à propos de la performance
L'opéra La Bohème de Giacomo Puccini est l'une de ses meilleures œuvres. À une certaine époque, cette création n'était pas acceptée par la critique et on lui prédisait une renommée de courte durée. Cependant, l’opéra a traversé les siècles et est aujourd’hui représenté avec succès dans les plus grandes salles de théâtre du monde. Quiconque décide de commander des billets pour l’opéra « La Bohème » au Théâtre Stanislavski et Nemirovitch-Danchenko mis en scène par Alexandre Titel pourra vérifier le génie de l’œuvre de Puccini.
Le livret de La Bohème a été écrit selon roman du même nom Henri Murger, mais dans la mise en scène, l'histoire n'est pas racontée directement, mais comme le souvenir de quelque chose qui a disparu à jamais. En général, à la base scénario C'est l'histoire des habitants d'un des quartiers les plus pauvres de Paris, les bohèmes, comme on appelait alors les étudiants et les pauvres sans travail. Tout au long de la pièce, deux couples de jeunes règlent leurs relations. La fin de l'histoire est triste - la mort de l'une des héroïnes, Mimi, sur le corps de laquelle sanglote son bien-aimé Rudolf.
Sans exagération, on peut dire que l’opéra « La Bohème » au Théâtre Stanislavski et Nemirovitch-Danchenko, pour lequel notre billetterie propose d’acheter des billets, est une véritable perle et décoration du répertoire du théâtre. Il a tout ce qui ravit le spectateur moderne : une musique parfaite, une intrigue touchante et un excellent jeu d'acteur. Vous pouvez commander chez nous des billets pour cet opéra en ligne ou par téléphone.
La durée de la représentation est de 2 heures 20 minutes (avec un entracte).
Compositeur Giacomo Puccini
Livret de Luigi Illica et Giuseppe Giacosa
Directeur musical et chef de scène Wolf Gorelick
Chef d'orchestre Félix Korobov
Metteur en scène Alexander Titel
Décorateur Yuri Ustinov
La costumière Irina Akimova
Concepteur lumière Ildar Bederdinov
Opéra de genre
Nombre d'actes 4
Langue d'exécution : italien
Titre originalLa Bohème
Durée 2 heures 20 minutes (un entracte)
Date de première 01/07/1996
Limite d'âge 12+
La performance est lauréate du Prix national russe Prix de théâtre "Masque d'or"1997 en 2 nominations (" meilleur travail réalisateur"; "meilleur rôle féminin" - Olga Guryakova).
Prix du billet : de 1 500 à 4 000 roubles.
Chef d'orchestre - Félix Korobov
Rudolf - Chingis Ayusheev, Nazhmiddin Mavlyanov, Artem Safronov
Mimi - Khibla Gerzmava, Elena Guseva, Natalya Petrozhitskaya
Marseille - Dmitry Zuev, Ilya Pavlov, Alexey Shishlyaev
Musetta - Irina Vashchenko, Maria Pakhar
Schaunard - Andrey Baturkin, Dmitry Stepanovitch
Collen - Denis Makarov, Roman Ulybin, Dmitry Ulyanov
Benoit / Alcindor - Vladimir Sistov, Dmitry Stepanovitch
Parpignol - Thomas Baum, Viatcheslav Voinarovsky
L'action se déroule dans le grenier froid du pauvre artiste Marcel. A cause de ses mains gelées, le créateur ne peut pas terminer son tableau « Traversée de la mer Rouge ». Son ami, l'écrivain Rudolf, regarde avec envie les cheminées fumantes des toits des maisons parisiennes. Pour échapper au froid, les gars décident d'allumer la cheminée avec au moins quelque chose. Le choix est entre la peinture de Marcel et le premier acte de l'œuvre de Rudolf, qu'il sacrifie au nom du salut. La chaleur désirée pénètre dans la pièce.
L’apparition du troisième ami s’accompagne d’attaques comiques sur la fragilité du drame de Rudolf, car l’incendie a consumé l’œuvre trop rapidement. Le musicien le pose sur la table gourmandises gourmandes: fromage, vin, cigares et bois de chauffage. Les camarades ne savent pas où le pauvre Schaunard a obtenu une telle richesse. Le gars dit qu'il a suivi les instructions d'un Anglais - jouer du violon jusqu'à la mort d'un perroquet ennuyeux, ce qu'il a fait avec facilité.
La fête est gâchée par l'arrivée du propriétaire de la maison, Benoit, qui a décidé de encore une fois vous rappeler la dette pour la location d'un appartement. L'entreprise invite le propriétaire à goûter les plats, l'apaisant ainsi. Parler d'histoires d'amour oblige bientôt le propriétaire à se détendre et, embarrassé, à quitter l'appartement en riant. Les gars partagent également l'argent disponible et se rendent dans leur café préféré.
Ils y rencontrent la charmante Mimi, qui leur demande de l'aider à allumer sa bougie. Les lumières s'éteignent et Rudolph et Mimi se retrouvent seuls dans pièce sombre. Les conversations franches sur l’amour génèrent des sentiments enflammés dans leur cœur. Ils quittent la pièce bras dessus bras dessous.
En arrivant au marché de Noël, chacun achète des cadeaux pour soi et ses proches : Schaunard - une corne, Colin - une pile de livres, Rudolf - une casquette pour Mimi. Seul Marcel ne dépense pas d'argent, aspirant à son ex-amant Musette. La compagnie se rend dans un café où ils rencontrent Musetta, accompagné d'un riche prétendant Alcindor. Entre anciens amants le feu de la passion s'enflamme à nouveau, et après le départ de l'ennuyeux Alcindor, Musetta et Marcel et toute la compagnie s'enfuient du café, laissant des factures impayées au gars abandonné.
Acte II
Le matin arrive et Mimi vient demander conseil à Marcel. Elle avoue son amour pour Rudolph et partage ses craintes quant à leur séparation imminente. Marcel convainc qu'il vaudrait mieux qu'ils se séparent, car ils ne sont pas tous les deux prêts à le faire. relation sérieuse. Rudolph entre, Mimi se cache. Rodolphe parle la vraie raison se séparer de Mimi - elle maladie incurable. Mimi, incapable de retenir sa toux, se trahit. Mais les souvenirs de la vie ensemble ne quittent pas le couple et ils décident de reporter la séparation au printemps.
Acte III
Plusieurs mois passent. Marcel et son ami Rudolf se retrouvent à nouveau seuls dans le grenier. Tous deux aspirent à leur bonheur d’antan. Marcel regarde le portrait de Musetta, et Rudolf regarde la casquette de Mimi. Colin et Schaunard arrivent, déposant du pain rassis et du hareng sur la table.
Au milieu de la fête, Musetta apparaît et annonce la triste nouvelle : Mimi est mourante. Souhaitant entrer dernière fois Mimi arrive à peine au grenier pour voir son amant. Chacune des personnes présentes essaie de faire au moins quelque chose pour soulager le sort de Mimi. Marcel vend des boucles d'oreilles destinées à Musetta, et Musetta elle-même court chercher son manchon, le faisant passer pour un cadeau de Rudolf. Mimi s'endort avec un sourire aux lèvres. Marcel dit que le médecin est sur le point d'arriver, mais la fille est mourante...
– première prestation Vladislav Chouvalov, qui a trouvé la production de Puccini désespérément festive.
A la fin de la 242e saison, le Théâtre Bolchoï a présenté l'opéra de Puccini « Bohême» en lisant la composition internationale des réalisateurs et des artistes. La précédente production du Bolchoï, datée de 1996, mise en scène par l'Autrichien Federik Mirditta et dirigée par le Slovaque Peter Feranec, avait donné plus de 110 représentations (la dernière ayant eu lieu un an avant la nouvelle première). La présence de l'opéra dans le répertoire du Bolchoï est une histoire courante depuis la première production de La Bohème en 1911. Mais même les histoires qui fonctionnent avec succès devraient parfois être mises à jour. En fait, il s'est avéré que la production précédente était essentiellement peu différente de l'actuelle, à l'exception d'une scénographie plus esthétique et fait historique que le metteur en scène, le chef d'orchestre et les chanteurs de la nouvelle édition de La Bohème sont des jeunes. En raison de leur âge, on aurait dû s’attendre à ce qu’ils soient plus attentifs au matériel.
Les réalisateurs de La Bohème interprètent souvent le ton du public bohème comme une atmosphère de sentimentalisme démonstratif et de plaisanterie idiote, comme s'ils avaient peur de s'écarter du stéréotype. Entre-temps, théâtre moderne propose différentes lectures. Klaus Guth l'année dernière à Paris opéra national a radicalement bouleversé la galerie figurative de « La Bohèmes » : une compagnie artistique pauvre, mue par le désordre de la vie début XIX siècle dans un grenier froid, a été enfermé par Gut littéralement dans une capsule vaisseau spatial, labourant les étendues froides de l'univers. Des cosmonautes solitaires, soit par sentiment aigu de la fin proche, soit par manque d'oxygène, ont été visités. visions artistiques une vie passée ou n’ayant jamais existé.
photo : Service de presse du Théâtre Bolchoï
Le passé et l’avenir sont également éloignés de leurs contemporains, de sorte que les idées des traditionalistes sur les bohèmes de l’avant-dernier siècle se révèlent non moins utopiques que celles de Guth. Y compris en raison d'illusions trop sentimentalisées sur les vacances d'une jeunesse insouciante. En même temps, au départ, dans les croquis d'images de bohème, Balzac et Hugo, comme on le sait, avaient davantage de réalisme. Henri Murget, l'auteur de "Scènes de la vie de Bohême", en mettant l'accent sur sa propre biographie, a décrit une intrigue sur une nouvelle couche de la société, inédite et introuvable ailleurs, dont la liberté de créativité et de relations était redoutée dans les cercles décents. , tout en les admirant. La voisine Mimi, tombée amoureuse du poète Rudolf, était basée, selon la légende, sur la maîtresse de Murger, qui fut très ignoblement abandonnée par lui pour mourir seule. Librettiste Luigi Illicaétait connu comme frondeur, participait à l'organisation de revues radicales et combattait en duel, deuxième librettiste Giuseppe Giacosa a servi de tampon dans les affrontements entre les natures colériques de Puccini et d'Illica.
Esprit rebelle personnalités créatives a été réduit aux règles du jeu du genre, et peu ont osé par la suite moderniser pour toujours cet opéra immensément romantique. N'osant pas rapprocher les personnages des personnages de quelque chose de plus vivant et d'imparfait, les réalisateurs ont invariablement orienté leurs efforts pour toucher le public : avec une comédie peu exigeante et une romance sommaire dans le premier acte, un carnaval sans limites dans le second, de la mélasse lyrique avec un triste se terminant par le dernier. Jean-Roman Vesperini, le directeur de production du nouveau La Bohème, qui a une certaine expérience dans les productions dramatiques et lyriques en France, ne travaille pas en Russie pour la première fois. Il a été l'assistant de Peter Stein dans "Aïda", qui a connu un brillant succès au , et dans la légende dramatique de Berlioz "La Damnation de Faust", mise en scène par Stein au Théâtre Bolchoï il y a deux ans. C’est probablement à cette époque que Vesperini s’est fait une opinion sur le public russe et sur les attentes de ses clients. Il a exprimé à plusieurs reprises la tâche d'esthétiser l'opéra de Puccini dans le style de la comédie musicale du film "", ce qui en soi semble quelque peu étrange venant de sa bouche. directeur d'opéra, quoique honnêtement.
Le pari esthétique est aussi opportuniste que peu erroné : en Russie, on aime toujours tout ce qui brille avec un semblant de glamour, même si depuis la sortie meilleur film L'écriture australienne de Luhrmann est, sinon désespérée, du moins certainement dépassée. De plus, le design glamour contredit l'essence de l'image de la bohème - des cercles d'artistes sans le sou et généralement des travailleurs de l'art marginaux pour l'art, proches uniquement des personnages glamour. haut degré arrogance dans la représentation de la capacité artistique. Il est bien plus important que le style vertigineux du postmoderniste australien exige avant tout de la part des adeptes un sens impeccable du rythme du montage et un perfectionnisme dans la création de détails, ce qui, sur la voie choisie d'une esthétisation bridée, peut s'avérer ne pas être une bénédiction pour le réalisateur, mais un trébuchement.
Selon la tradition, La Bohème se déroule dans trois décors : un grenier à large fenêtre - une rue du Quartier Latin - l'avant-poste D'Enfer. Scénographie Bruno de Lavenera- l'élément le plus attractif de la production. Le grenier est représenté par une structure à trois étages, occupant seulement un tiers de la scène, et remplit la tâche d'un espace limité dans lequel les bohémiens - poète, peintre, philosophe et musicien - se blottissent difficilement mais joyeusement. Le reste de la scène, à droite et à gauche de la « partie mansardée », est recouvert d'un rideau. Une image de toits avec cheminées et cheminées est projetée sur le rideau. Les chanteurs entrèrent dans le premier acte, se trouvant au deuxième niveau de la bibliothèque, où se trouvaient une table et le fameux poêle, vers lequel étaient tournées les premières libations des artistes glacés la veille de Noël. Les performances des chanteurs en hauteur offraient une meilleure visibilité de ce qui se passait depuis la galerie et les gradins, mais compliquaient le contact entre les artistes et l'orchestre. Les mains du chef d'orchestre américain Evan Rogers ne cessaient de survoler la fosse d'orchestre. À propos, les chanteurs n’ont atteint qu’une seule fois le troisième étage de leur propre grenier.
photo : Service de presse du Théâtre Bolchoï
Le passage du premier au deuxième acte n’a pas nécessité la pause habituelle pour changer de décor. La structure du grenier se déplaçait effectivement dans différentes directions, révélant l'étendue convoitée de l'espace scénique, dont le spectateur s'ennuyait déjà. La joie du réveillon de Noël dans la pièce a simplement été remplacée par l'agitation solennelle du Quartier Latin : cinquante figurants - fêtards oisifs - ont afflué sur la scène du Bolchoï. La toile de fond était décorée de bandes LED croisées au hasard, donnant naissance à un décor fantaisiste. figure géométrique, comme s’il était accidentellement arrivé des temps futurs de « l’art non figuratif ». Les pales intégrales du moulin du Moulin Rouge étaient visibles au loin.
Les costumes des figurants et des choristes, confectionnés selon des modèles vestimentaires d'époques inconnues, et dans des couleurs criantes - lilas, vert clair, lilas, cerise, turquoise, citron - évoquaient un sentiment persistant soit d'une mascarade trop zélée, soit d'une mascarade d'enfants. matinée. L'apparition du vendeur de jouets Parpignol dans un costume écarlate brûlant (ténor Marat Galià vélo), oint par un chœur de voix d'enfants, ainsi qu'une performance d'une « dame avec un chien ». Musette ( Damiana Mizzi) est apparu accompagné caniche blanc, parfaitement formé, et a sans aucun doute donné à l'artiste une part d'affection du public. Parmi les images audacieuses que l'on peut attendre d'une jeune production (mais qui sont fort peu nombreuses), je me souviens d'un garde ôtant son pantalon militaire, dévoilant en dessous un tutu de ballet.
Si le deuxième acte était présenté à la manière d'un spectacle de variétés, dans lequel le café Momus était élégamment décoré d'une arche d'ampoules, rappelant évidemment l'éclairage d'une scène de cabaret, alors le troisième acte, selon le principe du dramatique Le contraste professé par Vesperini, fut décidé en sens inverse. Le décor de l'avant-poste D'Enfer en périphérie parisienne consistait en situé sous angle aigu trois sections - un escalier, une clôture faite de tiges et un mur de briques. Une lanterne à l'ancienne se dressait dans l'ouverture du mur et, d'en haut, des flots de lumière dispersée et brumeuse se déversaient sur l'ensemble du décor, comme une esquisse mélancolique dans l'esprit des impressionnistes.
La diversité stylistique du design était soutenue par des éléments constamment lumineux voix masculines deuxième distribution de l'opéra. Ténor Davide Giusti(d'ailleurs, il a déjà interprété le rôle de Rudolf pour Himmelman-Currentzis) et baryton Aluda Todua ont exploité sans pitié le côté lyrique de leurs personnages pour que le drame du final soit difficile à croire. La solution est venue encore une fois du domaine de la scénographie. Dans le dernier épisode de la mort de Mimi, la structure mansardée a été déconnectée, ce qui a renforcé le triste sens du moment : tous les personnages vivants sont restés d'un côté de la structure ouverte, et de l'autre, le lit avec Mimi, décédée seule, flottait dans l'éternité.
photo : Service de presse du Théâtre Bolchoï
En marge, il y avait des reproches à l'encontre de l'orchestre, qui ne parvenait pas à suivre l'interprétation clairement émotionnelle Evan Rogerster- un jeune chef d'orchestre souriant et vêtu de noir, qui a également travaillé avec Peter Stein et qui a déjà mis en scène deux La Bohèmes. Rogerster lui-même a admis qu'il cherchait une analogie sonore avec l'émotivité violente des personnages, même s'il serait plus raisonnable de supposer que l'orchestre limitait et dirigeait avec confiance les chanteurs, y compris Maria Mudryak, qui mettait tout son tempérament dans le rôle de Mimi et savourait juteusement les malheurs évidents et imaginaires de son héroïne.
Évoquant une ambiance festive et un charme inaccessible et monotone, la production a suscité l'impression attendue favorablement du public. Le caractère classique de l'opéra sur les vagabonds pittoresques et les beautés phtisiques, dans lequel la tragédie légèrement caricaturale cohabite avec la sublimité frontale, a encore une fois tenu bon. Le succès du répertoire a eu lieu et restera probablement dans les idées traditionnelles de « La Bohème » pendant encore 20 ans.
photo : Service de presse du Théâtre Bolchoï
Théâtre Bolchoï de Russie cette année, j'ai décidé de clôturer ma saison avec une première d'opéra.
Et cette première s’est avérée plus grande qu’elle-même. Cela semblerait être un échec isolé d'une représentation individuelle, mais il accumule très clairement tous les points problématiques de la politique de la direction actuelle du théâtre. Et les perspectives, loin d’être les plus roses, étaient clairement tracées.
Donc "La Bohème".
Ils ont à peine eu le temps de retirer de l'affiche la production précédente (d'ailleurs, même si elle suit littéralement le livret, elle est assez esthétique), que la nouvelle a été immédiatement présentée. Après tout, c’est l’un des opéras les plus reconnaissables et, surtout, au box-office au monde.
La production a été dirigée par Jean-Roman Vesperini. Un jeune réalisateur, hier assistant de Peter Stein. Il a travaillé avec lui sur plusieurs projets en Russie, dont « Aïda » au Théâtre Stanislavski et Nemirovitch-Danchenko. Et apparemment, il s’est trop profondément assimilé au paysage culturel russe.
En tant que réalisateur indépendant, Vesperini était complètement impuissant.
En le regardant, il semblait que la seule chose qui le motivait dans la production était d'éviter toute comparaison avec Stein. Et bien sûr, il a décidé de tout emprunter aux autres. Timbre sur timbre, cliché sur cliché — tout a été vu mille fois, a depuis longtemps vieilli et est mort de mort naturelle.
Le résultat final n’était qu’un énorme gâteau de mariage sans goût, fait de banalités et d’absence de toute individualité exprimée.
La direction ici est sculpturale.
Directement du siècle avant-dernier. Tous les stéréotypes pour lesquels le genre lyrique est souvent ridiculisé sont réunis et poussés jusqu'à l'absurdité. Pour transmettre les émotions les plus simples (une quinte de toux ou une surprise), les solistes se figent soudain, comme avant un accident vasculaire cérébral, exorbitent les yeux de toutes leurs forces, battent timidement leurs cils et, dramatiquement, d'un geste large, serrent leur poitrine avec leurs mains. Sinon — tout le monde monte sur scène, se tourne vers le public et chante. Tous. Et donc 2 heures et demie avec un entracte.
À un moment donné, on a le sentiment que la seule tâche d'acteur que le metteur en scène a confiée aux interprètes était de monter sur scène, de jeter un bref coup d'œil aux partenaires, de se tourner vers le public et de chanter aussi fort que possible, le plus fort sera le mieux, de préférence en oubliant complètement les nuances. Et afin de créer au moins un semblant d'action, le metteur en scène a ordonné aux solistes de se promener intensément sur la scène — de droite à gauche, de haut en bas, ici et là — et de justifier invariablement cette marche en disant que, avec un air réfléchi regardez, ils ont ressenti absolument tous les objets qu'ils ont rencontrés en cours de route. Ce n’est qu’occasionnellement que les artistes ont l’occasion de se souvenir de l’existence de chacun.
Cela semble drôle, mais je n’ai jamais vu une production auparavant dans laquelle les personnages saisissaient, touchaient et frottaient les accessoires et les décorations autour d’eux avec autant d’intensité et d’enthousiasme. Sérieusement, si vous décidez de voir cette production, ne tardez pas trop longtemps, le risque est sérieux que le brillant premier que le scénographe Bruno de Lavener a apporté à cette représentation soit très vite effacé.
Le résultat est un manuel, littéral, direct et, par conséquent, béant de son vide « Bohême » - greniers, restaurants, cheminées, jeunes pauvres malheureux métiers créatifs et un gros bourgeois riche et caricaturalement stupide.
Cela ne semble pas dire que quelque chose de très terrible s’est produit.
De nombreuses maisons d'opéra du monde (parmi lesquelles le célèbre Metropolitan Opera est particulièrement remarquable) présentent parfois chaque année plus d'une première avec une direction aussi « vide »... Mais ici se pose la question de l'opportunité et de la planification artistique.
Tout d’abord, « La Bohème » est l’une des œuvres les plus fréquemment opéras joués dans le monde au cours des dernières décennies. Si quelqu’un est allé à l’opéra au moins une fois, c’est probablement La Bohème. Et le sens littéral lui est tout simplement contre-indiqué. Le public s'ennuie tout simplement lorsqu'il est possible de prédire avec précision à l'avance non seulement ce qui va se passer ensuite, mais aussi à quoi cela ressemblera.
Deuxièmement, les théâtres du monde présentent de telles productions avec un objectif transparent et calculé : des stars de renommée mondiale sont invitées à jouer des rôles solos. Souvent très différent. Et une direction pointillée et minimaliste est nécessaire pour qu'un artiste invité puisse rapidement assumer le rôle sans maux de tête inutiles, mettant ainsi en scène ses réalisations personnelles. Et cela fonctionne souvent bien, car, en règle générale, tous les grands noms mondiaux ont un talent artistique clairement développé. Non seulement ils chantent, mais ils sont également capables de transmettre leur chant de manière dramatique au spectateur. Sinon, ils ne seraient pas de telles stars. Tous les solistes ici sont jeunes. Certains ont plus de perspectives, d'autres moins, certains se sont déjà établis, certains viennent tout juste de commencer, mais en général, il n'y a pas encore de développement. Et ils accomplissent docilement toutes les tâches du réalisateur. Avec diligence et sans poser de questions.
Et c’est là la principale déception et insulte de cette « première ».
Le fait est que l'opéra lui-même a un livret très vivant et extrêmement spirituel. Puccini a fait de son mieux pour transformer cette histoire en son mélodrame préféré, en faisant couler presque avec force une larme, mais, heureusement, le matériel source ne lui a pas complètement succombé. Et c'est peut-être dans ces circonstances que réside le secret d'une telle popularité de masse, d'une telle facilité et d'une telle accessibilité pour le spectateur de "La Bohème".
En fait, tous les dialogues et rebondissements de cet opéra sont arrangés dans l’esprit d’une bonne sitcom en série. Une sitcom sur la vie des jeunes. De la première rencontre avec l'amour, la jalousie et la mort. Mais avant tout — une amitié forte, quoi qu’il arrive. Sur la façon d'être ami non seulement avec la belle, mais aussi avec côté obscur personne. De la capacité à pardonner les faiblesses d’un ami proche et à être présent dans les moments difficiles. Même dans scène finale La mort de Mimi au premier plan n'est pas son célèbre air d'agonie, mais le fait que les amis de Rudolf ne trouvent pas la force d'annoncer la tragique nouvelle à leur ami. Tandis qu'il examine confusément chacun d'eux tour à tour et pose la question : « Pourquoi me regardes-tu comme ça ? », comprenant déjà intérieurement « pourquoi ».
La jeunesse, première épreuve de sentiments forts et de chocs forts, est précisément ce qui rend cet opéra vivant et intéressant. Et souvent, même lorsque des superstars aux voix exceptionnelles chantent dans les rôles principaux et que tout est mis en scène par un éminent metteur en scène, tout échoue à cause du manque d’enthousiasme de la jeunesse – ce même feu sacré qui brûle un bon drame.
Mais voici toute l'équipe de la pièce — le metteur en scène, les solistes, le chef d'orchestre — des gars très jeunes. Et ils sont simplement censés l'allumer, produire une étincelle d'où jaillira une flamme. Et ils prennent et installent un tel dinosaure en 2018. Aussi avec un effort mal caché. Et au lieu de voir comment les jeunes talents créent l'avenir avec audace et audace, vous voyez comment ils tentent d'habiter le passé et s'étouffent eux-mêmes dans les nuages de poussière soulevés.
Bien entendu, certains interprètes tentent de ne pas perdre leur légèreté juvénile. Ceci est particulièrement réussi dans l'ensemble masculin (dans différentes compositions, Zilikhovsky et Todua apparaissent dans le rôle de Marcel. Je crois vraiment au premier - je l'ai entendu plusieurs fois, il a toujours essayé d'éviter les banalités. Le second aujourd'hui a tourné le rôle de soutien dans le rôle principal personnage). Chez les femmes, tout est beaucoup plus modeste. J'étais dans le deuxième casting et pour la première fois je me suis surpris à penser que je n'avais jamais autant attendu de ma vie que Mimi meure enfin. La rumeur veut que dans le premier, tout ne va pas mieux. J'ai peur d'imaginer et je ne veux certainement pas vérifier.
Mais le principal otage de cette « première » était le chef d’orchestre Evan Roger.
C'est pour cela que je suis vraiment désolé. Malgré quelques aspérités et aussi un solide usage de banalités (il s'agit apparemment d'une bactérie très contagieuse), il réussit à attiser l'orchestre du Théâtre Bolchoï, qui, malheureusement, dernièrement est connu pour le snobisme et le sentiment d'importance exagéré de nombre de ses musiciens, c'est pourquoi, quel que soit le chef d'orchestre et le matériel joué, l'orchestre de théâtre se joue systématiquement sur un thème donné. Je soupçonne que le secret d’un tel succès réside dans le charme naturel de Roger et son sourire contagieux et bon enfant. En conséquence, il est le seul dans cette représentation qui conserve son jeune âge et apporte au moins une certaine fraîcheur, grâce à laquelle même les techniques les plus éculées sont plutôt perçues comme une naïveté juvénile, ce qui convient très bien à cet opéra.
Supposons cependant que tout cela n’a pas d’importance et ne mérite pas un mécontentement aussi détaillé. En fin de compte, les échecs surviennent dans tous les théâtres. Tout le monde a le droit d’échouer et de rater.
Mais ici, l’histoire ne concerne plus une seule représentation, mais le climat qui règne dans l’ensemble du théâtre.
Il n’y a pas si longtemps, le Bolchoï était l’une des salles d’opéra les plus importantes et les plus prometteuses au monde. Les gens du monde entier affluaient pour voir Rouslan et Lyudmila de Tcherniakov. Des agences spécialisées ont vu le jour pour proposer un tourisme culturel au public de l'opéra dans le seul but d'assister à la première de l'opéra du théâtre.
Le théâtre démontre désormais qu'il s'adresse à un public occasionnel, loin du genre lyrique et poursuit son pèlerinage derrière le lustre. Et s’il y a des invités étrangers, ils ont aussi beaucoup changé. Des bus de touristes chinois arrivent désormais au Bolchoï.
Et maintenant, concluant avec une telle première une nouvelle saison d'opéra sans vie, le théâtre semble signer sa renonciation volontaire au titre de théâtre mondial, acceptant le statut de théâtre provincial. Admettre ouvertement que même dans ce statut, le Bolchoï n'est plus un théâtre d'opéra et de ballet. Maintenant seulement le ballet. Et même cela, à de très rares exceptions agréables, pour la plupart classiques. Et idéalement, ressusciter les classiques de la période soviétique, afin que les fonctionnaires aient un endroit où parcourir la nomenklatura des délégations étrangères.
C'est très douloureux de ressentir cette renaissance. Les murs sont les mêmes que dans les très récents « Rodelinda », « Billy Budd », « Eugene Onegin », « Carmen » de Pountney... Mais à part les murs, il ne reste plus rien. Il existe maintenant une telle chambre balsamique.
Mais même isolée d'un théâtre spécifique, la « nouvelle » La Bohème a montré un aspect beaucoup plus vaste et intéressant.
DANS dernières décennies Il y a eu des débats acharnés parmi les amateurs d'opéra sur les productions avec une vision prononcée du réalisateur et une interprétation des intrigues de l'opéra. Et, en règle générale, le degré d'indignation des opposants au soi-disant «réalisateur» était toujours marqué par la phrase désobligeante «J'irai écouter les yeux fermés».
C’est ainsi qu’une production distincte est née pour ces conservateurs – presque la quintessence de leurs idéaux. Un manuel soigneusement collecté sur la direction du « geste large ».
C’est juste que la grande majorité des spectateurs présents dans la salle ferment désormais les yeux d’eux-mêmes. Par ennui.
Même les spectateurs occasionnels, miraculeusement peu familiers avec l'intrigue de La Bohème, se sont mis à chuchoter à voix basse sur la façon dont les choses se passaient au travail et entre amis. Ou alors ils ont tous ri des mêmes stéréotypes sur l'opéra, où le héros chante 10 minutes à la fois. langue étrangère alors qu'il meurt.
Dans le même temps, des applaudissements ont été entendus non pas après l'exécution réussie des airs, mais précisément après une interprétation bruyante. Beaucoup de ceux qui sont venus à l'opéra pour la première fois étaient sûrs que cela devait être ainsi. Et satisfaits d'une telle reconnaissance, de la coïncidence de leurs idées avec la réalité, ils se sont au moins en quelque sorte débarrassés de l'ennui grâce à l'activité physique — applaudissements.
Même aux applaudissements finaux (et c'est le dernier spectacle de la saison !), l'ovation la plus forte n'est pas allée aux artistes principaux, mais au chien du cirque (ne demandez pas, acceptez-le - il y a un chien de cirque dans la pièce) . Seul le chef d'orchestre a réussi à se rapprocher de ce succès.
Après la représentation, je me suis attardé en sortant de la salle. J'ai spécifiquement regardé dehors, mais je n'ai vu personne avec un visage taché de larmes ou au moins des yeux légèrement humides et pensifs. Et c'est sur « Bohême » ! Peut-être, bien sûr, je cherchais au mauvais endroit, mais on trouve généralement de telles personnes chez Puccini sans trop de difficulté. C’est juste que tout dans cette performance n’est pas réel. Du tout. Comme dans toute reconstruction historique, tout ce qui se passe est faux et ridicule, ayant depuis longtemps perdu son sens et oublié son essence même. Et de tels sentiments n’évoquent chez personne. Même ceux qui « coupent les oignons » pour la première fois avec Puccini.
Et il y a une morale intéressante dans ce phénomène : tout ce que vous pensez personnellement être juste et agréable n’est pas l’avenir.
Aujourd’hui, le genre de l’opéra a dépassé de loin le débat acharné entre « metteur en scène » et « chef d’orchestre ». Le premier aura bientôt 100 ans. La seconde est une ressource naturelle en général. Et plus nous courons activement contre le mouvement de l'escalier roulant, plus vite nous nous retrouverons tout en bas.
De tout mon cœur, sincèrement, je souhaite que le Théâtre Bolchoï comprenne cela, cesse de vouloir plaire à tout le monde et corrige radicalement son cap. Ne flirtez pas avec le public local en l'attirant avec des billets abordables basés sur des coupons et des contrôles de passeport à l'entrée, mais développez le paysage et niveau musical dans le pays. Quelqu'un, mais le Théâtre Bolchoï a toutes les ressources pour cela.
Bientôt, par exemple, je raconterai une histoire belle et instructive sur la façon dont le théâtre de notre pays, aux ressources beaucoup plus modestes, grâce au bon goût et à une planification de gestion raisonnable, mène déjà tranquillement un projet important qui déterminera notre l'avenir culturel pour les années à venir.
En attendant, la prochaine première d'opéra au Bolchoï, qu'il n'est pas particulièrement possible de décortiquer, car il n'y a tout simplement rien à quoi s'accrocher, démontre un système déjà établi. Un système de ce qui se passe lorsque la direction du théâtre fait trop facilement des compromis. Ces compromis descendent dans la hiérarchie. Et du coup, toute l’atmosphère est empoisonnée.
À cet égard, pour mieux mettre en garde contre le caractère destructeur du flirt avec les compromis pour l'art, je voudrais souhaiter aux artistes et à la direction de nos autres théâtres de voir la « nouvelle » « La Bohème » du Bolchoï. Et tout d’abord, bien sûr, à Sergei Vasilyevich Zhenovach. De nombreuses erreurs peuvent être évitées. Beaucoup de choses deviennent évidentes. Au lieu de mille mots.
p.s.
De retour complètement bouleversé, j'ai mis en route l'enregistrement de « La Bohème », qu'on m'avait vivement recommandé depuis longtemps. de bonnes personnes. Tout récemment, il a admis qu'il n'avait jamais rencontré une « Bohème » non terrible. Pas une seule production ne m’a frappé. Ce n’est pas qu’il n’a pas rugi, mais qu’il n’a tout simplement pas ressenti d’émotions autres que l’irritation. Et je pensais déjà que lors de la première de "Big", le problème venait davantage de moi et de ma protestation contre le fait d'arracher les larmes du public en utilisant des méthodes bon marché.
Mais j'ai activé l'enregistrement. Et je n'ai jamais aussi rarement cligné des yeux à La Bohème. Un chef-d'œuvre absolu. Meilleure production, qui est connu aujourd'hui. La musique entendue plus de 100 fois sonne complètement différemment. Et la performance chantée est absolument géniale. Oui, une telle « Bohême » existe ! Nous l'avons attendue longtemps et elle a été trouvée !
Patience... Je gagnerai en force et je ne manquerai pas de partager ma trouvaille. En attendant...
L'amour, l'amour, hélas, ne remplacera pas pour nous le bois de chauffage...