Północ to nie tylko magia białych nocy zorza polarna, nie tylko piękno błękitnych szczytów górskich w oddali, ale także urzekająca muzyka fal morskich. Północ to odwaga, walka, zawsze praca, dlatego też tradycyjna opowieść o Północy nie jest rozwlekła i surowa. Nawet jeśli opowiadane jest to dźwiękami muzyki. Pamiętajmy o tym rozpoczynając naszą wycieczkę po muzyce Suomi, którą zwykliśmy nazywać Finlandią.
Jean Sibelius jest założycielem fińskiej narodowej szkoły muzycznej i jej twórców największy przedstawiciel. Sztuka Sibeliusa jest nierozerwalnie związana z przeszłością i teraźniejszością narodu fińskiego, z przyrodą Finlandii, jej pieśniami i opowieściami. W muzyce Sibeliusa wyczuwamy puls jego rodzinnego kraju. Surowa przyroda Finlandii, kraju „tysiąca jezior”, granitowych skał i prastarych lasów, znajduje także odzwierciedlenie w jego twórczości. Do szczęścia kompozytor zawsze potrzebował słońca, światła, śpiewu ptaków; ale od najmłodszych lat zakochał się w innym aspekcie swojej ojczyzny: matowych, pastelowych kolorach śnieżnego północnego krajobrazu, tajemniczym zmierzchu długich nocy polarnych, wichrach i wyciu burz śnieżnych.
Jan (Johan) Julius Christian Sibelius urodził się 8 grudnia 1865 roku w małym fińskim miasteczku Hemeenlinna w rodzinie lekarza pułkowego. W Hemeenlinnie istniały amatorskie chóry i kluby muzyczne, często przyjeżdżali artyści z Rosji, Helsinek i Turku. Oczywiste jest, że w takim środowisku zainteresowanie Janne muzyką wzrosło.
W wieku pięciu lat uczył się gry na pianinie, lecz gamy i ćwiczenia przez długi czas zniechęcały chłopca do gry na pianinie. lekcje muzyki. Jednak pomimo wszystkich swoich niezwykłych zdolności muzycznych mały Sibelius wcale nie sprawiał wrażenia cudownego dziecka. Był zwyczajnym, wesołym dzieckiem, które czasami uwielbiało robić psikusy i figle ze swoimi towarzyszami. Jedyne co go wyróżniało to niezwykła miłość do natury. Po ukończeniu szkoły średniej, ulegając namowom matki i babci, które choć zachęcały Janne do studiowania muzyki w domu, nie chciały słyszeć o zawodzie muzyka, młody człowiek wstąpił na Wydział Prawa Uniwersytetu im. Uniwersytet w Helsinkach. Jednocześnie studiował grę na skrzypcach i teorię muzyki w Instytucie Muzycznym. Wkrótce życie muzyczne stolicy tak bardzo zafascynowało młodego Sibeliusa, że zapomniał o orzecznictwie. W Instytucie Muzycznym Sibelius pobierał lekcje gry na skrzypcach i teorii kompozycji. Początkowo Iana bardziej interesowały skrzypce, ale stopniowo kompozycja go przerosła. Utwory dyplomowe Sibeliusa – trio smyczkowe, kwartet smyczkowy – zostały wykonane publicznie w 1889 roku w Helsinkach i odniosły ogromny sukces. W instytucie Sibelius nawiązał przyjaźń ze słynnym pianistą i kompozytorem Ferruccio Busonim, który był nauczycielem gry na fortepianie w latach 1888–1889. Jesienią 1889 Sibelius wyjechał do Berlina, aby dokończyć naukę. Dwuletni pobyt w Niemczech i Austrii przyniósł wiele ciekawych wrażeń. W Berlinie pobierał lekcje u słynnego teoretyka Albrechta Beckera. Nawiązały się tam nowe znajomości: z młodymi muzykami niemieckimi i fińskimi, z ich muzyką; słuchał Don Juana i Symfonii Aino Richarda Straussa.
Pobyt Sibeliusa w ojczyźnie w roku 1890 upłynął pod znakiem ważne wydarzenie w swoim życiu - zaręczył się z Aino Järnefelt. W tym szczęśliwym okresie życia młody kompozytor stał się jedną z centralnych postaci życia artystycznego Finlandii. Komunikuje się z jej głównymi postaciami, spotyka słynną dramatopisarkę Minnę Kant, nadal spotyka się ze swoim patronem i doradcą R. Kayanusem, pianistą-kompozytorem O. Merikanto itp. Utalentowany artysta Axel Galen, który przyciągnął uwagę całej Europy ze swoimi obrazami został jego bliskim przyjacielem – Kallelą. Przyjaciele spędzali całe godziny na ożywionych rozmowach o palących kwestiach sztuki gdzieś w kawiarni lub restauracji w Helsinkach. Wszyscy byli gorącymi zwolennikami narodowego nurtu w sztuce, a wizerunki „Kalevali” były niewyczerpanym źródłem ich inspiracji.
Wiele ciekawych wrażeń wyniósł Sibelius ze swojej podróży do Włoch. Odwiedziwszy Rzym, Wenecję i inne miasta, jak sam przyznał, był „bardzo urzeczony przyrodą, niesamowitymi zabytkami i ludnością tego kraju”. Dzięki życzliwej pomocy Cajanusa Sibelius mógł poprzez samokształcenie doskonalić swoje umiejętności orkiestrowe.
Prawie wszystkie jego dzieła z tego okresu są bezpośrednio związane z obrazami jego rodzinnego kraju, jego historią, poezja ludowa, zwłaszcza „Kalevala”. Sibelius pozostaje oddany muzyce kojarzonej z tekst poetycki, wokal i program. W liście do poety J. H. Erkko pisze: „Uważam, że muzyka sama w sobie, że tak powiem, muzyka absolutna, nie jest w stanie zaspokoić pewnych doznań, emocji, ale jednocześnie zawsze pozostaje w niej pewien rodzaj uczucia dusza, niezadowolenie... Muzyka może w pełni objawić swoje działanie tylko wtedy, gdy nada jej kierunek jakiś podmiot poetycki, innymi słowy, gdy sfera stworzona przez muzykę stanie się wyraźniejsza, a słowa, jakkolwiek piękne same w sobie, nabiorą barwy. większy sens.” . Wkrótce ponownie wyjechał w celu dalszej poprawy, tym razem do Wiednia. Stolica Austrii, będąca największym ośrodkiem muzycznym, miała ogromną siłę przyciągającą dla wszystkich zajmujących się sztuką.
Kiedy w 1891 roku 26-letni kompozytor wrócił do domu, nabrał przekonania, że niektóre jego utwory były chętnie wykonywane i cieszyły się uznaniem. Wkrótce Sibelius wykonał duże dzieło, w którym po raz pierwszy szeroko ujawniono jego talent - poemat symfoniczny „Kullervo” na dwóch solistów, chór męski i orkiestrę. Pierwsze szkice powstały w czasie mojego pobytu za granicą.
K. Flodin pisał: „...Od początku do końca starał się tworzyć muzykę fińską. W niepowtarzalnym charakterze melodii runicznych, w rytmach tańców ludowych, w melodii rogów pasterskich odnajdywał bliskie mu nastroje. W skalach, których używał, w czasie pięciotaktowym, całkowicie podążał za starożytnymi runami…”
Jesienią 1892 roku Sibelius rozpoczął naukę w Instytucie Muzycznym w Helsinkach. Prowadzi klasę kompozycji i jednocześnie bierze udział w pracach instytutowego kwartetu smyczkowego, wykonując partię drugich skrzypiec. W tym czasie z inicjatywy Kayanusa otwarto w Helsinkach Szkołę Orkiestrową przy Filharmonii. Sibelius został tam zaproszony jako nauczyciel kompozycji.
„I nie był to jedyny dowód aktywnego zainteresowania mnie przez Kayanusa” – powiedział kompozytor. „Bardzo ważne było dla mnie to, że całkowicie oddał swoją orkiestrę na służbę mojej sztuki, oddając ją do mojej dyspozycji, kiedy chcę. wypróbowanie efektu pewnych kombinacji barw lub usłyszenie prawdziwego brzmienia mojej partytury. Zachęta Cajanusa w ogromnym stopniu przyczyniła się do mojego rozwoju jako kompozytora orkiestrowego w ostatniej dekadzie XIX wieku. Jestem mu wdzięczny za wszystko, dla czego zrobił mnie, nie tylko w moich wczesnych latach, ale także później, ponieważ sztuka była bardzo mała.
Mimo że Instytut i szkoła zajmowały Sibeliusa nawet trzydzieści godzin tygodniowo, udało mu się sporo komponować. .
Letnie miesiące 1893 roku zrodziły kolejne dzieła Sibeliusa. Najwyraźniej już wiosną stowarzyszenie studenckie w Wyborgu zwróciło się do niego z prośbą o napisanie akompaniamentu muzycznego do serii „żywych obrazów” opowiadających o niektórych momentach historycznej przeszłości Karelii. Kompozytor chętnie odpowiedział na tę propozycję. Najbliższe lata upłyną nam w niestrudzonej i owocnej pracy. Sibelius ukończył suitę Lemminkäinena i skomponował swoją jedyną jednoaktową operę „Dziewczyna z wieży”.
Ostatnie lata do końca stulecia okazały się dla Sibeliusa czasem wielkiego rozwoju twórczego. Kompozytor nadal porusza się w różnych gatunkach.
Zima 1903/04 była ostatnią, jaką Sibelius spędził w Helsinkach. Życie w stolicy zaczęło mu ciążyć coraz bardziej. Powodów było wiele – zarówno osobistych, jak i społecznych. Pogorszona sytuacja polityczna w kraju i ucisk narodowy, szczególnie odczuwalny w miastach, spowodowały dotkliwe cierpienia moralne patriotycznego kompozytora. Wiązało się to również z chorobami fizycznymi: choroba ucha, która rozpoczęła się w 1901 roku, nasiliła się i wzbudziła poważne obawy. Ponadto życie w Helsinkach nieustannie uniemożliwiało mu skupienie wszystkich sił umysłowych na twórczości, w której Sibelius widział zarówno swoje powołanie, jak i spełnienie obowiązku publicznego.
Działalność twórcza kompozytora stopniowo dobiegała końca. Jego wypowiedzi na temat muzyki są pełne głębokiego znaczenia. Pokazują wielkiego i mądrego artystę, który myślał szeroko i odważnie, nie podążając za trendami mody. „Żyjąc tak długo jak ja” – powiedział Sibelius – „i obserwując, jak jeden kierunek rodził się za drugim, rozkwitał i umierał, zajmujesz mniej zdecydowane stanowisko. Próbujesz znaleźć dobro tam, gdzie szukasz. Często niemal zdajesz sobie z tego sprawę każda „szkoła” muzyczna ma w sobie coś dobrego. Gdybym był znów młody, ale z obecnym doświadczeniem, myślę na przykład, że byłbym bardziej tolerancyjny wobec Wagnera niż kiedyś myślę, że mój stosunek do Wagnera zależał w dużej mierze od tego, że wszyscy moi przyjaciele, młodsi i starsi, ulegli jego wpływowi, a mimo to nawet dzisiaj stawiam Verdiego ponad Wagnera…”
Na prośbę Jeana Sibeliusa E. Gilels wykonał dwa preludia i fugi Szostakowicza. „Sibelius słuchał z półprzymkniętymi oczami, skupiony, w całkowitym bezruchu. Gdy ucichły dźwięki fortepianu, zamilkł na chwilę, po czym powiedział, wykonując szeroki gest ręką: „To jest muzyka, której się słucha. zaczynasz mieć wrażenie, że ściany tego pokoju się rozsunęły, a sufit stał się wyższy…”
Do końca życia Sibelius (20 września 1957, w dziewięćdziesiątym drugim roku życia) zachował bystry, wnikliwy umysł, wspaniałe poczucie humoru, siłę i wigor fizyczny oraz niezwykłą inteligencję.
Finowie byli idolami swojego wielkiego piosenkarza.
W 1985 roku ustanowiono Międzynarodową Nagrodę im. Jeana Sibeliusa.
Początek działalności kompozytorskiej Sibeliusa zbiegł się z pojawieniem się narodowych szkół muzycznych w krajach europejskich.
Nowa szkoła rosyjska, która dała światu taki genialni artyści- realiści jak Musorgski, Borodin, Rimski - Korsakow, Czajkowski. W Czechach nominowani są wspaniali kompozytorzy Smetana i Dvorak. W Norwegii – Grieg.
Twórczość Sibeliusa również przepojona była duchem narodowym, jednak wyrażał go on inaczej niż jego poprzednicy w Finlandii.
Specyficzny północny smak fińskiego Piosenka ludowa zawsze inspirował Sibeliusa. Jednak, jak już powiedzieliśmy, w swoich utworach kompozytor nie cytował melodii ludowych, potrafiąc oddać ich charakter za pomocą indywidualnych intonacji melodyczno-harmonicznych i cech rytmicznych.
Historia pieśni narodu fińskiego sięga wieków wstecz. We wschodniej części Finlandii powstały wspaniałe pieśni - runy. Runy to pieśni stroficzne, z przewagą metrum trochaicznego (na przemian jedna długa i jedna krótka sylaba), o bogatej, zróżnicowanej melodii, z pewnym wyraźnym rytmem. Najpopularniejsze rozmiary to 5/4 i 7/4. Sztuka runów przetrwała. A dziś, w bardziej odległych rejonach Finlandii, można spotkać piosenkarzy-gawędziarzy, którzy wiele z tych utworów pamiętają na pamięć, uzupełniając je nowymi improwizacjami. Runy znajdujące się w kolekcji „Kalevala” to prawdziwa sztuka ludowa.
Cała plejada utalentowanych kompozytorów fińskich skupiona pod koniec XX wieku wokół Martina Wegeliusa, dyrektora Helsińskiego Instytutu Muzycznego, autora muzyki symfonicznej, fortepianowej i wokalnej oraz kompilatora szeregu dzieł teoretycznych. Byli to Jean Sibelius, Armas Jernefelt, Erkki Melartin i inni.
Rozwój tożsamość narodowa Sibeliusowi sprzyjało także środowisko, w którym się poruszał wczesne lata. Przyjaciele kompozytora, młodzi poeci i pisarze zachęcali Sibeliusa do pracy w obszarze liryzmu wokalnego i muzyki teatralnej. Z tego okresu pochodzi powstanie „Kulervo – Symfonia” w pięciu częściach na dużą orkiestrę, chór i solistów; Fabuła była oparta na kilku odcinkach „Kalevali”.
Za radą swojego przyjaciela R. Cajanusa Sibelius napisał w 1892 r. „Sagę”, poemat symfoniczny na wielką orkiestrę.
W 1893 roku podczas jednego z letnich pobytów w Kuopio w północnej Finlandii Sibelius, zainspirowany epizodem z Kalevali, postanowił napisać operę. Z entuzjazmem zabrał się do pracy i stworzył dużą suitę orkiestrową Lämminkäinen.
Pierwszy wiersz to legenda – „Lämminkäinen i dziewczęta na wyspie Saari”. Treść programowa drugiej legendy – „Lämminkänen in Tuonela” poświęcona jest trzem bohaterskim wyczynom, których dokonuje, by zdobyć rękę ukochanej dziewczyny.
Widzimy, że niemal od samego początku twórczość Sibeliusa zyskała szerokie uznanie opinii publicznej. To uznanie zasług Sibeliusa dla kultury narodowej wyrażało się między innymi w tym, że decyzją Senatu Finlandii w 1897 roku Sibelius otrzymał roczne stypendium, co dało mu możliwość znacznego ograniczenia działalności pedagogicznej.
Sibelius zaczął komponować swoją I Symfonię w wieku 34 lat.
Muzyka dramatyczna zawsze pociągała kompozytora. Ale żadne dzieło Sibeliusa nie było tak rozpowszechnione jak „Smutny Walc” z muzyki do dramatu „Śmierć” Arvida Jernefelta, napisanego w 1903 roku.
Liczne pieśni solowe Sibeliusa stanowią cenny wkład w teksty romantyczne – skomponowane głównie na podstawie tekstów szwedzkich, podobnie jak poeci fińscy w XIX wieku.
Runberg, Rydbeg, Topelius – pisali po szwedzku.
Instrumentem kameralnym najbliższym Sibeliusowi są skrzypce. Do najważniejszych dzieł skrzypcowych Sibeliusa należy jego Koncert na skrzypce i orkiestrę.
Rosyjska społeczność muzyczna głęboko szanuje twórczość wspaniałego fińskiego kompozytora. Jego muzykę słychać stale sale koncertowe miastach i w radiu. W naszym kraju zawsze obchodzone są ważne daty z życia Sibeliusa.
Sibelius napisał ponad 150 utworów fortepianowych, z czego około 115 zostało opublikowanych. Znaczna część z nich nadal stanowi bezbronny cel krytyków. Sam Sibelius bez ogródek mówił, że w wolnych chwilach pisał drobne rzeczy na fortepian, w ramach odskoczni od wielkich spraw orkiestrowych, a fortepianem nie interesował się specjalnie. Jednak już w schyłkowych latach żartobliwie przepowiadał: „ Wiem, że moje utwory fortepianowe mają bezpieczną przyszłość, mimo że całkowicie popadły w zapomnienie – kiedyś staną się tak popularne jak utwory Schumanna„I rzeczywiście wielu pianistów, wśród których Glenn Gould, zadało sobie trud studiowania muzyki fortepianowej Sibeliusa, uznając jej oryginalność i przydatność dla instrumentu. Gould, podkreślając kunszt kompozytora, mówił, że „w dziełach fortepianowych Sibeliusa wszystko jest muzyką, wszystko śpiewa..i co najważniejsze jest znaczącym uzupełnieniem zbyt ograniczonego repertuaru fortepianowego późnego romantyzmu.” Wiele nagrań zbiorów muzyki fortepianowej Sibeliusa pojawiło się w epoce cyfrowej. Fiński pianista Erik Tavaststjerna (ur. 1951), którego ojciec był także pianistą (uczeń Neuhausa, Cortota i badacz twórczości Sibeliusa) nagrał najdokładniejsze z nich na początku lat 80. Według niego „. Wiele dzieł fortepianowych Sibeliusa jest niezwykłych zarówno pod względem formy, jak i materiału muzycznego oraz stylu, który dobrze pasuje do charakteru instrumentu. Jego kompozycje zawierają znaczne trudności techniczne, interesujące dla wykonawcy; faktura jest na ogół melodyjna i kolorowa, co jest interesujące dla słuchacza..."
W stylu kompozytora można wyróżnić kilka okresów. Pierwsza z nich sięga młodości Sibeliusa (1881-1891), kiedy to przejął techniki stylu klasycystycznego i romantycznego. W drugim, „narodowo-romantycznym” okresie (1891-1902) muzyka Sibeliusa stała się bardziej chromatyczna, a kompozytor stworzył interesującą syntezę melodii środkowoeuropejskich z elementami fińskimi. W swoim trzecim, „neoklasycznym” okresie (1908) Sibelius, pozostając pod silnym wpływem romantyzmu i symboliki Kalevali, aktywnie posługiwał się klasycznymi idiomami. W czwartym okresie tzw. „nowoczesnego klasycyzmu” (1908-1919) pisał sonatyny neoklasyczne, pozostając jednocześnie pod dużym wpływem impresjonizmu. Piąty i ostatni aktywny okres twórczy(1919-1929) to czas „uniwersalnego stylu syntetycznego”, który łączył w sobie podstawy tradycji klasycznej, radykalne elementy modernizmu, mistycyzmu, panteizmu i medytacji tonalnej.
W Sześć improwizowanych op. 5 (1890-93)- wczesne, ale dość znaczące pod względem treści dzieło fortepianowe młody kompozytor odnajdujemy, obok wpływów muzyki rosyjskiej, echa podróży Sibeliusa do Karelii, gdzie kolekcjonował tradycyjne fińskie runy. Badacze uważają temat pierwszego improwizacji za „muzyczny symbol Finlandii”. II utwór – taniec trepak z szybką częścią środkową, III – bajeczny, w duchu Griega, IV – melancholijny, oparty na naprzemienności i powtórzeniu dwóch motywów, V utwór – iskrzące arpeggio, napisane jakby na lutnię, harfę lub kantele, ostatnie szóste impromptu - pełen wdzięku walc.
Wspaniały Sonata F-dur op. 12 (1893)- łączy w sobie cechy orkiestrowego i wirtuozowskiego pisarstwa fortepianowego. Pierwszą część otwierają potężne, niemal brucknerowskie brzmienia z echami „Kullervo”, „Sagi” i muzyką „Karelii”. Tremolo i ostinato odgrywają tu znaczącą rolę. W II części sonaty – lirycznej i smutnej – Sibelius wykorzystał melodię niedokończonej pieśni na chór męski, dwukrotnie przerywanej spokojnym tańcem. Burzliwy, zawrotny finał opiera się na przeplataniu się dwóch motywów – ponownie trepaku i tematu lirycznego, zrealizowanych w ogłuszającym forcie. Niezwykły „styl karelski” sonaty Sibeliusa nie ma oczywistego wzorca we współczesnej muzyce akademickiej kompozytora, choć być może znajdzie się w nim coś z Griega i Czajkowskiego.
Dziesięć utworów na fortepian op. 24 (1895-1903) to dość popularne i często wykonywane dzieło Sibeliusa. Kompozytor rozwija tu głównie tradycyjne tradycje romantyczne, a nie wyjątkowy narodowy styl karelski, choć niewątpliwie znaleziska folklorystyczne odcisnęły swoje piętno na tym dziele. Otwarcie cyklu nr 1 – Impromptu przywołuje na myśl Schuberta, niektóre momenty przypominają przyszłe motywy „Smutnego Walca”. Nr 2 - Romans, dramatyczna scena miłosna z orkiestrowymi kulminacjami w stylu Wagnera. Kaprys nr 3 to utwór wirtuozowski, w którym wyraźnie zasłyszano techniki skrzypcowe od Paganiniego. Nr 4 - znowu dramatyczny romans miłosny, Nr 5 - Walc Es-dur w duchu Chopina, Nr 6 - Idylla, która przypomina balladę F-dur Chopina (w środku utworu znajduje się efektowny fragment przedstawiający burzę uczuć i imitację skrzypiec solowych). Nr 7 - wpadający w ucho melodyjny Andantino, Nr 8 - Nokturn z melodią wiolonczeli, Nr 9 - Romans w duchu Liszta, bardzo lubiany przez fińskich pianistów, Nr 10 - Barkarola.
Sześć fińskich pieśni ludowych na fortepian (1902-1903)- bardzo ciekawy przykład przetwarzania melodii ludowych. To chyba jedyne dzieło, w którym Sibelius, który przez całe życie otwarcie przyznawał się do wpływu melodii i modalności pieśni i run ludowych na swoją twórczość, posługiwał się autentycznymi melodiami ludowymi. Kompozytor harmonizuje melodie w taki sposób, aby odejść od stylu romantycznego. Unika dominujących i tradycyjnych cech tonalnych, podkreślając oryginalność melodii.
„Kulliki”, trzy utwory liryczne op. 41 (1904)- opus programowy oparty na „Kalevali”, będącym swego rodzaju dodatkiem do orkiestrowego „Lemminkäinen”. Muzyka „Kulliki” łączy w sobie kalevalski romantyzm Sibeliusa i klasyczne tendencje Beethovena. Pierwsza sztuka ma charakter nieco wojenny, pełen dramatyzmu – opowieść o porwaniu fińskiej piękności Kyllikka Lemminkäinen. Myśliwy porwał ją, a zabierając dziewczynę groził: jeśli dziewczyny Saari powiedzą, kto porwał Kyllikki, wywoła wojnę i zniszczy wszystkich ich mężów i chłopaków. Kyllikki początkowo stawiała opór, ale potem zgodziła się zostać żoną Lemminkäinena i złożyła od niego przysięgę, że nigdy nie pójdzie na wojnę w jej ojczyźnie. Lemminkäinen przysięgła i złożyła wzajemną przysięgę od Kyllikki, że nigdy nie pójdzie do swojej wioski, aby zatańczyć z dziewczynami. Lemminkäinen żył szczęśliwie ze swoją żoną. Któregoś dnia myśliwy poszedł na ryby i został do późna, a tymczasem Kyllikki, nie czekając na męża, poszła do wioski. Drugi przemyślany utwór opowiada o życiu Kyllikki z Lemminkäinenem, a finałem w rytmie polki jest jej odejście od niego.
Dziesięć małych kawałków op. 58 (1909)- utwór o charakterze eksperymentalnym, powstały w okresie aktywnych poszukiwań twórczych kompozytora. Tradycyjne słownictwo romantyzmu uzupełniają tu nowoczesne techniki polifoniczne i harmonie, a nawet dysonanse. Nr 1 „Sen” – francuski tytuł utworu i tempo wyraźnie wskazują na posmak impresjonistyczno-ekspresjonistyczny (Debussy, Skriabin). Nr 2 - wesołe Scherzino. Kompozytor widział w nim obraz Benvenuto Celliniego, co oznacza być może żywy charakter i kapryśność dowcipnego artysty renesansu. Aria nr 3 - zabawne przygody tonalne oparte na suitach Bacha. Nr 4 „Pasterz” to szybki utwór utrzymany w duchu XVIII-wiecznego francuskiego baroku, przypominający przechodnia z Suite de Bergamasco Debussy’ego. Nr 5 „Wieczorem” napisany jest w duchu Schumanna. Za pozorną prostotą utworu kryją się nieprzewidywalne zmiany w kluczowych momentach, nr 6” – Dialog”, nr 7 „W tempie menueta” – zdaniem kompozytora, pełen nostalgicznych snów i „melancholii w stylu minione dni.” nr 8 „Pieśń rybaka”, w której włoski materiał melodyczny łączy się z figurami harfy-arpeggio. Nr 9 – Serenada z trylami skrzypcowymi. Nr 10 „Summer Song” o melodii typu chóralnego – przepełnionego podniosłą, wręcz religijną atmosferą.
Trzy Sonatyny op. 67 (1912)- prace retrospektywne ukazujące zainteresowanie Sibeliusa klasycyzmem, całkiem zgodnym z duchem czasu (pamiętajcie Regera, Busoniego, stylizację francuską). Trudno znaleźć w muzyce tamtych czasów tematy bardziej zwięzłe i szlachetne niż I Sonatina fis-moll z piękną pierwszą częścią, powolnym chorałem Largo i błyskotliwym finałem. Wzorem dla II Sonatyny Es-dur była muzyka Bacha. Ale wizerunki sonaty dalekie są od kubistycznych adaptacji (Bach z nieregularnymi liniami basu, kapryśnymi i łamanymi rytmami itp.), są klasyczne w najprawdziwszym tego słowa znaczeniu - zdrowa polifonia, wyraźne melodie diatoniczne, pełne światła i czystości radość. W dwuczęściowej Sonatinie nr 3 b-moll Sibelius składa hołd zmarłemu Beethovenowi. to ciekawy eksperyment w zakresie formy: przykład wirtuozowskiego przekształcenia i fuzji tematów, wykorzystania technik arpeggio, zdobnictwa i gry rejestrów.
Dwa małe Ronda op. 68 (1912) zbliżone stylistycznie do Sonatin, pisane były także w tonacji neoklasycznej, ale w sposób bardziej swobodny. Pierwsze rondo ma wspaniałe aspiracje nawiązujące do walców Liszta, drugie opiera się na wesołym rytmie polki i zawiera kilka ostrych dysonansów w duchu Poulenca i Prokofiewa.
10 Bagateli op. 34 (1913-16) I Utwory liryczne op. 40 (1912-16) razem tworzą coś w rodzaju albumu dla młodych ludzi. Są to utwory salonowe, dość proste, bardzo melodyjne i przyjemne dla ucha, będące hołdem dla pianistyki Chopina, Schumanna, Liszta i Czajkowskiego. W op.34 ciekawy jest nr 2 - urocza stylizacja gawota, oryginalny utwór nr 8 "Harfista" w duchu poematu "Bard" - subtelna praca z arpeggio, nr 9 "Spowiedź" - stylizacja w duchu Schumanna. W Utworach lirycznych ciekawy jest nr 4 – taniec w duchu rokoka, nr 5 Kołysanka – melodyjna perła cyklu, nr 7 Rondetto – polka wiedeńska w umiarkowanym tempie, nr 10 – uroczysta i uroczysty polonez.
Cztery utwory liryczne op. 74 (1914)- zbiór pięknych programowych sztuk poetyckich naznaczonych wpływem Francuski impresjonizm. 1. – „Eclogue” czerpie inspirację z klasycznej starożytności i czystej niewinności klasycyzmu. Spektakl nr 2 – „Tender West Wind” swoim klimatem przypomina kompozycje Debussy’ego i Ravela. 3 miejsce - „Na tańcu”, 4 miejsce - „W starym domu”.
Pięć utworów op. 75 (1914-19) „Drzewa” - jeden z najlepszych przykładów wrażliwej, panteistycznej percepcji kompozytora, który przyznał, że „drzewa do niego mówią”. Nr 1 – „When the Rowan Blossoms” to emocjonujące liryczne wprowadzenie w duchu Czajkowskiego. Nr 2 „Lone Pines” sprawia wrażenie absolutnego męstwa, jako symbol odporności Finlandii na lodowaty wiatr ze wschodu. Nr 3 „Aspen” tchnie tajemnicą impresjonizmu. Nr 4. „Brzoza” - ulubione drzewo Finów, oryginalne dzieło w stylu miksolidyjskim. Nr 5. „Świerk” – jeden z niekwestionowanych przebojów Sibeliusa, powolny walc porównywalny pięknem do Walca Smutnego. Szybkie arpeggia brzmią naprawdę niesamowicie.
Pięć utworów op. 85 (1916-17) nosi podtytuł „Kwiaty”. Każdy fragment cyklu, nacechowany powagą i poezją, poświęcony jest konkretnemu kwiatowi: nr 1 „Stokrotka”, nr 2 – „Goździk”, nr 3 – „Irys”, nr 4 – „Zlewnia” ( Aquilegia), nr 5 – „Dzwon” – jasny, błyszczący finał.
13 sztuk, op. 76 (1911-19)- ponownie zbiór prostych miniatur, niektóre z nich cieszą się dużą popularnością wśród pianistów (nr 2 - Etiuda, nr 9 - Arabeska, nr 11 - Linnea (kwiat), nr 12 - Capriccietto, nr 13 - Arlekinada) .
Sześć utworów op. 94 (1914-1919), Sześć Bagateli op. 97 (1920) i Osiem krótkich utworów op. 99 (1922)- ciekawe cykle, w których Sibelius zbliża się do francuskiej estetyki stylizacji, wykazując pokrewieństwo z Satie i Poulencem, częściowo z Prokofiewem z jego dziarskimi gawotami i marszami. Sztuki pisane pod wpływem baletu francuskiego i neoklasycyzmu przywodzą na myśl salonowe dzieła Beethovena, Schumanna, Brahmsa, Griega i innych klasyków.
Ostatnie dzieła fortepianowe Sibeliusa charakteryzują się subtelną i wyrafinowaną fakturą, motywami kultu fińskiej natury i orkiestrową brzmieniowością, nawiązującą do jego ostatnich symfonii.
Pięć utworów romantycznych op. 101 (1923-1924): Nr 1 - Romans, którego harmonie są odważniejsze niż we wcześniejszych utworach. Nr 2 – „Pieśń wieczorna” i nr 3 – „Sceny liryczne” – obrazy muzyczne w tonacji melodycznej VI Symfonii. Nr 4 - Humoreska w rytmie mazurka, Nr 5 - „Sceny romantyczne” nawiązuje do opusów fortepianowych Fauré.
Pięć charakterystycznych wrażeń op. 103 (1924)- przykład potężnej pianistyki orkiestrowej Sibeliusa, swym rozmachem bliskim VII Symfonii. Utwór nr 1. „Kościół wiejski” powstał na podstawie utworu Andante Festivo na kwartet smyczkowy Sibeliusa (1922). Technika kompozytorska wykazuje podobieństwa do preludiów Debussy'ego, zwłaszcza w sekcji arpeggio. Nr 2. „Skrzypek” to stylizacja muzyków ludowych grających muzykę. Nr 3 „Wioślarz” to utwór diatoniczny w duchu VII symfonii, nr 4 „Burza” można nawiązać do muzyki do „Burzy” Szekspira, którą napisał później Sibelius. Nr 5 „W nastroju żałobnym” – marsz żałobny w miniaturze.
Pięć szkiców op. 114 (1929)- Ostatnie dzieło Sibeliusa na fortepian jest mistrzowskim pożegnaniem z instrumentem. Kompozytorowi udało się odnaleźć tu nowe aspekty, nowy rodzaj brzmienie pianistyczne, bliskie jego dziełom orkiestrowym. Pięć panteistycznych impresji natury ukazuje styl zmarłego Sibeliusa czysta forma i zawierają ciekawe innowacje tonalne i harmoniczne. Opus ukazał się po raz pierwszy dopiero w 1973 roku. Nr 1. Pejzaż – delikatny delikatność tworzą tu proste elementy melodyczne. Nr 2. „Winter Place” - naprzemienny tryb joński i eolski, połączenie słodyczy i kwaśności, radości i smutku. Nr 3 „Leśny Staw” opiera się na improwizacji modalnej w trybie doryckim. Nr 4 „Pieśń w lesie” – niekończąca się piosenka o wieczności lasu. Tutaj Sibelius demonstruje nowoczesne i ekscytujące techniki tonalne. Nr 5. „Wizje na wiosnę” – ulotny obraz, ponownie połączenie trybu miksolidyjskiego i cech harmonii jońsko-eolskiej, technika Sibeliusa zachwyca tutaj niesamowitą plastycznością.
Pierwszorzędna wiedza Sibeliusa na temat instrumentu jest widoczna w wielu transkrypcje fortepianowe dzieła orkiestrowe, które stworzył kompozytor - wśród nich „Karelia”, „Finlandia”, słynny Walc Smutny, poematy i suity symfoniczne, muzyka teatralna, aranżacje pieśni, w tym „Melodia dzwonu kościoła Kallio”, którą zna każdy mieszkaniec Helsinek .
Oryginalne utwory na fortepian:
Sześć improwizacji op. 5 (1890-93)
Sonata F-dur op. 12 (1893)
Dziesięć utworów op. 24 (1894-1903)
Sześć fińskich pieśni ludowych (1902-1903)
Küllikki, trzy utwory liryczne op. 41 (1904)
Dziesięć utworów op. 58 (1909)
Trzy Sonatyny op. 67 (1912)
Dwa małe Ronda op. 68 (1912)
Dziesięć Bagateli op. 34 (1913-1916)
Utwory liryczne, 10 utworów op. 40 (1912-1916)
Cztery utwory liryczne (1914) op. 74
Pięć utworów op. 75 „Drzewa” (1914-1919)
Pięć utworów op. 85 „Kwiaty” (1916-1917)
Trzynaście utworów (1911-1919) op. 76
Sześć utworów op. 94 (1914-1919)
Sześć Bagateli op. 97 (1920)
Osiem krótkich utworów op. 99 (1922)
Pięć utworów romantycznych op. 101 (1923-1924)
Pięć charakterystycznych wrażeń op. 103 (1924)
Pięć szkiców op. 114 (1929)
Transkrypcje fortepianowe utworów orkiestrowych:
Karelia, suita op. 11 (1893)
Leśna nimfa op. 15 (1894)
Finlandia, op.26 (1899)
Król Chrystian II, od muzyki do sztuki A. Pauli (1898)
Dwie pieśni op. 31 (nr 2,3) (1899-1904)
Walc smutny, z muzyki do dramatu A. Järnefelta op. 44 (1903)
Peleas i Mélisanda, od muzyki do sztuki M. Maeterlincka (1905)
Uczta Belszaccara, od muzyki do dramatu J. Procope'a op. 51 (1906)
Driada, op.45, nr. 1 (1910)
Taniec intermezzo op. 45, Nie. 2 (1910)
Melodia dzwonkowa kościoła Kallio, op. 65b (1912)
Scaramouche, z muzyki do baletu pantomimy op. 71 (1913)
Marsz fiński op. 91a (1918)
Marsz Szkocki op. 91b (1918)
Trzy utwory op. 96 (1920)
Mała Suita op. 98a (1921)
Suita wiejska op. 98b (1921)
Suita gatunkowa op. 100 (1922)
Burza, od muzyki do sztuki Williama Szekspira op. 109 (1930)
Jan Sibelius (1865-1957)
Kompletna oryginalna muzyka fortepianowa
Erik Tawaststjerna, fortepian
Tom. 1
Kyllikki, Trzy utwory liryczne, Op. 41
1. I. Largamente. Allegro
2. II. Andantino
3.III. Komodo
6 Impromptus op. 5
4. I. Moderato
5. II. Lento – Vivace
6. III. Moderato (wszystkie Marcia)
7. IV. Andantino
8. V. Vivace
9.VI. Komodo
Sonata fortepianowa F-dur op. 12
10. I. Allegro molto
11. II. Andantino
12.III. Vivacisimo
6 fińskich pieśni ludowych
13. I. Minun kultani
14.II. Rakastan Sydamestański
15.III. Ilta tulee, ehtoo joutuu
16. IV. Tuopa tytto, kaunis tytto kanteletta soittaa
17. V. Velisurmaaja
18.VI. Haamuistelma
Tom. 2
10 utworów na fortepian op. 24
1. I. Improwizacja
2. II. Romans w A-dur
3.III. Kaprys
4. IV. Romans d-moll
5. V. Walc
6.VI. Idylla
7.VII. Andantino
8. VIII. Nokturn
9. IX. Romans Des-dur
10. X. Barkarola
10 Bagateli op. 34
11. I. Valse
12.II. Taniec powietrza
13.III. Mazurek
14.IV. Dwuwiersz
15. V. Boutade
16.VI. Zaduma
17.VII. Pastoralny taniec
18. VIII. Joueur de harpe
19. IX. Rekonesans
20. X. Pamiątka
Tom. 3
10 utworów op. 58
1. I. Zaduma
2. II. Scherzino
3.III. Różnorodność powietrza
4. IV. Le Bergera
5. V. Le soir
6.VI. Dialog
7.VII. Tempo menu
8. VIII. Śpiewaj du pecheur
9. IX. Serenada
10. X. Chant d'ete
10 myśli lirycznych op. 40
11. I. Valsette
12.II. Śpiewaj bez zwolnienia warunkowego
13.III. humorystyczny
14.IV. Menuetto
15. V. Berceuse
16.VI. Melodyka Pensee
17.VII. Rondoletto
18. VIII. Scherzando
19. IX. Drobna serenada
20. X. Polonais
Tom. 4
Fortepian Sonatina fis-moll op. 67, nr 1
1. I. Allegro
2. II. Largo
3.III. Allegro umiarkowane
Fortepian Sonatina E-dur op. 67, nr 2
4. I. Allegro
5. II. Andantino
6. III. Allegro
Fortepian Sonatina h-moll op. 67, nr 3
7. I. Andante. Allegro umiarkowane
8. II. Andante – Allegro
2 Rondiny op. 68
9. I. Rondino gis-moll
10. II. Rondino cis-moll
4 utwory liryczne op. 74
11. I. Ekloge
12.II. Sanftera Westwinda
13.III. Auf dem Tanzvergnugen
14.IV. Jestem innym Heimem
13 utworów op. 76
15. I. Esquisse
16.II. Etiuda
17.III. Kurant
18.IV. humorystyczny
19. V. Pocieszenie
20.VI. Romanzetta
21.VII. Afektywny
22. VIII. Kawałek enfantyny
23. IX. Arabeska
24. X. Elegiaco
25.XI. Linnea
26.XII. Capriccietto
27.XIII. Arlekinada
Tom. 5
5 utworów op. 75, „Drzewa”
1. I. Kiedy jarzębina zakwitnie
2. II. Samotna Sosna
3.III. Aspen
4. IV. Brzoza
5. V. Świerk
5 utworów op. 85, „Kwiaty”
6. I. Bellis
7. II. Oeilleta
8.III. Irys
9. IV. Akwileja
10. V. Dzwonek
11. Mandolinato, bez op., 1917
12. Do tranaden (Do tęsknoty), bez op., 1913
13. Spagnuolo, bez op., 1917
6 utworów op. 94
14. I. Taniec
15.II. Nowela
16.III. Sonet
17. IV. Berger i Bergerette
18. V. Melodia
19.VI. Gawot
6 Bagateli op. 97
20. 1. Humoreska I
21. 2. Kłamał
22. 3. Kleinera Walzera
23. 4. Humoristischer Marsch
24. 5. Improwizacja
25. 6. Humoreska II
Tom. 6
8 utworów na fortepian op. 99
1. I. Utwór humorystyczny
2. II. Esquisse
3.III. Pamiątka
4. IV. Zaimprowizowany
5. V. Kuplet
6.VI. Animos
7.VII. Chwila wartości
8. VIII. Mały marsz
5 utworów na fortepian op. 101
9. I. Romans
10. II. Chant de soir
11.III. Scena liryczna
12. IV. humorystyczny
13. V. Scena romantyczna
5 utworów na fortepian op. 103
14. I. Kościół wiejski
15.II. Skrzypek
16.III. Wioślarz
17.IV. Burza
18. V. W żałobnym nastroju
19. Morceau Romantique sur un motyw M. Jacoba de Julin, 1929
20. Kavaljeren, bez op., 1909
5 Esquisses op. 114
21. I. Krajobraz
22. II. Scena zimowa
23.III. Jezioro Leśne
24. IV. Piosenka w Las
25. V. Wiosenna wizja
tom. 1
Suita Karelia op. 11 (oprac. na fortepian)
1. I. Intermezzo
2. II. Ballada
3. Nimfa leśna op. 15 (oprac. na fortepian)
4. Finlandia, op. 26 (oprac. na fortepian)
Król Chrystian II, op. 27 (opracowanie na fortepian)
5. I. Elegia
6.II. Menuet
7. III. Musette
8. Har du mod (Masz odwagę), op. 31, Nie. 2 (opracowanie na fortepian)
9. Atenarnes zaśpiewał (Pieśń Ateńczyków) op. 31, Nie. 3 (oprac. na fortepian)
10. Valse Triste op. 44 (oprac. na fortepian)
11. Driada op. 45, Nie. 1 (oprac. na fortepian)
12. Taniec-Intermezzo op. 45, Nie. 2 (oprac. na fortepian)
Peleas i Melisanda op. 46 (oprac. na fortepian)
13. Nie. 1: Preludium do aktu I, scena 1, Na zamku - Brama
14.Nie. 2: Preludium do aktu I, scena 2, Melisanda
15.Nie. 3: Preludium do Aktu II Scena 1, Wiosna w parku
16.Nie. 4: Piosenka z aktu III, scena 2, 3 ślepe siostry
17. Nie. 5: Melodramat w akcie III, scena 4, Pastorale
18. Nie. 6: Preludium do aktu III, scena 1, Melisanda przy kołowrotku
19. Nie. 7: Preludium do Aktu IV Scena 1, Entr”acte
20. Nie. 8: Preludium do aktu V, scena 2, Śmierć Melisandy
tom. 2
Uczta Belszazara op. 51 (oprac. na fortepian)
1. I. Procesja orientalna
2. II. Samotność
3.III. Nokturn
4. IV. Taniec Khadry
5. Melodia dzwonkowa kościoła w Berghall op. 65b (oprac. na fortepian)
Scaramouche, op. 71 (oprac. na fortepian)
6. I. Danse elegiaque
7. II. Scena miłosna
8. Fiński Marsz Jäger op. 91a (oprac. na fortepian)
9. Marsz Harcerski op. 91b (oprac. na fortepian)
3
Kawałki op. 96 (oprac. na fortepian)
10. I. Valse lyrique
11. II. Autrefois
12.III. Walez chewalereskowy
Suita Mignonne op. 98a (oprac. na fortepian)
13. I. Mała scena
14.II. Polka
15.III. Epilog
Suita Champetre op. 98b (oprac. na fortepian)
16. I. Charakterystyka utworu
17. II. Melodia elegijna
18.III. Taniec
Suita charakterystyczna op. 100 (oprac. na fortepian)
19. I. Vivo
20. II. Lento
21.III. Komodo
Burza, op. 109 (oprac. na fortepian)
Odcinek 22
23. II. Scena
24.III. Taniec nimf
Okładki
http://files.mail.ru/FMGPD9
Dodany
Młodzież pracuje na fortepianie
Produkcja młodzieżowa na fortepian solo, tom 1
1. Scherzo E-dur z Triem e-moll JS 134K1a 2"34
2. Con moto, semper una corda Des-dur (1885), JS 52 3"34
Trzy kawałki (1885)
3. Andante Es-dur, JS 74 3"00
4. Menuetto a-moll, JS 5 1"16
5. Tempo di valse A-dur JS 2 0"55
6. Scherzo E-dur z Triem a-moll, JS 134K1b 2"04
11 Wariacje na temat formuły harmonicznej D-dur (1886)
7. Indeks 1 - 11 10"12
Katalog tematów, 50 krótkich utworów (1887)
8. Indeks 1 - 10 1"26
9. Indeks 11 - 20 1"39
10. Indeks 21 - 30 2"10
11. Indeks 31 - 40 4"18
12. Indeks 41 - 50 5"52
Tranaden (Suckarnas Myster) (Tęsknota – Tajemnica Westchnień)
13. Wiersz: Tvenne lagar styra menniskolifvet… - Fortepian:Largo - Andante 5"13
14. Wiersz: Ser du hafvet?… - Fortepian: Andantino 4"19
15. Wiersz: Hor du vinden?… - Fortepian: Molto allegro - Andante - Adagio cantabile 4"08
16. Wiersz: Hvad ar varen?… - Fortepian: Allegro - Andantino - Moderato 2"44
17. Wiersz: Menska, vill du lifvets vishet lara… - Fortepian: Largo 3"03
18. Andante Es-dur (1887), JS 30a 4"02
19. Aubade As-dur (1887), JS 46 2"48
20. Au crepuscule (O zmierzchu) fis-moll (1887), JS 47 1"52
Pięć krótkich utworów (1888)
21. Tempo di menuetto fis-moll 0"24
22. Allegro E-dur 0"27
23. Moderato f-moll 0"57
24. Vivace Es-dur 0"16
25. Andantino C-dur 1"17
Trzy krótkie kawałki (1888)
26. Andantino H-dur, JS 44 1"22
27. Allegretto b-moll, JS 18 1"02
28. Allegro f-moll 0"43
Produkcja młodzieżowa na fortepian solo, tom 2
Trzy Walce (1888)
1. Walc E-dur 1"03
2. Piu lento - Tempo di valse Es-dur JS 150 3"19
3. Walc, Fragment f-moll 0"31
Dwa kawałki (1888)
4. Andantino E-dur, JS 41 1"59
5. Dwa szkice, Presto a-moll, JS 6 1"00
2 sztuki (1888)
6. Allegretto g-moll, JS 24 0"49
7. Moderato – Presto d-moll, JS 133 1"30
8. Allegro, Fragment E-dur (1888) 0"18
Trzy części sonatowe (1888)
9. Largo A-dur, JS 117 4"07
10. Vivace d-moll, JS 221 2"36
11. Adagio D-dur, JS 11 4"04
12. Trzy wystawy fug d-moll (1888-89) 1"35
13. Polka Es-dur JS 75 (1888-89) 1"08
Florestan. Suita na fortepian JS 82 (1889)
14. I. Moderato 1"33
15.II. Średnio 2"23
16.III. Andante 4"06
17.IV. Tempo I 2"04
18. Allegretto E-dur JS 21 (1889) 1"33
19. Walec. A Betsy Lerche As-dur JS 1 (1889) 3"48
20. Sekcja ekspozycji i opracowania Sonaty Allegro d-moll (1889) 6"51
Fragmenty Sonaty dla Beckera 1889 J.S.
21. Dwa szkice sonatowe 0"47
22. Jedenaście szkiców sonatowych 2"17
23. Sonata Allegro Ekspozycja f-moll, JS 179a 4"04
24. Sonata Allegro Ekspozycja C-dur, JS 179b 1"29
25. Sonata Allegro E-dur, JS 179c 5"00
26. Sonata Allegro Ekspozycja c-moll, JS 179d 3"38
27. Polka, Fragment e-moll (1890-92) 0"21
28. Mazurek, Szkic d-moll (1891-94) 0"23
29. Scherzo fis-moll JS 164 (1891) 1"44
Folke Grasbeck, fortepian
http://files.mail.ru/H4NQR0
ape+cue / 2CD z książeczkami
Jana Sibeliusa
Finlandia / Kompozytor / Późny romantyzm, cechy neoklasyczne / Główne gatunki: muzyka symfoniczna, koncerty
Jean Sibelius miał zaszczyt stać się symbolem swojego kraju. Naród fiński uhonorował mistrza za jego życia takimi zaszczytami, jakie otrzymują tylko nieliczni kompozytorzy. Sibelius to postać tak wielka, prawdziwa bryła, że można o nim pisać bez końca. Muzyka Sibeliusa jest holistyczna i oryginalna. Wygląda na to, że jest dosłownie wyrzeźbiony z granitowego kamienia.
Sibelius żył długo i przeszedł trudną ścieżkę twórczą, stając się główną postacią muzyczną. Wszystko w jego osobowości jest bardzo skomplikowane. Wiadomo, że był to pan z charakterem, czasem porywczy, nieprzewidywalny i bardzo osobliwy. Geniusz jednym słowem. On, będąc narodowym fińskim kompozytorem, głównym bohaterem kraju, którego twarz widniała na banknocie 100 koron fińskich (ile mamy kompozytorów na pieniądzach?), sam nie był Finnem ze względu na narodowość. Sibelius jest etnicznym Szwedem i mówił głównie po szwedzku. Jednakże w Finlandii obowiązują dwa języki urzędowe.
Jego pełne imię i nazwisko to Johan Christian Julius Sibelius. W kręgu rodzinnym jest to po prostu Janne. To dość popularne imię w Skandynawii. Jednak później nazwał siebie „Jeanem” po francusku, a na całym świecie znany jest właśnie jako Jean Sibelius. W Rosji uparcie nazywają go Jean Sibelius. Taka jest tradycja.
Mówiąc o Sibeliusie, nie sposób nie wspomnieć o związkach kompozytora z Rosją. Urodził się i mieszkał na terytorium Wielkiego Księstwa Finlandii, będącego wówczas częścią Imperium Rosyjskiego. W rzeczywistości był on poddanym rosyjskim aż do 1917 r., kiedy to Włodzimierz Iljicz Lenin dekretem przyznał Finlandii niepodległość. Sibelius aktywnie utrzymywał kontakty twórcze z kompozytorami rosyjskimi. Wielu badaczy zauważyło związek między pierwszymi symfoniami Sibeliusa i Borodina. W 1906 r. Sibelius odwiedził Petersburg, dyrygując swoim poematem symfonicznym „Córka Północy”. Wiadomo, że przyjaźnił się z Mikołajem Rimskim-Korsakowem i Aleksandrem Głazunowem, z którymi łączyła go nie tylko miłość do muzyki, ale także szczególne zamiłowanie do mocnych trunków.
Jednak Sibelius jest najdłużej żyjącym kompozytorem. Żył prawie sto lat. Kompozytor zmarł w 1957 roku w wieku dziewięćdziesięciu trzech lat. W fińskim mieście Turku znajduje się Muzeum Sibeliusa. Muzeum to powstało dzięki staraniom Otto Anderssona, profesora etnologii i muzykologii Akademii Abo, który zebrał informacje o kompozytorach i muzyce, a w 1928 roku przekazał miastu kolekcję instrumentów muzycznych. W latach trzydziestych muzeum pozyskało rękopisy Jeana Sibeliusa oraz szczegółowe informacje o życiu i twórczości kompozytora, których dostarczył przyjaciel Sibeliusa, Adolf Paum. Już w 1949 roku Sibelius zgodził się na zmianę nazwy muzeum, zwanego Zbiorami Muzyczno-Historycznymi Akademii Abo, na jego cześć.
Twórczość Sibeliusa ma silny związek z folklorem fińskiej ziemi. Kompozytor zawsze interesował się wszystkim, co fińskie, a zwłaszcza językiem fińskim. Odkrył Sibelius tajemniczy świat„Kalevala”: „ Myślę, że Kalevala jest bardzo nowoczesna. Moim zdaniem to sama muzyka: temat i wariacje" Pracując nad poematem symfonicznym Kullervo, Sibelius poznał przebywającego wówczas w Porvoo słynnego gawędziarza Larina Paraske. Autentyczne wykonanie run i lamentów wpłynęło nie tylko na tematykę Kullervo, ale także na ukształtowanie się własnego języka muzycznego Sibeliusa. Dla Finlandii Sibelius to jednocześnie Glinka, Czajkowski i Prokofiew w jednym.
Na początku swojej kariery kompozytorskiej Sibelius zajmował się przede wszystkim dziełami kameralnymi. Podczas studiów w Wiedniu zapoznał się z muzyką symfoniczną swoich współczesnych i coraz bardziej nasycał się urokiem orkiestry. W 1899 roku napisał swoją Pierwszą Symfonię. Zwrócenie się ku temu gatunkowi doprowadziło Sibeliusa do ideału muzyki absolutnej. W I Symfonii, podobnie jak w II, napisanej w 1902 roku, współcześni rzucili się, by usłyszeć cechy walki o niepodległość narodową. Tym samym Sibelius i jego muzyka stali się symbolem ruchu narodowego. Sam Sibelius nie miał nic przeciwko temu.
II Symfonia cieszy się powszechnym uznaniem i popularnością na całym świecie. Pierwsza część jest spokojna, można powiedzieć duszpasterska. Jednocześnie jest w niej jakaś naturalna siła, coś prawdziwego, autentycznego. I nie sposób tego nie usłyszeć. Druga część symfonii ukazuje inny nastrój. Muzyka przenika mrok, który później stał się znakiem rozpoznawczym stylu Sibeliusa. To bardzo piękna, wyrazista muzyka. W finale utworu słychać wpływ szkoły rosyjskiej, pojawiają się analogie z Czajkowskim i Głazunowem. Sibelius tak opowiadał o swoim podejściu do barwy barw: „Nigdy nie byłam prawnie zamężna z orkiestrą, zawsze byłam jego kochanką…”
Co ciekawe, Sibeliusa często porównuje się do Mahlera. Są prawie w tym samym wieku, chociaż Sibelius przeżył Mahlera o 40 lat. W 1907 roku Gustav Mahler przyjechał z koncertami do Helsinek. Spotkali się i rozmawiali. Sibelius entuzjastycznie powiedział Mahlerowi: „Podziwiam Twoje symfonie. Głęboka logika symfonii jako gatunku wymaga wewnętrznej jedności wszystkich jej tematów. Na co Mahler odpowiedział stwierdzeniem całkowicie odwrotnym w swej idei: „ Symfonia powinna być jak świat: wszystko powinno się w niej zmieścić.” Mahler, będący jednym z najwybitniejszych dyrygentów swoich czasów, nigdy nie dyrygował dziełami swojego kolegi.
Życie Sibeliusa było tragiczne. Już w latach dwudziestych kompozytor zarysował pewne cechy przyszłego poważnego kryzysu. Pierwsza wojna światowa była dla Sibeliusa trudnym okresem. Od jego niemieckiego wydawcy, Breitkopf & Hartel, nie otrzymano żadnych tantiem. Dla Sibeliusa oznaczało to biedę. Aby w jakiś sposób utrzymać rodzinę, zmuszony był komponować pieśni i utwory na fortepian. Sam Sibelius nazwał takie dzieła „pracami kanapkowymi”. Oto, co napisał w 1927 roku, właśnie skończył 61 lat: „Izolacja i samotność prowadzą mnie do rozpaczy. Alkohol pomaga mi przetrwać. Jestem samotny i upokorzony”.
Sibelius, jak wielu kompozytorów, marzył o napisaniu IX Symfonii. Dla wielu kompozytorów dziewięć to święta liczba. Beethoven, Schubert, Bruckner, Mahler, a nawet Ralph Vaughan Williams starali się osiągnąć tę liczbę. Sibelius nie był w stanie nawet ukończyć ósmego. Już pisząc VI Symfonię zauważył: „Praca nie toczy się teraz z taką samą szybkością jak wcześniej, a samokrytyka przekracza wszelkie granice”. Wiadomo, że Sibelius skrupulatnie pracował nad powstaniem VIII Symfonii aż do 1943 roku. Z efektu najwyraźniej nie był zadowolony i pod koniec lat 40. XX w. kompozytor spalił szereg utworów. Stało się to niepodważalnym dowodem tajemniczego „milczenia Järvenpää”. Głównym arcydziełem miała stać się VIII Symfonia. Nawiasem mówiąc, planowano tam chór. Dręczony głębokim kryzysem twórczym Sibelius zakończył karierę kompozytorską na ponad trzydzieści lat przed końcem życia. Przez cały ten czas świat muzyczny oczekiwał od niego nowych dzieł, zwłaszcza VIII Symfonii, o której tyle mówiono, ale oczekiwania się nie spełniły. Ostatnie lata życia spędził praktycznie w twórczej ciszy i rozpaczy.
Zagadka Sibeliusa nie jest łatwa do rozwiązania. Chociaż jest to kompozytor dziwny, z pewnością jest wielki. Jego muzyka działa jak napar z tajemniczych ziół. To tak, jakbyś pił i nie wiedział, jak to się skończy – zabawa, smutek, zapomnienie, a może śmierć.
Najpopularniejszym i najczęściej wykonywanym dziełem Sibeliusa jest małe arcydzieło „Smutny walc” (Valse triste). Być może nie wszyscy wiedzą, że to tylko część muzyki do dramatu A. Järnefelta „Śmierć” (Kuolema). Główny bohater dramatu Paavali jest przekonany, że śmierci nie ma. Jednak przez cały spektakl jego najbliżsi opuszczają ten świat jeden po drugim: śmierć zabiera mu matkę, żonę, dzieci i zmusza Paavaliego do pokornego ukłonu przed jej władzą. Muzyka do „Sad Waltz” ilustruje następujący obraz: syn stoi nocą przy łóżku umierającej matki i widzi zbliżającą się do łóżka Śmierć.
Śmierć samego Jeana Sibeliusa owiana jest tragiczną tajemnicą. Mistrz zmarł w Ainoli dokładnie w chwili, gdy w sali uroczystości Uniwersytetu Helsińskiego wykonywano jego V Symfonię, uważaną za najbardziej podnoszącą na duchu ze wszystkich jego dzieł.
Spotkanie z amatorem:
Flickr.com/Piers Cañadas / Pomnik Sibeliusa w Helsinkach. Autor: Eila Hiltunen.
Jean Sibelius, najsłynniejszy fiński kompozytor, to jeden z najwybitniejszych autorów symfonii i poematów symfonicznych XX wieku, a także całej historii muzyki. Sibelius ma szczególne znaczenie jako kompozytor narodowy, który w swoich utworach odwoływał się do fińskich mitów, historii, a także natury. Pomimo swego szanowanego stanowiska, Sibelius podczas swojego ścieżka twórcza doświadczyło trudności finansowych.
Jean Sibelius to najbardziej znany i szanowany fiński kompozytor, jeden z najwybitniejszych autorów symfonii i poematów symfonicznych XX wieku, a właściwie całej historii muzyki. W niektórych krajach europejskich Sibelius uważany jest jedynie za kompozytora fińskiego, kompozytora swojej ojczyzny, przedstawiciela narodowego romantyzmu.
Rzeczywiście, rzadko zdarza się kompozytorowi, któremu udało się tak skutecznie przedstawić w swoich dziełach mity własnego narodu, jego historii i natury. Sibelius jest twórcą muzyki fińskiej, jego muzyka odegrała ważną rolę w procesie ustanawiania niepodległej Finlandii. Jednak po drugiej wojnie światowej coraz powszechniejsza była tendencja do postrzegania Sibeliusa także jako modernisty i innowatora, którego wielkoformatowe dzieła orkiestrowe w swoich rozwiązaniach kompozycyjnych i fakturalnych mogły służyć jako przewodnik nawet dla kompozytorów końca XX wieku.
Dzieciństwo w Hämeenlinna, Loviisa i Turku
Narodziny Sibeliusa w 1865 roku przypadły na najbardziej dogodny moment. Finlandia, której wielowiekowe powiązania ze Szwecją zostały zerwane w 1809 roku, szukała teraz własnej tożsamości narodowej w ramach Imperium Rosyjskiego. Rozpoczął się rozwój ich języka i kultury. W 1882 roku Martin Wegelius założył Helsińską Szkołę Muzyczną i w tym samym roku pod przewodnictwem Roberta Kajanusa rozpoczęło swoją działalność Towarzystwo Orkiestry Helsińskiej (później Helsińskiej Filharmonii). W ten sposób narodziły się kluczowe instytucje życia muzycznego. Jednak stanowisko twórcy muzyki fińskiej pozostało wolne.
Johan Christian Julius Sibelius, w kręgu rodziny Janne, urodził się w Hämeenlinna, w małym miasteczku garnizonowym, w którym jego ojciec Christian Gustav Sibelius pracował jako lekarz miejski i wojskowy. Mój ojciec miał doktorat z medycyny, ale miał charakter bohemy. Tym samym, gdy matka Sibeliusa, Maria, po krótkim małżeństwie (1862–1868), została wdową (chrześcijańską
Sibelius zmarł na dur brzuszny), pozostawiony przez niego spadek składał się głównie z niezapłaconych rachunków. Maria przeprowadziła się z dziećmi z powrotem do matki. Janne, który w wieku trzech lat stracił ojca, dorastał w żeńskim środowisku. To małe miasteczko nie byłoby w stanie zapewnić dobrych możliwości edukacyjnych, gdyby język fiński nie został odkryty w Hämeenlinna w 1876 roku dzięki ruchowi fennofilskiemu. Liceum, gdzie trzy lata później Janne został wysłany na naukę. On stał się dwujęzyczny i już w młodym wieku, oprócz dzieł J.L. Runeberg i C. Topelius, napisane w języku szwedzkim, znali Kalevalę i dzieła Alexisa Kivi. W programie głównym znalazła się także literatura starożytna, która wywarła decydujący wpływ na jego rozumienie sztuki.
Muzyka zawładnęła Sibeliusem już we wczesnym dzieciństwie. W przeciwieństwie do I.S. Bacha i V.A. Mozart nie należał oczywiście do muzycznej rodziny, chociaż jego ojciec uwielbiał śpiewać popularne piosenki K.M. Bellmana i szwedzkie pieśni studenckie Wennerberga przy akompaniamencie lutni, a jego matka umiała trochę grać na klawesynie. Ze strony matki można znaleźć przodka żyjącego w XVII wieku, vochta koronnego Jakoba Hartmanna, od którego wywodzą się inne wybitne postacie w historii muzyki Finlandii, w szczególności A.G. Ingelius, autor pierwszej fińskiej symfonii, Martin Wegelius, Aino Akte i Heikki Suolahti (1920–1936), utalentowany młody kompozytor, który zmarł w wieku 16 lat.
Poza tym ze strony ojca był jeszcze daleki przodek żyjący w XVII w., kupiec Jakub Dannenberg. Od niego wywodzą się kompozytorzy Ernst Fabricius (1842–1899) i Ernst Milk (1877–1899), a także muzykolog Ilmari Krohn (1867–1960).
Sibelius zaczął pobierać pierwsze lekcje gry na fortepianie w wieku siedmiu lat u swojej ciotki Julii. Już wtedy swobodna improwizacja miała pierwszeństwo przed ćwiczeniami palców. Na jednym z wieczorów rodzinnych zaprezentował swoją improwizację „Życie cioci Eweliny w notatkach”. Pierwszy własny skład sięga około 1875 roku, kiedy Janne sporządził zapis nutowy do „Krople wody na skrzypce i wiolonczelę”. Nie było to wczesne stworzenie genialnego dziecka, ale i tak udowodniło, że miał już o tym pojęcie podstawy kompozycji klasycznej. To bardzo orientacyjne barwne użycie instrumentów (pizzicato) dla osiągnięcia pożądanego nastroju. Lekcje gry na skrzypcach pod okiem miejscowego dyrygenta wojskowego rozpoczęły się dopiero, gdy Sibelius miał około 16 lat i od samego początku, jak wspomina sam kompozytor, skrzypce całkowicie go zawładnęły. „Przez następne dziesięć lat moim najszczerszym pragnieniem i najbardziej ambitnym celem było zostać wielkim wirtuozem skrzypiec”. Fortepian „nie śpiewa”, jak stwierdził sam kompozytor, a instrument ten był dla Sibeliusa głównie środkiem kompozycji. Przy pomocy skrzypiec, oprócz samego repertuaru skrzypcowego, zapoznał się z klasycznym i romantycznym repertuarem kameralnym. Granie muzyki z przyjaciółmi, a także z siostrą Lindą, która grała na pianinie, i bratem Christianem, który grał na wiolonczeli, stało się bodźcem do własnej kreatywności. Już w latach spędzonych w Hämeenlinna (1880–1885) ukazało się około 15 utworów fortepianowych i kameralnych na dwóch lub czterech muzyków. Oprócz klasyków wiedeńskich wzorami dla Sibeliusa byli Feliks Mendelssohn, Edvard Grieg i Piotr Czajkowski. Przed przeprowadzką do Helsinek w 1885 r
Sibelius ukończył Kwartet smyczkowy Es-dur, wskazując na celowe wnikanie w tajniki kompozycji. Za tym znajdował się podręcznik Johanna Christiana Lobe'a dotyczący komponowania muzyki, który Sibelius niezależnie znalazł w szkolnej bibliotece.
„Hämeenlinna to miasto, w którym chodziłem do szkoły, Loviisa oznaczała wolność”. Przeciwwaga życie szkolne Sibelius często przebywał w Sääksmäki, rodzinnej posiadłości rodziny von Kohn niedaleko Hämeenlinna. Sibelius stał się doskonałym strzelcem. Ale nie mniej ważna była przyroda, w której Sibelius postrzegał jako poetycką, tajemniczą siłę: „O zmierzchu Janne bawił się oglądaniem baśniowe stworzenia w gęstwinie lasu.” Zatem w bliskość z naturą wyznaczyła drogę przyszłego kompozytora.
Równie ważne były letnie miesiące, które Sibelius spędzał w Loviisa u swojej babci i ciotki Eweliny. W Loviis Sibeliusa urzekło morze, wolność i tęsknota za odległymi krajami. Poniosły go fantazje odległe kraje, podążając za wujkiem Johanem, marynarzem, który zginął w katastrofie morskiej przed narodzinami Janne. Kiedy w 1886 roku Sibelius przyjął nowy pseudonim, używał go wizytówki wujek, gdzie imię Johan zostało wydrukowane po francusku – Jean. Drugi wuj Sibeliusa, Per, mieszkający w Turku, był muzykiem-samoukiem i handlarzem nasionami, który obserwował gwiazdy przez teleskop, a wieczorami grał na skrzypcach. W życiu Janne zajął miejsce ojca, a na początku nawet rolę doradcy muzycznego. W Turku Sibelius zapoznał się bliżej z muzyką dzięki zbiorowi partytur Pera Sibeliusa, a także prawdopodobnie po raz pierwszy usłyszał prawdziwą muzykę orkiestrową.
Nietrudno zauważyć, że środowisko rodzinne i doświadczenie młodości zdecydowanie przemawiały za wyborem kariery niezwiązanej ze środowiskiem mieszczańskim. Wśród bliskich krewnych były osoby niepraktyczne, marzycielskie, a nawet lekkomyślne. Subtelny, głęboko mistyczno-religijny charakter matki i charakter ojca, który nie kłócił się z pieniędzmi, ale jednocześnie potrafił intensywnie skupiać się na pracy, stworzyły podwaliny nie tylko pod ekstrawagancki styl życia przyszłego kompozytora, który czasami pogrążył rodzinę w ruinę, ale także za umiejętność tworzenia wielkich dzieł w chaosie codziennych problemów.
Lata studiów w Helsinkach
Jesienią 1885 Sibelius wstąpił na Wydział Prawa Uniwersytetu Aleksandra w Helsinkach i jednocześnie rozpoczął naukę w Helsińskiej Szkole Muzycznej. Nastąpił klasyczny przypadek: uniwersyteckie podręczniki zakurzyły się i jesienią następnego roku nie było mowy o kontynuowaniu studiów na uniwersytecie. Muzyka pochłonęła młodego, początkującego kompozytora. Pod okiem wykształconego rektora szkoły muzycznej Martina Wegeliusa Sibelius studiował przedmioty z zakresu teorii muzyki, choć początkowo na pierwszym miejscu była gra na skrzypcach. Na koncertach pokazowych w szkole Sibelius występował jako solista z utworami J. B. Viottiego, F. Mendelssohna i P. Rohde, a także wykonywał krótkie utwory kompozytorów romantycznych.
Grał także w szkolnym kwartecie i został koncertmistrzem orkiestry akademickiej pod dyrekcją Richarda Faltina. Stopniowo zaczął rozumieć, że trema, a przede wszystkim dość późne rozpoczęcie nauki gry na skrzypcach stanowią poważną przeszkodę w karierze wirtuoza.
Na pierwszym miejscu było pisanie. Główny nacisk w nauczaniu Wegeliusa kładziony był na ćwiczenia kompozytorskie. Jednak przez cały czas Sibelius w tajemnicy przed swoim nauczycielem komponował dzieła w swoim własnym stylu, odmiennym od chromatycznych neoniemieckich ideałów, których Wegelius był zwolennikiem. W szczególności napisał wiele krótkich sztuk poświęconych przyjaciołom, bratu i siostrze. W okresie helsińskim powstało około stu utworów: pieśni, utwory na różne kompozycje kameralne, w szczególności tria na fortepian, sonatę skrzypcową i kwartet smyczkowy.
Sibelius szybko robił postępy w nauce i dość szybko zaczęto go nazywać muzycznym geniuszem. Kiedy w 1889 roku na wiosennym koncercie szkoły wykonano Kwartet skrzypcowy a-moll, został on bardzo wychwalany przez czołowego krytyka muzycznego Karla Flodina: „Pan Sibelius od razu znalazł się w czołówce tych, na których ciążyła przyszłość musicalu. sztuka Finlandii odpoczywa.” Nie mniej istotne niż studia były przyjaźnie zawarte w Helsinkach. Wśród nich była znajomość z kompozytorem i dyrygentem Robertem Kajanusem (1856–1933), który stał się głównym zwolennikiem muzyki Sibeliusa, z pisarzem, pianistą i kompozytorem Adolfem Paulem (1863–1942), a także z wpływowymi galaktykę Järnefelts, wśród których był kompozytor i dyrygent Armas Järnefelt (1869–1958), artysta Eero Järnefelt (1863–1937), tołstojowski pisarz Arvid Järnefelt (1861–1932) i oczywiście Aino, przyszła żona Sibeliusa. Szczególne znaczenie miał fakt, że Wegeliusowi udało się pozyskać do pracy w szkole światowej sławy pianistę i kompozytora Ferruccio Busoniego (1866–1924). Busoni, Sibelius, Paul i Armas Järnefelt tworzyli bliskie grono przyjaciół, którzy spotykali się niemal codziennie w kawiarni Erikson lub restauracji Camp i omawiali tematy związane z życiem i sztuką.
Lata studiów w Berlinie i Wiedniu
W ciągu czterech lat Sibelius wchłonął wszystko, co Helsinki miały do zaoferowania. Nadszedł czas na studia za granicą. Jednak jego droga nie wiodła w Petersburgu, gdzie miał do dyspozycji geniusz orkiestrowy Nikołaj Rimski-Korsakow. Wegelius chciał, aby jego protegowany otrzymał surową karę edukacja niemiecka. Pierwszym miejscem studiów za granicą był Berlin, gdzie nauczycielem Sibeliusa był teoretyk akademicki Albert Becker. Niekończące się ćwiczenia z kontrapunktem, niewątpliwie pożyteczne same w sobie, nie przyniosły wiele owoców, a najważniejsze bodźce Sibeliusa czerpał z uczęszczania na koncerty. Brał udział w koncertach, na których Hans von Bülow dyrygował symfoniami Ludwiga van Beethovena i grał jego sonaty fortepianowe. Miał także okazję usłyszeć rzadko słyszane późne kwartety Beethovena w wykonaniu Joachim Quartet. Wysłuchanie poematu symfonicznego Don Giovanni Ryszarda Straussa miało ogromne znaczenie, a kiedy Cajanus przyjechał do Berlina, aby dyrygować wykonaniem swojej symfonii Aino, być może stało się to dla Sibeliusa impulsem do stworzenia poematu symfonicznego. Warto wspomnieć także o Ryszardzie Wagnerze. Jego opery Tannhäuser i Die Meistersinger z Norymbergi wywarły niezatarte wrażenie na Sibeliusie i dały początek wieloletnia fascynacja Wagnerem.
Pod wpływem Christiana Sindinga Sibelius napisał w 1890 roku „Kwintet fortepianowy g-moll”, który stał się jego pierwszą kompozycją we właściwym stylu Sibeliusa. Wracając do ojczyzny na wakacje latem 1890 roku, ukończył wesoły Kwartet smyczkowy B-dur i zaręczył się z Aino Järnefeltem.
Dzięki pomocy Busoniego jesienią 1890 roku Sibelius kontynuował studia w Wiedniu. W tym mieście czuł się znacznie lepiej: „Wiedeń to miejsce, które lubię najbardziej”. Otwarta, międzynarodowa atmosfera Wiednia, towarzystwo, poznani przez niego rumuńscy i węgierscy muzycy oraz słyszane zewsząd walce Straussa urzekły go. Starzejący się Johannes Brahms, mimo zaleceń Busoniego, nie zaakceptował Sibeliusa, a jego nauczycielami zostali popularny wówczas Karl Goldmark (1830–1915), który uczył go techniki prowadzenia orkiestry, oraz Robert Fuchs (1874–1927), którego wśród uczniów znaleźli się Hugo Wolf i Gustav Mahler. Otrzymane wówczas wrażenia muzyczne znacząco wpłynęły na jego dalszy rozwój. III Symfonia Antona Brucknera w wykonaniu samego kompozytora zmusiła Sibeliusa do przyznania się: „On jest moim zdaniem największym żyjącym kompozytorem”. Przyszły kompozytor orkiestrowy Sibelius uronił łzy podczas wykonania IX Symfonii Beethovena pod dyrekcją Hansa Richtera: „Czułem się taki mały, taki mały”.
Narodziny kompozytora orkiestrowego
Do tego momentu Sibelius był kompozytorem kameralnym. W Wiedniu niespodziewanie zwrócił się do orkiestry. Pod kierunkiem Goldmarka Sibelius skomponował Preludium E-dur, na które widać wpływ Brucknera, a także Scene de Balais o swobodniejszej kolorystyce. Wiedeń miał także inny ważny wpływ na Sibeliusa: nagle zainteresował się wszystkim, co fińskie i językiem fińskim. Sibelius zainteresował się Kalevalą i odkrył jej tajemniczy świat: „Uważam, że Kalevala jest bardzo nowoczesna. Moim zdaniem to muzyka sama w sobie: temat i wariacje.” Główny temat poematu symfonicznego „Kullervo” zrodził się, gdy kompozytor znajdował się pod wpływem żarliwego, pierwotnie fińskiego nastroju. Wracając z Wiednia do Finlandii latem 1891 roku, Sibelius kontynuował pracę nad Kullervo. Choć Sibelius później zaprzeczał temu faktowi, jesienią 1891 roku spotkał się z gawędziarzem Larinem Paraske, przebywającym wówczas w Porvoo. Autentyczne wykonanie run i lamentów miało decydujący wpływ nie tylko na tematykę i formy kompozytorskie „Kullervo”, ale także na ukształtowanie się naszego własnego muzycznego Język Sibeliusa.
Premiera Kullervo 28 kwietnia 1892 roku była ogromnym sukcesem. „Ogłuszający wiosenny strumień fińskich melodii płynął z pustyni” – tak Kajanus opisał ten kluczowy moment w historii fińskiej muzyki. Powstała muzyka fińska, a Sibelius sprostał oczekiwaniom.
Ślub odbył się w czerwcu tego samego roku. Nowożeńcy, w duchu modnego wówczas karelizmu, udali się do miejsc narodzin Kalevali, w szczególności do Ilomantsi i Korpiselkä, gdzie Sibelius nagrał kilka melodii ludowych. Wrażenia z tej podróży można w pewnym stopniu odnaleźć w poemacie symfonicznym „Opowieść”, a przede wszystkim w „Suitie Karelskiej” i legendach o Lemminkäinenie.
Przez lata rodzina miała sześć córek, z których jedna zmarła w niemowlęctwie. Aby utrzymać rodzinę, Sibelius aż do przełomu wieków zmuszony był uczyć gry na skrzypcach i zajęć teoretycznych w szkole muzycznej i założonej przez Cajanusa szkole orkiestrowej. Styl życia kompozytora nie uległ jednak większym zmianom. Satyryczna „Księga człowieka” Adolfa Paula, wydana w 1891 roku, opowiadała o atmosferze bezczynności i niepohamowanej konsumpcji szampana fikcyjnej postaci Silenusa (na którego domyślano się Sibeliusa). Wystawiony w 1894 roku obraz Gallena-Kalleli „Problem” (później „Sympozjum”), przedstawiający znanych artystów drzemających wyczerpanych po szaleńczym pijaństwie, również nie wywołał pozytywnego wrażenia na publiczności.
Po Opowieści i Suicie Karelskiej nowy impuls do komponowania Sibeliusa zyskała dopiero po podróży do Bayreth i Monachium w 1894 roku. Jednak potężna muzyka Wagnera pokrzyżowała plany Sibeliusa dotyczące napisania opery. Prace nad operą inspirowaną Kalevalą „Budowanie łodzi” pozostały niedokończone. Wagner pozostawił niezatarty ślad w twórczości Sibeliusa, jednak dla niego poemat symfoniczny stał się formą dramatu muzycznego, a F. Liszt stał się ideałem kompozytora. W 1895 roku Sibelius wykorzystał materiał z opery do stworzenia suity orkiestrowej Lemminkäinen, składającej się z czterech legend (poematów symfonicznych).
W 1896 roku Sibelius wziął udział w konkursie na stanowisko nauczyciela muzyki na Uniwersytecie Helsińskim. Na ten temat wygłosił swój słynny wykład publiczny na temat „Niektóre aspekty muzyki ludowej i jej wpływ na muzyka klasyczna" Było to jego jedyne pisemne oświadczenie dotyczące jego poglądów jako kompozytora. Według Sibeliusa muzyka ludowa stanowi punkt wyjścia dla twórczości kompozytora, nawet jeśli ostatecznie musi wznieść się ponad poziom krajowy.
Po serii nie do końca przekonujących apeli miejsce trafiło do Kayanus, co na szczęście nie zrujnowało ich przyjacielskich relacji. W ramach rekompensaty Sibelius ku swojej radości otrzymał roczne stypendium, które później stało się jego dożywotnią emeryturą.
Romantyczny okres twórczości Sibeliusa zakończył się w 1899 roku wraz z napisaniem I Symfonii w duchu Czajkowskiego. Jednocześnie zwrócenie się ku symfonii doprowadziło Sibeliusa do ideału muzyki absolutnej. Warto zauważyć, że w nim, podobnie jak w II Symfonii (1902), niektórzy także pospiesznie dostrzegli cechy walki o niepodległość narodową. W tak zwanym „okresie ucisku” Sibelius i jego muzyka w naturalny sposób stali się symbolem ruchu narodowego. Sibelius nie miał nic przeciwko temu i w 1899 roku skomponował „Pieśń Ateńczyków” oraz utwór „Przebudzenie Finlandii”, którego końcową część, która stała się programem, nazwano później „Finlandią”. Jednak taki pogląd, który szczególnie w późniejszych latach łatwo mógł przerodzić się w ciasnotę, mógłby utrudniać zrozumienie jego dzieł. On sam o nich myślał zupełnie inaczej, przede wszystkim jeśli chodzi o muzykę jako taką.
Zdecydowany zwrot w kierunku więcej klasyczny styl Odejście od narodowego romantyzmu datuje się na początek stulecia, kiedy to na lata 1900–1901. Sibelius wraz z rodziną spędził trochę czasu w Rapallo (Włochy). Jasny język form starożytnej sztuki włoskiej wniósł do jego muzyki skoncentrowaną harmonię i starożytne ideały. Architektura i sztuka rzymska, a także muzyka Giovanniego Pierluigiego da Palestriny budziły w jego umyśle „niesamowite myśli o istocie muzyki”. II Symfonia jest w pewnym stopniu pierwszym przejawem tego nowego stylu. Innym przykładem ruchu w tym kierunku była przeróbka „Opowieści” z 1902 roku. Utwór stał się wyraźniejszy i nabrał klasycznej architektury Koncertu skrzypcowego, zwłaszcza w ostatniej wersji, która ukazała się w latach 1903–1905.
Przeprowadzka do Ainola i zostanie gra w klasy
Zmianę stylu ułatwiły także zmiany w życiu zewnętrznym. „Pieśń umarła we mnie w Helsinkach” – zauważył sam kompozytor. Chciał uciec od imprez w restauracji, które często przeciągały się długo, i móc w spokoju pracować. W 1904 roku Sibelius wraz z rodziną przeniósł się do domu zaprojektowanego przez Larsa Soncka w Tuusula, obecnie Järvenpää. Axel Carpelan (1858–1919), zubożały szlachcic i meloman, który także miał czas wolny. Wielokrotnie porządkował sprawy finansowe Sibeliusa, odwołując się do sumień patriotycznych przedsiębiorców i był bodaj najgłębszym znawcą twórczości Sibeliusa. Począwszy od koncertu na Wystawie Powszechnej w Paryżu w 1900 roku, Sibelius nieustannie otrzymywał od Carpelana sugestie dotyczące nowych kompozycji, a także przyjazną krytykę. „Dla kogo będę teraz pisać?” – zapytał Sibelius po śmierci przyjaciela w 1919 roku.
Trzecia Symfonia (1907) odzwierciedla zupełnie nową sytuację w życiu Sibeliusa: „Mimo wszystko w życiu jest wiele dur, III (symfonia) jest napisana w C-dur!” Sibelius odnosił zwycięstwa także za granicą, a jego muzyka zajęła mocne miejsce w Anglii, dokąd przybył w 1905 roku. Zwolennikami muzyki Sibeliusa zostali tam Henry Wood, Rosa Newmarch i Ernest Newman. W 1906 r. Sibelius odwiedził Petersburg, dyrygując swoim poematem symfonicznym „Córka Północy”. Przez całą swoją karierę, aż do światowej premiery VII Symfonii, która odbyła się 24 marca 1924 roku, Sibelius dyrygował wykonaniami swoich dzieł w całej Europie i organizował ich prawykonania.
W 1907 roku Sibelius poznał Gustava Mahlera, kiedy przyjeżdżał na koncerty do Helsinek. Pomiędzy kompozytorami reprezentującymi przeciwstawne ideały stylistyczne nie narodziło się żadne głębokie porozumienie. Mahler, będący jednocześnie jednym z najwybitniejszych dyrygentów swoich czasów, nigdy nie dyrygował dziełami swojego kolegi. Powiedzenia, które przetrwały z rozmowy Mahlera z Sibeliusem, są częścią historii muzyki XX wieku. Jeśli Sibelius powiedział, że główną rzeczą, która go podziwia w symfonii, jest „jej głęboka logika, która wymaga wewnętrznej jedności wszystkich jej tematów”, to według Mahlera „symfonia powinna być jak świat: wszystko powinno się w niej zmieścić .”
Okres ekspresjonizmu i wojna
Wiosną 1908 roku Sibeliusowi usunięto guza z gardła i na osiem lat całkowicie zrezygnował z cygar i alkoholu. Zapewne nieprzypadkowo właśnie z tego okresu pochodzą jego najbardziej znaczące i najtrudniejsze do zrozumienia przez odbiorcę dzieła. Kryzys duchowy widoczny jest w ciemnych barwach muzyki, w odrzuceniu zewnętrznej widowiskowości, w powściągliwości języka, w ekspresjonizmie. W tym czasie powstał poemat symfoniczny „Nocny skok i wschód słońca” (1908), kwartet smyczkowy „Voces intimae” („Ukryte głosy”, 1909), IV Symfonia (1911), poematy symfoniczne „Bard” (1913) i Pojawiła się „Bogini natury” (1913). Szczególnie ostry dysonans i modernistyczny charakter IV Symfonii został odebrany jako policzek wymierzony publiczności. Tego Sibeliusa nie było łatwo zrozumieć i w oczach wielu chwała narodowego kompozytora została poważnie uderzona.
Na początku lat 1910. Sibelius dał wiele koncertów, odwiedzając m.in. Göteborg, Rygę, Kopenhagę i Berlin. Jego międzynarodowa sława zaczęła zyskiwać na popularności. W 1912 roku zaproponowano mu stanowisko profesora w Akademii Muzycznej w Wiedniu, na co jednak odmówił. To samo wydarzyło się w 1921 roku, kiedy Sibelius został zaproszony do nauczania w Eastman School of Music w Rochester w stanie Nowy Jork. Sibelius w głębi duszy rozumiał, że nie urodził się, by być nauczycielem. Najprzyjemniejsze wrażenia przyniosła podróż Sibeliusa do Ameryki w 1914 roku, kiedy to otrzymał doktorat honoris causa Uniwersytetu Yale. Podczas amerykańskiego tournée koncertował, podczas których w szczególności wykonał napisany na zamówienie impresjonistyczny poemat symfoniczny „Oceanids”, a także odbył wycieczki do Bostonu i wodospadu Niagara.
Wojna światowa 1914–1918 był to trudny czas dla Sibeliusa, zarówno psychicznie, jak i materialnie. Trudności w podróżowaniu doprowadziły do izolacji, inflacja obniżyła emeryturę państwową, a tantiemy od jego niemieckiego wydawcy Breitkopf & Härtel nie napływały. Dla Sibeliusa, jego stylu życia i rodziny, oznaczało to biedę, naprawdę żałosną egzystencję. Aby w jakiś sposób utrzymać rodzinę, zmuszony był komponować drobne dzieła: pieśni, utwory na fortepian, a także utwory na skrzypce i fortepian. Wśród tych dzieł, które sam Sibelius nazwał „kanapką”, nie brakuje jednak doskonałych perełek – kompozytor potrafił połączyć przystępność z wysoką jakością.
W 1917 roku Finlandia uzyskała niepodległość, ale potem nastąpiło to brutalna wojna. Życie Sibeliusa nie było zagrożone zagrożeniem, choć w 1917 roku napisał „Marsz chasseurów”. Mimo to Czerwoni przeprowadzili rewizje w Ainoli, a Sibelius z rodziną na wszelki wypadek, z pomocą przyjaciół, schronił się w Helsinkach, gdzie z większym prawdopodobieństwem można było zagwarantować mu bezpieczeństwo. Trudy wojny znalazły odzwierciedlenie także w bolesnym procesie tworzenia V Symfonii. Prace nad nią trwały pół dekady: choć po raz pierwszy symfonię wykonano w 1915 roku na koncercie z okazji 50-lecia Sibeliusa, to dopiero w 1919 roku wykonano obecne wydanie. Trudny proces pisania symfonii odzwierciedla także zmiany, jakie zaszły w twórczym myśleniu Sibeliusa: dążył on do zastąpienia „symfonii” i „poematu symfonicznego” bardziej swobodną formą fantazja symfoniczna, który łączyłby te dwie formy.
Najnowsze arcydzieła i „cisza Järvenpää”
Trudy wojny ustąpiły dopiero w 1919 roku, kiedy Sibelius wraz z żoną pojechali do Kopenhagi na Dni Muzyki Nordyckiej. Wreszcie Sibelius miał okazję ponownie „oddychać powietrzem Europy”. Poznał Carla Nielsena, ale nie rozwinęła się między nimi bliska przyjaźń, przede wszystkim dlatego, że prasa nazwała Sibeliusa „największą postacią muzyczną Północy naszych czasów”, co było niegrzeczne wobec jego kolegów.
Po przerwie twórczej 1920–1922. rozpoczął się późny okres symfoniczny Sibeliusa. Kontynuował występy zagraniczne i napisał VI Symfonię (1923) i VII Symfonię (1924). Jednocześnie doświadczył trudności starzejącego się kompozytora: „Praca nie toczy się już w takim tempie jak wcześniej, a samokrytyka przekracza wszelkie granice”. A jednak w VI Symfonii Sibelius w nowatorski sposób łączy symfonizm i modalność, a VII Symfonię, dzięki swojej jednoczęściowej kompozycji, można określić jako swoisty punkt końcowy w klasycznym i romantycznym repertuarze symfonicznym. Ostatnie symfonie i poemat symfoniczny Tapiola (1926) to chyba najdojrzalsze dzieła Sibeliusa. Ale jednocześnie jego zasoby twórczej energii szybko się wyczerpały. W międzyczasie trwały także prace nad muzyką sceniczną do Burzy (1925) w Kopenhadze; Szeroki zakres stylistyczny i nowe rozwiązania kompozycyjne tej muzyki wskazują, że Sibelius niewątpliwie nie utracił zdolności do odnowy.
Następnie w roku 1929 ukazały się Opusy 114–116, dzieła na fortepian, a także na skrzypce i fortepian, ale potem spod pióra Sibeliusa nie wyszło już praktycznie nic. Z tworzeniem ósmej symfonii Sibelius walczył do 1943 roku, ale pod koniec lat czterdziestych XX wieku. kompozytor spalił szereg dzieł, co stało się niepodważalnym dowodem tajemniczego „milczenia Järvenpää”. I dopiero „Muzyka żałobna”, napisana na pogrzeb wieloletniego przyjaciela Sibeliusa, wskazuje, że świat zaginął wraz ze zniszczeniem VIII Symfonii. Podczas tych wydarzeń musiało wydarzyć się wiele tragedii ostatnie lata, choćby przynosiły honor i szacunek.
Pod koniec życia Sibelius był powszechnie uważany za jednego z najwięksi kompozytorzy jego czas. Jego muzykę grano wszędzie i organizowano festiwale na jego cześć. Nawet w starszym wieku Sibelius nadal interesował się najnowszymi trendami w muzyce. Napływ gości do Ainoli nie ustał, a kiedy kompozytor skończył 90 lat, były premier Wielkiej Brytanii Sir Winston Churchill wysłał Sibeliusowi pudełko swoich ulubionych hawańskich cygar. Dwa lata później, 20 września 1957 r., Sibelius zmarł w wyniku krwotoku mózgowego.
Międzynarodowy status Sibeliusa
Choć Sibelius nie stworzył własnej szkoły, miał naśladowców zarówno w kraju, jak i za granicą. W wczesny okres w Finlandii byli to Toivo Kuula i Leevi Madetoja. Później myślenie tematyczne, kompozytorskie i orkiestrowe Sibeliusa wywarło wpływ na wielu fińskich kompozytorów, w tym Joonas Kokkonen, Einojuhani Rautavaara, Aulis Sallinen i Erkki Salmenhaara. Wpływu Sibeliusa doświadczyło kilku kompozytorów brytyjskich (w szczególności Ralph Vaughan Williams), a także kompozytorów amerykańskich (Howard Hanson i Samuel Barber).
Wielu badaczom i historykom muzyki ustalenie miejsca Sibeliusa w historii muzyki nie było łatwe. Jednym z powodów była idea potrzeby postępu, która dominowała w XX wieku. i rozumiana w bardzo ograniczony sposób: atonalność interpretowano jako element nowoczesności, tonalność zaś piętnowano jako przejaw konserwatyzmu. Tym samym muzykę Sibeliusa można uznać za reakcyjną kontynuację późnego romantyzmu. Sibelius w całej swojej twórczości posługiwał się elementami muzycznego języka romantyzmu, czasem komponując nawet salonowe pasticcio w stylu XIX-wiecznym. Z drugiej jednak strony tradycyjną tonację rozszerzył o elementy modalne.
Co więcej, wykorzystanie przez Sibeliusa orkiestry, w której różne rodzaje epizodów łączą się i nakładają, było rewolucyjne jak na swoje czasy. Pod tym względem Sibelius stanowi także przykład dla współczesnych kompozytorów, takich jak Magnus Lindberg, Tristan Murray, David Matthews. Podobnie myślenie kompozytorskie Sibeliusa, w którym tradycyjne formy wykorzystywane są jedynie jako punkt wyjścia do nowych rozwiązań, należy do najnowocześniejszych w muzyce XX wieku.
Niepowtarzalna jest także jego technika motywu i tematu, oparta na swobodnym rozwinięciu tych elementów. Na końcu, dalszy rozwój gatunek symfoniczny na nowym etapie w historii muzyki był wyjątkowym osiągnięciem Sibeliusa.
Tekst – VEJO MURTOMYAKI
Materiał zaczerpnięty ze Zbioru Biografii „Sto niezwykłych Finów” na stronie internetowej Biblioteki Narodowej Finlandii © Biografiakeskus, Suomalaisen Kirjallisuuden Seura, PL 259, 00171 HELSINKI
Aplikacja:
Johan Julius Christian Sibelius, od 1886 styczeń, ur. 8.12.1865 Hämeenlinna, zmarł 20.09.1957 Järvenpää. Rodzice: Christian Gustav Sibelius, lekarz i Maria Charlotte Borg. Żona: 1892–1957 Aino Järnefelt, ur. 1871, zm. 1969, rodzice żony: generał Alexander Järnefelt i Elisabeth Klodt von Jürgensburg. Dzieci: Eva (Paloheimo), ur. 1893, zmarł 1978; Ruth (Snellman), ur. 1894, zm. 1976, aktorka; Kirsty, ur. 1898, zmarł 1900; Katarina (Ilves), ur. 1903, zmarł 1984; Margaretha (Yalas) ur. 1908, magister filozofii; Heidi (Bloomstedt) ur. 1911, zm. 1982, artysta.
Jana Sibeliusa(Szwed. Jana Sibeliusa, szwedzki Johan Christian Juliusz Sibelius; 8 grudnia 1865 w Hämeenlinna, Wielkie Księstwo Finlandii, Imperium Rosyjskie - 20 września 1957, Järvenpää, Finlandia) to fiński kompozytor szwedzkiego pochodzenia.
Biografia
Jana Sibeliusa urodził się 8 grudnia 1865 w Tavastgusa w Wielkim Księstwie Finlandii. Był drugim z trójki dzieci doktora Christiana Gustava Sibeliusa i Marii Charlotte Borg. Wcześnie stracił ojca i dzieciństwo spędził z matką, bratem i siostrą w domu swojej babci w rodzinnym mieście.Rodzina mówiła po szwedzku i wspierała szwedzkie tradycje kulturowe. Jednak rodzice Jana wysłali go do liceum z językiem fińskim. Od 1876 do 1885 uczył się w Liceum Normalnym w Hämeenlinna.
Zgodnie z rodzinną tradycją dzieci uczyły się gry na instrumentach muzycznych. Siostra Linda ćwiczyła na pianinie, brat Christian na wiolonczeli, Ian- początkowo na fortepianie, później jednak preferował skrzypce.
Już w wieku dziesięciu lat Ian skomponował krótką sztukę.
Następnie jego zainteresowanie muzyką wzrosło i rozpoczął systematyczne studia pod okiem lidera lokalnej orkiestry dętej Gustava Levandera.
Zdobyta wiedza praktyczna i teoretyczna pozwoliła młodemu człowiekowi napisać kilka kameralnych kompozycji instrumentalnych.
W 1885 roku wstąpił na Wydział Prawa Uniwersytetu Cesarskiego w Helsinkach, jednak nie pociągała go profesja prawnicza i wkrótce przeniósł się do Instytutu Muzyki, gdzie został najzdolniejszym uczniem Marcina Wegeliusa. Wiele z jego wczesnych utworów na zespoły kameralne wykonywali studenci i nauczyciele instytutu.
W 1889 r Sibeliusa otrzymał stypendium państwowe na studia w zakresie kompozycji i teorii muzyki u Alberta Beckera w Berlinie. W następnym roku pobierał lekcje u Karla Goldmarka i Roberta Fuchsa w Wiedniu.
Po powrocie Sibeliusa w Finlandii miał miejsce jego oficjalny debiut kompozytorski: poemat symfoniczny „Kullervo” op. 7 na solistów, chór męski i orkiestrę – jak głosi jedna z fińskich legend epos ludowy Kalevala. Były to lata bezprecedensowego zrywu patriotycznego i Sibeliusa od razu okrzyknięty muzyczną nadzieją narodu. Wkrótce ożenił się z Aino Järnefeltem, którego ojcem był słynny generał porucznik i gubernator uczestniczący w ruchu narodowym – August Alexander Järnefelt.
Po Kullervo powstał poemat symfoniczny „Opowieść” (En Saga), op. 9 (1892); Suita „Karelia”, op. 10 i 11 (1893); „Wiosenna piosenka”, op. 16 (1894) i suita „Lemminkäinen” (Lemminkissarja), op. 22 (1895). W 1897 r Sibeliusa brał udział w konkursie na stanowisko nauczyciela muzyki na uniwersytecie, ale bez powodzenia, po czym jego przyjaciele przekonali Senat do ustanowienia dla niego rocznego stypendium w wysokości 3000 marek fińskich.
Znaczący wpływ na wczesną twórczość Sibeliusa prowadzone przez dwóch fińskich muzyków: sztuki orkiestracji uczył go Robert Kajanus, dyrygent i założyciel Stowarzyszenia Orkiestr Helsińskich, a także zapewniał mu mentoring w tej dziedzinie muzyka symfoniczna był krytyk muzyczny Karl Flodin. Premiera I Symfonii Sibeliusa miało miejsce w Helsinkach (1899). Kompozytor napisał jeszcze 6 utworów tego gatunku – ostatnią była VII Symfonia (jednoczęściowa Fantazja sinfonica) op. 105, po raz pierwszy wykonany w 1924 roku w Sztokholmie. Międzynarodowa sława Sibeliusa zdobyto właśnie dzięki jego symfoniom, ale popularnością cieszą się także jego koncert skrzypcowy i liczne poematy symfoniczne, takie jak „Córka Pohjolana” (fiń. Pohjolan tytär), „Nocny skok i wschód słońca” (szwedzki: Nattlig ritt och soluppgang), „Tuonela”. łabędź (Tuonelan joutsen) i Tapiola.
Większość esejów Sibeliusa dla teatru dramatycznego (w sumie szesnaście) - świadectwo jego szczególnego zamiłowania do muzyki teatralnej: w szczególności jest to poemat symfoniczny „Finlandia” (1899) i „Smutny walc” (Valse triste) z muzyki do spektaklu szwagier kompozytora Arvid Järnefelt „Śmierć” (Kuolema); sztuka została po raz pierwszy wystawiona w Helsinkach w 1903 roku. Wiele pieśni i dzieł chóralnych Sibeliusa często brzmią w jego ojczyźnie, ale są prawie nieznane poza jej granicami: oczywiście ich rozpowszechnianie utrudnia bariera językowa, a w dodatku pozbawione są charakterystycznych walorów jego symfonii i poematów symfonicznych. Z najlepszymi dziełami kompozytora mogą konkurować także setki utworów na fortepian i skrzypce oraz kilka suit na orkiestrę.
Szczególna sytuacja w języku fińskim Kultura narodowa zajmował poemat symfoniczny „Finlandia”, który jest muzyczną ilustracją historii narodu i miał orientację antyrosyjską. Utwór odniósł sukces i stał się hymnem narodowym. Jego wykonanie, łącznie z gwiżdżeniem melodii w miejscach publicznych, było przez władze rosyjskie zagrożone karą pozbawienia wolności.
Działalność twórcza Sibeliusa właściwie zakończył się w 1926 roku poematem symfonicznym „Tapiola” op. 112. Od ponad 30 lat świat muzyczny czeka na nowe dzieła kompozytora - zwłaszcza na jego VIII Symfonię, o której tyle się mówiło (jej premierę zapowiedziano nawet w 1933 r.); jednak oczekiwania się nie spełniły. W ciągu tych lat Sibeliusa pisał jedynie drobne sztuki teatralne, zawierające muzykę i pieśni masońskie, które w żaden sposób nie wzbogaciły jego spuścizny. Istnieją jednak dowody na to, że w 1945 roku kompozytor zniszczył dużą liczbę dokumentów i rękopisów – być może wśród nich znajdowały się dzieła późniejsze, które nie osiągnęły ostatecznego wcielenia.
Jego twórczość doceniana jest głównie w krajach anglosaskich. W latach 1903-1921 pięciokrotnie przyjeżdżał do Anglii, aby dyrygować swoimi utworami, a w 1914 odwiedził Stany Zjednoczone, gdzie pod jego kierunkiem w ramach festiwalu muzycznego w Connecticut odbyła się premiera poematu symfonicznego Oceanides (Aallottaret). Popularność Sibeliusa w Anglii i USA osiągnęła swój szczyt w połowie lat trzydziestych XX wieku. Tak znani pisarze angielscy, jak Rose Newmarch, Cecil Gray, Ernest Newman i Constant Lambert, podziwiali go jako wybitnego kompozytora swoich czasów, godnego następcy Beethovena. Wśród najzagorzalszych zwolenników Sibeliusa w USA: O. Downs, krytyk muzyczny „New York Timesa” i S. Koussevitzky, dyrygent Bostońskiej Orkiestry Symfonicznej; w 1935 roku, kiedy muzyka Sibeliusa została wykonana w radiu przez New York Philharmonic, a słuchacze uznali kompozytora za swojego „ulubionego symfonistę”.
Od lat czterdziestych XX wieku zainteresowanie muzyką Sibeliusa wyraźnie spadło: pojawiły się głosy kwestionujące jego innowacyjność w dziedzinie formy. Sibeliusa nie stworzył własnej szkoły i nie wywarł bezpośredniego wpływu na kompozytorów kolejnego pokolenia. Współcześnie stawiany jest na równi z takimi przedstawicielami późnego romantyzmu, jak R. Strauss i E. Elgar. Jednocześnie w Finlandii pełnił i pełni znacznie ważniejszą rolę: tutaj uznawany jest za wielkiego kompozytora narodowego, symbol wielkości kraju.
Jeszcze żywy Sibeliusa otrzymał wyróżnienia, które przyznawano tylko nielicznym artystom. Dość wspomnieć o licznych ulicach Sibeliusa, parki Sibeliusa, coroczny festiwal muzyczny „Tydzień Sibeliusa" W 1939 roku „alma mater” kompozytora – Instytut Muzyczny – otrzymał nazwę Akademia Sibeliusa.
Sibeliusa w masonerii
Przez wiele lat był masonem i słusznie był jedną z najwybitniejszych postaci fińskiej masonerii. Sibeliusa był jednym z założycieli Loży Suomi nr 1 w Helsinkach. Później był głównym organistą Wielkiej Loży Finlandii. W 1927 r Sibeliusa napisał dziewięć kompozycji wokalno-instrumentalnych, zebranych przez siebie pod ogólnym tytułem „Muzyka masońska do rytuałów”. Pierwsze wydanie partytury, przeznaczone do rozpowszechniania wśród masonów, ukazało się w roku 1936. Drugie wydanie ukazało się w 1950 r., poprawione i rozszerzone przez autora o nowe kompozycje, w tym słynny poemat symfoniczny „Finlandia”, któremu towarzyszył specjalny tekst podczas występu masońskiego.Główne dzieła
Symfonie
- „Kullervo”, symfonia na solistów, chór i orkiestrę op.7 (1899)
- I Symfonia e-moll op.39 (1899)
- II Symfonia D-dur op.43 (1902)
- III Symfonia C-dur op.52 (1907)
- IV Symfonia a-moll op.63 (1911)
- Symfonia nr 5 Es-dur op.82 (1915)
- VI Symfonia d-moll op.104 (1923)
- VII Symfonia C-dur op.105 (1924)
Poematy symfoniczne
- „Saga”, op.9 (1892, wydanie drugie 1901)
- „Leśna nimfa”, op. 15 (1894)
- „Pieśń wiosenna”, op. 16 (1894)
- „Finlandia”, op.26 (1899)
- „Córka Pohjoli”, op.49 (1906)
- „Nocny skok i wschód słońca”, op.55 (1907)
- „Driada”, op.45 (1910)
- „Luonnotar” na sopran i orkiestrę op. 70 (1913)
- „Bard”, op.64 (1914)
- „Oceanidy”, op.73 (1914)
- „Tapiola”, op.112 (1926)
- „Łabędź Tuonela”
Suity symfoniczne
- „Lemminkäinen” (cztery legendy symfoniczne: „Lemminkäinen i dziewczęta na wyspie Saari”, „Lemminkäinen w Tuonel”, „Łabędź z Tuonel”, „Powrót Lemminkäinen”; 1893-1895)
- „Karelia”, suita op. 11 (1893)
- „Pelléas et Mélisande” (1905, od muzyki do sztuki Maurice'a Maeterlincka)
- „Sceny historyczne” I op. 25 (1. Uwertura 2. Scena 3. Uroczystość) (1899)
- „Suita miłosna” na smyczki, kotły i trójkąt (Rakastava), op. 14 (1911)
- „Sceny historyczne” II op. 66 (1. Polowanie 2. Pieśń miłosna 3. Przy moście zwodzonym) (1912)
- „Trzy utwory na orkiestrę op. 96. (1. Walc liryczny, 2. Past (pastoralny), 3. Walc rycerski) (1920)
- „Mała suita” na 2 flety i orkiestrę smyczkową op. 98a (1921)
- „Auta wiejska” na orkiestrę smyczkową op. 98b (1921)
- „Suita gatunkowa” (Suita charakterystyczna) op. 100 (1922)
Prace koncertowe
- Koncert na skrzypce i orkiestrę d-moll op.47 (1903)
- Dwie serenady na skrzypce i orkiestrę op. 69 (1912)
- Dwie uroczyste melodie na skrzypce lub wiolonczelę i orkiestrę op. 77 (1914, 1915)
- Sześć humoresek na skrzypce i orkiestrę op. 87 i 89 (1917)
- Suita na skrzypce i orkiestrę smyczkową (1929)
Teatr działa
- „Budowanie łodzi”, opera (1894, niedokończona; na materiale uwertury napisano sztukę „Łabędź z Tuonel”)
- „Dziewica w wieży”, opera w jednym akcie (1896)
- „Król Chrześcijanin II”, muzyka do spektaklu A. Pauli (1898)
- „Pelleas i Melisanda”, muzyka do spektaklu M. Maeterlincka (1905)
- „Śmierć”, muzyka do dramatu A. Järnefelta op. 44 (w tym słynny „Smutny Walc”) (1903)
- „Scaramouche”, balet pantomimiczny na podstawie sztuki P. Knudsena, op. 71 (1913)
- Uczta Belszaccara, muzyka do dramatu Hjalmara Procope (1906) op. 51.
- „Biały jak łabędź”, muzyka do dramatu Augusta Strindberga (1908) op. 54.
- „Jaszczurka”, muzyka do spektaklu Mikaela Liebecka (1909) op. 8
- „Imię”, muzyka do sztuki Hugo von Hofmannsthala (1916) op. 83.
- „Burza”, muzyka do sztuki Williama Szekspira op. 109 (1925)
Inne prace
- „Karelia” – uwertura op.10 1893
- „Pan i Echo”, op.53a 1906
Izba działa
- Dwa utwory (romans i epilog) na skrzypce i fortepian (1888) op. 2.
- Kwartet smyczkowy H-dur (1889) op. 4.
- „Melancholia” na wiolonczelę i fortepian (1901) op. 20.
- „Voces intimae” („Głosy ukryte”), kwartet smyczkowy d-moll (1909) op. 56.
- Cztery utwory na skrzypce (lub wiolonczelę) i fortepian (1915) op. 78.
- Sześć utworów na skrzypce i fortepian (1915) op. 79.
- Sonatina E-dur na skrzypce i fortepian (1915) op. 80.
- Pięć utworów na skrzypce i fortepian (1915) op. 81.
- Nowela na skrzypce i fortepian (1923) op. 102.
- „Tańce wiejskie”, pięć utworów na skrzypce i fortepian (1925) op. 106.
- Cztery utwory na skrzypce i fortepian (1929) op. 115.
- Trzy utwory na skrzypce i fortepian (1929) op. 116.
Na fortepian
- Sześć improwizowanych op. 5.
- Sonata F-dur (1893) op. 12.
- Dziesięć utworów (1894-1903) op. 24.
- Dziesięć Bagateli (1914-1916) op. 34.
- „Pensees lyriques”, 10 utworów (1912-1914) op. 40.
- „Küllikki”, trzy utwory liryczne (1904) op. 41.
- Dziesięć utworów (1909) op. 58.
- Trzy Sonatyny (1912) op. 67.
- Dwa małe ronda (1912) op. 68.
- Cztery utwory liryczne (1914) op. 74.
- Pięć utworów (1914) op. 75.
- Trzynaście utworów (1914) op. 76.
- Pięć utworów (1916) op. 85.
- Sześć utworów (1919) op. 94.
- Sześć Bagateli (1920) op. 97.
- Osiem krótkich utworów (1922) op. 99.
- Pięć utworów romantycznych (1923) op. 101.
- Pięć charakterystycznych wrażeń (1924) op. 103.
- Pięć szkiców (1929) op. 114.
Na organy
- Dwa utwory op. 111.
- 1. Intrada (1925)
- 2. Muzyka pogrzebowa (1931)
Dla chóru
- Sześć chórów męskich a cappella do tekstów „Kalevali”, „Kanteletar” i do słów Kiwi (1893-1901) op. 18.
- Zaimprowizowane dla chór żeński i orkiestrę do słów Rydberga (1902) op. 19.
- „Natus w curas”. Hymn na chór męski a cappella (wyd. 1899) op. 21.
- „Kantata uniwersytecka 1897” na chór mieszany a cappella (1897) op. 23.
- „Sandels”, improwizacja na chór męski i orkiestrę do słów Runeberga (1898) op. 28.
- „Pochodzenie ognia” na baryton, chór męski i orkiestrę (1902) op. 32.
- „Zniewolona królowa”, ballada na chór i orkiestrę (1906) op. 48.
- Dwie pieśni na chór mieszany a cappella (1911-1912) op. 65.
- Pięć chórów męskich a cappella (1915) op. 84.
- „Ojczyzna”, kantata na chór i orkiestrę do słów Kallio (1918) op. 92.
- „Pieśń ziemi”, kantata na chór i orkiestrę do tekstu Jarla Gemmera - z okazji otwarcia Uniwersytetu w Turku (1919) op. 93.
- „Hymn do ziemi”, kantata na chór i orkiestrę, tekst Eino Leino (1920) op. 95.
- „Hymn” na chór i organy (1925) op.107.
- Dwa chóry męskie a cappella (1925) op.108.
- „Hymn do Väinö” („Kalevala”) na chór i orkiestrę (1926) op.110.
- „Masońska muzyka ceremonialna”, cykl utworów na solistów, chór męski i organy (1926-1948) op.113.
Na głos z akompaniamentem
Pięć pieśni bożonarodzeniowych na głos i fortepian (1895-1913) op.1Arioso do słów Runeberga na głos i orkiestrę smyczkową (1911) op.3.
Siedem pieśni do słów Runeberga z towarzyszeniem fortepianu (1891-1892) op.13.
Siedem pieśni do słów Runeberga, Tavastjerne’a i innych na głos i fortepian (1894-1899) op.17.
„Narzeczone przewoźnika” na baryton lub mezzosopran i orkiestrę (1897) op.33.
Dwie pieśni na głos i fortepian (1907) op.35.
Sześć pieśni na głos i fortepian (1899), m.in. „Marcowy śnieg” (nr 5), „Diamenty na śniegu” (nr 6) (drugie wydanie autorskie - na głos i orkiestrę) op.36.
Pięć pieśni na głos i fortepian (1898-1902), wśród nich „Dziewczyna wróciła z randki” (nr 5) do słów Runeberga op. 37.
Pięć pieśni na głos i fortepian (1904) op. 38.
Sześć pieśni na głos i fortepian (1906), a wśród nich „Ciche miasto” (nr 5) do słów Demela op.50.
Osiem pieśni na głos i fortepian do słów Josephsona (1909) op.57.
Dwie pieśni na głos i fortepian (lub gitarę) oparte na tekstach z „Wieczoru Trzech Króli” Szekspira (1909) op.60.
Osiem pieśni na głos i fortepian do słów Tavastjerne’a, Runeberga i innych (1910) op.61.
„Luonnotar”, wiersz na sopran i orkiestrę (1913) op.70.
Sześć pieśni na głos i fortepian do słów Topeliusa, Rydberga i innych (1914-1915) op.72.
Sześć pieśni na głos i fortepian (1916) op.86.
Sześć pieśni na głos i fortepian do słów Franzena i Runeberga (1917) op.88.
Sześć pieśni na głos i fortepian do słów Runeberga (1917) op.90.
Melodeklamacja
- „Dryada” (sł. Rydberga) z towarzyszeniem fortepianu, dwóch rogów i orkiestry smyczkowej (1894) op.15.
- „Śnieżny pokój” (sł. Rydberga) z chórem i orkiestrą (1900) op.29.
- „Lodowa dryf na rzece Oulu” (sł. Topeliusa), z towarzyszeniem chóru męskiego i orkiestry (1899) op.30.
Działa bez oznaczenia opusowego
- Trio a-moll (1881-1882)
- Kwartet fortepianowy e-moll (1881-1882)
- Suita na skrzypce i fortepian (1883)
- Andantino na wiolonczelę i fortepian (1884)
- Kwartet smyczkowy Es-dur (1885)
- Sonata na skrzypce i fortepian F-dur (1886)
- Trio fortepianowe (1887)
- „Tranaden” („The Wishing One”), melodyczna recytacja do słów Stagneliusa z towarzyszeniem fortepianu (1887)
- „Noce zazdrości”, melodyczna recytacja do słów Runeberga z towarzyszeniem tria fortepianowego (1888)
- Serenada na głos i fortepian do słów Runeberga (1888)
- „Water Spirit”, dwie pieśni z towarzyszeniem tria fortepianowego do sztuki Wennerberga (1888)
- Temat i wariacje na kwartet smyczkowy (1888)
- Suita na skrzypce, altówkę i wiolonczelę A-dur (1889)
- Kwartet smyczkowy a-moll (1889)
- Kwintet fortepianowy g-moll (1889)
- Uwertura a-moll (1890-1891)
- Uwertura E-dur (1890-1891)
- Kwartet fortepianowy C-dur (1891)
- Oktet na flet, klarnet i smyczki (1891), wykorzystany później w Sadze
- Scena baletowa na orkiestrę (1891)
- „Tiera”, utwór na orkiestrę dętą (1894)
- „Dryada”, poemat symfoniczny (1894)
- „Kantata uniwersytecka 1894” na chór i orkiestrę (1894)
- „Min rastas” na chór męski a cappella (1894)
- Rondo na altówkę i fortepian (1895)
- „Dzień bez końca” (sł. Erkko), na głosy dziecięce a cappella (1896)
- „One Force” (sł. Cajander), na chór męski a cappella (1898)
- „Pływanie” na głos i fortepian (1899)
- „Hymn to Thaïs” do słów Borgströma na głos i fortepian (1900)
- „Orszak” na orkiestrę (1901)
- „Portrety” na orkiestrę smyczkową (1901)
- „Jeździec” na fortepian (1901)
- Sześć fińskich pieśni ludowych na fortepian (1903)
- „Nie trzeba narzekać” (do słów Runeberga) na chór mieszany a cappella (1905)
- „Carminalia” na chór chłopięcy (1905)
- „Język ptaków”, muzyka do spektaklu Adolfa Paula (1911)
- „Drommarna” na chór mieszany (1912)
- „Uusimaa” na chór mieszany (1912)
- „Juhlamarssi” na chór mieszany (1912)
- „Spagnuolo”, utwór na fortepian (1913)
- „Sen” (do słów Runeberga) na dwa soprany i fortepian (1915)
- „Mandolinata” na fortepian (1917)
- „Szaleństwo Fridolina” (do słów Karlfeldta) na chór męski a cappella (1917)
- „Narcyz” (do słów Gripenberga) na głos i fortepian (1918)
- „Żagle” na głos i fortepian (1918)
- „Girls” (do słów Procope’a) na głos i fortepian (1918)
- „Wyblakłe” na głos i fortepian (1918)
- Dwie pieśni na chór męski a cappella (1918)
- „Bractwo” (do słów Aho), na chór męski a cappella (1920)
- „Podobieństwo” (do słów Runeberga) na chór męski a cappella (1920)
- „Podróż Johana” (do słów Frödinga) na chór męski a cappella (1920)
- „Utwór romantyczny” na fortepian (1920)
- „Namiętne pragnienie” na fortepian (1920)
- „Pochód uroczysty Bractwa Śpiewającego w Wyborgu” I na chór męski (1920)
- „Andante festivo” na kwartet smyczkowy (1922). Istnieje oryginalne opracowanie na orkiestrę smyczkową i kotły ad libitum, wykonane w 1938 roku.
- „Andante lirico” na orkiestrę smyczkową (1924)
- „Niebieska Kaczka” na głos i fortepian (wyd. 1925)
- „Samotny szlak narciarski”, recytacja melodyczna (do słów Gripenberga) z towarzyszeniem fortepianu (1925). Istnieje oryginalny układ na czytnik, harfę i smyczki, wykonany w 1948 roku.
- Dwa Psalmy na chór mieszany a cappella (1925-1927)
- „Straż na moście” na chór męski a cappella (1929)
- „Uroczysty Marsz Bractwa Śpiewającego w Wyborgu” II na chór męski a cappella (1929)
- „Los Karelii” na chór męski i fortepian (1930)
Wykonania muzyki Sibeliusa
Dyrygenci, którzy nagrali wszystkie symfonie Sibeliusa (w tym Kullervo lub z wyłączeniem) to Vladimir Ashkenazy (dwukrotnie), John Barbirolli, Paavo Berglund (trzykrotnie), Leonard Bernstein (dwukrotnie), Osmo Vänskä, Alexander Gibson, Sir Colin Davis (trzykrotnie ). ), Kurt Sanderling, Lorin Maazel, Gennady Rozhdestvensky, Simon Rattle, Petri Sakari, Jukka-Pekka Saraste, Leif Segerstam (dwukrotnie), Neeme Järvi (dwukrotnie).Ważnymi nagraniami niektórych symfonii Sibeliusa dokonali także Karel Ancherl (nr 1), Thomas Beecham (nr 4, 7), Herbert von Karajan (nr 1, 2, 4-7), Robert Kayanus (nr 1, 2, 4-7). 1-3, 5), Kirill Kondrashin (nr 2, 3, 5), Siergiej Koussevitzky (nr 2, 5, 7), James Levine, Evgeny Mravinsky (nr 3, 7), Eugene Ormandy (nr 1) , 2, 4, 5, 7), Evgeny Svetlanov (nr 1), Georg Tintner (nr 7), Sergiu Celibidache (nr 2, 5), Georg Schneevoigt (nr 6), Paavo Järvi (Kullervo). Inne dzieła orkiestrowe Sibeliusa zostały nagrane także przez dyrygentów Hansa Rosbauda i Wilhelma Furtwänglera.
Koncert skrzypcowy nagrali skrzypkowie Camilla Weeks, Ida Handel, Gidon Kremer, Anne-Sophie Mutter, David Ojstrakh, Itzhak Perlman, Isaac Stern, Jascha Heifetz, Henrik Schering.