Pintura famosa"El último día de Pompeya" de Karl Bryullov fue escrito en 1830-1833. En este lienzo épico, el pintor plasmó la muerte de la ciudad de Pompeya debido a la erupción del Monte Vesubio en el año 79 d.C.

En busca de autenticidad, Bryullov visitó las excavaciones de la ciudad perdida. Las figuras y rostros de personas fueron creados por el pintor a partir del natural, de los habitantes de Roma. Casi todos los objetos representados en la imagen fueron pintados por el artista a partir de objetos originales almacenados en el Museo de Nápoles.

Bryullov pinta un cuadro verdaderamente infernal. A lo lejos arde un volcán, desde cuyas profundidades fluyen corrientes de lava ardiente en todas direcciones. Los reflejos de la llama de la lava ardiente iluminan la parte posterior del lienzo con un brillo rojizo. Un relámpago, que atraviesa una nube de ceniza y arde, ilumina el frente de la imagen.

En su pintura, Bryullov utiliza una combinación de colores atrevida para su época. lo mas mucha atención El pintor recurre a la perspectiva aérea: consigue crear una sensación de espacio profundo.

Ante nosotros hay todo un mar de sufrimiento humano. En la hora de la verdadera tragedia quedan expuestos. almas humanas. Aquí hay un hombre, protegiendo a sus seres queridos, levantando la mano desesperadamente, como si intentara detener los elementos. La madre, abrazando apasionadamente a sus hijos, mira al cielo suplicando piedad. Aquí los hijos intentan llevar sobre sus hombros a su viejo y débil padre lejos del peligro. Un joven convence a su madre caída para que reúna fuerzas y huya. En el centro de la imagen hay una mujer muerta y un bebé acercándose al cuerpo sin vida de su madre.

La pintura "El último día de Pompeya" recuerda al espectador que el principal valor del mundo es el hombre. El artista contrasta su belleza física y grandeza espiritual con las fuerzas destructivas de la naturaleza. La imagen provocó una explosión de admiración y admiración, tanto en Italia como en Rusia. El trabajo fue recibido con entusiasmo por A.S. Pushkin y N.V. Gogol.

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Lienzo, óleo.
Tamaño: 465,5 × 651 cm

"El último día de Pompeya"

El último día de Pompeya es aterrador y hermoso. Muestra cuán impotente es el hombre frente a la naturaleza furiosa. El talento del artista es asombroso, logró transmitir toda la fragilidad. vida humana. La imagen grita en silencio que no hay nada en el mundo más importante que la tragedia humana. El lienzo monumental de treinta metros revela a todos aquellas páginas de la historia que nadie quiere repetir.

... De los 20 mil habitantes de Pompeya ese día, 2.000 personas murieron en las calles de la ciudad. Hasta el día de hoy se desconoce cuántos de ellos quedaron enterrados bajo los escombros de las casas.

Descripción de la pintura "El último día de Pompeya" de K. Bryullov

Artista: Karl Pavlovich Bryullov (Bryulov)
Título del cuadro: “El último día de Pompeya”
El cuadro fue pintado: 1830-1833.
Lienzo, óleo.
Tamaño: 465,5 × 651 cm

El artista ruso de la época Pushkin es conocido como retratista y el último romántico de la pintura, y no un enamorado de la vida y la belleza, sino más bien un experimentador. conflicto trágico. Es de destacar que las pequeñas acuarelas de K. Bryullov durante su vida en Nápoles fueron traídas por los aristócratas de sus viajes como recuerdos decorativos y entretenidos.

La obra del maestro estuvo fuertemente influenciada por su vida en Italia, sus viajes por las ciudades de Grecia, así como su amistad con A.S. Esto último afectó radicalmente la visión del mundo del graduado de la Academia de las Artes: el destino de toda la humanidad es lo primero en sus obras.

Esta imagen refleja esta idea lo más claramente posible. "El último día de Pompeya" basado en hechos históricos reales.

Una ciudad cerca de la actual Nápoles fue destruida por la erupción del Monte Vesubio. Los manuscritos de historiadores antiguos, en particular Plinio el Joven, también hablan de esto. Dice que Pompeya era famosa en toda Italia por su clima templado, su aire curativo y su naturaleza divina. Los patricios tenían villas aquí, los emperadores y generales descansaban, convirtiendo la ciudad en una versión antigua de Rublyovka. Se sabe con certeza que aquí había un teatro, un suministro de agua y unas termas romanas.

24 de agosto del 79 d.C. mi. La gente escuchó un rugido ensordecedor y vio columnas de fuego, cenizas y piedras que comenzaban a brotar de las entrañas del Vesubio. El desastre fue precedido por un terremoto el día anterior, por lo que la mayoría de la gente logró abandonar la ciudad. Los que quedaron no se salvaron de las cenizas que llegaron a Egipto y de la lava volcánica. Terrible tragedia llegó en cuestión de segundos: las casas se derrumbaron sobre las cabezas de sus habitantes y capas de sedimentos volcánicos de un metro de altura cubrieron a todos sin excepción. El pánico comenzó en Pompeya, pero no había ningún lugar adonde huir.

Este es exactamente el momento representado en el lienzo por K. Bryullov, quien vio las calles en vivo. ciudad antigua, incluso bajo una capa de ceniza petrificada, permaneciendo igual que antes de la erupción. El artista recolectó materiales durante mucho tiempo, visitó Pompeya varias veces, examinó casas, caminó por las calles, hizo bocetos de huellas de cuerpos de personas que murieron bajo una capa de ceniza caliente. En la pintura se representan muchas figuras en las mismas poses: una madre con hijos, una mujer que se cayó de un carro y una pareja joven.

La obra tardó 3 años en escribirse, de 1830 a 1833. El maestro estaba tan imbuido de la tragedia de la civilización humana que varias veces lo sacaron del taller casi desmayado.

Curiosamente, la película contiene temas de destrucción y sacrificio humano. El primer momento que verás es el fuego que envuelve la ciudad, estatuas cayendo, un caballo enloquecido y una mujer asesinada que cayó de su carro. El contraste lo logran los habitantes del pueblo que huyen y que no se preocupan por ella.

Es de destacar que el maestro no representó una multitud en el sentido habitual de la palabra, sino personas, cada una de las cuales cuenta su propia historia.

Las madres que tienen en brazos a sus hijos, que no entienden muy bien lo que está sucediendo, quieren protegerlos de esta catástrofe. Los hijos, llevando a su padre en brazos, mirando locamente al cielo y tapándole los ojos de las cenizas con la mano, intentan salvarlo a costa de sus vidas. El joven, que sostiene en brazos a su novia muerta, parece no creer que ella ya no está viva. Un caballo enloquecido que intenta despistar a su jinete parece transmitir que la naturaleza no ha perdonado a nadie. Un pastor cristiano vestido con túnicas rojas, sin soltar el incensario, mira sin miedo y con una calma aterradora las estatuas que caen. dioses paganos, como si viera en esto el castigo de Dios. Llama la atención la imagen de un sacerdote que, habiendo tomado una copa de oro y artefactos del templo, abandona la ciudad, mirando cobardemente a su alrededor. Los rostros de la mayoría de las personas son hermosos y no reflejan horror, sino calma.

Uno de ellos al fondo es un autorretrato del propio Bryullov. Se aferra a lo más valioso: una caja de pinturas. Presta atención a su mirada, no hay en él miedo a la muerte, solo hay admiración por el espectáculo que se ha abierto. Es como si el maestro se detuviera y recordara el momento mortalmente hermoso.

Lo que llama la atención es que no hay un personaje principal en el lienzo, solo hay un mundo dividido por los elementos en dos partes. Caracteres se dispersan en el proscenio, abriendo las puertas a un infierno volcánico, y una mujer joven con un vestido dorado tirada en el suelo es un símbolo de la muerte de la refinada cultura de Pompeya.

Bryullov supo trabajar con claroscuro, modelando imágenes tridimensionales y vivas. La ropa y las cortinas juegan aquí un papel importante. Se representan batas colores ricos– rojo, naranja, verde, ocre, azul y azul. En contraste con ellos está la piel pálida y mortal, que está iluminada por el brillo de un relámpago.

La luz continúa la idea de dividir el cuadro. Ya no es una forma de transmitir lo que está sucediendo, sino que se convierte en un héroe viviente." Último día Pompeya". Los relámpagos destellan de color amarillo, incluso limón, frío, convirtiendo a la gente del pueblo en seres vivos. estatuas de marmol, y lava de color rojo sangre fluye sobre el pacífico paraíso. El resplandor del volcán realza el panorama de la ciudad moribunda al fondo de la imagen. Nubes negras de polvo, de las que no cae lluvia salvadora, sino cenizas destructivas, como si dijeran que nadie puede salvarse. El color dominante en el cuadro es el rojo. Además, este no es el color alegre que está diseñado para dar vida. El rojo de Bryullov es sangriento, como si reflejara el Armagedón bíblico. La ropa de los personajes y el fondo del cuadro parecen fundirse con el resplandor del volcán. Los relámpagos iluminan sólo el primer plano.

"El último día de Pompeya" es la representación pictórica más famosa de la erupción del Monte Vesubio.

El 24 de agosto de 79 se produjo uno de los desastres naturales más poderosos: la erupción del Monte Vesubio, que destruyó por completo las ciudades romanas de Pompeya y Herculano, ubicadas a sus pies.

Durante la explosión, el Vesubio arrojó una enorme nube caliente de piedras, cenizas y humo de hasta 33 km de altura, y la energía térmica liberada por ella superó la liberada durante la explosión. bomba atómica sobre Hiroshima.

Los contemporáneos que observaron el evento lo describieron como un fenómeno terrible, pero al mismo tiempo, de naturaleza formidable y lleno de belleza lúgubre. El propio Plinio el Joven quedó horrorizado y encantado con el espectáculo, y su tío, Plinio el Viejo, al observar el evento, navegó demasiado cerca del lugar de la erupción en un barco y murió envenenado con gases de azufre.

Muchos artistas se han inspirado pensando en el desastre. Mayoría pintura famosa sobre el tema de la erupción del Vesubio fue "El último día de Pompeya" de Karl Bryullov.

El lienzo épico fue escrito en 1830-1833 después de la visita de Bryullov en 1828 al lugar cerca de Nápoles donde se encontraba Pompeya. En Roma, donde se exhibió la obra maestra después de pintarla, recibió muchas respuestas entusiastas y luego fue transportada al Louvre de París. Ella trajo a Bryullov verdadero éxito en el extranjero.

"Tarde Moscú" presenta a su atención 7 datos interesantes sobre la imagen:

1. La imagen del artista en la esquina izquierda del cuadro es un autorretrato del autor.

2. El lienzo representa tres veces a la condesa Yulia Pavlovna Samoilova, con quien joven artista atado relación romántica. Fue con ella que viajaron por Italia y deambularon entre las ruinas de Pompeya, donde nació la idea del famoso maestro del lienzo. En la pintura, la condesa está representada en tres imágenes: una mujer con una jarra en la cabeza, de pie sobre una plataforma elevada en el lado izquierdo del lienzo; una mujer que cayó muerta, tendida en la acera y junto a ella un niño vivo (ambos presumiblemente fueron arrojados de un carro roto), en el centro del lienzo; y una madre que atrae a sus hijas hacia ella en la esquina izquierda de la imagen.

3. En Rusia en aquella época la pintura de Bryullov era percibida como completamente innovadora. Pero trajo su parte de fama. pintura rusa. E. A. Baratynsky compuso en esta ocasión un famoso aforismo: “¡El último día de Pompeya se convirtió en el primer día del pincel ruso!”

4. El cliente y patrocinador de la obra fue el famoso filántropo Anatoly Demidov, quien luego regaló la pintura a Nicolás I. Durante algún tiempo se exhibió como guía para pintores principiantes en la Academia de las Artes.

5. Junto con el cuadro de Bryullov en ruso. pintura historica La gente entró por primera vez. Anteriormente, la gente común y corriente no aparecía en las pinturas. Y aunque estas personas fueron representadas de forma bastante idealizada, sin ninguna característica social, no se puede dejar de apreciar la importancia de la empresa de Bryullov.

6. En los bocetos iniciales de la pintura, había la figura de un ladrón quitándole las joyas a una mujer caída. Sin embargo, en versión definitiva Bryullov lo quitó. El primer plano de la imagen estaba ocupado por varios grupos, cada uno de los cuales se convirtió en la personificación de la generosidad. personajes negativos no violó la sublime estructura trágica de la imagen. El mal causado a la gente se encarnaba sólo en los elementos furiosos.

7. La novedad del plan de Bryullov radica en el hecho de que utilizó dos fuentes de luz extremadamente contrastantes: rayos rojos calientes en las profundidades y rayos fríos de color verdoso azulado en el primer plano. Se propuso una tarea difícil, pero con un coraje asombroso logró resolverla. Bryullov audazmente "arrojó" reflejos de relámpagos en los rostros, cuerpos y ropas de las personas, y unió luces y sombras en marcados contrastes. Es por eso que los contemporáneos quedaron tan impresionados por el volumen escultórico de las figuras, la inusual y emocionante ilusión de la vida.

Parece posible para los contemporáneos ver a través de los ojos de un pintor. últimos momentos vida de los habitantes de la ciudad de Pompeya. Hay que admitir que en la mano del artista se percibe el estilo de Rafael y Velázquez. La exhibición y los detalles tan nítidamente capturados, la saturación de tonos carmesí y rojizos, la técnica del claroscuro: el maestro absorbió todo lo mejor de los artistas de esa época. El propio Bryullov tenía una muy influencia significativa En cuanto a la técnica y la forma de dibujar, Flavitsky, Serov, Moller y otros se caracterizaron por cierto academicismo y grandeza, que demostró vigorosamente en las pinturas "La amazona" y "El asedio de Pskov".

Para implementar su idea (y la idea, hay que admitirlo, se plasmó de una manera muy grandiosa, en un lienzo de 465x561 centímetros), Bryullov tuvo que ir al pie del Monte Vesubio y ver las ruinas de la ciudad de Pompeya. Allí, en el acto, hizo bocetos para el futuro lienzo, imaginando cómo el Vesubio revivido arroja cientos de miles de toneladas de ceniza y lava sobre los confusos habitantes de Pompeya. Bryullov tardó 3 años en escribir la obra y en 1833 terminó de escribirla.

Inmediatamente después de la finalización de la imagen, fue llevada a Roma para su revisión: críticos y espectadores fueron unánimes en sus críticas halagadoras. Luego, la pintura fue llevada a una exposición en París y colocada en el Louvre. Allí fue vista por el escritor de fama mundial Walter Scott. Dijo que la pintura era "inusual, épica". Un año después del final de la exposición de París, el lienzo llega finalmente a Rusia, a San Petersburgo. Y aquí, en su tierra natal, grandes figuras y escritores no se cansan de hablar de ello. Turgenev dejó una reseña halagadora, y Baratynsky y Pushkin inmediatamente esparcieron aforismos que fueron inmediatamente prohibidos por la censura.

El estilo de la obra de aquella época se consideró algo extraordinario, innovador, porque se adelantó a su tiempo. Ahora esta técnica es reconocida como neoclasicismo.
Entonces eran tan populares las historias sobre temas historicos Bryullov lo convirtió en una cierta realidad: los personajes representados no son estáticos, él está todo en movimiento. Sus rostros están llenos de horror y miedo. Parece que el propio artista capturó a la multitud en ese mismo momento: la realidad de las figuras pintadas es tan grande. Bryullov, que no es indiferente a la condesa Yulia Pavlovna Samoilova, la dama de honor del zar, no pudo negarse el placer de capturarla varias veces en la fotografía.

Aquí aparece en el lado izquierdo del lienzo en una colina, en la imagen de una mujer con una jarra en la cabeza, luego en la imagen de una mujer que cayó y murió: ella y su hijo (él está vivo) fueron arrojados. desde los escalones rotos de las escaleras, y finalmente, es una madre abrazando a su hija. El artista se representa a sí mismo como el mismo pintor en la esquina izquierda del cuadro. El artista representó con gran detalle y júbilo el resplandor resplandeciente y las estatuas de mármol de los dioses que caían, sobre las cuales se esparcían relámpagos.

La gente, enloquecida por el miedo, huye de la destrucción, pero no puede escapar. "El último día de Pompeya" nos presenta una imagen de la vida eterna captada.
Actualmente, el cuadro pertenece al Museo Ruso, donde Nicolás I lo donó en 1895.

Trama

El lienzo muestra una de las erupciones volcánicas más poderosas de la historia de la humanidad. En el año 79, el Vesubio, que había estado en silencio durante tanto tiempo que durante mucho tiempo se lo consideró extinto, de repente “despertó” y obligó a todos los seres vivos de la zona a quedarse dormidos para siempre.

Se sabe que Bryullov leyó las memorias de Plinio el Joven, quien fue testigo de los acontecimientos en Miseno, que sobrevivió al desastre: “La multitud presa del pánico nos siguió y... nos presionó en una masa densa, empujándonos hacia adelante cuando salió... Nos quedamos helados en medio de las escenas más peligrosas y aterradoras. Los carros que nos atrevimos a sacar se sacudían tan violentamente de un lado a otro, aunque estaban en el suelo, que no podíamos sostenerlos ni siquiera poniendo grandes piedras debajo de las ruedas. El mar parecía retroceder y alejarse de las costas por los movimientos convulsivos de la Tierra; definitivamente la tierra se expandió significativamente, y algunos animales marinos se encontraron sobre la arena... Finalmente, la terrible oscuridad comenzó a disiparse poco a poco, como una nube de humo; Volvió a aparecer la luz del día, e incluso salió el sol, aunque su luz era sombría, como ocurre antes de un eclipse que se avecina. Cada objeto que aparecía ante nuestros ojos (que estaban extremadamente debilitados) parecía haber cambiado, cubierto por una gruesa capa de ceniza, como por nieve”.

Pompeya hoy

El devastador golpe a las ciudades se produjo entre 18 y 20 horas después del inicio de la erupción: la gente tuvo tiempo suficiente para escapar. Sin embargo, no todos fueron prudentes. Y aunque no fue posible establecer el número exacto de muertes, la cifra asciende a miles. Entre ellos se encuentran principalmente esclavos que sus dueños dejaron para cuidar sus propiedades, así como ancianos y enfermos que no tuvieron tiempo de irse. También hubo quienes esperaban esperar en casa a que pasara el desastre. De hecho, todavía están allí.

Cuando era niño, Bryullov quedó sordo de un oído después de haber sido abofeteado por su padre.

En el lienzo, la gente está presa del pánico; los elementos no perdonan ni al rico ni al pobre. Y lo que es digno de mención es que Bryullov utilizó un modelo para escribir a personas de diferentes clases. Estamos hablando de Yulia Samoilova, su rostro aparece en el lienzo cuatro veces: una mujer con una jarra en la cabeza en el lado izquierdo del lienzo; una mujer que cae y muere en el centro; una madre que atrae a sus hijas hacia ella en la esquina izquierda de la imagen; una mujer cubriendo a sus hijos y ahorrando con su marido. El artista buscó rostros para los personajes que quedaban en las calles de Roma.

Lo que también sorprende en esta imagen es cómo se resuelve el problema de la luz. “Un artista corriente, por supuesto, no dejaría de aprovechar la erupción del Vesubio para iluminar su pintura; pero el señor Bryullov descuidó este remedio. El genio le inspiró una idea audaz, tan feliz como inimitable: iluminar toda la parte frontal del cuadro con el brillo rápido, diminuto y blanquecino de un relámpago, atravesando la espesa nube de ceniza que cubría la ciudad, mientras la luz La erupción, que apenas atraviesa la profunda oscuridad, proyecta una penumbra rojiza que se desvanece en el fondo”, escribieron los periódicos de la época.

Contexto

Cuando Bryullov decidió escribir La muerte de Pompeya, se le consideraba talentoso, pero aún prometedor. Se necesitaba un trabajo serio para obtener el estatus de maestro.

En aquella época, el tema de Pompeya era popular en Italia. En primer lugar, las excavaciones fueron muy activas y, en segundo lugar, hubo un par de erupciones más del Vesubio. Esto no podía dejar de reflejarse en la cultura: la ópera "L" Ultimo giorno di Pompeia" de Paccini se representó con éxito en los escenarios de muchos teatros italianos. No hay duda de que el artista la vio, quizás más de una vez.

La idea de escribir sobre la muerte de la ciudad surgió de la propia Pompeya, que Bryullov visitó en 1827 por iniciativa de su hermano, el arquitecto Alejandro. Fueron necesarios 6 años para recolectar el material. El artista fue meticuloso en los detalles. Así, las cosas que cayeron de la caja, joyas y otros objetos diversos de la imagen fueron copiados de los que los arqueólogos encontraron durante las excavaciones.

Las acuarelas de Bryullov fueron el souvenir más popular de Italia.

Digamos algunas palabras sobre Yulia Samoilova, cuyo rostro, como se mencionó anteriormente, aparece cuatro veces en el lienzo. Para el cuadro, Bryullov buscaba tipos italianos. Y aunque Samoilova era rusa, su apariencia correspondía a las ideas de Bryullov sobre cómo debían verse las mujeres italianas.

“Retrato de Yu. P. Samoilova con Giovanina Pacini y el pequeño árabe”. Bryullov, 1832-1834

Se conocieron en Italia en 1827. Bryullov adoptó allí la experiencia de grandes maestros y buscó inspiración, y Samoilova vivió su vida. En Rusia ya se había divorciado, no tenía hijos y, debido a su vida bohemia demasiado turbulenta, Nicolás I le pidió que se alejara de la corte.

Cuando se completó el trabajo en la pintura y el público italiano vio el lienzo, comenzó un auge en Bryullov. ¡Fue un éxito! Todos, al conocer al artista, consideraron un honor saludarlo; Cuando aparecía en los teatros todo el mundo se ponía de pie, y a las puertas de la casa donde vivía, o del restaurante donde cenaba, siempre se reunía mucha gente para saludarlo. Desde el propio Renacimiento, ningún artista ha sido objeto de tanta adoración en Italia como Karl Bryullov.

El triunfo también aguardaba al pintor en su tierra natal. La euforia general por la película se hace evidente después de leer las líneas de Baratynsky:

Trajo el botín de la paz
Llévalo contigo al dosel de tu padre.
Y ahí fue “El último día de Pompeya”
Primer día para el pincel ruso.

Medio consciente vida creativa Karl Bryullov pasó en Europa. Se fue al extranjero por primera vez después de graduarse. Academia Imperial artes en San Petersburgo para mejorar sus habilidades. ¿Dónde más, si no en Italia, puedes hacer esto? Al principio, Bryullov pintó principalmente a aristócratas italianos, así como acuarelas con escenas de la vida. Estos últimos se han convertido en un souvenir muy popular de Italia. Se trataba de cuadros de pequeño tamaño con composiciones de pequeñas figuras, sin retratos psicológicos. Estas acuarelas glorificaron principalmente a Italia con su hermosa naturaleza y representaron a los italianos como un pueblo que conservaba genéticamente la antigua belleza de sus antepasados.

Fecha interrumpida (El agua ya corre por el borde). 1827

Bryullov escribió al mismo tiempo que Delacroix e Ingres. Fue entonces cuando el tema del destino de grandes masas humanas pasó a primer plano en la pintura. Por tanto, no es de extrañar que para su lienzo programático Bryullov eligiera la historia de la muerte de Pompeya.

Bryullov minó su salud mientras pintaba la Catedral de San Isaac

La pintura causó una impresión tan fuerte en Nicolás I que exigió que Bryullov regresara a su tierra natal y ocupara el lugar de profesor en la Academia Imperial de las Artes. Al regresar a Rusia, Bryullov conoció y se hizo amigo de Pushkin, Glinka y Krylov.

Los frescos de Bryullov en la Catedral de San Isaac

El artista pasó sus últimos años en Italia, intentando salvar su salud, que se había visto perjudicada mientras pintaba la Catedral de San Isaac. Horas de trabajo duro y largo en la catedral húmeda e inacabada tuvieron efectos negativos en el corazón y agravaron el reumatismo.