Art et artiste

Qu’est-ce que l’art ? Il existe peu de questions qui susciteraient un débat aussi passionné et auxquelles il serait aussi difficile de répondre de manière satisfaisante que celle-ci. Et même si nous n’espérons pas donner une réponse définitive, nous pouvons réfléchir ensemble : que signifie pour nous ce mot ? Tout d’abord, c’est vraiment un mot, et s’il existe un tel mot, cela signifie que l’art en tant qu’idée et fait est reconnu par les gens. Certes, ce terme lui-même n'existe pas dans toutes les langues ni dans toutes les sociétés humaines, mais une chose est sûre : l'art est créé - ou créé, ou « produit » - partout. Le résultat - une œuvre d'art - est donc un certain objet ou objet, et tout objet ne mérite pas d'être classé comme œuvre d'art : il doit avoir une certaine valeur esthétique. En d’autres termes, une œuvre d’art doit être considérée et évaluée à la lumière de ses propriétés particulières. Ces propriétés sont vraiment particulières : elles distinguent une œuvre d'art de toutes les autres choses et objets - ce n'est pas pour rien que l'art bénéficie de lieux de stockage particuliers, isolés de la vie quotidienne : musées, églises, etc. (même des grottes, si l'on veut). nous parlons de ses exemples les plus anciens). Qu’entendons-nous par le mot « esthétique » ? Le dictionnaire explique : « relatif à la beauté ». Bien sûr, tout art n’est pas beau à notre avis, mais il n’en reste pas moins de l’art. Le fait est que le cerveau humain et le système nerveux de différentes personnes sont structurés fondamentalement de la même manière et que, par conséquent, les pensées et les jugements des personnes coïncident fondamentalement à certains égards. Les goûts sont une autre affaire : ils sont déterminés uniquement par les conditions de la culture dans laquelle une personne a grandi, et l'éventail des goûts humains est si large qu'il est tout simplement impossible d'établir des critères uniformes dans le domaine de l'art. Par conséquent, notre perception, notre appréciation de l’art ne peut être soumise à quelques règles générales valables pour tous les pays et toutes les époques ; les œuvres d’art doivent être considérées uniquement dans le contexte de l’époque et des circonstances dans lesquelles elles ont été créées.

Imagination

Nous avons tous tendance à nous livrer à des rêves – à donner du travail à notre imagination. Le mot « imaginer » lui-même signifie « créer une image ou une image dans l’esprit ». Les animaux sont également dotés de cette capacité, mais il existe une différence très significative entre l'imagination des humains et celle des animaux : seuls les humains sont capables de dire aux autres ce qui est exactement apparu dans leur imagination ; seuls les gens peuvent en parler ou le décrire. L'imagination est l'une de nos propriétés les plus mystérieuses. Avec son aide, un lien est établi entre la conscience et le subconscient - la zone où se déroule la majeure partie de l'activité du cerveau humain. L'imagination détient et unit les aspects les plus importants personnalité humaine- le caractère, l'intellect et le monde spirituel - et de ce fait, il obéit à certaines lois, même s'il fonctionne parfois de manière imprévisible.

Le rôle de l'imagination est également grand car elle permet, d'une part, de regarder vers l'avenir, et d'autre part, de comprendre le passé et de présenter tout cela dans des images visibles qui ne perdent pas de leur vitalité avec le temps. L'imagination fait partie intégrante de notre « je » et bien que, comme déjà mentionné, les humains ne soient pas les seuls à posséder cette capacité, le désir de consolider les fruits du travail de notre imagination dans l'art est propre à l'homme. Il existe ici un fossé évolutif insurmontable entre l'homme et les autres représentants du monde animal. Apparemment, si nous prenons l’évolution dans son ensemble, l’homme a acquis la capacité de créer de l’art relativement récemment. L’humanité existe sur Terre depuis environ deux millions d’années et les premiers exemples d’art préhistorique que nous connaissons ont été créés il y a à peine trente-cinq mille ans. Apparemment, ces échantillons sont le résultat d'un long processus, malheureusement impossible à restaurer - le plus Art ancien il ne nous est pas parvenu.

Qui étaient ces artistes primitifs ? Selon toute vraisemblance, des sorciers, des chamanes. Les gens croyaient que les chamans - comme le légendaire Orphée - avaient la capacité, accordée d'en haut, de pénétrer dans le monde d'un autre monde (subconscient), tombant en transe, et, contrairement aux simples mortels, ils revenaient à nouveau de ce monde mystérieux au royaume de les vivants. Apparemment, c'est précisément un tel chaman-chanteur qui est représenté sur la figurine en marbre sculpté connue sous le nom de « Harpiste » (ill. 1). Cette figurine a presque cinq mille ans ; pour son époque, il est inhabituellement complexe, voire raffiné, et a été créé par un artiste extrêmement talentueux qui a su transmettre toute la puissance de l’inspiration du chanteur. Dans les temps préhistoriques, le chaman, qui avait la capacité unique de pénétrer dans l'inconnu et d'exprimer cet inconnu à travers l'art, recevait ainsi le pouvoir sur les forces mystérieuses cachées dans la nature et chez l'homme. Aujourd'hui encore, l'artiste reste en quelque sorte un sorcier, car son œuvre est capable de nous influencer et de nous fasciner - ce qui en soi est surprenant : après tout, les hommes civilisés modernes accordent trop d'importance au principe rationnel et ne sont pas enclins à abandonnez-le.

Le rôle de l’art dans la vie humaine peut être comparé à celui de la science et de la religion : il nous aide également à mieux nous comprendre nous-mêmes et le monde qui nous entoure. Cette fonction de l’art lui confère un poids particulier et oblige à le traiter avec l’attention qui lui est due. L'art pénètre dans les profondeurs les plus profondes de la personnalité humaine, qui, à son tour, se réalise et se retrouve dans l'acte créateur. Dans le même temps, les artistes et les créateurs d'art, s'adressant à nous, le public, conformément aux traditions séculaires, agissent en tant que représentants d'idées et de valeurs partagées par tous.

Le processus créatif

Comment l’art est-il créé ? Si, par souci d'espace, nous nous limitons aux beaux-arts, alors nous pouvons dire : une œuvre d'art est un objet spécifique fabriqué par l'homme, quelque chose créé par des mains humaines. Une telle définition prend immédiatement en elle beaucoup de belles choses qui dépassent le cadre de l'art - par exemple, les fleurs, les coquillages ou le ciel au coucher du soleil. Bien sûr, cette définition est trop large, puisqu'une personne crée beaucoup de choses ou d'objets qui n'ont rien à voir avec l'art ; reprenons néanmoins notre formule comme point de départ et prenons comme exemple la célèbre « Tête de taureau » de Picasso (ill. 2).

À première vue, il n'y a rien de spécial ici : la selle et le guidon proviennent d'un vieux vélo. Qu’est-ce qui fait de tout cela une œuvre d’art ? Comment ça marche dans dans ce cas notre formule sur « créé par l'homme » ? Picasso a utilisé du matériel tout fait, mais il serait absurde d'exiger que l'artiste partage le mérite de la création de cette composition avec l'ouvrier qui a fabriqué les pièces du vélo : la selle et le guidon eux-mêmes ne sont pas du tout des œuvres d'art.

Regardons à nouveau la "Tête de Taureau" - et nous verrons que la selle et le guidon forment une sorte de "charade figurative" ludique. Ils ont ainsi été formés grâce à un certain élan d’imagination, une intuition instantanée de l’artiste, qui a vu et deviné la future « Tête de Taureau » dans ces objets apparemment totalement inappropriés. C'est comme ça que c'est né oeuvre d'art« Tête de taureau » mérite sans aucun doute un tel nom, même si le moment de création pratique par l'homme est petit. La fixation du guidon à la selle était simple : emploi principal fait par l'imagination.

Un saut décisif d'imagination - ou ce qu'on appelle plus communément l'inspiration - est presque toujours présent dans le processus créatif ; mais ce n'est que dans des cas extrêmement rares qu'une œuvre d'art naît sous une forme toute faite et achevée, comme la déesse Athéna de la tête de Zeus. En fait, cela est précédé d'une longue période de maturation, au cours de laquelle le travail le plus exigeant en main-d'œuvre est effectué et où une recherche douloureuse d'une solution au problème a lieu. Et alors seulement, à un certain moment critique, l’imagination établit enfin des liens entre des éléments disparates et les rassemble en un tout complet.

« Tête de taureau » en est un exemple tout à fait simple : sa création a nécessité un seul acte d'imagination, et il ne restait plus qu'à matérialiser l'idée de l'artiste : relier correctement la selle et le guidon et couler la composition obtenue en bronze. Il s'agit d'un cas exceptionnel : généralement l'artiste travaille avec un matériau sans forme - ou presque sans forme, et le processus créatif implique des efforts d'imagination répétés et des tentatives tout aussi répétées de la part de l'artiste pour donner la forme matérielle souhaitée aux images qui surgissent dans son esprit. Entre la conscience de l’artiste et le matériau entre ses mains, l’interaction naît sous la forme d’un flux continu d’impulsions ; progressivement, l'image prend forme et le processus créatif finit par s'achever. Bien entendu, ce n’est qu’une ébauche : la créativité est une expérience trop intime et subtile pour être décrite étape par étape. Cela ne pouvait être fait que par l'artiste lui-même, expérimentant le processus créatif de l'intérieur ; mais généralement l'artiste est tellement absorbé par cela qu'il n'a pas le temps de s'expliquer.

Le processus créatif est comparé à un accouchement, et une telle métaphore est peut-être plus proche de la vérité qu’une tentative de réduire la créativité à un simple transfert d’une image de la conscience de l’artiste vers un matériau ou un autre. La créativité est associée à la fois à la joie et à la douleur, elle réserve de nombreuses surprises et ce processus ne peut pas être qualifié de mécanique. De plus, il est bien connu que les artistes ont tendance à traiter leurs créations comme des êtres vivants. Ce n'est pas pour rien que la créativité a traditionnellement été l'apanage du Seigneur Dieu : on croyait que lui seul était capable d'incarner une idée sous une forme visible. En effet, le travail de l’artiste-créateur a beaucoup de points communs avec le processus de création du monde dont parle la Bible.

Michel-Ange nous a fait comprendre la nature divine de la créativité : il a décrit le bonheur et le tourment qu'éprouve un sculpteur lorsqu'il libère une future statue d'un bloc de marbre, comme s'il sortait d'une prison. Apparemment, pour Michel-Ange, le processus créatif a commencé par le fait qu'il a regardé un bloc de marbre brut et non taillé, livré directement de la carrière, et a essayé d'imaginer quelle figure il contenait. La voir d’un seul coup dans tous les détails était probablement aussi difficile que de voir un bébé à naître dans le ventre de sa mère ; mais Michel-Ange savait probablement déceler quelques « signes de vie » dans une pierre morte. En se mettant au travail, à chaque coup de tailleur il se rapprochait de l'image devinée dans la pierre - et la pierre finalement libérée, « libéra » la future statue seulement si le sculpteur était capable de deviner correctement sa forme future. Parfois, la supposition s'avérait inexacte et la figure enfermée dans la pierre ne pouvait pas être complètement libérée. Ensuite, Michel-Ange a admis sa défaite et a laissé l'œuvre inachevée - cela s'est produit avec le célèbre « Captif » (son autre nom est « L'Esclave qui s'éveille », ill. 3), dans la pose même de laquelle l'idée de​​la futilité du la lutte pour la liberté s’exprime avec une force extraordinaire. En regardant cette sculpture grandiose, on peut imaginer tout le travail que le créateur y a consacré ; N’est-il pas dommage qu’il n’ait pas terminé ce qu’il avait commencé et qu’il ait abandonné à mi-chemin ? Apparemment, Michel-Ange ne voulait en aucun cas terminer le travail : s'écarter du plan initial ne ferait qu'augmenter l'amertume de l'échec.

Il s’avère que créer une œuvre d’art est loin d’être la même chose que fabriquer ou produire une chose ordinaire. La créativité est une activité inhabituelle et très risquée ; celui qui le fait le plus souvent ne sait pas ce qu'il va réussir jusqu'à ce qu'il voie le résultat. La créativité peut être comparée à un jeu de cache-cache, dans lequel le conducteur ne sait pas exactement qui - ou quoi - il cherche jusqu'à ce qu'il le trouve. Ce qui nous frappe le plus à propos de The Bull's Head, c'est sa découverte audacieuse et réussie ; dans "Prisoner", la recherche intense est bien plus importante. Il est difficile pour les non-initiés de se réconcilier avec l’idée que la créativité implique au départ une certaine incertitude, la nécessité de prendre des risques sans savoir à l’avance quel sera le résultat. Nous sommes tous habitués à croire qu'une personne qui fait quelque chose - comme, par exemple, un artisan professionnel ou une personne associée à tout type de production industrielle - doit savoir dès le début ce qu'elle va faire ou produire exactement. La part de risque dans ce cas est réduite à presque zéro, tout comme la part d'intérêt, et le travail devient une activité de routine. La principale différence entre un artisan et un artiste est que le premier se fixe un objectif évidemment réalisable, tandis que le second s'efforce à chaque fois de résoudre un problème insoluble - ou du moins de s'en rapprocher. Le travail d'un artiste est imprévisible, son évolution ne peut être prédite - et de ce fait, il n'obéit à aucune règle, tandis que le travail d'un artisan obéit certaines normes et repose sur une stricte régularité. On reconnaît cette différence quand on dit qu'un artiste crée (ou crée) et qu'un artisan ne fait (ou ne produit) que ses produits. Il ne faut donc pas confondre la créativité artistique avec la compétence professionnelle d’un artisan. Et bien que la création de nombreuses œuvres d'art nécessite des compétences purement techniques, n'oublions pas l'essentiel : même l'objet le plus habilement réalisé et extérieurement parfait ne peut être qualifié d'œuvre d'art si l'imagination de l'artiste n'a pas participé à sa création, ce qui à un moment donné fait ce même saut magique - et fait une découverte.

Il va sans dire que parmi nous, il y a toujours eu beaucoup plus d'artisans que d'artistes, car le besoin humain de ce qui est familier et expérimenté dépasse de loin la capacité de percevoir et d'assimiler tout ce qui est nouveau, inattendu et perturbant souvent notre tranquillité d'esprit qu'apporte l'art. . D'un autre côté, nous sommes tous parfois visités par le désir de pénétrer dans l'inconnu et de créer quelque chose qui nous est propre, original. Et la principale différence entre un artiste et les autres mortels n'est pas qu'il s'efforce de chercher, mais dans cette mystérieuse capacité à trouver, que l'on appelle habituellement le talent. Ce n'est pas un hasard si différentes langues nous trouvons d'autres mots pour désigner ce concept - comme don (ce qu'une personne semble recevoir d'une puissance supérieure) ou génie (c'était le nom original du bon esprit qui s'installait chez une personne et créait de l'art de ses mains).

Originalité et tradition

Ainsi, la principale chose qui distingue l’art de l’artisanat est l’originalité et l’innovation. C'est l'innovation qui sert à mesurer l'importance et la valeur de l'art. Malheureusement, l’originalité n’est pas facile à cerner. Les synonymes habituels - fraîcheur, originalité, nouveauté - ne sont d'aucune utilité, et à partir des dictionnaires, vous ne pouvez découvrir que que l'original n'est pas une copie. Pendant ce temps, une œuvre d'art ne peut pas être complètement et complètement originale, car elle est liée par de nombreux fils à tout ce qui a été créé dans un passé lointain, est créé maintenant et sera créé dans le futur. Si John Donne a raison lorsqu'il affirme que l'homme n'est pas une île, mais seulement un morceau du « continent », le continent, alors ses paroles peuvent être attribuées à l'art avec non moins de justification. L'entrelacement de toutes ces connexions ramifiées peut être imaginé comme un réseau dans lequel chaque œuvre d'art occupe sa place particulière ; la totalité de ces liens est la tradition. Sans tradition, c’est-à-dire sans quelque chose qui se transmet de génération en génération, l’originalité n’existe pas. La tradition constitue une base solide, une sorte de tremplin, à partir de laquelle l’imagination de l’artiste peut faire ce saut magique. Le lieu où il « atterrit » deviendra à son tour le point de départ de « sauts » ultérieurs, de découvertes futures. Le réseau de la tradition n'est pas moins important pour nous, spectateurs : que nous en soyons conscients ou non, il constitue la base nécessaire sur laquelle se forment nos appréciations ; Ce n'est que sur cette base que le degré d'originalité d'une œuvre d'art particulière devient évident.

Signification et style

Pourquoi l’art est-il créé ? L’une des raisons évidentes est le désir irrésistible des gens de se décorer et de se rendre plus attrayants. le monde. Tous deux sont liés à un désir plus général encore, caractéristique depuis longtemps de l'homme : se rapprocher, ainsi que son environnement immédiat, d'une certaine forme idéale, les amener à la perfection. Cependant, le côté extérieur, décoratif, n'est pas tout ce que l'art nous apporte : il est aussi porteur d'un sens profond, même si ce sens - ou contenu - n'est pas toujours évident et nécessite une interprétation. L'art nous permet de transmettre aux autres notre compréhension de la vie - de la transmettre d'une manière particulière et spécifique, soumise uniquement à l'art. Pas étonnant qu'ils disent : une image vaut mille mots. Cela s'applique également à l'intrigue du tableau et à sa charge symbolique. Comme dans le langage, dans l’art, les gens inventent inlassablement des symboles capables de transmettre les pensées les plus complexes de manière non conventionnelle. Mais si l'on poursuit la comparaison avec le langage, l'art est plus proche de la poésie que de la prose : c'est une poésie qui traite librement du vocabulaire et de la syntaxe familiers et transforme les formes conventionnelles, véhiculant avec leur aide des pensées et des humeurs nouvelles et diverses. De plus, l’art s’adresse souvent au spectateur non pas directement, mais par allusion : beaucoup de choses ne peuvent être devinées qu’à partir de l’expression faciale et de la pose du personnage ; l’art aime recourir à toutes sortes d’allégories. Bref, comme en poésie, dans les arts visuels, ce qui est dit et la manière de le dire sont également importants.

Quel est le contenu réel de l’art, son sens ! Que veut-il exprimer ? L'artiste donne rarement des explications ; il nous présente une image et estime que cela veut tout dire. Dans un sens, il a raison : toute œuvre d'art nous dit quelque chose - même si nous ne comprenons pas pleinement l'intention de l'artiste, nous percevons l'image au niveau de l'intuition. Le sens – ou le contenu – de l’art est indissociable de son incarnation formelle, du style. Le mot style vient du nom de l’instrument d’écriture utilisé par les anciens Romains. À l’origine, le style désignait tout le caractère d’une lettre, depuis la conception des lettres jusqu’au choix des mots. Dans les arts visuels, le style fait référence à la méthode qui détermine le choix et la combinaison d'éléments formels externes dans chaque œuvre spécifique. L’étude des différents styles a été et reste au centre de l’attention des historiens de l’art. Une telle étude, fondée sur une analyse comparative approfondie, permet non seulement d'établir où, quand et par qui telle ou telle chose a été créée, mais contribue également à révéler les intentions de l'auteur, puisque l'intention de l'artiste s'exprime précisément dans le style de son travail. L'idée, quant à elle, dépend de la personnalité de l'artiste, ainsi que du moment et du lieu de création de l'œuvre ; on peut donc parler du style d'une certaine époque. Ainsi, pour bien comprendre une œuvre d'art, nous devons avoir une idée aussi complète que possible du lieu et de l'époque de sa création - en d'autres termes, du style et des vues du pays, de l'époque et de l'auteur lui-même.

Expression de soi et perception du public

Nous savons tous Mythe grecà propos du sculpteur Pygmalion, qui a sculpté une si belle statue de la nymphe Galatée qu'il est tombé follement amoureux d'elle, puis la déesse Aphrodite, à sa demande, lui a insufflé la vie. Une version moderne de ce mythe est proposée par John De Andrea dans le tableau « L'artiste et le modèle » (ill. 4). Dans son interprétation, l'artiste et sa création semblent changer de rôle : la statue - une jeune femme, loin de l'idéal de beauté, représentée de manière assez réaliste et, de plus, pas encore achevée (l'artiste doit finir de peindre les jambes !), « prend vie » plus tôt que prévu et tombe amoureuse de son créateur. L’illusion est si convaincante qu’on ne comprend pas immédiatement lequel des deux personnages est réel et lequel ne l’est pas. Pour un artiste, un acte créatif est une sorte d’« exploit d’amour » ; ce n'est que par l'expression de soi qu'il est capable de donner vie à une œuvre art et peinture De Andrea nous aide à nous en rendre compte à nouveau. Bien entendu, on peut, avec le même droit, affirmer que la création de l’artiste, à son tour, est capable de lui insuffler une nouvelle vie. L'art naît dans un profond secret et le processus de sa naissance n'est pas destiné aux regards indiscrets. Ce n'est pas pour rien que de nombreux artistes ne peuvent créer que dans une solitude totale et ne montrent leur travail à personne tant qu'il n'est pas terminé. Mais le processus créatif comprend une étape finale nécessaire : l'œuvre d'art doit être vue et appréciée par le public - alors seulement sa naissance peut être considérée comme achevée. Pour un artiste, il ne suffit pas de se satisfaire : il veut voir la réaction des autres. En ce sens, le processus créatif ne peut être considéré comme achevé que lorsqu’une œuvre d’art trouve son public qui l’appréciera, et non seulement des critiques qui en feront l’objet d’un débat scientifique. En fait, c’est le but de l’artiste. À première vue, cette explication peut paraître paradoxale, aussi faut-il préciser que l’artiste mise sur un spectateur bien précis. Il ne parle pas du public moyen et sans visage, mais de ses propres téléspectateurs et connaisseurs ; Pour lui, l’approbation de quelques-uns est bien plus importante qu’un succès retentissant. Qui sont ces quelques-uns ? Certains d’entre eux sont des collègues professionnels, d’autres des artistes, certains sont des mécènes, des sponsors, des critiques d’art, des amis, et certains sont simplement des spectateurs enthousiastes. Tous ces gens sont unis par un amour inné (ou cultivé) pour l'art et la capacité de le juger avec perspicacité et équilibre - en d'autres termes, la combinaison d'une certaine préparation et d'un intérêt sincère nécessaire à l'évaluation de l'art. Ce sont des spectateurs avertis, des praticiens plutôt que des théoriciens ; et, s'il le souhaite, chacun d'entre nous peut devenir un tel connaisseur d'art après avoir acquis une certaine expérience. C'est juste une question de degré de préparation : il n'y a pas de différence fondamentale entre un expert et un spectateur ordinaire.

Les saveurs

C'est une chose de définir ce qu'est l'art ; C’en est une autre d’apprendre à percevoir et à évaluer des œuvres spécifiques. Même si nous avions une méthode précise pour séparer le vrai art du fait qu’il ne s’agit pas d’art, on ne pourrait pas automatiquement juger de la qualité de l’œuvre. Or, ces deux problèmes sont souvent confondus. Comme les experts ne nous proposent pas de règles strictes d’évaluation, nous devenons souvent sur la défensive et disons quelque chose comme ceci : « En fait, je ne connais rien à l’art, mais je sais ce que j’aime. » Des phrases comme celle-ci rendent très difficile la compréhension de l’art. Réfléchissons aux raisons pour lesquelles il en est ainsi et à ce qui se cache derrière de telles déclarations courantes.

Tout d’abord, il n’y a plus personne qui ne connaisse rien à l’art. Nous sommes en contact trop étroit avec lui, il est tissé dans notre quotidien - même si notre contact avec l'art se limite aux couvertures de magazines, affiches publicitaires, les complexes commémoratifs, la télévision et enfin, simplement l'architecture - les bâtiments où nous vivons, travaillons ou prions. Lorsqu’une personne dit : « Je sais ce que j’aime », elle veut essentiellement dire : « Je n’aime que ce que je sais (et je rejette d’avance tout ce qui ne rentre pas dans mon standard habituel). » Mais la norme habituelle n’est pas tant nos propres préférences que les normes développées par notre éducation et la culture dans laquelle nous avons grandi ; Le moment individuel ne joue ici presque aucun rôle.

Pourquoi, alors, sommes-nous si nombreux à essayer de prétendre que la norme habituelle est équivalente à notre choix personnel ? Il y a une autre considération tacite à l'œuvre ici : si une œuvre d'art est inaccessible à une perception non professionnelle, si je ne peux pas l'évaluer sans formation particulière, cela signifie que cette œuvre est de qualité très douteuse et ne mérite pas mon attention. Il n’y a qu’une seule réponse à cette question : si vous souhaitez comprendre l’art aussi bien que les professionnels, qui vous empêche de l’apprendre ? Le chemin de la connaissance est accessible à tous - ici un large champ d'activité s'ouvre à tout spectateur capable d'assimiler de nouvelles expériences. Les limites de nos goûts vont très vite s'élargir et nous commencerons à aimer des choses que nous n'aurions pas aimées auparavant. Peu à peu, nous nous habituerons à juger l'art de manière consciente et impartiale - et alors, avec une bien plus grande justification, nous pourrons répéter la phrase notoire : « Je sais ce que j'aime ».

Oui et vraiment, qu’est-ce que l’art ? C'est une question simple, mais comment trouver la réponse ? L'œuvre d'un maître peut-elle être considérée comme de l'art, par exemple le même artiste dont les tableaux sont exposés au Louvre et à l'Ermitage ? Et comment peut-on fixer des critères pour certaines œuvres de personnes afin de les qualifier de véritable art ? Comment répondre à cette question et n’y a-t-il qu’une seule réponse ? J'exprimerai mes réflexions et mes connaissances à ce sujet.

« L’imitation est l’un des instincts de notre nature. De plus, il existe un instinct d'harmonie et de rythme, ainsi que de proportionnalité, dans lequel s'exprime notamment le sens du rythme. À partir de ce don naturel, l’individu développe une inclination vers la poésie pour passer progressivement des improvisations grossières au véritable art. - Aristote.

Depuis l'Antiquité, les gens voulaient capturer les moments de leur vie, se dire quelque chose, pour qu'après eux il reste au moins une trace dans l'histoire. Et c'était une sorte de course. Quelqu'un pouvait mieux que d'autres sculpter la figure d'une fille à partir d'un morceau d'argile, un autre à partir d'un morceau de pierre a donné naissance à des rois identiques à des personnes vivantes. Les gens ont créé, mettant un morceau de leur âme dans leur travail, et chaque jour ils perfectionnaient de plus en plus leurs compétences.

Les fondements mêmes de l’art ont été créés par de grands empires comme l’Égypte, Babylone, la Perse, l’Inde, la Chine, la Grèce et Rome. Chacun de ces empires a apporté une contribution directe aux arts. Les Grecs donnaient le ton d’un beau corps masculin et de sa posture. Et au XIXe siècle, la comparaison entre le vrai et le créé a commencé à être considérée comme un art.

Le concept lui-même est extrêmement vaste et très diversifié, depuis ceux qui sortent dans les rues la nuit et créent sur les murs des maisons, jusqu'aux personnes en frac et smoking qui se produisent devant le public sur un piano brillant. Personne ne peut définir clairement les limites et répondre à cette question. Il ne peut être que légèrement classé comme traditionnel et moderne. Par style, où il est dirigé, qu'il s'agisse d'un artiste ou d'un écrivain.

L'art est multiforme. Et ces graffitis qui sont mouillés sous la pluie pourraient un jour devenir des traditions, et même maintenant, il y a des gens qui aiment ça. L'art est une sorte de processus créatif. Et toute création humaine peut être qualifiée d’art, la seule chose est que les gens peuvent ne pas l’apprécier. Cela dit, c’est du charabia ordinaire.

De nombreux artistes ont essayé d'introduire quelque chose de nouveau dans les fondations existantes et de créer quelque chose qui serait accessible à tous et n'aurait aucune valeur matérielle pour un certain cercle de personnes. Créer quelque chose qui puisse donner de l'harmonie à tout le monde. C'est ainsi qu'est apparu un mouvement tel que le conceptualisme, un art qu'il faut comprendre.

Ainsi, tout ce que l’âme humaine peut admirer peut être appelé art, même s’il s’agit de musique assistée par ordinateur ou de ballet, d’opéra, peu importe. L'essentiel est que cela inspire une personne, l'aide à penser de manière créative et lui fasse sourire, même stupide, mais tout ce qui plaît à l'âme est de l'art. Mais il y aura toujours des débats sur ce qui est « beau », ce qu’est l’art.

Qu’est-ce que l’art ?

Il n’existe toujours pas de réponse claire avec laquelle toutes les personnes impliquées et intéressées seraient unanimement d’accord. Peut-être parce que la question elle-même n’a jamais été clarifiée avec une clarté absolue. Qu’est-ce que les gens qui posent cette question veulent vraiment savoir ? Evidemment, au cœur de la question se trouve la volonté de percer le mystère de l’art. Le mystère de l’impact des œuvres d’art sur nos vies. Il y a un impact, et personne ne semble le contester. Mais quel est le secret ?

Si vous regardez attentivement, vous remarquerez que le motif qui pousse une personne à se tourner vers une œuvre d'art se résume à une certaine insatisfaction face à sa situation, c'est-à-dire, en fin de compte, à une simple « évasion de la réalité vers d'autres mondes merveilleux ». Même si vous n’êtes pas encore d’accord avec cette affirmation, essayez de la prendre avec foi ou au moins d’y consentir sous condition. Plus tard, vous comprendrez pourquoi il en est ainsi et d’où vient cette thèse. Pour l’instant, soyons d’accord, car désormais j’appellerai celui qui subit l’influence d’une œuvre d’art un « fugitif ». Donc, même si vous pensez qu'en percevant des œuvres d'art, vous n'êtes pas du tout un « fugitif », mais, par exemple, une « personne cultivée et instruite » ou quelque chose comme ça, pour l'instant gardez à l'esprit que ce n'est pas si important. . Vous pouvez même considérer que « fugitif » et « personne cultivée et instruite » (ou quoi que vous considériez comme étant) sont synonymes.

Regardons attentivement une personne qui vient de « se cacher de la vie », par exemple dans un roman (dans un tableau, dans une chanson, dans une symphonie, en un mot, dans n'importe quelle œuvre d'art, une œuvre réelle, et non dans certaines séries de petites villes, même si parmi elles on en rencontre probablement de vraies, mais qu'est-ce que c'est véritable oeuvre d'art, nous le découvrirons dans ce texte). Il suffit de parler avec une telle personne avant la « fuite » puis de lui parler après la « fuite », et on sentira immédiatement la différence : celui qui « s'est enfui » est revenu transformé. Si ce n’est intellectuellement, du moins énergiquement. Par exemple, il se sentait « plus léger dans son âme ». En quelque sorte « plus calme ». Beaucoup de gens notent « l’effet nettoyant » produit sur eux par le contact avec des œuvres d’art. Il se peut que le «fugitif de retour» soit au contraire plongé dans la dépression et souffre plus que jamais (par exemple, cela arrive souvent après la lecture de Dostoïevski). Mais supposons qu’il s’agisse des mêmes souffrances cathartiques à travers lesquelles les énergies supprimées sont libérées. La souffrance implique la purification et la libération. Et dans ce cas encore, l’effet est indéniable. Il y a un effet (changement, transformation) à tout contact avec une véritable œuvre d'art. À condition que ce contact ait réellement eu lieu et qu'il n'y ait pas eu de contact mécanique et superficiel dans lequel seuls les sens externes étaient impliqués (l'effet peut être dans ce cas, mais ici, il sera très probablement complètement imperceptible sans recherches particulières). Contact– il s’agit d’un contact réel (« le contact réel » peut être comparé à ce que vous ressentez si quelqu’un touche votre bras pendant que vous êtes éveillé, tandis que le « contact mécanique et superficiel » est comme si quelqu’un touchait votre main à un moment où vous dormiez profondément , et au final tu n'as rien remarqué).

D’où vient cet effet de transformation ? Qui en fait l'expérience ? Qui change ? Qui est affecté? Commençons par cette dernière : l'image qui est affectée est celle qui est la « fugitive ». prend pour lui. C’est-à-dire la personne que le « fugitif » s’imagine être. Le fait même des changements et des transformations survenus chez le « fugitif » suggère que ce quelqu'un qui a subi des changements n'était pas immuable, n'était pas une constante. Le « fugitif » change, se transforme et est donc instable.

Si vous avez fait cet auto-examen, alors ce qui suit sera simple et évident pour vous. En particulier, on peut facilement convenir que la plupart des critiques d'art (critiques littéraires, professionnels de l'examen et de l'évaluation dans certains domaines de l'art) ne comprennent pas vraiment de quoi ils ont affaire. Et vous verrez qu’à cet égard, de nombreux malentendus surgissent concernant ce qui est considéré comme du véritable art et ce qui ne l’est pas, ce qui est « talentueux » et ce qui ne l’est pas, ce qui est « beau » et ce qui ne l’est pas, et ainsi de suite. Toutes sortes d’institutions artificielles opportunistes comme prix littéraires, concours de musique, ventes aux enchères de peintures, etc. Beaucoup d’argent est investi. Des articles et de grands ouvrages théoriques sont en cours de rédaction. Toute une foule de complices, d’admirateurs et d’imitateurs émerge. Complices et imitateurs s'efforcent de se surpasser, de se promouvoir du mieux qu'ils peuvent et d'écrire un roman par mois. Et ainsi de suite. Vous savez ce que je veux dire. Il y a beaucoup de cette bonté maintenant, et nous ne parlons pas du tout de cette foire aux vanités. Je mentionne tout cela maintenant, non pas pour dénoncer, mais simplement pour que ce soit clair : ce n’est pas tout. Pas l'art. Et très rarement, dans ce contexte de chaos, quelque chose d’authentique peut briller. Tout y est trop assourdi, trop rigide pour permettre au réel de se révéler dans un tel environnement. Au contraire, le véritable art apparaît dans un endroit complètement différent. Et cela s’exprime sous des formes complètement différentes et inattendues. Même si cela peut encore se manifester genres traditionnels paroles, roman, chanson, toile, film.

Il est possible que votre auto-examen n'ait pas eu lieu, et alors vous (si vous êtes encore en train de lire ce texte) ne comprenez plus bien de quoi je parle ici. Alors laissez-moi vous donner un exemple. Supposons que vous vous trouviez au bord d’une rivière avec un fort courant. Vous allez à la rivière et y plongez votre pied. Vous ressentez la fraîcheur de l’eau de la rivière et ressentez également la force du courant. Votre jambe devient froide et rampe. Peut-être ressentez-vous d’autres sentiments. Vous sortez votre pied de l'eau. Elle est mouillée, froide et peut-être que la pointe de ses orteils est un peu à l'étroit. Maintenant, la question est : qu'est-ce qui vit en vous l'expérience décrite ? Il est impossible de dire que c'est « l'expérience de la jambe », car vous percevez les sensations de la jambe, et la jambe ne les perçoit pas d'elle-même. Il est également impossible de dire que c’est vous, car une partie importante de votre corps n’est pas affectée. Presque tout votre corps est resté sec et assez chaud. Cependant, en général, vous pouvez dire : « J’ai vécu cette expérience ». Vous pouvez dire cela parce que vous (celui qui déclare l’expérience) n’êtes ni la jambe ni le reste du corps. C’est vous qui, à travers la jambe et le reste du corps et la comparaison des sensations, pouvez dire : « J’ai vécu ça ». C'est la même chose avec une œuvre d'art. Lorsque vous y « entrez », entrez en contact avec lui, vous voyez comment quelque chose en vous commence à se sentir différent. Peut-être que cela commence par une sorte de sensation esthétique (« la jambe et une sensation d'humidité et de froid » ou « le reste du corps est plus sec et plus chaud et a la chair de poule en contraste »). Peut-être comme un plaisir intellectuel (« la nouveauté et l'intérêt qui en résulte pour l'expérience du froid et de l'humidité, la nouveauté et l'intérêt pour la sensation de contraste »). Mais alors vous remarquez que ni l’esthétique ni l’intellectuel ne sont si importants dans cette expérience et ne contribuent pas autant aux changements qui se produisent en vous. Vous reconnaissez que quelque chose d’autre se produit. Dans l’exemple de la rivière, cet « en plus » peut s’exprimer par un changement d’humeur après le contact avec la rivière. Cependant, il est peu probable que cette expérience vous affecte beaucoup, puisqu’il s’agissait essentiellement d’un phénomène physique. Et dans le cas de l’art, il n’y a pas que le simple contact physique. Cela peut être appelé une « expérience spirituelle », qui s'exprime sous la forme de transformation du « fugitif » en train de « courir ».

D’où vient cette expérience spirituelle dans le cas de la perception d’une œuvre d’art ?

Une œuvre d’art est créée à partir de cet « espace » et par cet « espace », qui est en réalité « vous ». Pas la personne que vous imaginez être et qui est sujette au changement, pas l’image que vous avez de vous-même. Et celui qui perçoit tout, observe et témoigne, mais qui, à son tour, est impossible à percevoir et à observer. Ce n'est pas « le pied que vous avez plongé dans le ruisseau », ni « le reste du corps resté sec », ni « un ruisseau de rivière avec un fort courant », ni « la personne que vous considérez être et qui subit des épreuves observables ». transformations", pas votre "esprit", qui prend un plaisir intellectuel à l'intrigue (un processus que vous pouvez également observer), pas "développé sentiment esthétique», qui permet d'éprouver un plaisir spirituel parfois incomparable (le plaisir, que vous pouvez aussi voir comme quelque chose qui existe séparément de vous, comme un processus objectif, ce qui signifie que ce n'est pas vous, puisque vous êtes le sujet observateur). Tout ce que vous pouvez observer ne peut pas être vous. "Le couteau ne peut pas se couper, la balance ne peut pas se peser, les yeux ne peuvent pas se voir", cet exemple est souvent donné par un enseignant spirituel, désignant le véritable être d'une personne.

En anglais, cette chose vraie chez une personne est appelée « Soi » et est parfois traduite en russe par « Personnalité », ce qui est incorrect. Une traduction plus correcte est « Soi » ou « Essence ». Lorsque le Soi s'identifie au corps physique, toutes les autres idées et idées d'une personne sur elle-même en tant qu'entité distincte surgissent. Une construction socialement conditionnée apparaît, appelée « personne » en anglais, « une image erronée et fausse de soi ». Et ce n'est plus Soi, mais « moi-même », qui, comme quelque chose de séparé, s'oppose à « soi-même » (la pensée « je », qui s'oppose à la pensée « tu »). Et au début il y a simplement le « Soi », la Conscience pure. La conscience n'est mélangée à aucune idée ou idée. Dans la tradition spirituelle indienne, cela s'appelle Atman. Cependant, n'approfondissons pas les termes, sinon cela prendra trop de temps. Dans différents concepts, le Soi est appelé et interprété légèrement différemment, tout comme la « personnalité »*. Ce sont tous des détails. Il suffit que nous comprenions ce qui est en jeu. Le Soi est notre noyau, notre nature véritable et originelle, intacte, éternelle et immuable. À naître et immortel. C'est ce qui est toujours là, ici et maintenant. Permanent. Notre vrai moi, que nous oublions, dès l'enfance, nous nous habituons à nous considérer comme une sorte de construction sociale appelée « personnalité », « personne ».

L'auteur d'une véritable œuvre d'art, souvent sans s'en rendre compte, crée cette œuvre non pas tant à partir de sa personnalité qu'à partir de lui-même. Et ce Soi du créateur n’est pas différent du Soi qui constitue l’essence du lecteur. Non seulement il n’est pas différent, mais il ne fait qu’un avec lui. C'est littéralement UN TOUT. Conscience universelle impersonnelle. C'est Un et Un. Cela se manifeste simplement différemment selon les corps. Ainsi, lorsque le « fugitif » s'occupe d'une véritable œuvre d'art, d'une œuvre écrite à partir du Soi, il touche sa vraie nature, il a pour un instant l'opportunité d'être lui-même. Et pas celui dont il doit jouer le rôle depuis l’enfance. En fait, c'est précisément cette « personnalité » qu'il fuit et pour laquelle il a l'habitude de se prendre. De toutes ces circonstances, conventions, responsabilités, actes, jugements, estime de soi et autres déchets qu'il a accumulés au cours de sa vie, il a absorbé, se considérant tel ou tel personnage. Il court « jusqu'aux rives des vagues du désert, dans les forêts de chênes bruyantes » (Pouchkine). Littéralement dans le désert, dans le vide. (Les enseignants spirituels utilisent souvent le terme « vide » comme métaphore pour désigner le Soi.) Telle est la magie de l'art : les véritables œuvres d'art nous ramènent à nous-mêmes.

Le degré d'authenticité d'une œuvre d'art peut donc être déterminé en fonction de la mesure dans laquelle l'auteur était dans le Soi pur au moment de la création de l'œuvre, ou si le Soi était mêlé dans des proportions variables à des idées et des programmes personnels. acquis par l'auteur au cours de son œuvre. Le chemin de la vie. C’est sur cela que devrait s’appuyer la véritable critique d’art. Cela seul peut être un critère pour déterminer la pureté et la force d’une œuvre d’art. Ce qui, cependant, s’il est véritablement réel, ne nécessite aucune définition de l’authenticité.

Mais par souci de divertissement, nous allons quand même regarder quelques œuvres d'art à l'aide d'exemples ci-dessous, en essayant d'établir par quelques signes à quel point les auteurs étaient dans le Soi pur (parfois cet état est appelé « l'inspiration », « l'arrivée de la Muse ", etc.), et mixte s'il existe des programmes personnels pour cela (et si oui, lesquels).

Pour l’instant, je citerai Eckhart Tolle, un autre professeur spirituel moderne qui interprète parfois les livres du point de vue de son enseignement. Habituellement, il choisit des livres spéciaux, des livres écrits à partir du Soi pur, comme le Tao Te Ching et la Bhagavad Gita. Dans une conférence sur les Méditations de Marc Aurèle, il dit à propos de ces livres : « Ces livres sont pleins de pouvoir, ils sont intemporels. ... Les livres de ce genre sont plus que de simples livres. Je sens des champs d’énergie vitale en émaner. Et ces livres ont leur propre vie. Et puis il note : « On se regarde à travers le livre. Parce que tout livre important parle toujours de vous. Et cela vaut également pour la littérature. Si vous lisez un livre significatif, plein de sens profond, il s'agit toujours du conditionnement humain, caché sous l'intrigue se trouve toujours la vérité sur le conditionnement de l'homme, c'est-à-dire sur vous. Le livre est puissant parce qu’il parle de vous. ... Nous nous regardons à travers un livre. Nous regardons la vérité sur l’éveil ou les schémas mentaux dysfonctionnels en nous-mêmes et en prenons conscience. Eckhart Tolle n'est pas un enseignant aussi radical que Muji. Il appelle ce qu'on appelle ci-dessus les programmes personnels (dont est constituée la personnalité) des « modèles mentaux dysfonctionnels », mais ce sont déjà des particularités conceptuelles de deux approches différentes, des particularités qui ne changent pas l'essence.

Dans une conférence sur le Tao Te Ching, Tolle a très bien expliqué pourquoi de nombreuses œuvres écrites il y a longtemps ne deviennent pas obsolètes, restent pour ainsi dire intemporelles : « Si un livre écrit il y a si longtemps est encore vivant, ce signifie qu’il doit avoir été écrit à partir d’un état très profond et pointe vers quelque chose d’intemporel. S'il n'était pas écrit à partir de l'état profond et intemporel de son auteur et n'indiquait pas qu'il est intemporel, un livre écrit il y a 2 500 ans serait désormais hors de propos, dénué de sens, incompréhensible. Certains livres écrits il y a 20 ans sont déjà dépassés. Ou si vous lisez les journaux d’hier, ils sont déjà dépassés. Pour que quelque chose soit encore contemporain, important et profondément significatif pour de nombreuses personnes, il doit y avoir quelque chose qui transcende le temps. ... Ce livre est un moyen qui nous aide à nous découvrir nous-mêmes et notre connexion, notre connexion avec le tout sans limites, avec l'univers.

C'est pourquoi une personne, entrant en contact avec une œuvre d'art, subit une transformation. Elle devient plus mince, elle devient plus douce, plus proche de sa vraie nature. Quelque chose de faux et de superficiel disparaît. Les énergies supprimées (désirs refoulés non satisfaits, etc.), qu'une personne a profondément enfoncées en elle-même, vivant conformément aux modèles et aux règles sociales, remontent à la surface et le processus d'auto-purification est activé. Une personne sous l'influence d'une œuvre d'art non seulement se change elle-même, mais aussi, lorsqu'elle est inspirée, commence à changer le monde qui l'entoure et à former une nouvelle réalité. Il le fait parfois de manière totalement inaperçue, simplement avec un regard, un geste, une intonation lorsqu'il communique avec des amis. Ou peut-être qu'il crée lui-même une œuvre d'art.

C’est le but le plus profond et véritable de l’art. En fuyant le faux soi et les (c)fausses circonstances dans lesquelles se trouve inévitablement la (c)fausse personnalité, une personne touche son vrai soi. Ressent la simple vérité. C'est l'essence religieuse originelle de l'art. Les peuples primitifs le savaient. Par conséquent, pour eux, le rituel religieux et l’art n’étaient pas séparés. L’art est littéralement l’un des outils les plus importants pour la création du monde. Comment Dieu (le Soi) crée ce monde à travers les gens, comment il l'influence. (C’est drôle qu’à un niveau superficiel, cela puisse ressembler à une sorte de divertissement, comme distraire une personne de « choses vraiment importantes et sérieuses ! »)

Comme je l’ai déjà dit, à notre époque, l’art véritable respire où il veut et se trouve souvent très loin des salles d’exposition et de concert, des rassemblements littéraires et autres « temples de la beauté » officiellement reconnus. Par exemple, Muji, le maître spirituel déjà mentionné ci-dessus, peut être considéré comme le plus grand poète de notre époque. Ses satsangs sont des improvisations spontanées au cours desquelles, à l'aide d'images, de mots et d'intonations, il plonge continuellement les auditeurs dans un état qui n'est pas différent de celui dans lequel une personne entre en contact avec de véritables œuvres d'art. De nombreux autres maîtres spirituels modernes (les mêmes Eckhart Tolle, Arthur Sita) peuvent très bien être appelés poètes modernes. Après tout, qu'ont fait d'autre que montrer la vérité à l'aide d'images, d'intonations, de musique de mots nés du silence, tous les grands poètes de tous les temps ?

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* Jung considérait tout cela – le soi, la personne, l’ego et d’autres choses – comme des composants de ce qu’il appelait « personnalité », mais ici j’appelle « personnalité » plutôt que la personne et l’ego. Et j’appelle « moi » ce autour duquel ils se forment à travers toutes sortes de couches.

C'est dans l'art que l'on peut sérieusement parler de la combinaison de l'idéalisme et du réalisme. Combiner quelque chose d'inatteignable, quelque chose qui ne peut être touché, avec son expression concrète - cela n'est possible que dans l'art, car la créativité est la seule forme de pensée humaine lorsqu'une personne peut atteindre une certaine perfection et l'exprimer dans des images artistiques.

Par contemplation, j'entends simplement ce qui donne naissance à une image artistique ou la pensée que nous développons en nous-mêmes à propos d'une image artistique. Tout cela est complètement individuel. Une image artistique, le sens d'une image artistique ne peut découler que de l'observation. Si elle n'est pas basée sur la contemplation, alors l'image artistique sera remplacée par un symbole, c'est-à-dire par quelque chose qui peut être expliqué par la raison, et alors l'image artistique n'existera pas - après tout, elle ne reflète plus l'humanité, la monde.

Une véritable image artistique ne doit pas seulement exprimer la recherche d'un artiste pauvre avec ses problèmes humains, ses désirs et ses besoins. Cela devrait refléter le monde. Mais pas le monde de l'artiste, mais le chemin de l'humanité vers la vérité. Un simple sentiment de contact avec une âme qui est quelque part ici, au-dessus de nous, mais ici, devant nous, vit dans une œuvre, suffit à l'évaluer comme un génie. C’est le véritable cachet du génie.

Un artiste commence lorsque sa propre structure figurative particulière, son propre système de pensées sur le monde réel apparaît dans son plan ou déjà dans son film, et que le réalisateur le présente au jugement du spectateur, le partage avec le spectateur comme le sien. rêves chéris. Ce n’est que s’il a sa propre vision des choses, devenant une sorte de philosophe, qu’il agit en artiste et le cinéma en art.

Toute activité créatrice doit être considérée comme un devoir de l'artiste.
Mais le plus important est de veiller à ne pas vivre selon une norme et créer selon une autre. L’hypocrisie n’a jamais été une force créatrice efficace.

Mes peintures sont entièrement basées sur mes expériences personnelles. Mon devoir en tant qu'artiste est de transmettre au spectateur comment je, exactement moi, perçois la vie. ... Afin de plaire au spectateur, je ne peux pas changer ce langage et m'adapter au public. Si je fais cela, je ne respecterai ni le spectateur ni moi-même.

Et je tiens également à souligner que la tâche principale de l'art est de résoudre la crise spirituelle qui règne dans le monde. Il doit y avoir quelque chose dans la société qui stimulerait le développement spirituel et développerait le sentiment de soi chez une personne, l'encourageant à lutter pour l'individualité et l'humanité.

Ce que je fais dans le domaine de l’art repose sur ma croyance en la dignité des personnes que mes films s’adressent, ainsi qu’en la dignité que devrait avoir un artiste.

Bref, pendant une guerre, on peut être détruit à tout moment. Il est donc nécessaire que chacun en soit conscient. Mais je soupçonne que les gens d’aujourd’hui commencent à douter de leurs capacités intellectuelles et à perdre le respect d’eux-mêmes.(...) la tâche principale L’objectif de la société future est de trouver un moyen d’éveiller chez l’homme le sentiment de sa propre valeur. Cela créera des conditions dans lesquelles son monde intérieur méritera le respect. Il n’y a pas d’alternative ; la foi en l’avenir, fondée sur une fausse liberté et la suppression de l’estime de soi, équivaut au suicide.

Chaque artiste, lors de son séjour sur terre, trouve et laisse derrière lui une part de vérité sur la civilisation, sur l'humanité. L'idée même de chercher, de rechercher un artiste est offensante. C'est comme cueillir des champignons dans la forêt. Ils peuvent être trouvés, ou peut-être pas. Picasso disait même : « Je ne cherche pas, je trouve. » Selon moi, l’artiste n’agit pas du tout en chercheur, il n’agit en aucun cas de manière empirique (« Je vais essayer de faire ceci, je vais essayer cela »). L'artiste témoigne de la vérité, de sa vérité du monde. Un artiste doit être sûr que lui et son œuvre correspondent à la vérité. Je rejette l'idée d'expérimentation, de recherche dans le domaine de l'art. Toute recherche dans ce domaine, tout ce qu’on appelle pompeusement « avant-gardiste » n’est qu’un mensonge.

Personne ne sait ce qu'est la beauté. L'idée que les gens se développent de la beauté, l'idée de la beauté elle-même, change au cours de l'histoire en même temps que les affirmations philosophiques et simplement avec le développement de l'homme au cours de sa vie. propre vie. Et cela me fait penser que la beauté est en réalité le symbole d’autre chose. Mais quoi exactement ? La beauté est un symbole de vérité. Je ne parle pas dans le sens opposé de « vérité et mensonge », mais dans le sens de la vérité du chemin qu’une personne choisit. La beauté (relative, bien sûr !) à différentes époques témoigne du niveau de conscience qu'ont les gens d'une période donnée à l'égard de la vérité. Il fut un temps où cette vérité s’exprimait à l’image de la Vénus de Milo. Et il va sans dire qu'une collection complète de portraits féminins, par exemple de Picasso, à proprement parler, n'a pas le moindre rapport avec la vérité. Nous ne parlons pas ici de beauté, ni de quelque chose de joli - nous parlons de beauté harmonieuse, de beauté cachée, de beauté en tant que telle. Picasso, au lieu de glorifier la beauté, d'essayer de la glorifier, de la raconter, de témoigner de cette beauté, en a agi comme destructeur, détracteur, exterminateur. La vérité exprimée par la beauté est mystérieuse ; elle ne peut être ni déchiffrée ni expliquée par des mots. Mais lorsqu'un être humain, une personne, se trouve proche de cette beauté, rencontre cette beauté, il ressent sa présence, au moins à travers la chair de poule qui lui parcourt le dos. La beauté est comme un miracle dont une personne est témoin involontairement. Exactement.

Tout d’abord, il faut imaginer ce qu’est l’art. Est-ce que cela sert le développement spirituel d'une personne ou est-ce une tentation - ce qu'on appelle en russe le mot « prélest ». C'est difficile à comprendre. Tolstoï croyait que pour servir les gens, à des fins personnelles élevées, il n'était pas nécessaire de le faire, mais il fallait s'engager dans l'auto-amélioration...

Pour construire une conception de l’art, il faut d’abord répondre à une question bien plus importante et générale : « Quel est le sens de notre existence ? À mon avis, le sens de notre existence ici sur terre est l’ascension spirituelle. Cela veut dire que l'art doit servir cela...

Si j’avais inventé un autre principe, je devrais alors considérer le concept d’art différemment. Mais puisque je définis ainsi le sens de notre existence, je crois que l'art doit aider une personne dans son développement spirituel. L'art devrait aider une personne à changer spirituellement, à grandir...

Il y avait un tel point de vue : l'art est aussi cognitif que toute autre forme de vie (intellectuelle, spirituelle) sur notre planète. La connaissance détourne de plus en plus l’attention du but principal, de l’idée principale. Plus nous en savons, moins nous en savons. Si par exemple nous allons en profondeur, cela nous empêche de voir largement. Une personne a besoin de l'art pour s'élever spirituellement, pour s'élever au-dessus d'elle-même, en utilisant son libre arbitre...

Un artiste subit toujours une pression, une sorte de rayonnement. je pense dans conditions idéales l'artiste ne serait tout simplement pas capable de travailler. Il n'aurait pas d'espace aérien. Un artiste doit ressentir une sorte de pression. Je ne sais pas lequel, mais je dois le faire. Si le monde est en ordre, en harmonie, il n’a pas besoin d’art. On peut dire que l’art n’existe que parce que le monde est mal organisé.

Une véritable image artistique n'a pas une interprétation rationnelle, mais des caractéristiques sensorielles qui ne peuvent être clairement déchiffrées. C’est pourquoi les lois illogiques et musicales de la construction des matériaux sont bien plus précises et artistiques que le fameux bon sens.

Religion, philosophie, art - ces trois piliers sur lesquels reposait le monde - l'homme a inventé pour matérialiser symboliquement l'idée de l'infini, pour l'opposer au symbole de sa compréhension possible (ce qui, bien sûr, est littéralement impossible) .

La crise du cinéma s’aggrave et, à mon avis, heureusement. Les difficultés actuelles du cinéma sont une conséquence naturelle du fait que le cinéma a été pendant soixante-dix ans un produit marchand. Je dis « heureusement » car je peux personnellement témoigner de la façon dont l’art du cinéma rejette les vieux papiers commercialisés auprès du grand public.

Extrait d'un entretien avec Andrei Tarkovski le Jeune :

- Quelles sont pour vous les principales leçons de Tarkovski Sr. ?

Dès l'enfance, il m'a inculqué que l'homme n'a pas été créé pour le bonheur, qu'il y avait des choses plus importantes que le bonheur. La recherche de la vérité est un chemin douloureux. Il l'a répété dans ses films. Parce que le bonheur - dans le sens bien-être matériel et certaines valeurs simples ne peuvent pas être le sens de l'existence humaine. Pour lui – et probablement aussi maintenant pour moi – l’art sert à comprendre le monde. Voici une leçon que je n'oublie jamais.