la ciudad o de una rica finca rural.

Las pinturas aumentan de tamaño, sorprenden por la cantidad de texturas diferentes. Al mismo tiempo, los autores buscan formas de aumentar el entretenimiento para el espectador. Para ello, la naturaleza muerta tradicional holandesa, con frutas y flores, trofeos de caza y platos de diversos materiales, se complementa con insectos exóticos o pequeños animales y pájaros. Además de crear las habituales asociaciones alegóricas, el artista a menudo las introducía simplemente por el simple hecho de emociones positivas, para aumentar el atractivo comercial de la trama.

Los maestros de la “naturaleza muerta de lujo” (Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reichals, Willem Kalf) se convirtieron en los presagios de la época venidera, cuando el aumento de la decoración y la creación de una impresión impresionante se volvieron importantes.

Fin de la edad de oro

Las prioridades y la moda cambiaron, la influencia de los dogmas religiosos en la elección de los temas de los pintores se convirtió gradualmente en una cosa del pasado, y el concepto mismo de la edad de oro que conoció la pintura holandesa quedó en el pasado. Las naturalezas muertas entraron en la historia de esta época como una de las páginas más importantes e impresionantes.

Usando el ejemplo del cuadro "Desayuno con jamón" de Pieter Claes, hablemos de la naturaleza muerta holandesa.
Muestra una mesa cubierta con un mantel blanco. En el centro de la naturaleza muerta hay un plato con jamón rosado. El jamón tiene el borde recién cortado. Cerca del mismo plato hay un cuchillo con un hermoso mango tallado. A la derecha del plato puedes ver una rama de olivo con melocotones. Se pueden ver puntos negros en la superficie de la fruta. Estas son huellas de gusanos. A la izquierda del plato hay una copa de vino. Los reflejos de luz en las paredes de un vaso de cristal animan la imagen. Junto al vaso hay una jarra de cobre con la tapa abierta. La rama de uva, representada junto al vaso y la jarra, parece rodear ambos vasos. En el borde de la mesa, el artista representó un plato de metal con pan, cuya corteza dorada atrae la atención. Sobre el mantel blanco hay nueces esparcidas, algunas de las cuales ya están rotas. El aparente desorden sugiere una sensación de presencia humana reciente.

Con asombrosa habilidad, el artista transmite el color de cada objeto. Una sobria paleta de tonos oliva grisáceo dorado unifica las piezas. Cada uno de los objetos está ubicado de manera que el espectador pueda percibir su textura, volumen y detalles más pequeños. El artista transmite a la perfección la textura de cada objeto: la aterciopelada de los melocotones, la superficie mate y húmeda de las uvas, la transparencia del vidrio, la jugosidad del jamón. Los contornos redondeados de los platos, vasos y vasijas se cruzan y su suave ritmo transmite armonía e integridad. Al mirar la imagen, hay una sensación de equilibrio inestable. El plato de pan está a punto de caer. El centro compositivo es sin duda el plato con jamón. Este es el punto más brillante de la imagen. El artista representa este tema de manera realista. El mantel no cubre completamente toda la mesa. Donde no llega el mantel, se ve una sencilla mesa de madera, sin ningún adorno. Mediante el contraste de colores, el artista expone la realidad.

Natalia MARKOVA,
Jefe del Departamento de Gráfica del Museo Pushkin de Bellas Artes. A, S, Pushkin

Naturaleza muerta en la Holanda del siglo XVII

Podemos decir que el tiempo actuó como la lente de una cámara: con un cambio en la distancia focal, la escala de la imagen cambió hasta que solo quedaron objetos en el encuadre, y el interior y las figuras quedaron fuera de la imagen. Los “marcos de naturalezas muertas” se pueden encontrar en muchas pinturas. artistas holandeses siglo XVI Es fácil representarlo en la forma. pintura independiente Mesa puesta del Retrato de familia de Martin van Heemskerck (c. 1530). museos estatales

, Kassel) o un jarrón con flores de la composición de Jan Brueghel el Viejo. El propio Jan Brueghel hizo algo parecido, escribiendo a principios del siglo XVII. los primeros bodegones de flores independientes. Aparecieron alrededor del año 1600; esta época se considera la fecha de nacimiento del género.

Martín van Heemskerk. Retrato de familia. Fragmento. DE ACUERDO. 1530. Museos Estatales, Kassel. en ese momento oh comenzó a utilizarse sólo a partir de 1650, y antes de esa época las pinturas se llamaban según el tema de la imagen: b lumentopf - un jarrón con flores, banketje - una mesa puesta, fruytage - frutas, toebackje - naturalezas muertas con accesorios para fumar, doodshoofd - cuadros con una calavera. Ya en esta lista queda claro cuán grande era la variedad de objetos representados.

De hecho, todo el mundo objetivo que los rodeaba parecía derramarse sobre las pinturas de los artistas holandeses.

Abraham van Beuren. Bodegón con langostas. Siglo XVII. Kunsthaus, Zúrich. En el arte, esto significó una revolución nada menor que la que hicieron los holandeses en la esfera económica y social, al independizarse del poder de la España católica y crear la primera estado democrático

. Mientras que sus contemporáneos en Italia, Francia y España se centraban en crear enormes composiciones religiosas para los altares de las iglesias, pinturas y frescos sobre temas de la mitología antigua para los salones de los palacios, los holandeses pintaron pequeños cuadros con vistas de rincones de su paisaje natal, danzas en un fiesta del pueblo o un concierto en casa de un burgués, escenas en una taberna rural, en la calle o en una casa de reuniones, mesas puestas con desayuno o postre, es decir, una naturaleza “baja”, sin pretensiones, no eclipsada por lo antiguo o Tradición poética renacentista, excepto quizás la poesía holandesa contemporánea. El contraste con el resto de Europa fue marcado. Las pinturas rara vez se creaban por encargo, pero en su mayoría se vendían libremente en los mercados para todos y estaban destinadas a decorar las habitaciones de las casas de los residentes de la ciudad, e incluso de los aldeanos más ricos. Posteriormente, en los siglos XVIII y Siglos XIX , cuando la vida en Holanda se volvió más difícil y escasa, estas colecciones de pinturas caseras se vendieron ampliamente en subastas y se compraron con entusiasmo para colecciones reales y aristocráticas de toda Europa, desde donde finalmente emigraron a museos más grandes paz. cuando en mediados del 19

v. Los artistas de todo el mundo recurrieron a representar la realidad que los rodeaba, pinturas de maestros holandeses del siglo XVII. Les sirvió de modelo en todos los géneros. Jan Venix. Naturaleza muerta con un pavo real blanco. 1692.

Una característica de la pintura holandesa fue la especialización de los artistas por género. Dentro del género de la naturaleza muerta, incluso había una división en temas separados, y diferentes ciudades tenían sus propios tipos de naturaleza muerta favoritos, y si un pintor se mudaba a otra ciudad, a menudo cambiaba drásticamente su arte y comenzaba a pintar esas variedades. del género que eran populares en ese lugar.

Haarlem se convirtió en el lugar de nacimiento de aspecto característico Naturaleza muerta holandesa - "desayuno". Las pinturas de Peter Claes representan una mesa puesta con platos y platos. Un plato de hojalata, un arenque o un jamón, un panecillo, una copa de vino, una servilleta arrugada, un limón o una rama de uva, los cubiertos: la selección escasa y precisa de los elementos crea la impresión de una mesa puesta para una sola persona. La presencia de una persona está indicada por el desorden "pintoresco" introducido en la disposición de las cosas y la atmósfera de un interior residencial acogedor, logrado mediante la transmisión de un ambiente luminoso. El tono gris-marrón dominante une los objetos en una sola imagen, mientras que la naturaleza muerta se convierte en un reflejo de los gustos y el estilo de vida individuales de cada persona.

Otro residente de Haarlem, Willem Heda, trabajó en la misma línea que Klas. El colorido de sus pinturas aún es en mayor medida subordinado a la unidad tonal, está dominado por un tono gris plateado, fijado por la imagen de utensilios de plata o peltre. Por esta colorida moderación, las pinturas comenzaron a llamarse “desayunos monocromáticos”.

Abraham van Beuren. Desayuno. siglo 17

Museo Pushkin im. Pushkin, Moscú

En La Haya, el centro de la pesca marina, Pieter de Putter y su alumno Abraham van Beyeren perfeccionaron la representación de peces y otros habitantes del mar, el color de sus pinturas brilla con el brillo de escamas, en las que aparecen manchas de color rosa, rojo y; Los colores azules parpadean.

La Universidad de Leiden creó y mejoró el tipo de naturaleza muerta filosófica "vanitas" (vanidad de vanidades). En las pinturas de Harmen van Steenwijk y Jan Davids de Heem, los objetos que encarnan la gloria y la riqueza terrenales (armaduras, libros, atributos del arte, utensilios preciosos) o placeres sensuales (flores, frutas) se yuxtaponen a una calavera o un reloj de arena como recordatorio. de la fugacidad de la vida. Una naturaleza muerta de "cocina" más democrática surgió en Rotterdam con las obras de Floris van Schoten y Francois Reykhals, y sus mejores logros están asociados con los nombres de los hermanos Cornelis y Herman Saftleven.

A mediados de siglo, el tema de los modestos “desayunos” se transformó en las obras de Willem van Aalst, Jurian van Streck y especialmente de Willem Kalf y Abraham van Beyeren en lujosos “banquetes” y “postres”. Las copas doradas, la porcelana china y la loza de Delft, los manteles de alfombra y las frutas del sur subrayan el gusto por la gracia y la riqueza que se impuso en la sociedad holandesa a mediados de siglo. En consecuencia, los desayunos “monocromáticos” están siendo reemplazados por un sabor jugoso, rico en colores y cálido y dorado. La influencia del claroscuro de Rembrandt hace que los colores de las pinturas de Kalf brillen desde dentro, poetizando el mundo objetivo.

Willem Kalf. Bodegón con copa nautilo y cuenco de porcelana china. Museo Thyssen - Bornemisza, Madrid Los maestros en la representación de “trofeos de caza” y “corrales avícolas” fueron Jan-Baptiste Wenix, su hijo Jan Wenix y Melchior de Hondecoeter. Este tipo de naturaleza muerta se generalizó especialmente en la segunda mitad y finales de siglo en relación con la aristocracia de los burgueses: el establecimiento de propiedades y el entretenimiento de la caza. Pintando dosúltimos artistas

muestra un aumento en la decoración, el color y el deseo de efectos externos. La asombrosa capacidad de los pintores holandeses para transmitir el mundo material en toda su riqueza y diversidad fue apreciada no sólo por sus contemporáneos, sino también por los europeos de los siglos XVIII y XIX, que vieron en las naturalezas muertas, ante todo y sólo, esta brillante maestría; transmitir la realidad. Estas imágenes estaban llenas de significado, ofrecían alimento no sólo para los ojos, sino también para la mente. Las pinturas entablaron un diálogo con el público, les contaron importantes verdades morales, les recordaron el engaño de las alegrías terrenales, la inutilidad de las aspiraciones humanas y dirigieron sus pensamientos a reflexiones filosóficas sobre el significado de la vida humana.