Introducción……………………………………………………………………………….3
1.La pintura como forma de arte………………………………………….4
2. Tipo de arte – gráficos………………………………4
3. Una forma de arte antigua: la escultura……………………...6
4.Arquitectura - el arte de diseñar y construir……………………7
5. Principales direcciones y técnicas del arte contemporáneo…………..9
6. Arte cinético………………………………………………..14
Conclusión……………………………………………………………….16
Lista de referencias……………………………………………………...17
Introducción
El concepto de “arte” es la creatividad artística en general: literatura, arquitectura, escultura, pintura, gráfica, artes decorativas y aplicadas, música, danza, teatro, cine y otros tipos de actividad humana, combinados como formas artísticas y figurativas de reflexión de realidad.
En la historia de la estética, la esencia del arte ha sido interpretada como imitación (mimesis), expresión sensual de lo suprasensible y cosas por el estilo.
La estética considera el arte como una forma de conciencia social, un tipo específico de asimilación espiritual y práctica del mundo, como una unidad orgánica de creación, conocimiento, apreciación y comunicación humana, en sentido estricto: bellas artes, alto grado habilidades y dominio en cualquier campo de la actividad humana.
Principales tipos de arte: pintura, gráfica, escultura, arquitectura, literatura, cine, teatro.
Consideremos los conceptos básicos de algunos tipos, tendencias y técnicas de las bellas artes modernas.
1. La pintura como forma de arte.
La pintura es un arte muy antiguo, que ha evolucionado a lo largo de muchos siglos desde las pinturas rupestres hasta las últimas tendencias pictóricas del siglo XI. La pintura tiene una amplia gama de posibilidades para hacer realidad ideas desde el realismo hasta el abstraccionismo. En el transcurso de su desarrollo se han acumulado enormes tesoros espirituales.
A finales de los siglos XIX-XX. el desarrollo de la pintura se vuelve especialmente complejo y contradictorio. Varios movimientos realistas y modernistas están ganando su derecho a existir.
Apareció la pintura abstracta (vanguardia, arte abstracto, underground), que marcó el rechazo de la figuratividad y la expresión activa de la actitud personal del artista hacia el mundo, la emotividad y convencionalidad del color, la exageración y geometrización de las formas, la decoratividad y asociatividad de soluciones compositivas.
En el siglo 20 Continuó la búsqueda de nuevos colores y medios técnicos para la creación de pinturas, lo que sin duda condujo al surgimiento de nuevos estilos en la pintura, pero la pintura al óleo sigue siendo una de las técnicas favoritas de los artistas.
2. Tipo de bellas artes: gráficos
Los gráficos (del gr. Grapho - escribo, dibujo) son un tipo de bellas artes que se asocia con imágenes en un plano. La gráfica combina el dibujo, como área independiente, y varios tipos de gráfica impresa: xilografía (xilografía), grabado en metal (aguafuerte), litografía, linograbado, grabado en cartulina, etc.
El dibujo se clasifica como gráfico único porque cada dibujo es único. Las obras de gráficos impresos se pueden reproducir (replicar) en muchas copias equivalentes: impresiones. Cada impresión es un original y no una copia de la obra.
El dibujo es la base de todo tipo de gráficos y otros tipos de bellas artes. Como regla general, una imagen gráfica se realiza en una hoja de papel. A veces, un artista sólo necesita medios muy simples (un lápiz de grafito o un bolígrafo) para crear un dibujo gráfico. En otros casos, utiliza dispositivos complejos para crear sus obras: una imprenta, piedras litográficas, cortadores de linóleo o madera, y mucho más.
El término "gráficos" se utilizó originalmente en relación únicamente con la escritura y la caligrafía. El arte tipográfico se ha asociado con los gráficos desde la antigüedad. Recibió un nuevo significado y comprensión a finales del siglo XIX y principios del XX, cuando los gráficos se definieron como una forma de arte independiente.
El lenguaje gráfico y sus principales medios de expresión son la línea, el trazo, el contorno, la mancha y el tono. Una hoja de papel blanca participa activamente en la creación de la impresión general de una obra gráfica. Puedes lograr un diseño expresivo incluso usando solo negro. Por eso a los gráficos a menudo se les llama el arte del blanco y negro. Sin embargo, esto no excluye el uso del color en los gráficos.
Los límites entre la gráfica y la pintura son muy fluidos, por ejemplo, la técnica de la acuarela, el pastel y, a veces, el gouache se clasifican en uno u otro tipo de arte, dependiendo de hasta qué punto se utiliza el color, lo que predomina en la obra: un línea o una mancha, cuál es su finalidad.
Una de las características distintivas de los gráficos es la relación especial del objeto representado con el espacio. El fondo blanco puro de la hoja, no ocupado por imágenes, e incluso el fondo del papel que aparece debajo de la capa de color, se perciben convencionalmente como espacio. Esto se puede ver especialmente claramente en gráficos de libros, cuando una imagen colocada en una página en blanco se percibe ubicada en el espacio de un interior, calle, paisaje de acuerdo con el texto, y no en un campo nevado.
Las ventajas artísticas expresivas de la gráfica radican en su laconismo, la capacidad de imágenes, la concentración y la estricta selección de los medios gráficos. Alguna subestimación, una designación convencional de un objeto, como si fuera una alusión a él, constituyen el valor especial de una imagen gráfica, están diseñadas para el trabajo activo de la imaginación del espectador;
En este sentido, no sólo las hojas gráficas cuidadosamente dibujadas, sino también los bocetos rápidos, los bocetos de la naturaleza y los bocetos de la composición tienen valor artístico independiente.
Hay varios géneros disponibles para gráficos (retrato, paisaje, naturaleza muerta, genero historico etc.) y posibilidades prácticamente ilimitadas para representar e interpretar el mundo con imaginación.
.3. Una forma de arte antigua: la escultura.
La escultura es una de las formas de arte más antiguas. La escultura (del latín sculptura, de sculpo - cortar, tallar, esculpir, plástico) es un tipo de bellas artes cuyas obras tienen un volumen material tridimensional. Estas obras en sí (estatuas, bustos, relieves y similares) también se denominan escultura.
La escultura se divide en dos tipos: redonda, colocada libremente en el espacio real, y en relieve (bajorrelieve y altorrelieve), en la que las imágenes tridimensionales se ubican en un plano. Según su finalidad, la escultura puede ser de caballete, monumental, monumental-decorativa. Destaca por separado la escultura de pequeñas formas. Por género, la escultura se divide en retrato, cotidiana (género), animal, histórica y otros. Se pueden recrear paisajes y naturalezas muertas utilizando medios escultóricos. Pero el objeto principal para el escultor es una persona, que puede encarnarse en una variedad de formas (cabeza, busto, estatua, grupo escultórico).
La tecnología para realizar esculturas suele ser compleja y de varias etapas, e implica mucho trabajo físico. El escultor talla o talla su obra a partir de un material sólido (piedra, madera, etc.) eliminando el exceso de masa. Otro proceso de creación de volumen añadiendo masa plástica (plastilina, arcilla, cera, etc.) se llama modelado (plástico). Las esculturas también crean su trabajo a partir de sustancias que pueden pasar de un estado líquido a un estado sólido ( varios materiales, yeso, hormigón, plástico y similares). El metal sin fundir utilizado para crear una escultura se procesa mediante forjado, estampado, soldadura y corte.
En el siglo 20 Surgen nuevas oportunidades para el desarrollo de la escultura. Entonces, en la escultura abstracta usan métodos no convencionales y materiales (alambre, figuras inflables, espejos, etc.). Artistas de muchos movimientos modernistas proclaman los objetos cotidianos como obras de escultura.
El color, que se ha utilizado durante mucho tiempo en la escultura (la antigüedad, la Edad Media, el Renacimiento), se utiliza activamente hoy en día para realzar la expresividad artística de la escultura de caballete. Recurrir a la policromía en la escultura o abandonarla, volver al color natural del material (piedra, madera, bronce, etc.) se asocian con direccion GENERAL Desarrollo del arte en un país determinado y en una época determinada.
No es ningún secreto que la pintura tiene su propia tipología y se divide en géneros. Este fenómeno se originó en Europa en el siglo XV, cuando se formó el concepto de pintura de primera, que incluía pinturas de carácter mitológico e histórico, y de segunda, paisajes, retratos y naturalezas muertas. Pero esta clasificación perdió su relevancia alrededor de 1900, cuando había demasiados géneros y estilos y habría sido demasiado anticuado utilizar una división clara sólo en estos dos grupos. Por eso quiero hablar de los tipos de pintura actuales en la actualidad.
Naturaleza muerta (naturaleza muerta- “naturaleza muerta”) - imágenes de cosas inanimadas. Este género se originó en el siglo XV y obtuvo su independencia en el XVII, gracias a artistas holandeses. El género se independizó con la llegada de la Edad de Oro a Holanda; los artistas se vieron mimados por la abundancia de comida y otras cosas que antes se consideraban artículos de lujo y riqueza; sobre esta base surgió un género tan limitado como el holandés; apareció la vida. Hoy en día, la naturaleza muerta es un tipo de pintura muy extendida y tiene una gran demanda entre los compradores de cuadros.
Retrato- una persona o grupo de personas representadas en la imagen. Los límites de este estilo son muy vagos; el retrato se cruza muy a menudo con otros estilos, como el paisaje o la naturaleza muerta. Los retratos también pueden ser históricos, póstumos o religiosos. También hay un autorretrato, que es cuando el artista se dibuja a sí mismo.
Escenario- un género muy importante en la pintura. En él, el artista pinta naturaleza o terreno prístino o transformado por el hombre. Hace tiempo que ha ido más allá de las especies habituales de mar o montaña, y hoy es una de las más tipos populares cuadro. Los paisajes pueden ser urbanos, rurales, de mar, de montaña, etc. Anteriormente, los paisajes se pintaban sólo al aire libre, cuando el artista pintaba del natural lo que veía. Esta práctica es cada vez menos común hoy en día y artistas contemporáneos Prefiero trabajar a partir de fotografías.
Puerto pequeño- el mismo bodegón marino, sólo que con el nombre correcto. Los puertos deportivos representan acontecimientos que tienen lugar en el mar, batallas, grandes olas, buques de carga, etc. Un destacado representante de este género fue Ivan Aivazovsky.
pintura de historia- surgió por necesidad, durante el Renacimiento los artistas pintaban importantes acontecimientos culturales e históricos. pinturas históricas no siempre se basa en la historia, también incluye diferentes tipos pinturas como: mitología, evangelio y acontecimientos bíblicos.
pintura de batalla- un tema que revela el tema de la guerra y la vida militar. El artista intenta representar un momento importante, épico y clave de una batalla o batalla. Al mismo tiempo, la fiabilidad puede pasar gradualmente a un segundo plano.
La pintura es quizás lo más mirada antigua arte. También en era primitiva Nuestros antepasados hicieron imágenes de personas y animales en las paredes de las cuevas. Estos son los primeros ejemplos de pintura. Desde entonces este tipo el arte siempre ha sido un compañero vida humana. Los ejemplos de pintura actuales son numerosos y variados. Intentaremos abarcar al máximo este tipo de arte, hablar de los principales géneros, estilos, tendencias y técnicas del mismo.
Técnicas de pintura
Veamos primero las técnicas básicas de pintura. Uno de los más comunes es aceite. Esta es una técnica que utiliza pinturas creadas sobre basado en aceite. Estas pinturas se aplican en trazos. Con su ayuda puedes crear diversidad. varios tonos, así como transmitir las imágenes necesarias con el máximo realismo.
Pintura al temple- otra técnica popular. Hablamos de ello cuando se utilizan pinturas en emulsión. El aglutinante de estas pinturas es huevo o agua.
Gouache- una técnica muy utilizada en gráficos. La pintura gouache está hecha con una base adhesiva. Se puede utilizar para trabajar sobre cartón, papel, hueso o seda. La imagen es duradera y las líneas son nítidas. Pastel- Esta es una técnica de dibujo con lápices secos y la superficie debe quedar rugosa. Y, por supuesto, cabe mencionar las acuarelas. Esta pintura suele diluirse con agua. Con esta técnica se obtiene una capa suave y fina de pintura. Particularmente populares Por supuesto, hemos enumerado solo las técnicas principales que se utilizan con mayor frecuencia en la pintura. Hay otros también.
¿Sobre qué se suelen pintar los cuadros? La pintura más popular es la sobre lienzo. Se estira sobre un marco o se pega sobre cartón. Tenga en cuenta que en el pasado los tablones de madera se utilizaban con bastante frecuencia. Hoy en día, no solo es popular pintar sobre lienzo; también se puede utilizar cualquier otro material plano para crear imágenes.
tipos de pintura
Hay 2 tipos principales: caballete y pintura monumental. Este último está relacionado con la arquitectura. Este tipo incluye pintar techos y paredes de edificios, decorarlos con imágenes realizadas con mosaicos u otros materiales, vidrieras, etc. La pintura de caballete no está asociada a ningún edificio específico. Se puede mover de un lugar a otro. EN pintura de caballete Hay muchas variedades (también llamadas géneros). Veámoslos con más detalle.
Géneros de pintura
La palabra "género" es de origen francés. Se traduce como "género", "especie". Es decir, bajo el nombre del género hay algún tipo de contenido, y al pronunciar su nombre entendemos de qué trata la imagen, qué encontraremos en ella: humanos, naturaleza, animales, objetos, etc.
Retrato
El género de pintura más antiguo es el retrato. Esta es una imagen de una persona que sólo se parece a sí mismo y a nadie más. En otras palabras, un retrato es una imagen pictórica de una apariencia individual, ya que cada uno de nosotros tiene un rostro individual. Este género de pintura tiene sus propias variedades. El retrato puede ser de cuerpo entero, de busto o se puede pintar solo una cara. Tenga en cuenta que no toda imagen de una persona es un retrato, ya que un artista puede crear, por ejemplo, "una persona en general" sin copiarla de nadie más. Sin embargo, cuando retrata a un representante específico raza humana, luego trabaja específicamente en el retrato. No hace falta decir que existen numerosos ejemplos de pintura de este género. Pero el retrato que se presenta a continuación es conocido por casi todos los habitantes de nuestro país. Estamos hablando de la imagen de A. S. Pushkin, creada en 1827 por Kiprensky.
También puedes agregar un autorretrato a este género. En este caso, el artista se representa a sí mismo. Hay un retrato de pareja, cuando la imagen muestra personas en parejas; y un retrato de grupo, cuando se representa a un grupo de personas. También se puede notar retrato ceremonial, cuya variedad es la ecuestre, una de las más solemnes. Fue muy popular en el pasado, pero este tipo de obras son raras ahora. Sin embargo, el próximo género del que hablaremos es relevante en cualquier momento. ¿De qué estamos hablando? Esto se puede adivinar repasando los géneros que aún no hemos nombrado a la hora de caracterizar la pintura. La naturaleza muerta es una de ellas. De esto es de lo que hablaremos ahora, continuando mirando la pintura.
Naturaleza muerta
Esta palabra también es de origen francés, significa “naturaleza muerta”, aunque el significado sería más exacto “naturaleza inanimada”. La naturaleza muerta es una imagen de objetos inanimados. Son muy diversos. Tengamos en cuenta que las naturalezas muertas también pueden representar la "naturaleza viva": mariposas tranquilas sobre los pétalos, hermosas flores, pájaros y, a veces, se puede ver a una persona entre los regalos de la naturaleza. Sin embargo, seguirá siendo una naturaleza muerta, ya que la imagen de un ser vivo no es lo más importante para el artista en este caso.
Escenario
Paisaje es otra palabra francesa que significa "vista del país". Es similar al concepto alemán de "paisaje". El paisaje es una imagen de la naturaleza en su diversidad. A este género se suman las siguientes variedades: paisaje arquitectónico y muy popular marina, que a menudo se llama con una sola palabra "marina", y los artistas que trabajan en ella se llaman pintores marinos. Se pueden encontrar numerosos ejemplos de pintura del género marino en las obras de I.K. Uno de ellos es "Rainbow" de 1873.
Esta pintura está realizada al óleo y es difícil de ejecutar. Pero crear paisajes en acuarela no es nada difícil, por eso en las lecciones de dibujo de la escuela se nos asignó esta tarea a cada uno de nosotros.
género animal
El siguiente género es animal. Aquí todo es simple: esta es una imagen de pájaros y animales en la naturaleza, en su entorno natural.
género cotidiano
El género cotidiano es una representación de escenas de la vida, la vida cotidiana, "incidentes" divertidos. vida hogareña e historias de gente corriente en ambiente ordinario. O puede prescindir de las historias: simplemente capture las actividades y los asuntos cotidianos. Estas pinturas a veces se llaman pintura de género. Como ejemplo, tomemos la obra de Van Gogh “Los comedores de patatas” (1885) presentada anteriormente.
Género histórico
Los temas de la pintura son variados, pero el género histórico destaca por separado. esta es la imagen héroes históricos y eventos. El género de batalla es adyacente; presenta episodios de guerra y batalla.
Género religioso y mitológico.
EN género mitológico Se escribieron obras de pintura sobre temas de cuentos antiguos y antiguos sobre dioses y héroes. Cabe señalar que la imagen es de naturaleza secular y en esto se diferencia de las imágenes de deidades presentadas en el icono. Por cierto, la pintura religiosa no se trata sólo de iconos. ella une varias obras escrito sobre temas religiosos.
Choque de géneros
Cuanto más rico es el contenido de un género, más aparecen sus “compañeros”. Los géneros pueden fusionarse, por lo que hay pintura que no puede situarse en el marco de ninguno de ellos. En el arte hay tanto general (técnicas, géneros, estilos) como individual (una obra específica tomada por separado). Una imagen separada también contiene algo en común. Por lo tanto, muchos artistas pueden tener el mismo género, pero los cuadros pintados en él nunca son similares. La cultura de la pintura tiene tales características.
Estilo
El estilo es un aspecto. percepción visual pinturas Puede combinar las obras de un artista o las obras de artistas de un determinado período, movimiento, escuela o localidad.
Pintura académica y realismo.
La pintura académica es una dirección especial, cuya formación está asociada a las actividades de las academias de arte europeas. Apareció en el siglo XVI en la Academia de Bolonia, desde donde se buscaba imitar a los maestros del Renacimiento. Desde el siglo XVI, los métodos de enseñanza de la pintura comenzaron a basarse en el estricto cumplimiento de normas y reglamentos, siguiendo patrones formales. El arte de París fue considerado uno de los más influyentes de Europa. Promovió la estética del clasicismo que dominó Francia en el siglo XVII. ¿Academia de París? Habiendo contribuido a la sistematización de la educación, gradualmente convirtió las reglas de la dirección clásica en dogmas. Así, la pintura académica se convirtió en una dirección especial. En el siglo XIX, algunas de las manifestaciones más destacadas del academicismo fueron las obras de J. L. Jerome, Alexandre Cabannel y J. Ingres. Los cánones clásicos fueron reemplazados por los realistas sólo a principios del siglo XIX y XX. Fue el realismo el que se convirtió en el método básico de enseñanza en las academias a principios del siglo XX y se convirtió en un sistema dogmático.
Barroco
El barroco es un estilo y una era del arte caracterizado por la aristocracia, el contraste, las imágenes dinámicas, los detalles simples al representar la abundancia, la tensión, el drama, el lujo, una fusión de realidad e ilusión. Este estilo apareció en Italia en 1600 y se extendió por toda Europa. Caravaggio y Rubens son sus representantes más destacados. El barroco a menudo se compara con el expresionismo; sin embargo, a diferencia de este último, no tiene efectos demasiado repulsivos. Las pinturas de este estilo hoy se caracterizan por la complejidad de las líneas y la abundancia de adornos.
Cubismo
El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia que surgió en el siglo XX. Su creador es Pablo Picasso. El cubismo hizo una verdadera revolución en la escultura y la pintura en Europa, inspirando la creación de movimientos similares en arquitectura, literatura y música. La pintura artística de este estilo se caracteriza por objetos rotos y recombinados que tienen una forma abstracta. Al representarlos se utilizan muchos puntos de vista.
Expresionismo
El expresionismo es otra dirección importante. arte contemporáneo, que apareció en Alemania en la primera mitad del siglo XX. Al principio abarcó sólo la poesía y la pintura, para luego extenderse a otras áreas del arte.
Los expresionistas representan el mundo subjetivamente, distorsionando la realidad para crear un mayor efecto emocional. Su objetivo es hacer pensar al espectador. La expresión en el expresionismo prevalece sobre la imagen. Cabe señalar que muchas obras se caracterizan por motivos de tormento, dolor, sufrimiento, gritos (la obra de Edvard Munch, presentada anteriormente, se llama "El grito"). Los artistas expresionistas no están interesados en absoluto en la realidad material; sus pinturas están llenas de significados profundos y experiencias emocionales.
Impresionismo
El impresionismo es un estilo de pintura destinado principalmente a trabajar al aire libre (al aire libre), más que en el estudio. Debe su nombre al cuadro “Impresión, amanecer” de Claude Monet, que se muestra en la foto de abajo.
La palabra "impresión" en idioma en Inglés- impresión. Las pinturas impresionistas transmiten principalmente la sensación de luz del artista. Las principales características de la pintura en este estilo son las siguientes: trazos finos, apenas visibles; cambios en la iluminación, transmitidos con precisión (a menudo la atención se centra en el efecto del paso del tiempo); composición abierta; objetivo común simple; El movimiento como elemento clave de la experiencia y percepción humana. Los representantes más destacados de un movimiento como el impresionismo son Edgar Degas, Claude Monet y Pierre Renoir.
Modernismo
La siguiente dirección es el modernismo, que se originó como un conjunto de tendencias en varios campos Arte de finales del siglo XIX y principios del XX. El "Salón de los Rechazados" parisino se inauguró en 1863. Artistas cuyas pinturas no fueron permitidas en el salón oficial expuesto aquí. Esta fecha puede considerarse la fecha del surgimiento del modernismo como un movimiento artístico separado. De lo contrario, al modernismo a veces se le llama “otro arte”. Su objetivo es crear pinturas únicas, diferentes a otras. La característica principal de las obras es la visión especial del mundo del autor.
Los artistas en su obra se rebelaron contra los valores del realismo. La autoconciencia es una característica sorprendente esta direccion. Esto a menudo conduce a la experimentación con la forma, así como a una inclinación por la abstracción. Los representantes del modernismo prestan atención a los materiales utilizados y al proceso de trabajo. Atención especial. Algunos de sus representantes más destacados son Henry Matisse (su obra "La habitación roja" de 1908 se presenta arriba) y Pablo Picasso.
Neoclasicismo
El neoclasicismo es la principal dirección de la pintura en Norte de Europa desde mediados del siglo XVIII hasta finales del XIX. Se caracteriza por un regreso a los rasgos del antiguo Renacimiento e incluso a la época del clasicismo. En términos arquitectónicos, artísticos y culturales, el neoclasicismo surgió como una respuesta al rococó, que se percibía como un estilo de arte superficial y pretencioso. Los artistas neoclásicos, gracias a su buen conocimiento de las leyes eclesiásticas, intentaron introducir cánones en sus obras. Sin embargo, evitaron simplemente reproducir motivos y temas clásicos. Los artistas neoclásicos intentaron situar sus pinturas en el marco de la tradición y demostrar así su dominio del género. En este sentido, el neoclasicismo se opone directamente al modernismo, donde la improvisación y la autoexpresión se consideran virtudes. Entre sus representantes más famosos se encuentran Nicolas Poussin y Raphael.
Arte pop
La última dirección que consideraremos es el arte pop. Apareció en Gran Bretaña a mediados de los años 50 del siglo pasado y a finales de los 50 en Estados Unidos. Se cree que el arte pop se originó como una reacción a las ideas del expresionismo abstracto dominantes en ese momento. Hablando de esta dirección, es imposible no mencionar que en 2009 uno de sus cuadros "Ocho Elvises" se vendió por 100 millones de dólares.
Aparecieron géneros de pintura, ganaron popularidad, se desvanecieron, surgieron otros nuevos y comenzaron a distinguirse subtipos dentro de los existentes. Este proceso no se detendrá mientras una persona exista e intente capturar el mundo que la rodea, ya sea la naturaleza, los edificios u otras personas.
Anteriormente (hasta el siglo XIX) existía una división de los géneros pictóricos en los llamados géneros “altos” (gran género francés) y géneros “bajos” (pequeño género francés). Esta división surgió en el siglo XVII. y se basó en el tema y la trama que se representaban. En este sentido, a generos altos incluía: batalla, alegórico, religioso y mitológico, y bajo - retrato, paisaje, naturaleza muerta, animalismo.
La división en géneros es bastante arbitraria, porque En una pintura pueden estar presentes elementos de dos o más géneros al mismo tiempo.
Animalística, o genero animal
El animalismo, o género animal (del latín animal - animal) es un género en el que el motivo principal es la imagen de un animal. Podemos decir que este es uno de los géneros más antiguos, porque... dibujos y figuras de pájaros y animales estaban presentes en la vida de los pueblos primitivos. Por ejemplo, en el conocido cuadro de I.I. Shishkin "Mañana en bosque de pinos“La naturaleza es representada por el propio artista, y los osos son representados por un artista completamente diferente, que se especializa en representar animales.
I.I. Shishkin "Mañana en un bosque de pinos" ¿Cómo se puede distinguir una subespecie? género hipico(del griego hipopótamos - caballo): un género en el que el centro de la imagen es la imagen de un caballo.
NO. Sverchkov "Caballo en el establo" Retrato
Retrato (de la palabra francesa retrato) es una imagen en la que la imagen central es una persona o un grupo de personas. El retrato transmite no sólo parecido externo, pero también refleja mundo interior y transmite los sentimientos del artista hacia la persona cuyo retrato está pintando.
ES DECIR. Repin Retrato de Nicolás II El género del retrato se divide en individual(imagen de una persona), grupo(imagen de varias personas), por la naturaleza de la imagen - a la puerta principal cuando una persona es representada en altura completa contra un fondo arquitectónico o paisajístico destacado y cámara, cuando se representa a una persona hasta el pecho o la cintura sobre un fondo neutro. Un grupo de retratos, unidos por alguna característica, forma un conjunto o galería de retratos. Un ejemplo serían los retratos de miembros de la familia real.
Destaca por separado Auto retrato, en el que el artista se representa a sí mismo.
K. Bryullov Autorretrato El retrato es uno de los géneros más antiguos: los primeros retratos (escultóricos) ya estaban presentes en antiguo Egipto. Tal retrato actuaba como parte de un culto al más allá y era un "doble" de una persona.
Escenario
El paisaje (del francés paysage - país, región) es un género en el que la imagen central es la imagen de la naturaleza: ríos, bosques, campos, mar, montañas. En un paisaje lo principal es, por supuesto, la trama, pero no menos importante es transmitir el movimiento y la vida de la naturaleza circundante. Por un lado, la naturaleza es hermosa y causa admiración, pero por otro lado, es bastante difícil reflejar esto en una imagen.
C. Monet “Campo de amapolas en Argenteuil” Una subespecie de paisaje es paisaje marino o puerto deportivo(del francés marine, italiano marina, del latín marinus - mar): una imagen de una batalla naval, el mar u otros eventos que se desarrollan en el mar. Un destacado representante de los pintores marinos es K.A. Aivazovski. Es de destacar que el artista escribió de memoria muchos de los detalles de este cuadro.
I.I. Aivazovsky "La novena ola" Sin embargo, los artistas a menudo se esfuerzan por pintar el mar desde el natural, por ejemplo, W. Turner por su cuadro “Blizzard. El vapor a la entrada del puerto da una señal de socorro después de adentrarse en aguas poco profundas”, pasó 4 horas atado al puente de mando de un barco que navegaba en medio de una tormenta.
W. Turner “Ventisca. Un barco de vapor a la entrada del puerto da una señal de socorro después de adentrarse en aguas poco profundas". El elemento agua también está representado en un paisaje fluvial.
asignar por separado paisaje urbano, en el que el tema principal de la imagen son las calles y edificios de la ciudad. Un tipo de paisaje urbano es veduta– una imagen de un paisaje urbano en forma de panorama, donde la escala y las proporciones ciertamente se mantienen.
A. Canaletto “Piazza San Marco”Hay otros tipos de paisaje. rural, industrial y arquitectónico. En la pintura arquitectónica, el tema principal es la imagen del paisaje arquitectónico, es decir. edificios, estructuras; incluye imágenes de interiores (decoración interior de locales). A veces Interior(del francés intérieur - interno) distinguido como género separado. Otro género se distingue en la pintura arquitectónica. — Capricho(del italiano capriccio, capricho, capricho) - paisaje arquitectónico de fantasía.
Naturaleza muerta
La naturaleza muerta (del francés Nature Morte - naturaleza muerta) es un género dedicado a la representación de objetos inanimados que se colocan en un entorno común y forman un grupo. La naturaleza muerta apareció en los siglos XV y XVI, pero como género independiente surgió en el siglo XVII.
A pesar de que la palabra "naturaleza muerta" se traduce como naturaleza muerta, en las pinturas hay ramos de flores, frutas, peces, caza, platos; todo parece "vivo", es decir. como si fuera real. Desde su aparición hasta nuestros días, la naturaleza muerta ha sido genero importante en pintura.
K. Monet “Jarrón con flores” Como subespecie separada podemos distinguir Vanitas(del latín vanitas - vanidad, vanidad): un género de pintura en el que el lugar central de la imagen lo ocupa un cráneo humano, cuya imagen pretende recordar la vanidad y la fragilidad de la vida humana.
La pintura de F. de Champagne presenta tres símbolos de la fragilidad de la existencia: la vida, la muerte y el tiempo a través de las imágenes de un tulipán, una calavera y un reloj de arena.
Género histórico
Género histórico: un género en el que las pinturas representan. eventos importantes y fenómenos socialmente significativos del pasado o del presente. Es de destacar que la imagen puede estar dedicada no solo a eventos reales, sino también a eventos de la mitología o, por ejemplo, descritos en la Biblia. Este género es muy importante para la historia, tanto para la historia de pueblos y estados individuales como para la humanidad en su conjunto. En las pinturas, el género histórico es inseparable de otros tipos de géneros: retrato, paisaje, género de batalla.
ES DECIR. Repin "Los cosacos escriben una carta al sultán turco" 
K. Bryullov "El último día de Pompeya" Género de batalla
El género de batalla (del francés bataille - batalla) es un género en el que las pinturas representan la culminación de una batalla, operaciones militares, un momento de victoria, escenas de la vida militar. Para pintura de batalla imagen característica en la pintura gran cantidad de la gente.
AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. Deineka "Defensa de Sebastopol" Género religioso
El género religioso es un género en el que el principal línea de la historia– bíblico (escenas de la Biblia y del Evangelio). El tema se relaciona con la pintura religiosa y de iconos, la diferencia entre ellas es que las pinturas de contenido religioso no participan en los servicios religiosos, y para el icono este es el objetivo principal. Iconografía traducido del griego. significa "imagen de oración". Este género estaba limitado por los estrictos marcos y leyes de la pintura, porque No pretende reflejar la realidad, sino transmitir la idea del principio de Dios, en el que los artistas buscan un ideal. En Rusia, la pintura de iconos alcanza su apogeo entre los siglos XII y XVI. Mayoría nombres famosos pintores de iconos: Teófanes el Griego (frescos), Andrei Rublev, Dionisio.
A. Rublev "Trinidad" Cómo destaca la etapa de transición de la pintura de iconos al retrato Parsuna(distorsionado del latín persona - persona, persona).
Parsun de Iván el Terrible. autor desconocido género cotidiano
Las pinturas representan escenas La vida cotidiana. A menudo el artista escribe sobre aquellos momentos de la vida de los que es contemporáneo. Características distintivas Este género trata del realismo de las pinturas y la sencillez de la trama. La imagen puede reflejar las costumbres, tradiciones y estructura de la vida cotidiana de un pueblo en particular.
A pintura del hogar incluir tales Pinturas famosas como "Barge Haulers on the Volga" de I. Repin, "Troika" de V. Perov, "Matrimonio desigual" de V. Pukirev.
I. Repin "Transportadores de barcazas en el Volga" Género épico-mitológico
Género épico-mitológico. La palabra mito proviene del griego. "mythos", que significa tradición. Las pinturas representan eventos de leyendas, epopeyas, tradiciones, mitos griegos antiguos, cuentos antiguos y tramas de obras folclóricas.
P. Veronese "Apolo y Marsias" Género alegórico
Género alegórico (del griego allegoria - alegoría). Los cuadros están pintados de tal manera que tienen Significado oculto. Ideas y conceptos insustanciales, invisibles a los ojos (poder, bien, mal, amor), se transmiten a través de imágenes de animales, personas y otros seres vivos con características tan inherentes que tienen un simbolismo ya fijado en la mente de las personas y ayudan a comprender. significado general obras.
L. Giordano “El amor y los vicios desarman la justicia” Pastoral (del francés pastorale - pastoral, rural)
Un género de pintura que glorifica y poetiza la vida rural sencilla y pacífica.
F. Boucher “Pastoral de Otoño” Caricatura (del italiano caricare - exagerar)
Un género en el que, a la hora de crear una imagen, se aplica conscientemente efecto cómico exagerando y agudizando rasgos, comportamiento, vestimenta, etc. El propósito de una caricatura es ofender, a diferencia, por ejemplo, de una caricatura (del cargo francés), cuyo propósito es simplemente burlarse. Estrechamente relacionados con el término “caricatura” están conceptos como impresión popular y grotesco.
Desnudo (del francés nu - desnudo, desvestido)
El género en el que las pinturas representan el cuerpo humano desnudo suele ser femenino.
Tiziano Vecellio "Venus de Urbino" Falso o trompe l'oeil (del francés. trampantojo - ilusión óptica)
Género, rasgos de personaje cual - movimientos especiales, creando una ilusión óptica y permitiendo borrar la línea entre realidad e imagen, es decir. la impresión engañosa de que un objeto es tridimensional cuando es bidimensional. A veces, la blende se distingue como un subtipo de naturaleza muerta, pero a veces también se representan personas en este género.
Per Borrell del Caso "Huyendo de la crítica" Para completar la percepción de los señuelos, es recomendable considerarlos en el original, porque La reproducción no puede transmitir completamente el efecto que el artista representó.
Jacopo de Barberi "La perdiz y los guantes de hierro" Imagen temática
Una mezcla de géneros tradicionales de pintura (doméstica, histórica, de batalla, paisajística, etc.). De otra forma, este género se llama composición de figuras, sus rasgos característicos son: Rol principal una persona juega, necesariamente se muestra la presencia de acción y una idea socialmente significativa, relaciones (conflicto de intereses/personajes) y acentos psicológicos.
V. Surikov “Boyaryna Morozova” gótico(del italiano gotico - inusual, bárbaro): un período en el desarrollo del arte medieval, que abarca casi todas las áreas de la cultura y se desarrolla en Occidente, Central y en parte. de Europa del Este Del siglo XII al XV. El gótico completó el desarrollo del arte medieval europeo, que surgió sobre la base de los logros de la cultura románica, y durante el Renacimiento, el arte medieval fue considerado "bárbaro". El arte gótico tenía un propósito cultual y un tema religioso. Abordó los poderes divinos más elevados, la eternidad y la cosmovisión cristiana. El gótico en su desarrollo se divide en gótico temprano, apogeo y gótico tardío.
Las famosas catedrales europeas, que a los turistas les encanta fotografiar con gran detalle, se han convertido en obras maestras del estilo gótico. en diseño de interiores catedrales góticas jugó un papel importante soluciones de color. En la decoración exterior e interior predominaba la abundancia de dorados, la luminosidad del interior, el calado de los muros y la disección cristalina del espacio. La materia carecía de pesadez e impenetrabilidad; estaba, por así decirlo, espiritualizada.
Las enormes superficies de las ventanas se llenaron de vidrieras con composiciones que reproducían acontecimientos históricos, cuentos apócrifos, temas literarios y religiosos, imágenes. escenas cotidianas de la vida de simples campesinos y artesanos, que proporcionaron una enciclopedia única del modo de vida durante la Edad Media. Las kona estaban llenas de arriba a abajo con composiciones de figuras encerradas en medallones. La combinación de luz y color en la pintura mediante la técnica del vitral impartió una mayor emotividad a las composiciones artísticas. Se utilizaron una variedad de vidrios: escarlata intenso, fuego, rojo, granate, verde, amarillo, azul oscuro, azul, ultramar, cortados a lo largo del contorno del diseño... Las ventanas se calentaban como piedras preciosas, impregnadas de luz exterior. - transformaron todo el interior del templo y pusieron a sus visitantes en un estado de ánimo elevado.
Gracias al vidrio coloreado gótico nacieron nuevos valores estéticos y los colores adquirieron la máxima sonoridad del color radiante. El color puro creó una atmósfera de aire, pintada en diferentes tonos gracias al juego de luces en columnas, pisos y vidrieras. El color se convirtió en una fuente de luz que profundizó la perspectiva. Los vasos gruesos, a menudo desiguales, estaban llenos de burbujas no del todo transparentes, realzando el efecto artístico del vitral. La luz, al atravesar el espesor irregular del cristal, se fragmentó y empezó a jugar.
Los mejores ejemplos de auténticas vidrieras góticas se pueden ver en las catedrales de Chartres, Bourges y París (por ejemplo, “La Virgen y el Niño”). Lleno de no menos esplendor, así como “Ruedas de fuego” y “Lanzamiento de relámpagos” en la Catedral de Chartres.
A partir de mediados del siglo I, se empezaron a introducir en la gama de colores colores complejos obtenidos mediante la duplicación de vidrio. Vidrieras tan extraordinarias en estilo gótico conservado en la Sainte-Chapelle (1250). Se aplicaron contornos al vidrio con pintura de esmalte marrón y las formas eran de naturaleza plana.
La época gótica se convirtió en el apogeo del arte de los libros en miniatura, así como de las miniaturas artísticas. El fortalecimiento de las tendencias seculares en la cultura solo intensificó su desarrollo. Las ilustraciones con composiciones de varias figuras sobre temas religiosos incluían varios detalles realistas: imágenes de pájaros, animales, mariposas, adornos con motivos vegetales y escenas cotidianas. Las obras del miniaturista francés Jean Pussel están llenas de un encanto poético especial.
En el desarrollo de las miniaturas góticas francesas de los siglos XIII y XIV. lugar líder Estaba ocupado por una escuela parisina. El Salterio de San Luis está repleto de composiciones de varias figuras enmarcadas por un único motivo. arquitectura gótica, por lo que la narración adquiere una extraordinaria armonía (Louvre, París, 1270). Las figuras de las damas y los caballeros son elegantes, sus formas se distinguen por líneas fluidas, lo que crea la ilusión de movimiento. La riqueza y densidad de los colores, así como la arquitectura decorativa del diseño, convierten estas miniaturas en obras de arte únicas y preciosas decoraciones de páginas.
El estilo del libro gótico se distingue por formas puntiagudas, ritmo angular, inquietud, patrones calados de filigrana y líneas sinuosas y poco profundas. Cabe señalar que en los siglos XIV y XV también se ilustraron manuscritos seculares. Libros de horas, tratados científicos, colecciones de canciones de amor y crónicas están repletos de magníficas miniaturas. Las miniaturas, que ilustran obras de la literatura cortesana, encarnaban el ideal del amor caballeresco, así como escenas de la vida cotidiana que nos rodea. Una creación similar es el manuscrito Manes (1320).
Con el tiempo, el gótico se ha vuelto más narrado. Las “Grandes Crónicas Francesas” del siglo XIV demuestran claramente el deseo del artista de profundizar en el significado del acontecimiento que representa. Además de esto, a los libros se les dio elegancia decorativa mediante el uso de exquisitas viñetas y marcos de formas extravagantes.
Las miniaturas góticas tuvieron una gran influencia en la pintura y aportaron una corriente viva al arte de la Edad Media. El gótico se ha convertido no solo en un estilo, sino en un vínculo importante en general. desarrollo cultural sociedad. Los maestros del estilo con increíble precisión pudieron reproducir la imagen de su contemporáneo en el tema y entorno natural. Las majestuosas y espirituales obras góticas están rodeadas de un aura de encanto estético único. El gótico dio origen a una nueva comprensión de la síntesis de las artes y sus logros realistas prepararon el terreno para la transición al arte del Renacimiento.